Картини на художника Клод Моне с описание. Най-известните картини на Мане
Много често този художник се бърка с колегата си Едуард Мане. И двамата са художници, но с много различни стилове ... Въпреки че някъде дори се събират в платната си, те все пак са различни. И пътищата от началото на развитието са различни за тях. Но все пак за Клод Моне. Този художник започва като карикатура. Да, от самия, може би, лесен и не лесен жанр на живописта. Неговите карикатури се появяват от училище, когато той, не желаейки да се учи, рисува все повече и повече. Рисувал е съучениците си, учителите си, съседите си. Моне не оправдава надеждите на родителите си, не продължава работата на баща си, но става известен в целия Хавър, това е градът, в който е живял, благодарение на своите карикатури. Освен това, за изненада на родителите си, той започна да печели пари от това, продавайки своите произведения на тези, които изобрази за двадесет франка. Имаше толкова много карикатури, че в местния магазин те бяха изложени на няколко реда в прозореца. Там, в тази витрина, бяха продадени платна на друг художник, Юджийн Будин. Творбите на този художник, напротив, не бяха оценени и дори считани за вулгарни, въпреки че те бяха само местни пейзажи. И младият Моне беше ядосан, че произведенията на Будин заемаха много място и той не можеше да изложи повече своите. Собственикът на магазина се опита много пъти да ги представи, но все пак не се получи. Но един ден това се случи и оттогава се смята, че Моне започва да се превръща от карикатурист в художник.
Именно Будин стана първият учител на Моне. Именно той му даде първите умения на художник. Той ме научи да рисувам не само карикатури, но и просто да изобразявам пейзажи, натюрморти, портрети. И той отвори различен свят на живописта, вътрешния, който не се вижда от всички.
По някакъв начин тогава почти всичко започна да се оформя успешно. Именно Будин настоя този човек да посети Париж и да се опита да разбере за приема в Академията на изкуствата. Родителите на Моне не бяха против и не бяха ... те се поколебаха, но все пак позволиха на сина им просто да отиде на проучване ... И Клод Моне се озова в Париж. И веднага посети изложбата на художниците, след което сам показа работата си. Те бяха похвалени, но все пак забелязаха някои недостатъци. Моне решава да остане в Париж, докато издържи. Родителите спряха да помагат, тъй като синът нямаше намерение да учи. Добре, че имаше леля, която осигури пари, а след това всъщност спаси живота му, като го откупи от армията, където успя да се зарази с „модерна“ болест - коремен тиф. След това имаше опит да влезе в университета във Факултета по изкуствата, но там му стана скучно и той си тръгна. И той попада в студиото на Gleyer. Там той среща Базил, Сисли и Реноар. Именно тези художници по-късно ще станат гръбнакът на импресионистичната група и като цяло художествената посока като цяло - импресионизмът, именно Клод Моне даде името на тази посока. И всичко започна с неговото платно - „Впечатление. Изгряващо слънце". Това е началото на нещо, което все още удивява мнозина и същевременно предизвиква много противоречия. Забележете досега.
Освен това, Моне не беше разбит от лични загуби. Той загуби първата си жена, после се ожени втори път - загуби и тази жена. Най-разрушителната е загубата на син. И тогава самият той се разболя тежко и това заболяване го заплаши с факта, че ще спре да рисува. Двойната катаракта е болест, която му попречи, но той претърпя две операции, не се отказа от таланта си и продължи да твори. И тогава се случи неочакваното: поради операции и промени в окото, той започна да вижда някои цветове в ултравиолетова светлина. И затова той видя някои цветове по съвсем различен начин. До последния ден Моне не спускаше четката си, рисуваше платна и продължаваше да удивлява феновете си с таланта си.
Алексей Васин
Създаване
Бързото развитие на европейската живопис в края на 19 век провокира неволна криза на жанра. Въпреки факта, че Европа от онези години дава на света много талантливи майстори, обществото се чувства уморено от социалните теми, които са станали твърде често срещани в живописта. Недоволството е узряло сред самите художници.
Клод Моне, считан за родоначалник на френския импресионизъм, в началото на кариерата си се сблъсква както с отхвърлянето на тока, който той инициира, така и с ентусиазирания ентусиазъм за него. Всичко започна, след като, след завръщането си от Лондон, художникът създаде пейзаж за една вечер, който изобразяваше залязващото слънце, осветяващо морето с червени лъчи. Картината на Моне беше просто наречена „Изгрев. Впечатление ".
С това той искаше да подчертае, че се опитва да не скицира точно природата, а да предаде само впечатлението от това, което е преживял, докато е гледал изгрева. Картината създаде неочаквана сензация. Някои критици бяха недоволни от такъв несериозен подход към рисуването, други бяха възхитени, тъй като откриха нов начин за предаване на реалността.
