XVII stoljeća pokazao svijetu dva umjetničke škole – nizozemske i flamanske... Obojica su bili nasljednici umjetničke tradicije Nizozemske, europske zemlje, na čijem se području do tada formirala katolička Flandrija, nazvana po najznačajnijoj pokrajini (danas je to područje Belgije i Francuske). Ostale pokrajine, obraneći svoju privrženost idejama reformacije, ujedinile su se i počele se zvati Nizozemska republika, ili jednostavno Nizozemska. U 17. stoljeću u Nizozemskoj je oko tri četvrtine stanovništva bilo urbano, a srednja klasa se smatrala glavnom klasom. Reformirana crkva napustila je raskoš dekoracije, nije bilo okrunjenih kupaca i klanovske aristokracije, što znači da su predstavnici buržoazije postali glavni potrošači umjetnosti. Prostor rezerviran za slikanje bio je ograničen na kuće građanstva i javne zgrade.

Dimenzije slika u pravilu nisu bile velike (u usporedbi s palačnim slikarstvom ili oltarnim kompozicijama za crkve), a radnje su bile komorne prirode, prikazujući prizore privatnog, svakodnevnog života. Glavno dostignuće nizozemske umjetnosti u 17. stoljeću. - u štafelajnom slikarstvu. Čovjek i priroda bili su predmeti promatranja i prikaza nizozemskih umjetnika. Marljivost, marljivost, ljubav prema redu i čistoći odražavaju se na slikama koje prikazuju nizozemski način života. Zato su nizozemski majstori 17. stoljeća (s izuzetkom Rembrandta i Halsa) nazvani "Mali Nizozemci" ( golem krug nizozemskih slikara 17. stoljeća. nastao u vezi s komornom prirodom njihova rada, malom veličinom njihovih slika (pejzaž, interijer, svakodnevne teme). Malo nizozemsko slikarstvo karakterizira suptilnost pisanja, izražajnost sitnih detalja, ljepota svjetla i nijansi boja, opći osjećaj udobnosti, bliskosti i jedinstva likova u krajoliku ili unutarnjem okruženju. Među najistaknutijim predstavnicima su Jan Wermer, braća Ostade (Adrian van O. i Isak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu).

Većina umjetnika je teme za svoje slike pronašla u svojoj domovini, slijedeći Rembrandtov savjet: „Naučite, prije svega, pratiti bogatu prirodu i prikazati, prije svega, ono što u njoj nalazite. Nebo, zemlja, more, životinje, dobri i zli ljudi – sve nam služi za vježbanje. Ravnice, brežuljci, potoci i drveće pružaju umjetniku dovoljno posla. Gradovi, tržnice, crkve i tisuće prirodnih bogatstava vape nam i govore: idi žedni znanja, promišljaj nas i reproduciraj nas." Produktivnost umjetnika dosegla je nevjerojatne razmjere, kao rezultat toga, nastala je konkurencija među slikarima, što je zauzvrat dovelo do specijalizacije majstora. I možda je zbog toga došlo do raznolike žanrovske diferencijacije. Bilo je umjetnika koji su radili samo u žanru morskog pejzaža ili žanru urbanih pogleda, ili su prikazivali interijere prostorija (soba, hramova). U povijesti slikarstva bilo je primjera mrtvih priroda i krajolika, ali nikad prije ti žanrovi nisu postigli takvu masovnost i samodostatnost kao u Nizozemskoj u 17. stoljeću.

Nizozemci su na svojim slikama željeli vidjeti cijeli raznolik svijet. Otuda širok raspon slikarstva ovoga stoljeća, "uska specijalizacija" u određenim vrstama tema: portret i pejzaž, mrtva priroda i animalistički žanr. U Nizozemskoj nije bilo veza s Italijom i klasična umjetnost nije igrala istu ulogu kao u Flandriji. Ovladavanje realističkim tendencijama, dodavanje određenog raspona tema i podjela žanrova kao jedinstvenog procesa dovršavaju se do 20-ih godina 17. stoljeća.

Povijest nizozemskog slikarstva 17. stoljeća. savršeno pokazuje evoluciju rada jednog od najvećih slikara portreta u Nizozemskoj Frans Hals(1580.-1666.) Njegova se djelatnost gotovo u potpunosti odvijala u Harlemu. Ovdje je već oko 1616. promoviran kao najistaknutiji slikar portretista i zadržao svoju ulogu na tom polju do kraja života. S pojavom Halsa, strogo realističan i dirljivo individualan nizozemski portret dostiže zrelost. Prevladano je sve plaho, sitno, naturalističko što odlikuje njegove prethodnike.

Početna faza Khalsaove umjetnosti nije razjašnjena. Odmah vidimo majstora kako rješava najteži problem grupnog portreta. Slika jednog za drugim strijelaca korporacije St. Hadrijana i sv. Jurja (Haarlem, Muzej Fransa Halsa), gdje se s neponovljivom lakoćom prenosi živost prepunog sastanka i sjaj tipova svakog od prisutnih. Slikovno umijeće i kompozicijska snalažljivost grupa idu ruku pod ruku u ovim portretima s izvanrednom oštrinom karakteristika. Hals nije psiholog: mentalni život njegovih modela obično prolazi mimo njega. Da, i piše za većinu ljudi čiji se cijeli život odvija u uvjetima intenzivne, energične aktivnosti, ali koji se ne upuštaju previše u pitanja psihološke prirode. Ali Khals, kao nitko drugi, bilježi izgled ovih ljudi, u stanju je shvatiti najprolaznije, ali ujedno i najkarakterističnije u izrazu lica, u držanju, u gestama. Vesele naravi, on nastoji uhvatiti svaku sliku u trenutku oživljavanja, radosti, a nitko ne prenosi smijeh tako suptilno i raznoliko kao on. Portret časnika (1624., London, zbirka Wallacea), koji se njiše na stolici "Gaitgeisen" (kraj 1630-ih, Bruxelles, umjetnička galerija), "Gypsy" (kraj 1620-ih, Louvre), ili tzv. Vještica iz Harlema ​​- Malle Bobbé(Berlin) mogu se navesti kao tipični primjeri njegove dirljive i često živahne umjetnosti. Muškarce, žene, djecu prikazuje s istim osjećajem žive slike (“ Portret mladića s rukavicom", U REDU. 1650, Ermitaž). Dojmu živosti pridonosi i sama Halsova tehnika, neobično slobodna i koja godinama raste u svojoj širini. Dekorativni sjaj ranih radova naknadno se temperira, kolorit postaje srebrnkast, sloboda korištenja crno-bijelih tonova govori o vještini koja si može priuštiti najsmjeliju slikarsku odvažnost.

