Какви са видовете живопис. Речник на специалните термини в живописта
Рисуването е един от видовете изобразително изкуство. Боядисването се подразделя на следните видове:
- монументален;
- статив;
- театрални и декоративни;
- декоративни;
- миниатюрен.
За разлика от другите видове, в живописта цветът има основната изразителна стойност, благодарение на което изпълнява естетическа, познавателна, идейна и документална роля.
Рисуването е прехвърляне на изображения с течни бои, за разлика от графиката. Като бои се използват маслена боя, темпера, гваш, емайл, акварел и др.
Стилът на рисуване е посока с общи идеи, техника на изпълнение, характерни техники на изображението. Формирането на стилове е повлияно от политиката и икономиката, идеологията и религията. Следователно всеки стил може да се разглежда като представител на своето време.
Посоките и стиловете на рисуването са не по-малко разнообразни от средствата за нейното изобразяване. Понякога няма ясно разделяне на стиловете. Когато смесите няколко стила, получавате нов. Но с цялото разнообразие има няколко основни насоки:
Готически
Този европейски стил е бил разпространен през 9 и 14 век. Библейските истории, липсата на перспектива, емоционалност и претенциозност са основните характеристики на този стил. Представители: Джото, Траини.
Ренесанс
14-16 век бележи завръщане в древността, прославянето на красотата на човешкото тяло, хуманизма. Основните представители са Микеланджело Буонароти, Леонардо да Винчи.
Маниеризъм
Посока в живописта от 16 век. Стилът е противоположен на Ренесанса. Името идва от думата „маниер“. Представители на тази тенденция Вазари, Дуве.
Барок
Помпозен, луксозен стил на рисуване от 16-18 век в Европа. Отличава се с яркостта на цветовете, внимание към детайла и декорация.
Рококо
16 век. По-изтънчено, изискано и интимно продължение на бароковия стил. Представители: Boucher, Watteau.
Класицизъм
Стилът, присъщ на европейската култура от 17-19 век. От гледна точка на класицизма, картината трябва да бъде изградена по строги канони. Стилът на класицизма е наследник на античността и Ренесанса. Основните представители на този стил са Рафаел, Пусен.
Стил ампир
Стил от 19 век. Името на стила идва от думата "империя". Това е продължение на развитието на класицизма в неговото величие, лукс и изтънченост. Основният представител е J.L.David.
Романтизъм
Стил от 19 век, предшестван от класицизма. Емоционалност, индивидуалност, изразителност на образите. Забележително с изобразяването на такива емоции като ужас, страхопочитание. Популяризира народните традиции, легенди, национална история. Представители: Гоя, Брюлов, Делакруа, Айвазовски.
Примитивизъм
Живописен стил от 19 век. Стилизирано, опростено изображение, което води до примитивни форми, напомнящи на примитивни рисунки. Виден представител е Пиросмани.
Реализъм
Стил от 19-20 век. По принцип тя отразява обективната реалност искрено, без прекомерна емоционалност. Хората често са били изобразявани по време на работа. Художници: Репин, Шишкин, Саврасов, Мане.
Абстракционизъм
Стил от 19-20 век. Хармонична цветова комбинация от геометрични фигури, насочена към постигане на разнообразни асоциации. Представители: Пикасо, Кандински.
Импресионизъм
Стил от 19-20 век. Стил на рисуване на открито, на открито. Играта на светлината, изпълнена по характерен начин, техниката на малък удар, движението, предадено от майстора. Името на стила е дадено от картината на Моне "Впечатление". Основните представители на този стил са Реноар, Моне, Дега.
Експресионизъм
Стил 20 век. Преувеличено изобразяване на емоции за по-голямо въздействие върху зрителя. Сред представителите на този стил са Modigliani, Munch.
Кубизъм
Авангарден стил от 20-ти век. Характеризира се с прекъснати (кубични) линии, определена комбинация от обекти, гледани едновременно от няколко гледни точки. За основател на този стил се смята Пикасо.
Модернизъм
Стил от 19-20 век. Това е антиподът на консервативните изображения на реализма. Шокиращият, пластичен стил на рисуване представя оригинални картини, които отразяват вътрешния свят на художника. Представители: Пикасо, Матис.
Поп изкуство
Стил 20 век. Иронично изображение на банални, често вулгарни предмети. Обикновено се използва в маркетинга и рекламата. Виден представител на тази тенденция е Анди Уорхол.
Символика
Посока от 19-20 век. Духовност, мечти, митове и легенди. Символи, често двусмислени, характеризират този стил. Той е предшественикът на експресионизма и сюрреализма. Представители: Врубел, Васнецов, Нестеров.
Сюрреализъм
Стил 20 век. Алузии, смесване на пространства от реалност и мечта, необичайни колажи. Прави впечатление на подсъзнанието. Дали и Магрит направиха голям принос за този стил.
Под земята
Експериментална тенденция в съвременното изкуство, която отразява асоциалното поведение в нарушение на общоприетите морални и етични принципи. Представителят на стила е Шемякин.
Какво е стил?
Какво точно се разбира под стил в изкуството? Това е един вид идейно-художествено единство, благодарение на което художниците отдават предпочитание на определени теми и специални визуални средства. Те остават индивидуални, но гледайки това или онова платно, вече е възможно да се определи ерата и стилът почти безпогрешно.
Европа се оформи през Средновековието. А живописта се е развила от иконописта. На руска земя дори имаше преходен жанр - парсуна. Това вече не е икона, но все още не е портрет. И едва когато изкуството постепенно се освободи от авторитета на църквата, стане по-светско и светско, живописта като форма на изкуство придобива всички права.
Стил по стил
Първият често срещан европейски стил в живописта може да се счита не за романски и готически (има предимно архитектура), а за барок.
Това е стилът на намеци, пропуски, алегории, стил на алегории и метафори. Рембранд и Рубенс са типични представители. Рококо е вид дегенериран барок. Стилът не е толкова в живописта, колкото в приложното изкуство. F. Boucher и A. Watteau оставиха най-ярките примери за рококо живопис. Самата тази картина е изискана, с нотка на еротика, издържана в пастелни цветове, пълна с митологични мотиви. Осемнадесети век се превръща в век на господството на класицизма. Това вече е героична картина, в която се прославят владетелите и командирите. Художниците също обичат митологичните и исторически теми. Строги пропорции, единството на съдържанието и формата, разделението на героите на положителни и отрицателни, на основни и второстепенни - това са само част от чертите на класицизма. След това идва кратка, но светла епоха на сантиментализъм. Освен живопис, поезията е и в неговата сфера на влияние. Сентименталистите задълбочават съдържанието на изкуството, изпълват го с психологическо напрежение. Те обръщат рисуването към нуждите и изискванията на обикновените хора. Изкуството се демократизира. На платната сега няма богове и герои, а готвачи, перални, работници. За най-грозната работа. Романтизмът заменя сантиментализма. С бурните си страсти, необичайни, необикновени герои, култ към вдъхновение. Достатъчно е да сравним портретите на Пушкин от Кипренски и Тропинин, за да усетим фундаменталната разлика между тях. Романтикът Кипренски - и Пушкин романтикът, на фона на лирата. Реалистът Тропинин рисува поета като човек с небрежно отворена яка на ризата, макар и с писалка в ръце.
Реализъм - Сериозно и дълго време Реалистичното изкуство от тридесетте години на XIX век започва да си пробива път. И много скоро започва да определя и оформя артистичните вкусове на значителен брой публика. В основата на реализма стои желанието за правдиво и всеобхватно отражение на заобикалящата действителност, критично отношение към буржоазните ценности, мощна социална ориентация. В Русия реалистичната живопис е преди всичко пътуващите художници. В началото на века реализмът преживява известна временна криза. Но се оказва достатъчно, за да се появи модернизмът. Този термин е обичайно да обозначава пъстра колекция от онези художествени тенденции и училища, които се стремят да се отърсят от оковите на традиционното изкуство, да скъсат с реализма и неговото изобразяване.
Алтернативен или фалшив гланц?
Модернизмът е импресионизъм, фовизъм, символизъм и футуризъм. Публиката вижда все по-малко хора, природа, животни на платната. Вместо това - изкривени пропорции, неясни тонове. Всичко е оцветено от емоции и моментни настроения на този или онзи автор. Както се казва, по-нататък - повече. След модернизма - абстракционизъм. Това вече са цветни петна, извити линии, причудлива комбинация от геометрични тела. Кубизъм, районност, сюрреализъм. Спаси ме само талантът. Става въпрос за Пикасо или Дали. Посредствеността погълна Лете. Тяхната участ е забравата в историята. И накрая, има постмодернизъм, чиято епоха се проточи неразумно дълго време. Вече няма правила и канони. Без изповед или проповед. Всичко е допустимо. Пълна еклектика, тоест смесица от стилове и различни елементи. Залог за търговски успех.
