Какъв е съпроводът? Речник на музикални термини.

Изкуството на акомпанимента

Въведение

В момента проблемът с многостранното възпитание на детето е много актуален. Музиката е най-универсалното средство за естетическо и морално възпитание, което формира вътрешния свят на дете. Той става чувствителен към красотата, мисленето му се подобрява и музикалните му хоризонти се разширяват.

Целта на обучението на децата в музикално училище е да се подготвят не само бъдещи професионални изпълнители, но и музикални самодейци, които имат уменията на музикалното творчество, могат самостоятелно да разглобяват и научават музикално произведение от всеки жанр, да владеят инструмент и да го придружават. За значителен брой възпитаници на Детската школа по изкуства музиката, без да стане основна специалност, ще остане любимото им хоби, а практическите умения, придобити от тях в процеса на преподаване на акомпанимент, ще им помогнат да свирят музика свободно със семейството си или с други любители на музиката.
Съпроводът разширява рамката на обичайния педагогически процес и цялостно развива творческите способности на учениците с различни способности, насажда уменията за игра в ансамбъл, насърчава по-емоционално отношение към музиката, буди интерес към предмета, развива специфичните способности на музикант (ухо за музика, памет, ритмично чувство, двигателно-двигателни умения ), повишава нивото на умения за изпълнение.

Произведенията, научени в уроците по специалността, ще бъдат бързо забравени, а способността да чете и придружава свободно ще помогне на ученика да се превърне в истински любител и популяризатор на музикалната култура.

В резултат на подобряването на качеството на основното музикално образование, приемането на нови образователни програми, растежа на научно-методическата работа, възниква необходимост от създаване на образователни програми в допълнителни дисциплини, които допринасят за развитието на музикалните способности на учениците.

В тази връзка целта на писането на тази творба беше необходимостта да се обобщи трудовият опит и да се разширят знанията и идеите за акомпанимента, да внушат у децата любов към музиката, да разбират нейния език, да развият не само изпълнителски, но и творчески качества у учениците. За да се постигне тази цел, е необходимо да се решат редица задачи:

1. анализира историческото развитие на съпровода;
2. проучете различни видове съпровод;
3. помислете за организацията на учебния процес.

Практическото значение се състои в това, че тази работа съдържа много полезна информация и практически препоръки за учители от музикални училища, които участват в съпровод.

1. Кратка история на развитието на акомпанимента

Какво е съпровод? В речника на В. Дал акомпаниментът се определя като ехо, повторение, акомпанимент, игра.

В средата на 20 век думата „акомпанимент“ придобива по-ясна формулировка - тя е музикален съпровод, който допълва основната мелодия, служи като хармонична и ритмична опора на солиста (певец, инструменталист) и задълбочава художественото съдържание на произведението.

Съпроводът се изпълнява от пиано, китара, акордеон, акордеон и др., Както и от ансамбъл и оркестър.

Характерът и ролята на акомпанимента зависят от епохата, националността на музиката и нейния стил.

Като най-простите форми на акомпанимент, често могат да се разглеждат изпълнението на народна песен, пляскане или удряне на ритъм с крак.

В средновековната музика се наблюдава удвояване или октаво удвояване на вокална мелодия с един или повече инструменти. През 15-16 в. Акомпаниментът е съпровод на вокални полифонични произведения, които са художествено второстепенни.

Говорейки за формирането на акомпанимента, не можем да не споменем и вида полифония - хомофония, характеризиращ се с разделянето на гласовете на основните и съпътстващите (за разлика от полифонията, при която всички гласове са равни). В древната култова музика този принцип на хомофонията е широко използван, където главният глас е бил главният, а останалите изпълняват функцията на акомпанимент, близък до акорда.

С развитието на хомофонно-хармоничния склад в края на 16 и началото на XVII век съпроводът се разбира като хармонична опора на мелодията. По това време беше обичайно да се изписва само долният глас на акомпанимента, очертаващ хармонията с помощта на цифрови символи (общ бас или цифров бас).

