Ансамблевая игра представляет собой форму деятельности, открывающую самые благоприятные возможности для всестороннего и широкого ознакомления с музыкальной литературой. Ансамблевая игра как один из способов разностороннего развития ребенка
Для музыканта нет большего счастья, чем совместное музицирование, и степень профессионализма любого музыканта прямо пропорциональна его мастерству игры в ансамбле. Да, он может быть прекрасным солистом, слушать которого – одно удовольствие, но окончательно оценить его, как музыканта, можно лишь, послушав, как он играет в коллективе.
Ансамбль – слово, знакомое всем и каждому. Его часто употребляют по отношению к вещам, не имеющим ничего общего с музыкой. Например, архитектурный ансамбль. В переводе с французского языка, «ансамбль» означает: слаженность и согласованность. Именно это, и есть его самая важная составляющая. Делать что-то вместе и делать это синхронно. В синхронности и кроется главная тайна и неизменный успех ансамбля.
Ансамбли бывают разные, и в зависимости от количества музыкантов имеют свои названия. Такие слова, как дуэт, трио, квартет известны даже далеким от музыки людям.
Какие же условия необходимо соблюдать при игре в ансамбле? Как добиться слаженности и тем самым развить навыки, без которых музыкант не может называться музыкантом? Существует несколько тонкостей и нюансов, которые нужно отслеживать, пока они не войдут в привычку.
- Стройная игра, прежде всего! Фальшивое исполнение сведет на нет все хорошие начинания, и приведет к неудовольствию слушателей. Над строем надо работать и работать усердно.
- Все участники ансамбля должны неуклонно придерживаться одного музыкального жанра или манеры игры. Недопустимо разное понимание музыкального произведения с точки зрения музыкальной направленности. Например, вальс должен звучать именно вальсом, и если, вдруг, кто-то потеряет характер вальса и будет играть что-то близкое к маршу, ансамбль попросту «развалится».
- Одинаковое понимание темпа и ритма. Все музыканты – люди, а не метрономы, и кому-то свойственно замедлять темп, а некоторым – ускорять. За этим нужно тщательно следить, так же, как и за ритмом, ведь искаженное понимание ритма так же приведет к отсутствию слаженности и синхронности.
- Игра в ансамбле подразумевает одинаковые штрихи исполнения. На первый взгляд, кажется, что это не так существенно, на самом же деле, разные штрихи – это дисгармония музыки, которую удастся избежать, если внимательно отнестись к разбору музыкального произведения.
- Не оставляем «хвостов»! Заканчивать, как и начинать музыкальную фразу нужно одновременно, если, конечно, не подразумевается изначально что-то иное. Очень некрасиво и неряшливо слушаются окончания, завершенные не вместе всеми участниками ансамбля.
- Динамическая согласованность. Сольное исполнение должно быть забыто во время игры в ансамбле. Если музыкант ведет главную тему, он должен играть ярче, но во время контрапункта или сопровождения, звук надо уменьшать.
Кажется, что все вышеперечисленные приемы не такие уж и сложные. На самом деле, игра в ансамбле требует годы сосредоточенной работы и труда, но труда, приносящего удовольствие. Тут нужно ловить взгляды и движения друг друга с жадностью, боясь упустить что – либо. Именно здесь важна чуткость и внимательность, качества, которые очень даже пригодятся в жизни. Поэтому, можно не сомневаться, ансамбль — полезное и приятное дело не только для слушателей, но и для исполнителей!
А теперь давайте слушать музыку! Музыка будет ансамблевая.
Л. ван Бетховен Соната для скрипки и фортепиано №5 «Весенняя»
Игра в ансамбле сплачивает, развивает коммуникативные навыки, способствует формированию коллектива, дисциплинирует участников ансамбля, прививает любовь к различным жанрам музыкальной культуры.
Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования «Детская школа искусств».
Методическое сообщение по теме:
«О пользе ансамблевой игры»
г. Инта, республика Коми.
2013г.