До какво стигна Развитието на живописните стилове, за съжаление, потвърждава хипотезата на испанския философ Х. Ортега и Гасет за настъпването на века на „дехуманизация на изкуството”. Никой не отрича необходимостта от себеизразяване и никой не ограничава художника при избора на средствата за него. Единственото тъжно нещо е, че мнозина са склонни да мислят, като възрастната жена Шапокляк от карикатурата - „не можеш да станеш известен с добри дела“. Колкото по-скандално, толкова по-силно се прогнозира успехът. И такива "художници" не знаят, че времето все още ще отсее цялата шлака и обвивка, но истинското изкуство ще остане. Никаква мръсотия няма да се залепи за него.
Стилове и посоки на рисуване
Броят на стиловете и тенденциите е огромен, ако не и безкраен. Стиловете в изкуството нямат ясни граници, те плавно се сливат един в друг и са в непрекъснато развитие, смесване и противопоставяне. В рамките на един исторически стил на изкуството винаги се ражда нов, а той от своя страна преминава в следващия. Много стилове съжителстват едновременно и следователно изобщо няма „чисти стилове“.
Абстракционизъм (от лат. abstractio - премахване, разсейване) - художествена посока в изкуството, която отказва да изобразява форми, близки до реалността.
Авангард, авангард (от френския авангард - авангард) - общото наименование на художествените тенденции в изкуството на 20-ти век, които се характеризират с търсенето на нови форми и средства за художествено показване, подценяване или пълно отхвърляне на традициите и абсолютизирането на иновация.
Академизъм (от френския академизъм) - посока в европейската живопис от XVI-XIX век. Тя се основава на догматично придържане към външните форми на класическото изкуство. Последователите характеризират този стил като разсъждение над формата на изкуството на древния античен свят и Ренесанса. Академизмът компенсира традициите на древното изкуство, в които образът на природата е идеализиран, като същевременно компенсира нормата на красотата. Анибале, Агостино и Лодовико Карачи са писали в този стил.
Акционизъм (от английското action art - изкуството на действието) - хепънинг, представление, събитие, изкуство на процеса, изкуство на демонстрация и редица други форми, възникнали в авангардното изкуство от 60-те години. В съответствие с идеологията на акционизма, художникът трябва да организира събития и процеси. Акционизмът се стреми да размие границата между изкуството и реалността.
Стил ампир (от френска империя - империя) - стил в архитектурата и декоративното изкуство, възникнал във Франция в началото на 19 век, през периода на Първата империя на Наполеон Бонапарт. Стилът ампир е окончателното развитие на класицизма. За въплъщение на величие, изтънченост, лукс, мощ и военна сила, Империята се характеризира с апел към древното изкуство: древни египетски декоративни форми (трофеи на войната, крилати сфинксове ...), етруски вази, помпейска живопис, гръцки и Римски декор, ренесансови стенописи и орнаменти. Основният представител на този стил беше Дж. Л. Дейвид (картини „Клетвата на хоратите“ (1784), „Брут“ (1789))
Под земята (от английски ъндърграунд - ъндърграунд, ъндърграунд) - редица художествени тенденции в съвременното изкуство, противопоставящи се на масовата култура, основния поток. Ъндърграундът отхвърля и нарушава политическите, морални и етични ориентации и видове поведение, приети в обществото, като въвежда асоциално поведение в ежедневието. По време на съветския период, поради строгостта на режима, почти всичко, което беше неофициално, т.е. не е признато от властите, изкуството се оказва под земята.
Арт Нуво (от френския модерн, буквално - ново изкуство) - името на стила ар нуво, широко разпространен в много страни (Белгия, Франция, Англия, САЩ и др.). Най-известният художник в тази област на живописта: Алфонс Муха.
Арт Деко (от френски арт деко, съкратено от decoratif) - тенденция в изкуството в средата на 20 век, която бележи синтеза на авангарда и неокласицизма, замени конструктивизма. Отличителни черти на тази тенденция: умора, геометрични линии, лукс, шик, скъпи материали (слонова кост, крокодилска кожа). Най-известната художничка в тази посока е Тамара де Лемпичка (1898-1980).
Барок (от италиански barocco - странен, странен или от port.perola barroca - перла с неправилна форма, има и други предположения за произхода на тази дума) - художествен стил в изкуството на късния Ренесанс. Отличителни черти на този стил: преувеличени размери, прекъснати линии, изобилие от декоративни детайли, тежест и колосалност.
Ренесансът, или Ренесансът (от френския ренесанс, италиански rinascimento) е епоха в историята на европейската култура, която замества културата на Средновековието и предшества културата на новото време. Приблизителна хронологична рамка на епохата - XIV-XVI век. Отличителна черта на Ренесанса е светският характер на културата и нейният антропоцентризъм (т.е. интерес преди всичко към човек и неговите дейности). Има интерес към древната култура, има своеобразно нейно „възраждане“ - и така се появи терминът. Рисувайки картини на традиционни религиозни теми, художниците започват да използват нови художествени техники: изграждане на обемна композиция, използвайки пейзаж във фонов режим, което им позволява да правят изображенията по-реалистични и оживени. Това рязко отличаваше творчеството им от предишната иконографска традиция, изпълнена с конвенции в изображението. Най-известните художници от този период: Сандро Ботичели (1447-1515), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаел Санти (1483-1520), Микеланджело Буонароти (1475-1564), Тициан (1477-1576), Антонио Кореджо (1489 -1534), Йероним Бош (1450-1516), Албрехт Дюрер (1471-1528).
Woodland (от английски - горска земя) е стил в изкуството, който произхожда от символиката на скалните рисунки, митовете и легендите на северноамериканските индианци.
Готиката (от италиански gotico - необичаен, варварски) е период в развитието на средновековното изкуство, който обхваща почти всички области на културата и се развива в Западна, Централна и отчасти Източна Европа от 12 до 15 век. Готиката завършва развитието на европейското средновековно изкуство, възниквайки въз основа на постиженията на романската култура, а през Ренесанса средновековното изкуство се счита за „варварско“. Готическото изкуство беше култово по предназначение и религиозно по предмет. Той се обърна към най-висшите божествени сили, вечността, християнския мироглед. Готиката в своето развитие се подразделя на ранна готика, процъфтяваща, късна готика.
Импресионизмът (от френско впечатление - впечатление) е тенденция в европейската живопис, възникнала във Франция в средата на 19 век, чиято основна цел е била да предаде мимолетни, променливи впечатления.
Кич, кич (от немски kitsch - лош вкус) е термин, обозначаващ един от най-одиозните феномени на масовата култура, синоним на псевдо-изкуство, в който основното внимание се отделя на екстравагантността на външния вид, силата на неговите елементи. Всъщност кичът е вид постмодернизъм. Кичът е масово изкуство за избрани. Произведение, принадлежащо на кича, трябва да бъде направено на високо художествено ниво, трябва да има завладяващ сюжет, но това не е истинско произведение на изкуството във висок смисъл, а умела имитация на него. В кича може да има дълбоки психологически сблъсъци, но няма истински художествени открития и разкрития.
Класицизмът (от латински classicus - примерен) е художествен стил в изкуството, чиято основа е обжалването, като идеален естетически стандарт, към образите и формите на античното изкуство и Ренесанса, изискващо стриктно спазване на редица правила и канони.
Космизмът (от гръцки kosmos - организиран свят, kosma - украса) е художествено-философски мироглед, който се основава на познанието за Космоса и идеята за човек като гражданин на света, както и микрокосмос, подобно на Макрокосмоса. Космизмът е свързан с астрономическото познание на Вселената.
Кубизмът (от френски cube - куб) е модернистична посока в изкуството, изобразяваща обекти от реалността, разложени в прости геометрични фигури.
Lettrism (от английската буква - писмо, съобщение) е тенденция в модернизма, основана на използването на изображения, подобни на шрифт, нечетлив текст, както и композиции, базирани на букви и текст.
Метареализмът, метафизичният реализъм (от гръцки meta - между и gealis - материален, реален) е тенденция в изкуството, чиято основна идея е да изрази свръхсъзнанието, свръхфизичната същност на нещата.
Минимализмът (произлиза от английското minimal art - минимално изкуство) е художествено движение, което произтича от минималната трансформация на материалите, използвани в творческия процес, простота и еднородност на формите, монохромност, творческо самоограничение на художника. Минимализмът се характеризира с отхвърляне на субективност, представителност, илюзионизъм. Отхвърляйки класическите техники и традиционните художествени материали, минималистите използват индустриални и естествени материали с прости геометрични форми и неутрални цветове (черно, сиво), малки обеми, използват серийни, конвейерни методи за индустриално производство.
Модерният (произлизащ от френския moderne - най-новият, модерен) е художествен стил в изкуството, в който характеристиките на изкуството на различни епоксидни ядове са преинтерпретирани и стилизирани с помощта на практически идеи, основни принципи.
Неопластиката е една от най-ранните разновидности на абстрактното изкуство. Създаден през 1917 г. от холандския художник П. Мондриан и други художници, членували в асоциацията "Стил". Неопластиката се характеризира, според създателите му, от стремежа към „универсална хармония“, изразен в строго балансирани комбинации от големи правоъгълни фигури, ясно отделени от перпендикулярни черни линии и боядисани в локални цветове на основния спектър (с добавяне на бял и сиви тонове).
