Във Франция известни композитори са поети и художници. Френски композитори
Сред тези мелодии има мотив за всяко настроение: романтично, позитивно или тъжно, за да се отпуснете и да не мислите за нищо, или, обратно, да събирате мисли.
twitter.com/ludovicoeinaudИталианският композитор и пианист работи в посока на минимализма, често се обръща към амбиент и умело съчетава класиката с други музикални стилове. Той е широко известен с атмосферните композиции, превърнали се в саундтраци за филми. Например вероятно разпознавате музиката от френската лента 1 + 1, написана от Einaudi.
themagger.net Стъклото е една от най-противоречивите личности в света на съвременната класика, която или е издигната до небето, или е критикувана на пръсти. От половин век е със собствената си група „Филип Глас Ансамбъл“ и е написал партитури за над 50 филма, включително „Шоуто на Труман“, „Илюзионистът“, „Вкус на живота“ и „Фантастична четворка“. Мелодиите на американския минималистичен композитор размиват границата между класическата и популярната музика.
latimes.com Той е автор на много саундтраци, най-добрият филмов композитор за 2008 г. според Европейската филмова академия и пост-минималист. Завоевани критици от първия албум Memoryhouse, в който музиката на Рихтер се наслагва върху четенето на поезия, а в следващите албуми се използва и измислена проза. В допълнение към писането на собствени композиции от околната среда, той аранжира произведения на класиката: Seasons на Vivaldi, в аранжимента му, оглавява класациите за класическа музика на iTunes.
Този създател на инструментална музика от Италия не е свързан със сензационното кино, но без това е известен като композитор, виртуоз и опитен учител по пиано. Ако опишете музиката на Маради с две думи, това ще бъдат думите "чувствен" и "вълшебен". Неговите творения и корици ще се харесат на тези, които обичат ретро класиката: нотите от миналия век проблясват в мотивите.
twitter.com/coslive Известният филмов композитор е създал музикални партитури за много касови филми и анимационни филми, включително „Гладиатор“, „Пърл Харбър“, „Inception“, „Шерлок Холмс“, „Интерстелар“, Мадагаскар, „Цар Лъв“. Неговите звезди парадират на Холивудската алея на славата, а на рафта му има Оскари, Грами и Златни глобуси. Музиката на Zimmer е толкова различна, колкото тези филми, но независимо от ключа, тя отнема живота.
musicaludi.fr Хисайши е един от най-известните японски композитори, получил четири награди на Японската академия за най-добра филмова музика. Той стана известен с написването на саундтрака към анимето на Хаяо Миядзаки „Nausicaä of the Valley of the Wind“. Ако сте фен на лентите на Studio Ghibli или Takeshi Kitano, тогава със сигурност ще се възхитите на музиката на Hisaishi. Той е предимно лек и лек.
twitter.com/theipaper Този исландски мултиинструменталист е просто момче в сравнение с изброените майстори, но до своите 30 години той успя да стане признат неокласик. Записал е акомпанимент към балета, спечелил е BAFTA за саундтрака към британския сериал „Убийство на плажа“ и е издал 10 студийни албума. Музиката на Арналдс напомня на силен вятър на безлюден морски бряг.
yiruma.manifo.com Най-известните творби на Лий Ру Ма са „Целуни дъжда и тече река в теб“. Корейският композитор и пианист от New Age пише популярни класики, които могат да бъдат разбрани от слушателите на всеки континент, с всякакъв музикален вкус и образование. Неговите леки и чувствени мелодии станаха началото на любовта към пиано музиката за мнозина.
Дъстин О'Хелоран
fracturedair.com Американският композитор е интересен, защото няма музикално образование, но в същото време пише най-приятната и доста популярна музика. Мелодиите на О'Халоран са включени в Top Gear и няколко филма. Може би най-успешният саундтрак албум е за мелодрамата „Like Crazy". Този композитор и пианист знае много за диригентското изкуство и как да създава електронна музика. Но основното му поле е модерната класика. Cacchapaglia е записал множество албуми, три от които с Кралския филхармоничен оркестър. Музиката му тече като вода, ще бъде чудесно да се отпуснете под нея.
Какво други съвременни композитори си заслужава да слушате
Ако обичате епоса, добавете Клаус Баделт, съавтор на Карибски пирати със Zimmer, към вашия плейлист. Също така не трябва да се пропуска Ян Качмарек, Александър Десплат, Хауърд Шор и Джон Уилямс - трябва да напишете отделна статия, за да изброите цялата им работа, постижения и награди.
Ако искате малко по-вкусен неокласицизъм, обърнете внимание на Niels Frahm и Sylvain Chauot.
Ако ви липсва, не забравяйте създателя на саундтрака към „Амели“ от Ян Тиерсен или открийте японския композитор Таммон: той пише ефирни, приказни мелодии.
Музиката на кои композитори харесвате и кои не? Кой друг бихте добавили към този списък?
кратка биография
Хектор Берлиоз е роден на 11 декември 1803 г. в източната част на Франция в град Ла Кот - Сен Андре. Той е първото дете в семейството на местен лекар, който всеобхватно развива сина си, внушавайки му интерес, включително към музиката.
Като дете Хектор овладява флейтата и китарата, тогава се създават първите му романси. През 1821 г. заминава за Париж, за да учи, но не в консерваторията, а в Медицинския факултет, тъй като баща му го вижда като наследник на медицинската династия. Медицинските изследвания обаче предизвикаха у студента Берлиоз не интерес, а отвращение. Той намери изход в Парижката опера, където се вдъхнови от талантите на Глюк и Спонтини. Започва да изучава партитурите на любимите си опери, пише статия за списание и отново започва да пише. От 1823 г. младежът взема частни уроци по композиция, занимава се с самообразование.