Импресионизмът (от френското „впечатление“) се характеризира с фин подход за показване на реалността. Изготвя се само първото впечатление, динамичните удари предават движението на текстурата на дрехите, косата, дърветата, водата и дори въздуха. Импресионистичните картини са ефирни, мобилни, пълни с чисти цветове и нежни полутонове.
Картините на Моне напълно съответстваха на този стил. В началото на 20-ти век художникът създава редица пейзажни картини, които го прославят в продължение на много десетилетия напред. Тези платна включват „Водни лилии“, „Манапорт“, „Водни лилии“, „Поле с макове в Аржантейл“. Всички тези картини са рисувани с леки удари, които предават дъха и тъканта на живата и неживата материя. Уморено от сериозни теми, обществото реагира с благодарност и възторг на простите сюжети в картините на Моне.
Художникът се концентрира върху предаването на настроението на едно и също място по различно време на годината и деня. Тогава се ражда известната поредица от картини „Пласт сено“. Очертавайки една и съща тема отново и отново, Моне намира нови перспективи, нови решения за предаване на реалността.
Художникът има специално възприятие и стил на изобразяване на бяло. В картините му изглежда, че няма чисто бял цвят. Вместо това белите водни лилии, бялата пяна на вълните и облаците имат синкави, синкави и люлякови нюанси. Моне, както и останалите импресионисти, избягваше черното в картините. Вместо това използваха лилави бои.
Много от картините на Моне се характеризират с романтично и ефирно възприемане на градските пейзажи. Картината на художника „Сградата на парламента при залез слънце“ е една от най-скъпите картини в света. Моне успя да залови там лондонския парламент, забулен в прочутата мъгла и облаци.
Картините на Клод Моне са един вид мярка за художествената стойност на импресионизма. Неговите платна украсяват картините на най-големите световни музеи, включително Ермитажа в Санкт Петербург и музея на Пушкин в Москва.
Игор Чергейко
Импресионизъм
Принципът на оптично смесване на цветовете, основан на действително видяните и възприети от художника природни явления, е използван от майсторите на импресионизма с голяма художествена свобода. Специалната изразителност на текстурата на техните картини не е самоцел, а необходим начин за изразяване на тези творчески стремежи. Импресионистите „се стремяха да оставят в рисуването следи от това как е направено. Те се нуждаеха от зрителя, за да не забравят, че той е на ръба между огледалната илюзия и изпръсканото с бои платно, - пише М. В. Алпатов. „Само тогава„ чудото на изкуството “ще бъде извършено пред очите му.
Особеното впечатление за непълнотата на импресионистичните картини, което толкова смути съвременния им зрител, е следствие от желанието им да уловят ефимерността, подвижността, „непостоянния характер“ на видимия свят. Такава свобода и артистичност е до голяма степен лишена от по-късните произведения на неоимпресионистите (по-точно дивизионистите) с тяхната рационална теория за цветоотделянето и неутрализирането на почерка на художника. Стремежът на импресионистите да "рисуват с цвят", почти пълното изчезване на линии (рисунка) в някои произведения, правят много трудно, а понякога и невъзможно, да се възпроизвеждат картините им в черно и бяло.
Импресионистите бяха принципни противници на всички теоретизи. Според дефиницията на Моне изкуството е „свободна и сантиментална интерпретация на природата ... теориите не могат да създават картини“. Така наречената теория на импресионизма възниква по-късно; тя се основаваше на художествените открития на майсторите от тази посока, на способността им да виждат света директно, интуитивно, върху образното, неконцептуално мислене, присъщо на импресионизма. Абсолютното доверие на импресионистите във визуалното им възприятие, желанието им да нарисуват „само това, което виждат, и начина, по който виждат“ 20 породиха нова ценностна конвенция в изкуството. И тук е уместно да си припомним думите на Шарл Бодлер, изречени от него през 1859 г., на прага на настъпващия импресионизъм: „Понякога умишлено конвенционалното се оказва безкрайно по-близо до истината и повечето от нашите пейзажисти лъжат точно защото се опитват да бъдат твърде правдиви. "
Но с развитието на импресионизма, вече от края на 1870-те, „очевидно конвенционалният“ в него започва да гравитира все повече към декоративността: последователното отслабване на пластичните моменти в живописта (пространство и обем), одобрението на плоска живописна повърхност, заместването на естествената цветна визия с конвенционални тонални ефекти, „Филтриране“ на цветното разнообразие на изобразения свят, разделяне на композицията според принципа на съвпадение на цветовите зони - качества, които свързват импресионизма с някои тенденции в изкуството на завоя на века. И все пак, декоративността не се превърна в основен принцип на импресионистичния стил, дори в късния период на творчеството на Моне: местният „плосък“ цвят и линейност са чужди на самата поетика на импресионизма.