Задача школ общего музыкального образования состоит не только в подготовке учащихся к поступлению в профессиональные учебные заведения, но и в воспитании гармонично развитых людей, жизнь которых обогащена великим даром - умением тонко чувствовать и понимать музыку. Цель музыкальных школ – сделать музыку достоянием не только одаренных детей, но и всех, кто обучается в ней. А главная задача преподавателя состоит в том, чтобы иметь неиссякаемый запас увлекательных возможностей, с помощью которых можно приобщить к волшебному миру музыки и научить этой увлекательной игре – игре на музыкальном инструменте! Одной из таких возможностей является игра в ансамбле. Мы знаем, что ансамбль (от фр. ensemble) – это совместное исполнение музыкального произведения несколькими участниками. Ансамбли различаются количеством участников (дуэты, трио, квартеты, квинтеты и т.д.) и составом инструментов. Я предпочитаю работать со смешанными ансамблями, где исполнителями являются дети разных возрастов, играющие на разных инструментах (аккордеон и флейта, домры и гитары, ударные и клавишные инструменты). Такие ансамбли радуют своими неожиданными возможностями, новыми тембровыми сочетаниями, яркими находками. Также ансамбли, которыми я руковожу (ансамбль преподавателей «Шутка» и детский инструментальный ансамбль «Изюминка») тесно сотрудничают с солистами-вокалистами и детской вокальной группой. И участникам ансамбля, особенно детям, это доставляет особую радость, дети с удовольствием аккомпанируют и даже сами подпевают.
Занятия в ансамбле являются одной из эффективных форм музыкального воспитания и развития учащихся. И будущему музыканту, и участнику самодеятельности игра в ансамбле, коллективные выступления дают яркие музыкальные впечатления, захватывают общностью творческой задачи, объединяют и сплачивают в единый дружный коллектив. Многие учащиеся музыкальных школ по разным причинам – недостатка игровых навыков, технических возможностей, необходимых данных – не имеют возможности выступать как солисты в концертах. А так как для современных детей самореализация и самоутверждение очень важны, то это не удовлетворяет учащихся и приводит к снижению интереса к занятиям. Ребёнок остаётся нереализованным в своих желаниях и, разочаровавшись, может бросить обучение. Игра же в ансамбле делает учащихся разной степени продвинутости равноправными исполнителями и даёт возможность выступления на самых ответственных концертах, способствуя успехам в занятиях и личной заинтересованности в обучении. Поэтому вопросы совместного музицирования занимают одно из важнейших мест в жизни школ. Ведь именно в ансамбле инструменталист начинает чувствовать себя музыкантом, коллективно творящим музыку.
Совместное музицирование обладает огромными развивающими возможностями. Все мы знаем, что игра в ансамбле или оркестре способствует закреплению навыков, приобретённых на уроках специальности, как нельзя лучше дисциплинирует ритмику, помогает ученику выработать технические навыки, а также доставляет ребёнку огромное удовольствие и радость, большее, чем сольное исполнение. Ансамблевое музицирование учит слушать партнёра, учит музыкальному мышлению: это искусство вести диалог с партнёром, т.е. понимать друг друга, уметь вовремя подавать реплики и вовремя уступать. Если это искусство в процессе обучения постигается ребёнком, то можно надеяться, что он успешно освоит специфику игры на инструменте.
Ансамблевая игра представляет собой форму деятельности, открывающую самые благоприятные возможности для всестороннего и широкого ознакомления с музыкальной литературой. Перед музыкантом проходят произведения различных художественных стилей, авторов, различные переложения оперной и симфонической музыки. Накопление запаса ярких многочисленных слуховых представлений стимулирует художественное воображение. Игра в ансамбле способствует интенсивному развитию всех видов музыкального слуха (звуковысотного, гармонического, полифонического, тембро-динамического). Также совместное музицирование способствует хорошему чтению нот с листа. Детям интересно, они слышат знакомую или приятную мелодию, хотят быстрее её освоить, быстро осваивают нотную графику. Нотный текст помогает разобраться в простейших элементах музыкальной формы, а также закрепляются полученные навыки артикуляции – staccato, legato, non legato.