През 1824 г. Хектор напуска Медицинския факултет, за да продължи пълно музикално обучение. Родителите предприеха тази стъпка изключително негативно, бащата значително намали съдържанието й, а младият автор на публично изпълняваната „Тържествена литургия“ беше принуден да си изкарва прехраната с пеене в хора. През 1826 г. Берлиоз постъпва в Парижката консерватория, която завършва в годината на абсолютния си триумф с Фантастичната симфония. По същото време е получена престижната Римска награда, със средствата на която той заминава да учи в Италия. Завръщайки се в Париж през 1833 г., той се жени за актрисата Хариет Смитсън. Цялото семейство на Берлиоз беше против този брак, с изключение на по-малката му сестра Адел. Година по-късно се ражда син Луис, кръстен на бащата на композитора.
Въпреки активното му писане и дирижиране, основният доход на Берлиоз идва от журналистиката и музикалната критика. Заради доходите той зае поста заместник, а след това библиотекар на Парижката консерватория. Две обиколки из Русия, през 1847 и 1867-68 г., се превърнаха в истинско спасение от фалит. Първият от тях се състоя не без участието на М.И. Глинка, с която Берлиоз се запознава още в Рим.
Съюзът с ексцентричната ирландка Смитсън продължи 11 години, а през 1854 г. Хариет почина. През същата година Берлиоз сключва нов брак с певицата Мари-Женевиев Мартин или Мари Ресио - както я наричаха на сцената, с която композиторът имаше дългогодишна връзка. В края на живота си Берлиоз е преследван само от загуби - през 1860 г. умира по-малката му сестра Адел, през 1862 г. - съпругата му, през 1864 г. - на 26-годишна възраст, последната му любима Амели умира, а през 1867 г. Берлиоз също загуби единствения си син. След тази загуба възрастният маестро така и не успя да се възстанови. Той отива на турне в Русия за три месеца, където му се случват първите атаки. На 8 март 1869 г. той почина в парижкия си апартамент.
Филм "По стъпките на Берлиоз"
Пол Мориат ... При самото произношение на името му музиката започва да звучи в паметта ... Френският композитор, един от най-големите майстори на ХХ век, е роден в Марсилия през 1925 г. в семейство на музиканти и когато беше на 10 години, той без колебание влезе в консерваторията. Любимият му музикален стил е джазът, но в същото време е очарован от класическите симфонии, които го вдъхновяват да създаде свой собствен оркестър - вече на 17 години Пол изнася концерти. Когато избухва Втората световна война, той играе из цяла Франция, давайки надежда на хората за мирно бъдеще.
След войната е забелязан от северноамериканската компания "A&R", което означава "Артисти и репертоар", като го кани да стане корепетитор в различни шоу програми. Това беше първата стъпка към славата и признанието - Парис, създател на тенденции не само на модата, но и на световната музика, отвори ръцете си за младия композитор. Именно там френският композитор Пол Мориат стана аранжор за великолепно шансоние През цялото следвоенно десетилетие младият музикант беше музикален директор на известни личности като Морис Шевалие, Далила, Ескудиеро, Азнавур, Хенри Салводор - безброй турнета, концерти, записи ... По-късно, в края на 60-те и началото на 70-те, той ще пише за Мирей Матийо.
През 1957 г. френският композитор Пол Мориат издава премиерния албум, който е много търсен. Името на записа беше съвсем просто - "Paul Mauriat". Следващата 1958 г. му носи награда на фестивала „Златният петел на шансона“ за песента „Rendez-vos au lavandou“.
През 1964 г. излиза албумът "Paul Mauriat and His Orchestra". Пол Мориат започва да използва псевдоними - Нико Попадопулос, Ричард Одри, Едуардо Руо и много други. Той вярваше, че това ще помогне да се разбере по-добре международният характер на неговите творби и беше прав - световната слава му дойде.
Успоредно с това той композира саундтраци - музика за филми, някои от които са "Такси до Тобрук", "Взриви банката", "Хорас 62", "Кръстникът". В началото на 90-те той пусна саундтрак към филма „Sister Act!“, Който след това започна да се презаписва от известни световни изпълнители и е известен и до днес. Пол Мориат разработва свой собствен стил, който става най-уникален по своята широта и обхват - това е необикновена, лека, ярка и запомняща се музика.
Според едно от американските списания Пол Мориат влиза в Топ-100 като първият френски инструментален изпълнител. Той дава водещата роля в своите произведения на струните - най-сложните стакато и легато, виртуозното свирене на виолончелисти и експерименти с аранжимент придават на музиката му неописуем „френски“ чар, въпреки че творбите му отдавна са излезли извън ограничените музикални рамки. Неговият подход е оценен не само от френските композитори - той използва различни страни.
Френският композитор Пол Мориат бе удостоен със "Златен диск" във Франция, титлата командир на изкуствата и международно признание: музиката му звучеше във всякакви реклами, програми (в СССР известните "В света на животните" и " Кинопанорама "), сериали.
През 1998 г. Мория напуска сцената за последния си концерт в Осако. И през 2006 г., на 81-годишна възраст, френският композитор Пол Мориат умира в южната част на Франция в град Перпинян, в дома си. Въпреки факта, че той е допринесъл безценно за музиката, съвременници и близки приятели го помнят като резервиран, скромен, приятелски настроен и най-велик композитор.
Най-непокорната група се оказа група младежи, която се формира в самия край на Първата световна война. По аналогия с руската „Петица“, тоест „Могъщата шепа“, тя получи името „Шестица“, присвоено й през 1920 г. от журналиста А. Коле. Включва: Дариус Мийо, Артър Хонегер, Жорж Аурик, Франсис Пуленк, Луис Дюри и Жермен Тифър (към тях трябваше да се присъединят приятели и сътрудници на шестицата, Жак Ибер, Жан Винер и Алексис Роланд-Мануел). Вестителят на тази нова група беше поетът, публицист, драматург, сценарист, художник и музикант любител Жан Кокто, чиято брошура „Петелът и Арлекинът“ (1918) придоби художествено значение.
