Кой е рисувал пейзажната живопис. Пейзажна живопис от руски художници
Роден е в Йошкар-Ола през 1964 г. Завършва Казанския авиационен институт, по време на следването си, в който продължава да проявява голям интерес към живописта - любимо занимание от детството.
Без официални дипломи за художествено образование Сергей сам полира уменията си. Сега произведенията на Басов са желани гости в прочутата Метрополитен галерия на Валентин Рябов и незаменими участници в Международните художествени салони в Централния дом на художника и Арт Манежа. Художникът продължава традицията на руската класическа пейзажна живопис от 19 век. Критиците на изкуството наричат \u200b\u200bСергей Басов един от най-добрите представители на съвременния руски реализъм, отбелязвайки неговия безупречен вкус, невероятно поетично възприятие за света и перфектна техника на рисуване. Член е на Международния художествен фонд и Професионалния съюз на художниците.В неговите творби няма импресионистична мимолетност и авангардни наслади. Има само една омайваща простота, разбираема и ценна по всяко време.Критиците смятат Басов за един от най-добрите представители на съвременния руски реализъм.
Пейзажите му се наричат \u200b\u200b„живописни елегии.“ В най-обикновените и нехитровати теми - езеро, изгубено в гората, неназована река, горичка на ръба на поле - той е в състояние да отвори за зрителя цял свят, богат на емоции и усещания. В същото време Сергей Басов отдавна се е утвърдил като зрял художник с индивидуален, оригинален начин на рисуване и внимателен, заинтересован поглед към света, наблюденията на който той щедро споделя с околните.
„... Един от най-добрите представители на съвременния руски реализъм, Сергей Басов работи активно от началото на 90-те години на миналия век. Овладявайки перфектно техниката на рисуване, притежаващ безупречен вкус и чувство за стил, той създава удивително поетични творби, които неизменно намират дълбоко усетен отговор в сърцата на благодарни зрители - хора с различни вкусове и възгледи, много различни един от друг в своето отношение и характер. Визуалният свят, който художникът създава и в който живее, е преди всичко природата около нас. Гениалните и дори обикновени мотиви, избрани от художника, като горски езера и реки, дерета, горски пътеки и селски пътища, се трансформират в много деликатни, треперещи творби, един вид живописни елегии. Многобройни художествени изложби в столични и провинциални градове показват красиви творби по реалистичен, академичен начин. И, разбира се, съществува дълбока вътрешна връзка между положителните явления в съвременното руско изкуство и възраждането на страната. Художникът Сергей Басов дава своя достоен принос за тази благородна кауза. Пейзажите на майстора са ценни експонати на много частни и корпоративни колекции в Русия и в чужбина ... ”Много наши сънародници, заминавайки за дълго време в чужбина, отнасят като подарък на чуждестранни приятели или просто за спомен парче от Русия, заловено в пейзажите на Басов. Художникът предава необяснимия чар на ъглите на руската природа в средната лента на своите платна по фин, лиричен начин, с невероятна топлина и любов.
За пореден път пиша, че „Дневникът“ ми дава виртуално запознанство с много интересни хора, които се интересуват от рисуване, така че се обърнах към работата на латвийския акварелист благодарение на факта, че Rona1 се обърна към мен. Татяна, бивша жителка на Рига, сега живееща в Кармиел, Израел, ми каза, че бащата на нейния тъст е бил художник, че тя е запалена по живописта от много години. По предложение на Татяна в рубриката „Филми за художници“ се появиха нови публикации, тя също ме запозна с името на Бректе и изпрати снимки на няколко творби на художника, които имаше вкъщи. За което специални благодарности към нея. Така в моята серия ZhZL се появи ново име.
Янис Бректе
Латвийският художник, почетен художник на LSSR (1981), един от най-популярните и плодотворни акварели от съветската епоха, е широко известен извън Латвия.
Янис Бректе е роден в Рига в семейството на градинар. Прекарва детството си в малкия град Лизума, от 1934 г. до края на живота си живее в Рига. През 1936 г. постъпва в курсовете по рисуване на художника Карлис Андреевич Бренсенс (Karlis Brencēns, 1879-1951). Брензенс е майстор на витражната живопис, който в работата си се опитва да отрази основните идеологически тенденции на националния колорит. По-специално нейните витражи са изпълнени с изящно изиграни етнографски мотиви. Забележителни са неговите творби от началото на 1900-те, като Петел в снега (1903) и портретът на Валдемарс Криджанис (1912). Янис учи в студиото на Бренценс три години.
През 1940 г. постъпва в Латвийската академия на изкуствата. Сред неговите учители са художниците на пейзажи Лео Симанович Свемпс (Лео Свемпс, 1897-1975), народен художник на СССР от 1963 г., Карлис Мисниекс (31 януари 1887 г. - 25 октомври 1977 г.), завършил училището на Петербургското общество на Императорско изкуство (1911) и Централната школа по рисуване на Щиглиц, който работи в собственото си ателие за рисуване, а от 1922 г. - в Академията, и Николайс Брейкшс (10 януари 1911 - 1 август 1972 г.), възпитаник на Латвийската академия , след редица години работа като учител по рисуване, който се завръща през 1945 г., за да преподава в "Алма матер".