Все мы знаем, что дети не хотят и не видят паузы в нотном тексте. А что такое паузы? Паузы – это дыхание в музыке, которое бывает коротким или более длинным, но обязательно длится определённое время. Так вот, в ансамбле дети учатся слушать игру партнера во время пауз в своей партии. Ансамблевое музицирование так же очень хорошо помогает в закреплении основных навыков звукоизвлечения. Еще игра в ансамбле позволяет успешно вести работу по развитию ритмического чувства. Ритм – один из центральных элементов музыки. Формирование чувства ритма - важнейшая задача педагога. Ритм в музыке – категория не только времяизмерительная, но и эмоционально-выразительная, образно-поэтическая, художественно-смысловая. Играя вместе, ученики находятся в определённых метроритмических рамках. Необходимость "держать" свой ритм делает усвоение различных ритмических фигур более ограниченным. Ансамблевая игра не только даёт педагогу возможность диктовать правильный темп, но и формирует у ученика верное темпоощущение, необходимость найти наиболее выразительный ритм, добиться точности и чёткости ритмического рисунка. Определение темпа зависит от выбранной совместно единой ритмической единицы (формулы общего движения). Эта формула имеет при игре в ансамбле большое значение, т.к. подчиняет частное целому и способствует созданию у партнёров единого темпа. Игра в ансамбле требует прежде всего синхронности исполнения, метро-ритмической устойчивости, яркости ритмического воображения, умения представить не только свою партию, но и другую. Также во время коллективного музицирования требуется:
1. Работа над чистотой исполнения текста, слаженной игрой, отработка штрихов. Осмысленная игра на основе понимания содержания и характера исполняемой музыки.
2.
Работа над звуком, способность «держать» темп во время исполнения. Выработка внимания и понимания жеста дирижера. Воспитание умения слушать исполняемое произведение и оценивать свое исполнение.
3.
Работа над ритмом, единым оркестровым метром
.
4. Работа по группам над качеством звукоизвлечения. Исполнение текста без ошибок и остановок.
5. Работа над выразительным исполнением.
6. Работа над формой и стилем исполняемого произведения. Первоначальный навык умения услышать себя в оркестре и исполнить пьесу целиком.
Первым партнером ученика по ансамблю является, конечно же, педагог. Уже на самых первых занятиях я беру домру и совместно с учеником исполняю какую-нибудь известную мелодию. При этом я играю основную тему, а ученик мне подыгрывает целыми или половинными нотами. Такое совместное исполнение помогает ребенку быстро включиться в обучающий процесс и почувствовать себя в роли музыканта-исполнителя. Особой внимательности, концентрации внимания, ответственности, умению слушать себя и другого, дети учатся при игре в ансамбле друг с другом (т.е. ученик-ученик) уже в начальных классах. Партнёрами выбираются по возможности дети одного возраста и одинакового уровня подготовки. В этой ситуации возникает нечто вроде негласного состязания, являющегося стимулом к более основательной и более внимательной игре. С самого начала необходимо приучать детей, чтобы один из играющих не прекращал игру при остановке другого. Это научит другого исполнителя быстро ориентироваться и вновь включаться в игру. Прежде всего, при ансамблевой игре ученик-ученик мы учим синхронности исполнения.
Под синхронностью ансамблевого звучания понимается совпадение с предельной точностью мельчайших длительностей (звуков или пауз) у всех исполнителей. Синхронность является результатом важнейших качеств ансамбля – единого понимания и чувствования партнёрами темпа и ритмического пульса. Синхронность является одним из технических требований совместной игры. Одновременное вступление всех обычно достигается незаметным жестом одного из участников ансамбля. С этим жестом полезно посоветовать исполнителям одновременно взять дыхание. Одновременность окончания имеет не меньшее значение. Не вместе снятый аккорд производит такое же неприятное впечатление, как и не вместе взятый. Синхронность вступления и снятия звука достигается значительно легче, если партнёры правильно чувствуют темп ещё до начала игры. Музыка начинается уже в ауфтакте и в короткие мгновения ему предшествующие, когда учащиеся волевым усилием сосредотачивают своё внимание на выполнении художественной задачи. В средних и старших классах осваивается более сложный ритм, дети учатся выделять из общего звучания главное, передавать мелодическую линию из одной партии в другую и т.д. Ученикам это нравится и они лучше справляются с произведением, чем при сольном исполнении, чувствуют большую ответственность. Необходимо стараться не прекращать этот вид обучения, предлагать детям читать с листа ансамблевые пьесы, всё это способствует концентрированному музыкальному мышлению.