Както вече беше посочено, импресионизмът не възникна за една нощ. Много от неговите открития са подготвени от изкуството на 19-ти век, те сякаш се носят във въздуха. Нека си припомним поне удивителните думи, които О. Балзак вложи в устата на стария художник от разказа „Неизвестният шедьовър“: „Строго погледнато, рисунка не съществува! Не се смейте, млади човече ... Линията е начин, по който човек осъзнава ефекта на светлината върху външния вид на обект. Но в природата, където всичко е изпъкнало, няма линии: само моделирането създава чертеж, тоест селекцията на обект в средата, където съществува. Само разпределението на светлината дава видимост на телата! .. Нали така действа слънцето, божественият художник на света? О, природа, природа! Кой някога е успял да улови неуловимия ви външен вид? " Балзак пише историята през 1830 г .; в същото време в динамичната, цветна живопис на Е. Делакруа, в романтичните картини на Дж. М. У. Търнър, в пейзажите на Р. П. Бонингтън и Дж. Констабъл с тяхното непрекъснато променящо се небе, което по-късно е възприето от зараждащия се импресионизъм. Сред непосредствените предшественици на Моне, C. Pissarro и A. Sisley са C. Corot, пейзажистите от училището в Барбизон (особено най-поетичния от тях - C. Daubigny), както и бъдещите учители на Monet E. Boudin и IB Yonkind.
И все пак импресионизмът е принципно нова дума в европейското изкуство. Сега, погледнато от голямо времево разстояние, той самият придобива характера на „класическата“ ера на френската живопис. Не трябва обаче да се изпуска от поглед факта, че импресионизмът в живописта претърпява доста сложна еволюция: нова художествена визия за света кристализира постепенно, някои (отбелязани по-горе) характеристики на поетиката на импресионизма имат относително по-голяма или по-малка степен на значение по различно време и сред различни майстори. Обикновено историята на изобразителния импресионизъм може да бъде разделена на периоди на подготовка (узряване на нов метод) - 1860-те, разцветът и борбата за ново изкуство през 1870-те, кризата, започнала през 1880-те, и творческите несъответствия (последният, 8-ма изложба на импресионистите 1886 г. съвпада с разпадането на групата) и по-късно - от 1890-те до края на живота на Дега, Реноар, Моне.
В нито един от тези периоди на своето развитие импресионизмът не е бил доминиращата тенденция във френското изкуство. Едновременно с младите художници, J. O. D. Ingres, C. Corot, G. Courbet и J. F. Millet, представители на по-старото поколение, продължават да работят; историята на импресионизма хронологично включва цялата история на т. нар. постимпресионизъм (Ван Гог, Сезан, Гоген, също Серат, Синяк, Тулуза-Лотрек). Почти едновременно с импресионизма, в изкуството се ражда символизмът; по време на живота на най-старите импресионисти, Фовите изпълняват и се ражда кубизмът. Ето защо някои аспекти на импресионизма сега се възприемат много по-ясно в огледалото на съвременните и по-късни тенденции в изкуството: почти никой от значимите френски художници от края на 19 век не е избегнал влиянието на импресионизма. Преосмислили творчески уроците по импресионизъм и отхвърляйки по същество много от тях, тези художници отидоха по-далеч и положиха основите на изкуството на нашия век.
В тази „двойна перспектива“ на импресионизма Клод Моне принадлежи на много забележимо, но не изключително място в самата посока. Преди всичко, пейзажист, той се стреми да възстанови изгубените представи за единството на света, където човек е неразривно свързан с природата, със заобикалящата го среда. Моне откри и доведе до почти пълно изтощение някои от специалните качества на импресионистичното възприемане на природата, елементите на светлината и въздуха, с други думи, пленерната страна на импресионизма, оставяйки други майстори да развиват други аспекти на импресионистичната поетика.
Моне стана признат лидер на импресионистите поради изключителните качества на неговата природа: волеви, енергични и целенасочени, той беше в центъра на борбата за ново изкуство, взе активно участие в организирането на повечето изложби на художници на тази посока доведе борбата за посмъртно признаване на творчеството на Едуар Мане. Винаги се съмняваше в способностите си и винаги търсеше, въпреки това, Моне винаги знаеше как да развесели приятелите си, да им внуши вяра в силите си. Дори за недоверчивия, затворен в себе си Сезан, който в по-късната си работа досега се бе отклонил от всички, Моне оставаше единственият авторитет, към чието мнение неизменно се вслушваше.