Бректе завършва Академията през 1948 г., докато все още учи, започвайки през 1943 г., започва да участва в изложби.
Улица Янис Бректе Стрелниеку през зимата 1945 г.
Янис Бректе 1 януари 1957 г.
Янис Бректе Морско училище 1960-те
Янис Бректе От прозореца на работилницата 1968г
През 1950 г. Янис Бректе става член на Съюза на художниците, през 1981 г. е удостоен със званието заслужил художник на Латвийската ССР. Големи самостоятелни изложби на художника се провеждат в Рига (1977, 1980) и Елгава (1981).
Янис Бректе Слънчогледи с диня 1973
Янис Бректе Без заглавие.
Brekte се специализира в пейзажи и натюрморти. Но ако в ранната си работа художникът се фокусира върху индустриалния пейзаж (рисува много гледки към пристанището и пристанището), то през следващите години обръща повече внимание на природата.
Янис Бректе Рано сутринта. 1967 година
Янис Бректе Далечен изток. Владивосток. 1971 г.
Но преди всичко името на художника е неразривно свързано със Старата Рига. Бректе е написал много серии акварели с гледки към улиците на Стария град по различно време на годината и с различни настроения на природата. В творческото наследство на Янис Бректе има няколко хиляди творби.
Янис Бректе Стара Рига. 1973 г.
Складове на Janis Brekte в Стара Рига. 1981 година
Janis Brekte Old Riga series.
Janis Brekte Old Riga series.
Мемориални изложби, посветени на неговото творчество, се проведоха в Цесис (1986) и Рига (1991, 1992). В художествения музей Lizuma се помещава постоянна експозиция на неговите творби.
Ул. Янис Бректе Стара Рига. Къща номер 13.
Янис Бректе септември в Стара Рига 1967 г.
Публикувано: 26 март 2018 г.Този списък с известни пейзажисти е съставен от нашия редактор Нийл Колинс, М.А. и Б.А. Той представя личното си мнение за десетте най-добри представители на жанровото изкуство. Както всяка такава компилация, тя разкрива повече личните вкусове на съставителя, отколкото мястото на пейзажистите. Така че първите десет художници на пейзажи и техните пейзажи.
http://www.visual-arts-cork.com/best-landscape-artists.htm
No.10 Томас Коул (1801-1848) и църквата Фредерик Едуин (1826-1900)
На десето място са двама американски художници.
Томас Коул: Най-великият американски художник на пейзажи от началото на 19-ти век и основател на училището по река Хъдсън, Томас Коул е роден в Англия, където работи като чирак-гравьор, преди да емигрира в САЩ през 1818 г., където бързо получава признание като художник на пейзажи, като се установява в село Катскил в долината Хъдсън. Като почитател на Клод Лотарингия и Търнър, той посещава Англия и Италия през 1829-1832 г., след което (отчасти благодарение на подкрепата, която получава от Джон Мартин и Търнър), той се фокусира по-малко върху изобразяването на природни пейзажи и повече върху грандиозните алегорични и исторически теми. ... Впечатлен до голяма степен от естествената красота на американския пейзаж, Коул прониква голяма част от своето пейзажно изкуство със страхотни чувства и очевиден романтичен блясък.
Известни пейзажи на Томас Коул:
- "Изглед на Catskill - Ранна есен" (1837), масло върху платно, Metropolitan Museum, Ню Йорк
- "Американско езеро" (1844), масло върху платно, Детройтски институт по изкуствата
Църква Фредерик Едуин
- "Ниагарския водопад" (1857), Коркоран, Вашингтон
- „Сърцето на Андите“ (1859), Метрополитън музей, Ню Йорк
- "Котопакси" (1862), Детройтски институт по изкуствата
No9 Каспар Давид Фридрих (1774-1840)
Замислен, меланхоличен и донякъде затворен, Каспар Дейвид Фридрих е най-великият пейзажист в романтичната традиция. Роден близо до Балтийско море, той се установява в Дрезден, където се фокусира изключително върху духовните връзки и значението на пейзажа, вдъхновен от тихата тишина на гората, както и светлината (изгрев, залез, лунна светлина) и сезоните. Неговият гений беше способността да улови все още неизвестно духовно измерение в природата, което придава на пейзажа емоционалност, с нищо и никога несравнима мистика.
