Руска живопис от сребърния век. Руската живопис на тенденциите в сребърната епоха в рисуването на сребърния век на руската култура
19.2. Живопис и музика от "Сребърен век"
19.2.1 Живопис: от „Светът на изкуството“ до авангард. Художниците от света на изкуството бяха отблъснати от академизма и склонността на Скитниците и те отстояваха иновациите в живописта. Повечето от тях принадлежаха към наследствени артистични семейства и виждаха своята мисия в разпространяване на висока култура в обществото, запазване на художествените традиции и художествения вкус. „Светът на изкуството“, пише П. Н. Милюков, „... също отблъсква не по-малко рязко от обвинителните тенденции и като цяло от гражданските идеи в изкуството и от доминиращите реалистични и позитивистки светогледа в предишното поколение“. Начело на групата „Светът на изкуството“ бе художникът А. Н. Беноа, който беше негов идеолог и теоретик. В своята „История на изкуството“ през 1902 г. той пише: „Чести изложби на чуждестранни художници, организирани в Санкт Петербург и Москва, общата наличност на пътувания в чужбина, разпространението на илюстровани публикации за изкуството- всичко това ни приближи до Запада. " Всичко това допринесе за факта, продължава Бенуа, че изискванията за боядисване се увеличават неизмеримо и се откриват имаше ниско художествено ниво на нашата живопис. Бе формулирана цел- повдигнете чисто сценичната страна артистиченработи над съдържанието. В същото време в музиката възникват подобни изисквания - да се издигне чисто звучната страна над програмата „ ammoy ”на музикално произведение. Но критиката на Itinerants не се ограничаваше само до критиката на тяхната форма, мирогледа им и техния реализъм бяха остро критикувани. Задачата на новото училище беше отхвърляне на реализма, отхвърляне на макар и на деня.
Художниците от тази група (Беноа, Ланрайрай, Сомов) се фокусираха върху изучаването на миналото на петербургското изкуство и от него преминаха към изучаването на френското изкуство от 18 век.
Художници от друго общество се обърнаха към произхода на руското изкуство- „Съюз на руските художници“ (1903 - 1923), в който е включен и К. F. Юон (1875 - 1958), Ф. И . Малявин (1869 - 1940), S. В. Малютин (1859 - 1937), А. E. Архипов (1862 - 1930) и др. Те се характеризират с интерес към родната си природа и отличителните черти на руския народен живот, декоративни живописности и апел към пленера.
Н. К. Рьорих тръгна по своя път (1874 г.)- 1947 г.). По неговия пример П Н. Милюков обяснява космополитизма на редица руски художници от сребърната епоха. „Археолог по професия,- пише Милюков за Рьорих, - той е оставил настоящето не в историята, а в праисторическа легенда. Тук, в пълна откритост, той разгърна таланта си като колорист. Пред пренебрегване на линията заради боя, покриване с боя цели плоскости без нюанси- тези методи на импресионизъм намериха широко приложение в картината на Рьорих ”. Милюков подчертава, че с течение на времето елементът на мистериозното относно. Стилизацията, която напредва сред някои декоратори, се превърна в основния закон на Рьорих.
Картината от Сребърната епоха беше мулти-стилна, но импресионизмът заемаше съществено място в нея. Под влияние на импресионистите К. А. Коровин пише своите картини (1861 г.)- 1939 г. - емоционални пейзажи („През зимата“), жанрови картини („На балкона“) и цветни театрални декори. Постимпресиониститеповлияли на В. E. Борисов - Мусатова (1870 - 1905 г.), оригиналният художник ("Езерце"), неоромантик, чиито картини са с любимия елегичен пейзаж- парк, тихи, мистериозни жени, сякаш сенки от миналото - лесно се разпознават.
Изтънчеността и полисемията на човек в началото на века намериха своето въплъщение в портретите на неговите съвременници, рисувани от К. А. Сомов, В. А. Серов, К. А. Коровин. Водещият художник на света на изкуствата Сомов беше син на куратора на Ермитажа, получи отлично образование, завърши Академията на изкуствата и посети Европа много. Той създава серия от графични портрети на своите съвременници– интелектуаленелит: А. Блок, Ф. Сологуба, М. Кузьмина, В. Иванова, Е. Lanceray, M. Добужински и др. В. И . Серов е автор на портрети на актрисата М. Н. Ермолов о, писателят М. Горки, К. А. Коровин- портрети на Ф. И. Шаляпин, аз. И. Левитан. Портретите, създадени от художниците от Сребърната ера, не са просто портрети на реални хора, те са галерия от творчески хора от епохата, които въплъщават идеалите на художниците в живота си.
М. А. Врубел (1856 - 1910) започва своята дейност през 80-те години на ХІХ век. Той гравитираше към символичното и философско обобщение на образите, често приемаше трагичен цвят. На съвременниците си Врубел изглеждаше като непознат от друго време. Казваше се картината му „Магия“ и произходът на нейната магия се състоеше в това, че изисканият поглед на художника „проникваше“ до самите дълбини.
Класически пример- късна работа „Перлената обвивка“. Да забравим за русалките, които художникът постави в нея - магията не е толкова много в тях колко се предава текстурата на черупката, чудесата на нейното преливане ... Врубел твърди, че смисълът тук не е в цветовете, а в сложността на структурата на седеф.- „точно прехвърлянето на чертежа на онези най-малки планове, от които е създадена форма във въображението ни, о обемът на обекта и цветът ". Многобройни "люляци"- прилики на някаква архитектура на аметист; лебедови крила с назъбени пера - такъв лебед е готов да се превърне в принцеса; трънливи гъсталаци от репей - такива бодили са живи, сякаш говорят (картина "Към нощта"). Художникът се задълбочи в тъкането на стъбла, смърчови клони, структурата на ледени кристали, които образуват шарки върху стъклото през зимата, подобно на папрати, орнаментиране на скали, трептене на тлеещи светлини. И всички тези природни явления, срещани на всяка стъпка и, обаче, толкова слабо забелязани от автоматизирано зрение, прерастваха под погледа на художника в един изключителен фантастичен свят.
Представители на авангарда са В. В. Кандински (1886 г.)- 1944 г.), чиито абстрактни композиции се характеризират с комбинация от цветни петна и счупени линии („Проблеми ое "), K.S. Малевич (1878 г.)- 1935 г.), основоположник на един от видовете абстрактно изкуство - супрематизъм, автор на „Черен квадрат“, P. Н. Филонов (1883 - 1941), който се стреми символично да изрази законите на процесите на световната история („Празникът на царете“), М. Шаг ал (1887 - 1985), който създава произведения на фолклорни и библейски теми, цветни и радостни. („Аз и селото“, „Над Витебск“, „Сватба“). Въпреки изразеното индивидуалносттворчески маниер на всеки един от тези художници, характерен за sekh бяха асоциални, самостоятелна форма, абсолютизация на творческото „Аз“. Целта им беше да проникнат в подсъзнанието- област, която все още не е достъпна за знанието.
М. Ф. Ларионов рисува техните платна по примитивистки начин (1881 г.)- 1964 г.) и Н. ОТ. Гончаров (1881 - 1962). Те създават жанрови картини: Ларионов е животът на провинциална улица и войнишки казарми, а този на Гончарова е живот на селянин. Формите на техните произведения са плоски и гротескни, стилизирани като детска рисунка. Ларионов вярва откривателятоси и двете посоки в абстракционизма- районизъм. През 1913г. той издаде книга, наречена Районизъм. Милюков нарече тези художници „руски новатори“, които не само догониха Запада в работата си, но и се опитаха да го изпреварят.
Процесите, които се развиват в началото на века в рисуването, бяха еднакво интензивни в музиката и литературата.
19.2.2 Музика... През този период такива изключителни композитори като S.V. Рахманинов, А.Н. Скрябин, I.F. Стравински. След като напуска Русия през 1917 г., S.V. Рахманинов (1873-1943) прекарва остатъка от живота си в изгнание и е много у дома за родината си, темата за която става основна тема в творчеството му. Той е автор на прекрасни творби: четири концерта за пиано и оркестър, прелюдии, етюди-картини, три симфонии, Симфонични танци за оркестър, опери „Алеко“, „Коветен рицар“, „Франческа да Римини“, „Литургия на Йоан Златоуст“, „Целодневно бдение“ и романси. Музикалните му композиции съчетават мелодията и възвишената емоционалност. РахманиновЕ един от най-големите пианисти в света.
В музиката на друг изключителен композитор от Сребърната ера- И . Н. Скрябин (1871-1915), преходът от реализъм към импресионизъм и от и експресионизъм към експресионизъм. В работата на Скрябин се проявява стремеж към неизвестни космически сфери. Новатор на музикалните изразителни средства, Скрябин разработва идеята за светлината и музиката и за първи път в музикалната практика въвежда частта от светлината в симфоничната поема „Прометей“.
I.F. Стравински (1882-1971)– авторбалети"Магданоз", "Пролетсвещен ", "Heat- птица ", сроденотезическиархаичен, рускифолклориритуал. ПОНа РусияСтравинскиживялпреди 1914 r., итогава– задграница. Композициитойпреподаван. А. Римски-Корсаков, до 1911 г. негови музикални образци са Н. А. Римски-Корсаков и А. К. Глазунов (1865-1937), автор на балет "Раймонда". В различни периоди от живота си Стравински се насочва към различни музикални течения: нео-фолклоризъм, древна полифония и додекафония. Италианският писател А. Моравия пише, че Стравински, Пикасо и Джойс „отвориха вратата към културата на ХХ век“.
