Методическо ръководство "първи стъпки на китарата". Ансамбъл от клас китара
Организацията на домашните задачи на шест струнна китара в системата на допълнително образование.Cлидерът на MetlaS.G е ръководител на ГМО учители от класа по китара.
Съществуват две форми на обучение: класна работа под ръководството на учител и независима домашна работа. За китарата са написани много методически творби, за ученици от музикални училища и колежи. Това са творбите на Н. П. Михиленко „Методи за преподаване на свирене на шест струнната китара“. Ю. П. Кузин "Азбуката на китариста." В. Дънкан „Изкуството да свириш на китара“. „Организацията на домашните за пианото“ от М. Е. Бесарабова. Общите принципи на обучение са подходящи и за системата на допълнително образование, така че много неща могат да бъдат възприети и адаптирани към допълнителното образование на класа по китара.
Да се научим да свирим на шест струнна китара
Успехът на обучението зависи от това как взаимодействат класовете, провеждани от учителя в класната стая, и независимите домашни класове на ученика. Научете детето си да разбира музика. Звуците трябва да са не само физически, но и музикални, да предават красота, а не само продължителност, височина, тембър. Направете го така, че изпълняваното музикално произведение да отразява не езика на музикалната нотация, а представлява някакъв художествен феномен. Класът на китара съществува в DDT на област Петроградски в Санкт Петербург повече от десет години. През годините много момчета са усвоили основите на китарното изкуство, запознавайки се с произведенията на композитори от различни епохи, страни, развивайки и усъвършенствайки своите музикални и творчески способности.
Уроците по инструментите позволяват на учениците да ускорят практическото развитие на основите на музикалната грамотност, което дава възможност в бъдеще да свирят в различни ансамбли. Разработете вътрешно ухо за музика, научете как да избирате мелодия на ухо, придружавайте гласа.
При цялата наличност и привидната простата китарата е доста сложен инструмент. Детето, седнало за инструмента, трябва да реши едновременно набор от задачи. Компетентно изпълнявайте музикалния текст, четете нотите правилно, като същевременно спазвате признаците на изменение, пръсти, нюанси, решаване на проблемите на метризма, темпото. Вземете под внимание правилното съотношение на мелодията и акомпанимента. Слушайте, интонирайте и пейте с пръстите на дясната ръка музикални фрази и изречения. Постоянно наблюдавайте координацията на двете ръце. Очевидно има много задачи при свирене на китара и всяка от тях представлява определена теоретична, координационна или техническа сложност и изисква определено време за изучаване и практическо обучение на шията на китарата.
Организация на часовете по китара.
Занятията в институцията за допълнително образование в класната стая с учителя съставляват сравнително малка част от времето (45 минути) на седмица. Това не е достатъчно за уверен, задълбочен учебен материал. Много е важно правилно да организирате домашните. Задачата на класната работа е да подготви ученика за самостоятелна творческа работа. Важно е ученикът да разбере, че систематичните уроци по китара са основното условие за овладяване на изпълнителските умения. При това детето абсолютно се нуждае от помощта на родителите, особено ако детето е в начална училищна възраст. Важно е да научите ученика да работи самостоятелно.
Начален период на обучение
Трябва да се помни, че абстрактното мислене при дете от 7 до 8 години все още не е напълно оформено. Следователно, в домашната работа за инструмент, човек трябва на първо място да се ръководи от образно мислене, развитието е един от водещите принципи на музикалното образование. Всяка независима работа трябва да протича в непрекъснат слухов контрол. Периодично трябва да се контролират уроци, които имитират домашните. Учителят не трябва да се намесва в процеса, да наблюдава, понякога да прави коментари. Важно е да се установи контакт с родителите, да се запознаят с условията на живота им, да се помогне да се установи твърд ред за ученика. Тъй като всяко музикално произведение винаги носи емоционално-образно съдържание, се счита за целесъобразно да се редуват училищни и музикални домашни часове, например руски език-музика, математика-музика и др. Този принцип на подготовка за дома ви позволява да свързвате товара и да почивате равномерно на завои. При тази уговорка продължителността на часовете между уроците може да продължи 15-20 минути. Предложеният режим на работа ще ви спести време и ще ви позволи по-ефективно да изградите домашни класове.
Организация на китаристкото движение
През първите седмици на обучение ученикът се научава да ходи с пръсти по струните и лапите. Тази трудна задача изисква много търпение и внимание, както от ученика, така и от родителите, тъй като децата на 7-8 години физически не са в състояние да се концентрират върху такава работа повече от няколко минути. Тук ученикът се нуждае от помощта на родителите по време на първите класове. Първо трябва да овладеете техниката на арпеджио на китара. Пръстите на дясната ръка трябва да виждат и чуват. Движението на пръстите на дясната ръка е по-лесно да се анализира, когато те не са свързани с лявата ръка. Най-простият арпеджио е нагоре по течението p.i.m.a. Палецът на дясната ръка играе с опора (apojando), в този момент и трите пръста са показалец, среден и пръстен на пръстите едновременно поставени на 1.2.3. струната, струните са разположени между върховете на пръстите и ноктите, като леко натискате струните, пръстите последователно извличат звука. Фиксирането на връвта между подложката на пръста и нокътя осигурява най-ефикасното предаване на усилията, минимален обратен удар в нокътната става. Пръстите на лявата ръка осигуряват минимално повдигане над шията, създавайки минимум усилия за тяхното движение. Минималният натиск върху струните ги предпазва от претоварване, забавя появата на умора. Вертикалното положение на пръста се постига чрез докосване на връвта на таблото по-близо до нокътя. Препоръчително е да работите с метронома и за да развиете усещането за пулс, трябва да настроите метронома към втория ритъм. Упражненията и везните изискват постоянно внимание към артикулацията на контролирано и неконтролирано, когато ухото контролира и не контролира скоростта на изпълнение с най-бързи темпове. Много е важно да чуете атаката ритмично и мелодично, психически да я свържете със следващия силен ритъм, да го считате за трамплин към силен ритъм. Важно е ученикът да наблюдава движенията на двете ръце по време на играта; артикулацията между дясната и лявата ръка е много важна. Пръстите на дясната ръка се подготвят, поставят се предварително на необходимите струни, пръстите на лявата ръка намират нотата, пръстите на дясната ръка извличат звука. Палецът на дясната ръка опира до 6-та струна при игра на кантар и упражнения. Стойността на тези упражнения и упражнения е важна, тъй като темпът се увеличава или се появяват по-малки продължителности, контролът на ума отстъпва на придобитите рефлекси. Много е важно да се развие техниката на дясната ръка, колкото повече време за подготовка на звука, толкова по-дълбок контрол. Това, което в крайна сметка изглежда legato, се случва с равномерна интензивност и ритмична точност.
Ритъм работа
Тъй като музиката е изкуство, което не може да съществува извън времето, за всеки изпълнител е необходимо да има силно усещане за подземния ритъм като основа на всяко музикално произведение. За изразително изпълнение освен тембър, ускорение и забавяне на темпото, трябва да научите как да извличате звук и ритъм от китарата. Това може да стане с помощта на движения на ръцете, психически се концентрирайте върху такова упражнение, лявата ръка, като натискате връвта на шията, прави скрито движение в лявата страна, а дясната ръка в този момент - вдясно, разтягайки звука, създавайки напрежение и след това отпускайте , трябва да съответства на вътрешната пулсация. Това е много интересен момент в техниката на изпълнение на изключителни китаристи, по тази тема искам да напиша следващата си работа по анализа на изпълнителните умения на водещи китаристи. Един от методите за възпитание на усещането на метро ритъма е да се работи с сметка в ухото, особено в началния етап на обучение, постепенно ученикът развива вътрешното усещане на метро ритъма. Схемата за акаунти, която използвам, изглежда така. Цялата нота се счита за Ta-aaa, половината Ta - a, четвърт Ta,
Осмото Та-ти, шестнадесетото Та-ра-ти-ри. Тази схема е проста, лесна за запомняне, лесна за изказване.
Методически съвети за учители от клас по китара.
За успешното учене се опитайте да намерите психологически контакт с ученика още от първите уроци. Не се стремете да провеждате класове само с способни деца. Всяко дете е индивидуалност, личност, изкуството на учителя е, че всеки ученик се превръща в отличен изпълнител, придобива постоянен интерес към музикалните занимания, които могат да продължат завинаги. За целта е необходимо да се създаде режим на домашна работа на ученик, в който се наблюдава редуването на учебни и музикални предмети, да се научи детето да практикува инструмента всеки ден. През първите месеци на обучение, ако е възможно, родителите трябва да присъстват на урока, за да могат след това да контролират домашните. От първите стъпки на обучението да научите ученика да работи независимо за инструмента. Спазвайте стриктно хигиенните и физиологичните условия за детето. Използвайте удобен твърд стол с необходимата височина, застанете за левия крак, за да избегнете изкривяване на гръбначния стълб. Мълчание по време на час. Внимателно към физическото и емоционалното състояние на ученика. Посещавайте годишни концерти и конкурси на място с родители. Постоянно формирайте потребността на детето да слуша класическа музика и да анализира това, което чува. Учете децата как да се държат на сцената, да излизат, да се поклонят, да се грижат. Работете уверено, с уважение и любов към ученика, китара, музика. Постоянно анализирайте класовете.
Методично разработване на открит урок
"Китара в различни видове ансамбъл DSHI"
учител по художествена школа Богомолова Лариса Ивановна
inta
Целта на урока: формирането и развитието на уменията и техниките на учениците в ансамбълната игра.
Задачи на урока: научете се да се слушате и стриктно да следвате темпото и ритъма, да наблюдавате динамичните нюанси, да се запознаете с техниките на китарата.
План на урока
1. Въведение
2. Съвместно създаване на музика на учител с ученик.
3. Съвместно създаване на музика с връстници.
4. Съпровод на уменията.
Курс на урока.
Ансамбълът е колективна форма на играта, по време на която няколко музиканти съвместно разкриват художественото съдържание на творбата чрез изпълнение на средства. Занятията в класа на ансамбъла трябва да допринесат за развитието на ритмичния, мелодичния, хармоничния слух на учениците, развитието на творческите умения и най-важното - да внушат интерес и любов към музиката и техния инструмент, както и да допринесат за формирането на основите на самостоятелната музикална дейност. Предлагаме ви поетапно преживяване на свирене на музика в DSHI.
Етап 1 Съвместно създаване на музика на учителя с ученика.
Основните задачи на този етап са: да получите началните умения за четене от лист и анализиране на музикален текст, да се научите да се слушате, да наблюдавате динамични нюанси.
Обучението на уменията за свирене на ансамбъл трябва да се практикува през целия период на обучение. Ако е възможно, влизайте в ансамбъла на репертоара възможно най-рано. На практика започваме да представяме ансамбълната игра от първите уроци. Започвайки да работим върху звукопроизводството на отворени струни, за да направим детето по-интересно, вземаме песни с думи. например:
"Небето е синьо, горичката е в мразовит лъх, ранната утрин е цялата почервеняла." До този момент студентът вече трябва да е запознат с продължителността на бележките. Разработваме ритмичната страна на песента, пляскайте. След това преминете към природата на песента, ние пеем под акомпанимента на учителя. Съпроводът е не само хармонична и ритмична опора на мелодията, но и разкрива емоционално - образния свят на песента. В първоначалните два бара акомпаниментът създава усещане за спокойствие, замисленост, тишина (пиано). Но вече в следващите две ленти, появяващите се акорди насищат звука с приближаването на ярка светлина и цветове (гладко кресчендо). От това ученикът и мелодията свирят съответно - първата фраза е привързана и загадъчно, втората - ярка, кресчендо. Вземете за пример още една песен „Смел пилот“, тук трябва да се съсредоточим върху характеристиките на звука. Веселата, игрива мелодия изисква различен подход към изпълнението, отколкото предишния пример. Звукът се извлича по-интензивно, уверено, плавно (mf).
Сега се обръщаме към изпълнението на песни на затворени струни. Първата задача на ученика е внимателно, без игра, да разглежда текста на нотата и да определя ритмичния модел, динамичните нюанси. Вземете например „Как са тръгнали приятелите ни“, ние ще определим как върви мелодията, какъв динамичен нюанс да я възпроизведем (направете кресчендо). Преди началото на играта ученикът може да предложи примери за различни възприятия за разходката на момичетата - весело, радостно и тъжно, тъжно и сега представлението се превръща в интересна, образна музикална картина. Друг пример: "Не лети славей до прозореца." След като анализираме ритмичния модел, старта, изпълнението на първия ритъм, който е по-силен от удара, ние започваме да го свирим с акомпанимента и почти всички деца казват: „о, каква тъжна мелодия“, тоест акомпаниментът тук определя определянето на характера на парчето. Основното в тази работа е да се научим да се слушаме един друг. В процеса на учене ние продължаваме да свирим едни и същи песни от лист в по-високите класове, като постепенно усложняваме задачата, променяме партита. В процеса на подобна работа студентът придобива умения за „солово“ - когато е необходимо да играе партията си по-ярко и „придружаващо“ - способността да премине на заден план.
В пиесата „Как отидоха нашите приятели“ е много важно да научим акомпанимента да свири - бас, акорд, обяснете разликата в звука. Басът е дълбок, но не е остър и акордът е по-мек. „Не лети славей“ тук е важно да намериш такъв звук на акорда, така че да се предава образното съдържание на песента.
Етап 2 Съвместно създаване на музика с връстници (дует на китара, трио и др.).
На този етап има следните задачи: да научите как да използвате палитрата на тембъра, да работите върху динамиката във всяка част поотделно, както и да изградите динамичен баланс, да научите конкретни техники на китара (rasgeado, pizzicato, flageolets, vibrato).
Ще покажем работата на дуета на играта в ансамбъла. В началото на урока губим гамата на C-dur в унисон, опитваме се да играем заедно, слушаме, не се получава веднага, но се опитваме. Тук се научаваме да играем точно в един и същи динамичен оттенък. Можете също да направите това на една нота, за да чуете разликата в звука на високоговорителя. След това преминете към произведенията.
