Необичайни руски художници. Съвременните руски художници си заслужава да се разгледат отблизо
Руската живопис с право се отличава от света на изкуството. Факт е, че до седемнадесети век руската живопис е свързана изключително с религиозна тема. Ситуацията се промени с идването на власт на царя-реформатор - Петър Велики. Благодарение на неговите реформи руските майстори започнаха да се занимават със светска живопис, имаше отделяне на иконописта като отделна посока. Седемнадесети век е времето на художници като Симон Ушаков и Йосиф Владимиров. След това в руския свят на изкуството портретът се ражда и бързо става популярен. През осемнадесети век се появяват първите художници, които преминават от портретна живопис към пейзажна живопис. Има изразена симпатия на майсторите към зимните панорами. Осемнадесети век е запомнен и с раждането на ежедневната живопис. През деветнадесети век цели три направления придобиха популярност в Русия: романтизъм, реализъм и класицизъм. Както и преди, руските художници продължиха да се обръщат към портретния жанр. Тогава се появиха световноизвестни портрети и автопортрети на О. Кипренски и В. Тропинин. През втората половина на деветнадесети век художниците все по-често изобразяват простите руски хора в потиснатото им състояние. Реализмът се превръща в централната тенденция в живописта от този период. Тогава се появиха Скитниците, изобразяващи само истински, истински живот. Е, двадесети век е, разбира се, авангард. Художниците от онова време оказаха силно влияние както на своите последователи в Русия, така и по света. Техните картини стават предшественици на абстрактното изкуство. Руската живопис е огромен удивителен свят на талантливи художници, прославили Русия със своите творения
Светът е пълен с творчески хора и всеки ден се появяват стотици нови картини, пишат се нови песни. Разбира се, в света на изкуството човек не може без пропуски, но има такива шедьоври на истински майстори, които просто спират дъха! Днес ще ви покажем работата им.
Допълнена реалност с молив
Фотографът Бен Хайне продължи да работи по своя проект, който представлява комбинация от рисунки с молив и фотография. Първо, той прави скица от ръка с молив върху хартия. След това фотографира рисунката на фона на реален обект и усъвършенства полученото изображение във Photoshop, добавяйки контраст и наситеност. Резултатът е магия!
Илюстрации от Алиса Макарова
Алиса Макарова е талантлива художничка от Санкт Петербург. В епоха, когато повечето изображения са създадени с помощта на компютър, интересът на сънародника ни към традиционните форми на рисуване предизвиква уважение. Един от последните й проекти е триптихът "Vulpes Vulpes", където можете да видите очарователни огнени червени лисици. Красота и още!
Деликатно гравиране
Художниците на дърво Пол Роден и Валерия Лу обявиха създаването на нова гравюра, наречена "Молец". Усилената работа и изящното майсторство на авторите не оставят безразлични дори и най-упоритите скептици. Печатът ще бъде изложен на предстоящото изложение в Бруклин на 7 ноември.
Чертежи на химикалка
Вероятно всеки поне веднъж на лекции, вместо да записва думите на учителя, рисува различни фигури в тетрадка. Дали художничката Сара Естее е била един от тези ученици, не е известно. Но фактът, че рисунките й с химикал са впечатляващи, е безспорен факт! Сара току-що доказа, че не е нужно да имате някакви специални материали, за да създадете нещо наистина интересно.
Сюрреалистични светове на Артем Чебохи
Руският художник Артем Чебоха създава невероятни светове, където има само море, небе и безкрайна хармония. За новите си творби художникът избра много поетични образи - скитник, пътуващ през непознати места, и китове, които обикалят в облаците-вълни - полетът на въображението на този майстор е просто неограничен.
Точкови портрети
Някой мисли за техниката на четката, някой върху контраста на светлината и сянката, но художникът Пабло Хурадо Руис рисува с точки! Художникът развива идеите на жанра на пуантилизма, присъщи на авторите от епохата на неоимпресионизма, и създава свой собствен стил, където детайлите решават абсолютно всичко. Хиляди докосвания до хартията водят до реалистични портрети, които просто искате да погледнете.
Снимки от дискети
В епоха, когато много неща и технологии остаряват със скоростта на преминаващ експрес, доста често е необходимо да се отървете от ненужните боклуци. Както се оказа обаче, не всичко е толкова тъжно и от стари предмети може да се направи много модерно произведение на изкуството. Английският художник Ник Джентри събирал квадратни дискети от приятели, взел консервна кутия с боя и рисувал върху тях зашеметяващи портрети. Получи се много хубаво!
На ръба на реализма и сюрреализма
Берлинският художник Хардинг Майер обича да рисува портрети, но за да не стане поредният хиперреалист, той решава да експериментира и създава поредица от портрети на границата на реалността и сюрреализма. Тези произведения ни позволяват да гледаме на човешкото лице като на нещо повече от просто „сух портрет“, подчертавайки неговата основа - изображението. В резултат на подобни търсения работата на Хардинг е забелязана от Галерията за модерно изкуство в Мюнхен, която ще изложи творбите на художника на 7 ноември.
Картини с пръсти на Ipad
Много съвременни художници експериментират с материали, за да създават картини, но японецът Seikou Yamaoka ги надмина всички, като взе своя iPad като платно. Той току-що инсталира приложението ArtStudio и започна не само да рисува, но и да възпроизвежда най-известните шедьоври на изкуството. Нещо повече, той прави това не с някои специални четки, а с пръст, което предизвиква възхищение дори сред хора, далеч от света на изкуството.
"Дървена" картина
Използвайки всичко - от мастило до чай, художникът на дърво Mandy Tsung е създал наистина хипнотизиращи картини, изпълнени със страст и енергия. Като основна тема тя избра загадъчния образ на жената и нейното положение в съвременния свят.
Хиперреалист
Всеки път, когато намерите произведения на хиперреалистични художници, неволно си задавате въпроса: „Защо правят всичко това?“ Всеки от тях има свой отговор на тази и понякога доста противоречива философия. Но художникът Дино Томик откровено казва: „Просто наистина обичам семейството си“. Ден и нощ той рисува и се опитва да не пропусне нито един детайл от портрета на своите роднини. Една такава рисунка му отне поне 70 часа работа. Да кажеш, че родителите са били доволни, означава да не кажеш нищо.
Портрети на войници
На 18 октомври в лондонската оперна галерия стартира изложба с творбите на Джо Блек, озаглавена „Начини за гледане“. За създаването на своите картини художникът е използвал не само бои, но и най-необичайните материали - болтове, значки и много други. Основният материал обаче беше ... войници играчки! Най-интересните експонати са портрети на Барак Обама, Маргарет Тачър и Мао Дзедун.
Чувствени маслени портрети
Корейският художник Лий Рим не беше толкова известен преди няколко дни, но новите й картини "Момичета в боя" предизвикаха широк отзвук и резонанс в света на изкуството. Ли казва: „Основната тема на моята работа са човешките емоции и психологическото благосъстояние. Въпреки че живеем в различни среди, в даден момент от времето се чувстваме по същия начин, когато гледаме обект. " Може би затова, гледайки нейната работа, искам да разбера това момиче и да бъда пропит с мислите му.
VI международно биенале за младо изкуство се провежда в Москва от 8 юни до 31 юли. Над него представиха свои творби над 50 художници от цял \u200b\u200bсвят на възраст под 35 години. Но съвременните художници не само излагат в галерии или музеи - техните творби често могат да бъдат закупени. Не е задължително скъпо: популяризирането на съвременното изкуство даде ход на процес на демократизация на цените, което накара някои граждани да финансират разходите за картини за реновиране. Дори аукционни къщи и панаири на изкуството, където започват да се появяват творби на млади художници, не могат да пренебрегнат интереса към изкуството на средната класа. The Village помоли Екатерина Положенцева, журналист и съсобственик в галерия „Маслено масло“, да подбере произведения на съвременни руски художници, които са достъпни както по отношение на подхода, така и по отношение на цената.
Екатерина Положенцева
Тимофей Радя
Художникът в Екатеринбург Тим Радя съчетава философия и улично изкуство в своите творби. Философ по образование и истински художник по природа, Тима отдавна възпитава идеята за бъдеща творба и след това я прилага в градското пространство с помощта на малката си армия от приятели и колеги. Фрази, които са се превърнали в мемове, „Бих те прегърнал, но аз съм просто текст“, „Колкото повече светлина, толкова по-малко можеш да видиш“ или „Кои сме ние, откъде сме, накъде отиваме?“ временно да станат част от градската среда, но да останат на снимките на Ради завинаги. Той ги продава в галерии.
Тимофей Радя. Долу смъртта. 2013. Фотопечат върху матова хартия. 60 х 80. Тираж 15/24. Цена - 44 000 рубли... Купете - Галерия Artwin
Алексей Дубински
Дубински е роден в Грозни през 1985 г. и е получил класическо образование в Руската академия по живопис, скулптура и архитектура на Иля Глазунов. Алексей работи по маниера на абстрактния експресионизъм, зад който винаги стои образ на някакъв герой - самият Алексей, неговите приятели или „напълно щастливо семейство“. През пролетта на 2018 г. Дубински беше домакин на голяма лична изложба, подготвена от София Симакова в галерия „Триумф“, след което появата на Алексей в този списък е голям успех: големите (метър по метър) произведения на Дубински отдавна излязоха от ценовата категория, която е прилично да се посочи на глас. Но графиките от минали години все още са достъпни за закупуване без срив за личен или семеен бюджет.
Кирил Кто
Ако видите по улиците на Москва очи, изрязани върху банери, знайте, че те са направени от един човек, който обича да се разхожда - Кирил Лебедев. Вторият търговски знак на Who е фразите, написани с печатни букви. Често се случва всяка буква да бъде нарисувана в различен цвят. Който е трудно да се обърка с някого. Преди няколко години собствениците на галерии Елвира Търноградская и Надежда Степанова помолиха Кирил да прехвърли няколко творби на платна: успехът на начинанието беше очевиден. Цените на кой растат по-бързо, отколкото новите му очи се появяват в града. Но има и опция за тези, които броят парите си - ситопечат, подписан от автора и произведен в ограничен тираж.