През първите десетилетия на XX век. в Русия създадоха свои произведения и класики на по-старото поколение. НА. През този период Римски-Корсаков написа три чудесни приказни опери: „Косчей безсмъртен,„ Легендата за невидимия град Китеж ... “,„ Златният петел “. Работата на S.I. Танеев (1856-1915) (кантата „Йоан от Дамаск“ и „След като прочете псалма“).
Въведение
Рунът на 19-20 век. - специален, критичен период за Русия. Икономически бум и кризи, загубена световна война 1904-05. и революции от 1905–07, първата световна война от 1914–18. и, като следствие, революциите през февруари и октомври 1917 г., които свалят монархията, а след това и управлението на буржоазията. В обществото усещането за неизбежността на социална криза и необходимостта от промяна на ценностите ставаше все повече и повече. Популистката идеология се срина. Започна търсенето на нови идеологически концепции на социалното развитие.
Духовният живот на Русия отразява социалните противоречия на епохата и противоречията на руската социална мисъл. В обществото се усеща катастрофизъм на времето, пълнота на културата. На тази основа в литературата и изкуството възникват апокалиптични мотиви. След това обаче Русия премина през период на плодотворно и динамично културно развитие. Това беше период на духовен ренесанс, обновление. Философът Н. А. Бердяев нарече този период в историята на руската култура „сребърен век“.
За художниците от края на века са характерни различни начини на изразяване от тези на Itinerants, други форми на художествено творчество, в образи, които са противоречиви, сложни и само косвено отразяват модерността, без илюстративност и разказ. Художниците болезнено търсят хармония и красота в свят, коренно чужд както на хармонията, така и на красотата. Ето защо мнозина виждаха своята мисия във възпитанието на чувството за красота. Това време на „навечерието“, очакванията за промени в социалния живот породиха много тенденции, асоциации, групировки, сблъсък на различни мирогледи и вкусове.
Сребърната ера придоби широка интерпретация и започна да се използва за характеризиране на определени културни процеси, протичащи в Русия през този период. В края на краищата същите идеи, мотиви, настроения се подхранваха, наред с литературното творчество, също музикални и театрални, визуални изкуства, отекващи едновременно с търсенията на руската религиозно-философска мисъл. В същото време Сребърната епоха не само отразява съществуващите исторически условия чрез философски и художествени средства, но, оформяйки се въз основа на нов мироглед, само по себе си създава нов стил на мислене и в известен смисъл - нова социалност, която дава възможност да се определи като култура.
Произход и понятие за символика
Древногръцката дума „символ“ първоначално се е наричала монета, разделена на две. Двама души, които имаха половината от тази монета, всеки можеха да се разпознаят, когато се срещнаха, като сложиха двете части. С течение на времето обаче символът от прост идентификационен знак се превърна в едно от най-сложните, просторни, дълбоки концепции на световната култура на изкуството и философията. Невъзможно е темата за символиката да се впише в рамките на определена школа, посока, стил, маниер ... по-скоро това е общ диахронен раздел от развитието на цялата световна художествена култура от древни времена до наши дни.
Основните принципи на символизма са напълно изчерпани от концепцията за "символ". Символ е на първо място универсално понятие, универсален образ, знак, редица значения, значенията на които са безкрайни, като самата Вселена. В изкуството символизмът е опит на човек да изрази неефективното, трансцендентното, интуитивно да почувства бездната, която е извън видимия свят с ограничените средства на разума. Творците, художници на символизма, се считат за посредници между истинското и свръхсетивното, навсякъде има признаци на световна хармония, пророчески отгатвайки знаците на бъдещето, както в съвременните явления, така и в събития от далечното минало. Следователно символичното в известен смисъл е синоним на свещеното.
Като посока символиката във визуалните изкуства се оформя едновременно със символизма в литературата през 60-те и 70-те години. 19 век, в ерата на упадъка. Характерните черти на символизма обаче се появяват много по-рано: цялата иконопис и живопис от Средновековието имаха дълбоко символичен характер.
Основните мотиви на символизма във визуалните изкуства са вечните теми: смърт, любов, страдание.
Руската символика има свой особен отличителен характер, тя е уникален крайъгълен камък в историята на световната култура. Появата на символизма в Русия в края на 19 век се свързва преди всичко с дейността на така наречените висши поети символисти и публицисти Д. Мережковски и З. Грипиус; отчасти Валери Брюсов. Символиката на Мережковски и Гриппий е преди всичко християнска, религиозна и мистична символика, разбирането на символизма, като акт на познание на Бога.
Най-ярките предшественици на руската символика могат с право да бъдат наречени F.M. Достоевски и философът С.М. Соловьов. Последният също беше поет и чрез поетичната си интерпретация на учението на София Премъдростта Божия определи особеностите на развитието на основната посока на руската литературна символика от Гриппий и Блок. За разлика от своите предшественици, те проследяват термина „символика“ до гръцки източник, заобикаляйки френския език. В разгара на спорове Блок дори забеляза, че руската символика само по случайност носи същото гръцко име като френската посока.
Ставам художник от Сребърния век
Именно през 80-те години на 19 век, в ерата на духовна стагнация, започва да се оформя нов тип художник. Появиха се наследствени интелектуалци, идващи от професорски семейства или от творческата среда.
Художникът престана да се възприема като занаятчия, той стана господар на мислите. Той беше блестящо образован човек. Творческият универсализъм се превърна в отличителна черта на художника от сребърната ера. Копнежът за универсализъм не съживява старата романтична идея за синтеза на изкуствата. Сребърната ера предлага много възможности за неговото въплъщение: в Арт Нуво, в дейностите на „Светът на изкуството“ ...
Универсализмът обаче не се отнасяше само до овладяването на свързани специалности. Тя се прояви в желанието на художника да изведе творчеството извън тесните професионални рамки на непосредствената си специалност. На първо място философията беше обект на постоянни хобита на художниците от сребърната ера. Имаме предвид не само факта, че повечето модернисти имат художествена критика, философско-естетически и философски произведения, но и философско-концептуалният характер на съдържанието на техните произведения на изкуството, в резултат на което трябва да ги класифицираме като философски настроени художници.
Художникът, „оформяйки“ реалността на идния век, създава нов мит. Отклонявайки се от събитието, той създава не илюстрация на изобразеното, а символичното му предаване, поетичен еквивалент. Художествената литература се превръща в своеобразна легенда за живота, начин за разбиране на скритите му основи и закони.
Така митопоетичното светоусещане, поетично и емоционално преживяване на света, което е по-скоро в съответствие с духа на времето, отколкото отразяващото и дискурсивното му асимилиране, се завръща в културата. Митологизираното възприятие на света и мисленето, диалектически свързано с него чрез символи, стимулира интереса към традиционното народно изкуство, освободено от прякото емпирично възпроизвеждане на заобикалящата действителност. В старите култури привлече ламфологичната концепция за света, неговото цялостно и хармонично възприятие. Въпреки това, неомитологизмът коренно се различава от митологията като форма на наивно-поетично мислене от древността.
Така опитът на архаичните епохи в културата и за художника се наслагва върху опитите на съвременното изкуство да проникне в най-дълбоките вдлъбнатини на вътрешния свят на човека. Благодарение на специално усещане и специално осъзнаване на настоящето, художникът от Сребърната епоха се формира.
Периоди от историята на руската символика от сребърния век. Хронология на развитието
Символизмът в Русия се появи за три времеви периода:
Първият обхваща средата на 1880-1900-те години. - времето на раждането и развитието на символистичните тенденции в творчеството на членовете на Абрамцево кръг и художници от Москва, сдружение „Светът на изкуството“;
Вторият период е ограничен до 1900-14. - разцвета на символисткото движение в литературата, театъра и пластичните изкуства, когато Врубел, Борисов-Мусатов, майсторите на света на изкуството и младежта на Синята роза, и когато принципите на символизма са били уникално въплътени в творбите на ранния руски авангард;
Третият е свързан с ерата на Първата световна война и революцията, започнала в Русия (1914-1920 г.) - неразделна в нейните проблеми и постижения.
Евангелските платна на V.G. Перова, Н.Н. Ге, религиозни и исторически картини на покойните академици В. П. Верещагин, Г.И. Семирадски, П.А. Сведомски и др. През 1880-те - 90-те години. тази тенденция да предаде „вътрешната истина“ и живият, емоционален опит на автора ще намери своето развитие в религиозните произведения на М.А. Врубел, В.М. Васнецова, И.Е. Репин.
През 1880-те, в разгара на триумфа на пътуващото движение, се появяват ранните символистични произведения на М.А.Врубел. Дуализмът прониква в работата му; тя едновременно проявяваше почитането на естествената философия на Гьоте и дуализма на Кант, Шопенхауер и Ницше. Почти по същото време художникът рисува светиите и Демона, олицетворение на теомахията. Автор на възвишени и абстрактни модели, той е омагьосан от микрокосмоса на растенията, орнаменталните модели. През 1880-те. И. И. Левитан, С. В. Малютин, А. Я. Golovin, V.E. Борисов-Мусатов, К. А. Сомов, А. Н. Benois, L.S. Бакст и др.