Na portretima kasnog razdoblja (50-60-e) nestaju bezbrižna hrabrost, energija i pritisak. Na muškom portretu Ermitaža, uz svu impozantnu figuru, može se pratiti umor i tuga. Ove značajke dodatno su pojačane u briljantno naslikanom portretu čovjeka u šeširu širokog oboda (muzej u Kasselu). Khals ovih godina prestaje biti popularan, jer nikad ne laska i ispada da je stran degeneriranim ukusima bogatih kupaca koji su izgubili demokratski duh. Ali upravo je u kasnijem razdoblju stvaralaštva Khals dosegao vrhunac majstorstva i stvorio najdublje djelo. U nekim djelima ocrtavaju se impresionističke metode kolorističkih rješenja. Hals je do posljednjih godina života naslikao bezbroj pojedinačnih portreta, ali se opet vratio grupnim portretima. Slika 2 portreta - regente i regente skloništa za starije osobe, u jednom od kojih je i sam našao utočište potkraj života. Na portretu regenta nema drugarstva prethodnih kompozicija, modeli su razjedinjeni, nemoćni, tupog pogleda, na licima im je ispisana pustoš. Ružičasto-crvena mrlja na koljenu jednog od regenta unosi posebnu napetost u tmurni kolorit (crna, siva i bijela). Dakle, u dobi od 9 godina, bolesni, usamljeni i osiromašeni umjetnik stvara svoja najdramatičnija i najizvrsnija umjetnička djela.

Halsova umjetnost bila je od velike važnosti za svoje vrijeme, utjecala je na razvoj ne samo portreta, već i žanra, pejzaža, mrtve prirode.

Pejzažni žanr Nizozemska 17. stoljeće posebno zanimljivo. To nije priroda općenito, neka opća slika svemira, nego nacionalna, naime nizozemski krajolik, koji prepoznajemo u modernoj Nizozemskoj: poznate vjetrenjače, pustinjske dine. Sivo nebo zauzima veliko mjesto u kompozicijama. Ovako je prikazana Nizozemska Jan Van Goyen (1596-1656) i Salomon Van Ruisdael (1600-1670).

Zora pejzažnog slikarstva u nizozemskoj školi pripada srednjoj. 17. stoljeće Najveći majstor realističkog pejzaža bio je Jacob van Ruisdael (1628.-1682.), umjetnik neiscrpne fantazije. Njegova djela obično su puna duboke drame, bilo da se radi o šumskim šikarama ("Šumska močvara"), pejzažima sa slapovima ("Vodopad") ili romantičnom krajoliku s grobljem ("Židovsko groblje"). Ruisdaelova priroda javlja se u dinamici, u vječnoj obnovi. I najsloženiji motivi prirode pod umjetnikovim kistom dobivaju monumentalni karakter. Za Ruisdaela je tipično da kombinira pažljivo pisanje s velikim integritetom, sa sintetikom slike.

Rođen je u Haarlemu 1628. ili 1629. godine. Njegovo prvo sačuvano djelo iz 1646. izgleda kao djelo zrelog majstora - a tada je imao samo 18 godina. Sa sigurnošću se može reći da je 1648. Ruisdael postao član Haarlemskog saveza umjetnika.

U mladosti je Ruisdael dosta putovao u potrazi za prirodom - ne napuštajući, međutim, više od stotinu milja od rodnog Haarlema. Sredinom 1650-ih umjetnik se preselio iz Haarlema ​​u Amsterdam, gdje je živio do kraja svojih dana.

Metropolitan Amsterdam u vrijeme Ruisdaela bio je upadljivo drugačiji od provincijskog Haarlema ​​(iako je udaljenost između ovih gradova, čak i tada, prevladana za dva sata). Ruisdael je slikao svoje slike ne za privatne narudžbe, već za slobodnu prodaju. Oko 1670. preselio se u samo središte grada, na trg Dam, gdje je unajmio stan iznad trgovine Hieronymusa Sveertsa, trgovca slikama i knjigama. .

Meindert Hobbema(1638., Amsterdam - 7. prosinca 1709.) - najznačajniji majstor nizozemskog krajolika nakon svog mentora Jacoba van Ruisdaela.

Poznato je da su Hobbema i Ruisdael zajedno putovali i radili skice iz prirode. U studenom 1668. Hobbema se oženio kuharicom amsterdamskog burgomastera i preko nje dobio dužnost provjere kvalitete uvoznih vina. Dugo se vjerovalo da je to kraj njegovog slikarstva.

Možda je morao manje vremena posvetiti slikanju nego prije, ali njegovo najbolje djelo, Aleja u Middelharnisu, datira iz 1689., a druga londonska slika, Ruševine dvorca Brederode, iz 1671. godine. Ova kasnija djela pripadaju najuspješnijim ostvarenjima nizozemskog pejzažnog slikarstva i zapravo povlače crtu u njegovu razvoju.

Umjetnik je umro u siromaštvu, ali već u 18. stoljeću su ga mnogo oponašali, a njegova su djela postala predmetom rivalstva među kolekcionarima. Za razliku od Ruisdaela, koji je radije snimao divlje životinje, Hobbemu je bio privučen tihim, ruralnim prizorima suncem obasjanih sela pomiješanih s grozdovima drveća tu i tamo. U tim seoskim idilama sve je napisano s velikom pažnjom, a posebno lišće.

Usko povezan s nizozemskim krajolikom je animalistički žanr... Mnogi predstavnici pejzažnog slikarstva imaju interes za prijenos životinja. Potonji se vrlo često ispostavi da su ekvivalentni čisto krajobraznim elementima, a ponekad im krajolik služi samo kao pozadina. Sposobnost identificiranja pasmine životinje, njezine strukture, boje, karakterističnih pokreta jedno je od upečatljivih svojstava Nizozemaca. U kombinaciji s ovom vještinom, suptilnost prenošenja atmosfere i svjetla doseže iznimno savršenstvo među nekim animalistima. O tome svjedoče brojni radovi Paulus Potter(1625-1654) i Albert Cape(1620-1691). Obojica su, uz slike životinja koje pasu ili se odmaraju na otvorenom (Potterova farma, Ermitaž, 1649.), naslikale i svoje pojedinačne kopije u krupnom planu. Osim općih planova, Potter voli prikazati jednu ili više životinja u krupnom planu na pozadini krajolika ("Pas na lancu"). Capeov omiljeni motiv su krave na pojilu ("Zalazak sunca na rijeci", "Krave na obali potoka"). Slika "Pejzaž sa stadom, konjanikom i seljacima."
Mirna seoska scena okupana je zlatnim sjajem zalaska sunca. Toplo svjetlo prodire u svaki detalj kompozicije, stvarajući efekt sjaja. To upečatljivo razlikuje Cape boju od hladne plave i zelene boje njegovih suvremenika, kao npr Meindert Hobbema... Prividna nasumična lokacija životinja zapravo je pomno promišljena kako bi se prikazala igra svjetla i sjene.

Osim toga, Cape pripada jednom od prvih mjesta među predstavnicima čistog krajolika. Njegove slike odlikuju se iznimnom vještinom prenošenja zlatne, sunčeve svjetlosti, izrazito su motivski raznolike i uključuju mnoge marine (pogled na more).

Samo uz more(Marina) je bila zaručena Ian Porsellis(1584-1632). Marina je igrala vrlo važnu ulogu u nizozemskoj umjetnosti 17. stoljeća i odgojila niz prvorazrednih stručnjaka. Čini se da je opći razvoj marine jednak onome koji je zabilježen u povijesti nizozemskog krajolika. U početku su kompozicije jednostavne. Umjetnik vidi svoj cilj ostvaren ako s najvećom vjerojatnošću prenese širinu mora, brodove koji se njišu na njemu i samu vodu. Tako piše Jan Porcellis. U sljedećoj generaciji, priroda prijenosa morskih vrsta mijenja se prema većoj dinamici. Ipak, istina je, stvaraju se slike koje prikazuju mirnoću vodene stihije, ali to sada nije dovoljno; oluje počinju bacati brodove na stijene, divovski valovi prijete im smrću i tjeraju mornare da se sklone u luku. U oba slučaja za Bakgeisena (1631.-1709.) nema poteškoća. Njegov kist s jednakom virtuoznošću prenosi vedrinu nebesa, ciklona, ​​prskanje, kamenje i tragove olupina.