Генералният бас беше първоначалният тип хомофонично писане в музика. По преценка на изпълнителя, от когото се изискваше въображение, дарбата на импровизацията, беше осигурено декодиране на цифровия бас под формата на акорди, фигури и др.

Още от времето на Дж. Хайдн, У. Моцарт, Л. Бетовен, акомпаниментът е написан от авторите изцяло. В музиката има яснота на хармония и яснота на текстурираните модели.

2. Видове съпровод

2.1. Подкрепа за акорд

Това е най-простата форма на хармонична поддръжка, тя е подкрепата на мелодията с устойчиви акорди в основните стъпки на клавиша. Тук хармонията набляга на палаталните гравитации и помага на певеца да не се заблуждава, тоест изпълнява функцията на камертон.
Това качество на хармоничните опори е преходна стъпка от дигитален бас до развитието на хомофонично - хармоничен стил. Ролята на акордовите опори става все по-важна. Заедно с насищането на съдържанието те се превръщат в начин за развитие на драматични сцени, в които емоционалните състояния се променят.

Ролята на такъв съпровод е много голяма за оперното изкуство, като се има предвид, че развитието на сюжета активно се насърчава в речитативите. Този съпровод се намира в камерна и романсова музика.

2.2. Редуващи се баси и акорди

Много национални танци са станали толкова типични представители на определени образи и настроения, че са надраснали границите на националното и са станали обща собственост.
Това е полска мазурка или полонез, френски минет или гавот, австро-германски валс, испанска сарабанда и др.

Трябва да се отбележат два основни принципа на фактурата на съпровода:

1. Равномерен акцент на идентични моменти на движение (стъпки) в рамките на мярка. Такова движение може да бъде: оперно-тежко (сарабанда), относително леко (минует).
2. Картиране на референтния бас звук към по-леки акорди. Това е текстурата на гавота, мазурка, валс, полка.

Преобладаването на тази форма на танцов съпровод съответства на стъпката, походката: басовият звук предава тласък от земята, а акордите - по-леки движения.
Това е най-достъпният вид акомпанимент за домашна музика.

2.3. Акорда вълничка

Отдалечавайки се от танца, обръщането към други теми и жанрове трансформира акомпанимента, създавайки огромно разнообразие от ритмични фигури, характеризиращи движението.

Съживяването на хармоничната подкрепа в хомофонната музика се развива в две посоки:
повишено пулсация на акорди;
разлагане на акорда под формата на хармонична фигурация.

Тези видове текстури са най-типичните. Те съдържат огромни възможности за емоционално насищане поради темпото и динамичното активиране.

Пулсиращите акорди създават различни емоционални цветове: небързани - мир, медитация, подчертани с подкрепата на хармонично развитие - вълнение, преживявания и др.

Често срещано явление на хармонични опори е акорд арпеджио. Техниката е взаимствана от изразителните възможности на арфа, китара, гусли. Тя е типична за жанра на епоса, приказната, епичната, лирическата. Създава се широка амплитудна хармонична вълна, която се слива в хармония на акорда.

2.4. Хармонична фигурация

Shape е текстурирана обработка на акорди, тяхното "оцветяване". Хармоничната фигурация, запазваща модалната природа, образува подвижен фон. Говорейки за достойнствата на тези фигури, трябва да се отбележи:

• широк диапазон, динамична амплитуда ви позволяват да създавате емоционално наситени, цветни картини, да активирате състоянието на героя;
• внася мелодично движение в хармонични гласове, което води до многофоничен съпровод.

Разграничават се следните видове презентация:

• запълване на интервалите между звуците на акордите: тананикане, задържане, появата на втори секвенции дава голямо напрежение;
• разлагане на акорда под формата на хармонична фигурация;

когато хармонията се промени поради модалните гравитации, гласовете получават повече формализация и изразителност. Появява се така наречената латентна мелодия. Пример е мелодичният курс по бас. Голямо значение и тежест се придава на придружаващото парти. Такъв мелодичен бас кондензира масата на звученето, изпомпвайки динамичното ниво.

2.5. Полифонична комбинация със солова част

Полифоничното съчетание със соловата част е допълнителна стъпка в мелодичното движение, придружено от. Такива мелодични конструкции имат:

• естеството на ехото;
• имитира мотивите на основната партия;
• представляват по-независими и пълни опозиции.