Джулия Йосилзон
Йосилзон е роден в Москва през 1992 година. Джулия сега живее в Лондон, където получава бакалавърска степен в училището за изящни изкуства „Слейд“. Денонощният престой в студентската работилница за изкуство не й попречи да направи самостоятелна изложба в московската галерия "Триумф". Обикновено прави изразителна работа върху коприна, опъната върху носилка. Сред героите на произведенията са разпознати вълкът и заекът от съветското "Е, почакай!". Картината на Йосилзон вече ще трябва да отложи няколко заплати, но графики все още могат да бъдат закупени за малко пари.
Антон Тотибадзе
Антон Тотибадзе е син на художника Константин Тотибадзе и племенникът на художника Георги Тотибадзе. Антон продължава негласна семейна традиция - рисува натюрморти и ежедневни пейзажи, често вдъхновен от готвенето на барбекю в собствения си двор. Руският музей в Санкт Петербург вече е включил една от тези творби на Антон Тотибадзе в своята колекция. Не е лошо за 25-годишен художник.
Антон Тотибадзе. Временно неудобство. 2017. Платно, темпера. 15 х 19. Цена - 25 000 рубли... Купете - OilyOil.com
Алес Номад
Анна Асямова е родена в Казахстан, завършила е Кемеровския университет по изкуствата. Ранните й творби са аскетични портрети, в които тя не смесва цветове. По-късно Алес се интересува от рисуване и започва да рисува портрети в стила на старите майстори и да ги прекроява в раници или меки играчки, използвайки мълния, за да направи творбите многофункционални. Приблизително на този етап Владимир Дубосарски я забеляза и предложи да направи обща изложба. Един от най-скъпите живи руски художници, разбира се, повлия на цената на новите творби на Алес. Но дори и днес ранните творби могат да бъдат закупени до 22 хиляди рубли.
Алес Номадът. Сватба. 2013. Картон, акрил, флумастери. 70 х 100. Цена - 22 000 РУБЛА... Купете - OilyOil.com
Валери Чтак
Валери Чтак е художник с дълга изложбена история и разпознаваем стил. Неговата работа винаги е монохромна черно-бяло-сива палитра с текст. В картините му има малко живопис и много прости образи, сякаш от стената на съседен подземен проход. Библиотекар по образование, Чтак работи много с думите: „Всички мъртви са еднакво мъртви“, „Да обичаш да се забавляваш, да мразиш и да отмъщаваш“ или „Когато в Москва е полунощ, в Мурманск също е полунощ“ - текстовете на художник, който също трябва да бъде закупен днес.
Дмитрий Аске
Дмитрий Аске е друг художник, който се е преместил от улицата в художествена работилница. Голяма част от работата на Asuke днес е ръчно резбована и ръчно рисувана дървена ламперия, която художникът сглобява в панели. От бюджетната работа на Дима днес, трябва да обърнете внимание на неговия ситопечат с ръчно рисувани акрилни бои. Отпечатъците на Asuke са подписани и номерирани.
Дмитрий Аске. Буда. Ситография, акрил, памучна хартия. 50 х 50. Цена - 16 000 РУБЛА... Купете - format1.net
Снимки: корица, 15–21 - Маслено масло, 1 - Артвин, 2 - Тимофей Радя, 3–7, 12–14 - Проба, 8, 25, 26 - Проблеми с бялата стена Онлайн галерия, 9–11, 22–24 - Галерия Триъгълник , 27 - "Формат едно"
Днес модерната живопис е придобила невероятна популярност, така че е станала известна не само с тенденцията си да разширява границите и да изследва нови изразни средства, но и с рекордни продажби на пазара на съвременно изкуство през последните няколко години. Освен това художници от почти цял свят, от Америка до Азия, се радват на успех. След това ще разберете чии имена представляват най-добрата съвременна живопис в света, кой е той, най-скъпият съвременен художник и кой току-що е отстъпил от това заглавие.
Най-скъпите съвременни художници
Сред безбройните имена, които съвременната живопис има, картините само на определени художници се радват на изключителен успех. Сред тях най-скъпите картини са били собственост на известния нео-експресионист и художник на графити Жан-Мишел Баскиат, който обаче почина на 27-годишна възраст. В нашия списък ще видите само първите седем от онези богати художници, които са живи и до днес.
Брайс Марден
Произведенията на този американски автор са доста трудни за класифициране и привеждане в една-единствена художествена посока, въпреки че той често е наричан представители на минимализма или абстракционизма. Но за разлика от художниците в тези стилове, чиито картини уж никога не са били докосвани, модерната картина на Марден запазва удари с палитра и други следи от работата му. Един от онези, които са повлияли на работата му, е друг съвременен художник, Джаспър Джонс, чието име ще видите по-късно.
Дзен Фанджи
Този съвременен художник е една от основните фигури на китайската художествена сцена днес. Именно неговата творба, озаглавена „Тайната вечеря“, базирана на известната творба на Леонардо да Винчи, се продава за 23,3 милиона долара и се превръща в най-скъпата картина, с която съвременната азиатска живопис може да се похвали. Известни са и творбите на художника „Автопортрет“, триптихът „Болница“ и картини от поредицата „Маски“.
През 90-те години стилът на неговата живопис често претърпява промени и в крайна сметка оставя експресионизъм за символизъм.
Питър Дойг
Питър Дойг е международно известен шотландски съвременен художник, чиято работа прониква в темата за магическия реализъм. Много от неговите творби са склонни да дезориентират зрителя, дори когато изобразяват разпознаваеми образи като фигури, дървета и сгради.
През 2015 г. картината му „Заблатено“ успя да счупи рекорда и да получи титлата на най-скъпата картина на съвременни художници от Шотландия, продадена на търг за 25,9 милиона. Популярни и платната на Дойг „Къща на архитект в хралупата“, „Бяло кану“, „Отражение“, „Крайпътна закусвалня“ и други.
Кристофър Вълна
В своята работа съвременният художник Кристофър Вул изследва различни пост-концептуални идеи. Най-известните съвременни картини на художника са блокови надписи, изобразени в черно върху бяло платно.
Такива картини на съвременни художници предизвикват много противоречия и недоволство сред привържениците на традиционната живопис, но по един или друг начин една от творбите на Вълна - "Апокалипсис" - му донася 26 милиона долара. Вълната дълго време не мисли за заглавията на снимките, а ги нарича според надписите: "Синя глупачка", "Проблем" и т.н.
Джаспър Джонс
Съвременният художник Джаспър Джонс е известен с бунтарското си отношение към абстрактния експресионизъм, който доминираше на живописната сцена в началото на кариерата на художника. Нещо повече, той работи, като създава скъпи платна с флагове, регистрационни табели, номера и други добре познати символи, които вече имат ясно значение и не се нуждаят от решаване.
Между другото, най-скъпите картини на съвременни художници включват произведението на американското „Знаме“, продадено на търг през 2010 г. за 28 милиона долара. Можете също така да разгледате произведенията "Три знамена", "Фалшив старт", "От 0 до 9", "Мишена с четири лица" и много други.
Герхард Рихтер
Този съвременен художник от Германия, подобно на много художници в началото на пътуването си, изучава реалистична академична живопис, но по-късно се интересува от по-прогресивно изкуство.
В работата на автора можете да видите влиянието на много художествени тенденции на 20-ти век, като абстракционен експресионизъм, поп арт, минимализъм и концептуализъм, но в същото време Рихтер остава скептичен към всички утвърдени художествени и философски вярвания, като е сигурен че съвременната живопис е динамика и търсене. Творбите на художника включват „Страната на ливадите“, „Четене“, „1024 цвята“, „Стената“ и др.
Джеф Кунс
И накрая, ето го - най-скъпият съвременен художник в целия свят. Американецът Джеф Кунс работи в нео-поп стил и е известен със своето закачливо, кичозно и предизвикателно творчество.
Известен е главно като автор на огромен брой съвременни скулптури, някои от които са били изложени в самия Версай. Но също така сред творбите на художника има картини, за които специални ценители са готови да дадат милиони долари: "Камбана на свободата", "Авто", "Момиче с делфин и маймуна", "Седло" и други.
Вземете го за себе си, кажете на приятелите си!
Прочетете и на нашия уебсайт:
Покажи повече
Рейтингът на най-скъпите произведения на живи художници е конструкция, която говори за ролята и мястото на художника в историята на изкуството много по-малко, отколкото за възрастта и здравината на здравето.
Правилата за съставяне на нашия рейтинг са прости: първо, вземат се предвид само сделки с произведения на живи автори; второ, отчитат се само продажбите на публичен търг; и трето, спазва се правилото „един художник - едно произведение“ (ако в рейтинга на произведенията два записа принадлежат на Джоунс, тогава остават само най-скъпите, а останалите не се вземат предвид). Класирането се извършва по долари (по обменния курс към датата на продажба).
1. JEFF KOONS Заек. 1986. 91 075 милиона долара
Колкото по-дълго гледате аукционната кариера на Джеф Кунс (1955), толкова повече се убеждавате, че няма нищо невъзможно за поп арт. Можете да се възхищавате на скулптури на Koons под формата на играчки, направени от балони, или да ги смятате за кичозни и безвкусни - ваше право. Не може да се отрече едно: инсталациите на Джеф Кунс струват луди пари.
Джеф Кунс започва своето пътешествие към славата на най-успешния жив художник в света още през 2007 г., когато неговата гигантска метална инсталация „Висящо сърце“ е купена за 23,6 млн. Долара на търга на „Сотбис“. Работата е купена от галерията на Лари Гагосиан, представляваща Кун в пресата пише, че това е в интерес на украинския милиардер Виктор Пинчук.) Галерията придоби не просто инсталация, а всъщност бижу. 2,7 м и тежи 1600 кг), но има подобно предназначение , Отне повече от шест хиляди и половина часа, за да се получи композиция със сърце, покрито с десет слоя боя.