Mrtva priroda postiže briljantan razvoj. Nizozemska mrtva priroda je, za razliku od flamanske, slike intimne naravi, skromne veličine i motiva. Peter Klass (1597-1661), Willem Head(1594.-1680.) najčešće je prikazivao tzv. doručci: jela sa šunkom ili pitom na relativno skromno posluženom stolu. U vještom rasporedu predmeti su prikazani na način da se osjeća kao unutarnji život stvari (nizozemci nisu uzalud mrtvu prirodu nazvali "still leven" - "mirni život", a ne "nature morte" - "mrtva priroda"). Boja je suzdržana i profinjena (Kheda "Doručak s jastogom", 1658; klasa "Mrtva priroda sa svijećama", 1627)

Willem Heda radio je u Haarlemu i bio je pod utjecajem Petera Klasa. Khedove skromne mrtve prirode - "doručci", koji su obično prikazivali mali set kućanskog pribora i jela, odlikuju se izvrsnim umijećem u prenošenju teksture stvari, suzdržanom srebrno-zelenom ili srebrno-smeđom bojom ("Doručak s pitom od kupina ", 1631, Umjetnička galerija, Dresden; "Šunka i srebrnina", 1649, Državni muzej likovnih umjetnosti, Moskva).

Promjenom u životu nizozemske zajednice u 2. pol. 17. st., postupnim porastom želje buržoazije za aristokratizacijom i gubitkom nekadašnje demokracije, mijenja se i priroda mrtve prirode. Glave "doručaka" zamijenjene su luksuznim "desertima" Willem Kalf (1619-1693). Jednostavno posuđe zamjenjuju mramorni stolovi, stolnjaci od tepiha, srebrne čaše, posude od sedefnih školjki, kristalne čaše. Kalf postiže nevjerojatnu virtuoznost u prenošenju teksture breskve, grožđa, kristalnih površina. Ujednačeni ton mrtvih priroda prethodnog razdoblja zamijenjen je bogatom gradacijom najizvrsnijih šarenih nijansi.

nizozemski slikar. 1640-1645 radio je u Francuskoj, od 1653 - u Amsterdamu. Kasnije je Willem Kalf živio i radio uglavnom u Amsterdamu. Duboke, zasićene boje svojih slika ovaj je slikar mrtve prirode mogao zahvaliti utjecaju djela svog suvremenika Jana Vermeera. Jedan od najvećih majstora nizozemske škole mrtve prirode, Kalf je naslikao kako skromno motivirane slike koje prikazuju siromašne kuhinje i okućnice ("Dvorište seljačke kuće", Državni muzej Ermitaž, St. Petersburg), tako i spektakularne kompozicije s dragocjenim priborom i egzotikom. južno voće ("Doručak", Državni muzej, Amsterdam; "Mrtva priroda", Državni Ermitaž, St. Petersburg). Virtuoznost slikara mrtve prirode Kalfa očitovala se u klasičnoj profinjenosti prostornih konstrukcija, suptilnom osjećaju za originalnost i intrinzičnu vrijednost svake stvari, sofisticiranosti i bogatstvu svjetla i sjene i koloritnih odnosa, spektakularnom kontrastu različitih tekstura. i materijala.

“Mrtva priroda s jastogom, vinskim rogom i čašama”. Zbirka egzotičnih i luksuznih predmeta raspoređenih na stolu, oslikanih briljantnom zanatom i dubokim osjećajem za boje. Jastog, vinski rog s blistavim filigranskim srebrnim okvirom, prozirne čaše, limun i turski tepih izvedeni su s tako nevjerojatnom pažnjom da se stvara iluzija da su stvarni i da se mogu dodirnuti rukom. Mjesto za svaki predmet odabrano je s takvom pažnjom da grupa kao cjelina tvori sklad boja, oblika i teksture. Toplo svjetlo koje obavija predmete daje im dostojanstvo dragocjenog nakita, a njihova rijetkost, raskoš i hirovitost odražavaju istančane ukuse nizozemskih kolekcionara u 17. stoljeću – vremenu kada su mrtve prirode bile iznimno popularne.

Nizozemska mrtva priroda- jedna od umjetničkih transformacija najvažnije teme nizozemske umjetnosti - teme privatnog života običnog čovjeka. Ova je tema u potpunosti utjelovljena u žanrovskoj slici. U 20-30-im godinama. 17. stoljeće Nizozemci su stvorili posebnu vrstu malenog malofiguralnog slikarstva. 40-60-ih godina - procvat slikarstva, veličajući mirni građanski život Nizozemske, odmjerenu svakodnevicu. Čak se i u Halsovom krugu, gdje se formirao i Adrian Browver, flamanski slikar, formirao izrazit interes za teme iz seljačkog života. Adrian van Ostade(1610.-1685.) - bio je najveći po svojim likovnim zaslugama u prikazu seljačkog života. Obično prikazuje svoje sjenovite strane ("Turba"). Kao i ostali njezini predstavnici, on svojim temama obično pristupa posve u duhu ideologije vladajuće klase i ili idealizira stvarnost, ili u seljacima vidi samo zabavna stvorenja čiji moral pobuđuje smijeh i šale... ("U seoskoj krčmi" 1660.).

U kasnijem razdoblju njegova umjetnost dobiva obilježja lirizma, a dosadašnje radnje zamjenjuju slike mirnog odmora na pragu kolibe ili u dvorištu seoske konobe, kao i interijeri s prizorima tihe obiteljske udobnosti ( Seoski koncert, 1655., Ermitaž). Osim takvih malofiguralnih slika, Ostade je često slikao, u većem planu, i strogo realistične polufigure predstavnika raznih zanata. S pravom, Ostadeovim remek-djelom slikarstva smatra se njegov "Slikar u ateljeu" (1663.), u kojem umjetnik veliča ljudski rad, ne pribjegavajući ni deklaraciji ni patetici.

No, glavna tema "malih Nizozemaca" i dalje nije bio seljački, nego građanski način života. Obično su to slike bez ikakve fascinantne priče. Čini se da se na slikama ovog žanra ništa ne događa. Žena čita pismo, gospodin i gospođa sviraju. Ili su se tek upoznali i rađa im se prvi osjećaj, ali to se samo ocrtava, gledatelju se daje pravo da sam nagađa. Najzabavniji pripovjedač na ovoj vrsti slika bio je Jan Stan(1626-1679). Za Stana, za razliku od većine njegovih suvremenika, strana radnje nije ravnodušna. U svojim slikama pridaje značajnu ulogu narativu i voli prikazivati ​​pojedine zabavne prizore iz svakodnevnog života malograđana. U njima majstor otkriva oštroumno zapažanje, prikladno karakterizira tipove i s suptilnim veselim humorom ispriča epizode koje je odabrao. Indikativna je za njega slika "Bolesnik i liječnik" (oko 1660., Ermitaž). U kasnijem razdoblju Stenova djelovanja te crte gube oštrinu, te on, slijedeći opći trend, kreće na put umjetnosti, elegantnije i posvećenije problemima čisto vizualne percepcije stvarnog svijeta.

