Британски известни художници. Британски художници
Художниците на коя страна направиха специален принос за развитието на световната живопис?
С този въпрос често се припомнят френски художници. Още . И никой не се съмнява във влиянието.
Но ако вземем 18-ти век и началото на 19-ти, тогава е важно да отбележим достойнствата английски художници.
През този период в страната на мъгливия Албион работиха няколко изключителни майстори, които коренно промениха световното изкуство.
1. Уилям Хогарт (1697-1764)
Уилям Хогарт. Автопортрет. 1745 г. British Tate Gallery, Лондон Хогарт живееше в труден момент. В началото на 18 век в Англия току-що се появи буржоазно общество, което замести феодалното.
Моралните стойности все още бяха нестабилни. На всяка сериозност, личният интерес и обогатяването по всякакъв начин се считаха за добродетели. Точно както през 90-те години на 20 век в Русия.
Хогарт реши да не мълчи. И се опита да отвори очите на своите сънародници към упадъка на моралните ценности. С помощта на картини и щампи.
Той започна с поредица от картини „Кариерата на проститутка“. За съжаление картините не са оцелели. Останаха само гравюри.
Уилям Хогарт. Кариера за проститутки: хванат от сводник. Гравиране. 1732 g. Това е истинска история за селско момиче Мери, което дойде в града да търси богатството си. Но тя попадна в лапките на стария сводник. Тази сцена виждаме в първата гравюра. Ставайки запазена жена, тя прекара краткия си живот сред изгонвачите на обществото.
Хогарт нарочно преобразува картините си в гравюри, за да ги разпространи широко. Затова той се опита да посегне до колкото се може повече хора.
И искаше да предупреди не само бедни момичета като Мери. Но и аристократи. Съдейки по поредицата му от произведения „Моден брак“.
Описаната в него история беше много типична за онова време. Обеднял аристократ се жени за дъщерята на богат търговец. Но това е само сделка, а не обединение на сърца.
Най-известната картина от тази поредица „Tete-a-Tete“ демонстрира цялата празнота в отношенията им.
Уилям Хогарт. Моден брак. Tet-а-Tet. 1743 г. Национална галерия на Лондон Съпругата се забавляваше с гостите цяла нощ. А съпругът ми се препъна вкъщи само сутрин, опустошен от запой (съдейки по петно \u200b\u200bпо врата му, той вече беше болен от сифилис). Графинята небрежно се дърпа нагоре и е на път да се прозя. Лицето й показва пълно безразличие към съпруга си.
И нищо чудно. Тя започна афера отстрани. Историята ще приключи тъжно. Съпругът ще намери жена си в леглото с любовника си. И той ще бъде намушкан с меч в двубой. Любовникът ще бъде изпратен на бесилката. И графинята ще се самоубие.
Хогарт не беше просто карикатурист. Умението му е твърде високо. Сложни и хармонични цветови комбинации. А също и невероятна изразителност. Лесно "четете" неговите снимки, разбирайки какви са отношенията между хората.
Уилям Хогарт. Моден брак. Дуел и смърт на графа. 1743 г. Национална галерия на Лондон Предимствата на Хогарт трудно могат да бъдат надценени. В крайна сметка той измисли критичен реализъм. Никой преди него не е изобразявал толкова много конфликти и социални драми в живописта.
Рейнолдс не е изобретил колелото. Но той постави много високи стандарти за всички европейски художници.
3. Томас Гейнсбъро (1727-1788)
Томас Гейнсбъро. Автопортрет. 1758-1759 Национална портретна галерия, Лондон Гейнсбъро с право може да бъде наречен най-известният английски художник от 18 век. Той живееше по едно и също време с Рейнолдс. Те бяха съперници.
Разликата между Рейнолдс и Гейнсбъро е видима с просто око. Първият има червени, златисти нюанси; величествени, тържествени образи.
Gainsborough има сребристо сини и маслинено зелени нюанси. Както и ефирни и интимни портрети.
Томас Гейнсбъро. Портрет на дама в синьо. 1778-1782 , Санкт Петербург Всичко това виждаме в портрета „Дамата в синьо“. Без топлина от емоции. Просто красиво, нежно изображение. За да постигне този ефект, Гейнсбъро работи с тънка четка с дължина почти 2 метра!
Гайнсбъро винаги е считал себе си предимно за пейзаж. Но необходимостта да печелят пари го принуждава да рисува портрети по поръчка. По ирония на съдбата той става известен и остава в историята именно като портретист.
Но художникът направи компромис със себе си. Често изобразяват тези, изобразени в лоното на природата. Комбиниране на омразен портрет и любим пейзаж.
Томас Гейнсбъро. Портрет на г-н и госпожа Халлет (Сутрешна разходка). 1785 г. Национална галерия на Лондон Клиентите не можеха да решат кой от двамата портретисти им харесва повече. А аристократите поръчваха портрети и от Рейнолдс, и от Гейнсбъро. Те бяха твърде различни. Но силата на работата не отстъпваше една на друга.
Но за разлика от Рейнолдс, обикновените хора все още бяха привлечени от неговия съперник. Със същата страст той пише както на херцогинята, така и на обикновения.