Когато работите със студент, този вид съпровод е най-труден за изпълнение, изискващ определени умения, които се практикуват в уроците на специалността, когато се работи върху полифония. Изисква наличието на слухови възможности, способността да се комбинират соло и акомпанимент в една музикална тъкан.

2.6. Съпроводът дублира солната част

Тук уменията за игра са комбинирани с уменията за пеене на мелодии. Пеенето на вокални творби с думи под акомпанимента е една от важните форми за развитие на хармоничен слух. Тя е връзката между уроците по солфеж и специалностите. Сливането на тези дисциплини в единен учебен процес допринася за развитието на музикалното мислене, образното представяне и въображението.

3. Организация на учебния процес

Най-важният фактор, допринасящ за успешното обучение в съпътстващия клас е правилната организация на учебния процес, планирането на образователната работа и обмислен избор на репертоар.

Една от формите на уроците по планиране в съпътстващия клас е изготвянето на индивидуални планове за всеки ученик, като се вземат предвид неговите възможности за всяка половина на годината. Индивидуалният план включва произведения на руска, чуждестранна и съвременна музика с различни форми и съдържание. Основното е, че е недопустимо да се включват в индивидуалния план произведения, които надвишават музикалните и изпълнителни възможности на ученика и не съответстват на неговите възрастови способности.

В класа за съпровождане се решават такива задачи:

• развиване на уменията за игра в ансамбъл;
• разширяване на музикалните хоризонти: запознаване с репертоара на местни и чуждестранни композитори;
• развитие на творческите способности на учениците с различни нива на способности.

Надареността на ученика и способността му да придружава чувствително не винаги съвпадат. Студентите, които обичат да изпълняват соло, могат да се затруднят да се приспособят към ролята на акомпаниатор, и обратно, учениците с повишена сценична възбуда, със средни данни, могат да се разкрият по най-добрия начин, благодарение на чувствителния акомпанимент.

Съпроводникът е подкрепата за солиста, неговата хармонична основа и текстурирано богатство. В процеса на работа върху акомпанимента малко музикант развива такива качества като:

• способността да чуете партньор;
• координирайте всичките си действия с неговите действия;
• чуйте сливането на цялата звукова материя.

За успешното развитие на уменията за съпровождане е необходимо да се планира работа в класната стая. Тази работа включва следните точки:

1. Анализ на литературния текст, част от солиста.
2. Анализ на работата самостоятелно или с помощта на учител.
3. Преподаване на партията на ескорта. Работете върху звука.
4. Създаване на музикален и художествен образ в ансамбъл с вокалист или инструменталист.
5. Ораторство.

В класната стая също е необходимо постоянно да се развиват уменията за четене на ноти от поглед. Четенето на глед е от ключово значение за заснемането на пиесата като цяло. Често учителят е изправен пред недостатъци:

• студентските гласове паузи;
• не слуша дълги ноти;
• не обръща внимание на промяната на ключовите знаци;
• акордите се четат отгоре надолу;
• мислете дълго, когато четете бележки за допълнителни владетели;
• и двата волта играят подред и т.н.

• учителят играе - ученикът проверява, после обратното;
• студентът е инструктиран да прехвърли нотите на приятеля си. Това привлича вниманието към текста и слушането на музика.

Сега нека разгледаме по-подробно някои от аспектите на работата върху акомпанимента.
Необходимо е да се запознаете с това кой е автор на музиката, ако това е вокално произведение, кой е автор на поезията; неговия стил, жанрове, в които е работил.

Необходимо е да се започне работа с анализ на частта на солиста (ако романтика, то от поезия). Изучава се нейната мелодична линия, динамиката на развитие, точността на фразирането. Не забравяйте да научите частта на солиста с бас.