Postigla veliku vještinu Gerard Terborch(1617-1681). Počeo je s najdemokratičnijim pričama ("Mlinac"). Odlikovao se najvećom vještinom u slici svile i satena, prozirnošću staklenih naočala, površine bilo koje stvari. Likove vrlo često karakterizira Terborchov poznati aristokratski izgled, što se objašnjava izborom modela iz reda plemstva. Profinjenost Terborchove umjetnosti uvelike je zaslužna za njenu boju kojom dominiraju izvrsni srebrni tonovi. Neke od najboljih umjetnikovih slika uključuju "Čašu limunade" (Ermitaž) i "Koncert" (Berlin, Dahlem).

Interijer je posebno poetičan među malim Nizozemcima. Život Nizozemaca odvijao se uglavnom u kući. Pravi pjevač ove teme bio je Peter de Hooch(1629-1689). Iluzornost prijenosa stvari za ovog majstora povlači se u drugi plan, a njegov je interes koncentriran na razvoj prostornih odnosa, posebice na prikaz interijera, kao i dvorišta i ulica koje se otvaraju iza njih ("A. domaćica sa sluškinjom", Ermitaž, oko 1660.). njegove sobe s poluotvorenim prozorom s nehotice bačenim cipelama ili ostavljenom metlom u pravilu su prikazane bez ljudskog lika, ali ljudi su ovdje nevidljivo prisutni, uvijek postoji veza između interijera i ljudi. Kad prikazuje ljude, namjerno naglašava zaleđeni ritam, prikazuje život, takoreći, zamrznut, nepomičan kao i same stvari ("Dvorište").

Usporen ritam života, pravilnost dnevne rutine, neka monotonija postojanja savršeno prenosi Gabriel Metsu(1629-1667; "Doručak"). Po općoj prirodi svojih žanrovskih slika blizak je Terborchu, ali živopisnije boje.

Nova etapa u žanrovskom slikarstvu počinje 50-ih godina i povezuje se s tzv. delft škola, s imenom umjetnika kao npr Karel Fabricius, Emmanuel de Witte i Jan Wermer(1632-1675), poznat u povijesti umjetnosti kao Vermeer od Delfta (nazvan po mjestu rada). Umjetnost Vermeera od Delfta pripada kasnom razdoblju razvoja Nizozemske. Generacija herojskih, ali bezobraznih boraca za neovisnost i trijeznih gospodarstvenika - organizatora kapitalističke ekonomije - pripadala je prošlosti. Njihovi unuci ušli su u povijesnu arenu, koji su mogli sigurno koristiti stečene pogodnosti. U tim uvjetima nastaje živa, radosna umjetnost posljednje faze procvata nizozemske republike.

Ovo razdoblje uključuje zrelu, iskrenu i istovremeno jasnu i jednostavnu, unatoč svoj sofisticiranosti tehnologije, umjetnost Vermeera od Delfta. Malo je originalnih Vermeerovih djela, samo nekoliko muzeja posjeduje male i uvijek dragocjene slike majstora Delfta. Vermeerova je tema više-manje tradicionalna; mlade žene koje čitaju slova, vezuju, u društvu kavalira, slikara ispred štafelaja, djevojke koja samo sanja na prozoru ("Djevojka sa pismom", Dresden; "Kavalir i dama na špinetu" itd. .) - jednom riječju sve ono što su nizozemski slikari već više puta prikazali. Što se tiče tematike, u užem smislu riječi, Vermeer nema ništa originalno. Samo se u rijetkim slučajevima okreće zabavnim zapletima i unosi u kompoziciju element radnje (Kod makroa, 1656., Dresden). Ipak, sve njegove slike imaju potpuno individualan karakter. U svim likovima koje portretira ima nekakve svjetlosti i lagane poezije, a uz tu poeziju i blagost u sva njegova djela utisnut je poseban osjećaj grube jednostavnosti, nečeg uistinu klasičnog.

Vermeer je nedvojbeno jedan od najvećih kolorista u povijesti zapadnoeuropske umjetnosti. Ne samo njegov delikatan ukus u izboru boja, već i sposobnost pronalaženja međusobnog odnosa čini Vermeera jednim od najsofisticiranijih majstora boja. S najvećim osjećajem za mjeru i taktom kombinira limunastožutu, plavu, ljubičastu raznih nijansi, grimizne i blijedozelene boje u jedan zvučni ton. Upravo je u djelu Vermeera Delfta problem svjetla, tradicionalan za nizozemsku umjetnost, dobio svoje najsavršenije rješenje. Iridescentno biserno svjetlo jedno je od najkarakterističnijih obilježja slika majstora Delfta. Nema sumnje, također, da je Wermeer iz Delfta bio jedan od najuspješnijih tehničara svog vremena. Njegovih nekoliko slika naslikano je bogatom i raznolikom teksturom. Njegova metoda preklapanja boje, koja je predodredila kasniju tehniku ​​impresionista, omogućila je Vermeeru i samom Vermeeru da predoči svjetlosne objekte u svoj svojoj slikovnoj konkretnosti. Svjetlo na Vermeerovim slikama nije samo prozirni medij, već zrak, bogat najfinijim prijelazima srebrnih tonova.

Wermeer je učinio ono što nitko nije radio u 17. stoljeću: slikao je pejzaže iz prirode ("Mala ulica", "Pogled na Delft"). Mogu se nazvati prvim primjerima plenerističkog slikarstva. Zrela, klasična u svojoj jednostavnosti umjetnost Vermeera bila je od velike važnosti za buduća razdoblja.

Vrhunac nizozemskog realizma, rezultat slikovnih dostignuća nizozemske kulture u 17. stoljeću. je djelo Rembrandta. No, značaj R., kao i svakog genijalnog umjetnika, nadilazi granice samo nizozemske umjetnosti i nizozemske škole. Zauzimajući središnje mjesto u nizozemskoj školi svog vrhunca, Rembrandt se još uvijek izdvaja od mnogih umjetnika svoje domovine. Širina raspona Rembrandtovih umjetničkih interesa i duboki psihologizam njegova djela ostali su im strani.

Harmenszoon van Rijn Rembrandt rođen je 1606. u Leidenu i bio je sin bogatog vlasnika mlina. Rano je otkrio strast za slikanjem i nakon kratkog boravka na Sveučilištu u Leidenu u potpunosti se posvetio umjetnosti. Na kraju uobičajenog trogodišnjeg studija kod neznatnog domaćeg umjetnika Jacoba Svannenburcha, Rembrandt je otišao usavršavati se u Amsterdam, gdje je postao Lastmanov student. Lastman, vješt majstor koji je studirao u Italiji, upoznao je Rembrandta s efektom chiaroscura, koji se koristi za prenošenje volumena i otkrivanje dramatike radnje. Ova tehnika postat će glavna u umjetničkom radu. Sljedećih godina Rembrandt je radio u Leidenu, stekavši reputaciju majstora biblijskih i mitoloških scena. Stoga se obično nazivaju godine 1625-1632. Leidensko razdoblje njegova rada.