Томас Гейнсбъро. Момиче с прасета. 1782 Частна колекция Картината си „Момичета с прасенца“ Рейнолдс търгуваше с колекционер за картина, която имаше. Като се има предвид, че това е най-доброто дело на неговия съперник.
Произведенията на Гейнсборо са уникални по своето качество. Тук има скрити удари, които правят това, което се случва живо и диша от разстояние.
Това са гладки, засенчени линии. Сякаш всичко се случва във влажния въздух, че е в Англия.
И, разбира се, необичайна комбинация от портрет и пейзаж. Всичко това отличава Гейнсбъро от много други портретисти на неговото време.
4. Уилям Блейк (1757-1827)
Томас Филипс. Портрет на Уилям Блейк. 1807 г. Национална портретна галерия, Лондон Уилям Блейк беше изключителен човек. От детството му е посещаван от мистични видения. И когато порасна, той стана анархист. Не признаваше законите и морала. Като се има предвид, че човешката свобода е толкова потискана.
Не призна и религията. Смятайки го за основен ограничител на свободите. Разбира се, такива възгледи са отразени в работата му. „Архитектът на света“ е острото му нападение срещу християнството.
Уилям Блейк. Страхотен архитект. Ръчно рисувано офорт. 36 x 26 см.1794 Британски музей, Лондон Творецът държи компас, очертавайки границите за човека. Граници, които не могат да бъдат пресечени. Като ограничаваме мисленето си, живеем в тесни рамки.
За съвременниците му творбите му са били твърде необикновени, така че той никога не е получил признание през живота си.
Някои виждаха в писанията му пророчества, идващи катаклизми. Възприемайки Блейк като блажен, човекът не е в себе си.
Но Блейк никога не призна официално, че е луд. Той работи плодотворно през целия си живот. И беше джак на всички сделки. Той беше и отличен гравьор. И брилянтен илюстратор. Създавайки невероятни акварели за Божествената комедия на Данте.
Уилям Блейк. Вихър от влюбени. 1824-1727 Илюстрация към Божествената комедия на Данте Единственото нещо, което Блейк имаше общо с ерата си, беше модата за всичко ужасно и приказно. Все пак в Англия през 19 век романтизмът и приказните мотиви бяха в чест.
Следователно картината му „Дух на бълха“ се вписва в общата поредица от произведения от онези години.
Уилям Блейк. Призрачен бълха. 1819 г. Темпера, злато, дърво. 21 x 16 cm.Tate Britain, London Блейк настоя, че е видял душата на кръвосмукач. Но този беше поставен в мъничка бълха. Ако тази душа се засели в човек, тогава ще се пролее много кръв.
Блейк явно се е родил преди времето си. Творбите му са зловещо подобни на тези на символистите и сюрреалистите от 20 век. Те си спомниха за този господар 100 години след смъртта му. Той стана техният идол и вдъхновител.
5. Джон Констебъл (1776-1837)
Рамзи Рейнагл. Портрет на Джон Констебъл. Национална портретна галерия от 1799 г., Лондон Въпреки аристократичния си вид Констебъл бил син на мелничар. И той обичаше да работи с ръце. Знаеше как да оре, да строи живи плетове и да лови риба. Може би затова пейзажите му са лишени от патос. Те са естествени и реалистични.
Преди него художници рисуваха абстрактни пейзажи, предимно италиански. Но Констебъл пишеше конкретна област. Наистина съществуваща река, вила и дървета.
Джон Констебъл. Количка за сено Национална галерия от 1821 г. в Лондон Неговият сенокос е най-известният английски пейзаж. Тази творба веднъж беше видяна от френската общественост на изложението в Париж от 1824 година.
Особено впечатлени бяха младите. Кой видя на тази снимка към какво се стремяха самите те. Без академична помпозност. Без антични руини и ефектни залези. Но само ежедневието в провинцията. Красива в своята естественост.
След тази изложба Констебъл продаде до 20 свои картини в Париж. В родната му Англия пейзажите му почти никога не са били купувани.
Но за разлика от Гейнсбъро, той рядко преминаваше към портрети, за да печели пари. Продължавайки да се усъвършенствате точно в пейзажната живопис.
За това той изучава природните явления от научна гледна точка. И знаеше как да подбира нюанси, много близки до тези, открити в природата. Особено успяваше на небето, контрасти на светли и тъмни облаци.
Джон Констебъл. Катедралата Солсбъри. Гледка от епископската градина. 1826 Frick Collection, Ню Йорк Но Констебъл е известен не само с невероятно реалистични картини. Но също и с неговите скици.
Художникът създаде скица със същия размер като бъдещата картина. Работа директно на открито. Това беше ноу-хау. И именно този метод на работа импресионистите по-късно ще избират.
Джон Констебъл. Лодка и бурно небе. 1824-1828 Кралска колекция живопис, Лондон Но Констебъл от тези скици често пишеше завършени творби в студиото. Въпреки че са били по-популярни от тогавашната публика, те не са били толкова оживени и изпълнени с движение, колкото скиците.