Примитивизъм, наивно изкуство, наивно - стил на рисуване, при който картината е умишлено опростена, формите й са примитивни, като народното изкуство, дело на дете или първобитен човек.
Op-art (от английското оптично изкуство - оптично изкуство) е неоавангардна тенденция във визуалните изкуства, при която ефектите от пространственото движение, сливането и „извисяването“ на формите се постигат чрез въвеждането на остър цвят и тонални контрасти, ритмични повторения, пресичане на спирални и решетъчни конфигурации, извиващи се линии.
Ориентализмът (от латински oriens - изток) е посока в европейското изкуство, която използва теми, символи и мотиви на Изтока и Индокитай
Орфизмът (от френски orphisme, от Orp? Ee - Орфей) е тенденция във френската живопис от 1910-те години. Заглавието е дадено през 1912 г. от френския поет Аполинер на картината на художника Робърт Делоне. Орфизмът се свързва с кубизма, футуризма и експресионизма. Основните характеристики на този стил на рисуване са естетизъм, пластичност, ритъм, изящество на силуети и линии.
Майстори на орфизма: Робърт Делоне, Соня Терк-Делоне, Франтишек Купка, Франсис Пикабия, Владимир Баранов-Росине, Фернан Леже, Морган Ръсел.
Поп изкуството (от английското pop - рязък звук, лек памук) е неоавангардна тенденция във визуалните изкуства, при която реалността е типични обекти на съвременния урбанизиран живот, образци на масова култура и цялата изкуствена материална среда човек
Постмодернизмът (от френския постмодернизъм - след модернизма) е нов художествен стил, който се различава от модернизма чрез връщане към красотата на вторичната реалност, разказ, апел към сюжета, мелодичност, хармония на вторичните форми. Постмодернизмът се характеризира с обединяване на стилове, фигуративни мотиви и художествени техники, заимствани от различни епохи, региони и субкултури в рамките на едно произведение.
Реализмът (от лат. Gealis - материален, реален) е посока в изкуството, характеризираща се с образа на социални, психологически и други явления, които максимално съответстват на реалността.
Рококо (произлиза от френското rococo, rocaille) е стил в изкуството и архитектурата, възникнал във Франция в началото на 18 век. Отличава се с грация, лекота, интимен и флиртуващ характер. Заменяйки тежкия барок, рококо е както логичният резултат от неговото развитие, така и неговият артистичен антипод. Рококото се обединява с бароковия стил от стремежа към завършеност на формите, но ако барокът гравитира към монументална тържественост, то рококото предпочита грация и лекота.
Символизмът (от френски symbolisme - знак, идентифицираща поличба) е художествена насока в изкуството, основана на въплъщение на основните идеи на творбата чрез многозначната и многостранна асоциативна естетика на символите.
Социалистическият реализъм, социалистическият реализъм е художествена тенденция в изкуството, която е естетически израз на социалистически осъзнатата концепция за света и човека, обусловена от епохата на социалистическото общество.
Хиперреализъм, суперреализъм, фотореализъм (от англ. Hyperrealism - над реализъм) - тенденция в изкуството, основана на точно фотографско възпроизвеждане на реалността.
Сюрреализмът (от френски сюрреализъм - супер + реализъм) е едно от направленията на модернизма, чиято основна идея е да изразява подсъзнанието (да съчетава мечтата и реалността).
Трансавангардизмът (от латински trans - чрез, чрез и френски avantgarde - авангард) е една от съвременните тенденции на постмодернизма, възникнала като реакция на концептуализма и поп изкуството. Трансавангардът обхваща смесването и трансформирането на стилове, родени в авангарда, като кубизъм, фовизъм, футуризъм, експресионизъм и др.
Експресионизмът (произлиза от френския израз - експресивност) е модернистична тенденция в изкуството, която разглежда образа на външния свят само като средство за изразяване на субективните състояния на автора.
От незапомнени времена човек се стреми към съвършенство, търсейки хармония в света, който го заобикаля. Откривайки красотата, той се опитва да намери начин да запази тази красота и да я донесе на своите потомци. Изобразителното изкуство е един от малкото методи, измислени от човека в първобитните времена. Тогава древните хора рисували по скалите и стените на пещери, изобразявайки сцени от живота на своя народ. Така изкуството на рисуването започва да се заражда в примитивното общество. С течение на времето художниците са се научили да използват различни инструменти и техники за рисуване. Появяват се нови жанрове и видове живопис. Предавайки натрупаните знания и опит от поколение на поколение, хората са успели да запазят картината на света в първоначалния си вид. И днес имаме възможността да се възхищаваме на всички части на света, разглеждайки творбите на художници от различни епохи.
Разлика от другите видове изобразително изкуство
Рисуването, за разлика от други методи за предаване на визуални изображения, се извършва чрез нанасяне на боя върху платно, хартия или друга повърхност. Този вид визуално изкуство има необичаен художествен стил на изразяване. Художникът, играейки с въображение и нюанси на цветовете, е в състояние да даде на зрителя не просто показване на видимия свят, но, добавяйки свежи образи от себе си, да предаде своята визия и да подчертае нещо ново и необичайно.
Видове живопис и тяхното кратко описание
Тази форма на изкуство се характеризира според вида на боята и използвания материал. Има различни техники и видове рисуване. Има 5 основни разновидности: миниатюрни, стативни, монументални, театрални и декоративно-декоративни.
Миниатюрна живопис
Започва да се развива още преди изобретяването на печата, през Средновековието. По това време е имало ръкописни книги, които майсторите на изкуството са украсявали с фино очертани шапки и окончания, а също така са украсявали текстовете с цветни миниатюрни илюстрации. През първата половина на 19 век за създаване на малки портрети се използва миниатюрна живопис. За това художниците предпочетоха акварели, защото благодарение на чистите и дълбоки цветове и техните комбинации портретите придобиха специална грация и благородство.
Станкова живопис
Това изкуство на живописта получи името си поради факта, че картините са направени с помощта на статив, тоест машина. Платната най-често се рисуват върху платно, което е опънато върху носилка. Също така хартия, картон и дърво могат да се използват като материална основа. Картината, рисувана върху статив, е напълно самостоятелна творба. Той може да изобрази както измисления художник, така и фактически във всички форми. Това могат да бъдат както неживи предмети, така и хора, както модерност, така и исторически събития.
Монументална живопис
Този вид визуално изкуство е мащабна живопис. Монументалната живопис се използва за украса на тавани и стени на сгради, както и различни строителни конструкции. С помощта на него художниците идентифицират значими социални и исторически събития, които влияят върху развитието на обществото и допринасят за формирането на хора в духа на прогреса, патриотизма и хуманността.
Театрална и декоративна живопис
Този тип се използва за грим, реквизит, декорация на костюми и декорации, които помагат да се разкрие сюжета на представлението. Костюмите, гримовете и декорациите се правят по скици на художника, който се стреми да предаде стила на епохата, социалния статус и личния характер на персонажите.
Декоративна живопис
Означава декориране на интериора и сградите, като се използват цветни панели, с помощта на които се създава визуално увеличаване или намаляване на размера на една стая, илюзия за пробив на стена и др.
Живопис в Русия
Изброихме основните видове живопис, които се различават по особеността на използването на материала от художника за творчество. Сега нека поговорим за характеристиките на тази форма на изкуството, присъщи на нашата страна. Русия по всяко време е била известна със своите необятни простори с богата флора и фауна. И всеки художник се стремеше да улови на платно цялата красота на природата и да предаде блясъка на изображенията на зрителя.
Различни видове пейзажи в живописта могат да се наблюдават на платната на известни творци. Всеки от тях, използвайки своя собствена техника, се опита да предаде на зрителя собствените си емоции и собствената си визия. Руската живопис се прославя от такива майстори като Левитан, Шишкин, Саврасов, Айвазовски и много други. Те използваха различни техники, за да нарисуват своите известни картини. И както вътрешните светове на майсторите на живописта са разнообразни, така и техните творения и емоции, предизвикани от публиката в крайна сметка. Най-искрените и дълбоки чувства са породени от известните произведения на нашите художници.
Така например, „Сутрин в борова гора“ на Шишкин ни изпълва с изискана светлина и ни дава спокойствие. Изглежда усещаме сутрешния чист въздух, потапяме се в иглолистната атмосфера и наблюдаваме игрите на мечетата. Докато „Морският бряг“ на Айвазовски ни отвежда в бездната на чувствата и безпокойството. Селските есенни пейзажи на Левитан дават порция носталгия и спомени. А творението на Саврасов „Топовете са пристигнали“ покрива с лека тъга и дава надежда.
Руската живопис е потвърждение на колосалния потенциал и талант на руския народ, както и любовта към родината и природата. Всеки може да провери това, като разгледа снимките на нашите сънародници. И основната задача е да се запази живата руска живописна традиция и творческите способности на хората.
Стиловете на рисуване са много широка тема, може да се каже вечна. Хората често използват термини, които не разбират правилно, поради това има объркване и объркване. Ето защо искам накратко и лесно да разкажа всичко, което знам за указанията в рисуването. За да не превърна статията в скучен урок по история, накратко ще ви разкажа за най-популярните и подходящи насоки днес. Стиловете на рисуване с илюстрации са удобен и бърз начин да се запознаете с най-важните тенденции в визуалните изкуства.