Позицията на композиторите на шестицата: утвърждаването на „френската музика, апел към идеалите на френския класицизъм, към изящната музика на клавесинистите Ж. Рам, Ф. Куперен, стремеж и иновации. Фокусът върху актуализирането на музикалния език базирани на национални традиции чрез ежедневна музика; работа в сложни синтетични жанрове (театър, балет, кино, цирк); изпълнението на характеристиките на неокласицизма, експресионизма, урбанизма - опит за отразяване на ритъма, шума на голям град.
Типични творби: Ф. Пулен "Сутрешна серенада", "Негърска рапсодия", Дж. Аурик "Фокстроти", Дж. Хиберт "Малко бяло магаре", Д. Мийо "Син експрес", "Бик на покрива", "Бразилски танци "...
Артър Хонегер (1899 - 1965) - най-значимият от композиторите на Шестицата. Pacific 231 (1923) е творба на младия Хонегер. Ономатопея на движението на локомотив. Сериозността на темата в последващата творба на композитора: ораториите „Цар Давид“, „Жана Д„ Дъгата на клада “, пет симфонии. Отражение на темите за Втората световна война и защитата на мира в симфонии от третата (1946 г.) и петата (1950 г.) Близост до симфониите на Д. Шостакович Трагичното съдържание на Симфония № 5, изразяваща безпокойство за бъдещето (след Втората световна война, заплахата от нова, атомна война тридесетен цикъл:
1 движение - бавно, грубо, мрачно с рязко дисонираща напрегната музика;
Част 2 - трагичен гротескен скерцо;
Част 3 - бурен финал, изпълнен с чувство на гняв, ужас с маршируваща противоположна тема и мелодична мелодия с широки движения.
Ерик Сати (17.05.1866 - 01.07.1925) - френски композитор. През 1883 г. постъпва в Парижката консерватория в класа на А. Гилман (орган), но след една година отпада. Известно време работи като пианист в кабаре в Монмартър. Занимавайки се сам с композиция, той започва да пише пиеси за пиано, както и музика за театрални представления. Едва на 40-годишна възраст Сати решава сериозно да учи композиция и постъпва в Schola Cantorum, където негови учители са V. d "Andy и A. Roussel. Благодарение на оригиналното си и независимо художествено мислене, Sati обединява около себе си редица млади музиканти, които симпатизираха на движението срещу Вагнер. във френското изкуство. През 20-те години Сати се превърна в идейния вдъхновител на групата "Шестица", оказвайки силно влияние върху формирането на творческите и естетически възгледи на много френски композитори от първата четвърт на 20-ти век. Творбите на Сати изобилстват от остри хармонии, отличават се с оригинален ритъм, необичайна форма. Дух на гротеската. и с порочна ирония, Сати предлага ексцентрични имена за много от пиано пиесите си: Изсушени ембриони, Три парчета в Формата на круша, Изсушени пиеси, Автоматични описания, Вечни и незабавни часовници, Студени парчета и много други. Други. Сред най-известните произведения на Сати са пиано пиесите от Гимнопедия (1888; оркестриран от Дебюси). Сати за трупата му балет "Парад" (в създаването на балета взеха участие J. Cocteau, Massine и Picasso), в партитурата на който композиторът въведе локомотивни рога, пишещи машини и др.
ОПЕРА "БОРИС ГОДУНОВ"
Опера в четири действия с пролог; либрето на Мусоргски по едноименната трагедия на А. Пушкин и „История на руската държава“ на Н. М. Карамзин. Първа постановка: Санкт Петербург, Мариински театър, 27 януари 1874 г. Действието се развива в Москва през 1598-1605.
Идеята да се напише опера по историческата трагедия на Пушкин „Борис Годунов“ (1825) е предложена на Мусоргски от негов приятел, виден историк, професор В. В. Николски. Мусоргски беше изключително очарован от възможността да преведе темата за отношенията между царя и народа, която беше изключително актуална за неговото време, за да изведе хората като главен герой на операта.
Работата, започнала през октомври 1868 г., протича с огромен творчески ентусиазъм. Месец и половина по-късно първото действие вече беше готово. Самият композитор е написал либретото за операта, опирайки се на материали от Историята на руската държава от Н. М. Карамзин и други исторически документи. Докато се съставяха, отделни сцени се изпълняваха в кръг от „кучкисти“, които се събираха при А. С. Даргомижски или при сестрата на Глинка Л. И. Шестакова. „Радостта, възхищението, възхищението бяха универсални“, спомня си В. В. Стасов.
В края на 1869 г. операта Борис Годунов е завършена и представена пред театралния комитет. Но нейните членове, обезсърчени от идейната и артистична новост на операта, отхвърлиха произведението под предлог за липсата на печеливша женска роля. Композиторът направи редица промени, добави полски акт и сцена близо до Kromy. Второто издание на Борис, завършено през пролетта на 1872 г., също не е прието от ръководството на императорските театри.
Борис е поставен само благодарение на енергичната подкрепа на водещите артистични сили, по-специално певицата Ю. Ф. Платонова, която избра операта за свое бенефисно изпълнение. Премиерата се състоя на 27 януари (8 февруари) 1874 г. в Мариинския театър. Демократичната публика поздрави Борис с ентусиазъм. Реакционната критика и благородно-земевладелското общество реагираха на операта рязко негативно. Скоро операта започва да се дава с произволни съкращения и през 1882 г. е напълно премахната от репертоара.
„Борис Годунов“ е народна музикална драма, многостранна картина на епохата, поразителна с широтата и смелите контрасти на Шекспир. Героите са нарисувани с изключителна дълбочина и психологическа проницателност. Музиката разкрива трагедията на самотата и гибелта на царя с огромна сила, бунтовният, бунтарски дух на руския народ е въплътен иновативно.