Godine 1632. preselio se u Amsterdam, gdje je odmah stekao slavu, napisavši "Lekciju iz anatomije dr. Tulpe". 30-te godine - vrijeme najveće slave, slikaru je ovom slikom otvoren put do kt, kt se smatra grupnim portretom i naziva se i "Lekcija anatomije". Na ovom platnu ljude m/u akcijom ujedinjuje m/u, svi su predstavljeni u prirodnim pozama, njihovu pozornost privlače glavni lik - dr. Tulpa, koji demonstrira strukturu mišića leša. Živi s trgovcem umjetninama Hendrikom van Eilenborchom, koji ga patronizira, dogovara narudžbe za portrete, što mladom umjetniku daje reputaciju modnog i uspješnog majstora. Godine 1634. Rembrandt se uspješno oženio Hendrikovom nećakinjom Saskiom, a do 1639. godine, zajedno sa suprugom, stekao je veličanstvenu kuću u glavnom gradu. Sve do ranih 1640-ih. uživa veliki uspjeh kod kupaca, ovo je vrijeme njegove osobne dobrobiti. U poznatom remek-djelu ovog razdoblja - "Autoportret sa Saskiom na koljenima" (oko 1635., Umjetnička galerija, Dresden), Rembrandt je sebe prikazao sa svojom mladom suprugom za svečanim stolom. Nježna igra zlatnih tonova, mlazovi svjetlosti koji prodiru u sliku, prenose radosno raspoloženje mladog i uspješnog umjetnika i njegove supruge, punog nada i snova.

Cijelo ovo razdoblje prekriveno je romantikom. Slikar, takoreći, u svom radu namjerno nastoji pobjeći od dosadne građanske svakodnevice. Sebe i Saskiju piše u raskošnim odjevnim kombinacijama, u fantastičnim odjevnim kombinacijama i pokrivalima za glavu, stvarajući spektakularne kompozicije, u svemu, u pozama, pokretima prevladava opće – radost postojanja. (Saskia kao Flora). Izrazu tog ushićenog raspoloženja najbliži je barokni jezik. Rembrandt je u tom razdoblju bio pod velikim utjecajem talijanskog baroka.

Likovi slike "Abrahamova žrtva" (1635.) pojavljuju se pred nama u složenim kutovima. Slika prati stanje uma Abrahama, koji nije imao vremena osjetiti ni radost što se riješio strašne žrtve ni zahvalnost kada se anđeo iznenada pojavio, ali koji je još uvijek doživljavao samo umor i zbunjenost.

Rembrandt je uvijek posvećivao veliku pažnju bakropisu (graviranju) i crtežu, te je ubrzo postao najveći majstor grafičke tehnike u Europi. Portreti i pejzaži koje je izvodio u tehnici bakropisa, kao i svakodnevni i vjerski prizori, odlikovali su se novitetom umjetničkih tehnika, dubokim psihologizmom slika, bogatim chiaroscurom, ekspresivnošću i lakoničnim linijama. Do nas je došlo oko dvije tisuće Rembrandtovih crteža. Među njima su pripremne skice, crteži skica za slike, skice prizora svakodnevnog života i ideje koje se rađaju u njegovoj mašti.

Na prijelazu njegova ranog razdoblja stvaralaštva pojavljuje se jedna od njegovih najpoznatijih slika "Noćna straža" - grupni portret puškarskog ceha. No, grupni portir je formalni naziv posla koji proizlazi iz želja kupaca. U "Noćnoj straži" Rembrandt na nov način rješava žanr grupnog portreta, tradicionalan za nizozemsku umjetnost. Slika (1642., Muzej Rijks, Amsterdam) je grupni portret članova streljačkog ceha kapetana Banninga Cocka, a umjetnik ju je prikazao kao pravu uličnu scenu. Rembrandt je napustio statični raspored svih sudionika, koji je tada bio prihvaćen, stvorivši prizor pun pokreta. Kontrasti svjetla i sjene, emocionalnost slike prenose emociju događaja. Slika poprima povijesni karakter, govori o hrabrim ljudima koji su s oružjem u ruci spremni braniti slobodu i nacionalnu neovisnost svoje domovine. Naručitelji nisu razumjeli umjetnikovu namjeru, a počevši od ove slike sukob s dominantnim okruženjem će se intenzivirati, ali neće umanjiti energiju majstora, a Rembrandt će nastaviti stvarati realistična platna, izvanredna po snazi ​​emocionalnog utjecaja. . Spektakularna, nedvojbeno pomalo teatralna, slobodna kompozicija, kako je već spomenuto, nije imala za cilj predstaviti svakog od naručitelja. Mnoga lica jednostavno su slabo "čitljiva" u oštrom chiaroscuru, u kontrastima gustih sjena i jarke sunčeve svjetlosti, do kt izlazi odred (u 19. stoljeću slika je toliko potamnila da se smatrala prikazom noćnog prizora , otuda i netočan naziv.kapetan na laganoj odjeći poručnika, dokazuje da nije noć, nego dan). Pojava stranaca u ovoj sceni, posebno djevojčice u zlatnožutoj haljini, gledatelju se činila neshvatljivom i smiješnom. Sve je ovdje izazvalo zbunjenost i iritaciju javnosti, a možemo reći da ovom slikom počinje sukob umjetnika i društva. Saskijinom smrću iste godine, Rembrandt prirodno raskine s njemu stranim građanskim krugovima.

S godinama se realistična vještina Rembrandta produbljuje. Odbija nepotrebne detalje i dekorativne efekte u korist veće dubine i emocionalnog intenziteta umjetničke slike. Vrlo važno mjesto u umjetnikovom radu počinje zauzimati komorni portret. Rembrandt otkriva duhovni život osobe, kao da traje u vremenu i prostoru. Ovo je svojevrsni portret-biografija. Takvi su npr. "Portret starice", "Hendrickje na prozoru", "Čitanje Tita", portreti umjetnikovih prijatelja N. Breininga, J. Sixa, brojni autoportreti (više od stotinu u ulju i ugljen).

40-50-ih godina - ovo je vrijeme za kreativnu zrelost. Vrijeme je to nadogradnje njegovog kreativnog sustava iz kojeg će mnogo toga otići u prošlost i koji će steći nove, neprocjenjive kvalitete. U tom razdoblju često se okreće prethodnim radovima kako bi ih preradio na nov način. Tako je bilo i s "Danaeom", koju je napisao davne 1636. godine. Pozivajući se na sliku 40-ih, umjetnik je pojačao svoje emocionalno stanje. Ponovno je napisao središnji dio s heroinom i sluškinjom. Dajući Danae novu gestu podignute ruke, obavijestio ju je o velikoj emociji, izrazu radosti, nade, privlačnosti. Svjetlost igra ogromnu ulogu: čini se da svjetlosni tok obavija lik Danae, ona sva blista od ljubavi i sreće, ova svjetlost se doživljava kao izraz ljudskih osjećaja.

Početkom 50-ih, umjetnik stvara jedno remek-djelo za drugim. Već je izašao iz mode, ali bogati kupci nisu prevodili.

U tim godinama za interpretaciju bira najlirskije, poetičke aspekte ljudskog života, ljudskoga, koji je vječan i sveljudski: majčinska ljubav, suosjećanje. Najveću građu daje mu Sveto pismo, a iz njega – prizori iz života svete obitelji. Religiozne naravi, ali isključivo žanrovske u interpretaciji radnje, ermitažna slika Sveta obitelj (1645.) iznimno je karakteristična za ovo vrijeme.