Готически
„Олтар на семейство Мероде“. Робърт Кемпин. 1430-те.
Готически Това е тенденция в изкуството, която обхваща всички страни от Западна и Централна Европа. Тогава готиката беше във всичко - в скулптурата, живописта, витражите и т.н. използва се навсякъде, където е възможно, настъпва „културен бум“. Тази популярност се дължи на последната еволюция от средновековното изкуство. Центърът и основната фигура на готическия стил е била архитектурата - високи арки, цветни витражи, много детайли. Романската епоха не може да устои на такава атака и остава встрани от историята.
Години: 1150 - 1450.
Бартоло ди Фреди, Джото, Ян Полак, Ян ван Ейк.
Ренесанс (Възраждане)
„Каещата се Мария Магдалина“. Тициан. 1560-те.
Ренесанс възникна от падането на Византийската империя и културната суматоха, настъпила в Европа. Византийците, принудени да избягат, заедно с културните връзки донесоха произведения на изкуството и библиотеки в земите на Европа. Така се осъществи един вид възраждане на древните възгледи, но по модерен начин. През годините много точки бяха преразгледани и поставени под въпрос. Като цяло царува светският хуманизъм и идеите за просперитет.
Години: 1400 - 1600.
Йероним Бош, Леонардо да Винчи, Тициан.
Барок
„Джудит и Олоферн“. Караваджо. 1599 година.
Барок - Европейско културно наследство, произхождащо от Италия. Характеризира иронична порочна красота, неестествен елит и претенциозност. Характерните черти на такива картини са високият контраст, напрежението на сюжета, динамиката на героите, разтегнати до краен предел. Квинтесенцията на барока се счита за църквата Санта Мария дела Витория, която се намира в Рим.
Години: 1600-1740.
Караваджо, Рембранд, Рубенс, Ян Вермеер.
Класицизъм
„Милост на Сципион Африкански“. Помпео Батони. Годината е 1772.
Класицизъмизигра огромна роля в изкуството като основна тенденция в живописта от 18 век. От самото име всичко става ясно (латински classicus означава примерен, примерен).
Художниците си поставиха за цел да привлекат зрителя към висотата, а картините им бяха пътеводна звезда. Високият морал, сдържаната култура и традиционните антични ценности станаха основата на класицизма. В ерата на класицизма в Европа се наблюдава културен растеж и преоценка на ценностите, изкуството достига съвсем различно ниво.
Години: 1700 - 1800.
Карл Брюлов, Жан-Батист Греуз, Пусен Никола.
Реализъм
„Скитащи акробати“. Гюстав Доре. 1874 година.
Реализъмсе опитва с най-голяма надеждност да предаде настроението на момента, момент от реалността върху платното. Но от своя страна това не се ограничава до ясна рамка, единствените правила са, че в картината не трябва да има място за неща, които изключват реализма. В хода на експериментите, в края на 18 век, този стил е разделен на натурализъм и импресионизъм. Но реализмът успя да оцелее и той е популярен дори в съвременната живопис.
Години: 1800 - 1880.
Уилям Бугро, Гюстав Курбе, Жан-Франсоа Милет.
Импресионизъм
"Впечатление. Изгряващо слънце". Клод Моне. 1872 година.
Импресионизъмвъзникнала във Франция, тази концепция е въведена от Луи Лерой. Импресионистите, които са работили в този стил, са искали да уловят второ впечатление за всеки обект или момент, нарисувани тук и сега, независимо от формата и значението. Снимките показаха изключително положителни и ярки моменти и моменти. Но по-късно на тази основа между импресионистите започват разногласия, с течение на времето се появяват майстори, които могат да бъдат впечатлени от социални проблеми, глад и болести. Импресионизмът обаче е мил и позитивен стил на рисуване, който показва добри и светли моменти.
Години: 1860 - 1920.
Клод Моне, Едуар Мане, Едгар Дега.
Постимпресионизъм
„Автопортрет в сива филцова шапка III“. Винсент ван Гог. 1887 година.
Постимпресионизъме погълнал много различни стилове и техники. Европейските майстори със свежи възгледи за живописта родиха нови тенденции и активно се опитваха да се отдалечат от скучните тогава импресионизъм и реализъм.
Години: 1880 - 1920.
Винсент Ван Гог, Пол Гоген, Родерик О'Конър.
Поинтилизъм
„Рио Сан Тровасо. Венеция ". Анри Едмънд Крос. 1904 година.
Поинтилизъм (point - point) - Стилистична посока в живописта, която е същият импресионизъм, само че в различна обвивка. Вместо дрипави щрихи бяха използвани точкови или правоъгълни форми. Също така художниците отказаха да смесват цветове на палитрата, вместо това чистите цветове бяха насложени върху платното и смесени директно върху самото платно, без да се докосват един друг.
Години: 1885 - 1930.
Анри Едмонд Крос, Жорж Серат, Пол Синяк.
Модернизъм
"Пеперуди близо". Одилон Редон. 1910 година.
Модернизмът е обща характеристика на всички жанрове и стилове в живописта от 1850 до 1950 година. Включва такива направления в живописта - импресионизъм, експресионизъм, нео- и постимпресионизъм, фовизъм, кубизъм, футуризъм, абстрактно изкуство, дадаизъм, сюрреализъм и много други. Съществуването на тези стилове бележи пълното отклонение на визуалните изкуства от академизма. След напускането на академизма стана почти невъзможно да се проследят всички тенденции и стилове, които са се формирали и все още се оформят.
Години: 1850 - 1950.
Салвадор Дали, Казимир Малевич, Огюст Реноар и много други.
Академизъм
Академизъм - тенденция в изкуството, която следва правилата и обичаите от античността и Ренесанса. Академизмът се стреми да наложи ясни основи и граници, изключва фантазията и творческия полет. Вместо това акцентът е върху подобряването на недостатъците, „грубостта“ на природата - за скриване или премахване. Подобряването на реалността в посока на красивото възприятие е същността на академизма. Сюжетите често са взети от древната митология, използвани са също библейски и исторически мотиви.
Години: 1500 - Днес.
Карл Брюлов, Уилям Бугро, Фьодор Бруни.
Примитивизъм
"В кухнята" Богоявление Дровняк. 1940 ~ година.
Примитивизъм- умишлено опростяване на картината до такава степен, че да изглежда така, сякаш е дело на дете. Различни народни рисунки и илюстрации могат да бъдат приписани на примитивизма. Само на пръв поглед картините изглеждат прости и нелепи. Но ако се вгледате внимателно, можете да видите правилните пропорции и спазването на правилата на хоризонта и композицията. Повечето от известните майстори на примитивизма и наивното изкуство бяха големи почитатели на историята на своя народ и тяхната култура. Ето защо всичките им картини са наситени с вкуса на района, в който са живели. Днес този жанр се трансформира в наивно изкуство, често с нотка на символика. Това се дължи на факта, че съвременният зрител не е готов да възприеме примитивизма в най-чистата му форма.
Години: 1900 - Днес.
Богоявление Дровняк, Анри Русо, Нико Пиросманишвили.
Кубизъм
„Седнала жена в синя рокля“. Пабло Пикасо. Годината е 1939г.
Кубизъме посока на модернизма, често използвана по отношение на живописта и визуалните изкуства. Занаятчиите разделяли своите парцели на геометрични фигури, давайки на всеки уникален елемент свой плътен сектор.
Години: 1906 - 1925.
Пабло Пикасо, Фернан Леже, Робърт Делоне.
Сюрреализъм
"Постоянството на паметта". Салвадор Дали. 1931 година.
Сюрреализмът смесва мечтата с реалността. В този стил художниците пуснаха мечтите си навън, смесвайки образи от реалния живот помежду си, съчетавайки несъвместимото. Също така бяха засегнати лични теми на мечтите - страхове, тайни желания, несъзнателни фантазии, комплекси. Всичко, което човек може да види в мечтите си. Днес сюрреалистите копират външната обвивка, използвайки само красиви форми, без да им внушават значението, което е било характерно за майсторите от миналото.
Години: 1920 - Днес.
Салвадор Дали, Макс Ернст, Рене Магрит.
Абстракционизъм
„Жълто-червено-синьо“. Василий Кандински. 1925 година.
Абстракционизъм - посока в изкуството, където е имало отхвърляне на изобразяването на реалността и правилността на формите. Основната цел е да се изобразят разнообразни многоцветни форми, които заедно могат да разкажат за сюжета на картината. Русия и Америка се считат за родното място на абстракционизма.
Години: 1910 - Днес.
Василий Кандински, Казимир Малевич, Пиет Мондриан.
Експресионизъм
"Вик". Едвард Мунк. 1893 година.
Експресионизъм си поставя една-единствена задача да предаде това, което е усетил авторът на картината по време на писането ѝ. Художниците в този стил искат да изразят себе си и своите чувства, поради което експресионизмът е антиподът на импресионизма, в който акцентът е върху изразяването на чисто външна обвивка. Експресионистите се характеризират със склонност към мистицизъм, песимизъм и униние.