Вземете например Е. Ларичев „Полка“ обр. О. Зубченко. Полка е бърз, оживен централноевропейски танц, както и жанр от танцова музика. Размер на музикална полка - 2/4 , Полка се появи в средатаXIX век в Бохемия(съвременна Чехия) и оттогава се превърна в известен народен танц.
Анализираме кой има мелодия, кой акомпанимент, обясняваме, че мелодията трябва да звучи по-ярко.
Съпровод - басът е дълбок, а акордите са много меки, лесни, за да не се удави мелодията. Басът служи на метрична основа.
Втората пиеса „Мазурка“. Ритъмът на мазурката е остър и прецизен, той съчетава лека грация, понякога благоговение. Извличането, трябва да бъде по-ясно, остро, леко.
След това е работата по динамиката. Възпитавайки едва доловимо усещане за динамика, ансамбълът безпогрешно ще определи силата на звука на своята част спрямо другите. В случай, че изпълнителят в парти, чийто главен глас свири, играе малко по-силно или малко по-тихо, партньорът му веднага ще реагира и ще изпълни своята част малко по-тихо или по-силно.
Когато работи върху произведение, учителят трябва да обърне внимание на 3 точки: как да започнем заедно, как да играем заедно и как да завършим работата заедно.
Ансамбълът трябва да има изпълнител, изпълняващ функцията на диригент, той трябва да показва интро, оттегляне, забавяне. Сигналът за влизане е малко кимване на главата, състоящо се от две точки: едва забележимо движение нагоре и след това ясно, доста рязко движение надолу. На репетицията можете да изчислите празен ритъм, а може да има и думи (внимание, започнато ¸ три-четири). Много е важно да завършите работата по едно и също време.
Последният акорд има определена продължителност - всеки от ансамблите брои мълчаливо и снима точно навреме. Тя може да бъде и кимване на главата.
В работата в унисон включваме и играта на пиеси. В крайна сметка, в унисон, партиите не се добавят взаимно, а ги дублират, така че недостатъците на ансамбъла в него са още по-забележими. Изпълнението в унисон изисква абсолютно единство - в метро ритъм, динамика, удари, фрази. За съжаление, малко внимание се обръща на тази форма на ансамбълната игра; междувременно силните ансамблови умения се формират в унисон, а унисон е интересен както визуално, така и на сцената. Дует (трио) ще бъде изпълнен "Gipsy".
Етап 3 Умения за съпровод. Задачи: овладяване на техниката на арпеджио, изучаване на основните акорди и техните буквени обозначения, изработване на цялата текстура - мелодия, акомпанимент и бас.
Китарата е независим инструмент и в същото време богат придружаващ инструмент. Той може успешно да придружава цигулка, флейта, домра, формирайки успешни комбинации от тембър с тези инструменти. По своята същност китарата е особено подходяща за придружаващи гласове, създавайки мек, приятен фон за нея. Запознаването със акомпанимент става в края на първата година на обучение, когато студентът започва да свири акорди на първа позиция. Помислете за изпълнението на акомпанимента - арпеджио и бас акорд. Когато изпълнявате арпеджио, насочете вниманието на ученика към хармоничното суперпозиция на звуци, които създават непрекъснат звук. Първият звук се възпроизвежда от F, вторият е mf, третият е mp, четвъртият е p. Това означава - следващият звук се приема с такава звукова сила, която се получава в резултат на затихването на предишния. Такова изпълнение може да се нарече „пеене на китара“.
Песента на студента ще бъде изпълнена от песента „Ковачът“ от В. Шаински. В първия случай той пее и придружава себе си, във втория - домра. В този пример използваме буквените символи на акордите. Също в този пример, ние сме запознати с различна съпътстваща текстура: арпеджио, бас акорд, бой.
Вторият пример е романсът на А. Любовта „Любовта е вълшебна страна“, метод за свирене на арпеджио, средната част е соло на китара. Примерът на тези парчета показва работата върху акомпанимента, съотношението на звука на мелодията и акомпанимента, извличане на звук. Акомпаниарът трябва да свири изразително, да реагира на всякакви динамични, темпови промени в изпълнението на солиста.
За да играете заедно, трябва да се чувствате, разбирате, да се слушате един друг. Ансамбълът като форма на колективно творчество възпитава у всеки свой участник такова качество като способността да живее и твори в екип, да намира общ език помежду си.
методическа работа
Методическа работа „Работа с кантар в класа на китара“, подготвена от Губенко Константин Сергеевич
2
Съдържанието
Въведение ………………………………………………………………………… ... 3 1 Едногласни скали …………………………………… ……. …… ..5 2 Опции за опъване на пръстите на дясната ръка ……………………… ..… .16 5 Последователността на изучаване на кантара в детско музикално училище… .18 Заключение ……………………………………………………………… … .24 Списък на използваните справки …………………………………… ..26
3
въведение
Не е тайна, че всеки китарист мечтае и се стреми да свири бързо, шумно и чисто, порази публиката със своята виртуозна техника, особено в гама-подобни пасажи. Някои музиканти могат да направят това лесно (естествени данни), други овладяват техниката с години упорит труд (придобити умения), а някои напълно не успяват да овладеят тези виртуозни качества (мързел или некомпетентност). Гаммо-подобни пасажи в една или друга форма често се срещат в произведения за класическа китара, например в испански (фламенко) и класически произведения (Sor, Giuliani, Aguado, Legnani и др.), Както и етюди и виртуозни пиеси. Добре известно е, че игра на везни е полезно, но по някаква причина не всеки го прави с удоволствие. Междувременно, ако ги играете разумно, тя се превръща в творчески и вълнуващ процес. Когато гама се овладее, нейното изпълнение улавя енергията на движението. Спомнете си, че спускането с шейни или карането на ски от планината, колоезденето е рутинна, но завладяваща професия, а играта на везни е и решение на шахматен проблем, пъзел. Нека да видим какво може да работи на везните и как е необходимо да се работи върху тях. Факт е, че скалите са най-простите технически формули. Те са интересни не сами по себе си, а по своята простота и гъвкавост. Лесно е да научите диапазон, състоящ се само от няколко бележки, но като правите различни задачи, можем да научим много. По този начин е възможно да се научи техниката в чиста форма, заобикаляйки специфичните трудности при усвояването на музикален текст, стила на изпълнение, сложността на превключване на вниманието от една задача към друга, която
4 неизбежно трябва да се срещнат в произведение на изкуството, чиято основна цел е да създадат музикален образ. И така, от всичко казано е ясно, че е важно не просто да се научиш на мащаба и да го играеш. Единствено чрез знанието какво да работим, как да работим, върху какво да се съсредоточим, може да се възползваме от изпълнението на скалите. Това е първият аспект - технически. Вторият аспект е теоретичен. Оказва се, че в реалния живот тези две групи проблеми стават конкуренти. Малцина, които успяват да намерят баланс между тях. И музикалната теория, и технологията, противно на филистимската гледна точка, изискват точни, конкретни и детайлни знания, активното включване на паметта и вниманието. Трудно е за учителя, и особено за самото дете, да посочи какво не трябва да се пренебрегва, какво да проверява, дали това знание е наистина вложено в паметта или просто да стане познато и познато, но не е от значение. Целта на тази работа е: да се проучи и анализира проблема с работата по ръководството в методическата литература; да разгледа основните теоретични подходи за изучаване на везни в класа на китара, както и да разработи поредица за изучаване на везни в детско музикално училище.
1 Монофонични скали
Гама винаги е била един от най-важните инструменти за техническото развитие на музикант от всякаква специалност. Техниката свирене на китарист не е изключение. Във всеки методологичен наръчник ще открием еднотонни гами във всички клавиши, най-често в свиренето на А. Сеговия, с малка, като правило анотация за ползите от игра на везни. Трябва да се отбележи, че в момента няма еднакви апликативни правила за игра на везни на китара. Търсенето на рационално свирене в скалите значително изтласка основния въпрос на заден план: защо все пак играят? Най-често
5 Отговорът е: за развитието на плавност и техниката на възпроизвеждане на гама-подобни пасажи. Ако говорим за първото, тогава днес не е тайна за всеки, че владеенето е естествен дар, който може да се развие, ако е наличен. Въпреки това е малко вероятно да се увеличи значително скоростта на движение на пръстите, ако по природа това не е дадено. В изследването на апликативните техники, използвани от А. Сеговия в неговата известна Гамас, възникват съмнения относно второто твърдение. В крайна сметка, гама-подобни фигурки в музикални произведения се изпълняват изключително рядко от свиренето, посочено в това ръководство. Изглежда, че „Гама” на А. Сеговия има за цел да развие и укрепи уменията на организирана, уверена игра, координиране на действията на пръстите на двете ръце. С помощта на везни е разработен и един от най-сложните компоненти на техниката на свирене на китара - преходи от низ към низ, овладяване на пълната гама китара, игра на умения в ключове с различен брой остри предмети и плочи. Познаването на свиренето и свободната ориентация на шията е необходима основа за развитието на изпълнителските техники, освен че играта на везните спомага за укрепване на правилните мускулни усещания, развитието на първично плавност и координация на действията на двете ръце. От самото начало на усвояване на гама учениците трябва да поставят определени цели за качеството на тяхното изпълнение, особено когато става въпрос за професионално обучение. Такива първоначални изисквания са свързани с яснотата и равномерността на гама. На първо място, те са свързани с проблема за координиране на действията на пръстите на дясната и лявата ръка. Китарата е скъсан инструмент и продължителността на звука е ограничена, тъй като вибрациите на струните изчезват доста бързо. Освен това струната незабавно се заглушава, ако пръстът на лявата ръка е повдигнат или е докоснат от пръста на дясната ръка. Това обяснява голямата трудност в постигането на последователна игра и необходимостта от постоянен контрол върху действията на пръстите на двете ръце.
Постигането на яснота и равномерност в гама на първия етап се основава на практикуването на координация на движенията на пръстите на двете ръце. Начините за нейното развитие са затворени в играта на скалите както от най-простите групи от времетраене (дуоли, триплети, четвъртинки), така и с участието на по-сложни ритмични фигури: пунктирания ритъм, осмият - две шестнадесети и техните варианти. Със сигурност е важна и работата по редуването на всички двойки пръсти на дясната ръка:
i-m
,
m-а
,
аз-а
, Провежда се успоредно с решението на координационните и ритмичните задачи. В допълнение, не забравяйте да използвате две техники за извличане на звука -
tirando
и
apoyando
, За извършване на контрол на гама при техническите тестове могат да се използват всички предварително съгласувани опции. С повишаването на нивото на изпълнение на студента, изискванията за качеството на гама-производителността се увеличават. Преди студента е необходимо да се поставят вече по-сложни задачи - артикулация, динамика, тембър. Постепенно гама става материал за произведения на изкуството. По-късно, когато се работи с везни, задачите са сложни и варират: по-сложни ритмични фигури, голямо разнообразие от динамични и артикулационни техники. Трябва да обърнете внимание на факта, че легата на китарата е сравнително относителна, но ние използваме този термин, за да обозначим най-кохерентната игра. Може да се говори само за различна степен на дисекция, а не за кохерентност на звуците. Освен това с бързи темпове границата между staccato и legato е почти изтрита, а при тези условия основното е чувството за различие един от друг, поне символично. Изпълнението на гама на техническия тест не само (и не толкова) стимулира техническото развитие на ученика, но преди всичко помага да се идентифицират пропуските в техническото обучение, недостатъците, които възпрепятстват по-нататъшното развитие, и в същото време, начините за коригиране на грешки и постигане на нови висоти. умение.
7 Спецификата на свиренето с китара е, че тя има не само лявата, но и дясната ръка. В същото време, функциите и движенията на лявата и дясната ръка се различават значително една от друга, което изисква специално внимание към комбинацията от тяхното свирене. Ще разгледаме въпросите на китарните апликации за дясната и лявата ръка в следващите глави на тази работа.
2 Опции за свирене с дясната ръка
Когато става въпрос за свирене на китара, обикновено става дума за лявата ръка, тъй като в основата си често се среща проблемът с бране на пръстите. Що се отнася до правото, тази тема се повдига рядко поради някои от нейната всеобщо призната яснота. Има обаче един въпрос, който бих искал да подчертая. Става въпрос за редуването на пръстите в гама-подобни пасажи. Като правило, в китарните везни и гама-подобни пасажи, много китаристи използват обичайното (стандартно) свирене на пръстите на дясната ръка. Принципът на "стандартното" свирене е промяната на два пръста на дясната ръка
i-m
или
м-
, Ако преминаването не е бързо или ако е кратко, проблемите обикновено не възникват. Всички бележки звучат ясно и озвучено. С увеличаване на темпото, китаристът може да има проблем: пръстите му сякаш са „заседнали“ в струните. Но поради тези "трудности" изобщо не е необходимо да се отказва да свири на парче или да се изпълнява по-бавно, отколкото трябва да бъде. Обмислете няколко принципа и възможности за използване на свирене в дясната ръка на примера на гама
C-Dur
в свиренето на Андрес Сеговия, който в момента е учебник.
Гама C-dur (свирене с пръсти A. Segovia)
8
Принцип с два пръста
, Гама-подобни пасажи се извършват с два пръста на дясната ръка,
i-m
или
М-
, Това е най-разпространеният метод на свирене, който се използва от почти всички китаристи. Някои китаристи (поради логиката на една и съща дължина на пръстите и личните предразположения) използват варианти с дву пръсти, а именно -
а-и
или
аз-а
, Стрелбата почти никога не се използва в работата.
а-т
m-а
). За да се развие силата и подвижността на тези пръсти, се препоръчва да се използва тази китка в упражнения и скали. Имайте предвид, че когато се използва в упражнения, малкият пръст в дясната ръка също увеличава силата, увереността и еластичността на пръста.
а
защото те са свързани чрез единично сухожилие.
Принцип с три пръста
, Независимо от свиренето в лявата ръка, методът с три пръста се прилага в дясната ръка, а именно
a-
м-
, по-рядко
i-m-а
.