Светлана Мурина
Парадокс на творчеството на Моне
В два пейзажа, нарисувани в Париж в деня на националния празник на 30 юни 1878 г., Моне сякаш ни разкрива самия процес на създаване на картина. Той трескаво бърза да улови спектакъла, който случайно се отвори от прозореца - море от трицветни знамена, развяващи се на вятъра, празничното ликуване на тълпата.
Едва очертаните вертикали на къщите напомнят за очертанията на улица, отдалечаваща се в далечината, рисунката е напълно разтворена във вихър от наситени щрихи от червено, синьо и бяло. Темпераментната четка на Моне в тези произведения предвижда покойния Ван Гог, но колко различно е това вълнение на художника, уловено от красотата на мотива, от вътрешното объркване, прочетено в творбите на холандския майстор! Отново, както в пейзажа „Впечатление. Изгрев ”, можем да заявим парадокса на творчеството на Моне: колкото повече спонтанността на възприятието, доверието на художника в окото му и първото усещане, толкова по-далеч е той от обективното възприемане на реалността, толкова по-деформиран е обектът на неговия образ.
Ако фотографът беше запечатал гледката на улица Сен Дени в същия ден, тогава всичко разкъсано, фрагментарно, в направата, което е толкова поразително в картината на Моне, би изглеждало спряно, подредено и вероятно по-прозаично. Моне най-малко постига илюзията за реалност: чрез разлагането на визуалния образ на отделни цветни елементи, освобождаването на цвета, който се отделя от обектите, дематериализацията на материалния свят, той води зрителя към синтез, цялостно възприятие на изобразеното. Тази „сугестивна трансформация“ на образа изисква и специално напрежение от днешния зрител, свикнал с много крайности в съвременните визуални изкуства, при запознаване с картините на Моне.
През есента на 1878 г. Моне наема къща в малкото градче Ветей близо до столицата. Тук, заедно с него, тежко болната му съпруга и две деца, се установява семейството на банкера и колекционера Хошеде. Камил Моне умира през септември 1879 г .; за последен път художникът рисува лицето й, но този път външният вид на Камил се изплъзва на художника, той е потопен в неспокойно море от кръстосани удари на избледнели нюанси на лилаво, синьо, жълто. Тяхната лека мрежа е като мистериозно покритие, което разделя живота от смъртта. Много по-късно Моне казва на Жорж Клемансо: „Веднъж, заставайки начело на починала жена, която винаги ми беше много скъпа, се хванах да гледам нейното трагично чело, търсейки механично следи от постоянно нарастващата деградация на цвета, която тази смърт причинени на това неподвижно лице. Нюанси на синьо, жълто, сиво - откъде да разбера кои! До това съм достигнал ... Ето как, под въздействието на присъщия ни автоматизъм, първо реагираме на влиянието на цвета, а след това нашите рефлекси, независимо от нашата воля, отново ни включват в несъзнателния процес на монотонно течащ живот. Като звяр, който превръща воденичен камък. "
Това признание разкрива скритата драма на творчеството на Моне. Художникът често и несправедливо е упрекван за безпристрастност, за абсолютен превес на оптическото възприятие над емоционалното. Междувременно самата естетизация на образа в този случай на образа на смъртта е волеви акт, който трансформира първоначалния мотивационен импулс в художествено преживяване. Усещането е в основата на творчеството на Моне не по-малко от визуалното впечатление; дори в спокойното съзерцание на късния цикъл на „водни лилии“ (което е обсъдено по-долу), звучат нотите на истинска елегична поезия. Ясното и оптимистично настроение на повечето творби на Моне е страната, която е изправена пред зрителя, както и сдържаният, спокоен маниер на художника, който неизменно привлича симпатиите на съвременниците му. За художниците импресионисти (предимно Моне и Реноар) такъв вътрешен дисонанс между живота и работата е най-съкровената същност на тяхното изкуство, винаги трябва да се има предвид: без това оценката на работата на импресионистичните майстори става едностранна и опростена.
Болезнените преживявания на Моне, които помрачиха първата година от престоя му във Ветей, бяха изразени с неочаквана сила в мрачно-меланхоличните зимни пейзажи на това време („Снежен ефект във Ветей“, 1878, Лувър, Париж; „Вход към Ветей“, 1879, Художествен музей, Гьотеборг) с чувството им за самота и скованост. Финансовото състояние на Моне стана особено тежко след смъртта на Камила, когато той имаше голямо семейство на ръце - двамата му малки сина бяха отгледани заедно с петте деца на Алис Хошеде, която стана втората му майка (бракът на Моне с Алис бе официално официализиран 1892). Едва след организирането през 1880 г. на малка лична изложба в помещенията на редакцията на списание "La Vie Modern", Моне, с подкрепата на Дюран-Руел и издателя Шарпентие, придобива доверие във финансовите си дела. Отсега нататък той беше освободен от притесненията да продава своите произведения и можеше изцяло да се отдаде на творчеството.