Години: 1890 - Днес.
Егон Шиле, Карл Ойген Кел, Йежи Хулевич.
Поп изкуство
Зелени бутилки кока-кола. Анди Уорхол. 1962 година.
Поп изкуство - Модерен стил в изкуството, използващ символи на популярната култура и потребителски продукти. Съвременните технологии помогнаха за манипулиране и комбиниране на предмети, поради което поп изкуството често беше критикувано от пазителите на старата школа. С течение на времето поп артът погълна много насоки в живописта.
Години: 1950 - 1980.
Анди Уорхол, Хокни Дейвид, Робърт Раушенберг.
Минимализъм
„Гран Кайро“. Франк Стела. 1962 година.
Минимализъмтрябва да сведе до минимум намесата на автора в околната среда. Минимализмът обозначава само най-важните моменти. Произходът се крие в конструктивизма, супрематизма, дадаизма. Това е много противоречив жанр на живописта, поради прекалено минималистичните възгледи на някои от авторите на този стил. Днес минималистичните тенденции в живописта се трансформират изключително бързо.
Години: 1960 - Днес.
Франк Стела, Карл Андре, Сол Льо Вит.
Хиперреализъм
"Плодове". Жак Боден. 2016 година.
Хиперреализъмсе появи във връзка с популяризирането на фотографията, беше интересно за работниците в изкуството да се съревновават с фотографите. Хиперреалистите създават алтернативна реалност, реалистична илюзия.
Години: 1970 - Днес.
Гноли, Герхард Рихтер, Делкол.
Това са всички насоки в рисуването
Това е всичко, което бих могъл и исках да кажа по тази тема всъщност Всъщност има много повече насоки в живописта и те неволно се развиват буквално всеки ден. В тази статия исках да говоря за най-популярните и влиятелни. Ако материалът ви е харесал, моля, споделете го в социалните мрежи, нека заедно развиваме изкуството. Благодаря на всички за вашата подкрепа!
Живопис Живопис
Вид изящно изкуство, произведения на което се създават с помощта на бои, нанесени върху всяка твърда повърхност. В произведенията на изкуството, създадени от живопис, се използват цветове и шарки, светлосенки, изразителност на щрихи, текстури и композиции, което позволява да се възпроизведе на равнина цветното богатство на света, обемът на предметите, тяхната качествена, материална оригиналност, пространствена дълбочина и светлина-въздух среда. Рисуването може да предаде състояние на статичност и усещане за временно развитие, спокойствие и емоционално-духовно насищане, преходна моментност на дадена ситуация, ефект на движение и др .; при рисуването са възможни подробен разказ и сложен сюжет. Това позволява живописта не само да въплъти визуално видимите явления от реалния свят, да покаже широка картина на живота на хората, но и да се стреми да разкрие същността на историческите процеси, вътрешния свят на човек, да изрази абстрактни идеи. По силата на своите огромни идейни и художествени възможности живописта е важно средство за художествено отражение и интерпретация на реалността, има значително социално съдържание и различни идеологически функции.
Широчината и пълнотата на отразяването на реалността се отразява в изобилието от жанрове, присъщи на живописта (исторически жанр, жанров жанр, битов жанр, портрет, пейзаж, натюрморт). Разграничаване на живописта: монументална и декоративна (стенни картини, сенки, пана), предназначена да украсява архитектурата и играеща важна роля в идейната и фигуративна интерпретация на архитектурна сграда; статив (картини), обикновено не свързан с някакво определено място в артистичния ансамбъл; декорация (скици на театрални и филмови декори и костюми); иконопис; миниатюрен. Видовете живопис включват още диорама и панорама. По естеството на веществата, които свързват пигмента (оцветителя), чрез технологичните методи за фиксиране на пигмента върху повърхността се отличава маслената живопис. Рисуване с бои върху вода върху мазилка - мокра (фреска) и суха (секунда), темпера, боядисване с лепило, боядисване с восък, емайли, керамични и силикатни бои и др., Че монументалната живопис е художествена задача. Акварели, гваш, пастели и мастило също се използват за рисуване.
Цветът е най-специфичното изразно средство за рисуване. Неговият израз, способността да предизвиква различни сетивни асоциации, засилва емоционалността на образа, определя живописните, изразителни и декоративни възможности на рисуването. В живописните произведения цветът формира интегрална система (оцветяване). Обикновено се използват редица взаимосвързани цветове и техните нюанси (гама от цветни), въпреки че има и боядисване в нюанси от същия цвят (монохромен). Цветовата композиция осигурява определено колористично единство на произведението, влияе върху хода на възприемането му от зрителя, като е съществена част от неговата художествена структура. Друго изразно средство за рисуване е рисуването (линия и светлосенка), заедно с цвета, ритмично и композиционно организира изображението; линията ограничава обемите един от друг, често е конструктивна основа за изобразителна форма, позволява обобщено или подробно възпроизвеждане на очертанията на обектите и техните най-малки елементи. Chiaroscuro позволява не само да създаде илюзията за триизмерни изображения, да предаде степента на осветеност или потъмняване на обектите, но също така създава впечатление за движение на въздух, светлина и сянка. Важна роля в рисуването играе и петно \u200b\u200bот боя или маз на художника, което е основната му техника и му позволява да предаде много аспекти. Мазът допринася за пластичното, обемно моделиране на формата, пренасянето на нейния материален характер и текстура, в комбинация с цвят, пресъздава колористичното богатство на реалния свят. Характерът на удара (гладък, твърд или пастообразен, отделен, нервен и т.н.) също допринася за създаването на емоционалната атмосфера на творбата, пренасянето на непосредствените чувства и настроение на художника, отношението му към изобразеното.
Условно се разграничават два типа живописни изображения: линейно-равнинна и обемно-пространствена, но между тях няма ясни граници. Линейно-равнинната живопис се характеризира с плоски петна с локален цвят, очертани с изразителни контури, ясни и ритмични линии; в древната и отчасти в съвременната живопис съществуват конвенционални методи за пространствено изграждане и възпроизвеждане на предмети, които разкриват на зрителя семантичната логика на изображението, разположението на обектите в пространството, но почти не нарушават двуизмерността на живописна равнина. Желанието за възпроизвеждане на реалния свят такъв, какъвто го вижда човек, възникнало в древното изкуство, предизвика появата на обемно-пространствени образи в живописта. При живописта от този тип пространствените отношения могат да бъдат възпроизведени в цвят, може да се създаде илюзията за дълбоко триизмерно пространство, визуалната равнина може да бъде визуално унищожена с помощта на тонални градации, въздушна и линейна перспектива, чрез разпределяне на топло и студено цветове; обемните форми се моделират с цвят и светлина и сянка. В обемно-пространственото и линейно-равнинното изображение се използва изразителността на линията и цвета, а ефектът на обемност, дори скулптурност, се постига чрез градация на светли и тъмни тонове, разпределени в ясно ограничено цветно петно; в същото време цветът често е пъстър, фигури и предмети не се сливат с околното пространство в едно цяло. Тонална живопис ( см. Оттенък), чрез усъвършенствано и динамично развитие на цветовете, показва най-фините промени както в цвета, така и в тона му в зависимост от осветлението ( см. Valera), както и от взаимодействието на съседни цветове ( см. Рефлекс); общият тон обединява обектите с околната светлина-въздушна среда и пространство. В картината на Китай, Япония, Корея се е развил специален тип пространствено изображение, при което има усещане за безкрайно пространство, гледано отгоре, с успоредни линии, отдалечаващи се в далечината и не сходящи се в дълбочина; фигурите и предметите са почти лишени от обем; тяхното положение в пространството се показва главно от съотношението на тоновете.
Картината се състои от основа (платно, дърво, хартия, картон, камък, стъкло, метал и др.), Обикновено покрита с грунд, и слой боя, понякога защитен със защитен лаков филм. Визуалните и изразителни възможности на рисуването, особеностите на живописната техника до голяма степен зависят от свойствата на боите, които се определят от степента на смилане на пигментите и естеството на свързващите вещества, от инструмента, с който художникът работи, от използвани от него разредители; гладката или грапава повърхност на основата и грунда влияе върху методите за наслагване на бои, текстурата на картините, а полупрозрачният цвят на основата или грунда влияе върху цвета; понякога части от основата или грунда без боя могат да играят роля в колористичната конструкция. Повърхността на слоя боя на картината, т.е. нейната текстура, е гланцирана и матова, непрекъсната или с прекъсвания, гладка или неравна. Необходимият цвят, сянка се постига както чрез смесване на бои върху палитрата, така и чрез остъкляване. Процесът на създаване на картина или стенна живопис може да се раздели на няколко етапа, особено ясни и последователни в средновековната темперна и класическа маслена живопис (рисуване на земята, подбоя, остъкляване). Има живопис с по-импулсивен характер, което позволява на художника директно и динамично да въплъщава своите житейски впечатления чрез едновременната работа върху рисунка, композиция, извайване на форми и цветове ( см. Алла прима).
