• Ритъм - Велика съветска енциклопедия
• Значението на името на драмата гръмотевична буря
• Презентация по темата: „И Татяна има прекрасен сън ...
• Базаров все едно. Базаров е нов човек. Приготвяне за писане
• История на гръмотевична буря при създаване на образна система
• Модерни базари. Базаров е нов човек. Образът на героя в творбата
• Характеристики на главните герои в комедията
• Ученическа енциклопедия Архитектурни паметници от края на 18 век
• Романски и готически архитектурни стилове: сравнителни характеристики Примери за романска и готическа архитектура
• Презентация за урок по четене екскурзия до "музейната къща"

Музиката от първата половина на 19 век е повлияна от общото патриотично. възход във връзка с войната от 1812 г. Композиторите започват да се обръщат по-често към героично-исторически сюжети и народни мелодии (опера Иван Сусанин). Появата на нац. училище (М. И. Глинка), чийто музикален реализъм е подготвен от десетилетия на сближаване на професионалната и народната музика. Глинка „създаде националната руска опера, националната инструментална музика, руския национален романс“. A.S.Dargomyzhsky създава нови жанрове - народна музика драма, сатирична и комична песен „Съветник на титурите“).

Социален подем през 1850-те-60-те години. - животът на концерта става по-интензивен, създават се основите на професионалните музи. образование. „Могъща шепа“ : ръководител на кръга - М. А. Балакирев... Идейно-художествените стремежи на Могъщата шепа се формират под влияние на естетическите принципи на руските революционни демократи. Развивайки традициите на Глинка и Даргомижски, музикантите намериха източник на вдъхновение в народното изкуство и в същото време овладяха системата Europ. мислене и изразяване. Основи: Реализъм и националност. Приносът на МК в развитието на камерната и симфоничната музика е голям.

Творчеството на П. Чайковски - 6 симфонии („Манфред“, „Ромео и Жулиета“ и др.), Концерти за цигулка и пиано са сред световните шедьоври; балетен реформатор, който направи музиката водещ компонент на балетната драма (Лебедово езеро; Спящата красавица; Лешникотрошачката), той създаде и нов тип опера (Евгений Онегин, 18). A.N.Serov - композитор и музикален критик, шампион на изкуството, близък до фолк произхода. Братя Рубинщайн , изключителни пианисти, диригенти, бяха основателите на първите руски консерватории в Санкт Петербург и Москва.

Темата за чакането на големи промени - Скрябин, Рахманинов. Идеи, свързани с революционния подем - Римски-Корсаков (опери "Кашчей безсмъртен" и "Златният петел"). Промяна на акцентите: операта избледнява на заден план, симфоничната и камерната музика излизат на преден план.

4. Характеристики на „златния век“ на руската литература

19-ти век призован. „Златният век“ на руската поезия и векът на руската литература в световен мащаб. 19 век е времето на формирането на руските букви. език, кат. оформи се до голяма степен благодарение на A.S. Пушкин. Но 19 век започва с разцвета на сантиментализма и формирането на романтизъм (в поезията - Жуковски, Фет). Работата на F.I. „Златен век“ на руската поезия на Тютчев завърши. Централната фигура на това време беше А. С. Пушкин- стихотворението „Руслан и Людмила“, роман в стих „Евгений Онегин“ е обявен за енциклопедия на руския живот.

Стихотворения на А.С. „Бронзовият конник“, „Циганите“ на Пушкин отвориха ерата на руския романтизъм.

Последовател на Пушкин - Лермонтов(Мцири, кажи на Демона). Руската поезия от 19 век беше тясно свързана със социалния и политическия живот на страната. Поетите се опитаха да проумеят идеята за специалната им съдба. Поетът в Русия се считал за проводник на божествената истина, за пророк. Развитието на руската проза през 19 век започва с прозаичните произведения на A.S. Пушкин и Н.В. Гогол. Пушкин, повлиян от английските исторически романи, създава разказа „Дъщерята на капитана“, където действието се развива на фона на грандиозни исторически събития: по време на бунта на Пугачев. КАТО. Пушкин и Н.В. Гогол очерта основните художествени типове, които ще бъдат разработвани от писателите през целия 19 век: типът "излишен човек" (Онегин) и типът "малък човек" (историята за Горното палто, Пушкин - началникът на станцията). Характеристики: журналистически и сатиричен характер (Мъртви души, инспектор Гогол).

Тенденцията за изобразяване на пороците и недостатъците на руското общество е характерна черта на цялата руска класическа литература. От средата на 19 век формирането на руската реалистична литература, кат. създаден на фона на напрегнат социалистически политик. положението в Русия по време на царуването на Николай I. Разраства се криза на крепостничеството, противоречията между властите и обикновения народ са силни. Необходимо е да се създаде реалистична литература, която да отговаря остро на политиката. ситуацията в страната. Литературният критик В.Г. Белински обозначава нова реалистична тенденция в литературата. Позицията му е разработена от N.A. Добролюбов, Н.Г. Чернишевски. Между западняците и славянофилите възниква спор относно пътищата на историческото развитие на Русия. Край на 19 век - Островски, Чехов, Горки. Краят на 19 век - декадентска литература, отличителни черти на котка. бяха мистика, религиозност, както и предчувствие за промени в общото политическо. живот на страната. Впоследствие декадансът прераства в символика.