Вкъщи осъзнали величието на констебланта едва през 20-ти век. И до днес той е един от най-обичаните художници в Англия. Можем да кажем, че руснаците са със същия трепет.
6. Уилям Търнър (1775-1851)
Уилям Търнър. Автопортрет. 1799 г. Британска галерия Tate, Лондон Английският художник Уилям Търнър в младостта си успява да стане известен и да стане академик на изкуствата. Почти веднага започнаха да го наричат \u200b\u200b„художникът на светлината“. Защото слънцето често присъстваше на неговите платна.
Ако погледнете пейзажите на други художници, тогава рядко виждате слънцето. Твърде светло е.
Тази яркост е трудна за изобразяване. Удря ви в очите. Изкривява всичко наоколо. Но Търнър не се страхуваше от това. Рисуване на слънцето в зенита и при залеза му. Смело го обгръщайте със светлина навсякъде.
Уилям Търнър. Пристанище в Диеп. 1826 Frick Collection, Ню Йорк, САЩ Но Търнър, въпреки че беше академик и оценяваше титлата си, не можеше да не експериментира. Имаше твърде необикновен и пъргав ум.
Следователно, след няколко десетилетия, работата му се развива силно. Те имат все по-малко детайли. Все повече и повече светлина. Все повече и повече усещания.
Една от най-известните картини от онова време е Последното плаване на кораба "Отважен".
Тук виждаме малко алегория. Плавателните кораби се заменят с парни кораби. Една ера замества друга. Слънцето залязва и месец излиза, за да го замени (горе вляво).
Уилям Търнър. Последното плаване на кораба "Смели". Национална галерия от 1838 г. в Лондон Тук слънцето все още доминира. Сънсетът заема добра половина от снимката. И вече в следващи творби художникът стига почти до абстракционизма. Хипертрофира всичките им предишни стремежи. Премахване на детайли, оставяйки само усещане и светлина.
Уилям Търнър. Сутрин след потопа. 1843 Tate Museum, London Както можете да си представите, обществеността не би могла да оцени подобни произведения. Кралица Виктория отказа да рицар Търнър. Репутацията беше разклатена. Все по-често в обществото се чуват намеци за лудост.
Това е делът на всички истински артисти. Той прави твърде широка крачка напред. И обществеността го „настига” едва десетилетия, а дори и векове по-късно. И така се случи с големия Търнър.
7. Предрафаелити
Говорейки за английски художници, е трудно да пренебрегнем предрафаелитите. Освен това през 21 век те са станали много популярни.
Откъде се появи такава любов към тези художници?
Прерафаелитите започнаха с възвишени цели. Те искаха да намерят изход от безизходицата на една академична живопис, която беше твърде твърда. Омръзна им да пишат митове и исторически сюжети, малко известни на широката публика. Искаха да покажат истинска, оживена красавица.
И предрафаелитите започнаха да рисуват женски образи. Те се оказаха много красиви и привлекателни.
Какви са техните червенокоси красавици. Като правило те са били техните любовници в реалния живот.
Прерафаелитите започнаха активно да прославят женската красота. В резултат, освен това, нищо друго не остана в тях.
Стана като инсценирани, лъскави кадри за лъскавите списания. Именно тези изображения са лесни за представяне за рекламиране на дамски парфюм.
Следователно, предрафаелитите толкова харесвали хората от 21 век. В ерата на бляскавата, много ярка реклама.
Джон Еверет Миле. Офелия. 1851 Tate Britain, London Въпреки очевидната пустота на много произведения, именно тези художници бяха в началото на развитието на дизайна, които се откъснаха от изкуството. В края на краищата, прерафаелитите (например Уилям Морис) активно работеха върху скици на тъкани, тапети и други интериорни декорации.
***
Надявам се, че след тази статия английските художници откриха нова страна за вас. Не винаги само италианците и холандците влияят на световното изкуство. Британците също дадоха своя осезаем принос.
Джоузеф Търнър
Джоузеф Търнър, най-големият английски художник на романтичен пейзаж, е роден в Ковънт Гардън, Лондон, на 23 април 1775 г. Той е син на моден бръснар. Започва да рисува и рисува като малко момче. Баща му продаваше рисунките на момчето на своите клиенти. По този начин той печелел пари, които баща му плащал за уроците си по изкуство. На 14-годишна възраст той постъпва в Кралската академия. Водните му цветове бяха изложени в Кралската академия от времето, когато беше на петнадесет години. На 18 беше създал собствено студио. Търнър работи първоначално във водни цветове, после в масла.
Между 1802 и 1809 г. Търнър рисува серия морски парчета, сред които „Изгряващото слънце в мъглата“. Шедьоври от този период са „Женевското езеро“, „Мразовито утро“, „Пресичане на потока“ и др. През 1819 г. Търнър се измъква при първото си посещение в Италия. По време на пътуването той направи около 1500 рисунки и през следващите няколко години нарисува серия от снимки, вдъхновени от видяното. Търнър беше господар на въздуха и вятъра, дъжда и слънцето, хориона, корабите и морето. Той разтваря формите на своя пейзаж в играта на светлината и сянката, предвижда работата на френските картини на импресионистите. През живота си Търнър рисува стотици картини и няколко хиляди акварели и рисунки. На неговата смърт цялата колекция от картини и рисунки на Търнър е пожелана на нацията и те са в Националната и Тейт Галереите.