Любой ансамбль не мыслим без творческой дисциплины. Для публики ансамбль начинается уже с выхода на сцену. Поэтому ещё на репетициях я с учащимися отрабатываю красивый и собранный выход на сцену, совместный поклон и дисциплинированный уход, обговариваю их внешний вид и форму одежды.
Таким образом, роль ансамблевой игры при обучении игре на музыкальных инструментах очень велико. Она учит всему: ритму, сознательному отношению к делу, ответственности, быстрому освоению нотной графики и пониманию строения музыкальных форм. К тому же очень нравится детям, приносит им огромное удовольствие!
Список используемой литература:
1. Е.М. Тимакин "Воспитание пианиста"
2. А. Алексеев "Методика обучения игре на фортепиано"
3. Н. Гончарова “Работа над ансамблями как одна из форм развития интереса в обучении музыке детей со средними природными данными”
4. А. Готлиб "Основы ансамблевой техники"
5. Г. Нейгауз "Об искусстве фортепианной игры"
6.
Максимов Л.
Оркестры и ансамбли русских народных инструментов. - М., 1983.
7.
Методика обучения игре на русских народных инструментах. -Л., 1975.
Ансамбль – слово, знакомое всем и каждому. Его часто употребляют по отношению к вещам, не имеющим ничего общего с музыкой. Например, архитектурный ансамбль. В переводе с французского языка, «ансамбль» означает: слаженность и согласованность. Именно это, и есть его самая важная составляющая. Делать что-то вместе и делать это синхронно.
В синхронности и кроется главная тайна и неизменный успех ансамбля. Ансамбли бывают разные, и в зависимости от количества музыкантов имеют свои названия. Такие слова, как дуэт, трио, квартет известны даже далеким от музыки людям.
Какие же условия необходимо соблюдать при игре в ансамбле? Как добиться слаженности и тем самым развить навыки, без которых музыкант не может называться музыкантом?
Существует несколько тонкостей и нюансов, которые нужно отслеживать, пока они не войдут в привычку.
Стройная игра, прежде всего! Фальшивое исполнение сведет на нет все хорошие начинания, и приведет к неудовольствию слушателей. Над строем надо работать и работать усердно.
Все участники ансамбля должны неуклонно придерживаться одного музыкального жанра или манеры игры. Недопустимо разное понимание музыкального произведения с точки зрения музыкальной направленности. Например, вальс должен звучать именно вальсом, и если, вдруг, кто-то потеряет характер вальса и будет играть что-то близкое к маршу, ансамбль попросту «развалится».
Одинаковое понимание темпа и ритма. Все музыканты – люди, а не метрономы, и кому-то свойственно замедлять темп, а некоторым – ускорять. За этим нужно тщательно следить, так же, как и за ритмом, ведь искаженное понимание ритма так же приведет к отсутствию слаженности и синхронности.
Игра в ансамбле подразумевает одинаковые штрихи исполнения. На первый взгляд, кажется, что это не так существенно, на самом же деле, разные штрихи – это дисгармония музыки, которую удастся избежать, если внимательно отнестись к разбору музыкального произведения.
Не оставляем «хвостов»! Заканчивать, как и начинать музыкальную фразу нужно одновременно, если, конечно, не подразумевается изначально что-то иное. Очень некрасиво и неряшливо слушаются окончания, завершенные не вместе всеми участниками ансамбля.
Динамическая согласованность. Сольное исполнение должно быть забыто во время игры в ансамбле. Если музыкант ведет главную тему, он должен играть ярче, но во время контрапункта или сопровождения, звук надо уменьшать.