Прегледът на руската символика става през 1896-97. в „Изложба на експерименти (скици) на художественото творчество“, в която взеха участие Репин, Васнецов, Поленов, Головин, Нестеров, Сомов. Символизмът с неговия култ към незавършеност се характеризираше с самата идея за подобна изложба.
През 1890-те. мечтата за обединяване на писатели и художници бе осъществена за кратко в редакцията на списание „Светът на изкуството“: стиховете и прозата на Мережковски, Балмонт, Сологуб бяха отпечатани в дизайна на Беноа, Бакст, Лансер. Много от техните винетки, окончания, предмети на главата са признати шедьоври на символистичната графика.
E години. даде широк спектър от търсения по отношение на символизма, развиващ се, ще бъде постоянен и популярен в следващите две десетилетия от развитието на тази тенденция.
Руската символика във визуалните изкуства, както беше на Запад, не даде нито един стилистичен поток (малко изключение е групата на „Набидите“ и участниците в изложението „Синя роза“).
Характеристики на жанровата живопис на прага на 19 и 20 век.
С кризата на популисткото движение през 90-те години. много от пътуващите художници преживяха творчески упадък. Сложните жизнени процеси доведоха до многообразието на формите на артистичния живот през тези години.
Широкият свободен стил на рисуване е резултат от еволюцията в развитието на изобразителните средства във всички жанрове в началото на века. В търсене на „красота и хармония“ художниците се опитват в най-различни техники и видове изкуство - от монументална живопис и театрални декори до дизайн на книги и декоративно-приложно изкуство.
В началото на века се появи стил, който засегна всички пластични изкуства, наречен стил Арт Нуво. Това явление е двусмислено, в съвременността има и упадъчна претенциозност, претенциозност, предназначена главно за буржоазни вкусове, но има и стремеж към единство на стила, което се прочува само по себе си. В живопистата Арт Нуво се показа като символика на образите, страст към алегории.
През 90-те. се развива жанрова живопис. Селската тема се разкрива по нов начин. Схизмата в селската общност категорично се отрича от Сергей Алексеевич Коровин (1858-1908) в картината „По света“ (1893).
Абрам Ефимович Архипов (1862-1930) успя да покаже безнадеждността на съществуването в тежко изтощително произведение в картината "Миещи се" (1901). Той постигна това до голяма степен благодарение на нови изобразителни открития, ново разбиране на възможностите на цвета и светлината.
Липсата на съгласие, „подтекст“, добре открит експресивен детайл правят картината на Сергей Василиевич Иванов (1864-1910) още по-трагична
Иванов е собственик на едно от произведенията, посветени на революцията от 1905 г. - „Стрелба“.
Импресионистичната техника на „частичната композиция“ на случайно грабната рамка е запазена и тук. Иванов се характеризира с остри контрасти на светлината и сенките, изразителен контур на предмети, добре позната равнина на изображението. Езикът му е лапидарен.
През 90-те. 19 век Изкуството включва художника, който прави работника главен герой на неговите произведения. През 1894г. Картина на Н.А. Касаткин (1859-1930) „Миньор“, през 1895 - „Миньори. Промяна ".
Андрей Петрович Рябушкин (1861-1904) работи повече в исторически и ежедневен, отколкото чисто исторически жанр. „Руски жени от 17 век в църквата“ (1899),
„Сватбен влак в Москва. 17 век “(1901 г.) и други - това са ежедневни сцени от живота на Москва през 17 век. Рябушкин беше привлечен от този век със своята елегантност от натруфен, полихром, декоративни модели. Стилизацията на Ryabushkin се отразява в плоскостта на изображението, в специалната структура на пластичния и линеен ритъм, в оцветяването, изградено върху ярки основни цветове, в общото декоративно решение.
Аполинарис Михайлович Васнецов (1856-1933) също обръща много внимание на пейзажа в историческите си композиции.
Любимата му тема също е 17-ти век, но не ежедневните сцени, а архитектурата на Москва. „Москва в края на 17 век. На разсъмване при Възкресетелната порта ”(1900 г.).
Филип Андреевич Малявин (1869-1940) създава нов тип живопис, в който фолклорните художествени традиции са овладени по напълно специален начин и преведени на езика на съвременното изкуство. Образите му на "жени" и "момичета" имат определено символично значение - на здрава почва Русия. Снимките винаги са изразителни. „Смях“ (1899), „Вихър“ (1906)
Картината е метеща, ефирна с текстурирани четки. Малявин комбинира експресивен декоратизъм с реалистична вярност към природата в своята картина.
Михаил Василиевич Нестеров (1862-1942) се спря на темата за Древна Русия, като редица майстори преди него, но образът на Русия се появява в картините като един вид идеален, почти омагьосан свят, в хармония с природата. Това остро усещане за природата, наслада пред света, пред всяко дърво и трева е особено ясно изразено в едно от най-известните произведения на Нестеров - „Видение към младежа Вартоломей“ (1889-1890), „Христова булка“ (1887). Нестеров направи много монументална религиозна живопис. Картините винаги са посветени на староруската тема. В стенописите на Нестеров има много реални наблюдателни знаци, особено в пейзажа, портретни черти - в изобразяването на светци. В стремежа на художника към плоска интерпретация на композицията от елегантност, орнаментика, изискана изтънченост на пластичните ритми се проявява безспорното влияние на модерността. За Нестеров пейзажът играе една от основните роли.
Жанрът на пейзажа се развива по нов начин в края на 19 век. Нова дума в началото на века трябваше да кажат редица художници.
Още в ранните пейзажи на Константин Алексеевич Коровин (1861-1939) са решени чисто живописни проблеми - да се рисува сиво на бяло, черно на бяло, сиво на сиво. За брилянтен колорист светът е бунт от цветове. Той се занимаваше както с портрет, така и с натюрморт, но любимият му жанр беше пейзажът. Той вкара в изкуството силните реалистични традиции на своите учители - това е различен поглед към света, той си поставя различни задачи. Той започна да рисува на открито рано. "В лодка"
„Зима в Лапландия“. Френските му пейзажи вече са доста импресионистично писани, с най-високата си етюдна култура. "Париж. Булевард Капуцини “(1906),„ Париж през нощта. Италиански булевард “(1908 г.). Коровин запазва същите черти на импресионистичния етюд, изобразителната маестрия, невероятната артистичност във всички останали жанрове, предимно в портрета и натюрморта, но също така и в декоративните пана, в приложното изкуство, в театралната природа. „Портрет на Шаляпин“ (1911), „Риба, вино и плодове“ (1916).
Валентин Александрович Серов (1865-1911) е един от най-важните художници, новатор на руската живопис в началото на века. Неговите „Момиче със Spersikami“ (1887) и „Момиче, озарено от слънцето“ (1888), представляват цял \u200b\u200bетап в руската живопис. Серов е възпитан сред видни личности от руската музикална култура - баща му е известен композитор, а майка му - известен пианист, учил е с Репин и Чистяков, изучавал е най-добрите музейни колекции в Европа. Горните портрети бяха нарисувани в Абрамцево и влязоха в изкуството със собствена светлина и поетичен поглед към света. В портретите на Серов има принципи на пленерната живопис. Така художникът изобразява хората в хармония със света, пълен с трепет и вътрешно движение. Цветовете са дадени в сложни взаимодействия помежду си. Серов се отклонява от критичния реализъм на своя учител Репин до „поетичния реализъм“ (терминът на Д. В. Сарабянов). За разлика от импресионистите, Серов никога не се разтваря в тази среда, така че се дематериализира, съставът му никога не губи стабилност, маса и винаги е в баланс.
Серов често пише представители на художествената интелигенция: писатели, художници и художници (портрет на Коровин 1891, Левитан 1892, Орлова (1910-1911), Ермолова 1905.
Той интерпретира всички поотделно, но всички те носят светлината на интелектуалната изключителност и вдъхновения творчески живот. Серов формира символичен образ, който предава значението на цяла епоха.
„Петър 1“ (1907 г.).
Тук Серов успява да представи бързото движение на царя и придворните абсурдно се втурват след него. Художникът се възхищава на оригиналността на своя герой.
Портрет, пейзаж, натюрморт, домакинство, историческа живопис: масло, гваш, темпера, въглен - трудно е да се намерят живописни и графични жанрове, в които Серов не би работил, и материали, които той не би използвал.
Специална тема в творчеството на Серов е селската. В неговия селски жанр има усещане за красотата и хармонията на селския живот, възхищение към здравата красота на руския народ. "В селото. Жена с кон ", пастел (1898)
Особено живописни са зимните му пейзажи със сребърно-перлена гама от цветове „Зима“.
Серов постоянно търсеше нови форми на художествена реализация на реалността. Вдъхновени от Арт Нуво, идеите за плоскост и повишена декоративност бяха отразени не само в исторически композиции, но и в неговия портрет на танцьорката Ида Рубинщайн
Показателно е, че Серов в края на живота си се обръща към античния свят. Изнасилването на Европа (1910). Художникът е многостранен в своята еволюция от импресионистичната автентичност на портрети и пейзажи от 80-90-те. до модерността в исторически мотиви и композиции от античната митология.