Томас печели
Томас Гейнсбъро е майстор на английската школа по живопис. Той беше портретист и пейзажист. Той е роден в Съдбъри през 1727 г. и е син на търговец. Баща му го изпрати в Лондон да учи изкуства. 8 години той работи и учи в Лондон. Там той се запозна с фламандската традиционна школа по рисуване. В портретите му преобладават зелени и сини цветове. Той беше първият британски художник, който рисува британската родна местност. Рисува каруца от сено, лоша вила, бедни селяни.
Пейзажът му съдържа много поезия и музика. Най-добрите му творби са „Синьо момче“, „Портрет на херцогинята Бофорт“, „Сара Сидънс“ и други. Особеното откритие на Гейнсбъро беше създаването на форма на изкуство, в която героите и фонът образуват едно единство. Пейзажът не се държи на заден план, но в повечето случаи човекът и природата са слети в едно цяло чрез атмосферната хармония на настроението. Гейнсбъро подчерта, че естественият фон за неговите герои трябва да бъде самата природа. Творбите му, рисувани в ясни и прозрачни тонове, оказаха значително влияние върху художниците от английската школа. Той беше предварително за времето си. Изкуството му става предшественик на Романтичното движение.
Джон Констебъл
Джон Констебъл, един от най-великите пейзажисти, е роден в Суфорд, на 11 юни 1776г. Той беше син на богат мелничар. Започва да се интересува от пейзажна живопис още в гимназията. Баща му не е предпочитал изкуството като професия. Като момче Констебъл работил почти тайно, рисувайки в къщичката на художник-любител. Големият му художествен интерес бил такъв, че баща му позволил да посети Лондон през 1795 г., където той започнал да учи живопис. През 1799 г. Констебъл постъпва в Кралската академия в Лондон. Той беше първият пейзажист, който смяташе, че всеки художник трябва да прави скиците си директно от природата, тоест да работи на открито. Изкуството на Констел се развива бавно.
Той се опита да изкарва прехраната си с портрети. Сърцето му никога не е било в това и не е постигнал популярност. Констебъл беше реалист. Той вложи в пейзажа си добитък, коне, хората, които работят там. Той постави усмихнатите поляни, искрите на слънцето върху дъжд или бурните и несигурни облаци. Най-забележителните произведения на Констел са „Флофорфорд мелница“, „Белият кон“, „Сенокосата“, „Мостът на Ватерлоо“, „От стълбите на Уайтхол“ и други. В Англия Констебъл никога не е получил признанието, че смята, че му се дължи. Французите бяха първите, които публично признаха Констебъл. Влиянието му върху чуждестранните школи по рисуване е силно. Констебъл може наистина да се счита за баща на съвременната пейзажна живопис.
Превод на темата на руски:
Джоузеф Търнър
Джоузеф Търнър, големият английски художник на пейзажи, е роден в Ковънт Гардън в Лондон на 23 април 1775 г. Той беше син на моден по това време фризьор. Като момче той започва да рисува. Баща му продаде рисунките на момчето на своите посетители. По този начин той печелел пари, които отивали да плащат за уроците му по изкуство. На 14-годишна възраст постъпва в училището в Кралската академия. Неговите акварелни рисунки са изложени в Кралската академия от петнадесетия му рожден ден. На 18 години създава собствено студио. Отначало работеше с акварел, а след това и с масла. Между 1802 и 1809 г. Търнър рисува серия от морски пейзажи, включително The Sun Rising in Mist.
Шедьоври от този период са: "Женевското езеро", "Мразовито утро", "Пресичане на потока" и други. През 1819 г. Търнър се завръща от първото си пътуване до Италия. По време на пътуването той създава около 1500 рисунки, а на следващата година, под впечатлението на видяното, рисува серия от картини. Търнър беше господар на въздуха и вятъра, дъжда и слънцето, на хоризонта, корабите и морето. Контурите на неговите пейзажи се разтваряха в играта на светлина и сянка, в това той беше предшественик на френските импресионисти. През целия си живот Търнър рисува стотици картини и хиляди акварели и рисунки. След смъртта му колекцията на неговите картини, според неговата воля, е пренесена в Националната галерия и галерията „Тейт“.
Томас Гейнсбъро
Томас Гейнсбъро е майстор на английската школа по живопис. Рисува портрети и пейзажи. Той е роден в Съдбъри през 1727 г. и е син на търговец. Баща му го изпрати в Лондон да учи живопис. Той прекара 8 години в Лондон, като работи и учи. Там той се запознава с фламандската традиционна школа по рисуване. В портретите му доминират зелени и сини цветове. Той е първият английски художник, изобразил природата и селските райони на Великобритания. Той изобрази сено, лоша къща, бедни селяни.