След това имаше продажбата на Purple Balloon Flower за £ 12,92 милиона (25,8 милиона долара) на търга на Christie's в Лондон на 30 юни 2008 година. Интересното е, че седем години по-рано предишните собственици на "Цветка" са закупили произведението за $ 1,1 млн. Лесно е да се изчисли, че през това време пазарната му цена е нараснала с почти 25 пъти.
Рецесията на арт пазара от 2008-2009 г. даде на скептиците повод да клюкарстват, че модата за Koons е приключила. Но те сгрешиха: заедно с пазара на изкуството интересът към творбите на Кунс беше възроден. Наследникът на трона на Краля на поп изкуството на Анди Уорхол поднови личния си рекорд през ноември 2012 г. с продажбата в Christie’s на многоцветна скулптура „Лалета“ от поредицата „Celebration“ за 33,7 милиона долара, включително комисионна.
Но „Лалетата“ бяха „цветя“ в пряк и преносен смисъл. Само година по-късно, през ноември 2013 г., последва продажбата на скулптура от неръждаема стомана „Балоново куче (оранжево)“: цената на чука достигна 58,4 милиона долара! Приказна сума за жив художник. Работата на съвременен художник е продадена на цената на картина на Ван Гог или Пикасо. Това вече бяха плодове ...
С този резултат Koons царува на върха в класацията на живите художници в продължение на няколко години. През ноември 2018 г. за кратко беше надминат от Дейвид Хокни (виж втория ред от нашия рейтинг). Но само шест месеца по-късно всичко се нормализира: на 15 май 2019 г. в Ню Йорк, на търга на следвоенно и съвременно изкуство, Christie's пуска в продажба учебник за скулптури за Koons през 1986 г. - сребърен „заек“ от неръждаема стомана, имитираща балон с подобна форма.
Общо Koons създава 3 такива скулптури плюс едно авторско копие. На търга се получи копие на „Заек“ под номер 2 - от колекцията на култовия издател Сай Нюхаус, съсобственик на издателство Conde Nast (списания Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ и др.). Сребърният „Заек“ е купен от „бащата на блясъка“ Сай Нюхаус през 1992 г. за впечатляваща сума по стандартите на онези години - 1 милион долара. След 27 години в борба с 10 участници, скулптурният чук беше 80 пъти по-висок от предишната му продажна цена. И като се вземе предвид премиум комисионната на купувача, крайният резултат възлиза на рекордните 91,075 милиона долара за всички живи артисти.
2. DAVID HOCKNEY Портрет на художника. Басейн с две фигури. 1972. 90 312 500 долара
Дейвид Хокни (1937) е един от най-важните британски художници на ХХ век. През 2011 г. Дейвид Хокни бе избран за най-влиятелния британски художник на всички времена в проучване сред хиляди професионални британски художници и скулптори. В същото време Хокни заобиколи майстори като Уилям Търнър и Франсис Бейкън. Творчеството му обикновено се приписва на поп изкуството, въпреки че в ранните си творби той гравитира повече към експресионизма в духа на Франсис Бейкън.
Дейвид Хокни е роден и израснал в Англия, Йоркшир. Майката на бъдещия художник поддържа семейството в пуритански строгост, а баща му, прост счетоводител, който рисува малко на аматьорско ниво, насърчава сина си да рисува. На двадесет години Дейвид заминава за Калифорния, където живее общо около три десетилетия. Той все още има две работилници там. Хокни направи героите на своите произведения местните богаташи, техните вили, басейни, тревни площи, напоени с калифорнийско слънце. Една от най-известните му творби от американския период - картината "Пляскане" - е изображение на сноп спрей, който се издигна от басейн, след като човек скочи във водата. За да изобрази този сноп, „живеещ“ не повече от две секунди, Хокни работи две седмици. Между другото, тази картина беше продадена в Sotheby’s за 5,4 милиона долара през 2006 г. и известно време се смяташе за най-скъпата му творба.
Хокни (1937) вече е над осемдесет, но все още работи и дори изобретява нови художествени техники, използвайки технически иновации. След като излезе с идеята да направи огромни колажи от снимки на Polaroid, той отпечата своите произведения на факс машини, а днес художникът ентусиазирано овладява рисуването на iPad. Снимките, нарисувани на таблета, заемат достойно място в неговите изложби.
През 2005 г. Хокни най-накрая се завърна от Щатите в Англия. Сега той рисува на открито и в студиото огромни (често състоящи се от няколко части) пейзажи от местни гори и пустини. Според Хокни през 30-те години, прекарани в Калифорния, той е толкова свикнал с простата смяна на сезоните, че тя наистина му се възхищава и омагьосва. Цели цикли от неотдавнашната му работа са посветени, например, на един и същи пейзаж през различни периоди от годината.
През 2018 г. цените на картините на Хокни достигнаха няколко пъти границата от 10 милиона долара. А на 15 ноември 2018 г. Christie’s регистрира нов абсолютен рекорд за работата на жив художник - 90 312 500 долара за картината „Портрет на художник (Билярд с две фигури)“.
3. ГЕРХАРД РИХТЪР Абстрактна живопис. 1986. 46,3 милиона долара
Жива класика Герхард Рихтер (1932) заема второ място в нашата класация. Германският художник беше лидер сред живите колеги до 58-милионния хит на Джеф Кунс. Но това обстоятелство трудно може да разклати и без това железния авторитет на Рихтер на пазара на изкуството. В края на 2012 г. годишният оборотен оборот на немския художник е на второ място след този на Анди Уорхол и Пабло Пикасо.
В продължение на много години нищо не предвещаваше успеха, сполетял Рихтер сега. В продължение на десетилетия художникът заемаше скромно място на съвременния пазар на изкуството и изобщо не се стремеше към слава. Можем да кажем, че славата го обзе сама. Мнозина считат за отправна точка закупуването на поредица от творби на Рихтер „18 октомври 1977 г.“ от Нюйоркския музей на MoMA през 1995 г. Американският музей плати 3 милиона долара за 15 картини в сиви тонове и скоро се замисли да организира пълноценна ретроспекция на германския художник. Грандиозната изложба се открива шест години по-късно, през 2001 г., и оттогава интересът към творчеството на Рихтер нараства скокообразно. От 2004 до 2008 г. цените на картините му са се утроили. През 2010 г. произведенията на Рихтер вече са донесли 76,9 млн. Долара, през 2011 г., според уебсайта Artnet, произведенията на Рихтер на търгове общо са спечелили 200 млн. Долара, а през 2012 г. (според Artprice) - 262,7 млн. Долара - повече от работата на всеки друг жив художник.
Докато, например, непреодолимият успех на Джаспър Джонс в търга се съпровожда главно от ранни творби, такова рязко разделение не е типично за творбите на Рихтер: търсенето е еднакво стабилно за неща от различни творчески периоди, от които имаше много в кариерата на Рихтер. През последните шейсет години този художник се е опитал в почти всички традиционни жанрове на живописта - портрет, пейзаж, пристанище, гол, натюрморт и, разбира се, абстракция.
Историята на аукционните записи на Рихтер започва с поредица натюрморти „Свещи“. 27 фотореалистични изображения на свещи в началото на 80-те години, по време на тяхното писане, струват само 15 000 германски марки (5800 долара) за произведение. Но все още никой не купи „Свещи“ на първата им изложба в галерията на Макс Хетцлер в Щутгарт. Тогава темата на картините беше наречена старомодна; днес "Свещи" се считат за произведения на всички времена. И струват милиони долари.
През февруари 2008 г. "Свещ", написана през 1983 г., неочаквано е купена за £ 7,97 милиона (16 милиона долара)... Този личен рекорд продължи три години и половина. Тогава през октомври 2011г още едно "Свещ" (1982) отиде с чук в Christie's за £ 10,46 милиона (16,48 милиона долара)... С този запис Герхард Рихтер за първи път влезе в тройката на най-успешните живи артисти, заемайки мястото си зад Джаспър Джонс и Джеф Кунс.
Тогава започна победоносното шествие на „Абстрактни картини“ от Рихтер. Художникът пише такива произведения в уникална авторска техника: той нанася смес от прости бои върху светъл фон, а след това, използвайки дълъг скрепер с размерите на броня за кола, ги размазва върху платното. Това създава сложни цветови преходи, петна и ивици. Разглеждането на повърхността на неговите „Абстрактни картини“ е като разкопки: върху тях се виждат следи от различни „фигури“ през пробивите на множество слоеве боя.
9 ноември 2011 г. на търга за модерно и следвоенно изкуство Sotheby's мащабен "Абстрактна живопис (849-3)" 1997 г. премина под чук за 20,8 милиона долара (13,2 милиона британски лири)... И шест месеца по-късно, 8 май 2012 г. на търга на следвоенно и съвременно изкуство Christie's в Ню Йорк "Абстрактна живопис (798-3)" 1993 г. излезе за запис 21,8 милиона долара (включително комисионна). Пет месеца по-късно - отново рекордът: "Абстрактна живопис (809-4)" от колекцията на рок музиканта Ерик Клептън на 12 октомври 2012 г. на търга на Sotheby's в Лондон отиде с чук за £ 21,3 милиона (34,2 милиона долара)... Бариерата от 30 милиона беше взета от Рихтер с такава лекота, сякаш не говорихме за модерна живопис, а за шедьоври, които са вече на сто години, не по-малко. Въпреки че в случая с Рихтер изглежда, че включването на „великите“ в пантеона е станало по време на живота на художника. Цените за работата на германеца продължават да растат.
Следващият запис на Рихтер принадлежи на фотореалистичната работа - пейзаж "Катедрален площад, Милано (Домплац, Майланд)" 1968 година. Творбата беше продадена за 37,1 милиона на търг на Sotheby's 14 май 2013 г.... Гледката към най-красивия площад е нарисувана от немски художник през 1968 г. по поръчка на Siemens Electro, специално за офиса на компанията в Милано. По времето на написването му това е най-голямата фигуративна творба на Рихтер (почти три на три метра).