Кажется, что все вышеперечисленные приемы не такие уж и сложные. На самом деле, игра в ансамбле требует годы сосредоточенной работы и труда, но труда, приносящего удовольствие. Тут нужно ловить взгляды и движения друг друга с жадностью, боясь упустить что – либо. Именно здесь важна чуткость и внимательность, качества, которые очень даже пригодятся в жизни. Поэтому, можно не сомневаться, ансамбль - полезное и приятное дело не только для слушателей, но и для исполнителей!
Крымское республиканское
Учебное заведение
«Центр повышения
квалификации работников культуры»
Методический доклад на тему:
РОЛЬ
АНСАМБЛЕВОЙ ИГРЫ
В РАЗВИТИИ
УЧЕНИКА-ПИАНИСТА
Слушателя
Центра повышения квалификации
работников культуры
и искусства,
заведующей филиалом
Молодежненский СР ДМШ,
преподавателя по классу
фортепиано
Баженовой Юлии Алексеевны
Симферополь
План доклада:
Особенности ансамблевой игры
Воспитание ритма
Заключение
Библиография
Цели и задачи обучения в музыкальной школе
Основной задачей музыкальной школы является всестороннее музыкальное развитие ребенка, приучение его к труду и привитие любви к музыке. Выявить музыкальные задатки ребенка, развить его способности и естественным путем пробудить интерес к музыке – все эти задачи преподавания музыкальной дисциплины встают перед каждым педагогом.
Главная цель обучения в ДМШ – подготовка музыкантов-любителей, которые обладают навыками музыкального творчества, могут самостоятельно разобрать и выучить произведение.
Очевидно, что проблемы обучения и творческого развития должны быть тесно связаны между собой. Процесс творчества, сама обстановка поиска и открытий на каждом уроке вызывают у детей желание действовать самостоятельно, искренне; «зажечь» ребенка – главная из первоначальных задач педагога.
А. Гольденвейзер писал : «Почти каждый человек, за исключением глухих от рождения, обладают в той или иной мере музыкальностью и способностью ее развивать. Поэтому, чем шире сеть музыкальных школ и чем распространеннее учение музыки, тем лучше, но я думаю, что в построении педагогического процесса в музыкальных школах мы недостаточно различаем понятия – общее музыкальное воспитание и обучение музыке. Музыку нужно учить всем в той или иной форме и степени, а воспитывать профессионалами-музыкантами не только не всех, но и лишь очень немногих».
Нередко можно встретить 6-7 или 8-летнего ребенка, который пришел на первый урок музыки с горящими глазами, с любовью к миру звуков. И только от нас, преподавателей, зависит то, как мы сможем распорядиться этим запасом детского восторга.
Золтан Кодай говорил: «Давайте вложим детям в руки воспроимчивость к музыке, тот ключик, при помощи котрого они смогу вступить в волшебный сад музыки, чтобы приумножить смысл всей их жизни».
Особенности ансамблевой игры
Огромными развивающими возможностями обладает ансамблевое музицирование, которое занимало во все времена важное место. Игра в ансамбле как нельзя лучше дисциплинирует ритм, совершенствует умение читать с листа, помогает ученику выработать технические навыки, а также доставляет бо льшую радость, чем сольное исполнение.
Ансамблевое музицирование учит слушать партнера, учит музыкальному мышлению, это искусство вести диалог с партнером, т.е. понимать друг друга, уметь вовремя подавать реплики и вовремя уступать.
Если это искусство в процессе обучения постигается ребенком, то можно надяться, что он успешно освоит специфику игры на фортепиано.
Игра на фортепиано в 4 руки - это вид совместного музицирования, которым занимались во все времена. В этом жанре писали сочинения почти все выдающиеся мастера.
Некоторые моменты из истории возникновения и развития жанра
Жанр фортепианного дуэта возник в Европе. Самые ранние из дуэтов известны относятся к эпохе Возрождения; Англия – родина первой самостоятельной клавирной школы: представители этой школы Томкинс и Карлтон обрабатывали хоральные прелюдии. В них преобладает изысканный инструментальный стиль, орнаментика.