Прологът се състои от две картинки. Оркестровото въведение към първата изразява скръб и трагична безнадеждност. Припевът „За кого ни напускате“ е подобен на траурни народни оплаквания. Адрес на чиновника Щелкалов "Православен! Неумолимия болярин!" пропита с държавно тържественост и сдържана тъга.
Втората картина на пролога е монументална хорова сцена, предшествана от камбанен звън. Тържественото величество към Борис „Вече като червено слънце в небето“ се основава на истинска народна мелодия. В центъра на картината е монологът на Борис "Душата тъжи", в чиято музика царствено величие се съчетава с трагична гибел.
Първата сцена от първото действие се открива с кратко оркестрово въведение; музиката предава монотонното скърцане на писалката на летописеца в тишината на уединена килия. Премерената и строго спокойна реч на Пимен (монолог „Още един, последната дума“) очертава строгата и достойна външност на стареца. Властен, силен характер се усеща в разказа му за московските царе. Григорий е изобразен като неуравновесен, пламенен младеж.
Втората сцена от първо действие съдържа сочни ежедневни сцени. Сред тях са песните на шинкарката „Хванах сив селез“ и Варлаам „Както беше в града в Казан“ (с народни думи); последният е наситен с елементарна сила и мъжество.
Вторият акт очертава широко образа на Борис Годунов. Големият монолог „Достигнах най-високата сила“ е пълен с неспокойно траурно чувство, тревожни контрасти. Психическият раздор на Борис се засилва в разговор с Шуйски, чиито речи звучат внушително и лицемерно и достига най-голямото си напрежение в последната сцена на халюцинациите („сцената на звънене“).
Първата сцена от третото действие се открива с грациозния, грациозен хор на момичетата „На Лазурната Висла”. Арията на Марина „Колко вяла и вяла“, издържана в ритъма на мазурка, рисува портрет на надменен аристократ.
Оркестровото въведение към втората сцена изобразява вечерния пейзаж. Романтично развълнувани са мелодиите на любовното признание на Претендента. Сцената на Претендента и Марина, изградена върху остри контрасти и капризни промени в настроението, завършва със страстен дует „О Царевич, моля те“.
Първата сцена на четвъртото действие е драматично напрегната народна сцена. От жалък стон на песента на Светия глупак "Месецът идва, котето плаче" хор на "Хляб!"
Втората сцена на четвъртото действие завършва с психологически трогателна сцена на смъртта на Борис. Последният му монолог "Сбогом, сине мой!" боядисани в трагично просветлени, умиротворени тонове.
Третата сцена на четвъртото действие е монументална народна сцена с изключителен размах и мощ. Първоначалният хор „Няма да падне през небесата“ (до истинска народна мелодия на величествена песен) звучи подигравателно и заплашително. Песента на Варлаам и Мисаил „Слънцето, луната потъмня“ е по мелодията на народен епос. Кулминацията на картината е непокорният хор „Разпръснат, изчистен“, пълен със спонтанно, неукротимо веселие. Средната част на припева "О, ти, власт" е метеща мелодия на руска хороводна песен, която, докато се развива, води до заплашителни, гневни възгласи "Смърт на Борис!" Операта завършва с тържественото влизане на Претендента и вика на Светия глупак.
ОПЕРА "РУСЛАН И ЛЮДМИЛА"
Опера в пет действия; либрето на композитора и В. Ширков по едноименната поема на А. Пушкин.
Първа продукция: Петербург, 27 ноември 1842 г. Действието се развива в Киев и приказни земи по времето на Киевска Рус.
„Първата мисъл за Руслан и Людмила ми беше дадена от нашия известен комик Шаховски.
Композиторът започва да работи по операта през 1837 г., без още да има завършено либрето. Поради смъртта на Пушкин той е принуден да се обърне към второстепенни поети и аматьори измежду неговите приятели и познати. Сред тях са Н. В. Куколник (1809-1868), В. Ф. Ширков (1805-1856), Н. А. Маркевич (1804-1860) и др.
Текстът на операта включва някои фрагменти от поемата, но като цяло е написана наново. Глинка и либретистите му направиха редица промени в актьорския състав. Някои герои изчезнаха (Рогдай), други се появиха (Горислава); тематичните редове на стихотворението претърпяха известна промяна. Идеята на операта се различава до голяма степен от литературния източник.
Гениалната младежка поема на Пушкин (1820), основана на темите на руската епопея с приказки, има черти на лека ирония, игриво отношение към героите. Глинка решително отказа подобна интерпретация на сюжета. Той създава творба с епичен обхват, пълна с велики мисли, широки обобщения на живота.
Операта възхвалява героизма, благородството на чувствата, лоялността в любовта, осмива страхливостта, осъжда измамата, гнева и жестокостта. През цялото произведение композиторът носи идеята за победата на светлината над тъмнината, за триумфа на живота.
Операта е написана от Глинка в продължение на пет години с дълги прекъсвания: завършена е през 1842 година. Премиерата се състоя на 27 ноември (9 декември) същата година в Болшой театър в Санкт Петербург.
Руслан и Людмила е епична опера. Монументалните образи на Киевска Рус, легендарните фигури на великия княз Светозар, героят Руслан, пророческият народен певец Баян пренасят слушателя в атмосфера на дълбока древност, пораждат представа за красотата и величието на народния живот . Значително място в операта заемат фантастичните картини на кралство Черномор, замъкът Найна, чиято музика е надарена с ориенталски привкус. Основният конфликт - сблъсъкът на силите на доброто и злото - се отразява в музиката на операта поради релефното противопоставяне на музикалните характеристики на персонажите. Гласови партии на положителни герои, народни сцени са пълни с писане на песни. Отрицателните герои или са лишени от вокални характеристики (Черномор), или са очертани с помощта на речитативен "разговор" (Наина). Епичният грим е подчертан от изобилието от хорови сцени от тълпата и неприбързаното развитие на действието, както в епичен разказ.