Известни пейзажи от Каспар Дейвид Фридрих:
- "Зимен пейзаж" (1811), масло върху платно, Национална галерия, Лондон
- "Пейзаж в Ризенгебирге" (1830), масло върху платно, музей Пушкин, Москва
- "Мъж и жена, гледащи луната" (1830-1835), масло, Национална галерия, Берлин
# 8 Алфред Сисли (1839-1899)
Често наричан "Забравеният импресионист", англо-френският Алфред Сислей е на второ място след Моне в отдадеността си на спонтанен пленер: той е единственият импресионист, посветен изключително на пейзажната живопис. Неговата сериозно подценена репутация се основава на способността му да улови уникалните ефекти на светлината и сезоните в обширни пейзажи, морски и речни сцени. Неговото изображение на зори и неясен ден е особено запомнящо се. В днешно време той не е много популярен, но все още се смята за един от най-големите представители на импресионистичната пейзажна живопис. Можеше да бъде надценено, защото за разлика от Моне, творчеството му никога не е страдало от липса на форма.
Известни пейзажи от Алфред Сисли:
- "Мъгливо утро" (1874), масло върху платно, Musée d'Orsay
- "Сняг в Лувесиен" (1878), масло върху платно, Musée d'Orsay, Париж
- "Мостът на Морет в лъчите на слънцето" (1892), платно, масло, частна колекция
# 7 Алберт Куйп (1620-1691)
Холандски художник-реалист, Алберт Куип е един от най-известните холандски художници на пейзажи. Неговите великолепни живописни гледки, речни сцени и пейзажи с спокойни говеда, показват величественото спокойствие и майсторското боравене с ярка светлина (рано сутрин или вечер на слънце) в италиански стил е знак за голямото влияние на Клодеев. Тази златна светлина често улавя само страните и ръбовете на растения, облаци или животни чрез светлинни ефекти. По този начин Kuijp трансформира родния си Дордрехт във въображаем свят, отразявайки го в началото или в края на идеален ден, с всеобхватно чувство за неподвижност и сигурност и хармония на всичко с природата. Популярен в Холандия, той беше високо ценен и събран в Англия.
Известни пейзажи на Алберт Куйп:
- "Изглед на Дордрехт от север" (1650), платно, масло, колекция на Антъни де Ротшилд
- "Речен пейзаж с конник и селяни" (1658), масло, Национална галерия, Лондон
# 6 Жан-Батист Камил Коро (1796-1875)
Жан-Батист Коро, един от най-великите пейзажисти в романтичния стил, е известен със своето незабравимо живописно изображение на природата. Неговият особено фин подход към разстоянието, светлината и формата зависи от тона, а не от рисуването и цвета, придавайки на завършената композиция атмосфера на безкрайна романтика. По-малко ограничени от изобразителната теория, произведенията на Корот въпреки това са сред най-популярните пейзажи в света. Постоянен член на Парижкия салон от 1827 г. и член на училището в Барбизон, водено от Теодор Русо (1812-1867), той оказва огромно влияние върху други пленери, като Шарл-Франсоа Дубини (1817-1878), Камил Писаро (1830-1903) и Алфред Сисли (1839-1899). Освен това той беше необикновено щедър човек, който харчеше по-голямата част от парите си за артисти в нужда.
Известни пейзажи на Жан-Батист Коро:
- "Мост до Нарни" (1826), масло върху платно, Лувър
- "Ville d" Avrey "(ок. 1867), масло върху платно, Музей на изкуствата в Бруклин, Ню Йорк
- "Селски пейзаж" (1875), масло върху платно, Музей на Тулуза-Лотрек, Алби, Франция
# 5 Якоб ван Руисдаел (1628-1682)
- "Мелница във Wijk близо до Duarstead" (1670), платно, масло, Rijksmuseum
- "Еврейско гробище в Ouderkerk" (1670), Галерия на старите майстори, Дрезден
# 4 Клод Лорейн (1600-1682)
Френски художник, чертожник и график, активен в Рим, който е считан от много изкуствоведи за най-великия идиличен пейзажист в историята на изкуството. Тъй като в чист (т.е. светски и некласически) пейзаж, както в обикновения натюрморт или жанрова живопис, липсва морална тежест (през 17 век в Рим), Клод Лорейн въвежда класически елементи и митологични теми в неговите композиции, включително богове, герои и светци. Освен това избраната от него среда, провинцията около Рим, беше богата на древни руини. Тези класически италиански пасторални пейзажи също бяха изпълнени с поетична светлина, което представлява неговия уникален принос към изкуството на пейзажната живопис. Клод Лотарингия е повлиял особено на английските художници, както по време на живота си, така и в продължение на два века след нея: Джон Констабъл го е нарекъл „най-добрият пейзажист, който светът е виждал“.