1. Предварително визуално четене на музикалния текст: размер, темп, текстура на представяне, тонален план.
2. Пуснете музикален текст на пианото. Необходимо е да играете изцяло произведението или от самия ученик, или от учителя, това ще ви позволи да разберете същността на музиката, да идентифицирате стилистични особености, технически затруднения и да поставите определени цели за себе си. На този етап се очертават елементите на фразирането и кулминацията на работата, създават се идеи за динамиката, темпото (задължително е всичко да се свърже с частта на солиста).
3. Уреждане на съпътстващата част отделно с всяка ръка. По това време е планирано удобно пръстане, правилният избор на който ще ви позволи да изпълнявате акомпаниращата част плавно и съгласувано. Обърнете внимание на звука на басовия глас - основата на хармонията и поддръжката на гриза. Басът е много важен за солиста, тъй като той чувства хармоничното оцветяване на мелодичната си линия, като е ритмично ръководство за него.
4. Практикуване на епизоди с различни елементи на трудност. Не може да бъде:

• различни пасажи с фина техника, арпеджио. За да ги научи правилно, ученикът трябва да намери удобна позиция на пръста, която ще помогне точно да натисне клавишите, и след това да научи всеки пасаж в отделни фрагменти;
• трудни моменти с техника на акорда. Препоръчително е да свирите отделно 2-3 акорда, като ги свързвате един по един. Важно е да насочите ученика да дирижира горния глас в акорди;
• значителни трудности при игра на различни интервали;
• конни надбягвания на дълги разстояния и т.н.

Когато практикувате пиано част, голяма грешка е да играете ролята механично от началото до края. Това води до загуба на контрол върху мелодичното развитие. Мелодията има големи възможности за интонационна изразителност. Затова от самото начало в малко музикант трябва да възпитавате внимателно отношение към възпроизвеждането на мелодия.

Много е важно да следвате всички инструкции на автора относно динамичните нюанси (във връзка с частта на солиста). Динамиката играе огромна роля в сценичните изкуства, тъй като експресивното изпълнение на произведение е основна задача, нарушаването на която може да изкриви съдържанието на музиката. Амплитудата на динамиката е широка (от пианисимо до фортисимо), т.е. съответства на цялата гама от емоционални състояния.

Интонационната изразителност на музиката ще загуби всякакъв смисъл, ако не се придържате към правилата на агогиците. Когато изпълнявате парче, човек не може да избегне забавянето на темпото и ускоренията. Когато се прилагат към фрази, изречения и по-големи структури, термините агогици (акселерадо, ритардандо, ритенуто и др.) Са достатъчно ясни; Най-малките агогични отклонения са трудно достъпни за точни обозначения, тук всичко зависи от индивидуалните усещания, вкуса и чувствителността - най-важната способност на акомпанист. Честа форма на агогична аномалия е кулминацията. Естественото гравитация към него, относителната му дължина и последващото възстановяване на основния темп е гъвкава и подвижна форма на жива реч.

Основната задача на учителя е да научи ученика:

• координирайте силата на звука по отношение на солиста, не претоварвайте акомпанимента;
• умело разпределете постепенното увеличаване или намаляване на звуковата мощност, усетете началото и края на тези нюанси.

Не трябва да забравяме за изразителното значение на цесурата, защото дишането е важно за солиста в неговите изпълнителни умения. Спазването на паузите ще осигури на солиста свободен дъх и ще започне следващия епизод заедно в ансамбъла. Основният закон на ансамбъла е да диша едновременно със солиста. Естеството и продължителността на клавирната цезура е изцяло продиктувано от съдържанието на творбата.

Говорейки за изпълнение, не можем да не споменем ударите, които са дефинирани от такива термини: leqato, non leqato, staccato, pizzicato, pezante, marcato и т.н. Те са много важни за изобразяване на художествен образ. Leqato е пластмасова, гъвкава линия, често допълвана от определението за cantabile, това е основният тип мелодична артикулация. Отклонение от legato - marcato, е свързано с подчертаването на всяка сричка (речитативно рецитиране). Голяма палитра от артикулация в танците: от тежки стъпки на пезанта, спокойни стъпки без леката до леки скокове стакато, лекиеро. Трябва да се отбележи, че във вокалната музика стиховете предполагат точната мярка на ударите, а в инструменталната музика - произволен, индивидуален прочит на текста на автора от изпълнителя.