Комбиниран принцип
, При движение нагоре в коридора или мащаба, първата бележка на следващия низ се играе с пръст.
и
, При движение надолу първата бележка на следващия низ се играе с пръст.
аз
, Ако единият низ има четен брой бележки (две или четири), се прилага свирене с два пръста.
9
Метод на Фраучи
, При гама и гама-подобни пасажи се използва палецът на дясната ръка. При възходящ пасаж, при промяна на низове, последната бележка от предишния низ се играе с пръст.
r
, Ако има две бележки на един низ (четен брой бележки), се прилага пръст с две пръсти в дясната ръка, с или без използване на пръст.
r
.
Принцип "балалайка"
, Това е принципът на извличане на звука с пръсти.
р-I
или
р-
, Ако фразата не започва със силен ритъм, възможно е началото на пасажа с пръст.
аз
или
m
, Пръстите могат да се използват за подчертаване на силни удари.
r
, В основата на гама-подобната техника на свирене на китара трябва да се използва най-подходящото и естествено свирене в дясната ръка, а именно:
м-
и не
i-m
;
а-М-
и не
i-m-а
;
р-т-и
и не
р-е-т
, По-удобно е да се играе с малкия пръст до големия, а не обратното. Когато избирате принципа на редуване на пръстите на дясната ръка, често възниква въпросът, с кой пръст започва изпълнението на гама-подобна фигура. Основната техническа трудност в дясната ръка, когато се играе прогресивното движение, е преходът от низ към низ, особено ако той съвпада с така нареченото "пресичане" на пръстите. Вземете например C-dur обхвата:
i m i m i m i m
1 0 Това показва свиренето с три прехода от низ към низ: dore, fa-sol, la-si. В първия случай естественото положение се запазва (средният пръст извлича звука на по-висок стринг), докато в другите две има пресичане: показалецът „стъпва по стъпката”, като по този начин донякъде нарушава удобното положение на пръстите. На практика пресичането на пръстите в скали и пасажи е доста често срещано явление, макар и не много желателно и трябва да се избягва, ако е възможно. Единственият въпрос е къде и как най-добре да го направим: замени пръста на пръстите на лявата ръка или последователността на дясната? За да коригирате ситуацията в нашия пример, без да променяте свиренето на лявата ръка, можете да започнете гама с средния пръст, намалявайки броя на кръстовете към един. Но най-добрият вариант може да бъде следният: той започва голям, а след това индекса и средните пръсти се редуват. В този случай усещането за комфорт е напълно запазено и естественото движение не е нарушено:
p i m i m i m i
Понякога при избора на първоначалния пръст е много важно да се обърне внимание на ритмичната и метрична структура на пасажа, неговото разположение в китарния диапазон, както и на предишния и следващия материал. Не можем да пренебрегнем свиренето на лявата ръка, тъй като в някои случаи това диктува определени условия. Тази глава разглежда само някои от възможностите за използване на свирене в дясната ръка, което може да се използва в зависимост от конкретната ситуация в произведенията. В следващата глава ще разгледаме възможността за използване на звукови техники при работа по скали.
3 Техники на звука при работа на везни
1 1 Гама производителността е неразделна част от техническата мощ. Много китаристи играят само пасажи
tirando
или само
apoyando
, Поради това някои пасажи са отлични за тях, докато други звучат по-малко убедително. Важно е за изпълнителя да се настрои към възприемането на пасажа като част от едно художествено цяло и да се отнася към това техническо устройство спокойно и разумно. Всяка скала може да се играе
tirando
,
apoyando
или с една лява ръка (легато). Необходимо е да овладеете всички начини, а след това за всеки пасаж да намерите оптималния метод на изпълнение. Например, последният пасаж от „Вариации на Моцарт“ на Ф. Сора може да се извърши:
tirando
с пръсти
i-m
;
tirando
с пръсти
р-т-и
;
apoyando
с пръсти
i-m
;
apoyando
с пръсти
а-М-
; легато с лявата си ръка, възпроизвеждайки първия звук на всеки низ. Всеки метод има своите предимства. Изпълнителят трябва да използва най-удобния вариант за изпълнение на всеки пасаж.
Tirando
- голямо приемане, по-ниско
apoyando
само в плътността и обема на звука.
Tirando
по-ефективно използване при кратки пасажи от 4-10 звука. Дълги пасажи (повече от 12 звука), изпълнени
tirando
, имат по-малък звук и целостта на звука, отколкото ако са били изпълнени
apoyando
, Перфектният случай на употреба
tirando
е, например, пасаж от Вариациите на Ф. Мора на тема Моцарт:
1 2 Когато се изпълни, най-силният звук не се изисква, само малък крещендо. Можете да играете този вид свирене: Тази опция е възможна, ако изпълнителят добави пръст без никакви проблеми
и
в коридора
tirando
, По време на изпълнението на гама рецепцията
tirando
четката остава фиксирана. За по-голяма стабилност, палеца (
r
) постави на всяка струна, например третата или четвъртата. Трябва да се помни, че движението на пръстите, когато
tirando
по-икономичен, отколкото с
apoyando
, Пръстите, като пружини, автоматично се връщат към нишката след извличане на звука, който се случва без напрежение. В този случай има усещане за напрежение на струните. Така се достига максималната свобода и високата скорост на движение на пръстите. Трябва да се има предвид, че по време на изпълнението на пасажа
tirando
не на първия низ, могат да бъдат засегнати съседните низове. Затова изпълнението на тази техника изисква специална ефективност при движението на пръстите. Чрез възпроизвеждане
tirando
обикновено се използва свирене
i-m
, Това е много удобно, тъй като няколко движения в един ред с един и същи пръст възпрепятстват изпълнението на прохода. Има система за игра
tirando
три пръста (
р-е-т
). Например:
Въпреки това, постоянното използване на пръст
р
в скалите е изключително неефективно, тъй като палецът се намира в друга равнина в сравнение с индекса и средния пръст. Това се отразява в звуковата и ритмична равномерност на изпълнения пасаж. Thumb обикновено играят на бас струни. Основното нещо, когато обучение прием
tirando
извършвани от люспи - не изливайте четката без необходимост, следвайте коректността на движенията, довеждайки тяхното притежание до автоматизъм. Ползи от игра на пасажи, като се вземат
apoyando
следното: по-плътен и по-богат звук, голям динамичен мащаб, по-висока степен на изпълнение. приемане
apoyando
по-добре е да се извършват по-дълги пасажи. При възпроизвеждане
apoyando
можете да използвате двата пръста (
i-m
), или три (
а-М-
). Вторият вариант е по-ефективен, защото прави пръста да работи
и
на равна нога с другите. Приемна гама
apoyando
три пръста, звучи по-безпроблемно и позволява по-бързо темпо. Въпреки това, с това изпълнение може да се появи ритмичен бъг. Вместо: Може да се случи: Тази грешка може да се избегне ако
apoyando
три пръста, за да играят само четвъртинки. На първо място, това не е много удобно, тъй като всяка нота с акцент се играе всеки път с ново свирене, но с времето това неудобство се преодолява.
1 4 При възпроизвеждане
apoyando
много е важно да се усети ясно прехода от един низ към друг. Амплитудата на движенията на пръстите е по-голяма, отколкото с
tirando
- това го прави малко по-лесен. За по-добро развитие на пръстите, можете да сменяте формулите с пръсти:
а-е-т
,
I-m-а
,
m-а-и
, Но тези свирене се използват само в упражнения, и можете да излезете с много възможности за изпълнение, използвайки най-удобните и ефективни такива. Използване на
apoyando
три пръста се настройват в пръстите на дясната ръка. Като правило, изпълнителят се опитва да има точно три звука на един низ (съответно, свирене
а-М-
). Това значително улеснява използването на тази техника. Например, "стандартното" свирене на C-dur гама е както следва: Когато използвате три пръста, това може да бъде следното: Такова свирене прави китариста особено следното за равномерността на гама-производителността. Така, висококачествен изпълнителен резултат може да възникне от съзнателното възприемане на музикалната тъкан, анализа на техническите грешки, търсенето на удобни, ефективни варианти на свирене и постоянен слухов контрол. В следващата глава ще разгледаме възможните проблеми, които могат да възникнат при избора на пръстите на китариста.
1
5
4 Проблеми с пръстите на лявата ръка
Проблемът с свиренето е един от най-трудните в музикалната педагогика. Полезен, рационален подбор на пръстите до голяма степен определя успеха на изпълнител на всеки музикален инструмент. Можем обаче спокойно да кажем, че това е може би най-чувствителният въпрос на китариста, който радикално засяга всички аспекти на изпълнението: семантичното съдържание и художествената изразителност, музикалния стил, ударите, физическото удобство, стилът и естетиката на играта. В гама-подобни пасажи, изборът на пръстите на лявата му ръка дава на китариста много проблеми, тъй като обикновено има няколко варианта на изпълнение, и може да е трудно да се избере най-добрата. Значителна трудност е преместването от една позиция на друга. Най-лесно се извършва при смяна на позициите, за да се движи през отворения шнур, докато трябва да запомните удобно свирене, динамично и тембърно изравняване на звука. Промяната на положението чрез плъзгане е възможна, най-често при преместване на близки разстояния (в рамките на една или две прагчета). Най-голямата трудност е прекият преход с скок върху единичен низ, без който е невъзможно да се играе в горните позиции и в хроматичните пасажи. Вдигането на пръстите, ръководено от задачите на художествената изразителност, е най-важният апликативен принцип, докато свиренето на лявата ръка не трябва да бъде трудно изпълнявано без основателна причина. Понякога просто лека подмяна на пръстите ви позволява да играете някои фрагменти по-лесно, по-спокойни и по-уверени. Следователно, от първите години на обучение, е необходимо да възпитаваме у учениците съзнателно отношение към свирене, като постепенно ги запознаваме с основните принципи на неговото изграждане. При тези условия е много важно да се събуди у ученика желание за свирене, да го научи да разбира тънкостите на правилното поставяне на пръстите. Не само това, човек трябва по всякакъв начин да насърчава интереса
1 до теоретичната обосновка на този или онзи избор и в същото време да се развие един вид „нюх за пръстите”. На първите етапи на обучението студентът, като правило, използва готово свирене, което опростява и съкращава процеса на обучение. Необходимо е обаче да се обърне внимание на студента към определени технически трудности, които се решават чрез замяна на пръстите, с възможността да се изпълни един или друг фрагмент с различни апликативни варианти или, напротив, само един, важно е да го насърчи да “слуша” пръстите, докато оценява звуковата картина на творбата като цяло, неговия стил. и художествени характеристики.
5 Последователността на скалите за учене в детското музикално училище
Има няколко гледни точки относно изпълнението на скалите в учебния процес. Една по една скалите са основа за развитието на техниката на музиканта. Привържениците на тази гледна точка включват гама изпълнение в учебната програма в най-ранните етапи, в значителни обеми и в широк диапазон. В същото време, гамите често се допълват от арпеджио изпълнение с движение в същия диапазон и акорди от основните стъпки. От гледна точка на ефективността на обучението, за разлика от професионалните образователни музикални институции, подобен подход е малко полезен в детското музикално училище. Тук трябва да имаме предвид, че възпроизвеждането на гама на китара за начинаещи е технически трудна задача, тъй като възпроизвеждането на звук на затворени струни изисква координиране на действията на двете ръце. Ето защо, монофоничната гама на китарата е сравнима по сложност с гама, която играе с интервали на клавирни инструменти. В допълнение, китара "клавиатура" не е линейна, но се състои от две "координати" наведнъж: струни и измъчва, защото мисля, че е по-трудна задача. В резултат на това лъвският дял от усилията на студентите ще бъде изразходван за самообучение на гамата, а не за техническото развитие, което се предполага, че е учител.
Привържениците на друга гледна точка съвсем правилно смятат, че скалите са само един вид техническо упражнение и по правило не са най-ефективни. Пълният отказ да се научат скали в началното образование също е неприемлив, защото, първо, той неоснователно нарушава единството на съществуващите методи на преподаване, успешно използвани от други музикални инструменти, и второ, китарата престава да бъде асистент за изучаване на учебния материал. където скалите се дават активно от първата година на обучение. Възможно е да се започне формирането на умения за гама-изпълнение още през първата академична половина на най-простия материал. За китара, това е еднооктавната гама в A minor, изпълнявана от палеца в естествената му форма: След уверено изпълнение на гамата с палеца си, можете да преминете към играта с индекса и средния пръст на дясната ръка. Материалът може да бъде гама в мажор, който може да бъде допълнен от звуците на тонична триада в най-простия режим: Трябва да се отбележи, че лявата ръка на малката ръка трябва да се използва за пръв път за своевременно развитие. За формиране на стабилно умение редуване на индекса и средните пръсти на дясната ръка и развитието на плавност, можем да препоръчаме следната последователност на игра:
През втората половина на годината е препоръчително да продължите да изучавате големи скали в ключове с един ключов знак: G-мажор F-major За напреднали ученици можете да използвате техниката на E. Pujol и да разширите обхвата на играта за секунда нагоре, като увеличите издръжливостта на изпълняващия апарат. В този случай, каденците могат да бъдат донякъде сложни: G мажор F-major Във втория клас е полезно да се предложат на учениците еднооктавни малки мащаби в естествена, хармонична и мелодична форма:
1 9 A-незначителна природна хармонична мелодична мелодия Е-малък естествен хармоничен Ако задачата е да овладее съвременния китарен репертоар за деца (В. Козлов, Н. Кошкин, А. Виницки, Ф. Хил и др.), Учителят трябва активно да изведе ученика навън първа позиция. От тази гледна точка ще бъдат полезни големи скали в общи ключове с голям брой ключови знаци:
2 Голяма или L-голяма или D-октавна гама може да бъде превключена, като се вземат предвид възможностите и възрастта на ученика, само след увереност и доста мобилна еднооктавна производителност, която постепенно усложнява свиренето и допълването на арпеджиото в същия диапазон: Е-малка естествена (хармонична) сол -mazhor
2 1 В средните класове, учениците могат последователно да предлагат две-октавни големи и малки мащаби с по-сложно свирене и смяна на позициите: B-незначителна D-голяма D-малка
С последователното развитие на уменията за изпълнение на гама, висококачествените ученици ще станат достъпни за две октавни гами в A. Segovia, а три-октавните гами могат да служат като образователен материал за напреднали и професионално ориентирани студенти.