Рекордът на "Катедралния площад" продължи почти две години, докато 10 февруари 2015 г. не го прекъсна "Абстрактна живопис" (1986): цената на чука достига £ 30,389 милиона (46,3 милиона долара)... „Абстрактната живопис“ 300,5 × 250,5 см, изложена на търг в „Сотбис“, е една от първите мащабни творби на Рихтер в неговата специална авторска техника за изстъргване на слоеве боя. За последен път през 1999 г. тази "Абстрактна живопис" е купена на търг за $ 607 хил. (От тази година до настоящата продажба произведението е изложено в музея "Лудвиг" в Кьолн). На търга на 10 февруари 2015 г. определен американски клиент, с тръжни стъпки от 2 милиона британски лири, достигна цената на чука от 46,3 милиона долара. Тоест от 1999 г. цената на произведението се е увеличила повече от 76 пъти!
4. TSUI ZHUZHO "Страхотни заснежени планини." 2013. 39 577 милиона долара
Дълго време не следихме отблизо развитието на ситуацията на китайския пазар на изкуство, не искахме да претоварваме читателите си с прекомерно количество информация за „не нашето“ изкуство. С изключение на дисидента Ай Вейуей, който дори не е толкова скъп като резонансен художник, китайските автори ни се струваха твърде многобройни и далеч от нас, за да се задълбочим в случващото се там на пазара. Но статистиката, както се казва, е сериозна дама и ако говорим за най-успешните живи автори в света, тогава не можем да направим без история за изключителните представители на съвременното изкуство на Поднебесната империя.
Нека започнем с китайски художник Cui Ruzhuo... Художникът е роден през 1944 г. в Пекин, от 1981 до 1996 г. живее в САЩ. След завръщането си в Китай започва да преподава в Националната художествена академия. Cui Ruzhuo преосмисля традиционната китайска живопис с мастило и създава огромни платна-свитъци, които китайските бизнесмени и служители толкова обичат да си подаряват. На Запад много малко се знае за него, въпреки че мнозина трябва да си спомнят историята за свитъка от 3,7 милиона долара, който погрешно беше изхвърлен, сбъркан за боклук, от чистачите на хонконгски хотел. И така - това беше свитъкът на Cui Ruzhuo.
Cui Ruzhuo вече е на 70 години и има процъфтяващ пазар за своята работа. Над 60 творби на този художник са прекрачили границата от 1 милион долара. Въпреки това, творбите му все още са успешни само на китайски търгове. Записите на Cui Ruzhuo са наистина впечатляващи. Първо го "Пейзаж в снега" на Poly Auction в Хонг Конг 7 април 2014 г. достигна цена на чук от 184 милиона HK HK ( 23,7 милиона щатски долара).
Точно една година по-късно, 6 април 2015 г.на специален Поли аукцион в Хонконг, посветен изключително на произведенията на Cui Ruzhuo, поредица "Големият снежен пейзаж на планината Дзяннан"(Дзяннан - исторически регион в Китай, заемащ десния бряг на долния Яндзъ) от осем пейзажа с мастило на хартия достигнаха цената на чука от 236 милиона HK ( 30,444 милиона щатски долара).
Година по-късно историята се повтори: на соловия търг на Cui Ruzhuo, проведен от Poly Auctions в Хонг Конг 4 април 2016 г. шест частичен полиптих "Големи заснежени планини" 2013 ударена цена на чук (включително комисионна за аукционна къща) 306 милиона HK HK (39,577 милиона щатски долара). Засега това е абсолютен рекорд сред живите азиатски художници.
Според търговеца на изкуства Джонсън Чан, който работи с китайско съвременно изкуство от 30 години, има безусловно желание да се повишат цените на произведенията на този автор, но всичко това се случва на ниво цена, при което опитните колекционери едва ли ще искат да купят нещо. „Китайците искат да повишат рейтинга на своите художници, като надуят цените на техните произведения на големи международни търгове като този, организиран от Poly в Хонг Конг, но няма съмнение, че тези рейтинги са изцяло изфабрикувани“, коментира Джонсън Чан за Cui Последният запис на Руджо.
Това, разбира се, е само мнението на един отделен дилър, но ние имаме истински запис, записан във всички бази данни. Така че ще смятаме с него. Самият Куй Ружуо, съдейки по неговите изявления, е далеч от скромността на Герхард Рихтер, що се отнася до успеха му на търг. Изглежда, че тази надпревара за рекорди сериозно го очарова. „Надявам се, че през следващите 5-10 години цените на моите произведения ще надхвърлят цените на произведенията на западни майстори като Пикасо и Ван Гог. Това е китайска мечта “, казва Цуй Ружуо.
5. JASPER JONES Флаг. 1983 г. 36 милиона долара
Третото място в класацията на живите артисти принадлежи на американец Джаспър Джонс (1930)... Текуща рекордна цена за произведението на Джоунс - $ 36 милиона... Толкова плати за неговия известен „Знаме“ в Christie's 12 ноември 2014 г..
Поредицата от картини „знамена“, стартирана от Джоунс в средата на 50-те години, веднага след завръщането на художника от армията, се превръща в една от централните в работата му. В младостта си художникът се интересува от идеята за готово, превръщането на всекидневен предмет в произведение на изкуството. Знамената на Джоунс обаче не бяха истински, те бяха рисувани в маслени бои върху платно. По този начин едно произведение на изкуството е придобило свойствата на нещо от обикновения живот, то е едновременно и изображението на знамето, и на самото знаме. Поредица от творби със знамена донесоха световна слава на Джаспър Джонс. Но неговите абстрактни творби са не по-малко популярни. В продължение на много години списъкът с най-скъпите произведения, съставен съгласно горните правила, беше оглавяван от неговото резюме "Фалшив старт"... До 2007 г. това много ярко и декоративно платно, рисувано от Джоунс през 1959 г., се смяташе за притежател на цена, почти недостъпна за жив художник (макар и класическа за цял живот) - $ 17 милиона... Толкова беше платено за него в злато за пазара на изкуството 1988 година.
Интересното е, че рекордът на Джаспър Джонс като рекордьор не беше непрекъснат. През 1989 г. той е прекъснат от работата на колега в работилницата Вилем де Кунинг: двуметрова абстракция „Смесване“ е продадена в „Сотбис“ за 20,7 млн. Долара. Джаспър Джонс трябваше да се премести. Но след 8 години, през 1997 г., де Кунинг почина, а „Фалстарт“ Джоунс отново зае първия ред от аукционния рейтинг на живи художници в продължение на почти 10 години.
Но през 2007 г. всичко се промени. Записът на False Start беше засенчен за пръв път от работата на младите и амбициозни Деймиън Хърст и Джеф Кунс. След това имаше рекордна продажба за 33,6 милиона долара на картината „Инспекторът на съня за подпомагане“ от Люсиен Фройд (сега починал и следователно не участва в този рейтинг). Тогава започват записите на Герхард Рихтер. Като цяло досега, с текущ рекорд от 36 милиона, Джаспър Джоунс, един от майсторите на американското следвоенно изкуство, който работи на пресечната точка на неодадаизма, абстрактния експресионизъм и поп изкуството, е на почетно трето място .
6. ЕД РУШЕЙ Разбийте. 1963. 30,4 милиона долара
Внезапният успех на картината „Smash“ на американския художник Едуард Руша (р. 1937) на търга Кристис на 12 ноември 2014 г. изведе този автор в списъка на най-скъпите живи художници. Предишната рекордна цена за произведението на Ед Руша (често фамилията Руша се произнася на руски като „Руша“, но правилното произношение е Руша) беше „само“ 6,98 милиона долара: това е колко са платили за платното му „Изгаряне Бензиностанция "през \u200b\u200b2007г. Седем години по-късно "Smash" с оценка от 15-20 милиона долара достигна цената на чук 30,4 милиона долара... Очевидно е, че пазарът на произведенията на този автор е достигнал ново ниво - не напразно Барак Обама украсява Белия дом със своите произведения, а самият Лари Гагосян го излага в галериите си.
Ед Руша никога не се е стремял към следвоенния Ню Йорк с неговата лудост за абстрактния експресионизъм. Вместо това в продължение на повече от 40 години той търси вдъхновение в Калифорния, където се премества от Небраска на 18-годишна възраст. Художникът стоеше в началото на нова тенденция в изкуството, наречена поп арт. Заедно с Уорхол, Лихтенщайн, Уейн Тибо и други певци на поп културата, Едуард Руша участва през 1962 г. в музея Пасадена „Новият образ на обикновените неща“, който се превръща в първата музейна експозиция на американското поп изкуство. Самият Ед Руша обаче не обича, когато работата му се приписва на поп арт, концептуализъм или някаква друга тенденция в изкуството.
Неговият уникален стил се нарича „рисуване на текст“. От края на 50-те години Ед Руша започва да рисува думи. Точно както консерва със супа се превърна в произведение на изкуството за Уорхол, така и за Ед Руша това бяха обикновени думи и фрази, взети или от билборд, или от пакет в супермаркет, или от кредитите на филм (Холивуд винаги беше на страната на Руша, и за разлика от много свои колеги художници, Руша уважаваше „фабриката на мечтите“). Думите на платната му придобиват свойствата на триизмерни обекти, това са истински натюрморти от думи. Когато разглеждате платната му, първото нещо, което ви идва на ум, е визуалното и звуково възприемане на нарисуваната дума и едва след това - семантичното значение. Последното, като правило, не се поддава на еднозначно декодиране; думите и фразите, които Руши избира, могат да се тълкуват по различни начини. Една и съща ярко жълта дума „Smash“ на тъмно син фон може да се възприеме като агресивен призив за разбиване на нещо или някой за разбиване; като самотно прилагателно, извадено извън контекста (част от заглавие на вестник, например), или просто като отделна дума, уловена в градския поток от визуални образи. Ед Руша се радва на тази несигурност. „Винаги съм дълбоко уважавал странни, необясними неща ... Обясненията в известен смисъл убиват нещата“, каза той в интервю.