Известни пейзажи на Клод Лорен:
- „Модерен Рим - Campo Vaccino“ (1636), платно, масло, Лувър
- "Пейзаж със сватбата на Исак и Ребека" (1648), масло, Национална галерия
- "Пейзаж с Тобия и ангела" (1663), масло, Ермитаж, Санкт Петербург
- "Изграждане на лодка в Flatward" (1815), масло, музей Виктория и Алберт, Лондон
- „Каручка със сено“ (1821), масло върху платно, Национална галерия, Лондон
# 2 Клод Моне (1840-1926)
Най-големият съвременен художник на пейзажи и гигант на френската живопис, Моне е водеща фигура в невероятно влиятелно импресионистично движение, на чиито принципи на спонтанна пленерна живопис той остава верен до края на живота си. Близък приятел на художниците-импресионисти Реноар и Писаро, неговото желание за оптична истина, главно в изобразяването на светлината, е представено от поредица платна, изобразяващи един и същ обект при различни условия на осветление и по различно време на деня, като пластове сено (1888), "Топола" (1891), "Руанската катедрала" (1892) и "Река Темза" (1899). Този метод завърши с известната поредица „Водни лилии“ (сред всички най-известни пейзажи), създадена от 1883 г. в неговата градина в Живерни. Последната му поредица от монументални рисунки на водни лилии с блестящи цветя е интерпретирана от няколко историци на изкуството и художници като важен предшественик на абстрактното изкуство, а от други като върховен пример за стремежа на Моне за спонтанен натурализъм.
Съдбите на художниците по всяко време в по-голямата си част винаги са били изпълнени с трудности и страдания, несъгласие и отхвърляне. Но само истинските създатели успяха да преодолеят всички перипетии на живота и да постигнат успех. Така че в продължение на много години, чрез тръни, нашият съвременник трябваше да отиде до световно признание, художник-самоук Сергей Басов.
Какво би могло да бъде по-близко и по-скъпо за човека от омайните кътчета на природата на родната му земя. И където и да се намираме, на подсъзнателно ниво се стремим към тях с цялата си душа. Очевидно това е причината пейзажите в работата на художниците да са толкова силно изхранвани от почти всеки зрител. И затова творбите на Сергей Басов са толкова възхитителни, преминали през художествена визия, които вдъхновяват и насищат с текстове всеки квадратен сантиметър от своето творение.
Малко за художника
Сергей Басов (роден през 1964 г.) е от град Йошкар-Ола. Като дете той беше много ентусиазирано и любознателно дете, което мечтаеше да стане пилот и рисуваше отлично, и то не само самолети. И когато порасна, той направи избор в полза на авиацията - завърши Казанския авиационен институт. Но за Сергей не беше съдба да лети - здравето му беше разочароващо и медицинският съвет категорично наложи ветото си.
И тогава Басов трябваше да се съгласи с позицията на авиационен инженер. И в свободното си време започва сериозно да се занимава с рисуване. Но въпреки отличния природен талант, на бъдещия художник му липсваха академични знания и професионални умения в майсторството.
И един ден той реши да промени радикално съдбата си: Сергей завърши кариерата си като инженер и подаде документи в чебоксарския "hudgraf". Представителите на комисията за подбор обаче, въпреки че признаха изключителния артистичен дар на кандидата Басов, документите не го приеха. В същото време аргументът беше изложен много сериозен за онези времена: „Приемаме само възпитаници на художествени училища“... И начинаещият художник нямаше друг избор, освен да овладее самостоятелно основите на живописта и академичната част от него и да научи тайните на рисуването чрез творбите на великите гении от 19-ти век.
Така се случи в живота той да остане самоук, както се казваше навремето - „късче“ с артистичен дар, истински от Бог. И такива майстори, какъв грях да се прикрие, в Русия през всички епохи имаше трудно време. Така че Сергей не беше много разглезен от съдбата. И така, през 90-те години Басов трябваше да си сътрудничи само с галериите в Казан, тъй като московските по никакъв начин не искаха да имат работа с майстор, който нямаше образование и известно име.
Но както се казва - водата износва камъка и малко по малко столицата също се подчини на талантливия художник. От 1998 г. платната на Сергей започват да се появяват в международните московски салони. И поръчките от чуждестранни любители и ценители на живописта не закъсняха. И тогава славата дойде при художника и световно признание.
Лирика и хиперреализъм в творчеството на самоук художник
Малцина остават безразлични от величествените изконно руски кътчета на природата, застинали във времето върху платната на художника. Басов поставя традиционните класики на пейзажната живопис от 19-ти век в основата на всяко произведение, основата. И сам добавя повече слънчева светлина и хармонична комбинация от цветове във въздуха, както и тиха радост, произтичаща от съзерцанието и възприемането на необикновената красота на величествената руска природа.
През последните двадесет години Сергей Басов е участник в множество колективни и лични изложби. Член е на Международния художествен фонд и Професионалния съюз на художниците. И вече никой не упреква майстора, че е самоук художник и художник без славно име.
Много зрители свързват работата на майстора с творбите на известния пейзажист Иван Шишкин. Самият Сергей, говорейки за себе си, казва: „Аз съм марийка, родена съм в Йошкар-Ола и прекарах детството си при баба си в селото. Има много езера със стръмни брегове под 30-50 метра. Нашите езера могат да бъдат боядисани по всяко време на деня и винаги ще бъдат нови. Винаги е така в природата: той е едновременно постоянен и незабавно променлив. Харесвам нещо фино и нещо епично в нея ... ”.