заключение
В тази статия изследвахме проблемите при работа с монофонични гами, анализирахме вариантите на пръстите на десния пръст, анализирахме звуковите техники при работа по скали, разкривахме основните проблеми на пръстите с ляв пръст, определяхме последователността на изучаване на скалите в детското музикално училище. Изучаването на методическата литература и многогодишният опит в детското музикално училище разкриват следното: многобройните и разнообразни гами на китара са най-добрият образователен и обучителен материал в отглеждането на изпълнителския апарат на китариста и развитието на техниката на пръстите му. Като начални скали в класа на китарата е методично препоръчително да се използват везните с „отворени” струни (M. Carcassi; F. Carulli), тъй като възпроизвеждането на такива скали улеснява изучаването на бележките на врата на китарата в основните игрови позиции, както и в люспите с такова свирене левият палец, разположен на гърба на врата, в люспите с такова свирене, е естествена възможност да се отпуснете и да си починете, докато играете "отворения" низ, което е много важно за правилното първоначално техническо оборудване лявата ръка на китариста. Възпроизвеждането на скалите с "отворени" струни също допринася за съживяването на ухото на любителския китарист за внимание, тъй като естественият звук на "отворения" низ се превръща в модел за звука, създаден от човека, притиснат до грифа на низ. Водени от слуховите усещания, играчът “подравнява” динамичното и тембърно звучене на мащабните стъпки.
2 3 Везни с типично (позиционно) свирене са методологически ефективни в по-късните етапи на обучението на китариста, с интензивно изучаване на тоналността и развитието на подвижността и плавността на пръстите. Гама двойни ноти (октави, трети, шести, децими) помагат за укрепване на пръстите на левия китарист, физически подготвят неговия изпълнителен апарат за възпроизвеждане на впечатляващо сложни парчета, така че те се изучават в гимназиални и професионални класове. Gammas често са основните връзки в повечето технически епизоди на фантастиката. Ученик, който работи ежедневно по скали, може с течение на времето да ги доведе до виртуозен блясък. Играйте везните трябва да бъдат всички удари, във всички ритмични и артикулационни опции. Този метод позволява не само перфектно да овладее грифа на инструмента, но и да развие яркостта и острия характер на ударите, най-често срещаните ритмични модели и артикулационни групи.
Списък на използваните източници
1. Добров М. Формиране и развитие на гама-изпълнителски умения в китарния клас на детско музикално училище. 2. Иванов-Крамской А. М. Училище играе на шестструнната китара. Ед. 4. - RnD: Phoenix, 2004. - 152 с. 3. Бюлетин "Популист" № 1-58./ Червен. В. Новожилов, В. Петров. - М .: Музика, 1998-2007. 4. Как да се научим да свирим на китара. В. Кузнецов. - М .: Класика-XXI, 2006. - 200 с. 5. Каркаси М. Училище, свирещо с шестструнната китара. / Ed. В.М.Григоренко. - М .: Кифара, 2002. - 148 с.
2 4 6. Катански А.В., Катански В.М. Училище за свирене на шестструнната китара. Ансамбъл. Таблици на акордите. Актьорска песен: Ръководство за преподаване. - I.: Катански, 2008. - 248 с. 7. Класическа китара. Vol. 1. / Comp. К. Миронов. - Красноярск: 2001. - 74 с. 8. Възел Фредерик. Инструкция за свирене на китара. - М .: Астрел, 2005. - 270 с. 9. Puchol E. Училище за свирене на шестструнната китара. - М .: Съветски композитор, 1983. - 189 с. 10. Sor F. Училище за свирене на китара. / F. Sor; коригирани и допълнени от степента на трудност Н. Коста; Обществото. Ед. Иванова-Крамской; на. от френски А. Д. Висоцки. - Rn: 2007. - 165 с. 11. Теслов Д. Идеалното училище на китаристката техника. Пълната колекция от ръководства / Д. Теслов. - М .: Златно китарно студио, 2008. - 224 с. 12. Теслов Д. Идеално училище за китарист. Пълно събиране на ръководни материали. Продължение. / D. Teslov. - М .: Златна китара, 2012. - 306 с. 13. Шумидуб А. Училище за свирене на китара - М .: Шумидуб, 2002. - 127 с.
Методическо ръководство
"Първите стъпки на шестструнната китара"
· Въведение.
· Основна част.
· Глава I. Донотен период на обучение.
· Глава II. Запознаване с бележките.
· Глава III. Музикално приложение.
· Глава IV. Формиране на основите на набиране по слух.
· Заключение.
Въведение.
В тази работа са представени методическите материали и музикални примери, използвани от автора в овладяването на играта на шестструнната китара с ученици от предучилищна и начална училищна възраст. Класическите китарни училища - М. Каркаси, Е. Пухол, П. Агафошина, А. Иванов-Крамской са предназначени за по-големи ученици и първоначално са трудни за деца на възраст 6-7 години, които понякога не могат да четат и пишат, а играят по желание на инструмента от първите уроци. Има по-модерни колекции за начинаещи, като например “The Primer of the Guitarist. Помощ за начинаещи. (шестструнната китара) ”редактирана или“ Уроци на учителя за начинаещи ”от Дмитрий Агеев. Но те са предназначени повече за възрастни "любители" на китара, отколкото за деца. Те обхващат периода от първите стъпки до играта в музикалните групи, имат насипни изходни материали с различен преподавателски характер, използват основно табулатура на китара и други символи за обучение, което е неприемливо за музикалното училище. Образованието в училище се основава на музикалната грамотност и учениците от първите уроци трябва да преподават на културата на работа с музикални материали. Въз основа на това, т.е. на недостига на леки музикални примери с лек характер, възникна необходимостта да се създаде такъв методологичен наръчник. Първо се разглежда целият период на обучение, след като постепенно се изучават нотите, материалът става по-сложен с добавянето на нови и нови елементи. При обучението се използва основният дидактичен метод - от просто до сложно чрез повторение на преминалите. В процеса на учене студентите трябва непрекъснато да изискват точно и правилно да изпълняват всички показания, поставени в бележките, както и да развият напълно самоконтрола, необходим за успешната домашна работа.
Музикален материал, упражнения - всичко има име, тъй като помага на детето в развитието на образното мислене.
Работата не се занимава с въпросите за кацане, постановка, методи за набиране на китара, тъй като това е така в професионалното обучение на всеки учител. Подробно, в достъпна форма, това
индикации ", в сбирката на А. Гитман" Начално образование по шестструнен
китара ”-“ Раздел I ”.
От голямо значение за развитието на всеки музикален инструмент е способността на ученика да избере любимата си мелодия по слух. Това умение е допълнителен стимул да се занимава с музика. Главата “Формиране на основите на избора на слуха” представя опит да се систематизира по някакъв начин този процес в образованието, така че той да се формира от изучения материал и да се превърне в основа за избора на съпровод на песни и други видове китара.
Авторът смята, че това методическо развитие, наръчникът, ще бъдат полезни за млади специалисти-начинаещи при първоначалното обучение на млади китаристи и за създаване на собствени методи, както и ще помогнат на практикуващите учители от други специалности, които често преподават “класа по китара” в наше време.
Основната част.
главааз.
Донотният период на обучение.
Този период в обучението на един млад китарист по никакъв начин не означава "да играеш с ръце". Предполага се, че учителят записва музикалния материал на ученика в книга с бележки, а студентът играе и изпълнява задачите по наблюдение на пръстите в дясната и лявата си ръка, грижите на грифа и други подобни.
При първото запознаване с инструмента - шестструнната китара - трябва да се обясни името на пръстите на дясната ръка:
P - палец
i - показалец
m - среден пръст
a - безимен пръст
малкият пръст в дясната ръка - не участва в бране, има и правило за дясната ръка - задължителното редуване на пръстите: "Нямаме право да играем с един пръст!". За сравнение, можете да предложите на ученика да ходи на един крак и да го пита за усещанията: удобно ли е, възможно ли е да яздиш толкова много?
Къде е написано на дъгата,
Къде да свири на китара.
След това показвам серия от упражнения за редуването на пръстите на дясната си ръка и го записвам графично - играем:
упражнение номер 1
https://pandia.ru/text/78/486/images/image002_24.jpg "width =" 193 "height =" 92 src = "\u003e
Също така е препоръчително незабавно да се даде представа за продължителността и от първите уроци да се научи на ученика да брои на глас - това ще помогне в бъдеще да се избегнат проблеми с ритъма:
https://pandia.ru/text/78/486/images/image004_21.jpg "width =" 232 "height =" 94 src = "\u003e
Усложнявайте задачата:
1) хроматична гама от бележка "fa" през пръста на първия низ,
лява ръка - 1-2 пръста, дясна ръка - редуващи се i-m
2) хроматична гама от бележка "fa" по цялата врата на първия низ,
от 1-ва Лада до 13-та в възходящи и низходящи движения,
лявата ръка е 1-2-3 пръста, а дясната - i-m-a
3) хроматична гама от бележка „fa“ в целия гриф на първия низ,
от 1-ва Лада до 13-та в възходящи и низходящи движения,
лявата ръка е 1-2-3-4 пръста, дясната ръка е редуването на im, и с движение нагоре, достигайки до 12-тото прагче, преместваме 4-тия пръст на 13-тия гризач, а когато се движим надолу, достигайки 2- Първо раздърпайте с първия пръст на лявата ръка, превключваме този пръст на първия
https://pandia.ru/text/78/486/images/image008_19.jpg "width =" 742 "height =" 99 src = "\u003e
Игра на хроматизъм, където се възпроизвеждат четири пръста на лявата ръка
движение надолу, три пъти подред, левият пръст съответства на гриза на шията. По пътя да обясня: понятието “кресчендо-диминуендо” - усилване-тишина на звука, понятието “реприза” - повторение
https://pandia.ru/text/78/486/images/image010_19.jpg "width =" 622 "height =" 82 "\u003e
в дясната ръка поставете палеца "p" на 6-ия низ, докато останалите пръсти играят под него.
"Popevki"
В този пример, в сравнение с предишния, има редуване на дълги ноти - половината, и късите бележки - четвърт, т.е. усложнението на ритмичния модел. Струва си да се обърне внимание на ученика.
"От хълма"
Досега студентът играеше мелодии, подобни на другите, добавяха само нови бележки. И в този пример, мелодията започва не от отворен низ, а бележките играят не две идентични, а последователно с “сол” - надолу. Да привлече вниманието на ученика към тези нюанси и да подчертае - на редуването - i-m - в дясната ръка.
"Две котки"
Четвъртият пръст на лявата ръка - малкият пръст започна да участва в работата. От този момент нататък в играта участват всички пръсти на лявата ръка, вниманието на ученика трябва да се обърне на точното спазване на свиренето, тъй като до бележка „А“ пръстите на лявата ръка съвпадат с прагчетата на грифа:
· Бележка „fa” - 1-ва пръчка - 1-ви пръст
· Забележка „F-Sharp” - 2-ри грип - 2-ри пръст
· Забележка "сол" - трета тревога - 3-ти пръст
· Забележка "G Sharp" - 4-то прагче - 4-ти пръст,
и сега такова съвпадение не е задължително.
"На полето имаше бреза"
Първите уроци са да се играят прости (ритмични) пиеси, едносмугови упражнения, за да се консолидират основните умения и техники на свирене на инструмента, като apoyando, редуване - i-m -. Когато овладеете - добавете втория низ и изследвайте бележките върху него.
"Локомотивът"
С детската песен "Двигателят" започваме активно да възпроизвеждаме 2 струни. Тук трябва да обърнете внимание на детето, че се играят бележките "преди" и "повторно"
на втория низ в същите прагове като бележки "fa" и "salt" на първия низ.
Трудност - прогресивното движение на пръстите на лявата ръка, а не 2 идентични бележки, както беше по-рано в примерите. Ние изработваме движението нагоре, подобно на гама. В припева: редуването на дълги ноти
- половини и сравнително кратки бележки - тримесечие.
Можете да играете и пеете едновременно с думи, което също е много полезно за развитието на моториката на речта, слуха, координацията на ръцете с гласа:
Пътувания с локомотив
Две тръби и сто колела,
Две тръби, сто колела
Шофьорът е червено куче!
Две тръби, сто колела
Шофьорът е червено куче!
"Зайче"
Играта на третия пръст на лявата ръка. Има скокове от втория низ до 1-ви. В този случай, третият пръст трябва да се отстрани от един низ и да се постави на другия. Третият пръст винаги играе в тази игра - m -.
"Приспивна песен"
Приемането на играта в дясната ръка - ami - се играе с “щипка” последователно на три низа, започвайки от първия низ, “p” - стои на 6-ия низ, докато свирим слушаме мелодията, която е изградена на първия низ и избира бележката под "а", ние се стремим към легато в горния глас.
„Прелюдия номер 1“
Възпроизвеждане на 3-та струни на свой ред в определена последователност от пръсти на дясната ръка - i-m-a-m -, с щипка. Обърнете внимание на положението на палеца на дясната ръка: “p” е на 6-ия низ, а останалите пръсти играят под него.
Обяснете продължителността на "осмото" - концепцията за волта
"Мече с кукла"
https://pandia.ru/text/78/486/images/image022_8.jpg "width =" 384 height = 103 "height =" 103 "\u003e
Започваме да играем в I-та позиция, от втория низ, от бележката "la" на първия низ, отиваме в V-та позиция и поставяме първия пръст, т.е. пристъпваме към позиционната игра в лявата си ръка.
- Песен на скакалец.