Пейзажите му са изпълнени с поезия и музика. Най-добрите му творби са „Синьото момче“, „Портрет на херцогинята на Бофер“, „Сара Сидънс“ и други. Важно откритие на Гейнсбъро е създаването от него на такава форма на живопис, където героите и пейзажът образуват едно цяло. Пейзажът не е просто фон, но в повечето случаи човекът и природата се сливат в едно цяло в атмосфера на хармония на настроенията. Гейнсбъро подчерта, че самата природа трябва да бъде естественият фон за героите. Работата му, изпълнена в ясни и прозрачни цветове, оказа значително влияние върху художниците на английската живопис. Той изпревари времето си. Изкуството му се превръща в предвестник на романтичното движение.
Джон Констебъл
Джон Констебъл, един от най-известните пейзажисти, е роден в Сафорд на 11 юни 1776 година. Той беше син на богат мелничар. Той започна да се интересува от рисуване още в началното училище. Баща му не одобрява изкуството като професия. Като момче Костебъл е работил тайно, рисувайки в дома на любителски художник. Интересът му към рисуването убеди баща му да го изпрати през 1795 г. в Лондон, където той започва да учи живопис. През 1799 г. Констебъл постъпва в Кралската академия в Лондон. Той беше първият пейзажист, който вярваше, че е необходимо да се скицира от природата, тоест да се работи на открито.
Умението на констебля се разви постепенно. Започва да прави портрети с живопис. Сърцето му никога не стигна до това и затова не постигна популярност. Констебъл беше реалист. В своите платна той изобразява добитък, коне и хора, които работят там. Рисува поляни, блестящи от роса, искри на слънцето в дъждовни капки и тежки бурни облаци. Най-известните произведения на Констебъл - „Мелницата при Флофорд“, „Бял кон“, „Сено носят“, „Мостът на Ватерло“, „От стъпалата на Уайтхол“ и други. В Англия Констебъл не получи признанието, което с право очакваше. Французите бяха първите, които публично признаха констебла. Влиянието му върху чуждестранните школи по рисуване е било огромно. Констебълът с право може да бъде признат за основател на пейзажа жанр.
2 - Видни английски портретисти
Джошуа Рейнолдс и Томас Гейнсбъро са сред най-известните английски портретисти на 18 век. И двамата започват да се развиват под влияние на италианското и френското изкуство и с течение на времето преминават към национални мотиви в работата си. Картината на Рейнолдс е в много отношения близка до бароковия стил, докато Гейнсбъро работи по начин, близък до рококо
Творчеството на Рейнолдс
От трите други основни майстори на английското изкуство, сър Джошуа Рейнолдс (1723-1792 г.), първият президент на Кралската академия на изкуствата, основана през 1768 г., беше най-многостранният и научен, най-увереният и последователен. Армстронг написа монография за него. Когато учителят на Рейнолдс Гудсън престана да го задоволява, той усърдно започна да копира картини на Рембранд. Най-зрелият плод от неговите изследвания на Рембранд е младежки автопортрет с шапка в Националната портретна галерия. Тогава той е привлечен в Италия, където пребивава от 1749 до 1752 г .; тук той се развива в съзнателна еклектика. Микеланджело стана негов идол. Но той избра главно болонези и венецианци за свои водачи. По най-задълбочен начин той се задълбочи в изучаването на цветната техника на старите майстори; той не остави нищо без внимание; рационалната основа на неговото изкуство е очевидна навсякъде. В историческите си картини той едва се издига над нивото на еклектика; тук, сякаш по прищявка на художника, формите на Рубенс са съчетани с цветовете на Тициан и с корегски хиароскуро. Типични примери за този вид са Светото семейство на Националната галерия, Скипионът Температура в Ермитажа и Надеждата, която храни любовта в Бовуд. Най-известната му митологична картина „Змията в тревата“ в Националната галерия изобразява бога на любовта, който отприщва „колан за красота“ на момиче. Екскурзия до зоната на романтиката е картина нова за онова време, поразила в своя ужас: „Граф Уголино в кулата на глада“, разположена в галерията в град Зеро, Кент.
Фиг. 237 - „Господ на изгнание“. Живопис от Джошуа Рейнолдс в Националната галерия в Лондон
Като портретист Рейнолдс комбинира пряко наблюдение на видяното с високо, щедро настроение, използвайки на тази основа всички заклинания на своето ослепително изобразително красноречие; и въпреки че в алегоричното съдържание и в обкръжението на други портрети той се показа като доста син на своето време, други портрети, например „Изгнаният Господ“ на Националната галерия, са изпълнени с непосредствена, дълбоко усетена духовна дълбочина. Той създаде маса от наистина интегрални натури; особено неговите детски портрети вдъхват рядка свежест и естественост.