Uz biblijsko-žanrovske kompozicije, ovo razdoblje obiluje novom Rembrandtovom vrstom prikaza stvarnosti – pejzažima. Odajući počast svojim romantičnim sklonostima u nekim slučajevima, stvara, uz ovaj zapanjujući, strogi realizam pristupa, slike neukrašenog nizozemskog sela. Mali "Zimski pogled" (1646., Kassel), koji u svjetlu vedrog mraznog dana prikazuje seljačko dvorište i nekoliko figura na površini zaleđenog kanala, u smislu suptilnosti osjećaja i istinitosti vizualne percepcije, služi kao jedan od najsavršenijih primjera realističkog krajolika Nizozemaca.

Unatoč prostranosti i umjetničkoj vrijednosti onoga što je stvoreno u tom razdoblju, Rembrandtova financijska situacija sredinom 1650-ih pokazala se iznimno teškom. Zbog pada broja narudžbi, otežane prodaje slika, a posebno nepažnje majstora u vođenju svojih poslova, Rembrandt je doživio velike financijske poteškoće. Dug povezan s kupnjom skupe kuće tijekom Saskijinog života prijetio je potpunom propašću. Pokušaji da se izvuče iz duga mogli su samo odgoditi katastrofu, ali je ipak izbila. U ljeto 1656. Rembrandt je proglašen nelikvidnim i sva njegova imovina prodana je na dražbi. Lišen svog uobičajenog skloništa, bio je prisiljen preseliti se s obitelji u siromašnu židovsku četvrt trgovačke prijestolnice, a ovdje su, u akutnoj nestašici, prošli njegovi posljednji dani.

Ove nedaće, kao i nesreće koje su zadesile Rembrandta - smrt Hendrikea, smrt jedinog Titovog sina - bile su nemoćne zaustaviti daljnji rast njegovog genija.

Kasne 1650-e i 1660-e bile su najtragičnije godine R.-ovog života, ali su bile pune Rembrandtovog grandioznog stvaralačkog djelovanja. Ona predstavlja, takoreći, sintezu svih njegovih dosadašnjih psiholoških i slikovnih traganja. Na ovim slikama sve je očišćeno od prolaznog, slučajnog. Detalji su svedeni na minimum, geste, položaji, nagib glave pomno promišljeni i shvaćeni. Figure su uvećane, blizu prednje ravnine platna. Čak i mala djela ovih godina stvaraju dojam izuzetne veličine i istinske monumentalnosti. Glavna izražajna sredstva su svjetlo i linije. Za pokojnog R.-a bilo bi točnije reći da mu je boja "blistava", jer su na njegovim platnima svjetlost i boja jedno, njegove boje kao da zrače svjetlost. Ova složena interakcija boje i svjetla nije sama sebi svrha, ona stvara određeno emocionalno okruženje i psihološke karakteristike slike.

Na portretima Rembrandt se sada nalazi slobodniji u izboru modela i ispisuje uglavnom lica s izraženom individualnošću. To su uglavnom starije žene i stari Židovi. Ali s istom oštrinom u stanju je prenijeti šarm lica mlade žene ili šarm mladenačkog izgleda. Sve je sitno u ovim portretima inferiorno u odnosu na generaliziranu, ali istodobno neobično oštru prezentaciju slike. Tome uvelike doprinosi sve veća širina načina tehničke izvedbe.

Konačna u povijesti grupnog portreta bila je Rembrandtova slika starješina suknarske radionice - tzv. "Sindiki" (1662, Amsterdam). zasluženo smatra jednom od vrhunaca Rembrandtova djela). Oštra psihološka karakteristika, jednostavnost konstrukcije, prikrivajući nepogrešivost ritma linija i masa, kao i srednji broj boja, ali intenzivan kolorit, sažimaju cjelokupni dosadašnji put Rembrandta kao portretista.

U godinama zrelosti (50-ih) Rembrandt stvara svoje najbolje bakropise. Rembrandtova osebujna dubina psihološke analize, ekspresivni realizam slika i majstorstvo umjetničke tehnike ogledaju se u dugom nizu prekrasnih listova, tematski čak i raznolikijih od majstorove slike. Među najpoznatijima su "Krist liječi bolesne" (tzv. "List od sto florina", oko 1649.), "Tri križa" (1653.), portreti Lutme (1656.), Haringa (1655.), Šest. (1647.) ), kao i krajolici poznati kao "Tri stabla (1643.) i" Imanje vaganja zlata "(1651.).

Crteži ne zauzimaju ništa manje značajno mjesto u grafičkoj baštini Rembrandta. Akutnost i originalnost Rembrandtove percepcije svijeta oko sebe ogledaju se u tim brojnim i raznolikim listovima posebnom snagom. Način crtanja, kao i slikarski Rembrandt, primjetno se razvija tijekom kreativnog razvoja majstora. Ako su rani Rembrandtovi crteži razrađeni do detalja i prilično složene kompozicije, onda ih je u zrelijem razdoblju izvodio na širok slikovni način, neobično lakonski i jednostavan. Rembrandt je obično crtao perom od guske ili trske te je uz pomoć najjednostavnijih tehnika mogao postići iznimnu moć izražajnosti. R. je iza sebe ostavio 2000 crteža. Njegovi crteži, čak i kada su sitne skice nekog svakodnevnog motiva, predstavljaju zaokruženu cjelinu koja u potpunosti prenosi svu raznolikost prirode.

Epilogom R.-ova stvaralaštva može se smatrati njegova grandiozna slika Povratak izgubljenog sina (oko 1668.-1669., Ermitaž), u kojoj su se najpotpunije očitovale umjetnikova estetska visina i likovno umijeće. Umjetnik ispunjava evanđeosku parabolu o mladiću koji je otišao od kuće, protraćio svoje bogatstvo i vratio se ocu s duboko ljudskim značenjem. Plemenita ideja ljubavi prema osobi koja pati ovdje se otkriva u slikama koje su upečatljive svojom životnom uvjerljivošću. Lice starog poluslijepog oca i gesta njegovih ruku izražavaju beskrajnu dobrotu, a lik sina u prljavim krpama, pripijenog uz oca, iskreno je i duboko kajanje. Možda niti jedna druga Rembrandtova slika ne izaziva toliko dubokih i suosjećajnih osjećaja. Rembrandt je učio svoju publiku o ljubavi i opraštanju. Kasnije, posljednjih godina i mjeseci, Rembrandtov život teče izvana mirno. Preživio je Hendrickja i Tita, umro je 4. listopada 1669. godine.

R. je imao golem utjecaj na umjetnost. Nije bilo slikara u Nizozemskoj koji nije iskusio utjecaj velikog umjetnika, od kojih su najveću slavu stekli Ferdinand Bol (1616-1680), Herbrand van den Eckhout (1621-1674) i Art de Gelder (1645-1727). Ovladavši predmetom, kompozicijskim tehnikama i tipovima učitelja, nisu išli dalje od vanjskog oponašanja Rembrandtovih tehnika u slikanju figura. Živi utjecaj majstora, naprotiv, definitivno je utjecao na brojne pejzažne slikare koji su mu bili u susjedstvu - Phillips Konink (1619.-1688.), Doomer (1622.-1700.) i drugi. No, većina ga je izdala, prešavši na poziciju akademizma i oponašanja tada modnih Flamanaca, a potom i Francuza.