От началото на 80-те години на миналия век стилът на рисуване на Моне постепенно се променя. Работи все повече в шивашки цех; в неговите картини понякога се появява този „грим“, който може да се счита за компромис между работата върху първото впечатление и отразяващото съзнание на художника, работещ по памет. Пример за този подход към създаването на пейзажа е голямата картина Lavacourt (1880, Музей на изящните изкуства, Далас), предназначена за салона. Въпреки факта, че този пейзаж беше изключително неуспешно поставен в изложбата (на височина от почти шест метра от пода, в тясна обстановка на други произведения - такова нелепо окачване на картини винаги се практикува в салоните), отбелязани от критиците. Един от тях (Ченевие) дори пише, че „светлината и чистата атмосфера правят всички останали съседни пейзажи в тази галерия на салона да изглеждат черни“. По това време обаче импресионизмът вече е спечелил солидно място - поне в съзнанието на критиката.
Дори такъв принципен "подривник" на Моне, като известният писател-символист J.C. Huysmans, промени отношението си към художника след седмата изложба на импресионистите (1882): нюансите на предметите, които те отразяват; в неговите платна студеният дъх на морето наподобява пърхането на зеленината, лекото шумолене на трева ... тъкмо на него и неговите колеги импресионисти, майстори на пейзажа, трябва да сме благодарни за възраждането на живописното изкуство. Господа Писаро и Моне излязоха победители от трудна борба. Можем да кажем, че сложният проблем със светлината е решен в техните платна ... ”.
Характеристиката на Huysmans може да се отдаде на онзи етап от творчеството на Моне, който самият художник смята за преминат. Търсенето на нови теми и изображения го води до създаването на цял цикъл натюрморти, изпълнени в началото на 1880-те; подобно на пейзажа, този жанр беше за Моне любима област на творчеството. „Плоски хлябове“ (1882, частна колекция, Париж) е пример за типична импресионистична композиция, където връзката между предметите и дори тяхното подреждане изглежда случайна (някои са отрязани от ръба на рамката). Погледнат от близко разстояние, този фрагмент от неживата природа се възприема като пейзаж с неизразена ясно (и следователно безкрайна) дълбочина, където бяла покривка със студени сини рефлекси изглежда като покрито със сняг пространство. Най-добрите натюрморти за това време са изображения на цветя и плодове. Тяхната декоративна линейност, вписана в тесен вертикален формат (Далии и бял мак, 1883 г., частни колекции), предвиждат раждането на стила Арт Нуво (Арт Нуво) във френското изкуство.
През 1880-те години Моне доста често се позовава на „чист“ портрет - обикновено бюст портрет на неутрален фон. Моне не е бил майстор на психологически портрети в смисъла на думата, която е приложима за Е. Мане или Е. Дега. По-точно би било да се каже, че той никога не се е опитвал да прекрачи границата, която да доведе до проникване във вътрешния свят на друг човек. Портретите на Моне характеризират предимно собствената му вътрешна изолация и емоционална сдържаност; той дарява портретираните със своето настроение и това им придава оттенък на студена отдалеченост. Моделите на портретите на Моне неизбежно са потопени в себе си, те са неактивни (въпреки жизнеността на четката на художника), откъснати от околната среда и сякаш са в нематериален свят. Отличен пример за такава автохарактеризация е Автопортрет в барета (1886, частна колекция, Париж).
Моне със собствените си очи както в Русия, така и в други страни. Обаче обърнах внимание на зимните му пейзажи едва наскоро. Не са толкова много: Моне предпочиташе да рисува ярките цветове на лятото - макове, вода, платноходки, цъфтящи градини.
4. Ледени плочки. Мъглява сутрин. 1893 г.
Клод Моне. Ледени плочки. Мъглява сутрин. 1894 г. Филаделфийски художествен музей, САЩ Температурата е над нулата, така че ледът вече се е отворил и се е появила мъгла. Бялото и синьото се разреждат със сиво и кафяво.
Този пейзаж на Сена не е единственият - Моне обичаше да рисува последователно, показвайки как едно и също място може да бъде различно в зависимост от времето на деня и времето.
Картини на Клод Моне от поредицата „Лед плава”. 1893 Частни колекции.
За един месец от края на януари до края на февруари 1893 г. Моне успя да създаде цели 13 картини от този пейзаж на Сена!