Фиг. 238 - „Трите сестри на госпожица Монтгомъри коронясват хермата на Химен“. Живопис от Джошуа Рейнолдс в Националната галерия в Лондон
След завръщането на Рейнолдс от Италия, общото внимание е привлечено през 1753 г. от неговия портрет на капитан Кеппел, сега в колекцията на лорд Росбъри в Лондон. Тук за първи път видяха не фигура или глава, изобразена на платното, а жив организъм. Периодът от 1753 до 1765 г. обхваща първия период от зрелостта на художника. Великолепни, прости и свежи портрети принадлежат на това време, включително Кити Фишър в колекцията на граф Крю (1759 г.) и известния портрет на Нели О'Брайън (1763 г.) в галерията Уолъс, след това портрета на пастор Лорънс Стърн (1760 г.), принадлежащ на маркиз Ленсдаун, и актьор Гарик сред фигурите от „Трагедия“ и „Комедия“, в колекцията на лорд Ротшилд в Лондон.
Между 1765 и 1775г позите на фигурите в портретите на Рейнолдс стават по-изчислени, цветовете са по-изискани, драпериите са по-небрежни, персоналът по-измислен. Те включват: „Лейди Сара Бонбъри, жертваща благодатта“ (1766 г.) и „Лейди Блек във формата на Юнона, на която Венера дава колана“, принадлежаща на сър Хенри Байнбъри, госпожа Гартли, под формата на нимфа, със сина си, под формата на млад Бакхус , в колекцията на лорд Нортбрук (1772 г.), остра в цветовете, донякъде фалшива картина „Трите сестри на мис Монтгомъри, корониращи храста на химен“ (1775 г.) на Националната галерия, това включва и прекрасното „Момиче с ягоди“ (1771 г.) в галерията Уолъс, малкия Франсис Екипаж, разхождащ се през полето в наметало и кош над ръката си (1770 г.), в колекцията на графа на екипажа и очарователна картина в замъка Уиндзор, изобразяваща малка принцеса, лежаща на земята с куче (1773 г.).
Фиг. 239 - „Момиче с ягоди“. Живопис от Джошуа Рейнолдс в галерия Wallace в Лондон
Най-зрелият период от работата на Рейнолдс се счита за последните шестнадесет години от живота му. Дълбокото разбиране на изобразените лица все повече се превръща в основното му качество. Дрехите с разкошен цвят се драпират отново по-внимателно. Фонът на пейзажа все още запазва само второстепенно, чисто декоративно значение. Но всички подробности са комбинирани в едно голямо, хармонично цяло. От дълъг ред майсторски творби се откроява свеж портрет на малката Екипаж (1775 г.) в колекцията на графа на екипажа, лейди Кросби (1778 г.), облечена с невероятен вкус в сиво и злато от сър Чарлз Тенант, великолепният ученик (1779 г.) в замъка Уорик, дълбоко духовен портрет Лорд Търло (1781), от маркиз Бас и поразително мощен портрет на лорд Хийтфийлд, държащ ключа на Гибралтар (1787) в Националната галерия. Сред най-добрите са портретите на голямата актриса Мис Сиддънс под формата на трагична муза на трон, извисящ се в облаците, зад който се вижда олицетворението на драматичните страсти (1784), в Гросвенър Хаус, херцогиня на Девъншир с живата си дъщеря на колене (1786), в замъка Чатсуърт (1786) ) и възхитителната „Невинна епоха“ - малко момиченце, седнало в тревата със скръстени на гърдите си ръце (1790 г.) в лондонската Национална галерия.
Самият Рейнолдс никога не е искал да бъде себе си; но въпреки това голямата му личност се вижда веднага в най-добрите му творби.
Креативността се увеличава
Четири години по-млад от Рейнолдс беше големият му съперник Томас Гейнсбъро (1727-1788), който го надмина по оригиналност и спонтанност с художествена природа. В Рейнолдс се усеща повече барока от XVII век, в Гейнсбъро - рококото на 18 век. За Гейнсбъро, за когото има добри книги на Фулчер, Армстронг, госпожа Бел и Поли, първоначалните стари майстори изглежда не съществуват изобщо. Той започна с рисуването на пейзажите на провинциалната си родина Суфолк. Запознат (след 1760 г.) с картините на Ван Дак, той започна усърдно да ги копира. Ван Дайк стана водеща звезда на своето изкуство. Самият той обаче притежавал по-силно чувство за истина и красота от Ван Дак. Той видя английските жени и английския пейзаж със собствените си, английски очи и ги изобрази с широка, здрава четка, която с течение на годините ставаше все по-лека, все по-„импресионистична“ четка. Неговите портрети обикновено стоят в най-тясна връзка с родния пейзаж, а пейзажите често по невнимание се превръщат в жанр или животните в тях от обкръжение преминават в основните образи.
Първият независим период на творчество Гейнсбъро (1746-1758) се проведе в Ипсуич, сред изпитанията и експериментите, направени отначало чрез опипване и постепенно ставане по-уверено. От ранните картини, запазени в Националната галерия, красив, донякъде сухо изрисуван двоен портрет на дъщерите му, от които човек хваща пеперуда, и красив пейзаж, известен като "Корнардската гора", който въпреки, или точно защото разпространението на дървета върху него напомня Гобем, остана най-свежият в чувството за природата на всичките му пейзажи.