Kako to često biva u povijesti umjetnosti, unatoč svom genijalnom talentu, Rembrandt je umro u siromaštvu i samoći, zaboravljeni, beskorisni majstor. No, što vrijeme dalje prolazi, to je u očima čovječanstva umjetničko naslijeđe vrijednije. Bez pretjerivanja se može reći da je Rembrandt jedan od najvećih umjetnika u povijesti svjetske umjetnosti. Mnogi bi ga nazvali nenadmašnim. Rembrandtov grob je izgubljen, ali njegova će djela živjeti stoljećima.

U posljednjoj četvrtini 17.st. počinje propadanje nizozemskog slikarstva, gubitak njegovog nacionalnog identiteta, a od poč. 18. stoljeće velika era nizozemskog realizma bliži se kraju.

"Burger" barok u nizozemskom slikarstvuXVII v. - slika svakodnevnog života (P. de Hoch, Vermeer). "Luksuzne" mrtve prirode Kalf. Grupni portret i njegove značajke Halsa i Rembrandta. Rembrandtovo tumačenje mitoloških i biblijskih tema.

Nizozemska umjetnost 17. stoljeća

U XVII stoljeću. Nizozemska je postala uzorna kapitalistička zemlja. Vodila je opsežnu kolonijalnu trgovinu, imala je moćnu mornaricu, a brodogradnja je bila jedna od vodećih industrija. Protestantizam (kalvinizam kao njegov najteži oblik), koji je potpuno istisnuo utjecaj Katoličke crkve, doveo je do toga da svećenstvo u Nizozemskoj nije imalo toliki utjecaj na umjetnost kao u Flandriji, a još više u Španjolskoj ili Italiji. U Nizozemskoj crkva nije igrala ulogu kupca umjetničkih djela: hramovi nisu bili ukrašeni oltarnim slikama, jer je kalvinizam odbacio svaki nagovještaj luksuza; Protestantske crkve bile su jednostavne arhitekture i nisu bile ni na koji način ukrašene iznutra.

Glavno dostignuće nizozemske umjetnosti u 18. stoljeću. - u štafelajnom slikarstvu. Čovjek i priroda bili su predmeti promatranja i prikaza nizozemskih umjetnika. Slikarstvo u kućanstvu postaje jedan od vodećih žanrova, čiji su tvorci u povijesti dobili ime "Mali Nizozemci". Slikarstvo na evanđeoske i biblijske teme prikazano je na isti način, ali ne u istoj mjeri kao u drugim zemljama. Nizozemska nikada nije imala veze s Italijom, a klasična umjetnost nije igrala istu ulogu kao u Flandriji.

Ovladavanje realističkim tendencijama, dodavanje određenog raspona tema, diferenciranje žanrova kao jedinstvenog procesa, dovršavaju se do 20-ih godina 17. stoljeća. Povijest nizozemskog slikarstva 17. stoljeća. savršeno prikazuje evoluciju rada jednog od najvećih nizozemskih portretista, Fransa Halsa (oko 1580.-1666.). U 10-im i 30-im godinama, Huls je intenzivno radio u žanru grupnog portreta. S platna ovih godina izgledaju veseli, energični, poduzetni ljudi, sigurni u svoje snage i u budućnost ("Strijeljački ceh sv. Adrijana", 1627. i 1633.;

Streljački ceh sv. Jurja“, 1627.).

Istraživači ponekad nazivaju pojedinačne portrete Huls žanrom zbog posebne specifičnosti slike. Hulsov skiciran način, njegovo smjelo pisanje, kada potez kista oblikuje i oblik i volumen i prenosi boju.

Na portretima Halsa kasnog razdoblja (50-60-ih) nestaje bezbrižna hrabrost, energija, pritisak u likovima prikazanih osoba. No upravo je u kasnijem razdoblju stvaralaštva Hals dosegao vrhunac umijeća i stvorio najdublja djela. Boja njegovih slika postaje gotovo jednobojna. Dvije godine prije smrti, 1664., Hals se ponovno vratio grupnom portretu. Slika dva portreta - namjesnika i regenta staračkog doma, u jednom od kojih je i sam našao utočište potkraj života. Na portretu regenta nema drugarstva prethodnih kompozicija, modeli su razjedinjeni, nemoćni, mutnih pogleda, na licima im je ispisana pustoš.

Umjetnost Khalse bila je od velike važnosti za svoje vrijeme, utjecala je na razvoj ne samo portreta, već i žanra, pejzaža, mrtve prirode.

Posebno je zanimljiv pejzažni žanr Nizozemske 17. stoljeća. prikazuje Nizozemsku Jana van Goyena (1596-1656) i Salomona van Ruisdaela (1600/1603-1670).

Procvat pejzažnog slikarstva u nizozemskoj školi seže u sredinu 17. stoljeća. Najveći majstor realističkog krajolika bio je Jacob van Ruisdael (1628. / 29.-1682.), njegova su djela obično puna duboke drame, bilo da prikazuje gustiš ("Šumska močvara"),

krajolici sa slapovima ("Vodopad") ili romantični krajolik s grobljem ("Židovsko groblje").

Ruisdaelova priroda javlja se u dinamici, u vječnoj obnovi.

Animalistički žanr usko je povezan s nizozemskim krajolikom. Omiljeni motiv Alberta Capea su krave na pojilu ("Zalazak sunca na rijeci", "Krave na obali potoka").

Mrtva priroda postiže briljantan razvoj. Nizozemska mrtva priroda je, za razliku od flamanske, slike intimne naravi, skromne veličine i motiva. Peter Claesz (oko 1597.-1661.), Bill Head (1594.-1680./82.) najčešće je prikazivao takozvane doručke: jela sa šunkom ili pitom na relativno skromno posluženom stolu. Khedine "doručke" zamjenjuju Kalfovi raskošni "slastice". Jednostavno posuđe zamjenjuju mramorni stolovi, stolnjaci od tepiha, srebrne čaše, posude od sedefnih školjki, kristalne čaše. Tele postiže nevjerojatnu virtuoznost u prenošenju teksture breskve, grožđa, kristalnih površina.

U 20-30-im godinama XVII stoljeća. Nizozemci su stvorili posebnu vrstu malenog malofiguralnog slikarstva. 40-60-e - procvat slikarstva, veličajući mirni građanski život Nizozemske, izmjereno svakodnevno postojanje.

Adrian van Ostade (1610.-1685.) isprva prikazuje mračne strane života seljaštva ("Borba").

Od 40-ih godina u njegovu djelu satirične note sve više zamjenjuju humoristične ("U seoskoj krčmi", 1660.).

Ponekad su ove male slike obojene velikim lirskim osjećajem. Po pravu, Ostadeovim remek-djelom slikarstva smatra se njegov "Slikar u ateljeu" (1663.), u kojem umjetnik veliča stvaralaštvo.

No, glavna tema "malih Nizozemaca" ipak nije seljački, već građanski način života. Obično su to slike bez ikakve fascinantne priče. Najzabavniji pripovjedač na ovoj vrsti slika bio je Jan Stan (1626.-1679.) (Revelers, The Game of Trick-Truck). Gerard Terborch (1617-1681) postigao je u tome još veću vještinu.