7. ВЪЛНА КРИСТОФЕР Без заглавие (RIOT). 1990 г. 29,93 милиона долара
Американски художник Кристофър Вълна (1955) за пръв път избухва в класацията на живите художници през 2013 г. - след продажбата на произведението „Апокалипсис сега“ за 26,5 млн. Долара. Този рекорд веднага го поставя наравно с Джаспър Джонс и Герхард Рихтер. Сумата на тази историческа сделка - повече от 20 милиона долара - изненада мнозина, тъй като преди нея цените на произведенията на художника не надвишаваха 8 милиона долара. Бързият растеж на пазара за произведения на Кристофър Вул към този момент обаче вече беше очевиден : рекордът на изпълнителя включва 48 аукционни транзакции за суми над 1 милион долара, от които 22 (почти половината) са извършени през 2013 г. Две години по-късно броят на творбите на Крис Вул, продадени за повече от 1 милион долара, достигна 70, а нов личен рекорд не закъсня. На търга Sotheby’s на 12 май 2015 г. „Без заглавие (RIOT)“ е продаден за $ 29,93 милиона като се вземе предвид Премия на купувача.
Кристофър Вълна е най-известен с обширната си работа с черни букви върху бели алуминиеви листове. Именно те по правило правят рекорди на търгове. Това са всички неща от края на 80-те и началото на 90-те години. Легендата разказва, че една вечер Вълна се разхождала вечер в Ню Йорк и изведнъж видяла графити върху нов бял камион с черни букви - думите секс и любов. Тази гледка го впечатли толкова много, че той веднага се върна в работилницата и написа версията си със същите думи. Беше 1987 г. и по-нататъшното търсене на думи и фрази за неговите „писмени“ творби отразява противоречивия дух на онова време. Това е призивът „продай къщата, продай колата, продай децата“, взет от Вълна от филма „Апокалипсис сега“, и думата „ГЛУПА“ („глупак“) с главни букви, и думата „RIOT“ („бунт“), често срещан във вестникарските заглавия по онова време.
Вълнени шаблонирани думи и фрази върху алуминиеви листове с алкидни или емайлирани бои, умишлено оставящи ивици, шаблони и други доказателства за творческия процес. Художникът раздели думите така, че зрителят не разбра веднага значението. Отначало виждате само натрупване на букви, тоест възприемате думата като визуален обект и едва след това четете и дешифрирате значението на фразата или думата. Вълна използва шрифт, използван от американската армия след Втората световна война, който засилва впечатлението за заповед, директива, лозунг. Тези „писмени“ произведения се възприемат като част от градския пейзаж, като незаконни графити, които нарушават чистотата на повърхността на някакъв уличен обект. Тази поредица от творби на Кристофър Вул е призната за една от върховете на лингвистичната абстракция и затова е високо оценена от любителите на съвременното изкуство.
8. ПЕТЪР ДОЙГ Роуздейл. 1991. 28,81 милиона долара
Британец Питър Дойг(1959), въпреки че принадлежи към поколението на постмодернистите Кунс и Хърст, избра за себе си напълно традиционен жанр на пейзажа, който дълго време не беше в полза на водещи художници. С работата си Питър Дойг възражда обществения интерес към фигуративната живопис, който е изчезнал. Неговата работа е високо оценена както от критиците, така и от неспециалистите, и това се доказва от бързото покачване на цените на неговите произведения. Ако в началото на 90-те години пейзажите му струват няколко хиляди долара, сега сметката стига до милиони.
Творчеството на Дойг често се нарича магически реализъм. Въз основа на реални пейзажи той създава фантастични, загадъчни и често мрачни образи. Художникът обича да изобразява обекти, изоставени от хората: порутена сграда, построена от Льо Корбюзие насред гора или празно бяло кану на повърхността на горско езеро. Освен от природата и въображението, Дойг се вдъхновява от филми на ужасите, стари пощенски картички, фотографии, аматьорски видеоклипове и др. Картините на Дойг са цветни, сложни, декоративни и не провокативни. Хубаво е да притежавате такава картина. Интересът на колекционерите се подхранва и от ниската производителност на автора: художникът, живеещ в Тринидад, създава не повече от дузина картини годишно.
В началото на 2000-те години някои от пейзажите на художника се продават за няколкостотин хиляди долара. По същото време творбите на Дойг бяха включени в галерия Saatchi, на биеналето в музея Уитни и в колекцията MoMA. През 2006 г. аукционната лента от $ 1 млн. Беше преодоляна. И през следващата година имаше неочакван пробив: работата "Бяло кану", предложена в Sotheby's на 7 февруари 2007 г. с оценка от $ 0.8-1.2 млн., Пет пъти надвишава предварителната оценка и е продадена за £ 5,7 милиона ($ 11,3 милиона). По това време това беше рекордна цена за произведенията на жив европейски художник.
През 2008 г. самостоятелните изложби на Дойг се провеждат в галерия Тейт и в Музея на модерното изкуство в Париж. Многомилионните ценови етикети за работата на Дойг се превърнаха в норма. Личният рекорд на Питър Дойг наскоро започна да се актуализира няколко пъти годишно - имаме време само да променим картината и мястото на този художник в нашия рейтинг на живи автори.
Най-скъпата работа на Питър Дойг до момента е снежният пейзаж „Роуздейл“ от 1991 г. Интересното е, че рекордът е поставен не в Sotheby’s или Christie’s, а на търга за съвременно изкуство в аукционната къща Phillips. Това се случи на 18 май 2017 г. Изглед към покрития със сняг Роуздейл, един от кварталите в Торонто, беше продаден на телефонния купувач за 28,81 млн. Долара. Това е с около 3 млн. Повече от предишния рекорд (25,9 млн. Долара за произведението „Заблатено“). Роуздейл участва в ключовата изложба на Дойг в галерия Whitechapel в Лондон през 1998 г. и като цяло тази работа беше свежа за пазара и следователно рекордната цена е заслужена.
9. ФРАНК СТЕЛА Нос от борове. 1959. 28 милиона долара
Франк Стела е виден представител на пост-живописната абстракция и минимализма в изкуството. На определен етап той е посочен като представител на стила на рисуване с твърд ръб. Отначало Стела противопоставя строгата геометрична, аскетична монохромност и структурираност на неговите картини със спонтанността и хаоса на картините на абстрактни експресионисти като Джаксън Полок.
В края на 50-те години художникът е забелязан от известния галерист Лео Кастели и за първи път е награден с изложба. На него той представи така наречените „Черни картини“ - платна, изрисувани с успоредни черни линии с тънки пролуки от небоядисано платно между тях. Линиите се сгъват в геометрични фигури, донякъде напомнящи на оптични илюзии, самите картини, които трептят, движат се, извиват се, създават усещане за дълбоко пространство, ако ги гледате дълго време. Стела продължи темата за успоредните линии с тънки разделителни ивици в своите произведения върху алуминий и мед. Цветовете, изобразителната основа и дори формата на картините се променят (наред с други се открояват произведения под формата на буквите U, T, L). Но основният принцип на неговата живопис все пак се състоеше в яснотата на очертанията, монументалността, простата форма, монохромност. През следващите десетилетия Стела се отдалечи от такава геометрична живопис към плавни, естествени форми и линии и от едноцветни картини към ярки и разнообразни цветови преходи. През 70-те години Стела е пленена от огромните шарки, използвани за рисуване на кораби. Художникът ги използва за огромни картини с елементи на сглобяване - той включва парчета стоманени тръби или телена мрежа в работата си.
В ранните си интервюта Франк Стела откровено обсъжда значенията, вложени в неговата работа, или по-скоро за тяхното отсъствие: „Това, което виждате, е това, което виждате“. Картината сама по себе си е обект, а не възпроизвеждане на каквото и да било. „Това е равна повърхност с боя върху нея и нищо друго“, каза Стела.
Е, подписана от Франк Стела, тази повърхност "боя върху нея" днес може да струва милиони долари. За първи път в рейтинга на живите художници Франк Стела попадна през 2015 г. с продажбата на произведението „Пресичането на Делауеър“ (1961) за 13,69 милиона долара, като се вземе предвид комисионната.
Четири години по-късно, на 15 май 2019 г., е поставен нов рекорд от ранната (1959 г.) работа „Cape of Pines“: цената на чука е над 28 милиона долара, включително комисионната. Това е една от 29-те „черни картини“ - именно тези, с които Стела дебютира на първата си изложба в Ню Йорк. По това време възпитаникът на университета в Принстън Франк Стела беше на 23 години. Често не му достигаха пари за маслена боя за художници. Младият художник се занимаваше с ремонти, много харесваше чистите цветове на боята и тогава възникна идеята да се работи с тази боя върху платно. С черна емайлирана боя Stella рисува успоредни ивици, оставяйки фини линии на негрундирано платно между тях. Нещо повече, той пише без владетели, на око, без предварителна скица. Стела никога не е знаела колко черни линии ще се появят в определена картина. Например в картината "Нос от борове" имаше 35. Заглавието на творбата се отнася до името на нос в Масачузетския залив - Точка от борове. В началото на ХХ век върху него имаше голям увеселителен парк, а днес той е един от кварталите на град Ревере.