Вторият период от неговото творчество (1758-1774 г.) протича в по-оживена художествена среда и в по-добра среда на живот в Бас. Тук в началото се появиха толкова старателно, почти сладко рисувани и осветени портрети, например чиновникът на Орпин, който четеше Библията в Националната галерия. Бюстовият портрет на Джорджиана Спенсър (1762 г.), принадлежащ на Ърл Спенсър в Лондон, се отличава с грациозната си простота, фигурата на музиканта Фишер в Хамптън Корт и полуфигурата на актьора Коулман в Националната галерия диша топъл живот. Вероятно още през 1770 г. се появи известното „Синьо момче“, разположено в Къщата на Гросвенър: портрет на едно лице на млад Бьотъл, с топли тонове на тялото във фантастичен син костюм, на фона на пейзаж с кафяв тон - истинско чудо по отношение на благородството на дизайна и един вид колоритен ефект; до това „Синьо момче“ може да е „Розовото момче“, портрет на момче, облечено в розов сатен, в колекцията на барон Фердинанд Ротшилд в Лондон.
По време на престоя на Гейнсбъро в Бас възникнаха едни от най-известните пейзажи - кафеникави в тон, затворени в своето единство, затоплени от чудната светлина на части от залесена английска природа. Най-хубавите от тях са „Вагон“ и „Поене на добитък“ в Националната галерия.
Фиг. 241 - „Поливане на добитък“. Картина на Томас Гейнсбъро в Националната галерия в Лондон.
Гейнсбъро се премества в Лондон през 1774 г. Само тук талантът му се развива до най-високата художествена свобода и виртуозност. Деликатните, доста студени, деликатно съчетани цветове на фигурите и дрехите им хармонично хармонират с фона. Четката му става все по-лека, свободна и широка. Рисува портрети на крал Джордж III, кралица Шарлот и техните деца безброй пъти. Повечето от тях могат да се видят в замъка Уиндзор и Бъкингамския дворец. От най-известните портрети на жени в Гейнсбъро, портретът на госпожа Сийнс в галерия в Единбург, облечен в червена рокля, някак неуспешно поставена на висока колона, принадлежи на ранните години на Лондон. Пълната мярка за неговия талант се изразява в портретите на актрисата госпожа Робинсън („Пердита“) в галерия Уолъс, госпожа Шеридан (от Елиза Линли) в колекцията на лорд Ротшилд, лейди Шефилд във Фердинанд Ротшилд и госпожа Бофуа от Алфред Ротшилд - всички отделни фигури в Лондон застанал на фона на пейзаж с парк, но най-известният от всички е портретът на актрисата госпожа Сиддънс в Националната галерия. Същият Сиддънс, когото Рейнолдс представя като трагична муза, седи в Гейнсбъро в елегантна вечерна рокля, в голяма шапка, пред червена драперия. Сред най-добрите мъжки портрети на Гейнсборо е портретът на Ралф Шомберг в жълтеникаво-червен костюм в Националната галерия.
Голямата портретна група на семейство Багли, в същата галерия, принадлежи към последния период от дейността на Гейнсбъро. Позите на фигурите са принудителни и умишлени, но омагьосващите цветове на тази картина и ефирното, леко писмо му придават високи изобразителни качества. Отличен като пейзаж с не много големи размери овална картина в замъка Уиндзор, представляващ „Сутрешната разходка“ на херцога на Камбърланд със съпругата си. Отличен пейзаж, напомнящ както на Уотто, така и на Моне, „Пикник“ в парк Сейнт Джем, собственост на сър Алджърън Нилд, има изцяло пейзажен характер. Достойно място заедно с тази снимка е великолепната Марина в Къщата на Гросвенър. Пейзажната живопис винаги е била тайна любов на Гейнсбъро.
Други английски художници на портрети
Пети по ред на тези пионери на английската живопис е Джордж Ромни (1734-1802), чието подробно описание е дадено в двутомна творба на Уорд и Робъртс. Започнаха да го класират сред големите майстори едва наскоро. Връщайки се през 1775 г. от Рим, където той поглъща фалшиви класически възгледи, той обаче става художник на портрети в Лондон и се състезава с Рейнолдс и Гейнсбъро заради благоразположението на своите клиенти. В неговите портрети човек лесно може да разпознае внука на класицизма както по пластичността на фигурите, така и в рисунката. Освен това той беше най-добрият представител на „красивата англичанка“, каквато я бяхме свикнали да си представяме, здрава и в същото време мързелива. Неговите портрети са написани ясно и твърдо, но в никакъв случай не са ъглови или сухи. С ясни местни тонове те се отличават с изискан, на моменти обаче, донякъде червеникав нюанс.
Националната галерия в Лондон притежава осем картини на Ромни, но нито един от истинските му шедьоври, като: Децата на лорд Гоуър танцуват ръка за ръка в колекцията на херцога на Съдърланд, или портрет на госпожа Ресел с дете от сър Джордж Ресел в Лондон. Псевдокласическата му основа се проявява в групата „Лейди Уоруик с деца“ и в „Мис Върнън като Хебе“, принадлежаща на лорд Уорик, както и в портрета на лейди Хамилтън като вакхант в Националната галерия.