5. Лавакур. Сняг и слънце. 1881 г.
Клод Моне. Lavacour, сняг и слънце. 1881 г. Национална галерия в Лондон. Село Лавакурт е разположено на брега на Сена, а срещу него е село Ветей, в което Моне е живял със семейството си и където е роден синът му, както и жена му. Именно от тази банка той изобразява пейзажите на село Ветей в 150 от своите картини.
Тъпото зимно слънце в картината „Lavacour“ - не го виждаме, но го усещаме по жълтеникаво-зеленикавия оттенък на снега на фона. Изглежда, че Моне е искал да покаже наближаването на пролетта. 
Снимка на село Ветей (близо до Париж)
На тези места, разбира се, те си спомнят своя известен обитател. И така, на брега на село Лавакур се правят информационни табла под формата на стативи с картини на Моне.
6. Пътят към Живерни през зимата. 1885 г.
Клод Моне. Пътят към Живерни през зимата. 1885. Частна колекция. Художникът живее в Живерни 43 години. В този град се намира неговата къща-музей с известната градина с водни лилии и японски мост. Разбира се, той е рисувал Живерни безброй пъти. По принцип това са цъфтящи летни работи. Тук обаче зимата също е много живописна.
Клод Моне стана един от основателите на нов жанр. Именно неговата живопис беше сред онези произведения, които бяха приписани на импресионизма. Най-известните картини на Клод Моне се оценяват днес на няколко десетки милиона долара.
Преди да се родят най-известните му картини, Клод Моне работи като карикатурист. Първите творби на бъдещия импресионист датират от 1854 г., когато той е само на 14 години.
Моне се пристрастява към живописта случайно. Родителите му не му дават джобни пари и за да ги спечели, художничката започва да създава карикатури на свои приятели и роднини. Клод Моне оценява всяка творба на 15-20 франка. С истинската живопис обаче се запознава по-късно, когато неговият наставник Юджийн Будин кани младия художник да започне да създава картини на открито.
Също така случайно се роди терминът „импресионизъм“. Въпреки факта, че е неразривно свързано с името на Клод Моне, то не е измислено от френски художник. Авторът на термина се оказа малко известен журналист Луис Лерой.
През 1874 г. на частна изложба, която се провеждаше, Клод Моне представи картина, която контрастира с творбите от онова време. Критиците се нахвърлиха върху него и други подобни произведения, наричайки ги неморални, непокорни и несъстоятелни. Луи Лерой, описвайки събитията в списание „Le Charivari“, говори недоволно за създателите на тези картини, наричайки ги импресионисти. Майсторите обаче приеха този епитет.
Забележително е, че именно работата на Клод Моне „Водни лилии“ се счита за най-добрия импресионизъм в жанра.
Художникът е създал много картини през живота си. Повечето от тях са оцелели и до днес. Трябва отделно да се отбележи, че докато рисува жени, Клод Моне е само образът на съпругата му Камил Домкуз.
Днес картините на Клод Моне са сред трите най-скъпи картини. Средно всеки от тях струва около 7,22 милиона долара.
Списък на най-известните картини
Моне създава почти всички най-известни творби от 1883 г. насам. Създавайки картини, майсторът не се стреми да изобрази нещо конкретно. За него беше важно как се изпълняваше тази или онази работа. Той не спря да твори дори след като зрението му се влоши. В резултат на това картините на Моне излязоха от писалката, снимки с имена и най-известните от тях са представени по-долу.
Въпреки факта, че платното изобразява четири привидно различни жени, художникът копира изображението на три от тях от съпругата си. Моне отдели много време за това парче, внимателно проверявайки цветовете. Основната цел, която създателят на „Жена в градината“ си постави, беше да предаде истинска дневна светлина. Други елементи на картината заслужават по-малко внимание.
„Жените в градината“ донесоха на създателя си 2500 франка, което му позволи да се измъкне от дълга.
Терасата в Сейнт Андрес датира от 1867 година. На платното са изобразени двама мъже и жени, копирани от най-близките роднини на автора. Картината показва градина, разположена на брега на Сейнт Андрес. Особеността на произведението е, че имитира японски цветни щампи. Забележителна е и липсата на централна точка. Остава впечатлението, че авторът на „Тераса в Сейнт Андрес“ го е нарисувал някъде отгоре.
Темза под Уестминстър е завършена през 1871 година. Според идеята на автора платното трябва да предава усещането за мъгливо лондонско утро. На фона на картината се вижда мъглявата сграда на британския парламент. По-близо са няколко лодки, вертикален док и хоризонтален мост. На това платно обаче доминира мъглата. Той блести в различни нюанси, размазвайки формите на други предмети.