Художникът като че ли одухотворява всяка своя картина и прославя в нея необикновената сила на природните елементи. След като внимателно разгледахте изображението и се вслушахте в чувствата си, можете дори да забележите как листата треперят на вятъра, да чуете свирка на щурец и цвърченето на скакалец, плисък на реката и да усетите най-тънката иглолистна миризма на борова гора.
Неговата живопис може напълно да се нарече поетична, където художникът вдъхновява и с голяма любов импрегнира всяко дърво, всяка тревичка с фин лиризъм, подчинявайки цялата картина на хармоничен звук.
Но това, което се възхищава най-много от хиперреалистичния маниер на живописеца на художника. Изтънчените подробности радват дори изтънчения зрител. А художникът в своите картини майсторски отразява всички сезони и всички времена на деня, отбелязвайки всички нюанси, свързани с промените в естественото циклично време.
Първите живописни пейзажи се появяват в Русия през втората половина на 18 век - след откриването на Императорската академия на изкуствата в Санкт Петербург през 1757 г. по модел на европейски академии, където наред с други жанрови класове има и клас по пейзажна живопис. Веднага се търси „премахване на гледки“ на запомнящи се и архитектурно значими места. Класицизмът - и това е времето на неговото управление - настройва погледа към възприемането само на онова, което предизвиква възвишени асоциации: величествени сгради, могъщи дървета, панорами, напомнящи на древна героика. Както природата, така и градската ведута Жанрът на ведута (от италианския veduta - изглед) беше наречен образ на града от особено изгодна гледна точка. трябва да бъдат представени в идеален облик - каквито трябва да бъдат.
Изглед към двореца Гатчина от Дългия остров. Картина от Семьон Щедрин. 1796 година
Кула на мелницата и кората в Павловск. Картина от Семьон Щедрин. 1792 годинаРегионален художествен музей в Самара
Червеният площад в Москва. Картина от Фьодор Алексеев. 1801 годинаДържавна Третяковска галерия
Изглед към фондовата борса и Адмиралтейството от крепостта Петър и Павел. Картина от Фьодор Алексеев. 1810 годинаДържавна Третяковска галерия
Пейзажите са рисувани от живота, но със сигурност са финализирани в студиото: пространството е разделено на три разбираеми плана, перспективата е оживена от човешки фигури - така нареченият персонал - и композиционният ред е подсилен от конвенционалния цвят. Така Семьон Щедрин изобразява Гатчина и Павловск, а Фьодор Алексеев изобразява московските площади и насипите в Санкт Петербург; между другото и двамата завършиха художественото си образование в Италия.
2. Защо руските художници рисуват италиански пейзажи
Следващият етап от развитието на руския пейзаж - романтичният - ще бъде свързан в още по-голяма степен с Италия. Отивайки там като пенсионери, тоест за стаж след успешно завършване на Академията, художниците от първата половина на 19 век, като правило, не бързат назад. Самият южен климат им се струва признак на свобода, отсъстваща в родината им, а внимание към климата е и желанието да се изобрази: специфичната светлина и въздух на топла свободна земя, където лятото винаги продължава. Това отваря възможности за овладяване на пленерно рисуване - възможността за изграждане на цветова схема в зависимост от реалното осветление и атмосфера. Предишният класицистичен пейзаж изискваше героична природа, фокусирана върху значимото, вечното. Сега природата се превръща в среда, в която живеят хората. Разбира се, романтичният пейзаж (като всеки друг) също предполага избор - в рамката влиза само онова, което изглежда красиво: само това вече е друго красиво. Пейзажи, които съществуват независимо от човек, но благоприятни за него - тази идея за „правилната“ природа съвпада с италианската реалност.
Лунна нощ в Неапол. Живопис от Силвестър Щедрин. 1828 годинаДържавна Третяковска галерия
Grotto Matromanio на остров Капри. Живопис от Силвестър Щедрин. 1827 годинаДържавна Третяковска галерия
Водопади в Тиволи. Живопис от Силвестър Щедрин. В началото на 2020-теДържавна Третяковска галерия
Веранда, преплетена с грозде. Живопис от Силвестър Щедрин. 1828 годинаДържавна Третяковска галерия
Силвестър Щедрин живее в Италия 12 години и през това време успява да създаде своеобразен тематичен речник на романтичните пейзажни мотиви: лунна нощ, море и пещера, откъдето морето се отваря към гледката, водопадите и терасите. Неговата природа съчетава универсалното и интимното, пространството и възможността да се скрие от него в сянката на гроздова пергола. Тези перголи или тераси са като вътрешни заграждения в безкрайност, където скитниците лазарони се отдават на блажено безделие с изглед към Неаполския залив. Те изглежда са част от самия състав на пейзажа - свободни деца от дива природа. Както се очакваше, Щедрин финализира картините си в студиото, но стилът му на рисуване демонстрира романтична емоция: отворена мазка извайва формите и текстурите на нещата сякаш в темпото на моменталното им разбиране и емоционална реакция.