В 17-18 веках существовало уже много скрипичных и виолончельных сонат, в основном для солирующего инструмента с сопровождением. Но наиболее совершенные и законченные произведения появились во второй половине 18 века: мелодическое богатство, близость к народным истокам, мажорный колорит – все это появляется в сонатах для 2-х исполнителей (в 4 руки).
Примером ыдающиегося дуэтного произведения может служить Концерт Фа мажор Баха.
В Чехии жанр фортепианного дуэта представлен поизведениями Леопольда Кожелуха, Франтишека Душека, Карла Станица.
Наметились основные типы фактуры фортепианного изложения: в виде диалога и полифоническое; в нее активно проникают элементы оркестрового письма.
Музыку для фортепиано в 4 руки писали почти все композиторы 19 века.
Такой бурный рост популярности жанра прозошел по целому ряду причин:
появление нового инструментафортепиано (расширенный диапозон, способность к увеличению или уменьшению громкости звука, педаль.) Этот инструмент таил в себе особые возможности при игре двух пианистов. Значительно выросла полнота и сила его звучання;
большая популярность домашнего музицирования: 4-х ручные переложения носили в себе черты оркестрового начала, передавали насыщенность, звучание «тутти», разнообразие приемов звукоизвлечения;
музыкально-просветительская функция. Особой по пулярностью стали пользоваться оперные отрывки, их переложение для фортепианного ансамбля;
переложение симфоний, инструментальных ансамблей Гайдна, Моцарта, Бетховена, Брамса, Мендельсона, Верди, Вагнера, Шумана, Чайковского, симфонических поэм Листа, опер Верди, Вагнера были нередко единственным источником ознакомления с ними.Так случилось, например, с «Венгерскими танцами» Брамса, «Славянскими танцами » Дворжака, «Маленькой сюитой » Дебюсси.
Расцвет фортепианного ансамбля достигается в творчестве Шуберта. Его жанровые миниатюры: полонезы, марши, вальсы, лендлеры, фантазии – яркий пример оркестровости. Никто из музыкантов не оставил такое количество дуэтов. Явивишись одной из величайших вершин в истории фортепианного дуэта, ансамбли Шуберта представляют собой бесценный вклад в историю всей мировой музыки.
Во второй половине 19 века жанр фортепианного ансамбля развивался в условиях национальных композиторских школ. Важные истоки были заложены в Чехии.
В русской музыке к жанру фортепианного дуэта обращались все выдающиеся композиторы: Глинка, Балакирев, Даргомыжский, Мусоргский, Бородин, Рубинштейн. Здесь присутствуют черты картинности, концертности на основе известной народной музыки.
С.В. Рахманинов создал сюиту для 2 фортепиано, 6 музыкальных моментов, 6 пьес для фортепиано в 4 руки.
В русской музыке композиторы уделяли большое внимание произведенимя для детей. Это связано с такми именами, как Дюбюк – его сборник из 18 пьес «Детский музыкальный цветочник» пользовался особой попуярностью.
Для детей писали Аренский, Чайковский, композиторы «Могучей кучки» – их произведения подготавливали слух ребенка к восприятию образного мира русской классической музики. Известными и популярными являются сочинения: «5 легких пьес для 4 рук» Стравинского; «Детские игры» Бизе; сюита «Сказки Матушки-гусыни» Равеля.
Вплоть до 20 века музыкально-просветительская функция фортепианного дуэта сохраняла свое значение, переоценить которое невозможно.
После Первой мировой войны 4-х ручная музыка «выпала» из круга художественных интересов по нескольким причинам:
стремительная урбанизация привела к тому, что в моду вошли коцерты на небольших площадках, где камерный жанр был не совсем уместен;
в 20 веке наблюдается неокторый уход от романтизма;
появление электроаппаратуры.
Однако домашние фонотеки не дали окончательно вытеснить традиции домашнего музицирования, потому что в человеке всегда присутсвует желание сделать что-то самому.