Идеята на творбата - триумфът на светлите сили на живота - се разкрива още в увертюрата, в която е използвана ликуващата музика от финала на операта. В средната част на увертюрата се появяват мистериозни, фантастични звуци.
Първият акт впечатлява с широтата и монументалността на музикалното въплъщение. Актът се открива с увод, който включва редица номера. Песента на Баян "Deeds of Bygone Days", придружена от апликация на арфи, имитиращи гусли, е издържана в премерен ритъм, изпълнен с величествено спокойствие. Втората песен на Баян „Има пустинна земя“ има лиричен характер. Въведението завършва с мощен, здравословен хор „Към светлия принц и здраве и слава“. Каватина на Людмила „Тъжно ми е, родителко“ - развита сцена с хор - отразява различните настроения на едно момиче, игриво грациозно, но способно на страхотно искрено чувство. Хорът „Лел тайнствен, възхитителен“, възражда духа на древните езически песни. Сцената на отвличането започва с груби акорди от оркестъра; музиката придобива фантастичен, мрачен привкус, който е запазен и в канона „Какъв прекрасен момент“, който предава състояние на вцепенение, обхванало всички. Актът е увенчан от квартет с хор "О рицар, бързо в открито поле", изпълнен със смела решителност.
Вторият акт, състоящ се от три картини, започва със симфонично въведение, изобразяващо суров, загадъчен северен пейзаж, обгърнат от предпазлива тишина.
Баладата на Фин заема централно място в първия филм; музиката й създава благороден образ, пълен с дълбока хуманност и морална красота.
Втората картина по своята същност е противоположна на първата. Появата на Наина се очертава от бодливи ритми на кратки оркестрови фрази, студени инструментални тембри. Добре насочен комичен портрет на ликуващ страхливец е запечатан в Рондо на Фарлаф „Часът на моя триумф е близо“.
В центъра на третата картина е арията на Руслан, великолепна по музика; бавното й въведение, „О поле, поле, който те е покрил с мъртви кости“, предава настроение на дълбока, концентрирана медитация; вторият раздел, в бързо енергично движение, е надарен с героични черти.
Третото действие е най-разнообразно по отношение на блясъка и живописността на музиката. Редуващи се хорове, танци, рецитали рисуват обстановката на магическия замък на Наина. Гъвкавата мелодия на персийския хор „Лежи в полето мракът на нощта“ звучи феерично съблазнително. Каватината на Горислава „Любовта е луксозна звезда“ е пълна с горещи, страстни чувства. Арията на Ратмир "И топлина и топлина замениха нощта със сянка" е маркирана с подчертан ориенталски привкус: причудлива мелодия на бавна секция и гъвкав ритъм на валс на бърз очертават пламенната природа на хазарския рицар.
Четвъртото действие се отличава с буйната си декоративност, яркостта на неочаквани контрасти. Арията на Людмила „О, споделяш, споделяш“ - подробна монологична сцена; дълбоката тъга се превръща в решителност, негодувание и протест. Походът на Черномор рисува картина на странно шествие; ъглова мелодия, пронизващи звуци на тръби, трептящи звуци на камбани създават гротескно изображение на зъл магьосник. Маршът е последван от ориенталски танци: турски - гладки и вяли, арабски - пъргави и смели; танцовият сюит се завършва с огнена, въртяща се лезгинка.
В петото действие има две снимки. В центъра на първата - романтиката на Ратмир, пропита с блаженство и страст „Тя е моят живот, тя е моята радост“.
Втората сцена е финалът на операта. Суровият, печален хор „О, ти, светло-Людмила“ е близък до народните оплаквания и оплаквания. Вторият ход „Птицата сутрин няма да се събуди“ също е оцветен с тъга, прекъсната от траурните реплики на Светозар. Музиката на пробуждащата се сцена е разпръсната със сутрешна свежест, поезия на процъфтяващ живот; Руслан пее мелодия, пълна с оживено, треперещо чувство („Радост, ясно щастие“); Людмила се присъединява към него, а след това и останалите участници и хорът. Последният хор (Слава на великите богове) звучи ликуващо, леко и весело (музика на увертюрата).
ОПЕРА "ПРИНЦ ИГОР"
Опера в четири действия с пролог; либрето на композитора по руската епична поема „Полагането на дома на Игор“. Първа постановка: Санкт Петербург, Мариински театър, 23 октомври 1890 г. под ръководството на К. Кучера.
Действието се развива: в пролога, в първото и четвъртото действие - в град Путивл, във второто и третото действие - в Половския лагер през 1185г.
Всичко е поразително в "Княз Игор". На първо място, разбира се, брилянтна музика. На второ място, фактът, че операта е композирана от човек, чието професионално занимание не е музика, а химия (А. П. Бородин е бил академик-химик). На трето място, много от операта, въпреки че е композирана от Бородин, не е записана и дирижирана от него; операта е завършена от приятелите на композитора - Н. А. Римски-Корсаков, А. К. Глазунов и А. К. Лядов.
Увертюрата, въпреки че е съставена от А. П. Бородин, не е поставена на хартия от него. Той е записан, завършен и оркестриран след смъртта му и по памет от А. К. Глазунов, който го чува многократно в изпълнение на пианото от самия автор. Четвърто, всички тези композитори често са работили в толкова близък контакт помежду си, че е почти невъзможно да се определи какво е написано в „Княз Игор“ с едната ръка и какво с другата; с други думи, музикалният стил на операта представлява нещо артистично абсолютно интегрално.