Има и друго произведение на изкуството, изобразяващо Уестминстър при залез слънце.
Темата за ранната сутрин може да бъде проследена в следващата работа на автора. Впечатление: Изгряващото слънце показва предразсъмващата мъгла, която се разпростира над пристанището. Кръг от ярко оранжево слънце пробива мъглата. Работата оставя след себе си мрачно впечатление, което се засилва, ако обърнете внимание на размазаните изображения на далечни кораби и размитите очертания на две лодки на преден план.
„Мостът в Аргентейл“ се появява през 1874 година. Година преди това художникът е завършил създаването на „Полето на маковете в Аргентейл“. И двете творби показват района, където Моне е живял няколко години. Всяка картина се отличава с богат цвят на боите. Това важи особено за произведението „Мостът в Аргентейл“. В него създателят използва много ярки нюанси, чийто цвят не се променя с преминаването от преден план към фона. В „Полето на маковете в Аргентейл“ Моне визуално раздели платното на две части, отделяйки червените цветя на маковете от жената и детето.
"Gare Saint-Lazare", който се появява през 1877 г., се счита за една от най-смелите картини на времето, когато основният мотив на много платна е разнообразието от пейзажи. В тази работа обаче може да се проследи подходът на Моне към неговите произведения. Авторът фокусира вниманието на публиката не върху предмети (гара, локомотив, хора), а върху цветя. Всички модели, показани на изображението, не са ясни.
Произведението, което се появи през 1882 г., показва разходка на две млади жени, спрели на скала близо до брега. Въпреки факта, че „Разходка до скалата в Първил“ създава впечатление за известна спонтанност, Моне внимателно планира работата. Художникът има още един слой боя, когато предишният още не е имал време да изсъхне.
Катедралата в Руан
Катедралата в Руан не е картина, а цикъл от подобни платна, изобразяващи архитектурен обект със същото име. Произведенията са създадени през 1890-те. Тези платна представляват опитите на художника да играе с цветове. Те са създадени по различно време и време. Художникът, работещ по този цикъл, се опита да предаде определен момент.
„Езерце с водни лилии“ е най-скъпата картина на Моне. Създателят го завършва през 1916 г. и работата се извършва около 7 години. Забележително е, че художникът прилага бои по памет. По това време зрението му започна рязко да се влошава.
Разходи за строителство
В допълнение към произведението "Езерце с водни лилии" Моне създава много платна, които днес струват няколко десетки милиона долара:
- „Водни лилии“ - 53,9 милиона (ранна картина със същото име струва 43 милиона).
- "Железопътен мост в Аргентейл" - 41,4 милиона.
- Гранд канал - 35,6 милиона.
- Мост Ватерло - 35,4 милиона.
- „Път към езерото с водни лилии“ - 32,9 милиона.
Този списък може да продължи дълго време. Моне, за разлика от много от съвременниците си, е бил признат за велик художник приживе. Това му позволи да се издържа, работейки само върху платна.
На 14 ноември 1840 г. се ражда един от най-известните импресионисти в света, разпознаваем със своите цветове и нежни пейзажи, изпълнени с въздух и светлина - Клод Моне. Той стана художник по волята на съдбата - 100 хиляди франка, които спечели в лотарията, му позволи да напусне работата си като пратеник и да се отдаде на рисуването. В живота на Клод Моне обаче имаше много удивителни неща.
Големият импресионист започна с карикатури
Клод Моне е роден в Париж, но след 5 години семейството му се премества в Льо Хавър (Нормандия), където бащата на бъдещия художник държи магазин за хранителни стоки. Родителите на Клод Моне бяха изключително скъперни, затова, за да печели джобни пари, на 14-годишна възраст Моне започна да рисува карикатури на приятели и местни жители. Рисунките, които младият художник продаде за 15-20 франка, бяха изключително популярни. Въпреки страстта си към карикатурите, Моне никога не се интересува от рисуване, докато не се запознава с Юджийн Будин, бъдещия му наставник, който го кани да рисува на "открито".
Моне роди термина "импресионизъм"
Терминът „импресионизъм“ се появява благодарение на картината на Моне „Импресия. Изгряващо слънце ", която беше изложена на първата голяма изложба на импресионистите, в студиото на фотографа Надар през пролетта на 1874 г. и беше наречена„ Изложба на бунтовниците ". На изложбата бяха представени общо 165 творби на тридесет художници. Заслужава да се отбележи, че по това време натюрмортите и пейзажите на Моне и неговите сътрудници бяха обвинени в бунтовни настроения, неморалност и несъстоятелност. Бичувайки изложбата, малко известният журналист Луи Лерой в статията си в списание „Le Charivari“ презрително нарича художниците „импресионисти“. Художниците приеха този епитет от предизвикателството. С течение на времето той е загубил първоначалното си отрицателно значение.Интересно е, че за най-добро произведение на импресионизма в живописта се смята и картината на Клод Моне. И това въпреки факта, че по времето, когато художникът започва да рисува прочутите „Водни лилии“, той вече губи зрението си.