Понятието „престъпление” е обяснено. Във втората част, chorus, свиренето е подобно на C мащабната скала, започвайки с бележката "la" - промяна на позицията на лявата ръка.
Изчислете паузата "четвърт" и продължителността = "осми".
Игра с бас: обърнете внимание - "p" - винаги на подкрепата, "apoyando", останалите ощипвам.
"Етюд номер 1"
Игра с бас - трябва да играете с различни варианти на редуване на последователности от пръсти на дясната ръка, така наречените "битки":
· P-i-m-a-m-i и други подобни.
"Етюд номер 2"
Появява се преди - #. Обикновено децата играят това упражнение лесно и свободно, тук пръстите на лявата ръка се освобождават от някаква скованост, която възниква, когато играете "apoyando", изработвате "щипка".
"Етюд номер 3"
В "Етюд # 3" се появяват бележки на третия низ-низа, солта-#. Забележка - за -, т.е. 2-ри пръст, трябва да оставите на 2-ро прагче, не го вдигайте, докато пръстите на дясната ръка не извадят други бележки (1-ва - 2-ра мярка, 4 - 5 - 6 о барове). Трудно е, но трябва да бъде постигнато, тъй като са решени няколко технически проблема:
· Укрепвайте пръстите на лявата ръка
· Обучава движението на пръстите на лявата ръка независимо един от друг
· Обучава координацията на движенията на двете ръце
· Създава икономически движения за пръстите на лявата си ръка.
Прелюдия №2 »
Тук е необходимо да се обърне внимание на ученика, че всеки следващ ритъм повтаря предишния, както ако всяка мярка е фиксирана, това развива вниманието на ученика. И тогава той се опитва да намери подобни неща, докато изучава други произведения.
"Репетиции"
От това парче започваме да свирим едновременно по две струни - i-m -,
“P” стои на 6-ия низ. Задача: да слушате, така че пръстите да играят заедно, а под пръстите на лявата ръка се чуват две ноти. От играта на две струни едновременно, техниката tirando се усвоява лесно - щипка с пръсти на лявата ръка.
"Ориенталска мелодия"
Ето една игра с бас и две ноти в лявата ръка, както и в "Репетиции".
"Бар орган"
След овладяването на тази пиеса, студентът ще има известна свобода с музикалната нотация и притежаването на инструмента. Можете да започнете да проучвате предложения репертоар от “Приложение за бележки”.
главаIII.
Музикално приложение.
Музикалната добавка е допълнение към развитието на всяка тема от глава “Въведение в бележките”. Тук са "Етюди" и "Пиеси", които разширяват и задълбочават изучавания в момента елемент на овладяване на играта на китара.
Предлагат се скици за разработване на различни видове технология с дясна ръка. На първите етапи на свирене на китара е трудно за детето да се фокусира върху инструмента:
· Врата не е пред очите (като например клавиатурата на пианото)
· 6 струни са в една и съща равнина, а дясната и лявата са в другата
• Пръстите във всяка ръка имат собствено име, различно един от друг
Няма да разберете веднага, когато се играе дясната ръка - “apoyando” - на поддръжката на долния низ, а когато - “tirando” - с щипка.
Дясната и лявата ръце играят "apojando". Налице е пауза - осмият, който трябва да издържи, строго редуване на пръстите в лявата си ръка - i-m
Тук, на бас струните, "p" играе на наковалнята "apoyando", а след извличането на звука остава на мястото си, на долния низ. Посочете особеността на втората мярка: палецът “p” след свиренето на баса се издига и не остава на низа, тъй като четвъртият низ и третия низ са разположени един до друг.
Пръстите - i-m - играят с щипка - "тирандо" - на първата и втората струни.
При този вид упражнения едновременно се практикува изземване на две струни, може да се каже, че подготовката за хордовата техника е в ход. За учениците от началната училищна възраст, броят на извършените работи е много важен. Работите, като правило, са много сходни помежду си, но имат малки различия и усложнения, които обикновено развиват техниката на собственост на инструмента.
Това упражнение има многофункционално значение:
· Подсилва познанията за музиката
· Мелодичната линия е построена в октави
· Развива свободата на движение на ръцете в I-та позиция.
За да привлече вниманието на ученика към дясната ръка:
· На третия низ играе пръст - i
· Пръстът се възпроизвежда на втория низ - m
· При първото свирене на пръстите - a
Това правило (по някакъв начин) е важно, тъй като допринася за развитието на логическото мислене на малкия китарист.
Начин да звучи дясната ръка:
· Палеца "p" играе на опората - "apoyando"
· I-m-a игра с щипка - "тирандо"
Работете върху развитието на третия пръст на лявата му ръка. Ученикът след този „Етюд“ корелира добре третата тревога на китарата с бас струните. Появиха се първите три звуци. Обърнете внимание: палецът на дясната ръка - “p” - играе на наковалнята, “apoyando”, трябва да се движи свободно, лесно и свободно.
Развива уменията на пиесата "Зайче" от предишната глава. Еднотонна мелодия. Те играят на две струни, получавайки дясното извличане на звука - “apoyando”, редуване - i-m. Уверете се, че след дълга нотка - наполовина - в десния пръст се е променило. Особеността на тази пиеса са прагчетата на грифа и пръстите в лявата ръка са еднакви, а струните са различни.
Куклен валс.
Възпроизвеждане с отворени бас низове. Поставяме в паметта на ученика мястото си на музикалния персонал и на инструмента. Звукът на дясната ръка: "p" играе "apoyando", аз-m играе с щипка. Името на пиесата предполага определени артистични задачи: „кукла“ означава „нереално“, затова е необходимо да се изпълнява като механично, но свободно и лесно. Обикновеният музикален материал ви позволява да се справяте с такива задачи.
Вид полифонична пиеса. Той може да бъде символично разделен на две части: I - та част - горна линия и II - та част - долна линия.
Първата част е мелодичната линия с гама-подобен характер, за две мерки, повтаряни на различно ниво. Първо, в първата октава на горните три низове, след това една октава надолу - на трите бас низове. Всички играят "apoyando".
Втората част е като имитиране на гласа на кукувицата и слушане на ехото в отговор. “Ku-ku” за извличане с щипка и “p” - на основата на долния низ. Пиесата е доста фигуративна и при среща с ученик е възможно да се представи пиесата като музикална загадка, изпълнена на инструмента. Децата, като правило, лесно се отгатне името и след това се играе с удоволствие.
Вечерна песен.
Всички низове са включени в играта. В дясната ръка можете да предложите 2 варианта на свирене:
I- две бележки едновременно отстраняват пръстите - i-m
II - първа игра едновременно - i-m, след това - a-m - и други подобни.
Втората версия на звукопроизводството трябва да се използва с по-напреднали студенти.
Ново ниво на учене:
· Сложен ритмичен модел в дясната ръка.
· За първи път започваме да използваме малка „бара” на две нишки в лявата ръка.
• Пиесата е доста голяма по обем.
Звуковото извличане на пръстите на дясната ръка вече е познато и не предизвиква въпроси.
Скица.
Играта върху развитието на техниката на палеца на дясната ръка - "р". Мелодията е изградена на бас струни. Тук пръстите на лявата ръка съответстват на прагчетата на грифа, така че ученикът може да изпълни това парче, без да изучава бележките на 6-ти, 5-ти, 4-ти струни. Достатъчно е да посочите кой низ да играете и кой пръст в лявата ви ръка.
Bike.
Продуктът е от две части. Повтарящи се мотиви.
В първата част има елемент от хроматичната скала, репетиции за четири пръста на лявата ръка. В дясната ръка - i-m - "apojando".
Във втората част - играта с бас струни, трябва да се разглежда на глас, редуването - i-m - по-добре е да се изпълнява с щипка, "tirando".
Тази пиеса трябва да бъде дадена на студента през втората половина на годината, когато ще се формира умението за четене на бележки от лист. Тук мелодията се проследява на бас струните, а двузвуковите акорди поддържат хармонията с всеки бас. Детето трябва да знае достатъчно добре бележките на китарата в I-вата позиция, за да може точно да следва описаното в музикалния текст свирене.
главаIV .
Формиране на основите на набиране по слух.
Един от спомагателните елементи при изучаването на класическа шестструнна китара е способността на ученика да изпълни мелодия на ухо. Вземете я до акомпанимента. Такива умения помагат на учителя да постигне определени педагогически задачи:
· Придайте любов на инструмента
· Насърчаване на усърдието и постоянството
· Разширяване на музикалната перспектива
· Донесете музикален вкус
Тази глава, музикални упражнения и музикални примери за популярна, ежедневна музика, по мое мнение, ще помогнат на учителя да повиши интереса към изучаването и усвояването на инструмента. Въпреки че, по мое мнение, е много трудно да научи студента сам да „вземе” инструмента, ако няма музикални данни (слух, ритъм, музикална памет) .Ученикът трябва да има желание да избере любимата си мелодия, музикално ухо да пее и да го придружава. ,
Обучението, формирането на основа за подбора на ухото (плавност в инструмента, координация на ръцете, теоретична конструкция на акорди, акордна техника) дават определени резултати. Можете да покажете на ученика примери, да научите най-простите методи за изслушване с него, да научите специфични музикални движения и съпровождания от сърцето. С компетентен подход към предмета на музиката, ученикът, дори и самостоятелно да не може да „вземе” музикалния материал от ухото си, а след това да изпълни добре позната мелодия по бележки, „раздаде на обществеността” е напълно способен, може да се преподава.
В тази ситуация стимулният момент ще послужи
и коментари на родителите: „Каква позната песен, как го играеш добре!“,
и други: “Чух детето ви да свири на китара, а съучениците му пееха” - всичко това стимулира интереса и развива свободата да свири на инструмента.
Така че тогава , Целта Тази работа - подобряване на уменията за свирене на китара.
цели:
• Овладяване на прости 3-звукови арпеджиагиращи акорди в първата позиция
· Използване на акорди, използване в упражнения
Овладяване на уменията на най-простия съпровод
И така, от кой момент, от кой момент на изучаването на китарата можете да започнете да учите уменията си да свирите на акорди и акомпанимент?
1) когато повече или по-малко е овладял дръжката, шията;
2) при приключване на задачите от първия етап на обучение:
· Ръце
· Започна работата по техниката, плавността
· Научи основната продължителност
Започва запознаване на китарата с най-простите кадендални превръщания в клавиши
· Разкрива способността да се избира чрез изслушване като цяло и по-специално да свири музика.
Приблизителен план на подхода към темата за избор на слуха»
1) изучаване на домашното:
Да вземем мелодията на М. Красев за Малката коледна елха на китарата
2) работа по избраната мелодия:
помагам "да вземем"
фиксира пръст
3) домашна работа - да запишете мелодия, да я подредите графично, да играете според вашите резултати с акаунт.
Етап II - Версия 1), 2) и „Циганско момиче“:
1) Записвам първата версия на изпълнението, научавам
2) домашна работа - на този музикален материал - различни ритмични модели.
· Понятие за обозначаване на писма
• Записване на акорди на музикалния персонал и най-отгоре - обозначението им
· Понятието "малък - мол", "майор - дур", графичен образ
· D-moll, d-dur.
· Проучване на стъпковото обозначение на акорди.
Изучаването на прости форми в различни ритми.
Предлагам да изучавам това на най-простия репертоар на „бард”, популярен план, който се „чува” от учениците и техните родители. Най-удобно е да започнете акомпанимента на китарата в клавишите на A-minor, E-minor - където не се налага да използвате баре техниката, пръстите се намират на 1-во място, което е обичайно за начинаещите китаристи.
аз етап
М. Красив "Малка коледна елха"
Еднотонна мелодия. Обикновено при подбора на децата не се слуша един друг и, разбира се, не се брои половината от продължителността. В хорсовата линия “Chorus” трябва да наблюдавате монофоничното свирене на мащаба “C major”. След това можете да изпълните песен в ансамбъл „учител-ученик”, където студентът изпълнява своята монофонична мелодия, а учителят играе съпровод.
Този тип мелодии, детски песни трябва да бъдат взети "на ухо" повече в количество, за да се консолидират най-простите умения. Между другото, от практиката е забелязано, че модерните деца изобщо не познават руски народни песни и мелодии, затова най-добре е да се подберат познати песни, например от карикатури „на ухо”:
В. Шаински "Песен за скакалец" от карикатурата / "Приключенията на Незнайно"
Г. Гладков "Песен на костенурка" от карикатурата "Лъв и костенурка"
Е. Крилатов "Приспивна песен на мечката" от анимационния филм "Умка"
Б. Савелиев “Ако си добър” от карикатурата “Рожден ден на Леополд”
И Островски "Спящите уморени играчки"
Й. Чичков "Чунга-Чанга"
II етап
Упражнение номер 1:
Упражнения за разработване на "акорд" технология.
Упражнение, основано на “арпеджирани” (разгънати) акорди.
Необходимо е да се посочи буквеното обозначение на хармоничната функция върху всяка хорда - това позволява на ученика да прегърне визуално акорд в музикалната нотация и неговото буквено означение:
Gipsy.
Първоначално тази игра може да бъде предложена на ученика, за да се опита да го вземе сам, ако е запознат с него.
· Коригиране на грешки.
· Напишете номер 1 в бележника, научете наизуст.
· И в части за # 2 и # 3, посочете само ритъма и ученикът самостоятелно, на наученото музикално съдържание на част # 1, ще завърши цялото парче.
· Запишете части 2 и 3 в бележника.
Упражнение №2:
Това упражнение е по-трудно, отколкото упражнение № 1. Добавя се последователност на функциите - А7.
Упражнение номер 3:
Започваме да извличаме 3-струнни акорди. Дрънкането е научено в арпеджио упражнения. Трудно е за студент да вземе три бележки
в същото време. Необходимо е да се обърне внимание на ученика, че само басът се променя във времето, а акордът е един.
Упражнение номер 4:
Музикалният материал е сложен:
Всеки път, когато басът и акордът се променят,
Упражнение №5:
Функциите, акордите са известни на ученика от предишното упражнение, ритмичният модел се е променил.