През април 1869 г. В. В. Стасов предлага на Бородин забележителен паметник на древноруската литература „Положението на Игоревия поход“ (1185-1187) като оперен сюжет. Според композитора сюжетът му е харесал „ужасно“. За да проникне по-дълбоко в духа на древността, Бородин посети околностите на Путивл (близо до Курск), проучи исторически източници: хроники, стари разкази („Задонщина“, „Мамаево битка“), изследвания за половци, музика на техните потомци, епоси и епични песни. Композиторът беше много подпомогнат от В. В. Стасов, виден експерт по руска история и древна литература.
Текстът и музиката на "Игор" са композирани едновременно. Операта е написана в продължение на 18 години, но не е завършена. След смъртта на Бородин, А. К. Глазунов възстановява увертюрата по памет и въз основа на скиците на автора завършва липсващите епизоди на операта, а Н. А. Римски-Корсаков инструментализира по-голямата част от нея. Премиерата се състоя с голям успех на 23 октомври (4 ноември) 1890 г. в Санкт Петербург, на сцената на Мариинския театър.
„Княз Игор“ е фолклорно-епична опера. Епичният състав на „Игор“ се проявява в героичните музикални образи, в мащаба на формите, в небързания ход на действие, както в епосите.
В голямата увертюра, базирана на мелодиите на операта, образите на руснаците и половците са противопоставени. Средният епизод рисува картина на ожесточена битка.
Могъщият хор на пролога "Слава на червеното слънце" (към оригиналния текст от "Lay") е сроден на суровите, величествено строги мелодии на древни епични песни. Този хор е обрамчен от зловеща оркестрова картина на затъмнение и речитативна сцена, в която са изобразени уплашени боляри, разтревожени, обичащи Ярославна, груби Галицки и смело непреклонен Игор.
Музиката на първата картина (първото действие) с нейния безразсъден, буен характер рязко контрастира с настроението на пролога. Песента на Галицки „Само ако можех да дочакам честта“ прилича на широк танцов танц. Девическият хор „О, дръзко“ фино възпроизвежда особеностите на траурните народни оплаквания. С престорена важност звучи грубо комичната песен на глупаците „Какво има Принс и Владимир“.
На втората снимка ясно се очертава образът на очарователно женствената, но волеви Ярославна. В ариосото „Оттогава е минало много време“ се изразяват нейните меланхолични и тревожни предчувствия; целомъзно сдържана, строга по характер, музиката постепенно придобива страстно възбуден характер. След това действието се драматизира, достигайки най-голямо напрежение в сцената на Ярославна с болярите. Хоровете на болярите „Вземи смелост, принцесо“ и „Ние, принцесо, не сме първите“ са пълни с груба, страховита сила.
Вторият акт е посветен на картините на половецкия лагер. В каватината на Кончаковна „Daylight Dims“ може да се чуят любовни призиви, страстен копнеж, чувствено блаженство. Поезията на младежката любов, очарованието на луксозната южна нощ, е разпръсната от каватината на Владимир „Бавно денят изчезваше“. Арията на Игор „Няма сън, няма почивка“ - многостранен портрет на главния герой; тук са изобразени скръбни мисли за съдбата на родината, и страстна жажда за свобода, и чувство на любов към Ярославъл. Хан Кончак изглежда властен, жесток и великодушен в своята ария „Здрав ли си, принце?“ Действието завършва с ослепително цветни танцови сцени, придружени от хор. Плавният женски танц, необузданият мъжки танц, изпълнен с елементарна сила, и бързият, лек танц на момчетата се редуват в контраст. Постепенно всички групи се включват в буен вихрен танц.
В третото действие (в постановките този акт обикновено се пуска) в изобразяването на половци на преден план излизат войнствеността и жестокостта.
В четвъртото действие музиката се развива от траур до общо ликуване. Дълбока, неизбежна тъга се чува в ариосото на Ярославна „Ах, плача“, което е близко до популярните оплаквания. Ариосо се превръща в популярен вик - припевът на селяните „О, не силен вятър виеше“, който звучи като истинска руска дълготрайна песен. Последният припев „Знай, Господ чу молитвите“ е празничен и тържествен.
Традициите на френската музикална култура започват да се оформят още преди 15 век. Със сигурност е известно, че културите на германските и келтските племена, живеещи на съвременната територия на Франция, са оказали голямо влияние върху нея. Развитието на музиката в тази страна става в сътрудничество с творчеството на народите от съседните страни - италианци и германци. Ето защо френското музикално наследство е толкова цветно и разнообразно.
Произход
Първоначално във Франция на преден план излиза народната музика, без която обикновените хора не могат да си представят съществуването си. С появата на християнството се ражда църковната музика, която постепенно започва да се променя под влиянието на хората.
Най-известният писател на литургиите от онова време се казва Илария от провинция Поатие. Той е живял през 3 век и е бил най-умният богослов и учител на църквата.
От около 10 век светската музика започва да набира популярност. Извършва се при феодални съдилища, по площадите на големите градове, в манастирите. Сред инструментите има барабан, флейта, тамбура, лютня.
През 12 век се открива музикално училище в Нотр Дам, голямата парижка катедрала. Неговите композитори стават създатели на нови музикални жанрове (дирижиране, мотет).
През 13 век Адам де ла Хал става най-видният музикант, който преосмисля работата на трубадурите, отстъпвайки място на истинското музикално изкуство. Най-интересното му творение е „Играта на Робин и Марион“. Той става автор както на поезия, така и на музика за тази пиеса, която беше успешно поставена в двора на граф Артоа.
Ars nova е посока на европейската музика, която се развива във Франция и се превръща във въплъщение на нови идеи на музикантите. Френските композитори Гийом дьо Машо и Филип дьо Витри стават основните теоретици на този период. Де Витри пише музикалния съпровод на стихотворението „Романтика на Фовел“, де Машо става автор на „Маса на Нотр Дам“. Това е първата творба, написана от един композитор, а не в сътрудничество с някой друг.