Живописта възниква в късния палеолитен период (преди 40-8 хиляди години). Оцелели са скални рисунки (в Южна Франция, Северна Испания и др.), Изпълнени с глинени бои (охра), черни сажди и въглища с помощта на разцепени пръчки, парчета козина и пръсти (изображения на отделни животни и след това ловни сцени). В палеолитната живопис има както линейни силуетни изображения, така и просто моделиране на обеми, но композиционният принцип все още е слабо изразен в него. По-развити, абстрактно обобщени идеи за света са отразени в неолитната живопис, в която образите са свързани в разказващи цикли, появява се образ на човек ( см. Примитивно изкуство).
Живописът на робовладелското общество вече притежава развита фигуративна система, богата на технически средства. В Древен Египет, както и в Древна Америка, е имало монументална живопис, която се е появила в синтез с архитектурата ( см. Синтез на изкуства; рисуване на гробници, по-рядко сгради). Свързан главно с погребалния култ, той имаше подробен повествователен характер; основното място беше заето в него от обобщено и често схематично представяне на човек. Строгата канонизация на изображенията, проявяваща се в особеностите на композицията, съотношението на фигурите и отразяваща твърдата йерархия, преобладаваща в обществото, беше съчетана със смели и добре насочени наблюдения на живота и изобилие от детайли, събрани от околния свят (пейзаж , домакински съдове, изображения на животни и птици). Античната живопис, чиито основни художествени и изразителни средства бяха контурна линия и цветно петно, имаше декоративни качества, нейната плоскост подчертаваше гладкостта на стената.
В древната епоха живописта, която действа в артистично единство с архитектурата и скулптурата и украсява храмове, жилища, гробници и други структури ( см. Помпей, Херкуланум, Пестум, гробница Казанлък), е служил не само за култови, но и за светски цели. Бяха разкрити нови, специфични възможности за рисуване, даващи широко отражение на реалността. В древността се раждат принципите на светлината на света, оригинални версии на линейна и въздушна перспектива. Наред с митологичните сцени са създадени ежедневни и исторически сцени, пейзажи, портрети, натюрморти. Античната фреска (върху многослойна мазилка с примес на мраморен прах в горните слоеве) е имала лъскава, лъскава повърхност. В Древна Гърция почти не е възникнала оцеляла станкова живопис (върху дъски, по-рядко върху платно), главно в енкаустичната техника ( см. Восъчна живопис); някаква идея за антична стативна живопис дават портретите на Фаюм.
През Средновековието в Западна Европа, Византия, Русия, Кавказ и Балканите се развива живопис с религиозно съдържание: стенопис (както върху суха, така и върху мокра мазилка, нанесена върху камък или тухлена зидария), иконопис (върху грундирани дъски, главно с яйчна темпера), както и миниатюри за книги (върху грундиран пергамент или хартия; изпълнени с темпера, акварели, гваш, лепило и други бои), които понякога включват исторически сюжети. Иконите, стенните рисунки (обект на архитектурни раздели и стенни равнини), както и мозайки, витражи, заедно с архитектурата, образуват един ансамбъл в интериора на църквата. Средновековната живопис се характеризира с изразяване на звучен, предимно локален цвят и ритмична линия, изразителност на контурите; формите обикновено са плоски, стилизирани, фонът е абстрактен, често златист; има и конвенционални методи за моделиране на обеми, сякаш стърчащи върху живописна равнина, лишена от дълбочина. Значителна роля изигра символиката на композицията и цвета. През I хилядолетие от н.е. д. монументалната живопис (с лепилни бои върху бял гипс или варов грунд върху глинесто-сламеста почва) преживява силен възход в страните от Западна и Централна Азия, в Индия, Китай и Цейлон (сега Шри Ланка). През феодалната епоха в Месопотамия, Иран, Индия, Централна Азия, Азербайджан, Турция се развива изкуството на миниатюрата, което се характеризира с фин блясък, изящество на декоративния ритъм и яркостта на наблюденията на живота. Далекоизточната живопис с мастило, акварел и гваш върху свитъци от коприна и хартия - в Китай, Корея, Япония - се открояваше със своята поезия, изумителна бдителност на виждането на хората и природата, лаконичен стил на рисуване и най-доброто тонално предаване на въздушната перспектива.
В Западна Европа по време на Ренесанса са установени принципите на ново изкуство, основано на хуманистичен мироглед, откриващ и познаващ реалния свят. Ролята на живописта се е увеличила, след като е разработила система от средства за реалистично изобразяване на реалността. Определени постижения на ренесансовата живопис се очакват през XIV век. от италианския художник Джото. Научното изследване на перспективата, оптиката и анатомията, използването на техники за маслена живопис, подобрени от J. van Eyck (Холандия), допринесоха за разкриването на възможностите, присъщи на природата на живописта: убедително възпроизвеждане на обемни форми в единство с прехвърлянето на пространствена дълбочина и светлинна среда, разкриване на цветовото богатство на света. Фреската преживя нов разцвет; станалното рисуване, запазило декоративното си единство със заобикалящата тематична среда, също придобива голямо значение. Усещането за хармонията на Вселената, антропоцентризмът на живописта и духовната активност на нейните образи са характерни за композиции на религиозна и митологична тематика, портрети, ежедневни и исторически сцени и образи на голота. Постепенно температа беше заменена от комбинирана техника (остъкляване и изработване на детайли с масло с помощта на темперно боядисване), а след това и технически перфектна многослойна маслено-лакова живопис без темпера. Заедно с гладкото, детайлно рисуване върху дъски с бяла основа (характерно за художниците от холандското училище и редица училища от италианския ранен Ренесанс), венецианската живописна школа се развива през 16 век. техники за свободно, пастообразно рисуване върху платна с цветни основи. Едновременно с рисуването с местен, често ярък цвят, с ясен модел, се развива и тонална живопис. Най-големите художници на Ренесанса - Масачо, Пиеро дела Франческа, А. Мантеня, Ботичели, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаел, Джорджоне, Тициан, Веронезе, Тинторето в Италия, Й. ван Ейк, П. Брюгел-Старият в Холандия, А. Дюрер, Х. Холбейн-младши, М. Нитард (Груневалд) в Германия и др.
През XVII-XVIII век. развитието на европейската живопис се усложнява. Националните училища са сформирани във Франция (J. de Latour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), Италия (M. Caravaggio, D. Fetti, GB Tiepolo, GM Crespi, F. Guardi), Испания (El Greco, D. Velazquez, F. Zurbaran, BE Murillo, F. Goya), Фландрия (P. P Rubens, J. Jordaens, A. van Dyck, F. Snyders), Холандия (F Халс, Рембранд, Дж. Вермеер, Дж. Ван Руйсдаел, Г. Терборч, К. Фабрициус), Великобритания (Дж. Рейнолдс, Т. Гейнсборо, В. Хогарт), Русия (Ф. С. Рокотов, Д. Г. Левицки, В. Л. Боровиковски ). Живопис прокламира нови социални и граждански идеали, насочени към по-подробно и точно изобразяване на реалния живот в неговото движение и разнообразие, особено ежедневната среда на човек (пейзаж, интериор, предмети от бита); психологическите проблеми се задълбочиха, въплъти се усещането за противоречива връзка между индивида и околния свят. През XVII век. системата от жанрове се разширява и очевидно се оформя. През XVII-XVIII век. Заедно с процъфтяващата монументална и декоративна живопис (особено в бароков стил), която е съществувала в тясно единство със скулптурата и архитектурата и е създавала емоционална среда, която влияе активно на човек, стативната живопис играе важна роля. Формираха се различни живописни системи, и двете притежаващи общи стилистични черти (динамична барокова живопис с характерната си отворена, спираловидна композиция; класицизма живопис с ясен, строг и ясен рисунък; живопис в рококо с игра на изискани нюанси на цвят, светлина и избледнели тонове) , и не се вписват в някаква специфична рамка за стил. Стремейки се да възпроизведат блясъка на света, светлинно-въздушната среда, много художници усъвършенстваха системата на тоналната живопис. Това доведе до индивидуализация на многослойните техники с маслена живопис. Нарастването на стативната живопис, повишената нужда от творби, предназначени за интимно съзерцание, доведоха до развитието на интимни, фини и леки, живописни техники - пастели, акварели, мастило, различни видове портретни миниатюри.