Появата на Месията (Появата на Христос на хората). Живопис от Александър Иванов. 1837-1857Държавна Третяковска галерия
Появата на Христос пред хората. Първоначална скица. 1834 година
Появата на Христос пред хората. Скица, написана след пътуване до Венеция. 1839 годинаДържавна Третяковска галерия
Появата на Христос пред хората. Скица "Строганов". 1830-теДържавна Третяковска галерия
Но Александър Иванов, по-младият съвременник на Щедрин, открива различна природа - не свързана с човешките чувства. Повече от 20 години той работи по картината „Появата на Месията“, а пейзажите, както и всичко останало, са създадени в косвена връзка с нея: всъщност те често се смятат от автора като скици, но са изпълнявани с изобразителни грижи. От една страна, това са пустеещи панорами на италианските равнини и блата (свят, който все още не е хуманизиран от християнството), от друга, близки планове на природните елементи: един клон, камъни в поток и дори просто сухи земя, също с панорамна гледка, от безкраен хоризонтален фриз Например в картината „Почва близо до портата на църквата„ Свети Павел “в Албано“, рисувана през 40-те години на XIX век.... Вниманието към детайлите също е изпълнено с внимание към въздействията на пленера: към това как небето се отразява във водата и хълмистата почва улавя рефлекси от слънцето - но цялата тази точност се превръща в нещо основно, образ на вечната природа в основата си основи. Предполага се, че Иванов е използвал ясна камера - устройство, което помага да се фрагментира видимото. Вероятно е бил използван и от Щедрин, но с различен резултат.
3. Как се появява първият руски пейзаж
Засега природата е красива и следователно чужда: нейната красота се отрича. „Руските италианци“ не са вдъхновени от студената Русия: климатът й е свързан с липсата на свобода и сковаността на живота. Но в други кръгове подобни асоциации не възникват. Никифор Крилов, ученик на Алексей Гаврилович Венецианов, който не е пътувал извън родината си и е бил далеч от романтична перспектива, вероятно не е знаел думите на Карл Брюлов за невъзможността да се пишат сняг и зима („цялото разлято мляко ще излезе“) . И през 1827 г. той създава първия национален пейзаж - точно през зимата.
Зимен пейзаж (руска зима). Живопис от Никифор Крилов. 1827 година Държавен руски музей В откритото от него училище в село Сафонко-во Сега Венецианово., Венецианов научи „да не изобразява нищо по-различно, отколкото в природата, и да й се подчинява сама“ (в Академията, напротив, те учиха да се фокусират върху мостри, върху изпитани и идеални). От високия бряг на Тосна природата беше панорамна - в широка перспектива. Панорамата е ритмично обитавана и фигурите на хората не се губят в пространството, те са му естествени. Много по-късно точно такива типове "щастливи хора" - мъж, който води кон, селянка с корона-нос - ще придобият някакъв сувенирен акцент в живописта, но засега това е първият им изход и те са привлечени с грижата за близкото зрение. Постоянната светлина на сняг и небе, сини сенки и прозрачни дървета представят света като идилия, като фокус на мира и реда. Това светоусещане ще се въплъти още по-остро в пейзажите на друг ученик на Венецианов, Григорий Сорока.
Крепостният художник (Венецианов, който беше приятел със своя „собственик“, така и не успя да набави на любимия си студент безплатен) Сорока е най-талантливият представител на така наречения руски бидермайер (като изкуството на учениците на Венецианов училище се нарича). През целия си живот той рисува интериора и околностите на имението, а след реформата от 1861 г. става селски активист, за което е арестуван за кратко и евентуално телесно наказание, след което се обесва. Други подробности от биографията му са неизвестни, малко творби са оцелели.
Рибари. Изглед в Спаски. Картина на Григорий Сорока. Втората половина на 40-те години Държавен руски музей Неговата „Рибари“ изглежда е „най-тихата“ картина в целия корпус на руската живопис. И най-"балансираната". Всичко се отразява във всичко и се римува с всичко: езерото, небето, сградите и дърветата, сенките и акцентите, хората в бели дрехи. Весло, паднало във водата, не предизвиква пръски или дори клатушкане на водната повърхност. Перлените нюанси в платновата белота и тъмните зелени превръщат цвета в светъл - може би късен следобед, но по-трансцендентален, небесен: в разсеяна спокойна светлина. Изглежда, че риболовът предполага действие, но не го прави: неподвижните фигури не въвеждат жанров елемент в пространството. А самите тези фигури в селските пристанища и ризи не приличат на селяни, а на герои от епична легенда или песен. Бетонен пейзаж с езеро в село Спаское се превръща в идеален образ на природата, беззвучен и леко замечтан.