Творческият път на Михаил Александрович Врубел (1856-1910) беше по-директен, макар и в същото време необикновено труден. Започвайки от университета в Санкт Петербург, където завършва Юридическия факултет, до Академията за изкуства. Врубел има мистериозен и почти демоничен стил на писане. Този стил не може да бъде объркан с никой друг. Той извайва форма, подобна на мозайка, от остри „фасетирани“ парчета от различни цветове, сякаш светещи отвътре („Момиче на фона на персийски килим“ 1886, „Fortuneteller“ 1895)
Цветовите комбинации не отразяват реалността на връзката на цвета, но имат символично значение. Природата няма власт над Врубел. Той я познава, перфектно я притежава, но създава свой собствен фантастичен свят, не много подобен на реалността. В този смисъл Врубел е антипод на импресионистите, защото по никакъв начин не се стреми да улови пряко впечатление от реалността. Той гравитира към литературни сюжети, които интерпретира абстрактно, като се стреми да създаде образи с вечна, огромна духовна сила („Танцът на Тамара“, „Не плачи дете, не плачи напразно“, „Тамара в ковчег“ и т.н.). През 1890 г. той създава своето „Демоносно седене“ - произведение, всъщност безплодно, но образът е вечен. Образът на Демона е централният образ на всички произведения на Врубел, основната му тема. "Летящ демон" 1899, "Демон победен" 1902.
Демонът на Врубел е страдащо същество. Страданието надделява над злото и това е особеността на национално-руската интерпретация на образа. Съвременниците видяха в неговите „Демони“ символ на съдбата на интелектуалец - романтик, бунтарски се опитва да избяга от реалност, лишена от хармония, в нереален свят на мечтите. Тази трагедия на възприемането на Врубел за света определя неговите портретни характеристики: психически раздор, разпадане на автопортретите му, бдителност, почти уплах, но също и великолепна сила, монументалност - в портрета на С. Мамонтов (1894), объркване и безпокойство - в приказния образ на „Лебедовата принцеса“ (1900)
Самият Врубел формулира своята задача - „да събуди душата със възхитителни образи от малките неща от ежедневието“. Магистър на хуманитарните науки Врубел „Автопортрет“ 1904г.
Споменатата вече Сава Мамонтов изигра много важна роля в живота на Врубел. „Портрет на Сава Мамонтов“ 1897г
В Абрамцево той направи много монументална и станкова живопис, обръща се към фолклора: към приказка, епос, резултатът от който беше панелът „Микула Селянович“, „Герои“. Художникът се опитва в керамиката, интересува се от езическата Русия и Гърция, Близкия изток и Индия - всички култури на човечеството, художествените техники на които се стреми да осмисли. И всеки път превръщаше впечатленията, които придобива, в дълбоко символични образи, отразяващи цялата оригиналност на отношението му.
Врубел създава най-зрелите си картини и графични произведения в началото на века - в жанра на пейзажа, портрета и книжната илюстрация. В организацията и декоративно-равнинната интерпретация на платното или листа, в съчетанието на истинското и фантастичното, в придържането към орнаменталните, ритмично сложни решения в произведенията му от този период, чертите на Арт Нуво все повече се утвърждават.
Подобно на Коровин, Врубел работи много в театъра. Произведенията, за които той написа пейзажа („Снежната девойка“, „Садко“ и др.), Направиха възможно „общуването“ с руски фолклор, приказки и легенда.
Творчеството Врубел по-ярко от другите отразява противоречията и болезненото хвърляне на епохата на крайъгълен камък.
Пряк представител на изобразителната символика е Виктор Елпидифорович Борисов-Мусатов. Той е един от първите ретроспективисти във визуалните изкуства на границата с Русия. Творбите му са елегична тъга за старите пусти „благородни гнезда“ и загиващи „черешови овощни градини“, за красиви жени, одухотворени, почти неземни, облечени в някакви вечни костюми, които не носят външни признаци на място и време.
Стабилните му произведения дори не приличат на декоративни пана, а гоблени. Пространството е решено изключително условно, плоско ("Гоблен"), фигурите са почти ефирни, както например момичетата в картината "Езерце" 1902 г., темпера.
Потопена в мечтана медитация, в дълбоко съзерцание. Избледнели, бледосиви нюанси на цвета засилват цялостното впечатление за крехка неземна красота.
Водещ художник на света на изкуството е Константин Андреевич Сомов (1869-1939).
Той получи отлично образование. Творческата зрялост му дойде рано, но в него се прояви известна двойственост - борба между мощен реалистичен инстинкт и болезнена емоционална перспектива. живопис символика сребърна епоха
Сомов, както го познаваме, се появява в портрета на Мартинова „Дамата в синьо“, 1897-1900 г., в картината-портрет „Ехо от миналото време“, 1903 г., където създава поетично описание на крехката, анемична женска красота на упадъчния модел, отказвайки да предаде реално ежедневни признаци на нашето време. Той облича моделите в стари костюми, придава на външния им вид чертите на тайно страдание, тъга и мечтаност, болезнена счупеност.
Сомов притежава поредица от графични портрети на съвременниците си - интелектуалния елит, в който използва една обща техника - на бял фон - в определена безвремийна сфера - той рисува лице, приликата в което се постига не чрез натурализация, а чрез смели обобщения и точен подбор на характерни детайли. Това отсъствие на признаци на време създава впечатление за статичност, скованост, студенина, почти трагична самота.
Художникът се характеризира с историцизъм, той е бягство от реалността. Не миналото, а драматизацията му, копнеж за неговата неотменимост - това е основният мотив. „Писмо“ 1896 г., „Резиденция на кафе“ 1897г
Другите произведения на Сомов са пасторални и галантни тържества, пълни с каустична ирония, духовна пустота, дори безнадеждност. Любовните сцени винаги са с нотка на еротика.
Сомов работи много като график. Книги, проектирани от него, като единен организъм със собствено ритмично и стилистично единство.
Идеологически водач на „Светът на изкуството“ беше Александър Николаевич Беноа (1870-1960) - необикновено многостранно талант. Художник, стационарен график и илюстратор, театрален художник, режисьор, автор на балетни либрети, теоретик и историк на изкуството, музикална фигура. Като художник той е свързан със Сомов по стилистични тенденции и страст към миналото. Версайските пейзажи на Беноа сливат историческата реконструкция на 17-ти век и съвременните впечатления на художника, неговото възприемане на френския класицизъм, френската гравюра. Оттук ясният състав, ясната пространственост, величието и студената строгост на ритмите, контрастиращи с величието на паметниците на изкуството и дребността на човешките фигури, които са единствен персонал сред тях. „Последните разходки на Луи 14“ 1896 - 1898 - първата серия Версай, а във втората серия има известна ирония, изрисувана с почти трагични нотки. Кралската разходка 1906г.
Беноа възприема природата в асоциативна връзка с историята. В поредица от картини от руското минало, поръчани от издателство „Кнебел“, в сцени от благороден, земевладелски живот от 18 век. Беноа създаде интимен образ на тази епоха, макар и донякъде театрална.
„Парад под Павел 1“ 1907г
Беноа, илюстраторът, е цяла страница в историята на книгата. Равнината на страницата не е самоцел за него. Илюстрациите бяха по-вероятно пълни независими произведения, не толкова „изкуство на книга“, колкото „изкуство в книга“.
Като театрален артист, Бенуа проектира спектаклите на руските сезони. Беноа, изкуствовед и историк на изкуството, е цял етап от историята на историята на изкуството.
Също в основата на „Светът на изкуството“ бе Лев Самуилович Бакст (1866-1924), който стана известен като театрален артист. На първите изложби той излага редица изобразителни и графични портрети, при които природата, попадайки в поток от условия на живот, се трансформира във вид идеална идея на съвременна личност. Това са портрети на Беноа, Бели, Сомов, Розанов, Гриппий, Дягилев.
В графиките на Бакст няма мотиви от 18 век. И имение теми. Той гравитира към античността и към гръцката архаика, интерпретирана символично. Картината „Древен ужас“, темпера, 1908 г. се радва на особен успех.
Скоро Бакст изцяло се впусна в театрално-декоративно творчество, а декорите и костюмите му за балетите от антрепресата на Дягилев, изпълнени с изключителен блясък, майсторски, артистично, му донесоха световна слава.
Особено може да се каже за Николай Константинович Рьорих. Имайки отлично образование, рано придобива авторитета на учен. Той беше привлечен от езическата славянска и скандинавска древност, Древна Русия. Наблюдаваха се стилистични тенденции и театрална декоративност. The Messenger, 1897, Старейшините се сближават, 1898, Зловещият, 1901.
Рьорих беше най-тясно свързан с философията и естетиката на руската символика, но изкуството му не се вписваше в рамките на съществуващите тенденции, тъй като тя, в съответствие с възприятието на художника за света, апелира, както би било, към цялото човечество с апел за приятелски съюз на всички народи. Оттук и специалният епичен характер на неговите платна.