Упражнение номер 6:
Упражнение # 7
Упражнение №8:
Ние усложняваме задачата - променяме тоналността, ритмичния модел.
Всички упражнения трябва да се преброяват на глас, да се играят бележки, така че да се развива моторната, зрителната, слуховата памет на детето едновременно, да се обучава координация на движенията и да се привеждат в действие различни ритмични модели. В бъдеще, както вие владеете, можете да комбинирате ритмите на различни упражнения в една тоналност: вече има място за въображението на всеки учител. Всичко това се прави за по-задълбочено проучване на възможностите на китарата, за укрепване на игралната машина, така че лекотата и свободата да се изпълняват върху инструмента.
Заключение.
Очертаната техника на първите стъпки на китарата е тествана на практика. Децата обичат да свирят на инструмента от първия урок, подбраният материал е достъпен за разбиране на учениците на възраст 6-7 години, лесен за възпроизвеждане на китара. По време на уроците по специалност се развиват положителни емоции, студентът има чувство за лекота и свобода, което трябва да бъде умело поддържано и развито през целия период на обучение. Ако по-рано музикалното училище е трябвало да подготви бъдещите професионални музиканти, то стриктна селекция се извършва от приемните комисии, имаше състезание между тези, които искаха да “научат музика”, днес музикалното училище работи с всеки, който идва без подбор за музикални данни. И правилно, човек трябва да се развива и подобрява в много области, въпреки факта, че природата не му е надарила способности и супер таланти. Всички деца, които желаят, могат да бъдат научени да играят някакъв музикален инструмент в обема на училището на мухите, учителят трябва да бъде търпелив и да помогне за постигането на някои резултати.
По пътя учителят решава проблема с звука, качеството на изпълнения музикален материал. Имената на упражненията дават възможност на детското въображение. Това ще подготви студентите за развитието на репертоарни колекции и пиеси на вече известни класически китаристи и съвременни композитори. За работа с деца можете да ползвате колекцията на В. Ярмоленко „Четец на китарни четци за ученици от 1-7 клас”. Има много народни мелодии и най-често изпълняваният репертоар за китара от много известни колекции.
Литература:
Агеев Д. Китара. Уроци за начинаещи. - СПб: Петър, 2009.
Китаристът на Бочаров. Помощ за начинаещи. - М .: Accord, 2002.
Gitman A. Начално образование на китара с шест струни. - М .: Престо, 1999.
Иванова. Развитието на музикалните умения при работа с начинаещи в пиано. (DSHI №1, Челябинск). - Челябинск, 2000.
Иванов-Крамской игра на шестструнната китара. - М .: Музика, 1979.
Kolotursky. Comp. (DSHI №5, Челябинск).
- Челябинск, 2000.
каза Михайлов. Развитието на музикалните умения (подбор на ухото, подреждането, импровизацията) в 1-7 клас DSHI. (ДСИ №12, Челябинск).
- Челябинск, 2000.
Фетисов стъпва на китариста. Ноутбук номер 1. - М .: Издателство В. Катански, 2005.
Ярмоленко В. Китарист на четец за студенти 1-7 класове музикално училище. - М., 2010.
Общинска бюджетна образователна институция
допълнително образование за деца
“Детска художествена школа на името на депутат Мусоргски
фокино "
АНСАМБЪЛ В КЛАСА НА ГИТАРАТА
учител по китара
DSHI Fokino
ПРЕГЛЕД
за работната програма на ансамбъла (китара клас)
преподавател в детска художествена школа. М. Мусоргски Фокино
Сисоева Л.Е.
Програмата е съставена с дълбоко разбиране на работата с децата в ансамбъла. Мисля, че изборът на репертоара и разпределението на натоварването върху децата през целия период на обучение в детското музикално училище е правилно.
Подборът на творбите през периода на обучение съответства на програмата на детските музикални училища и музикалните образователни студия. Тази работа ще помогне на начинаещите да овладеят този инструмент в обхвата на тази програма, без да се отклоняват от установените норми. Препоръчва се за работа с деца в клубове, студия за музикално образование, детски музикални училища.
Въведение
Образователната система в Руската федерация е съвкупност от взаимодействащи последователни образователни стандарти на различни нива и ориентации.
Образователната система включва група от различни институции за допълнително образование. Сред тях са мрежа от училища по “различни видове изкуства”, включително детски музикални училища (детски музикални училища) и детски училища по изкуствата (детски училища по изкуствата).
Музикалното образование и обучение са неразделна част от цялостния процес, насочен към формирането и развитието на човешката личност.
Концепцията за музикално образование в страната включва създаването на система за масово (общо) музикално образование и възпитание, която е разделена на обща художествена и професионална. В съвременните условия музикалното училище е една от основните бази за широкото разпространение на музикалната култура. Целта на училището по общообразователно музикално образование е да направи музиката собственост не само на талантливи деца, които ще я избират като своя професия, но и на всички, които учат в училище; в края на краищата, средните деца също трябва да получат сериозно музикално образование. Заемането на определено място в образователната система, детските музикални училища и детските училища имат специфични особености на учебния процес.
Образователните задачи, които учителите на детските училища решават, са еднакви за всички предмети. Единството и взаимовръзката се дължат на особеностите на музикалните уроци, в които музиката действа както като обект на знанието, така и като средство за обучение, както и нормите на общуване с нея и по-скоро широки възможности за използване на знанията и уменията на някои субекти в усвояването на другите.
Повишаването на ефективността и качеството на общото музикално образование създава сложни и отговорни задачи за учителите в детските музикални училища. Принципите на развитието и възпитанието, все повече навлизащи в специалности и всички форми на преподаване на музикални училища, са предназначени да обучават грамотни любители и професионални музиканти, да им дават умения за творчески подход към музиката и инструмента, да премахват или свеждат до минимум психологическата бариера "страх" от концертни изпълнения. , да развият възможността за практически ре-творчески способности и нужди на себеизразяване.
Така, като основен елемент на началното образование, детските музикални училища не си поставят за задача подготовката на всеки студент за професионална дейност. Неговата цел е музикално - естетическо възпитание на широк кръг деца и юноши, но освен това, музикалното училище трябва да идентифицира най - способните ученици и да ги подготви за прием в специални образователни институции. Музикалното образование е един от централните компоненти на естетичното възпитание, той играе особена роля в цялостното развитие на личността на детето. Училището трябва да бъде организирано така, че да допринася за развитието на любовта на учениците към музиката и разширяването на техните музикални хоризонти.
Принцип на единство емоционален и съзнателен
поради спецификата на музикалното изкуство и особеностите на неговото възприятие, развитието на което изисква осъзнаване на емоционалните впечатления, предизвикани от музиката, както и неговите достъпни изразителни средства.
Принципът на единството на художественото и техническото въз основа на факта, че артистичното, експресивно изпълнение на творбата изисква подходящи умения и способности, овладяването на които е средство за постигане на целта - художествено изпълнение на музикално произведение, но подлежащо на развитие на творческата инициатива на ученика.
Принципът на единство в развитието на ритмичното чувство за чувство и чувство за форма трябва да са в основата на различни видове музикални дейности. Благодарение на сложното и последователно развитие на музикалните способности, децата формират идеи за принципите на музикалното развитие, експресивността на елементите на музикалната реч и експресивните възможности на музикалните форми.
Целите на методологията включват усъвършенстване на различните форми на учебния процес, музикалното училище: специалности, теоретични уроци, колективна музика, избираема дисциплина, извънкласна и извънучилищна работа.
Център за музикално образование и образование на децата остават музикално училище, детско училище по изкуствата. Писане на общообразователно музикално образование, създаване на естетически вкусове, възпитание на обучен слушател, активен участник-аматьор, преподаване на музикални инструменти, развиване на творчески умения - тези задачи все още определят посоката на детските музикални училища.
Изграждането на образователен процес на принципите на еднаквост и усредняване възпрепятства развитието на учениците. Нарастващата роля на моделите за развитие на образованието е очевидна, осигурявайки активната работа на децата в областта на изкуството и насърчавайки развитието на устойчивия интерес на учениците към ученето. Детската градина и DSHI са предназначени да изпълняват задачите по ранно професионално ориентиране на учениците, те трябва да създават реални условия за ефективно развитие и обучение на децата с възможност да продължат да получават професионално образование в областта на изкуството. Основата на работа в детските музикални училища и DSHI - индивидуално обучение в класа по специалността.
Особеността на учебния процес в музикалните училища до голяма степен се определя от съчетанието на различни форми на възпитателна работа. Уроците на детските музикални училища и детските училища по изкуствата (индивидуални, групови, колективни) подготвят учениците за самостоятелна музикална дейност.
Репродуктивната дейност играе съществена роля в процеса на овладяване на материала: тя може да бъде възпроизвеждане на това, което се чува изцяло или частично, имитиране или копиране, но задължително в собственото активно действие. Само уроците по инструмента за представяне могат да подготвят студента за пълното възприемане и усвояване на теоретичните знания. Задачата на учителя на детските музикални училища е да може да заинтересува детето в процеса на овладяване на инструмента, а след това работата, необходима за това, постепенно ще се превърне в нужда. Основата на собствеността върху инструмента не е никакво техническо устройство, а музикално съзнание (слуха) на ученика.
Индивидуалното обучение и възпитание на учениците в детските музикални училища се осъществява въз основа на индивидуалния план на ученика, в който се проследява и планира развитието му за всички години на обучение в музикалното училище.
При изготвянето на индивидуална програма се взема предвид принципът на педагогическата целесъобразност. Програмата на всеки ученик трябва да бъде разнообразна по стилове и жанрове.
Променените условия на дейност на учебните заведения в областта на изкуството диктуват нови, специални изисквания към учебните програми и образователните програми.
1. Обучение по практически умения за притежаване на музикален инструмент;
2. Преподаване на теоретични и практически основи на музикалната грамотност, певчески умения по бележки;
3. Художествено-естетическо възпитание и възпитание в рамките на курса “музикална литература в детските музикални училища”;
4. Формиране на форми и умения за колективно обучение (колективна музика);
5. Практическото прилагане на творческите способности и потребности на самоизява на учениците (предмет на избор).
ансамбъл - група изпълнители, действащи заедно, това е колективна форма на играта, по време на която няколко музиканти съвместно разкриват художественото съдържание на творбата чрез изпълнение на средства. Единството на художествените намерения, единството на емоционалния отговор на изпълнената, вдъхновена игра на всичко това е характерно за ансамбъла.
ансамбъл - Училище за усъвършенстване на музиканта.
Волята и спокойствието са качества, от които музикантът се нуждае. Без тях е невъзможно нито в ежедневната самостоятелна работа, нито на сцената. Но в по-голяма степен тези качества са необходими на играча в ансамбъла. Определението на "воля" означава "съзнателно саморегулиране от лицето на неговото поведение и дейност, регулиращо функциите на мозъка, което е способността да се постигне активно целта, преодоляване на външни и вътрешни пречки".
За изпълнителя „волята” е най-важният, често решаващ фактор за художествения успех: резултатът от концертното представяне рядко зависи от неговото присъствие или отсъствие. Известно е, че работата на събеседника изисква, в допълнение към общите репетиции, интензивно самообучение.
Волята е ред с процесите, протичащи в нашето подсъзнание. Не случайно платих толкова много внимание на характеризирането на волевите качества. Ансамбълът е колективна форма на творчество, затова не може да съществува, ако всеки от неговите участници не се научи да контролира себе си, настроението си с емоции. В крайна сметка, в процеса на работа трябва да решите творчески - сложни въпроси. Необходимо е възпитание на волеви качества, те са неотделими от образованието на личността като цяло.
Ансамбълът трябва да живее в напрегната творческа атмосфера, в постоянен стремеж към още повече от постигнатото. Основното е целта. Необходимо е да се осъзнае, че дори една малка крачка напред приближава целта. След като изясните целта, трябва да определите средствата, чрез които то ще бъде постигнато.
Познанието е вечен и безкраен процес. Времето също влияе върху работата на ансамбъла. Като се има предвид факторът време, е необходимо да се разработи техника за овладяване на изкуството на ансамбъла: тя трябва да бъде насочена към постигане на значими резултати в най-кратки срокове. Ето защо, ансамбъл, работещ върху нов продукт, е желателно да се планира времето.
Ролята на психологическия климат в ансамбъла.
Понятието „психологически климат” включва степента на сближаване на членовете на ансамбъла, взаимното разбирателство, организацията, дисциплината, търсенето към себе си и другите, взаимната подкрепа и помощ, т.е. редица фактори, които създават това, което обикновено се нарича творческата атмосфера на ансамбъла.
Всички задачи, които лидерът задава за ансамбъла, трябва да бъдат дълбоко разбрани от партньорите и да станат неразделна част от собствените им убеждения.
Художественото образование е неотделимо от морала. Преоценката на себе си, способностите и егоизма неблагоприятно влияят върху растежа на професионалните умения. Проявлението на това заболяване в един от участниците в ансамбъла може да разруши всичко.
Едно от необходимите условия за съществуването на ансамбъла е ясното разграничаване на “правата и задълженията” на неговите участници и лидери. Въпросът обаче е сложен и днес няма консенсус: някои смятат, че ансамбълът се нуждае от лидер, защото работата на колектива изисква обединителен старт, други са убедени, че за разлика от оркестъра това е съюз на равни музиканти и затова Представянето на един от участниците е несъвместимо с концепцията на самия ансамбъл.
Това е в реда на нещата да се подчиняват на диригента, да следват неговите инструкции, и ще, в ансамбъла това е изключено. Управителят трябва да носи допълнителна лична отговорност, допълнителни отговорности за работата на ансамбъла. Той е инициатор, организаторът в творческия процес, в частност повече от другите трябва да поемат инициативата при избора на репертоара.
Ансамбъл е такава форма на колективно творчество, при която всеки от участниците трябва да съчетава две качества: в зависимост от обстоятелствата, да бъде лидер и подчинен.