Роль фортепианного ансамбля в музыкальном воспитании детей
Основной целью музыкальной школы является всестороннее развитие ребенка, где подразумеваются приучение к труду и привитие любви к музыке.
Выявить задатки ребенка, развить его способности и естественным путем пробудить интерес к музыке – все эти задачи преподавания музыкальной дисциплины встают перед каждым педагогом.
Более быстрому раскрытию индивидуальных способностей детей способствует совместная игра – игра в ансамбле.
Она является неотъемлемой частью музыкального воспитания.
Несомненно, ансамблевая игра развивает чувство ритма, слуховое внимание, но более ценным является то, что именно коллективные переживания воспитывают личную ответственность в общей работе и способствуют созданию уверенности в себе во время выступлений.
Исполнение музыкальных произведений в четыре руки является самым быстрым способом решить несколько задач обучения игре на инструменте: помочь «подружиться» с инструментом и выработать естественность исполнительских движений.
Часто увлечению учебным процессом препятствуют плохое или недостаточное развитие детей, педагогическая запущенность. Но урок будет всегда плодотворным, если он учитывает индивидуальность ребенка (его интересы и способности), если он творчески выстроен. К успехам и достижениям приведет увлекательный процесс, который обязательно пробудит самостоятельную мысль
Плохое чтение нотного текста на начальном этапе обучения замедляет темп учебной работы, что может угнетающе действовать на ученика. Ансамблевая же игра, при которой педагог принимает на себя исполнение трудных элементов текста, а ученик исполняет легкую партию, заставляет играть ритмично, в определенном темпе. Нетрудные пьесы в исполнении ансамбля звучат насыщенно, и ладовая гармоническая окраска помогут ученику быстро выучить нотный текст. В результате ученик получает полное представление о музыке в целом и чувствует себя полноправным участником исполнения, получает моральное удовлетворение от процесса игры.
Совместное исполнение пьес способствуют расширению кругозора ребенка, знакомит с симфоническими произведениями и лучшими образцами мировой музыкальной культуры.
Систематическое исполнение лучших образцов музыкальной культуры помогут развивать вкус и силу воображения, привьют культуру слышания, воспитают творческую инициативу.
Начальные уроки обучения должны быть разнообразными, так как дети этого возраста впечатлительны и быстро устают от однообразия. Задача педагога состоит в умении поставить себя на место ученика – почувствовать его неудобства и предугадать намерения исполнения, помочь ему выразить отношение к исполняемому произведению. Такая атмосфера урока поможет маленькому музыканту поверить в свои силы.
Совместная игра придает структуре урока эмоциональный характер. Эмоциональное состояние ребенка может мешать восприятию общего звучания. Начальный период обучения непременно должен подчиняться принципу постепенности и доступности.
Формирование пианистических навыков
Процесс формирования пианистических навыковдолжно происходить не только через показ педагогом нужного действия, но и через самостоятельный поиск, при котором поясняется необходимость выполнения такого действия. При выработке навыков полезно изменять штрихи, темпы, акцентируя исполнение на художественную сторону – интонирование и образность.
Очень важно научить ребенка слушать себя, партнера и играть с полным вниманием и самоконтролем. От этого зависит качество звука.
Отношение к звуку определяет формирование всех пианистических навыков, а именно его прикосновение к клавиатуре фортепиано. Идеальным звучанием считается певучий звук.
Воспитание полифонического мышления
Добиться хороших результатов исполнения можно только при активном участии слуха и музыкальном осмыслении изучаемого материала, осознанном отношении к работе. Умение слушать себя с первых шагов поможет в воспитании полифонического мышления.
Исполнение народных песен, где предложена полнозвучная фактура, но партия несложна и доступна, помогут быстрому продвижению и успешности формирования полифонического слышания.
Воспитание ритма
Работа над воспитанием ритмадолжна вестись от музыки, а не от высчитывания длительностей. Образное содержание пьесы нужно воспринимать через ритм, мысленный танец или марш. Понимание учеником поставленной музыкальной задачи исполнения вызовет технику, необходимую для ее решения.