10. YOSHITOMO NARA Нож зад гърба му. 2000. 24,95 милиона долара
Йошитомо Нара (1959) е една от ключовите фигури в японското нео-поп изкуство. Японски - защото въпреки световната слава и дългогодишната работа в чужбина, работата му все още се отличава с подчертана национална идентичност. Любимите герои на Нара са момичета и кучета в стила на японските манга и аниме комикси. Изображенията, които той е измислял в продължение на много години, са отишли \u200b\u200bпри хората: те се отпечатват върху тениски, сувенири и се правят различни „стоки“ с тях. Роден в бедно семейство, далеч от столицата, той е не само обичан заради таланта си, но и ценен като човек, който е направил себе си. Художникът работи бързо и изразително. Известно е, че някои от неговите шедьоври са завършени буквално за една нощ. Картините и скулптурите на Йошитомо Нара по правило са много лаконични, ако не и оскъдни в изразителни средства, но винаги носят силен емоционален заряд. Тийнейджърките на Нара често гледат на зрителя с неприятен кривоглед. В техните очи - дързост, предизвикателство и агресия. В ръцете - нож, после цигара. Смята се, че изобразените извращения в поведението са реакция на потискащия обществен морал, различни табута и възпитателните принципи, възприети от японците. Почти средновековната строгост и срам задвижват проблемите вътре, създават основата за забавен емоционален изблик. „Ножът отзад“ просто вместимо отразява една от основните идеи на художника. В тази творба има както омразен поглед на момиче, така и ръка, която е опасно увита зад гърба ѝ. До 2019 г. картините и скулптурите на Йошитомо Нара неведнъж са приемали милион или дори няколко милиона. Но двадесет милиона за първи път. Нара е един от най-известните в света художници, родени в Япония. И сега най-скъпият жив човек. На 6 октомври 2109 г. в „Сотбис“ в Хонконг той взема това заглавие от Такаши Мураками и забележимо заобикаля 90-годишния авангарден художник Яйой Кусама (максималните аукционни цени за картините й вече се доближават до 9 милиона долара).
11. ZENG FANZHI Тайната вечеря. 2001. 23,3 милиона долара
На търг на Sotheby's в Хонг Конг 5 октомври 2013 г. мащабно платно "Тайната вечеря" Пекински художник Дзен Фанджи (1964) продадени за рекордните 160 милиона HK $ - 23,3 милиона долара САЩ. Окончателната цена на работата на Fanzhi, написана, разбира се, под влиянието на работата на Leonardo da Vinci, се оказа два пъти по-голяма от предварителната оценка от около 10 милиона долара. Предишният рекорд на Zeng Fanzhi беше $ 9,6 милионаплатена на аукциона на Christie’s в Хонг Конг през май 2008 г. за произведението „Серия с маски. 1996. Не. 6 ".
Тайната вечеря е най-голямата (2,2 × 4 метра) картина на Фанжи от поредицата „Маски“, обхващаща периода от 1994 до 2001 г. Цикълът е посветен на еволюцията на китайското общество под влияние на икономическите реформи. Въвеждането от правителството на КНР на елементи от пазарна икономика доведе до урбанизация и разединение на китайците. Фанжи изобразява жителите на съвременните китайски градове, които трябва да се борят за място на слънце. Добре познатата композиция на фреската на Леонардо при четенето на Фанжи придобива съвсем различно значение: сцената на действието е пренесена от Йерусалим в класната стая на китайско училище с типични йероглифни дъски по стените. „Христос“ и „апостоли“ са станали пионери с алени връзки и само „Юда“ носи златна вратовръзка - това е метафора на западния капитализъм, проникващ и унищожаващ обичайния начин на живот в социалистическа държава.
Произведенията на Дзен Фанжи са стилистично близки до европейския експресионизъм и са също толкова драматични. Но в същото време те са пълни с китайски символи и специфики. Тази гъвкавост привлича както китайски, така и западни колекционери в творчеството на художника. Пряко потвърждение за това е произходът на Тайната вечеря: произведението е изложено на търг от известния колекционер на китайския авангард от 80-те - началото на 90-те години - белгийският барон Гай Уленс.
12. РОБЪРТ РАЙМЪН Мост. 1980 г. 20,6 милиона долара
На търга Кристис 13 май 2015 г. абстрактна работа "Мост" 85-годишен американски художник Робърт Райман (Робърт Райман) беше продаден за 20,6 милиона доларакато се вземе предвид комисионната - два пъти по-скъпа от долната оценка.
Робърт Райман (1930) не осъзнава веднага, че иска да стане художник. На 23-годишна възраст се премества в Ню Йорк от Нешвил, Тенеси, с желанието да стане джаз саксофонист. Докато не стане известен музикант, трябваше да работи като охранител в MoMA, където се срещна със Saul LeWitt и Dan Flavin. Първият работи в музея като нощен секретар, а вторият като охранител и оператор на асансьор. Впечатлен от творбите на абстрактни експресионисти, които видял в MoMA - Ротко, Де Кунинг, Полок и Нюман - Робърт Риман се заел да рисува през 1955 г.
Рейман често е наричан минималист, но той предпочита да бъде наричан „реалист“, защото не се интересува от създаването на илюзии, той само демонстрира качеството на използваните от него материали. Повечето му творби са рисувани с бои от всички възможни нюанси на бялото (от сивкаво или жълтеникаво до ослепително бяло) на основата на лаконична квадратна форма. По време на кариерата си Робърт Раймън изпробва много материали и техники: рисува в масла, акрили, казеин, емайл, пастели, гваш и др. Върху платно, стомана, плексиглас, алуминий, хартия, велпапе, винил, тапети и др. приятел, професионален реставратор, Орин Райли, го посъветва за едливостта на материалите, които той смяташе да използва. Както художникът веднъж каза: „Никога нямам въпрос, какво пиши, основното е като напиши ". Всичко е свързано с текстурата, естеството на ударите, границата между повърхността на боята и ръбовете на основата, както и съотношението между работата и стената. От 1975 г. осветителните тела се превръщат в специална характеристика на неговата творба, която Риман проектира сам и нарочно ги оставя видими, подчертавайки работата му „толкова истинска, колкото стените, върху които те висят“. Райман предпочита да дава на произведенията си „имена“, а не „заглавия“. „Името“ е това, което помага да се разграничи едно произведение от друго, а Райман често назовава своите произведения по марки марки, компании и т.н., а „името“ претендира за някакви намеци и дълбоко скрити значения, чието присъствие в работи, художникът редовно отрича. Нищо освен материал и техника няма значение.
13. Деймиън Хърст Сънна пролет. 2002 г. 19,2 милиона долара
Английски художник Деймиън Хърст (1965) беше отредено да бъде първият, който се люлее на първото място от този рейтинг в спор с живия класик Джаспър Джонс. Вече споменатото произведение "Фалшив старт" може дълго да остане непотопяем лидер, ако 21 юни 2007 г. инсталация по времето на 42-годишния Хърст "Сънлива пролет" (2002) не се продава в Sotheby's за £ 9,76 милиона, тоест за 19,2 милиона долара... Творбата, между другото, има доста необичаен формат. От една страна, това е витрина с манекени хапчета (6 136 хапчета), всъщност класическа инсталация. От друга страна, тази витрина е направена плоска (10 см дълбочина), затворена в рамка и окачена на стената като плазмен панел, като по този начин напълно осигурява комфорта на собственост, типичен за картините. През 2002 г. сестрата на инсталацията, Сънливата зима, беше продадена за 7,4 милиона долара, повече от половината от цената. Някой "обясни" разликата в цената с факта, че през зимата таблетките избледняват. Но е ясно, че това обяснение е абсолютно безпочвено, тъй като механизмът за ценообразуване на такива неща вече не е свързан с тяхната декоративност.
През 2007 г. мнозина разпознаха Хърст като автор на най-скъпата творба сред живите художници. Въпросът обаче е от категорията „в зависимост от това как броите“. Факт е, че Хърст беше продаден за скъпи лири, а Джоунс за сега по-евтините долари и дори преди двадесет години. Но дори да броим по номинал, без да отчитаме 20-годишната инфлация, тогава работата на Хърст беше по-скъпа в долари, а на Джоунс в лири. Ситуацията беше гранична и всеки беше свободен да реши кой е най-скъпият. Но Хърст издържа на първо място не толкова дълго. През същата 2007 г. е отстранен от първото място от Кунс със своето „Висящо сърце“.
Точно в навечерието на световния спад в цените на съвременното изкуство, Хърст предприема безпрецедентно начинание за млад художник - самостоятелен търг на негови творби, който се проведе на 15 септември 2008 г. в Лондон. Новината за банкрута на банка Lehman Brothers, обявена преди ден, не разваля апетита на любителите на съвременното изкуство: от 223 произведения, предлагани от Sotheby's, само петима не намериха нови собственици (един от купувачите, между другото, беше Виктор Пинчук). Състав "Златно теле" - огромен пълнен бик във формалдехид, покрит със златен диск, - донесе толкова 10,3 милиона британски лири (18,6 милиона долара)... Това е най-добрият резултат на Hirst, изчислен в лири (във валутата, в която е извършена транзакцията). Ние обаче се класираме по долари, така че (нека Златният телец ни прости) все пак ще считаме Сънната пролет като най-добрата продажба за Хърст.
От 2008 г. насам Хърст няма продажби на нивото на „Сънлива пролет“ и „Златно теле“. Свежи записи от 2010 г. - за творби на Рихтер, Джоунс, Фанжи, Вълна и Кунс - преместиха Деймиън на шестия ред от нашия рейтинг. Но нека не правим категорична преценка за края на ерата на Хърст. Според анализатори Хърст като „суперзвезда“ вече е влязъл в историята, което означава, че ще бъде купен за много дълго време; обаче най-голямата стойност в бъдеще се предвижда за произведения, създадени през най-иновативния период от кариерата му, т.е. през 90-те години.
14. MAURIZIO CATTELAN Него. 2001. 17,19 милиона долара
Италианецът Маурицио Кателан (1960) дойде в изкуството, след като работи като охранител, готвач, градинар и дизайнер на мебели. Авторът самоук е станал световно известен със своите иронични скулптури и инсталации. Той свали метеорит върху папата, превърна жената на клиента в ловен трофей, проби дупка в пода в музей на стари майстори, показа гигантски среден пръст на борсата в Милано, донесе живо магаре на фриза честно. В близко бъдеще Кателан обещава да инсталира златна тоалетна в музея Гугенхайм. В крайна сметка лудориите на Маурицио Кателан бяха широко признати в света на изкуството: той бе поканен на биеналето във Венеция (инсталацията „Други“ през 2011 г. - стадо от две хиляди гълъби, които гледат заплашително от всички тръби и греди към тълпите посетители, минаващи отдолу ), организира, че има ретроспектива в музея на Гугенхайм в Ню Йорк (ноември 2011 г.) и накрая получава големи пари за своите скулптури.