Задачата на лидера е да обедини членовете на ансамбъла в един сплотен артистичен екип, да определи непосредствените му задачи, да очертае перспективите за работа. Лидерът трябва да помни, че във всеки ансамбъл е необходимо да се развие творческа индивидуалност, да се разкрие нейната „роля”. Много зависи от личните качества на мениджъра. Да можеш да водиш екип е велико изкуство. Лидерът трябва да има висока степен на взискателност към себе си; Задълженията на ръководителя включват:
1. Да се търси нов репертоар;
2. Планиране и провеждане на репетиционна работа;
3. Създаване на програми за самостоятелни и национални концерти и др.
Основният проблем е репертоарът, въпросът за живота на ансамбъла. В заключение можем да кажем следното:
Ансамбълът трябва:
Да подпомага ансамбъла в постигането на неговата цел;
Систематично работи за подобряване на вашите умения за изпълнение;
Твърдо оцени резултатите от работата на екипа, като си спомни, че е невъзможно да се спре там;
Бъдете самокритични;
Изпълнете инструкциите на главата;
Внимателно се подгответе за репетиции и др.
Творческа работа на ансамбъла
Условия за репетиции.
Репетицията трябва да се проведе в просторна стая и още по-добре на сцената. От голямо значение е акустиката на помещението. Репетицията трябва да започне навреме и да приключи точно навреме. В началото си изпълнителите трябва да свирят така, че репетицията да започне с игра на всяка сложност. Планът за репетиции се определя предварително, той трябва да бъде наситен, но реален за изпълнение.
Партидите трябва да бъдат много внимателно написани.
Ансамбълът е единен организъм, той се ражда само в съгласуваност един с друг, на първо място, в семантичен смисъл, което означава в инсулт, динамичен, темпо, ритмичен и т.н.
На първите репетиции трябва да се покрива работата като цяло и след това старателно да се работи върху детайлите, тяхното полиране. С усвояването на отделните части те се присъединяват, „сглобяват”, за да се опитат да възпроизведат парчето от началото до края. Възпроизвеждането на цяла пиеса много пъти подред на началния етап не е препоръчително. Прави повече вреда, отколкото полза. На следващите репетиции трябва да продължим да работим за подобряване на формулировката, динамиката, звуковите качества, не за миг, без да забравяме основната художествена цел.
Главата трябва да коригира общия звук, като прави необходимите коментари, докато играта продължава. Разсейвайки вниманието на изпълнителите с неговите коментари, той ги поставя в трудна ситуация. И въпреки това, това е полезна форма на работа, наред с другото, за да се тества силата на знанията на страните. В хода на играта са възможни и стоп. В този случай, мениджърът трябва да обясни причината, да направи конкретна забележка, да го аргументира.
Формите на възпроизвеждане на новото произведение могат да бъдат различни в зависимост от степента на готовност, както и от обема. Желателно е да се променя темпото и динамиката. В същото време е важно да се играе смислено, спазвайки нюансите и поддържайки правилното от гледна точка на динамиката на съотношението на партиите. При загуба на работа всеки път трябва да се постави определена задача - да се фиксира миналото, да се подобри връзката между частите, да се изработят трудни места, цезури, ферма, увеличаване на темпото и др. Трябва да се стремим да гарантираме, че всяко следващо повторение е по-добро от предишното.
В бъдеще трябва да търсите постиженията на партията наизуст. Препоръчително е: на всяка репетиция в работата са били произведения, които поставят различни задачи, например: работи за общо познаване! в сърцето на - четене от лист! работи на първия етап от творчеството / анализ /; творби за художествено развитие; работи на крайния етап на работа / окончателно шлайфане на детайли! работи за повторение.
Основните етапи на работа с музиката
продукта.
Първият етап е в общи линии да се запознае с произведението, неговия автор, ерата, в която е живял композиторът, с историята на композицията на произведението.
Втората е, че изпълнителят трябва внимателно да проучи текста, да анализира неговата текстура, удари, динамика, ритмика, да определи амплитудата, техниката на игра и т.н. Търсене и одобряване на инструменти за реализиране на намерението на автора.
Третият се основава на установените умения и техники на играта, които въплъщават намерението на автора; Наред с това е необходимо по-нататъшно усъвършенстване и задълбочаване на изразителните средства, които допринасят за идентифицирането на художествения образ. Както виждате, задачите на втория и третия етап имат много общо.
Четвърто - свирене на парче, влизане в неговия артистичен образ.
Етапи на техническо овладяване на продукта:
формиране на двигателни умения.
На първо място, фокусът на работата на ансамбъла на този етап трябва да бъде изучаването и тестването на всички елементи на музикалния текст, овладяване на текстурата, формирането на движенията на играта. Този етап обикновено се дефинира като подробен анализ на работата.
Затова на първо място е необходимо да прочетете текста:
първо, чрез разбиране на ритъма, обръщайки специално внимание на взаимовръзката и взаимодействието на различните ритмични модели, които се срещат в партиите;
второ, да разберат ударите във всичко, тяхното многообразие, очертавайки изпълнителните техники за тяхното изпълнение;
трето, да усещаме динамиката като цяло, така че по-късно, когато тя ще бъде разработена по-подробно, да я усети.
Специално внимание трябва да се обърне на определението за рационално свирене, многократно проверка в технически трудни места. На базата на свиренето и изучените движения на играта постепенно се формират силни умения за ориентация на врата, така че, образно казано, „да виждате прагчетата през очите на пръстите”.
Трябва да се помни, че процесът на свирене на китара се извършва извън контакт на очите на художника със струните. Затова е важно да се изработи текстът и особено местата, свързани с промяната на позицията, за да се получи абсолютна увереност. В същото време автоматизмът на движенията е изключително необходимо условие.
На този етап от работата е необходимо да се разгледа по-отблизо музикалния текст, да се отстранят всички неясноти, които могат да възникнат в страните. Препоръчително е да се изпробва изпитана част заедно с друга, като се очертаят общите контури на техния звук и в същото време частите, които се допълват взаимно или изпълняват една и съща функция, трябва да бъдат свързани, а използваните части трябва да бъдат свързани помежду си.
Също така е необходимо да се помни и обърне голямо внимание на въвеждането на нови гласове, да се координира всяко такова въведение с тематичен материал / мелодия /, което е насока.
Ако дадено парче се очаква да бъде бързо развиващо се, това не означава, че трябва незабавно да играете на определеното темпо. Трябва да изчакате, докато партито е узряло. Преждевременният достъп до бързи темпове може само да навреди.
Когато анализирате дадено произведение, не винаги е препоръчително да го играете от началото до края, да биете по ритъм. Понякога, в зависимост от сложността на материала, е полезно да се играе с фрагменти, избирателно. Работейки по този начин, ние ще получим редица научени или почти научени фрагменти, а материята ще остане с тях в едно цяло.
Това е съвсем естествено: едно е да се концентрираме върху малък фрагмент от музика, а друго - върху няколко фрагмента. Ако в първия случай всичко зависи от способността да се настройваме към учения пасаж, в този случай това зависи от способността да се възстанови от един пасаж към друг, тъй като е необходимо да се решават технически проблеми в поток от различни типове текстура, в поток от различна звучна музика. В по-нататъшната работа е важно да се следва съотношението на гласовете от гледна точка на динамиката: кой глас да звучи в този фрагмент на преден план и кой във втория (и защо).
Специално внимание трябва да се обърне на местата, които изискват синхронно изпълнение, ритмична точност, определеност на лентата и др.
С други думи, необходимо е стъпка по стъпка да се положат основите за технически безупречна работа, след която очертанията на художественото представяне вече са видими. Работата трябва да бъде структурирана по такъв начин, че с всяка репетиция все по-близо до крайната цел.
Още през този период е необходимо постепенно да се овладеят уменията на играта наизуст. Играта по сърце отнема време, така че това трябва да се оформи възможно най-скоро.
Етап, изпълняващ изпълнението на музикалния образ.
Какво е необходимо на изпълнителя да преведе музикален образ? Накратко, за да може да влезе в емоционалния свят на автора на всяко извършено произведение, пропита с неговите мисли, преживявания. В края на краищата програмата на един-единствен концерт може да включва произведения на различни композитори, различни по стил и характер, да ги разкрие, „да ги оборудва“ само с присъщите си черти - това е сложността на задачата.
Всяка партия е част от един единствен образ, създаден от целия ансамбъл, вид "характер" от пиесата, надарен с определен характер, в който е необходимо да се използва, за да задълбочи характерните за него черти. Именно в тази посока трябва да се извърши работата на партията: необходимо е да се работи не само с външната декорация, с подобряването на техническата страна на спектакъла, но най-важното е да се смила партията отвътре, прониквайки все по-дълбоко в съдържанието му.
Когато работите върху произведение, трябва да прочетете повече не само в текста, но и в подтекста.
В тясна връзка с основната задача - формирането на музикален образ - през този период се решават и такива въпроси като внимателно изработване на необходимите методи за извличане на звука, търсене на звукови цветове, избистряне на динамични нюанси и др. При търсенето на цветове трябва да се изхожда от тембъра на вокалния звук, или от оркестрова. Без работа по звука е малко вероятно да бъде в състояние да "нарисува" музикален образ. В същото време е необходимо да се използват тембърните възможности на инструментите, за да се постигне релефно възпроизвеждане на всяка мелодична линия.
Продължавайки работата по работата, е необходимо да проследим взаимовръзката на отделните музикални конструкции: фрази, части, да обърнем внимание на кулминацията, „местното” и централното, равномерността на темпото, ритмичната стабилност, агогическите отклонения и др. Наред с това - анализирайте структурата на работата, нейната драма.
Необходимо е да се стремим към по-дълбоко и по-смислено изпълнение на партиите, за да може всеки от тях да играе перфектно и с пълно емоционално въздействие. Завършването на работата по изучаването на нова работа идва не когато нищо не може да бъде добавено, а когато нищо не може да бъде отнето от вече постигнатото.
Както виждаме, овладяването на дадено произведение е сложен многоактен процес. Тук, без съмнение, една трудна задача трябва да бъде разделена на поредица от сравнително прости, решавайки ги последователно според принципа от просто до сложно.
Тембър и изкуство на звука.
Звукът, както е известно, има свойства: стъпка, обем, тембър и продължителност.
Класически пример за ансамбъл, в който сродните инструменти имат индивидуални тембри, е струнен ансамбъл.
Задачата обаче е не само да гарантира, че ансамбълът има богати тембърни възможности, но и да ги използва умело. До голяма степен това зависи от умението да притежавате инструмента. Трябва да се има предвид, че инструментът има не само тембрите, които даден инструмент има, но и тези, които могат да бъдат получени в резултат на тяхната комбинация.
За изпълнител на ансамбъл е много важно да има фино усещане за оцветяване на звука, което трябва да варира в зависимост от стила и естеството на композицията. Работата по културата на звука е работа по градиране на динамиката, нюанси на точност, овладяване на различни удари, работа върху баланса на звука на индивидуалните гласове на ансамбъла и др.
В същото време трябва да се обърне специално внимание на образованието на интонационни умения, “смислено произношение на звуци”.
Задачата на музиканта - изпълнител: да може да говори чрез звук. Без да се усъвършенства изкуството на звуковата експресивност, невъзможно е да се създаде пълноценен артистичен образ, да се предаде необходимия характер на музиката.
Накратко за техниките на звука.
Преди да се говори за метода на извличане на звука, е необходимо да се каже няколко думи за характеристиките на всеки пръст. Най-силният е най-големият; най-сръчен - (индекс); да бъдеш най-силен, най-дълъг, зависи от третата; четвъртият пръст (безименния пръст) е слаб и по-малко подвижен. Пети (малкия пръст) - той не участва в играта.
Има два начина за извличане на звуци:
1. Apoyando е метод за извличане на звука с пръсти на дясната ръка с последващо спиране на върха на пръста върху следващия (съседен) низ.
2. Tirando - начин да звучи пръстите на дясната ръка, без допълнително да спира върха на пръста върху съседните струни.
Ударите - като средство за изразяване.
В изпълненията на ансамбъла, както и в соловата игра, ударите са важно средство за изразяване. Затова всички членове на ансамбъла трябва да овладеят техниката на изпълнение на различни удари до съвършенство. Без да навлизаме в подробности в описанието на ударите, просто ги извикайте.
Legato (1еgato - свързано изпълнение, когато един звук плавно преминава в друг, не вдигате пръстите си високо от струните и не ги поставяте внимателно. В китарната техника трябва да имате предвид не само свързаното изпълнение, но и методът на извличане на звука, което е от първостепенно значение.
Приемането на легата се извършва по три начина:
1. начин: с възходящ ред на звуците, първият звук се извлича от удар
пръсти на дясната ръка, а вторият или следващите пръсти (вдясно)
левите ръце, които попадат със сила върху същия низ, го натискат и
звучи без дясна ръка:
2. начин: използва се в изходящия ред на звуците. Първият звук се извлича с пръст на дясната ръка, а вторият и следващите - от отстраняването по посока на пръстите на лявата ръка.
3. метод: той се използва и в изходящия ред на звуците, когато се получават две ноти, които се извличат на различни низове, първата бележка се получава от удряне на дясната ръка с пръст, а втората от удара в лявата ръка с пръст, която пада на другата струна с правилното място. и звучи без участието на дясната ръка.
Staccato - отбелязано с точки над или под бележките; звуците се изпълняват рязко, сякаш създават пауза след всяка бележка. Над което е знак.
За да изпълните staccato, на китарата, е необходимо да извлечете звука с пръст на дясната си ръка и веднага да прикрепите този пръст към низа, от който е извлечен звукът, предотвратявайки звуковия шнур.
Non legato е инсулт, при който звуците са със същата продължителност като при легато. Те обаче не са свързани помежду си.
Ритъм като фактор на ансамбъно единство.
Сред компонентите, които обединяват музиканти в един единствен, хармоничен ансамбъл, метро-ритъмът принадлежи на почти основното място. Усещането за ритъм на метрото. По същество той изпълнява функцията на диригент в ансамбъл:
усещането за всеки член на силен ритъм е онзи “скрит” диригент, чийто “жест” допринася за обединението на ансамблите.