Ренесанс
От средата на XV до втората половина на XVI век френската музика се развива под влиянието на холандското училище и такива вътрешнополитически промени като войната за обединението на Франция, създаването на централизирана държава и появата на буржоазията.
Под влиянието на такива композитори като Жил Бенчуа, Жоскин Депре, Орландо ди Ласо се формира нов слой в музикалното изкуство на Франция. Кралският двор не стои настрана. Там се появяват параклиси и се одобрява поста главен интендант на музиката. Първият беше италианският цигулар Балтазарини ди Белджоисо.
Разцветът на националната музикална култура се пада на 16-ти век, когато се откроява като жанр на шансон, а органната музика поема значителна роля. Жан Титлуз стана прародител и идеолог на тази тенденция.
Творчеството на хугенотите е широко разпространено, което поради религиозни раздори е отнесено на заден план. Френски композитори, най-големите представители на тази прослойка, Клод Гудимел и Клод Лежен стават автори на стотици псалми. И двамата пострадаха през нощта на Свети Вартоломей.
17-ти век
Музиката от този век се развива под влиянието на установената абсолютна монархия. Придворният живот по времето на Луис 15 беше известен със своя блясък и изобилие. Ето защо не е изненадващо, че сред другите забавления се появиха такива важни жанрове като опера и балет.
Кардинал Мазарин се застъпи за развитието на изискано изкуство. Италианският му произход е причина за популяризирането на културата на тази страна във Франция. Първите експерименти в създаването на национална опера принадлежат на Елизабет Жак де ла Гере, която пише „Кефала и Прокрида“ през 1694 година.
Открит през 1671 г., Кралският оперен театър представи страната с прекрасни композитори. Марк-Антоан Шарпентие създава стотици творби, включително оперите „Слизането на Орфей в ада“, „Медея“, „Съдът на Париж“. Андре Кампра е автор на опера-балета „Галантна Европа“, Венецианския карнавал, музикалните трагедии „Ифигения“ в Таврида, Ахил и Дейдамия.
17 век е периодът на формиране на френската школа за клавесинисти. Сред неговите участници са Chambognière и Jean-Henri d "Anglebert.
18 век
Музикалният и социален живот през този век се променя драстично. Концертната дейност надхвърля съда. От 1725 г. в театрите се провеждат редовни публични концерти. В Париж са основани дружествата „Аматьорски концерти“ и „Приятели на Аполон“, където любителите могат да се насладят на изпълнението на инструментална музика.
Комплектът за клавесин достига своя разцвет през 30-те години. Франсоа Куперен пише над 250 пиеси за клавесина и става известен не само в родната си страна, но и в чужбина. Негова заслуга са и кралските опери и произведения за орган.
За музиката от 18 век от голямо значение е работата на Жан Филип Рамо, който е бил не само талантлив композитор, но и виден теоретик в своята област. Неговите лирични трагедии „Кастор и Полукс“, „Иполит и Аризия“ и балетната опера „Галант от Индия“ също са търсени сред съвременните режисьори.
Почти всички музикални произведения до средата на 18 век са били или църковни, или митологични. Но настроението в обществото изискваше нови интерпретации и жанрове. На тази основа оперната бифа набира популярност, която от сатиричната страна показва висше общество и кралски особи. Първите либрета за подобни опери са написани от Чарлз Фавард.
Френските композитори от 18 век оказват силно влияние върху оперния стил и музикално-теоретичната основа на този жанр.
19 век
Великата френска революция доведе до значителни промени в музикалната култура. На преден план излезе военната духова музика. Открити са специални училища за обучение на военни музиканти. Сега операта беше доминирана от патриотични сюжети с нови национални герои.
Периодът на реставрацията е белязан от възхода на романтичната опера. Френският композитор Берлиоз е най-видният представител на това време. Първата му програмна творба е „Фантастична симфония“, която отразява преувеличена емоционалност, типични настроения от онова време. Става създател на драматичната симфония "Ромео и Жулиета", увертюрата "Крал Лир", операта "Бенвенуто Челини". В родната си страна Хектор Берлиоз беше оценен нееднозначно. Това се дължи на специален творчески път, който той избра за себе си. Неговите творби са изпълнени с невероятни оркестрови ефекти, които композиторът използва първият от френските музиканти.
Средата на 19 век е белязана от началото на развитието на оперетата в страната. Но вече през 70-те години на преден план излиза лиричната музика, но с реалистични тенденции. Чарлз Гуно се смята за основател на този жанр. Неговите опери - "Неохотният лечител", "Фауст" "Ромео и Жулиета" - изразяват всички новаторски разработки на композитора.
Десетки значими творби за френската култура са създадени от Жорж Бизе, който е живял кратко. Учи в консерваторията от 10-годишна възраст и от самото начало постига големи крачки. Той спечели няколко значителни музикални състезания, което позволи на музиканта да замине за Рим за няколко години. След завръщането си в Париж Жорж Бизе започва да работи по операта през целия си живот - „Кармен“. Премиерата му се състоя през 1875 година. Публиката не прие и не разбра тази работа. Композиторът умира през същата година, без да види триумфа на „Кармен“.
През последните години на 19 век френските композитори пишат под влиянието на немски, особено Рихард Вагнер.
20-ти век
Новият век е белязан от разпространението на импресионизма в музикалната култура. Велики френски композитори стават привърженици на този стил. Най-поразителният беше К. Дебюси. Всички основни черти, присъщи на тази посока, бяха отразени в работата му. Естетиката на импресионизма не остана далеч от друг французин. Морис Равел смесва различни стилистични тенденции на своето време в своите творби.