4. Как руският пейзаж улавя руския живот
Рисуването на венецианците в общото поле на руското изкуство заема скромно място и не влиза в масовия поток. До началото на 1870-те години пейзажът се развива в основата на романтична традиция на нарастващи ефекти и разкош; в него доминираха италиански паметници и руини, гледка към морето при залез и лунни нощи (такива пейзажи могат да бъдат намерени, например, при Айвазовски, а по-късно и в Куинджи). И в началото на 60-те и 70-те години се случва рязък повторен пробив. Първо, това е свързано с появата на сцената на домашната природа, и второ, с факта, че тази природа е декларативно лишена от всякакви признаци на романтична красота. През 1871 г. Фьодор Василиев написва „Размразяването“, която Павел Михайлович Третяков веднага придобива за колекцията; през същата година Алексей Саврасов показа по-късно известните си „Топове“ на първата пътуваща изложба (тогава картината се наричаше „Тук са пристигнали топовете“).
Размразяване. Картина на Фьодор Василиев. 1871 година Държавна Третяковска галерия А в „Размразяване“ и „Топове“ сезонът не е определен: вече не е зима, още не е пролет. Критикът Стасов беше възхитен от това как „чуваш зима“ на Саврасов, докато други зрители „чуват“ точно пролетта. Преходното, колебливо състояние на природата даде възможност да се насити рисуването с фини атмосферни рефлекси, да се направи динамично. Но иначе тези пейзажи са свързани с различни неща.
Топовете са пристигнали. Картина на Алексей Саврасов. 1871 година Държавна Третяковска галерия Василиев осмисля размразяването - то се проектира върху съвременния социален живот: същото безвремие, мрачно и безнадеждно. Цялата вътрешна литература, от революционно-демократичните писания на Василий Слепцов до анти-нихилистичните романи на Николай Лесков (името на един от тези романи - „Никъде“ - може да стане името на картината), фиксира невъзможността за пътя - онази задънена улица, при която мъж и момче се губят в пейзажа. А в пейзажа, нали? Пространството е лишено от пейзажни координати, с изключение на онези нещастни заснежени колиби, дървесни боклуци, затънали в киша и хрипливи дървета в планината - чадър. Той е панорамен, но потиснат от сивото небе, не заслужава светлина и цвят - пространство, в което няма ред. Саврасов има нещо друго. Той също така подчертава прозаизма на мотива: църквата, която би могла да се превърне в обект на „видео живопис“, отстъпи място на просцениума на криви брези, на ноздрите и снежните локви. "Руски" означава "беден", безпристрастен: "бедна природа", както е при Тютчев. Но същият Тютчев, пеейки „земята на родното си дългогодишно пеене“, пише: „Той няма да разбере и няма да забележи / Гордият поглед на чужденец, / Какво прозира и тайно блести / В твоята смирена голота, "- и в" Rooks "тази тайна светлина е ... Небето заема половината платно и оттук идва напълно романтичен „небесен лъч“ на земята, осветяващ стената на храма, оградата, водата на езерото - това маркира първите стъпки на пролетта и дава пейзажа неговата емоционална и лирична окраска. При Василиев обаче размразяването обещава пролет и този смислов нюанс е възможен и тук, ако искате да го видите - или да го прочетете тук.
5. Как се развива руската пейзажна школа
Селски път. Картина на Алексей Саврасов. 1873 годинаДържавна Третяковска галерия
Вечер. Полет на птици. Картина на Алексей Саврасов. 1874 годинаОдески художествен музей
Саврасов е един от най-добрите руски колористи и един от най-„многоезичните“: той е еднакво способен да рисува пътна пръст с интензивен и празничен цвят („Провинция“) или да изгражда най-фината минималистична хармония в пейзаж, състоящ се само от земя и небе ("Вечер. Полет на птици"). Предпочитателят на Московското училище за живопис, скулптура и архитектура, той повлия на мнозина; неговият виртуозен и открит живописен маниер ще продължи с По-ле-нов и Левитан, а мотивите ще резонират със Серов, Коровин и дори Шишкин (големи дъбове). Но Шишкин олицетворява различна идеология на националния пейзаж. Това е идея за героизъм (леко епичен), за тържественото величие, мощ и слава на „националния“ и „народния“. Един вид патриотичен патос: могъщи борове, еднакви по всяко време на годината (променливостта на открито беше определено чужда за Шишкин и той предпочиташе да рисува иглолистни дървета), събиране в горски масив и билки, изписани с всички грижи , също образуват набор от подобни билки, които не представляват ботаническо разнообразие. Характерно е, че например в картината "ръж" дърветата на фона, намаляващи по размер според линейната перспектива, не губят своите отчетливи контури, което би било неизбежно предвид ефирната перспектива, но неприкосновеността на формите е важно за художника. Не е изненадващо, че първият му опит да изобрази светлинно-въздушната среда в картината „Сутрин в борова гора“ (написана в съавторство с Константин Савицки - мечки от четката му) предизвика вестникарска епиграма: „Иван Иванович, ти ли си ? Каква мъгла пуснаха, татко.