През XIX век. формира нови национални школи на реалистичните. живопис в Европа и Америка. Разширяват се връзките на живописта в Европа и други части на света, където опитът на европейската реалистична живопис получава отличителна интерпретация, често въз основа на местните древни традиции (в Индия, Китай, Япония и други страни); Европейската живопис е повлияна от изкуството на страните от Далечния Изток (главно Япония и Китай), което повлиява на обновяването на методите за декоративна и ритмична организация на самолетната живопис. През XIX век. рисуването решава сложни и неотложни мирогледни проблеми, играе активна роля в обществения живот; острата критика на социалната реалност придобива голямо значение в живописта. През целия XIX век. в живописта се култивираха и каноните на академизма, които бяха далеч от живота, абстрактната идеализация на образите; възникват тенденциите на натурализма. В борбата срещу абстрактността на късния класицизъм и салонния академизъм се развива романтичната живопис с активния си интерес към драматичните събития от историята и модерността, енергията на изобразителния език, контраста на светлината и сянката, богатството на цветовете (Т. Gericault, E. Delacroix във Франция; FO Runge и K. D. Friedrich в Германия; в много отношения O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov в Русия). Реалистичната живопис, базирана на пряко наблюдение на характерните явления от реалността, стига до по-пълно, конкретно надеждно, визуално убедително изображение на живота (J. Constable във Великобритания; C. Corot, майстори от школата в Барбизон, O. Daumier в Франция; А. Г. Венецианов, П. А. Федотов в Русия). По време на възхода на революционното и националноосвободителното движение в Европа, рисуването на демократичния реализъм (Г. Курбе, Ж. Ф. Милет във Франция; М. Мункачи в Унгария, Н. Григореску и И. Андрееску в Румъния, А. Менцел, В. Лайбъл в Германия и др.) показа живота и работата на хората, борбата им за правата им, обърна се към най-важните събития в националната история, създаде ярки образи на обикновени хора и водещи общественици; в много страни се появиха училища с национален реалистичен пейзаж. Картината на странниците и близките им художници - В. Г. Перов, И. Н. Крамской, И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. В. Верещагин, която е тясно свързана с естетиката на руските революционни демократи, се отличава със своята социално-критична острота. И. И. Левитан.
Художественото въплъщение на околния свят в неговата естественост и постоянна изменчивост идва в началото на 70-те години. Импресионистична живопис (Е. Мане, К. Моне, О. Реноар, К. Писаро, А. Сисли, Е. Дега във Франция), която поднови техниката и методите за организиране на боядисана повърхност, разкривайки красотата на чистия цвят и текстура ефекти. През XIX век. в Европа преобладава станковата маслена живопис, нейната техника в много случаи придобива индивидуален, свободен характер, като постепенно губи присъщата си строга систематичност (което беше улеснено и от разпространението на нови фабрично направени бои); палитрата се разшири (бяха създадени нови пигменти и свързващи вещества); вместо тъмно оцветени почви в началото на 19 век. белите почви бяха въведени отново. Монументална и декоративна живопис, използвана през 19 век. почти изключително лепило или маслени бои изпаднаха в неизправност. В края на XIX - началото на XX век. правят се опити за възраждане на монументалната живопис и обединяването на различни видове живопис с произведения на декоративно-приложното изкуство и архитектура в един ансамбъл (главно в ар нуво); актуализират се техническите средства за монументална и декоративна живопис и се развива техниката на силикатна живопис.
В края на XIX - XX век. развитието на живописта става особено сложно и противоречиво; съжителстват и се борят различни реалистични и модернистични течения. Вдъхновена от идеалите на Октомврийската революция от 1917 г., въоръжена с метода на социалистическия реализъм, живописта се развива интензивно в СССР и други социалистически страни. Нови школи по живопис се появяват в страните от Азия, Африка, Австралия, Латинска Америка.
Реалистична живопис от края на 19 - 20 век отличава се с желанието да опознаем и покажем света във всичките му противоречия, да разкрием същността на дълбоките процеси, протичащи в социалната реалност, които понякога нямат достатъчно визуален облик; отражението и тълкуването на много явления от реалността често придобива субективен, символичен характер. Живопис от XX век. Наред с визуално видимия обемно-пространствен начин на изображение, той широко използва нови (както и тези, датиращи от древността), условни принципи на интерпретация на видимия свят. Още в живописта на постимпресионизма (П. Сезан, В. ван Гог, П. Гоген, А. Тулуз-Лотрек) и отчасти в живописта на „модерното“ се появиха черти, които определяха характеристиките на някои течения на 20 век. (активен израз на личното отношение на художника към света, емоционалността и асоциативността на цвета, което няма много общо с естествените цветни взаимоотношения, преувеличените форми, декоративността). Светът беше интерпретиран по нов начин в изкуството на руските художници от края на XIX - началото на XX век - в картините на В. А. Серов, М. А. Врубел, К. А. Коровин.
През XX век. реалността е противоречива и често дълбоко субективно осъзната и въплътена в живописта на най-големите художници на капиталистическите страни: П. Пикасо, А. Матис, Ф. Леже, А. Марке, А. Дерен във Франция; D. Rivera, J. C. Orozco, D. Siqueiros в Мексико; Р. Гутузо в Италия; J. Bellows, R. Kent в САЩ. В картините, стенните картини, живописните пана намериха израз истинното разбиране на трагичните противоречия на реалността, често превръщайки се в излагане на деформациите на капиталистическата система. Естетичното разбиране на новата, "техническа" ера е свързано с отразяването на патоса на индустриализацията на живота, проникването в рисуването на геометрични, "машинни" форми, до които органичните форми често се свеждат, търсенето на нови форми които отговарят на мирогледа на съвременния човек, който може да се използва в декоративното изкуство, архитектурата и индустрията. Широко разпространен в живописта, главно в капиталистическите страни, от началото на XX век. получи различни модернистични течения, отразяващи общата криза на културата на буржоазното общество; модернистичната живопис обаче отразява косвено и „болните“ проблеми на нашето време. В картината на много модернистични движения (фовизъм, кубизъм, футуризъм, дадаизъм и по-късно сюрреализъм), някои повече или по-малко разпознаваеми елементи на видимия свят са фрагментирани или геометризирани, появяват се в неочаквани, понякога нелогични комбинации, които генерират много асоциации, сливат се с чисто абстрактни форми. По-нататъшното развитие на много от тези движения доведе до пълно отхвърляне на визуалните изкуства, до появата на абстрактна живопис ( см. Абстрактно изкуство), което бележи краха на живописта като средство за отражение и познаване на реалността. От средата на 60-те. в страните от Западна Европа и Америка рисуването понякога се превръща в един от елементите на поп изкуството.
През XX век. нараства ролята на монументалната и декоративна живопис, както живописна (например революционно-демократична монументална живопис в Мексико), така и неизобразителна, обикновено плоска, в хармония с геометризираните форми на съвременната архитектура.
През XX век. нараства интересът към търсенията в областта на живописните техники (включително восък и темпера; измислят се нови бои за монументална живопис - силикон, върху кремнийорганични смоли и др.), но маслената живопис все още преобладава.
Многонационалната съветска живопис е тясно свързана с комунистическата идеология, с принципите на партийност и националност на изкуството, тя представлява качествено нов етап в развитието на живописта, който се определя от триумфа на метода на социалистическия реализъм. В СССР живописта се развива във всички съюзни и автономни републики, възникват нови национални школи по живопис. Съветската живопис се характеризира с изострено усещане за реалност, материалност на света и духовна наситеност на образите. Желанието да се прегърне социалистическата реалност в цялата ѝ сложност и пълнота доведе до използването на много жанрови форми, които са изпълнени с ново съдържание. Вече от 20-те години. историческата и революционна тема придобива особено значение (платна на М. Б. Греков, А. А. Дейнека, К. С. Петров-Водкин, Б. В. Йогансон, И. И. Бродски, А. М. Герасимов). По-нататък се появяват патриотични платна, разказващи за героичното минало на Русия, показващи историческата драма на Великата отечествена война 1941-45 г., духовната сила на съветския човек.
Портрет играе важна роля в развитието на съветската живопис: колективни образи на хора от народа, участници в революционната реорганизация на живота (А. Й. Архипов, Г. Г. Рижски и др.); психологически портрети, показващи вътрешния свят, духовния състав на съветския човек (М. В. Нестеров, С. В. Малютин, П. Д. Корин и др.).
Типичният начин на живот на съветските хора е отразен в жанровата живопис, която дава поетично и живо изображение на нови хора и нов начин на живот. Големи платна, пропити с патоса на социалистическото строителство, са характерни за съветската живопис (С. В. Герасимов, А. А. Пластов, Ю. И. Пименов, Т. Н. Яблонская и др.). Естетичното одобрение на особените форми на живот на съюзните и автономните републики лежи в основата на националните школи, които са се развили в съветската живопис (М. С. Сарян, Л. Гудиашвили, С. А. Чуйков, У. Тансикбаев, Т. Салахов, Е. Илтнер, М. A Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev и др.), Представляващи съставните части на единната художествена култура на съветското социалистическо общество.
В пейзажната живопис, както и в другите жанрове, националните художествени традиции се съчетават с търсенето на новото, с модерно усещане за природата. Лирическата линия на руската пейзажна живопис (В. Н. Бакшеев, Н. П. Кримов, Н. М. Ромадин и други) се допълва от развитието на индустриалния пейзаж с бързите му ритми, с мотиви на трансформирана природа (Б. Н. Яковлев, Г. Г. Ниса). Натюрмортната живопис достига високо ниво (И. I Машков, П. П. Кончаловски, М. С. Сарян).