След 1905 г. настроението на пантеистичен мистицизъм нараства в творчеството на Рьорих. Историческите теми отстъпват място на религиозните легенди. „Небесна битка“, 1912г.
Руската икона имаше огромно влияние върху Рьорих. „Клане при Керженец“, 1911г
Един от талантливите художници е Борис Михайлович Кустодиев (1878 - 1927), ученик на Репин. Характеризира се и със стилизация, но това е стилизацията на народни популярни щампи. Оттук светлите празнични „Панаири“, „Масленица“,
„Кабини“, оттук и картините му от буржоазния, търговски живот, предадени с лека ирония, но без да се възхищават на тези червенолици, полузаспали красавици при самовара и с чинийки в пълните си пръсти.
„Съпруга на търговеца“ 1915 г.,
„Жената на търговеца на чай“ 1918г.
Изкуството на предреволюционните години в Русия е белязано от изключителната сложност и противоречивост на художествените търсения, следователно последователните групировки със собствени програмни настройки и стилистични симпатии.
Работата на Кузма Сергеевич Петров-Водкин (1878-1939), художник-мислител, който по-късно става най-видният майстор на изкуството от съветския период, е блестящ свидетел на жизнеността на националните традиции, на голямата староруска живопис. В известната картина „Къпане на червения кон“ през 1912 г. художникът прибягва до изобразителна метафора. Както правилно беше отбелязано, младежът на яркочервен кон предизвиква асоциации с популярния образ на св. Георги Победоносец, а обобщеният силует, ритмична, компактна композиция, наситеност на контрастни цветни петна, звучащи с пълна сила, плоскост в интерпретацията на формите довеждат до ума древната руска икона. Работите на майстора са фокусирани върху традициите на руското изкуство, те водят майстора до истинска народност.
Художествени сдружения и художествени колонии в живописта
начало 1910 бяха разцвета на художествените изложби: експозиции на дружествата „Светът на изкуството“, Московската асоциация, Съюза на младежта, Пролетните изложби на Академията на изкуствата; за еднократна употреба - „Скарлатна роза“, „Синя роза“, „Стефанос“, „Венец“, С.К. Макоровски, В. А. Издебски, салоните на „Златното руно“ уловиха еволюцията на руската живопис от импресионизъм и символизъм до нео-примитивизъм, кубофутуризъм, абстрактен експресионизъм и аналитично изкуство.
Музей на руската античност.
Началото на века в изкуствата и занаятите бе белязано от ярко символистично образно решение на комплекса от сгради на С.В. Малютин на името на М.К. Тенишева Талашкино край Смоленск. В имението винаги имаше много гости, сред които бяха художниците A.N. Benois, I.E. Repin, M.A. Врубел, К.А. Коровин, скулптора Трубецкой и много други. Художникът Н.К. Рьорих, който рисува в църквата на Светия Дух, недалеч от имението. Тук живее художникът С. Малютин, който проектира и украсява дървената къща "Теремок". Придружен от художници, историци, археолози, Тенишева пътувала до руски градове и села, събирайки предмети от декоративно и приложно изкуство: платове, бродирани кърпи, дантели, шалове, дрехи, керамични изделия и др. Това беше началото на уникалния музей на руската древност, който отвори в Смоленск през 1998 г.
„Художествен кръг Абрамцево“.
С имението на Абрамцево се свързват много интересни имена на руската култура: писателят С.А. Аксаков, Н. В. Гогол, I.S. Тургенев. През 1870 г. имението е закупено от S.I. Мамонтов е коварен ценител на изкуството. Именно той стана основател на творческото сдружение, което влезе в историята под името „Абрамцево художествен кръг“. Мамонтов събра около себе си такива изключителни художници като I.E. Репин, В.М. Васнецов, В.Д. Поленов, М.Н. Нестеров, М. А. Врубел, К.А. Коровин, В.А. Серов и др. Всеки от тях дойде в Абрамцево на посещение и допринесе за живота на „художествената колония“.
Асоциация „Светът на изкуството“ и нейното значение за развитието на руската култура.
Групата, родила силна и влиятелна културна и естетическа тенденция, обединяваща се около списание „Светът на изкуството“, възниква в Санкт Петербург в началото на 1890-те. с смирената цел на самообразованието. За кратко време тя се подготви за по-широки социални дейности и започна да влияе на настоящия художествен живот. В развитието на социалния живот на кръга ролята на S.P. Дягилев. Основната идея, която го ръководеше, произтича от дълбоката му убеденост в глобалното значение на руското изкуство. Той си постави за цел да обедини най-добрите руски художници, да им помогне да влязат в европейския художествен живот и по думите му „да прослави руското изкуство на Запад“. Дягилев посвети всичките си дейности на тази задача. Петербургската му група, която включваше Сомов, Бакст, Беноа и Ланрайрай, влезе в тесен съюз с Врубел, Левитан, Серов, Коровин, Нестеров, Рябушински и други московски художници. Тази широка асоциация, неизмеримо надвишаваща мащаба на оригиналната група на Дягилев, послужи за основа, на която Дягилев успя да организира художествено списание, превърнало се в идеологически център на руското изкуство в първите години на 20 век.
Списанието, наречено „Светът на изкуството“, се издава в продължение на 6 години (1899-1904 г.) под редакцията на Дягилев, като ежегодно организира художествени изложби под същото име. Основното ядро \u200b\u200bна тези изложби неизменно остават творбите на художници и графици от петербургската група Дягилев. Именно в средата им се формира художественото движение „Светът на изкуството“.
Историята на World of Art има два отделни, макар и взаимно свързани аспекта:
от една страна, това е историята на творческото направление, което се развива в петербургската група художници, начело с Беноа и Сомов;
от друга страна, това е историята на сложно културно-естетическо движение, което привлече в своята орбита редица големи руски майстори, чието творчество се развива независимо от петербургската група, понякога далеч от нея по своето идейно съдържание и живописен език.
Това движение превзе не само живопис и графика, но и редица сродни сфери на културата и повлия на руската архитектура, скулптура, поезия, балет и оперен театър, както и изкуствознанието и науката за изкуството. През шестте години от своето съществуване образователната работа на света на изкуството беше насочена по два основни канала: списанието, първо, отразяваше съвременното състояние на изобразителното изкуство в Русия и в някои страни от Западна Европа и, второ, систематично, систематично отваряше забравените или неразбираеми ценности на националната художествена култура от миналото. Колкото по-нататък се развиват дейностите на списанието, толкова по-голямо значение придобиват темите за руската античност. „Светът на изкуството“ се е развил от модерна до ретроспективна. В хода на тази еволюция членовете на списанието направиха редица важни исторически и художествени открития: именно Светът на изкуството постави основите на системното изучаване на руската художествена култура през 18 век. , досега полузабравени или дори погрешно интерпретирани. Слава Д.Г. Левицки и В.Л. Боровиковски, както и забележителните архитекти на руския барок и класицизъм, започнаха с произведенията на Дягилев, Беноа, Грабар и др.
Те бяха първите във вътрешната наука, които се обърнаха към наследството на руските романтици и сантименталисти, изследователите и по нов начин оцениха работата на О.А. Кипренски, A.G. Венецианов, Ф. Толстой.
Същите критици имат честта радикално да преразгледат дългогодишните погрешни схващания за старата петербургска архитектура. Художествената му стойност е напълно надценена. Статиите на Беноа, които се поклониха пред красотата на стария Петербург, бяха истинско откровение за тогавашните читатели.
В сдружението „Светът на изкуството“ възражда и формира руската книжна графика от новата ера, както и руската театрална култура.
Списанието систематично подкрепя развитието на изкуствата и занаятите и художествените занаяти.
И накрая, именно със „Светът на изкуството“ започна нова фаза в историята на руската художествена критика и история на изкуството. Успехите, постигнати от World of Art в организационни въпроси, дадоха тласък на руските художници да създадат нови изложбени групи и творчески асоциации.
„Синя роза“.
В началото на века изкуството пламна с идеята за пълна независимост, самодостатъчност. Инициаторите на борбата за чистотата и присъщата стойност на изкуството бяха поетите символисти и художници от групата на World of Art. Изкуството става все по-консолидирано в своята специфичност, разчитайки на вътрешните възможности.
Първото групиране, от което започва отброяването на нови направления в руската живопис от началото на 20 век, е „Синята роза“. Под това заглавие през 1907 г. в Москва е открита изложба, в която А. Арапов, Н. Кримов, П. Кузнецов, В. и Н. Милиоти, Н. Сапунов, М. Сарян, С. Судейкин, П. Utkin et al., Общо 16 художници.