От 2010 г. най-скъпата работа на Маурицио Кателан е восъчна скулптура на мъж, надникващ от дупка в пода, външно подобна на самия художник (Untitled, 2001). Тази скулптурна инсталация, която съществува в три екземпляра плюс копието на автора, е показана за първи път в музея Бойманс ван Беунинген в Ротердам. Тогава този палав персонаж погледна от дупка в пода на залата с картини на холандски художници от 18 - 19 век. В това произведение Маурицио Кателан се свързва със смел престъпник, нахлул в свещеното пространство на музейната зала с картини на велики майстори. По този начин той иска да лиши изкуството от аурата на святостта, която му дават музейните стени. Творбата, за да бъде изложена всеки път, когато трябва да перфорирате пода, е продадена за 7,922 милиона долара в Sotheby's.
Записът продължи до 8 май 2016 г., когато още по-провокативното произведение на Кателан "Той", изобразяващо Хитлер на колене, отиде с чук за $ 17,189 млн. Странно нещо. Името е странно. Изборът на персонажи е рисков. Както всички останали в Cattelan. Какво означава Той? „Неговото“ или „Адското му величество“? Ясно е, че определено не говорим за прославяне на образа на фюрера. В тази работа Хитлер се появява по-скоро в безпомощна, жалка форма. И абсурдно - превъплъщението на Сатана е направено високо колкото дете, облечено в костюм на ученик и коленичило със смирено изражение на лицето. За Кателан този образ е покана да размишлява за същността на абсолютното зло и начин да се отърве от страховете. Между другото, скулптурата „Той“ е добре позната на западната публика. Нейните братя от поредицата са били изложени повече от 10 пъти във водещи музеи по света, включително Център Помпиду и Музея на Соломон Гугенхайм.
15. МАРК ГРОТИАН Без заглавие (S III освободен във Франция Лице 43.14). 2011. 16,8 милиона долара
На 17 май 2017 г. на вечерния търг на Christie’s в Ню Йорк се появи една от най-мощните картини на Марк Гротиан, публикувани някога на търг. Картината „Без заглавие (S III, издадена във Франция, лице 43.14)“ беше изложена от парижкия колекционер Патрик Сегин с оценка от 13-16 милиона долара и тъй като продажбата на партидата беше гарантирана от трета страна, никой не беше особено изненадан да установи нов личен рекорд на търг за 49-годишния художник ... Цената на чука от 14,75 милиона долара (включително премията на купувача за 16,8 милиона долара) надмина предишния рекорд на Гроциан с повече от 10 милиона долара. Това му позволи да влезе в клуба на живите художници, чиито произведения се продават за осемцифрени суми. В аукционната кутия на Марк Гроциан вече има около тридесет и седемцифрени резултати (продажби от над 1 милион долара, но не повече от 10 милиона долара).
Марк Гротиан (1968), в работата на който експертите виждат влиянието на модернизма, абстрактния минимализъм, поп и оп изкуството, стига до корпоративния си стил в средата на 90-те години, след като се премества с приятеля си Брент Питърсън в Лос Анджелис и отваря там галерия "Стая 702". Както самият художник си спомня, по това време той започва да мисли за това, което е на първо място за него в изкуството. Търсеше мотив, с който да експериментира. И разбрах, че той винаги се интересува от линия и цвят. Експериментите в духа на районизма и минимализма с линейна перспектива, многобройни точки на изчезване и многоцветни абстрактни триъгълни форми в крайна сметка донесли на Гроциан световна слава.
От абстрактни цветни пейзажи с множество хоризонти и изчезващи точки на перспектива той в крайна сметка стигна до триъгълни форми, напомнящи на крилата на пеперудите. Картини на Гроциан 2001-2007 така наричат \u200b\u200b- „Пеперуди“. Днес преместването на точката на изчезване или използването на няколко точки на изчезване наведнъж, раздалечени в пространството, се счита за една от най-мощните техники на художника.
Следващата голяма поредица от творби беше наречена „Лица“; в абстрактните редове на тази поредица се отгатват чертите на човешкото лице, опростени до състоянието на маска в духа на Матис, Явленски или Бранкузи. Говорейки за изключителното опростяване и стилизиране на формите, за композиционното решение на картините, когато разпръснатите контури на очите и устата сякаш ни гледат от горска гъстала, изследователите отбелязват връзката на „Лицата” на Гроциан с изкуството на примитивните племена на Африка и Океания, докато самият художник просто „обича очите, гледащи от джунглата. Понякога си представях лицата на бабуини или маймуни. Не мога да кажа, че съзнателно или подсъзнателно бях под влиянието на примитивното африканско изкуство, а по-скоро бях повлиян от художниците, които бяха под неговото влияние. Пикасо е най-очевидният пример. "
Творбите от поредицата „Лица“ се наричат \u200b\u200bбрутални и елегантни, приятни за окото и приятни за ума. С течение на времето текстурата на тези произведения също се променя: за да създаде ефект на вътрешното пространство, художникът използва широки щрихи с дебела боя, дори спрей в стил Pollock, но повърхността на картината се изравнява така, че при затваряне преглед изглежда абсолютно плосък. Аукционната рекордна картина „Без заглавие (S III, издадена във Франция, лице 43.14)“ се отнася именно до тази прочута поредица на Марк Гроциан.
16. ТАКАШИ МУРАКАМИ Моят самотен каубой. 15,16 милиона долара
Японски Такаши Мураками (1962) включени в нашата класация със скулптура "Моят самотен каубой"продаден в Sotheby's през май 2008 г. за $ 15,16 милиона... С тази продажба Такаши Мураками дълго време беше считан за най-успешния жив азиатски художник - докато не беше засенчен от продажбата на „Тайната вечеря“ на Дзен Фанджи.
Такаши Мураками работи като художник, скулптор, дизайнер на облекло и аниматор. Мураками искаше да вземе за основа на работата си нещо наистина японско, без западни и каквито и да било други заеми. В студентските си години той е очарован от традиционната японска живопис на нихонга, по-късно тя е заменена от популярното изкуство аниме и манга. Така се роди психеделичният г-н DOB, усмихнати цветни шарки и ярки, блестящи скулптури от фибростъкло, които сякаш току-що излязоха от страниците на японските комикси. Някои смятат изкуството на Мураками за бързо хранене и въплъщение на вулгарността, други наричат \u200b\u200bхудожника японеца Анди Уорхол - и в редиците на последния, както виждаме, има много много богати хора.
Мураками заимства името на скулптурата си от филма на Анди Уорхол "Самотни каубои" (1968), който японците, както самият той призна, никога не е гледал, но наистина харесва комбинацията от думи. Мураками с една скулптура и зарадва феновете на еротичните японски комикси и им се изсмя. Увеличен по размер, а освен това е и триизмерен, аниме героят се превръща във фетиш на масовата култура. Този артистичен израз е съвсем в духа на класическото западно поп изкуство (не забравяйте мебелите, определени от Алън Джоунс или Pink Panther на Koons), но с национален привкус.
17. KAWS. Албум KAWS. 2005. $ 14 784 505
KAWS е псевдонимът на американския художник Брайън Донъли от Ню Джърси. Той е най-младият член от нашия рейтинг, роден през 1974 г. Донели започва като аниматор в Дисни (рисува фон за карикатурата на 101 далматинци и т.н.). От младостта си обичаше графити. Дизайнът му със запазена марка първоначално беше череп с X на мястото на очните кухини. Творбите на младия писател са обичани от хората на шоубизнеса и от модната индустрия: той прави корицата на албума на Kanye West, издава колаборации за Nike, Comme des Garçons и Uniqlo. С течение на времето KAWS се превърна в добре позната фигура в света на съвременното изкуство. Неговата подписана фигурка Мики Маус се е утвърдила в музеи, обществени пространства и частни колекции. Веднъж KAWS пуснаха ограничена серия винилови играчки с марката My Plastic Heart и те изведнъж станаха обект на голям колекционен интерес. Един от страстните колекционери на тези „играчки“ е основателят на Black Star, рапърът Тимати: той почти изцяло е събрал цялата поредица от „Cavs Companions“.
Работата на KAWS постави рекорд на изпълнител в Sotheby's в Хонконг на 14,7 милиона долара на 1 април 2019 г. Преди беше в колекцията на японския моден дизайнер Nigo. Дългото платно The KAWS Album е почит към корицата на прочутата група на Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band от 1967 г. на The Beatles. Само вместо хора на нея са нарисувани Кимпсън - стилизирани герои от анимационния сериал Симпсъните със знаци X вместо очи.
18. ДЖИН ШАНИ Таджикска булка. 1983 г. 13,89 милиона долара
Сред сравнително младите и модерни китайски художници, които всички като един принадлежат към така наречената „нова вълна“ от края на 80-те години в китайското изкуство, неочаквано в нашата класация попадна представител на съвсем друго поколение и различно училище. Джин Шанги, който вече е на 80 години, е един от най-ярките представители на първото поколение художници в комунистически Китай. Възгледите на тази група художници се формират до голяма степен под влиянието на най-близкия комунистически боен другар - СССР.
Официалното съветско изкуство, социалистическият реализъм, маслената живопис, която все още беше необичайна за Китай (за разлика от традиционната китайска живопис с мастило) през 50-те години бяха на върха на популярността, а съветският художник Константин дойде в Пекинския университет по изкуствата за три години ( от 1954 до 1957 г.) да преподава Методиевич Максимов. Джин Шани, който по това време беше най-младият в групата, влезе в неговия клас. Художникът винаги си спомняше учителя си с голяма топлота, казвайки, че именно Максимов го е научил правилно да разбира и изобразява модела. К. М. Максимов образова цяла плеяда китайски реалисти, вече класици.
В работата на Джин Шани се усеща влиянието както на съветския „суров стил“, така и на европейската школа по живопис. Художникът отделя много време за изучаване на наследството на Ренесанса и класицизма, докато счита, че е необходимо да се запази китайският дух в творбите му. Картината „Таджикска булка“, нарисувана през 1983 г., се смята за общопризнат шедьовър, нов етап в творчеството на Джин Шани. Той беше изложен на търга на China Guardian през ноември 2013 г. и беше продаден няколко пъти по-скъпо от прогнозата - за 13,89 милиона долара, като се вземе предвид комисионната.