Повечето картини на Моне показват една и съща жена
Ако се вгледате внимателно в жените от картините на Клод Моне, определено ще има Камил Домкуз, любимият му модел и съпруга. Тя му позира за много платна, включително такива известни като „Дамата в зелено“, „Жени в градината“, „Мадам Моне със сина си“, „Портрет на съпругата на Клод Моне на дивана“. Мадам Моне роди на художника двама сина (първото дете още преди официалния брак). Раждането на второто й бебе обаче отслаби здравето й и малко след второто раждане тя почина. Клод Моне рисува посмъртен портрет на жена си.
Най-скъпата картина на Клод Моне
Картината „Езерце с водни лилии“ или, както се нарича и това платно - „Езерце с водни лилии“, нарисувана от Моне през 1919 г., е най-скъпата картина на този майстор. През 2008 г. на търг на Christie's в Лондон тази картина е продадена за страхотни пари - 80 милиона долара. Днес „Езерце с водни лилии“ заема девето място в класацията на най-скъпите картини в света, продавани на търгове. Не е известно кой е придобил тази картина и къде е сега. По правило частните колекционери, закупуващи такива произведения, предпочитат да останат анонимни.
Клод Моне е в топ 3 на най-скъпите изпълнители в света
Клод Моне, според резултатите от открити търгове, до 2013 г. заема третия ред в класацията на най-скъпите художници в света. Общо 208 от неговите творби са продадени на търгове за общо 1 622 200 млн. Долара. Средната цена на една картина от Моне е 7 799 млн. Долара.Водни лилии (1905) - 43 милиона долара
Железопътен мост в Аргентейл (1873) - 41 милиона долара
Водни лилии (1904) - 36 милиона долара
„Ватерло мост. Облачно “(1904) - 35 милиона долара.
Път към езерото (1900) - 32 милиона долара
Езерце с водни лилии (1917) - 24 милиона долара
Топола (1891) - 22 милиона долара
„Сграда на парламента. Слънчева светлина в мъглата “(1904) - 20 милиона долара.
Парламент, залез (1904) - 14 милиона долара
Къде се пазят картините на великия Моне днес?
Днес творбите на художника са разпръснати по целия свят. Най-големите държави, притежаващи картини на Моне, са Русия, САЩ и Великобритания. Въпреки това можете да намерите картини на художника в много други музеи, както в Европа, така и в чужбина. Няколко картини на Клод Моне има дори в музеи в Нова Зеландия. Значителна част от творбите на художника принадлежат към частни колекции, поради което тези картини са затворени за широката публика. Само понякога придобити веднъж произведения се връщат от ръцете на колекционери в музеи или отиват на търгове.
В Русия в музея на Пушкин. КАТО. Пушкин, има такива известни картини като "Люляк на слънце" през 1873 г. и "Закуска на тревата" през 1866 г. Картината "Парламент, ефектът на мъглата" е в Санкт Петербург в Ермитажа. Няколко творби на Клод Моне се съхраняват в Париж в Музея д'Орсе.Много творби се намират и в САЩ, в Метрополитен музей в Ню Йорк, в Музея на изкуството на Нелсън-Аткинс, както и в Музея на изкуството във Филаделфия.В Лондон картините на Моне са изложени в Националната галерия.
Отвличането на картините на Моне
Картините на Клод Моне многократно са се превръщали в обекти на желанието на престъпниците. Известен факт е, когато крадецът на картината на Моне „Плажът в Първил“, която беше изложена в Националния музей на Полша, се засмя на служителите, изрязвайки прочутия шедьовър от рамката и вмъкна на негово място по-ниска репродукция . Заменихме замяната на 19 септември и кога точно е станала кражбата, тя остана неизвестна. Извършителят е 41-годишен мъж, а открадната картина е намерена в къщата му.
През октомври 2012 г. музеят Кунстел в Ротердам е ограбен. Откраднати са 7 шедьоври, сред които е известният „Ватерлоо мост“ на Клод Моне. Този обир се оказа най-големият през последните 20 години. След разследване експертите подозират, че откраднатите картини може да са изгорени.
Клод Моне е роден преди 173 години, картините му са на върха на популярността днес и особено пламенни и талантливи почитатели на импресионизма му посвещават своите творения. Пример за това е Клод Кормие, вдъхновен от платната на Клод Моне.