Еволюцията на социалните функции на живописта е придружена от общото развитие на изобразителната култура. В рамките на един реалистичен метод съветската живопис постига разнообразие от художествени форми, техники и индивидуални стилове. Широкият обхват на строителството, създаването на големи обществени сгради и мемориални ансамбли допринесоха за развитието на монументалната и декоративна живопис (творби на В. А. Фаворски, Е. Е. Лансере, П. Д. Корин), възраждането на техниката на темперна живопис, стенописи и мозайки. През 60-те - началото на 80-те. повишено взаимно влияние на монументалната и станкова живопис, повишено желание да се възползват максимално и да обогатят изразителните средства за рисуване см. (Вижте също Съюза на съветските социалистически републики и статии за републиките на Съветския съюз).
"Богородица от Владимир". 1-ви етаж 12 век Третяковска галерия. Москва.
Рафаел. Фреска "Парнас" в Stanza della Señatura във Ватикана. 1509-1511
J. Vermeer. "Чаша вино". Около 1660 г. Картинна галерия. Берлин-Далем.
П. В. Кузнецов. „Натюрморт с кристал“. 1928. Руски музей. Ленинград.
Литература: VII, т. 1-6, М., 1956-66; IRI, т. 1-13, М., 1953-69; К. Юон, За рисуването, (М.-Л.), 1937; Д. И. Киплик, Техника на рисуване, (6-то издание), М.-Л., 1950; А. Каменски, На зрителя за живописта, М., 1959; Б. Слански, Техника на рисуване, прев. от чех., М., 1962; Г. А. Недошивин, Разговори за живописта, (2-ро издание), М., 1964; BR Vipper, Статии за изкуството, М., 1970; Уорд Дж., История и методи на древна и съвременна живопис, ст. 1-4, Л., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu "est-ce que c" est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Вентури Л., Живопис и художници, Кливланд, 1963; Cogniat R., Histoire de la peinture, t. 1-2, П., 1964; Barron J. N., Езикът на живописта, Кливланд, (1967); Николаус К., Ръководство на DuMont der Gemaldekunde, Koln, 1979.
Източник: „Енциклопедия на популярното изкуство“. Изд. В. М. Полевой; Москва: Издателство "Съветска енциклопедия", 1986 г.)
живописЕдин от видовете визуални изкуства... Част от картината се създава с помощта на бои, нанесени върху повърхността на стена, дъска, платно, метал и др. Самото наименование „живопис“ предполага, че художникът „пише живота“ в цялото му богатство, разнообразие и пъстър блясък. Това е разликата му от черно-бялото диаграми... Както никоя друга форма на изкуство, живописта е способна да въплъти цялата гама от чувства, преживявания, взаимоотношения между хората; прецизни наблюдения на природата и полета на фантазията, страхотни идеи и незабавни впечатления, тръпката от живота, въздуха и светлината.
Статуята е обемна, може да бъде заобиколена от всички страни; рисуването е изкуството на боите в самолет; зрителят вижда картината само от една гледна точка. Една от задачите на живописта, която всяка ера решава по свой начин, е да създаде илюзията за дълбочината на пространството, триизмерността на обемите в равнина. Това е конвенционалността на изобразителния език. Освен това боите, с които разполага художникът, не са идентични с реалните цветове, палитрата му е много по-бедна от естествената.
Художникът избира в света около себе си това, което отговаря на неговата художествена задача, модифицира, подчертава, обобщава много неща в едно, стреми се да предаде вътрешните качества на хората и природните закони, недостъпни за прякото виждане, неговите преживявания, отношението му към тях. Основните изразителни средства за рисуване: аромат (пъстра гама, която има емоционално въздействие върху зрителя); състав (съотношението на частите на картината); перспектива (линейна, обратна, паралелна и т.н.); chiaroscuro (разпределение на светлината и сянката), линии и цветни петна; ритъм, текстура (естеството на боядисаната повърхност - гладка или релефна). В начина на писане, в движението на четката, в особеностите на нанасяне на боя върху платно или друга повърхност, винаги се усеща индивидуалността на художника, неговият уникален творчески „почерк“.
Според целта и естеството на изпълнението те разграничават монументална, станкова, декоративна и театрална декоративна живопис. ДА СЕ монументална живопис включва стенописи ( стенописи) и мозайки, витражи, плафони, пананеразривно свързани с архитектурата, със стената (тавана, пода) на сградата, за която са създадени; частично икони и големи крилати олтарни композиции (The Ghent Altarpiece by J. van Ейка, 1432). Монументалните произведения не могат да бъдат пренесени в друг интериор. Икони, сгъваеми олтари, предназначени за храмове, технически е възможно да ги поставите в друго пространство (сега много от тях са изложени в музеи), но лишени от естествената си среда, разкъсани от ансамбъла, те губят значителна част от въздействието си на зрителя. Художественият език на монументалната живопис се отличава със своята строгост и величие, лаконизъм на обобщените форми и големи цветни петна. Монументалната живопис съществува от древни времена - дори първобитните хора са създавали скални рисунки ( Алтамира в Испания, 15-10-то хилядолетие пр.н.е. Пр.н.е.).
Рембранд. "Портрет на Хендрике Стофелс на прозореца." ДОБРЕ. 1659 g.
Произведения на изкуството станкова живопис - картини - създават се с помощта на статив и не са предназначени за конкретна стая. Първите стативи се появяват през епохата Ренесанс (15-16 век). Основата (дъска, платно, опъната на носилка и др.) Беше покрита с бяла мазилка (креда) грунд, смесен с лепило или масло. Грундът изравнява повърхността и "подчертава" слоя боя отвътре. Заедно с белите, много майстори (P.P. Рубенс и други) използва цветни (златистокафяви, червени) почви, които придават единство на цвета на картината. Над грунда беше нанесена боя в един или няколко слоя; понякога завършената работа е лакирана. Картините в рамка са като прозорец към света, създаден от въображението на художника. Като правило те наблюдават единството на място, време и действие.
Декоративната живопис (както сюжетна, така и декоративна) е предназначена не само за украса на повърхността на стената, но и за подчертаване на нейните структурни елементи ( колони, стълбове, арки и т.н.); изпълнява се с помощта на техниката на стенописи и др. Разнообразие от декоративна живопис е гризал, широко използвана за украса на интериор на двореца, където имитира скулптурни релефи (дворецът на Шереметеви в Кусково, 18 век). Изделия от керамика също са украсени с декоративни картини. Нарича се керамична живопис ваза живопис.
Театралната и декоративна живопис е декори и костюми за театрални представления и филми; скици на отделни мизансцени.
Основни техники на рисуване: маслена живопис, темпера, боядисване с лепило, енкаустичен и т.н. Акварел, гваш, пастел заемат междинно положение между живописните и графичните техники. Цветните пигменти първоначално са добивани от минерали (жълто-кафява охра - от глина, червена - от хематит, бяла - от вар, черна - от въглища или изгоряла кост, синя и зелена - от лазурит и малахит и др.). По-късно се появяват химически направени бои. Всички техники на боядисване използват едни и същи пигменти, но различни свързващи вещества - течни и лепкави вещества, които не позволяват праховете от боя да се ронят. Древните египетски майстори рисували с лепилни бои, смесени с казеин; тези бои не течеха, което направи възможно предаването на много малки детайли. Картините на легендарните древногръцки майстори и надгробни плочи, които не са стигнали до нас фаюмски портрети са написани в енкаустичната техника: боите са слети в горещо разтопен восък. Плътните восъчни бои направиха възможно създаването на изразителна релефна текстура. През Средновековието се употребява темпера - бои, смесени с яйчен жълтък или бял с различни добавки. Изображенията на Темпера се отличават със заглушени цветове. Темпера е здрава и издръжлива, не се напуква с времето, за разлика от маслената живопис.
Маслената живопис се появява през Ренесанса; неговото изобретение се приписва на холандеца J. van Eyck. Пигментите бяха разредени с ленено, ядково и други растителни масла; благодарение на това боите изсъхват бързо, могат да се нанасят на тънки, прозрачни слоеве, което придава на картината специална светимост и блясък. Недостатъкът на маслените бои е, че с времето те губят своята еластичност, потъмняват и се покриват с пукнатини (craquelures). Работата с маслени бои дава възможност за огромно разнообразие от техники - от деликатно внимателно довършване до широката и темпераментна живопис "alla prima"; с тяхна помощ можете да създадете гладка емайлирана повърхност и пластмасова, релефна текстура. Именно с тази техника художникът може най-пълно да изрази своята творческа индивидуалност и да предаде цялото текстурирано разнообразие на света - прозрачно стъкло, пухкава козина, топлината на човешката кожа.
Истинско удоволствие за ценителите на живописта е съзерцанието на чудото на превръщането на ударите в живи форми, плътта на боите в плътта на нещата. Ренесансови майстори, " малък холандски", През 17 век. стремят се да създадат усещане за „чудотворността“ на изобразените предмети; те писаха с най-фините четки, прилагайки малки, незабележими щрихи. В края. 19 век художниците се стремят да "оголят" творческия процес, да разкрият красотата не само на изобразения обект, но и текстурата на най-живописната зидария (съсиреци от боя, нейните ивици и охлюви, "мозайка" от удари и др.). Майстори на 20 век използвайте цялото разнообразие от техники и техники на рисуване.