В процессе усвоения материала меняются способы работы, что приводит к новому восприятию и новому вниманию, что облегчит в дальнейшем работу над полиритмией.
Особенности работы над мелодией и сопровождением
На занятиях первого года обучения нужно четко объяснить ученику, где мелодия и где сопровождение. Такие задания как «выделить» мелодию, «спрятать» аккомпанемент приучают слушать и слышать себя и партнера. Звук в исполнении первой партии не должен быть форсированным. Эту работу нужно проводить при осознанном понимании мелодии, акцентируя внимание при этом на слуховое восприятие.
Хорошее звучание второй партии является необходимостью для качественного звучания первой партии. При одинаковых аккордах в левой и правой руке нужно приучить ученика ориентироваться по левой руке. Как только ребенок освоит басовый ключ нужно меняться партиями с педагогом, если это позволяет сделать сложность нотного текста. Играя партию учителя, учащийся приобретает навык исполнения аккомпанемента.
Освоение навыков аккомпанемента можно осуществлять на любом материале, связанном с сопровождением фортепиано.
При неуказанной аппликатуре в переложениях педагог должен помочь выработать умение подобрать ее на основе строения музыкальной фразы.
Способность различать звуки, составляющие аккорды связана не только с полифоническим мышлением, но и развитием гармонического слуха.
Работа по овладению навыком пользования педалью
Фортепианный ансамбль значительно обогащается при правильном пользовании педалью. И часто, чтобы развить навык пользования педалью,педагоги прибегают к исполнению ансамблевых пьес.
При исполнении фортепианного ансамбля необходимо научить учащегося бережно относиться к паузам – внимательно, бережно, сознательно и точно их выдерживать.
При наличии пауз ученик может задерживать бас, что создает излишнюю вязкость звучания. Нужно научить снимать педаль точно с окончанием фраз. Левую педаль применять в редких случаях, при «пианиссимо».
Нередко такая работа лучше проходит именно при совместном исполнении, при правильном подборе репертуара.
Основные принципы выбора программы
Программу педагог должен подбирать с учетом педагогической целенаправленности: яркие произведения давать не очень эмоциональным детям и наоборот. Пьесы с кантиленным характером использовать для работы над звуком.
Усложнение репертуара может привести к его неполноценному исполнению. Разнообразный репертуар, напротив, приведет к смене художественных впечатлений и определит успешность работы. Степень трудности пьес определяет продвижение учащегося.
Заключение
Итак, основными задачами обучения игре в ансамбле являются:
Воспитание навыков совместной игры
Развитие навыков совместной игры
Развитие навыков ориентирования в музыкальном тексте
Развитие навыков чтения с листа
При формировании детского ансамбля работа педагога заключается в правильном подборе не только музыкального материала, но и детей, которые будут вместе музицировать. Учитывать взаимную симпатию, уровень их подготовленности, эмоциональность, характер, так как в своем развитии и воспитании дети не равны.
Совместная игра способствует преодолению застоя в работе учащихся, так как участник, который играет сознательно, осмысливает логику текста, испытывает эстетическое и моральное удовлетворение от исполнения, будет стремиться к технической уверенности.
Индивидуальный подход к каждому - это залог успешной работы. Воспитать человека искусства - деятельного члена общества, способного к дальнейшему развитию культуры - вот что составляет основу работы музыкального обучения в музыкальной школе.
Библиография
А. Готлиб. «Основы ансамблевой техники». М., «Музыка», 1971.
А. Готлиб. «Заметки о фортепианном ансамбле». «Музыкальное исполнительство», вып. 8. М., 1973.
Е. Тимакин. «Воспитание пианиста». М., «Музыка», 1987.
А. Алексеев. «Методика обучения игры на фортепиано». Л., «Советский композитор», 1967.
Б. Асафьев. «Русская музыка19 - начало 20 века». Л., «Советский композитор», 1968.
Д. Благой. «Искусство камерного ансамбля и музыкально-педагогического процесса». М., «Музыка», 1981.
Г. Нейгауз. «Об искусстве фортепианной игры». М., «Музыка», 1956.