Когато работите върху пиано част, трябва да обърнете голямо внимание на педалирането. Умелото използване на педала подчертава тембъра на съпътстващата част. Необходимо е да се избягва "мръсотия", бучене, което е пречка за солиста.

В процеса на работа върху произведение се формира създаването на художествен образ. Г. Нойхаус пише: „Цялата работа, която се провежда в класната стая, е осъществима работа върху музиката и нейното въплъщение в свиренето на пиано, с други думи, върху„ художествения образ “. Основната цел на ученика - акомпанистът трябва да бъде художественото изпълнение на произведението. И тук не трябва да забравяме за две важни неща - възрастта на ученика и неговите индивидуални способности. Тук се проявява способността на учителя да избира програма. Ученикът може да играе парче, характерно за неговата възраст. Творческият процес на създаване на художествен образ е свързан с чувства и емоции. „Безжизнена игра, не стоплена от топлината на истинското усещане, не пленява слушателя“, казва Л. Толстой. Затова е необходимо изпълнителят не само внимателно да проучи произведението, но и да го изпита вътрешно.

Често има случаи, когато студент, познавайки добре своята част, при първото изпълнение със солист се губи, вниманието му се разделя, смущава се от нови тембърни цветове, различен ритмичен модел в соловата част, страх от грешка и т.н. Ученикът иска да спре и да повтори. За да премахнете това напрежение, в началото не пречете спирки, но след това си поставете задачата - да играете докрай, за да не се случи. Затова трябва да започнете работа с илюстратор, дори ако ученикът не прави всичко.

Пианото като съпътстващ инструмент трябва да звучи малко по-слабо от частта на солиста. Каквато и да е динамичната скала в работата, това съотношение трябва да се спазва. Има две най-често срещани грешки:

• припокриваща се солова част;
• свири в сив, безцветен звук.

Задължително е да се работи с ученика, за да се гарантира, че акомпаниментът звучи ясно, равномерно, така че нито една бележка да не бъде „изтласкана“ и да не се загуби. Ученик може да придружава добре само когато цялото му внимание е насочено към солиста и пее „на себе си“ с него всеки звук, всяка дума.

Особено внимание трябва да се обърне на интрото на пианото. Ученикът веднага определя общото темпо. Той трябва психически да изпее първите мерки на солната част в рамките на фразата, в темпото, съгласувано със солиста. Играйте въвеждането изразително, образно. Ако няма въведение, тогава трябва да погледнете солиста и да хванете предварително договорения жест, вълна на лъка и т.н. и се присъединете към него.

Вкъщи може да се използва запис на касети вместо солист. Но това изисква прецизна настройка на пианото и инструмента на солиста. Песента се записва два пъти с бавно темпо и в темпото, посочено в парчето. Преди началото на парчето глас обявява заглавието на парчето и се подават сигнали за ритъм. Недостатъкът на този метод на обучение е, че няма пряка комуникация със солиста, механичният солист няма да дойде на помощ в критичен момент. Ученикът получава най-голямо удоволствие, когато играе с ученически илюстратор. Дуети често възникват, децата с охота се срещат допълнително, те се подготвят с голяма отговорност за изпълнения в концерти.

Последният етап от учебния процес в работата по съпровода е публичното изказване. Опитът показва, че този етап е най-труден. Овладяването на музикално произведение не гарантира, че всичко ще протече гладко по време на концерт. Следователно, може да се говори за успешно изпълнение само ако програмата е правилно избрана и ако се спазва целия репетиционен процес, когато всички етапи на работа върху съпровождането са внимателно обмислени и практикувани. В момента на концертно изпълнение студентът се нуждае от емоционално издигане, воля и артистичност.

Списък на използваната литература:

1. Е. И. Кубанцева. Концертмайсторски клас. М., Музика, 1995
2. А. И. Люблински. Теория и практика на акомпанимента. М., Музика, 1976
3. Читател по руска музикална литература. М .. Музика, 1977г
4. Читател на вокален и педагогически репертоар. М., Музика. 1972

Иващенко Галина Анатолиевна,

омск