20-ти век се превръща в период на създаване на творчески сдружения, чиито членове са артисти. Известната „Френска шестица“, създадена под ръководството на Ерик Сати и Жан Кокто, се превърна в най-мощната общност на композиторите по това време.
Асоциацията получи името си поради аналогията с Руския съюз на композиторите - Могъщата шепа. Те бяха обединени от желанието да се дистанцират от чуждото влияние (в случая немското) и да развият националния слой на това изкуство.
Асоциацията включваше Луи Дюри (Лирични предложения, Автопортрети), Дариус Мийо (опера Вината майка, балет Създаване на света), Артър Хонегер (опера Джудит, балет Шота Руставели), Жорж Аурик (музика към филмите "Принцесата на Кливс “,„ Римски празник “), Франсис Пуленк (опера„ Диалози на кармелитите “, кантата„ Маскарадна топка “) и Жермен Тифър (опера„ Малката русалка “, балет„ Продавач на птици “).
През 1935 г. се ражда друго сдружение - „Млада Франция“. Негови участници бяха Оливие Месиен (опера „Свети Франциск от Асизи“), Андре Жоливет (балети „Красавицата и звярът“, Ариадна).
Такава нова тенденция като музикалния авангард се появява след 1950 година. Пиер Булез, който учи при Месиаен, стана виден представител и вдъхновител. През 2010 г. той влезе в топ двадесетте диригенти в света.
Развитието на съвременното изкуство във Франция е подхранвано от пионерската работа на такива стълбове на академичната музика като Дебюси и Равел.
Дебюси
Ахил-Клод Дебюси, роден в Сен Жермен ан Лей, от ранно детство изпитва желание за красота. На 10-годишна възраст постъпва в Парижката консерватория. Ученето му беше лесно, момчето дори спечели малко вътрешно състезание. Но Клод беше обременен от класовете по хармония, тъй като учителят не беше приятелски настроен към експериментите на момчето със звуци.
Прекъсвайки обучението си, Клод Дебюси тръгва на пътешествие със собственика на земя от Русия Н. фон Мек като домашен пианист. Времето, прекарано на руска земя, се отрази благоприятно на Клод. Наслаждава се на произведенията на Чайковски, Балакирев и други композитори.
Завръщайки се в Париж, Дебюси продължава да учи в консерваторията и да пише. Той все още формира свой собствен стил. Повратната точка в живота на Клод беше запознанството му с Е. Сати, който със своите новаторски идеи показа пътя към начинаещия композитор.
Зрелият стил на Дебюси се оформя до 1894 г., когато той пише „Следобедът на един фавн“, известна симфонична прелюдия.
Равел
Морис Равел е роден в южната част на Франция, но в млада възраст се премества в Париж, за да учи хобито си. Френският композитор-пианист Шарл де Берио става негов учител.
Както и при Дебюси, Морис беше силно повлиян от срещата си с Ерик Сати. След нея Равел започва да композира с отмъщение, вдъхновен от речите и идеите на композитора.
Докато учи в консерваторията, Равел пише редица творби по испански мотиви („Habanera“, „Old Minuet“), които са горещо приветствани от колеги музиканти. Стилът на композитора обаче веднъж му изигра жестока шега. Равел нямаше право да участва в състезанието за престижната награда в Рим, позовавайки се на възрастови ограничения. Но композиторът все още не е бил на 30 години и е могъл, в съответствие с правилата, да представи творбата си. През 1905 г. в света на музиката избухва огромен скандал заради това.
След Първата световна война, на която Равел се включи доброволно, емоционалният принцип се смяташе за основното в неговите произведения. Това обяснява резкия преход от писане на опери към инструментални композиции (сюита „Гробницата на Куперин“). Също така си сътрудничи със Сергей Дягилев и пише музика за балета "Дафнис и Клое".
По същото време композиторът започва да работи по най-значимата си творба - „Болеро“. Музиката е завършена до 1928г.
Последната творба на Морис Равел е „Три песни“, написана за Фьодор Шаляпин.
Легран
За руската публика името на един френски композитор звучи много познато. Това е Мишел Легран, който създава музиката за култови филми.
Мишел Жан е роден в семейството на диригент и пианист. От детството си момчето беше очаровано от музикалното изкуство и затова влезе в Парижката консерватория. След завършване на обучението си заминава за САЩ, където започва да пише музика за филми.
Във Франция работи с известни режисьори Жан-Люк Годар и Жак Деми. Най-популярната му творба е музиката към филма "Чадърите на Шербур".
Пише джаз музика. От 60-те години работи в Холивуд. Сред известните творби на композитора - музика към „Аферата на Томас Кроун“, „Другата страна на полунощ“. Мишел Легран е трикратен носител на Оскар.
21 век
Академичната музика все още се търси във Франция. Не бройте всички фестивали и установени награди за постижения в тази област. В Париж, който е културният център на страната, има Националната консерватория, Опера Бастилия, Опера Гарние и Театърът на Шанз Елизе. Работят десетки световноизвестни оркестри.
Музиката на френските композитори става известна на широката публика чрез кинематографията. Заедно с операта и симфоничната музика те пишат и за филми. Това са предимно произведения за френската филмова индустрия, но някои композитори стават и международни. Най-успешните живи френски композитори на 21-ви век са:
- Антоан Дюамел (Откраднатите целувки, Грациозната ера).
- Морис Джар (Доктор Живаго, Разходка в облаците).
- Владимир Косма ("Убождане на чадър", "Татко").
- Бруно Куле („Белфегор-призракът на Лувъра“, „Хористи“).
- Луи Обер (опери „Синя гора“, „Очарователна нощ“).
- Филип Сард („Дъщеря Г“ Артаняна, „Принцеса дьо Монпенсие“).
- Ерик Сера (саундтраци за "Леон", "Жана д" Дъга "," Петият елемент ").
- Габриел Яред (Английският пациент, Студена планина).