Ансамбъл - изкуството да свирим заедно. Единството, синхронността на неговия звук е първото от другите важни условия. Метроритмът е основата, рамката, върху която почива цялата сграда на ансамбъла. Ритмичната сигурност прави играта по-уверена, по-надеждна от техническа гледна точка. На тази основа автоматизацията на движенията се засилва, в крайна сметка, без която техниката на изпълнение е немислима. Освен това изпълнителят, който свири не ритмично, е по-податлив на всякакви инциденти.
Нека посочим още една особеност на метрото; усещането за плавно движение, движението с едно определено темпо не е изработено, понякога е трудно да се определи художествената мярка на различните агогически отклонения. Необходимо е ансамбълът да има ритмични, стабилни изпълнители, за да има повече от тях.
Как практически постигнато ритмично единство в ансамбъла? Във всеки отделен случай е необходимо да се избере частта, която по своята ритмична структура най-добре да изпълнява водещата функция.
По този начин, концепцията за "водещи" и "задвижване" в ансамбъла и обхвата на ритъма.
"Polka" I. Küffner.
Динамиката като средство за изразяване
Различните елементи на музикалната текстура трябва да звучат на различни динамични нива. Трябва да се помни, че динамиката на работата се възприема не сама по себе си, а в сравнение (контраст) на различни динамични нива.
F. Durante "Galliard".
Като имате слухово разбиране за дори силата на звучност, можете да изработите уменията, свързани с постепенното увеличаване или постепенно намаляване на звуковата сила. Трябва да се има предвид, че creschendo е впечатляващ, когато има особено забележимо увеличение на силата в самия край на изкачването, на последния етап на финала. Следователно, след постепенното нарастване, е необходимо да има резерв от сила, който да се използва в момента на завършване на линията към крешендо. Същото важи и за diminuendo, с разликата, че неусетно намаляването на силата на звука е по-трудна задача от изграждането му. Междувременно често се нарушава не само това състояние, но и процесът на постепенно увеличаване или намаляване на интензивността на звука.
Прист. Ю.Соловьов «Под ябълковото зелено»
Темп - като средство за изразяване
Определянето на темпото на творбата е важен момент в сценичните изкуства. Правилно избраното темпо допринася за правилното предаване на характера на музиката, грешното темпо по един или друг начин изкривява характера на творбата. Въпреки че има обозначения за темпо на авторските права, дори и за определяне скоростта на самата музика, в съдържанието на неговите художествени образи.
За много творби има така наречена темпова зона, в която темпото може да варира, без да променя смисъла на самата музика.
Що се отнася до бързото темпо, то не трябва да бъде самоцел: темпото винаги се определя от естеството на музиката на извършеното произведение. Бърз и динамичен тест на ансамбъла за дълготрайност, за ритмична стабилност на метрото. Ансамбълът не трябва сам да плаши скоростта на движение, а липсата на последователност, ред, техническа свобода и съгласуваност в него.
Определяйки границите на темпото, е необходимо да се вземе предвид текстурата на работата и, разбира се, техническите възможности на членовете на ансамбъла. Границите на бързите темпове зависят и от качествения състав на екипа. И накрая, темпото зависи от отделния изпълнител.
Научната работа не може да се играе с бързи темпове през цялото време, необходимо е периодично да се обръща към по-сдържано темпо в репетициите като превантивна мярка. След като „почисти” текста, е възможно да се върнем към по-бързи темпове, с нови, по-високи изисквания по отношение на качеството на изпълнение.
Техники за постигане на синхронност
ансамбъл звук
Под синхронността на звука на ансамбъла трябва да се разбира точността на съвпадението по време на силните и слабите части на всяка мярка, максималната точност при изпълнение на най-малките продължителности от всички членове на ансамбъла.
Трябва да се създаде впечатлението, че един човек играе с един-единствен „център” на контрола, да играе синхронно означава да свирим абсолютно заедно, със сигурност дори най-малките несъответствия в изпълнението на играта не остават незабелязани от внимателния слушател.
Как може да се постигне такова единство, така че всички да се обединят като един човек, всеки играе заедно (независимо от продължителността на пиесата), като в същото време промени темпото, ако е необходимо, заедно „вземе” или „премахне” акорд и т.н. Тази задача допълнително се усложнява от факта, че ансамбълът трябва да има добре позната метро-ритмична, а следователно и свобода на темпото.
За да играете заедно, най-напред трябва да се научите да разбирате партньора си, да култивирате качество в себе си, което се нарича чувство за ансамбъл. Това е най-важното.
Постигане на синхронност по време на START
Ансамбълът трябва да има изпълнител, който изпълнява някои от функциите на диригент - понякога е задължен да покаже въвеждане, оттегляне, забавяне и др.
Сигналът за влизане е малък кимване на главата, състоящ се от две точки: едва забележимо движение нагоре и след това ясно, по-скоро рязко движение надолу. Последното служи като сигнал за влизане.
Кимването не винаги се прави по същия начин: всичко зависи от естеството и темпото на парчето, което се играе. Когато парче започва от удара, сигналът е по същество същият, с тази разлика, че ако в първата версия имаше пауза при вдигането на главата, в този случай тя се изпълни със звук на атака.
- Срещнах те.
Постигане на синхрон в процеса на изпълнение.
Запазването на синхронизацията на звука в процеса на самото изпълнение е още по-трудна задача от едновременното въвеждане в началото на пиесата. Всичко зависи от това как всеки от ансамблите има метритмична стабилност, колко ритмично играе.
Пускането на осми заедно е трудна задача, възможността да се "разбие" лежи в ансамбли на всяка крачка. Укрепването на метро-ритмичната основа тук може да се направи, като се направи лек акцент в началото, върху силен залог. Акценти - организиращ и обединяващ старт, благодарение на който се постига синхронизация на звука.
Синхронност в края на работата.
Едва ли е необходимо да се подчертава колко е важно да приключим работата заедно. В тази връзка отбелязваме две възможни опции:
1. последният акорд (или бележка) има определена продължителност;
2. над хордата има фермата. В първия случай синхронизмът се постига в основата на точно продължителна продължителност.
Всеки от ансамблите брои „за себе си“ метро-ритмичните удари и премахва струната точно навреме.
Синхронност в изпълнението на агогика.
Запазване на единството на ансамбъла при изпълнение на агогиката, т.е. малки отклонения от темпото и брояча (забавяне, ускорение) - задача, която изисква внимателно внимание от изпълнителите. Когато темпото е определено, и движението трябва да бъде равномерно поддържане на единството на ансамбъла по-лесно. При отклонение от темпото и последващото възстановяване могат да възникнат някои трудности, тъй като всеки от участниците в ансамбъла може да се чувства различно или различно от темпото.
Индивидуална работа на ансамбъла
Партито на ансамбъла - необходимо е да се работи по частта на ансамбъла, за да се гарантира неговото представяне на високо ниво, точно както в соловата част. Партията на ансамбъла трябва да звучи изразително в артистични и безупречно технически термини като партията на солиста. Специално внимание трябва да се обърне на свиренето и, анализирайки го, трябва да се обърне внимание не само на сложни технически места, но и на тези, които изглеждат прости на пръв поглед. Трябва да се приеме, че значителна част от вниманието на ансамбъла е насочено към слушане на други части, следователно, свиренето частично контролира техническата страна на изпълнението на неговата част. На негова основа се развива автоматизъм на движенията, който осигурява точността (технически) на изпълнението на играта.
Работейки върху играта, трябва да го знаете толкова добре, че да я играете от всяко място, а не само от самото начало. За ансамбъла е много важно, защото в критична ситуация помага бързо да се движите.
Запаметявайки наизуст частта, е необходимо да представяме нейната функция в общия комплекс на ансамбъното звучене.
Най-важното условие за запаметяването на ансамбълна част е развитата памет с всичките й форми: слухова, визуална, тактилна или тактилна, двигателна или мускулна.
Помислете за всеки изглед отделно.
Слуховата памет за един музикант е един от основните типове памет. Каквото и изпълнител да свири, той трябва първо да чуе и да се опита да си спомни какво играе. В същото време човек не трябва просто да слуша, а да слушате внимателно какво звучи.
Визуална памет - фиксиране на визуални образи. Работейки с текст на бележка за определено време, ние имаме време да го снимаме в съзнанието си. В резултат на това често се помни самият текст, но също така и неговото местоположение на музикалния лист. Ето защо, не трябва да се разделят с бележките, трябва да дадете време за работа на визуалната памет.
Тактилна или тактилна - памет, основана на усещането за допир (осезаемо чувство). При свиренето на китара обърнете внимание на лявата ръка, на врата на китарата.
Моторната (мускулна) памет е в автоматизма на движенията: пръстите са „запомнени“. Ето защо, изучавайки игра, не трябва да гледате лявата си ръка през цялото време, това може само да предотврати развитието на мускулна памет, която не само удължава времето за обучение, но и влияе върху силата на знанието на партията наизуст. С този метод на запаметяване, пръстите се движат, сякаш сами по себе си, само референтните звуци на тази текстура се фиксират в съзнанието, всички останали стават постижение на мускулната памет, подсъзнанието.
5. Увеличаване на музикалната грамотност.
6. Подпомагане на учениците в тяхното участие в обществения живот на училището.
Трябва да се подчертае, че цялата образователна работа трябва да се извършва от преподавател на високо професионално ниво. Трябва да се изготви индивидуален работен план с учениците в ансамбъла.
Предложената образователна програма отчита: акумулативен опит, предложения и коментари на учители-практици, както и съществуващи методически програми.
1-ва година на обучение
аз половин година (степен 2)
Студентът трябва да научи 3-4 различни творби. Всеки ученик, след като е анализирал партитурата на партията си, се запознава с особеностите на ансамбъла. Овладяват се първоначалните умения на играта в ансамбъла: в същото време се взема и премахва звука, способността да се наблюдава не само собствената ви партия, но и ролята на партньора ви в музикалния текст.
За да избегнете чести колебания и прекъсвания, когато играете заедно, първо трябва да изберете бавно темпо. И двамата играчи разглобяват всяка съзвучие, всяка структурна частица.
Учителят запознава студента с особеностите на ансамбъла, следи отблизо психологическото състояние на партньорите. Важно е да се убедят студентите в тяхната колективна отговорност за звука на творбата и да се развие приятелско отношение на участниците в ансамбъла.
В края на първото тримесечие се провежда контролно прослушване на ансамбъла, а в края на първата половина на годината се извършва офсет, където ансамбълът изпълнява две разнообразни произведения.
II половин година
Студентът трябва да научи 4-5 различни творби. Парчетата са подбрани за различни докосвания за представяне (стакато, легато, не-легато). Изпробва се единството на изпълнението на тези удари в ансамбъла.
В същото време се работи по формулирането на работата и разработването на единна фраза сред членовете на ансамбъла.
Не трябва да се забравя, че за децата от началната училищна възраст е трудно да се включат в една игра на играта, затова е необходимо да се работи по няколко парчета от музика. И разбира се, можете да сравните образно с изпълнението на ударите:
“Staccato” - иглен убождане;
“Legato” - гладко пеене (в зависимост от желания звук).
Научната работа трябва да се извършва в класната стая, в училищните концерти. За този ученик научава за сценичното поведение. Учебни умения на сцената.
През четвъртото тримесечие - офсет, където ансамбълът изпълнява две разнообразни произведения.
2-ра година на обучение
аз на сушата (3-ти клас)
Избират се 4-5 парчета с ярки музикални образи, където се използват първоначални познания за формата на парчето. Като се започне от програмата, става дума за изразните средства на дадено произведение (удари, динамика, ритъм, темпо и т.н.). И за да се подобрят правилно изпълнителите, художественото мислене е подходящо.
Учителят трябва да помни, че психиката на ученика се характеризира с фрагментирано възприятие, т.е. придържане към единична черта (темпо, динамика, тембър, фразиране). Затова не трябва да претоварвате студента с твърде обемни задачи. Изборът на наличния репертоар е изключително важен.
II половин година
Продължава работата по усъвършенстване на придобитите умения, анализиране на формата на произведенията, изразните средства.
Говоренето за исторически, биографични, теоретични факти значително активира мисленето и възприятието на ученика. Той помага да се разбере и следователно да се извърши работата.
3-та година на обучение
1 полугодие (степен 4)
Обръща се внимание на образния звук на творбата. Четене от лист. През първото тримесечие - контролно прослушване.
II половин година
Ученикът трябва да научи 4-5 работи.
4-та година на обучение
аз половин година (степен 5)
Ученикът трябва да научи 4-5 игра. Познаване на по-големите форми на рондо, соната. По-силни ученици могат да бъдат запознати с формата на концерта. Продължава работата по развитието на единна скорост, ритмична последователност, динамичен баланс на страните.
Обръща се внимание на образния звук на творбата. Четене от лист. В едно тримесечие - контролно прослушване.
През второто тримесечие се провежда тест, в който се изпълняват две различни типове произведения или един продукт от голяма форма.
II половин година
Ученикът трябва да научи 4-5 работи.
Нарастващата сложност на техническите задачи в работата изисква работа по развитието на поддръжката на линията на фразиране, както и разработване на общи движения на изпълнение, последователност в движенията на студента. За да култивира самоконтрола и самоконтрола, студентът се приканва да научи една работа самостоятелно.
През третото тримесечие - контролно прослушване.
През четвъртото тримесечие - тестът, в който се изпълняват две различни типове произведения. Четене от лист.
Списък на използваната литература
1. "Млад китарист", в Калинин;
2. “Училище за свирене на шестструнната китара”, П. Агафошин;
З. "Училище за свирене на шестструнната китара", А. Иванов-Крамкей;
4. “0 музикална педагогика”, Б.Я. Zemlyansky;
5. „06 изкуството на свиренето на пиано. Учител на бележките, G. Neuhaus;
6. "Работата на пианиста по технология", С. Савтински; "Творчеството на пианиста с текста на автора", Е. Либерман.