19. БАНКСИ Разложен парламент. 2008. 12,14 милиона долара
Стенописи, маркирани с Банкси, започнаха да се появяват на градските стени (първо в Обединеното кралство, а след това и по целия свят) в края на 90-те години. Неговите философски и в същото време остри графити бяха посветени на проблемите на офанзивата на държавата срещу свободите на гражданите, престъпленията срещу околната среда, безотговорното потребление и нечовечеството на системата за нелегална миграция. С течение на времето "упреците" на стената на Банкси придобиха безпрецедентна популярност в медиите. Всъщност той се превърна в един от основните говорители на общественото мнение, осъждайки лицемерието на държави и корпорации, произвеждайки нарастваща несправедливост в капиталистическата система.
Стойността на Банкси, усещането за „нерва на времето“ и точността на метафорите му бяха оценени не само от зрителите, но и от колекционерите. През 2010 г. за творбите му са дадени стотици хиляди или дори повече от един милион долара. Стигна се дотам, че графитите на Банкси бяха разбити и откраднати заедно с парчета от стените.
В ерата на усъвършенстваното цифрово наблюдение Банкси все още успява да остане анонимен. Има версия, че това вече не е един човек, а група от няколко артисти, начело с талантлива жена. Това би обяснило много. И външното различие на сценаристите, попаднали в обективите на камерите на свидетели, и безличният метод на нанасяне на шаблони (дава висока скорост и не изисква прякото участие на автора), и трогателната романтика на сюжетите на картини (топки, снежинки и др.). Както и да е, хората от проекта Банкси, включително неговите помощници, знаят как да държат езика си здраво.
През 2019 г. най-скъпата работа на Банкси неочаквано стана четириметровото платно Devolved Parliament („деградирал“, „разграден“ или „делегиран“ парламент). Шимпанзетата, спорещи в Камарата на общините, изглежда подиграват зрителите в годината на скандалния Брекзит. Удивително е, че картината е нарисувана 10 години преди този исторически поврат и затова някой я смята за пророческа. На търг на Sotheby’s на 3 октомври 2019 г., по време на ожесточена сделка, неизвестен купувач купи това масло за 12 143 000 долара - шест пъти повече от предварителната оценка.
20. ДЖОН КАРЪН „Хубаво и просто“. 1999. 12,007 милиона долара
Американски художник Джон Къран (1962)известен със своите сатирични фигуративни картини на провокативни сексуални и социални теми. Творбите на Curren успяват да съчетаят техниките на рисуване от стари майстори (особено Lucas Cranach the Elder и маниеристите) и модна фотография от лъскави списания. Стремейки се към по-голяма гротеска, Кърън често изкривява пропорциите на човешкото тяло, увеличава или намалява отделните му части, изобразява герои в счупени, възпитани пози.
Curren започва през 1989 г. с портрети на момичета, прерисувани от училищен албум; продължи в началото на 90-те години със снимки на едри красавици, вдъхновени от снимки на Cosmopolitan и Playboy; през 1992 г. се появяват портрети на заможни възрастни жени; и през 1994 г. Кърън се жени за скулпторката Рейчъл Файнщайн, която се превръща в негова основна муза и модел в продължение на много години. Към края на 90-те години техническото майсторство на Кюрен, съчетано с кича и гротеската на картините му, му донесе популярност. През 2003 г. Лари Гагосян се заема с промоцията на художника и ако такъв дилър като Гагосиан поеме автора, тогава успехът е гарантиран. През 2004 г. имаше ретроспекция на Джон Кърън в музея Уитни.
По това време той започна да се продава за шест цифри. Настоящият рекорд за рисуване от Джон Кърън принадлежи на произведението "Хубаво и просто", продадено на 15 ноември 2016 г. в Christie's за $ 12 млн. Картината с две голи части едва преодоля долната граница на оценката от $ 12-18 млн. И все пак, за Джон Кърън, който вече е над 50, това определено е пробив в кариерата. Предишният му рекорд през 2008 г. беше 5,5 милиона долара (платени между другото за същата работа „Хубаво и просто“).
21. БРИС МАРДЪН Присъстващите. 1996-1999. 10,917 милиона долара
Друг жив американски абстракционист в нашата класация е Брайс Марден (1938). Творбите на Марден в стила на минимализма, а от края на 80-те години - жестова живопис, се открояват с уникална авторска, леко заглушена палитра. Цветовите комбинации в творбите на Марден са вдъхновени от пътешествията му по света - Гърция, Индия, Тайланд, Шри Ланка. Сред авторите, оказали влияние върху формирането на Марден, са Джаксън Полок (в началото на 60-те години Марден работи като охрана в Еврейския музей, където лично наблюдава „капенето“ на Полок), Алберто Джакомети (запознава се с неговите творби в Париж) и Робърт Раушенберг (някои докато Марден работи като негов асистент). Първият етап от работата на Марден е посветен на класически минималистични платна, състоящи се от цветни правоъгълни блокове (хоризонтални или вертикални). За разлика от много други минималисти, постигнали идеалното качество на произведенията, сякаш отпечатани от машина, а не нарисувани от човек, Марден запазва следи от работата на художника, комбинира различни материали (восък и маслени бои). От средата на 80-те години, под влиянието на ориенталската калиграфия, геометричната абстракция е заменена от криволичещи, подобни на меандър линии, за които същите едноцветни цветни полета служат като фон. Едно от тези „меандър“ произведения - „The Attended“ - на търга на Sotheby's през ноември 2013 г. е продадено за 10,917 милиона долара, като се вземе предвид комисионната.
22. Пиер Сулаж Peinture 186 x 143 cm, 23 декември 1959. 10,6 милиона долара
23. ZHANG XIAOGAN Вечна любов. 10,2 милиона долара
Друг представител на китайското съвременно изкуство - символист и сюрреалист Джан Сяоганг (1958)... На търг на Sotheby's в Хонг Конг 3 април 2011 г.където е продаден китайският авангард от колекцията на белгийския барон Гай Уленс, триптихът на Джан Сяоганг "Вечна любов" е продаден за $ 10,2 милиона... По това време това е рекорд не само за художника, но и за цялото китайско съвременно изкуство. Твърди се, че произведението на Сяоган е закупено от съпругата на милиардера Уанг Вей, която е на път да отвори собствен музей.
Джан Сяоганг, обичащ мистиката и източната философия, пише историята на „Вечната любов“ в три части - живот, смърт и прераждане. Този триптих е представен в култовата изложба от 1989 г. „Китай / авангард“ в Националния художествен музей. През същата 1989 г. студентските демонстрации бяха брутално потушени от военните на площад Тянанмън. След това трагично събитие започва затягането на винтовете - изложбата в Националния музей е разпръсната, много художници емигрират. В отговор на социалистическия реализъм, наложен отгоре, се появи посока на циничния реализъм, един от основните представители на който беше Джан Сяоган.
24. БРУС НАУМАН Безпомощен Хенри Мур. 1967. 9,9 милиона долара
американски Брус Науман (1941), носител на главната награда на 48-то биенале във Венеция (1999), отдавна върви към своя рекорд. Науман започва кариерата си през шейсетте години. Ценителите го наричат, заедно с Анди Уорхол и Джоузеф Бойс, една от най-влиятелните фигури в изкуството от втората половина на ХХ век. Въпреки това, богатата интелектуалност и абсолютното декориране на някои от неговите творби очевидно възпрепятстваха бързото му разпознаване и успех сред широката публика. Науман често експериментира с език, откривайки неочаквани значения на познати фрази. Думите стават централни герои в много от творбите му, включително псевдо неонови знаци и пана. Самият Науман се нарича скулптор, въпреки че през последните четиридесет години се е опитвал в напълно различни жанрове - скулптура, фотография, видео изкуство, пърформанси, графика. В началото на деветдесетте години Лари Гагосян произнася пророчески думи: „Истинската стойност на работата на Науман все още предстои да бъде осъзната“. И така се случи: 17 май 2001 г. в работата на Кристи от Науман 1967 "Безпомощен Хенри Мур (изглед отзад)" (Henry Moore Bound to Fail (Backview)) постави нов рекорд в следвоенния сегмент на изкуството. Гипс от ръцете на Науман, вързани зад гърба му от гипс и восък, отиде под чука за $ 9,9 милиона към колекцията на френския магнат Франсоа Пино (според други източници, американката Филис Ватис). Прогнозата за работата беше само 2-3 милиона долара, така че резултатът беше истинска изненада за всички.
Преди тази легендарна продажба само две от творбите на Науман надминаха бара от милион долара. И в цялата му аукционна кариера досега само шест творби, в допълнение към „Хенри Мур ...“, отидоха за седемцифрени суми, но резултатите от тях все още не могат да бъдат сравнени с девет милиона.
Безпомощният Хенри Мур е една от поредицата полемични творби на Науман за фигурата на Хенри Мур (1898–1986), британски художник, който през 60-те години е смятан за един от най-великите скулптори на ХХ век. Млади автори, които бяха в сянката на признатия майстор, се нахвърлиха върху него с яростна критика. Работата на Науман е отговор на тази критика и същевременно размисъл по темата за творчеството. Заглавието на произведението се превръща в игра на думи, тъй като свързва двете значения на английската дума bound - bound (буквално) и обречена на определена съдба.
Внимание! Всички материали на сайта и базата данни с резултатите от търга на сайта, включително илюстрирана справочна информация за произведенията, продадени на търговете, са предназначени за използване единствено в съответствие с чл. 1274 от Гражданския кодекс на Руската федерация. Не се разрешава използване за търговски цели или в нарушение на правилата, установени от Гражданския кодекс на Руската федерация. сайтът не носи отговорност за съдържанието на материали, подадени от трети страни. В случай на нарушаване на правата на трети страни, администрацията на сайта си запазва правото да ги премахне от сайта и от базата данни въз основа на искане от упълномощения орган.