Interijer poprima posebnu poeziju među "malim Nizozemcima". Pravi pjevač ove teme bio je Peter de Hooch (1629-1689). Njegove sobe, s poluotvorenim prozorom, s nehotice bačenim cipelama ili napuštenom metlom, često se prikazuju bez ljudskog lika.

Nova faza u žanrovskom slikarstvu počinje 50-ih godina i povezana je s takozvanom Delftskom školom, s imenima umjetnika kao što su Karel Fabricius, Emmanuel de Witte i Jan Wermer, poznatiji u povijesti umjetnosti kao Wermeer Delft (1632.-1675.) . Čini se da Vermeerove slike nisu nimalo originalne. Iste su to slike života smrznutog građanina: čitanje pisma, razgovor između gospodina i dame, posluge koje se bave jednostavnim kućanstvom, pogledi na Amsterdam ili Delft. Ove slike, jednostavne u akciji: "Djevojka čita pismo",

"Kavalir i dama na spinetu",

"Oficir i djevojka koja se smije" itd. puni su duhovne jasnoće, tišine i mira.

Glavne zasluge umjetnika Vermeera su u prijenosu svjetlosti i zraka. Otapanje predmeta u svjetlo-zračnom okruženju, sposobnost stvaranja ove iluzije, prije svega, odredilo je priznanje i slavu Vermeera upravo u 19. stoljeću.

Wermeer je učinio ono što nitko nije radio u 17. stoljeću: slikao je pejzaže iz prirode ("Mala ulica", "Pogled na Delft").

Mogu se nazvati prvim primjerima plenerističkog slikarstva.

Vrhunac nizozemskog realizma, rezultat likovnih dostignuća nizozemske kulture u 17. stoljeću, djelo je Rembrandta. Harmenszoon van Rijn Rembrandt (1606-1669) rođen je u Leidenu. Godine 1632. Rembrandt odlazi u Amsterdam, središte nizozemske umjetničke kulture, što je prirodno privuklo mladog umjetnika. Tridesete godine - vrijeme najveće slave, put do kojega je slikaru otvorila velika naručena slika 1632. godine - grupni portret, poznat i kao "Anatomija doktora Tulpa", ili "Lekcija anatomije".

Godine 1634. Rembrandt se oženio djevojkom iz bogate obitelji - Saskiom van Eilenborch. Počinje najsretniji period njegovog života. Postaje poznat i moderan umjetnik.

Cijelo ovo razdoblje prekriveno je romantikom. Poznati "Autoportret sa Saskiom na koljenima" (oko 1636.) prenosi najsvjetliji od svih Rembrandtovih svjetonazora ovih godina. Cijelo je platno prožeto iskrenom životnom radošću, veseljem.

Barokni jezik najbliži je izrazu visokog raspoloženja. I Rembrandt je u tom razdoblju uvelike pod utjecajem talijanskog baroka.

Likovi slike iz 1635. godine "Žrtva Abrahamova" pojavljuju se u složenim racijama. Kompozicija je izrazito dinamična, građena po svim pravilima baroka.

Istih 30-ih Rembrandt se prvi put ozbiljno počeo baviti grafikom, prvenstveno bakropisom. Rembrandtovi bakropisi su uglavnom biblijske i evanđeoske teme, ali u crtežu, kao pravi nizozemski umjetnik, često se poziva i na žanr. Na prijelazu umjetnikova ranog razdoblja stvaralaštva i njegove stvaralačke zrelosti, pred nama se pojavljuje jedna od njegovih najpoznatijih slika, poznata kao "Noćna straža" (1642.) - skupni portret puškarske satnije kapetana Banninga Cocka.

Proširio je opseg žanra, dajući prilično povijesnu sliku: na znak uzbune, odred Banning Koka kreće u pohod. Neki su mirni, samouvjereni, drugi uzbuđeni u iščekivanju onoga što slijedi, ali na svemu je izraz zajedničke energije, domoljubnog entuzijazma i trijumfa građanskog duha.

Skupni portret pod kistom Rembrandta prerastao je u herojsku sliku epohe i društva.

Slika je već bila toliko mračna da se smatrala prikazom noćnog prizora, pa joj otuda i netočan naziv. Sjena kapetanova lika na poručnikovoj laganoj odjeći dokazuje da nije noć, nego dan.

Saskijinom smrću iste 1642. Rembrandt prirodno prekida s patricijskim krugovima koji su mu bili strani.

40-50-e su vrijeme kreativne zrelosti. U tom razdoblju često se okreće prethodnim radovima kako bi ih preradio na nov način. Tako je, primjerice, bio slučaj s "Danaeom", koju je naslikao davne 1636. godine. Okrenuvši se slici 1940-ih, umjetnik je pojačao svoje emocionalno stanje.

Ponovno je napisao središnji dio s heroinom i sluškinjom. Dajući Danae novu gestu podignute ruke, obavijestio ju je o velikoj emociji, izrazu radosti, nade, privlačnosti.

U 40-im i 50-im godinama, Rembrandtovo zanatstvo je stalno raslo. Za tumačenje bira najlirskije, poetičke aspekte ljudskog postojanja, onoga ljudskog, što je vječno, sveljudsko: majčinsku ljubav, suosjećanje. Najveći materijal daje mu Sveto pismo, a iz njega - prizore iz života Svete obitelji, Rembrandt prikazuje jednostavan život, obične ljude, kao na slici Sveta obitelj.

Posljednjih 16 godina najtragičnije su godine Rembrandtova života; švorc je, nema naređenja. Ali ove godine pune su nevjerojatno moćne kreativne aktivnosti, kao rezultat kojih su stvorene slikovite slike, izuzetne po monumentalnosti likova i duhovnosti, duboko filozofska djela. Čak i mala Rembrandtova djela ovih godina stvaraju dojam izuzetne veličine i istinske monumentalnosti. Boja dobiva zvučnost i intenzitet. Čini se da njegove boje emitiraju svjetlost. Portreti pokojnog Rembrandta uvelike se razlikuju od portreta 30-ih, pa čak i 40-ih godina. Riječ je o krajnje jednostavnim (polovičnim ili generacijskim) slikama ljudi koji su svojom unutarnjom strukturom bliski umjetniku. Najveću suptilnost karakteristika Rembrandt je postigao u autoportretima, kojih je do nas došlo stotinjak. Konačna u povijesti grupnog portreta bila je Rembrandtova slika starješina radionice sukna - tzv. "Syndics" (1662.), gdje je Rembrandt stvarao žive i istodobno različite ljudske tipove s oskudnim sredstvima, ali što je najvažnije , uspio je prenijeti osjećaj duhovnog jedinstva, međusobnog razumijevanja i povezanosti ljudi.

U godinama zrelosti (uglavnom 50-ih) Rembrandt stvara svoje najbolje bakropise. Kao bakrorez nema ravnog u svjetskoj umjetnosti. U svima njima slike imaju duboko filozofsko značenje; govore o misterijama bića, o tragediji ljudskog života.

Puno crta. Rembrandt je iza sebe ostavio 2000 crteža. To su skice iz prirode, skice za slike i pripreme za bakropis.

U posljednjoj četvrtini 17.st. počinje propadanje nizozemske slikarske škole, gubitak njezina nacionalnog identiteta, a od početka 18. stoljeća počinje kraj velike ere nizozemskog realizma.