Вернисажът от 1907 г. не е изненада.Дори при първите изложби на „Светът на изкуството“ се появяват първите произведения на някои бъдещи „Голуборозови“. През 1904 г. в Саратов се организира изложбата „Скарлетна роза“, която е пряк предшественик на „Сините“. На него присъстваха жители на Саратов - В. Борисов-Мусатов, П. Кузнецов, П. Уткин, поканени бяха млади художници от други градове Сарян, Сапунов, Судейкин, Арапов, Врубел. Последният изигра значителна, вдъхновяваща роля в работата на всички „Голуборозови“. Изложбата „Синя роза“, организирана за сметка на патрона и издателя на „Златното руно“, художника-аматьор Н. Рябушински, открита на 18 март 1907 г. в Москва, в къщата на производителя на порцелан М. Кузнецов. По цялата си структура той се различаваше от обикновените изложби, представляваше един вид загадъчен свят: „или салон, или молитвена стая“ с притъмнени светлини и полупрозрачни завеси. Но основната изненада бяха самите произведения. В залите, украсени със сребристосиви и бледосини тъкани, се помещаваха картини и графични произведения на четиринадесет художници - П. Кузнецов, П. Уткин, Н. Сапунов, М. Сарян, С. Судейкин, Н. Кримов, А. Арапов, А. Фонвизин, Н. и В. Милиоти, Н. Феофилактов, В. Дриттенпрейс, И. Кнабе и Н. Рябушински. Имаше и скулптурни произведения на А. Матвеев и П. Бромирски. Музиката на руските композитори е изпълнена от най-добрите музиканти, рецитирана е поезия от А. Бели и В. Брюсов.
Името на изложбата и асоциацията, както и стилът на творбите на участниците са тясно свързани с естетиката на символизма. Синият цвят - цветът на небето, водата, безкрайното пространство - сякаш олицетворяваше поетичната мечта и реалност, копнеж и надежда. Синята роза беше групова изложба, обединена от единна естетическа програма. Благодарение на външния си вид предишните художествени сдружения, включително „Светът на Сикуства“, загубиха предишното си значение. Продължавайки наченките на „Светът на изкуството“, „Синята роза“ в същото време се противопостави на света на художествения стилизъм и литература и въведе принципно ново нещо в художественото съзнание на епохата. Това беше първата стъпка в руското изкуство след 19 век. Уникалността на „Синята роза“ беше, че нейните художници умееха да изразяват пластично нематериални категории - емоции, настроения, емоционални преживявания. След като направи нео-примитивизма неразделна част, „Синята роза“ беше предшественик на руския авангард. Идеите й бяха подбрани и развити по свой начин в творбите на Н. Гончарова, М. Ларионов, К. Малевич.
Голуборозовци се свързвали с московски поети символисти, с композитори от символистическа ориентация Скрябин и Ментер. Сравнявайки ги с поетите символисти, не може да се посочи съществена разлика. Поетите създадоха своя собствена теория за символизма, всички поети, които писаха за символизма през 1890-1900-те, ясно изразяват идеята за смисъла на образа, за неадекватността на външния израз към вътрешното състояние на душата, за неспособността на висшата духовност.
„Символистките художници не изградиха своята теория. Врубел в ранната си символика от 1890-те години. Той взе много от романтичната концепция за творчество. Борисов-Мусатов говори и пише повече за музикалността и хармонията, отколкото за символа. Голуборозовите Кузнецов, Уткин, братя Милиоти и други без съмнение се замислиха за символичния смисъл на художествения образ, но с редки изключения не изразиха мислите си устно. Всички майстори бяха на първо място практикуващи живописци, които със собствено творчество успяха да създадат определена художествена система ”.
Асоциацията „Синя роза“ престана да съществува през 1910г.
заключение
И така, рисуването на символиката е начин за предаване на културния опит и източник на развитието на творческото мислене и пространственото въображение.
Руската символика, за разлика от западноевропейската символика, която се развива главно като литературна и художествена школа, още от момента на нейното създаване се стреми да излезе отвъд границите на самото изкуство и да се превърне в широко културно движение, определено от светоглед, с цел спасяване и преобразуване на човечеството. Руските символисти са вярвали, че истинският художник, бидейки теолог, е призван да създава не само художествени форми на живот. Руската символика е една от типичните прояви на създаването на живот.
Живописните системи на руската символика, изградени върху пластични и литературни основи, формираха оригинална национална школа, която заема важно място в общата европейска символика в областта на пластичните изкуства.
Теорията и практиката на руската символика се основава основно на музикалността, защото музиката е най-съвършената форма на изкуството, включва всички други форми на изкуството и директно изразява трансценденталния свят. Търсенето и разширяването на музикалните изразни средства в живописта, самото движение към създаването на такива картини, бяха призвани да върнат загубената цялост, единството на Вселената.
Така в руската живопис на символизма основните теоретични принципи на символизма получиха своята реализация, а именно проблемът за създаването на живота, теорията, синтеза и др.
Списък на използваната литература
Магистър на хуманитарните науки Воскресенская „Символизмът като мироглед на сребърния век“ Москва „Логос“, 2005 г .;
2.I. Голицин „История на руската живопис. Преломът на XIX - XX век "Москва" Бял град ", 2007 г .;
T.V. История на изкуството на Илийн Домашно изкуство "Москва" Висше училище ", 2000 г .;
Периодична литература:
. "50 руски художници. Шедьоври на руската живопис „Издание № 5, Москва, LLC„ De Agostini “, 2010 г .;
5. „50 руски художници. Шедьоври на руската живопис „Издание № 11, Москва, LLC„ De Agostini “, 2010 г .;
Вibliotekar.ru
Частни уроци
Нуждаете се от помощ при изследване на тема?
Нашите експерти ще консултират или предоставят обучителни услуги по интересуващи ви теми.
Изпратете заявка с посочване на темата в момента, за да разберете за възможността за получаване на консултация.
Въведение …………………………………………………………… ..2
Архитектура ………………………………………………………… .3
Боядисване ………………………………………………………… ..5
Образование ……………………………………………………………… 10
Наука ……………………………………………………………… 13
Заключение ………………………………………………………… ..17
Позовавания ………………………………………………… .18
Въведение
Сребърният век на руската култура беше изненадващо кратък. Тя продължи по-малко от четвърт век: 1900 - 1922 година. Първоначалната дата съвпада с годината на смъртта на руския религиозен философ и поет В.С. Соловьов, и последният - с годината на експулсирането от вече съветска Русия на голяма група философи и мислители. Кратността на периода изобщо не намалява неговата значимост. Напротив, с течение на времето това значение дори се увеличава. Той се крие във факта, че руската култура - дори и не цялата, но само част от нея - беше първата, която осъзнае знойността на развитието, ценностните насоки на която са едностранчив рационализъм, нерелигиозност и липса на духовност. Западният свят стигна до това осъзнаване много по-късно.
Сребърната епоха включва преди всичко два основни духовни феномена: руското религиозно възраждане от началото на 20 век, известно още като „търсещ Бога“, и руският модернизъм, който обхваща символизма и акмеизма. Към него принадлежат такива поети като М. Цветаева, С. Йесенин и Б. Пастернак, които не са били включени в посочените тенденции. Художествената асоциация „Светът на изкуството“ (1898 - 1924) също трябва да се отдаде на сребърната епоха.
Сребърна епоха архитектура»
Ерата на индустриалния прогрес на прага на XIX-XX век. направи истинска революция в строителството. Нов тип сгради като банки, магазини, фабрики и гари заемат все по-голямо място в градския пейзаж. Появата на нови строителни материали (стоманобетон, метални конструкции) и усъвършенстването на строителната технология позволиха използването на конструктивни и художествени техники, естетическата интерпретация на които доведе до одобряването на модерния стил!
В творбите на F.O. Шехтел в най-голяма степен въплъщава основните тенденции на развитие и жанрове на руската модерност. Формирането на стила в творчеството на майстора вървеше в две посоки - национално-романтична, в унисон с неоруския стил и рационална. Характеристиките на Арт Нуво най-пълно се проявяват в архитектурата на имението Никитски порта, където, изоставяйки традиционните схеми, се прилага асиметричният принцип на планиране. Наклонената композиция, свободното развитие на обемите в пространството, асиметричните проекции на еркери, балкони и веранди, подчертаният корниз - всичко това демонстрира принципа на приравняване на архитектурна структура към органична форма, присъща на съвременността.
Декорацията на имението използва такива типични техники в стил Арт Нуво като цветни витражи и мозаечен фриз с флорални орнаменти, обграждащи цялата сграда. Причудливите обрати на орнамента се повтарят в преплитането на витражите, в рисунката на балконските барове и уличната ограда. Същият мотив е използван и в интериорната декорация, например под формата на мраморни парапети. Мебелите и декоративните детайли на интериора на сградата образуват едно цяло с общата идея на сградата - да превърнат ежедневната среда във вид на архитектурно изпълнение, близко до атмосферата на символични пиеси.
С нарастването на рационалистичните тенденции в редица сгради на Шехтел бяха очертани чертите на конструктивизма, стил, който ще се оформи през 20-те години на миналия век.
В Москва новият стил се изрази особено ярко, по-специално в творчеството на един от основателите на руския модернист Л.Н. Кекушева А.В. Щусев, В.М. Васнецов и др. В Санкт Петербург обаче, Арт Нуво е повлиян от монументалния класицизъм, в резултат на което се появява друг стил - неокласицизмът.
По отношение на целостта на подхода и ансамблевото решение на архитектурата, скулптурата, живописта, декоративното изкуство, Арт Нуво е един от най-последователните стилове.