Ръж. Картина на Иван Шишкин. 1878 годинаДържавна Третяковска галерия
Сутрин в борова гора. Картина на Иван Шишкин и Константин Савицки. 1889 годинаДържавна Третяковска галерия
Шишкин няма последователи и като цяло руската пейзажна школа се развива, относително казано, по линията на Саврасов. Тоест, изпитване на интерес към атмосферната динамика и култивиране на етюдна свежест и отворен начин на писане. Това беше съчетано със страст към импресионизма, почти универсална през 1890-те, и като цяло жажда за еманципация - поне за еманципация на цвета и техниката на четките. Например при Поленов - и не само един - почти няма разлика между скица и картина. Учениците на Саврасов, а след това и на Левитан, които замениха Саврасов в ръководството на пейзажния клас на Московското училище, по импресионистичен начин реагираха остро на моментните състояния на природата, на случайната светлина и внезапните промени във времето - и тази острота и бързина на реакция се изразяваха в излагането на техники, в това как чрез мотива и над мотива самият процес на създаване на картина и волята на художника, избирайки едно или друго изразително средство, станаха разбираеми. Пейзажът престава да бъде напълно обективен, личността на автора твърди, че отстоява своята независима позиция - досега в баланс с дадените видове. Левитан трябваше да определи тази позиция изцяло.
6. Как завърши пейзажният век
Исак Левитан се смята за създател на „пейзажа на настроението“, тоест художник, който до голяма степен проектира собствените си чувства върху природата. В действителност, в творбите на Левитан тази степен е висока и диапазонът от емоции се играе по цялата клавиатура, от тиха тъга до триумфално веселие.
Затваряйки историята на руския пейзаж от XIX век, изглежда, Левитан синтезира всичките си движения, показвайки ги в крайна сметка с цялата яснота. В неговата живопис могат да се намерят майсторски написани бързи скици и епични панорамни рамки. Той беше еднакво владеещ както импресионистичната техника на извайване на обема с отделни цветни щрихи (понякога надвишаваща импресионистичната „норма“ в дробността на факултета), така и постимпресионисткия ционистки метод на пастообразни цветни зидани широки слоеве. Знаеше как да вижда ъгли на камерата, интимна природа - но също така откри любовта към откритите пространства (може би така беше компенсиран споменът за Бледата на заселване - унизителната вероятност за изгонване от Москва с дамоклов меч, окачен над художник по времето на славата, два пъти го принуждава да бърза. бягайки от града).
Над вечния покой. Картина на Исак Левитан. 1894 годинаДържавна Третяковска галерияВечерен разговор, вечерен звънец. Картина на Исак Левитан. 1892 годинаДържавна Третяковска галерия
"Далечни гледки" биха могли да се свържат както с патриотично усещане за простор ("Свеж вятър. Волга"), така и да изразят траурен копнеж - както в картината "Владимирка", където драматичният спомен за мястото (по този осъден тракт води до Сибир конвой) се чете без допълнително обкръжение в самия образ на пътя, хлабав от дъждове или стари шествия, под мрачно небе. И накрая, своеобразно откритие на Левитан - пейзажни елегии от философски смисъл, където природата се превръща в повод за размисъл върху кръга на битието и за търсене на непостижима хармония: „Тихо жилище“, „Над вечния мир“ , "Вечерни камбани" ...
Вероятно последната му картина „Езеро. Рус ”, може да принадлежи към тази поредица. Тя е замислена като цялостен образ на руската природа. Левитан искаше да го нарече "Рус", но се спря на по-неутрална версия; двойното име остана по-късно.може би това е причината, поради която в него са комбинирани противоречиви позиции: руският пейзаж във вечното му съществуване и импресионистичната техника, внимателна към "мимолетното".
Езеро. Русия. Картина на Исак Левитан. 1899-1900 години Държавен руски музей Не можем да знаем дали тази романтична сила на цветовете и гамата четки ще са останали във финалната версия. Но това междинно състояние е синтез в една картина. Епична панорама, вечна и непоклатима природна реалност, но вътре в нея се движи всичко - облаци, вятър, вълни, сенки и отражения. Широките удари улавят това, което не е станало, но това, което става, се променя - сякаш се опитва да навакса. От една страна, пълнотата на летния разцвет, тържествената главна тръба, от друга страна, интензивността на живота, готов за промяна. Лято 1900; идва нов век, в който пейзажната живопис - и не само пейзажната - ще изглежда напълно различно.
Източници на
- Бохем К. История на жанровете. Декорация.
- Федоров-Давидов А.А. Руски пейзаж от 18 - началото на 20 век.