Фиг. 243 - „Лейди Хамилтън като вакхант“. Живопис от Джордж Ромни в Националната галерия в Лондон.
Най-значимият британски портретист от по-младото поколение художници, появили се през втората половина на века, е шотландецът сър Хенри Рейбърн (1756-1828), посетил Италия, преди да се установи в Единбург. Биографът на Рейбърн Армстронг приписва основната си характеристика главно на впечатлението, което му е направило в Рим от „Невинния Х“ Веласкес. По своята спонтанност, свежест и широчина на идеята, в пленяващата топлина и оживеност на тонове и цветове, само няколко могат да я приравнят. Най-добрите му произведения включват в галерията в Единбург, портрети на госпожа Кембъл, Джон Уилсън с кон и автопортрет на художника, в Единбургската стрелкова зала, поразителен портрет на цял ръст на Натаниел Спенс, рисуващ лък, в Музея на Глазгоу портрет на сър Джон Синклер, в лондонската Национална галерия на дама в слама шапка, в Дрезден портрет на епископ Луций О "Бирн. Един ред от време се отразява във факта, че Рейбърн премина от по-голяма широта и свобода на четката към по-солидна и солидна писменост.
Повечето от портретите на Рейнолдс развиха таланта на лондонския местен Джон Хопнър (1759-1810), майстор на изобразяването на красиви англичанки с червени бузи, които рисуваше в ясни и студени цветове, в свежо любовно изпълнение. Портретът на графинята от Оксфорд в Националната галерия е едно от най-добрите му произведения. Последните са в частни колекции. Известен с четирите деца на Дъглас в колекцията на лорд Ротшилд в Лондон.
Гопнер е пряко последван от сър Томас Лорънс (1769-1830), най-известният английски художник на портрети от първата четвърт на 19 век, макар и ясно възникнал от 18 век и считан за представител на упадъка на великото английско изкуство на тази епоха. Вишева отново възстанови художествената си репутация. В най-добрите произведения той е майстор за нас с внимателно наблюдение и изискана техника на рисуване. Той е представен доста добре в Националната галерия с портрети на банкера Андерщайн, принцеса Ливен и Филип Сенсъм. По-горе са неговите образи на папа Пий VII и кардинал Консалви в замъка Уиндзор, тогава млад Лемън, облечен в червен костюм и лежащ разпръснат на тревата, в колекцията на графа на Дърам в Лондон, прекрасната госпожица Ферен (лейди Дорби), ходеща, леко обвита в козина и др. на фона на пейзажа, в Пирзонт Морган в Ню Йорк.
В тази статия ще намерите полезна и интересна информация за английските художници.
Забележителни английски художници
Ричард Паркс Бонингтън (1802-1828) - английски художник и график. Синът получи първите си артистични умения от баща си. Самият той започна да рисува с акварели. Първите му творби бяха разкрити на изложба в Художествената школа в Ливърпул на 11-годишна възраст. Въпреки преждевременната си смърт (почина от туберкулоза), Ричард Бонингтън остави над четиристотин (400) картини, акварели и рисунки.
Известни картини: "Крайбрежието на Пикардия" (1826), "Вход в пристанището на Рио де Жанейро" (1827).
Харолд Грисли (1892-1967) - британски художник, пейзажист и портретист, последовател на баща си и дядо си. Грисли е роден в Дербишир и посещава училището за изкуства в Дерби. Той беше син на Франк Грисли и внук на Джеймс Стефан Гризли, които двамата бяха известни художници. Той прекъсна изследванията си с избухването на Първата световна война. След войната той продължава обучението си в Нотингам при Артур Споунър и става учител в школата на Рептън.
Част от неговите произведения са изложени в музея и художествената галерия в Дерби; Алфред Гуди дари 77 от своите картини на музея.
Данте Габриел Росети (1928-1882) - английски поет, художник, преводач от италиански произход, един от основателите на „Прерафаелитското братство“ (1848-1853).
Ранният период на творчество се характеризира с прецизност и сигурност в маниера; първите му картини, повече от други произведения на предрафаелитите, приличат на картината на италианския Кватроценто. В картината „Девствеността на Непорочната Мария“ Божията майка е изобразена като изтощена, депресирана тийнейджърка
В по-късния период художникът се обръща към митологичните теми и стилизация.
Джеймс Норткот (1746 - 1831) - английски художник, член на Кралската академия на изкуствата.
Той е бил чирак на баща си, а в свободното си време рисува. През 1769 г. напуска баща си и става портретист. Той беше приет като студент в студиото и дома на сър Джошуа Рейнолдс. През това време той посещава и класове в Кралската академия на изкуствата.
Картината „Млада принцеса, убита в кулата“ (1786 г.) е първата му важна творба на историческа тема, последвана от „Погребение на принцесата в кулата“. И двете картини, заедно със седем други, бяха предназначени за галерията на Джон Бойдел Шекспир. Картината Смъртта на мокрия Тайлър, която в момента е в Гилдголи, Лондон, беше представена на обществеността през 1787 година. Норткот създаде близо две хиляди произведения и направи богатство от 40 000 паунда.