Живопис на "сребърната ера"
Тенденциите, обуславящи развитието на литературата от „Сребърен век“, бяха характерни и за изобразителното изкуство, съставило цяла епоха в руската и световната култура. В началото на века творчеството на един от най-големите майстори на руската живопис Михаил Врубел процъфтява. Изображенията на Врубел са изображения-символи. Те не се вписват в рамките на старите идеи. Художникът е „великан, който мисли не по отношение на ежедневието, а във„ вечните “понятия, той се втурва в търсене на истината и красотата“. Мечтата на Врубел за красота, която беше толкова трудно да се намери в света около него, който е пълен с безнадеждни противоречия. Фантазията на Врубел ни отвежда в други светове, където красотата обаче не се освобождава от болестите на века - това са чувствата на хората от онова време, въплътени в цветове и линии, когато руското общество копнееше за обновление и търсеше път към него.
В творчеството на Врубел фантазията е съчетана с реалността. Сюжетите на някои от неговите картини и пана са откровено фантастични. Изобразявайки Демона или приказната принцеса Лебед, Сънуващата принцеса или Пан, той рисува героите си в свят, сякаш създаден от могъщата сила на мита. Но дори когато обектът на изображението се оказа реалност, Врубел сякаш дарява природата със способността да чувства и мисли, а човешките чувства неимоверно се засилват. Художникът се стреми да гарантира, че цветовете на неговите платна блестят с вътрешна светлина, блестят като скъпоценни камъни.
Друг важен художник от края на века е Валентин Серов. Произходът на неговото творчество е през 80-те години на XIX век. Той продължи най-добрите традиции на Скитниците и в същото време смел откривател на нови пътеки в изкуството. Прекрасен художник, той беше блестящ учител. Много изтъкнати художници от деветте стотни на новия век дължат своето умение на него.
В първите години на своето творчество художникът вижда най-високата цел на твореца във въплъщението на поетичния принцип. Серов се научи да вижда големия и значимия в малкия. В прекрасните му портрети „Момиче с праскови“ и „Момиче, озарено от слънцето“ не толкова конкретни образи, колкото символи на младостта, красотата, щастието, любовта.
По-късно Серов се стреми да изрази идеи за красотата на човек в портрети на творчески личности, одобрявайки една идея, важна за руската художествена култура: човек е красив, когато е творец и художник (портрети на К. А. Коровин, И. И. Левитан). Смелостта на В. Серов при характеризирането на неговите модели е поразителна, било то прогресивната интелигенция или банкери, дамите от висшето общество, високите служители и членовете на кралското семейство.
Портретите на Серов, създадени през първото десетилетие на новия век, свидетелстват за сливането на най-добрите традиции на руската живопис и създаването на нови естетически принципи. Такива са портретите на М. А. Врубел, Т. Н. Карсавина, а по-късно - „изящно стилизираният“ портрет на В. О. Гиршман и красивият портрет на Ида Рубинщайн, поддържан в духа на Арт Нуво.
В началото на века се развива творчеството на художници, станали гордостта на Русия: К. А. Коровин, А. П. Рябушкин, М. В. Нестеров. Великолепните платна по темите на древна Русия принадлежат на Н. Рьорих, който искрено мечтаеше за нова роля на изкуството и се надяваше, че „от поробения слуга, изкуството отново може да се превърне в първия двигател на живота“.
Руската скулптура от този период се отличава и със своето богатство. Най-добрите традиции на реалистичната скулптура от втората половина на 19 век в неговите творби (включително паметник на първия печатар Иван Федоров) са въплътени от С. М. Волнухин. Импресионистичната тенденция в скулптурата е изразена от П. Трубецкой. Работата на А. С. Голубкина и С. Т. Коненков се отличава с хуманистичен патос, а понякога и с дълбока драма.
Но всички тези процеси не можеха да се развият извън социалния контекст. Темите - Русия и свобода, интелигенция и революция - проникват както в теорията, така и в практиката на руската художествена култура от този период. Художествената култура от края на 19 - началото на 20 век се характеризира с много платформи и тенденции. Два жизненоважни символа, две исторически концепции - „вчера“ и „утре“ - ясно доминираха над понятието „днес“ и определиха границите, в които се състоя конфронтацията на различни идеи и концепции.
Общата психологическа атмосфера от следреволюционните години накара някои художници да доверяват на живота. Вниманието към формата се увеличава, реализира се нов естетически идеал на съвременното модернистично изкуство. Развиват се училищата на руския авангард, станали известни на целия свят, въз основа на творчеството на В. Е. Татлин, К. С. Малевич, В. В. Кандински.
Художниците, участващи в изложбата от 1907 г. под яркото символично име „Синя роза“, бяха интензивно популяризирани от списание „Златно руно“ (Н. П. Кримов, П. В. Кузнецов, М. С. Сарян, С. Ю. Судейкин, Н. . Н. Сапунов и други). Те бяха различни в творческите си стремежи, но бяха обединени от желание за изразителност, за създаване на нова художествена форма, за обновяване на изобразителния език. В екстремни прояви това доведе до култа към „чистото изкуство“, към образите, генерирани от подсъзнанието.
Появата през 1911 г. и последвалата активност на художниците на Диамантения Джак разкриват връзката на руските художници с съдбите на европейските художествени движения. В произведенията на П. П. Кончаловски, И. И. Машков и други „диаманти“ с техните формални търсения, желанието да се изгради форма с помощта на цвят и композиция и пространство върху определени ритми намират израз принципите, формирани в Западна Европа. По това време кубизмът във Франция стигна до „синтетичен“ етап, преминавайки от опростяване, схематизиране и разлагане на формата до пълно отделяне от изобразяването. Руските художници, които бяха привлечени от аналитично отношение към темата в ранния кубизъм, тази тенденция беше чужда. Ако Кончаловски и Машков показват ясна еволюция към реалистично възприемане на света, тогава тенденцията в художествения процес на други художници на „Джам на диамантите“ имаше различно значение. През 1912 г. младите художници, отделяйки се от Диамантения Джак, кръщават групата си The Donkey's Reil. Предизвикателното заглавие подчертава непокорния характер на спектаклите, насочени срещу преобладаващите норми на художественото творчество. Руски художници: Н. Гончаров, К. Малевич, М. Шагал - продължават търсенето си, правят го енергично и целенасочено. В бъдеще пътищата им се разминаха.
Ларионов, който отказа да изобрази реалността, стигна до така наречения райизъм. Малевич, Татлин, Кандински поеха по пътя на абстракционизма.
Новите тенденции в изкуството от първите десетилетия на 20 век не се изчерпват от търсенията на художниците на „Синя роза“ и „Джам на диамантите“. Специално място в това изкуство принадлежи на К. С. Петров-Водкин. Изкуството му процъфтява в периода след октомври, но вече през деветте стотни той декларира творческата си оригиналност с красивите си картини „Играещите момчета“ и „Къпане на червения кон“.
Пиесата „Чичо Ваня“ на сцената на Московския художествен театър
Снимка от 1899г
Театралният дебют на Чехов през 1896 г. беше неуспешен: първата постановка на „Чайката“ беше оглушителен провал на сцената на Александринския театър в Санкт Петербург. За успех той се нуждаеше от него, точно както новият театър се нуждаеше и от него самия. Две години по-късно Станиславски и Немирович-Данченко откриват Московския художествен обществен театър, където се отказват от традиционните методи: те са заменени от психологизъм, а това изисква нови творби. През декември 1898 г. "Чайката" донесе слава и на театъра, и на Чехов. Драматичното турне става символ на Московския художествен театър: на следващата година Станиславски ще постави „Чичо Ваня“, след това „Три сестри“ и „Черешовата овощна градина“. Основните женски роли се изпълняват от Олга Кнайпер, от 1901 г. - съпруга на Чехов.
Wikimedia Commons
Портрет на В. Я. Брюсов
Рисунка от Михаил Врубел. 1906 година
През 1894 г. млад поет Валери Брюсов публикува сборник със стихотворения „Руски символисти“ - манифест. В предговора той пише, че целта на символизма е да улови фини настроения, да ги предаде в неясни образи, намеци. Следвайки поетите, художниците също се обръщат към символиката, особено Михаил Врубел. Той ще се задължи да нарисува портрета на Брюсов в края на живота си и никога няма да завърши поради болест. Самият Брюсов по-късно ще каже, че през целия си живот се е стремял да бъде като този портрет.
Държавна галерия Третяков
- Войници, смели деца, къде е вашата слава?
Живопис на Валентин Серов. 1905 година
На 9 (22) януари 1905 г. петербургските работници, които стачкуват почти седмица, отиват с петиция до Зимния дворец с искане за свикване на Учредителното събрание. Разстреляни са невъоръжени демонстранти, което предизвика началото на първата руска революция и този ден по-късно влезе в историята като Кървава неделя. Валентин Серов наблюдаваше разпръскването на протестиращите от прозорците на Академията на изкуствата в Санкт Петербург. След тези събития в знак на протест той напуска академията, чийто президент е чичо на императора, великият херцог Владимир Александрович, който лично потушава размириците.
Държавен руски музей
"Групов портрет на художници от обществото" Светът на изкуството ""
Живопис на Борис Кустодиев. 1920 година
Борис Кустодиев решава да нарисува портрет на своите приятели и сътрудници малко след учредителната среща на света на изкуството през 1910 година. Това е вече вторият състав на света на изкуството: разцветът на първия, „класически“, падна на 1898-1904 г., когато Александър Беноа и Сергей Дягилев обявиха отхвърлянето на академизма и търсенето на вдъхновение в темите от далечното минало. В бързаме да заснеме „Историята на изкуството“ за историята, Кустодиев първо рисува отделни портрети, а по-късно смята да ги съчетае в монументално платно. Той успява да създаде групов портрет след революцията. На снимката отляво надясно на заден план: Игор Грабар, Николай Рьорих, Юджийн Лансере, Иван Билибин, Александър Беноа, Георги Нарбут, Николай Милиоти, Константин Сомов, Мстислав Добужински; на преден план: Борис Кустодиев, Анна Остроумова-Лебедева, Кузма Петров-Водкин.
Държавен руски музей
Костюм за Искандер (Васлав Нижински) за балет "Пери"
Рисунка от Леон Бакст. 1911 година
През 1906 г. предприемачът Сергей Дягилев организира за първи път „Руските сезони“ - той донася картини на руски художници в Париж. След невероятен успех той организира турне на композитори, а през 1909 г. идва редът. Костюмите и декорациите, ярки и необичайни, са създадени според скиците на света на художниците Леон Бакст и Александър Беноа. Дягилев апелира към младите композитори и танцьори, а парижката общественост с ентусиазъм приветства Михаил Фокине, Ида Рубинщайн и Васил Нижински. Музиката за балета „Пери“ е написана от Пол Дък, ролята на Искандер е възложена на Нижински, но в този състав продукцията никога няма да се осъществи поради вътрешни конфликти. Сезоните на Дягилев ще продължат до смъртта на предприемача през 1929 г., а балетът ще се превърне в един от символите на руската култура.
Столичен музей на изкуствата
„Автопортрет и портрет на Петър Петрович Кончаловски“
Живопис от Иля Машков. 1910 година
През 1910 г. в Москва се открива изложба, наречена „Джамът на диамантите“ - и то моментално. Картините на Иля Машков, Петър Кончаловски, Аристарх Лентулов са пълни с груба, надута естетика, необичайна по форма и съдържание. В центъра както на изложбата, така и на скандала е платното на Машков, където той представя себе си и Кончаловски като полуголи бойци. На лавицата за книги в горния ляв ъгъл има том с надпис "Сезана" - за "Джаковете на диамантите" той е основният идол. На следващата година е създадено едноименно художествено сдружение, но някои от организаторите на изложбата - включително Михаил Ларионов, който излезе с името - вече няма да влизат в него. През този период теченията се заменят взаимно с невероятна скорост, артистите на „Опашката на магарето“ са във вражда с „Джамовете на диамантите“, футуристите се спорят помежду си, а противниците са обвинени в академизъм.
Държавен руски музей
Скици за костюми за операта "Победа над слънцето": Някой злонамерен, Спортист на бъдещето, Погребение, Читател
Рисунки на Казимир Малевич. 1913 година
От 1910 г., когато Велимир Хлебников и Дейвид Бурлюк издават сборника „Капанът на съдиите“, футуристите неуморно шокират обществеността, писателите и критиците. През 1913 г. те създават произведение, обединяващо поети, художници и композитори - операта Победа над слънцето. Алексей Кручених и Велимир Хлебников пишат либретото („мечтаната свирка на пяната ще изпълни съзерцанието“), Михаил Матю-шин композира дисонансна музика, а Казимир Малевич рисува декорацията. Операта декларира основната идея на футуристите: будините (тоест самите футуристи) завладяват Слънцето, което символизира всичко познато, старо, цялата стара естетика, която изглеждаше непоклатима.
Wikimedia Commons
"Героичният ум на Козма Крючков"
Рисунка от Дмитрий Мур. Литография на Асоциацията на I.D.Sytin. 1914 година
Казак Козма Крючков става първият руски герой от Световната война, след като четирима от тях с другарите си нападат 27 германски конници на границата и побеждават врага. Всички казаци бяха наградени с кръстове на Свети Георги, а самият Крючков, който уби 11 германци, дълго време остава символ на националната доблест: за него постоянно се пише във вестници, портретът му дори е украсен с обвивка от героични сладки. По време на Световната война той получава друг кръст „Свети Георги“ и два медала „За храброст“ и загива през 1919 г. по време на въстанието на Донските казаци срещу болшевиките.
Надпис на фигурата:
„4 казаци - Козма Крючков, Астахов, Иванков, Щеголков - караха 27 немски конници ...<…> Картината изобразява как богматирът Козма приковава немците във върхове и ги засажда като дървета. По-готино е да се прибереш с въдица. "
Държавна обществена историческа библиотека на Русия
Членове на кралското семейство, които се грижат за ранените по време на Първата световна война
Снимка от албума на семейство Романови. 1914-1915 години
От самото начало на световната война кралското семейство се опитва да покаже, че преминава през трудности заедно със своите поданици. Император Николай II се появява на публично място в скромна полева униформа, а Великите херцогини и императрица Александра Феодоровна помагат на ранените в болницата като сестри на милостта. Държавната пропаганда неуморно подчертава участието на императорското семейство в живота на обикновените войници. Всяка година от войната те говорят за лицата от август. Предоставянето на сестра на милост не спасява Александра Фьодоровна от слухове за връзката й с Распутин и за шпионаж за Германия.
Библиотека за редки книги и ръкописи на Бейнеке
Оскубани двуглави орли
Снимка от 1917г
През март 1917 г. руската монархия падна - Николай II абдикира престола, властта премина на Временното правителство. Първите седмици от живота без цар преминаха под знака на отърваването от символите на режима: портрети на императора и неговото семейство бяха изгорени при огньове, двуглави орли и корони бяха съборени от огради и сгради.
авангардабстракционизма
футуризъм
Cubo-футуризъм
suprematism
rayonism
символизъм
авангард
Разцветът пада на 1914-1922 годинаОсновни упътвания
- абстракционизъм
- футуризъм
- кубофутуризъм
- супрематизъм
Предпоставки: преосмисляне
традиционните културни ценности, развитието на научния и технологичен процес
Съюз "Diamonds Jack"
Дата на появата: 1911 г.Отначало имаше само московски художници, после
Петербург, по-късно от различни градове.
Отричане на традициите на реализма от 19 век, стил: фаувизъм и
кубизъм, техники на руските народни играчки
През 1912 г. редица художници се откъснаха, гравитирайки към
абстракционизъм, кубофутуризъм.
Участници:
- Н. Гончарова
- П. Кончаловски
- А. Куприн
- М. Ларионов
Авангардни направления
абстракционизмаОтхвърляне на реалния образ на формулярите
Създаване на нереални форми, определени цветове
комбинации за предизвикване на разнообразие от
асоциации
Основатели:
- Васили Кандински
- Казимир Малевич
- Наталия Гончарова
- Михаил Ларионов
Първата абстрактна картина е нарисувана от Кандински в края
1900 г.
Платна от В. Кандински
Казаци (1917 г.)Жълто-червено-синьо (1925 г.)
Акцент
розово (1926)
Притокът на импровизация
(1913)футуризъм
Попада през 1910-1920г
Художниците бяха привлечени не по съдържание, а по форма
Основните художествени принципи са бързината, движението
енергия
Боядисването се характеризира с:
- енергични композиции
- преобладаване на зигзаги, спирали, скосени конуси
- суперпозиция на фигури една върху друга Cubo-футуризъм
Попада през 1911-1915г
Картините са изградени от цилиндрични, конусни, конусовидни форми,
притежаващ метален блясък
Художниците остро почувстваха настъпването на нов етап от живота и
осъзна, че за изразяването му са необходими нови средства Suprematism
Посоката е основана от Казимир Малевич през 1910г
Функции за рисуване:
- комбинации от различни цветове
- Най-простите геометрични фигури (права линия, квадрат,
кръг, правоъгълник)
Супрематични картини - първата стъпка на "чистото творчество"
(балансирайки творческата сила на човека и Бога)
Малевич създаде групата на УНОВИС (Одобрите на новото
Изкуство), което развива идеите на супрематизма, води
революционна дейност.
Платна от К. Малевич
Suprematism(1916)
дървар
Черен квадрат
конница
Rayonism
Посоката се появява през 1910-те.Художниците не изобразяват самия обект, а лъчите на светлината, т.е.
отразено от него (което окото възприема)
Лъчите се предават с помощта на цветни линии
Художници - членове на сдружение "Ослено опашка":
- Н. Гончарова
- М. Ларионов
Платна на М. Ларионов и Н. Гончарова
червенrayonism
Larionova
сияен
линии
Larionova
Rayonism
Гончарова
сияен
лилии
Гончарова
Асоциация на магарешки опашки
Основатели:- М. Ларионов
- Н. Гончарова
Оттегли се от „Джам на диамантите“ и реши да създаде
тяхната асоциация
Художниците се стремяха да съчетаят "екстремните течения"
живопис (кубизъм и др.) с традициите на народното изкуство
символизъм
За художниците основният израз на красотатаТемите на картините са митологични, приказни
Религиозни сюжети
Художниците изобразяваха моменти от живота
Художници-символисти:
- Е. Борисов-Мусатов
- М. Нестеров
- М. Врубел
- К. Петров-Водкин
- А. Васнецов
- В. Верещагин