5. Литература на руската диаспора от първата половина на ХХ век.

Литературата на руската диаспора е клон на руската литература, възникнал след болшевишкия преврат от 1917г. Има три периода или три вълни от руската емигрантска литература. 1 вълна - от 1918 г. до началото. втората световна война, окупацията на Париж - носеше масов характер. 2 вълна - в края на Втората световна война вълна - след "размразяването" на Хрушчов и пренесе най-големите писатели извън Русия (Солженицин, Бродски). Най-голям култ. и писмо. работата на писателите от първата вълна на руската емиграция е важна. Първата вълна на емиграцията (1918-1940). Концепцията за "руска диаспора" възниква след октомврийския преврат от 1917 г., когато бежанците (повече от 2 милиона души) започват масово да напускат Русия, в Берлин, Париж, Харбин - "Русия в миниатюра": издават се руски вестници и списания, отварят се училища и университети, действа Руската православна църква , но положението на бежанците все още беше трагично (загуба на семейството, родината, социалния статус, разбирането, че е невъзможно да се върнат). Бежанци: Регил. философи (Бердяев, Булгаков), Ф. Шаляпин, И. Репин, К. Коровин, балетните звезди А. Павлова, В. Нижински, композитори (С. Рахманинов и И. Стравински), писатели (Бунин, З. Гипий, Куприн, Северянин, М. Цветаева). Литър се оказа една от духовните опори на нацията в емиграцията, но в същото време имаше неблагоприятни условия: отсъствието на читатели, сривът на социалния психо. основи, нужда. НО от 1927 г. започва разцветът на руската чужда литература, правото на творческа свобода. Литър на по-старото поколение : изповядва позицията за „запазване на заветите“ - „Ние не сме в изгнание, ние сме на път“, литературата е представена от проза (Мережковски, Бунин, Куприн, Гипий); основният мотив е носталгичният спомен за изгубената родина, публикуват се много биографии на писатели, произведения на религиозна тема Литра на по-младото поколение: не успяха да придобият солидна репутация в Русия преди революцията, но мнозина станаха популярни в Европа и света, авторите разпознаха присъщата стойност на трагичния опит на емиграцията, писатели се появиха ориентирани към западната традиция (В. Набоков, Адамович, Цветаева, Горки), изобразяваха реалността в емиграцията, т.е. много писатели останаха незабелязани, голям принос за мемоаризма

Източни центрове за разсейване - Харбин и Шанхай. Дълго време Прага (Цветаева) е научен център на руската емиграция. Руският национален университет е основан в Прага, поканени са 5 хиляди руски студенти, котка. биха могли да продължат образованието си. Много професори и преподаватели от висши учебни заведения също се преместиха тук. Важна роля за опазването на славянската култура и развитието на науката изигра „Пражкият езиков кръг“. Руското разсейване засегна и Латинска Америка, Канада, Скандинавия, САЩ (Гребенщиков).

Основните събития в живота на руската литературна емиграция.Млади поети от групата „Кръстопът“ се обединиха около Ходасевич: Г. Раевски, И. Голенищев-Кутузов, Ю. Манделстам, В. Смоленски. Адамович поиска от младите поети не толкова умения, колкото простота и истинност на „човешки документи“: „чернови, тетрадки“. Адамович не отхвърли упадъчната, траурна перспектива, но я отрази. Г. Адамович е вдъхновителят на литературното училище, което влезе в историята на руската чужда литература под името „парижка бележка“.

Раздел 5. РЕЛИГИОЗНИ ИЗСЛЕДВАНИЯ

Министерство на земеделието на Руската федерация
Московска държава
Агроинженеринг университет. Вицепрезидент на отдела Goryachkina
Дмитровски клон

Факултет: "Автомобили и автомобилна индустрия"

РЕЗЮМЕ НА КУЛТУРОЛОГИЯТА
НА ТЕМАТА: "Разцветът на музикалната класика в Русия през 19 век"

Завършен от ученик от група 21-A / 10 Валиев А.А.

Учител: Макеев А.И.

2011

СЪДЪРЖАНИЕ

ВЪВЕДЕНИЕ
1. Руската музикална култура от първата половина на XIX век
1.1 Развитие на музикални жанрове
1.2 Творческият гений на M.I. Глинка
2. Музикално изкуство от ерата след реформата (втората половина на XIX век)
2.1 Работата на П. И. Чайковски. Върхове на музикалния романтизъм
3. Музикална култура на "сребърния век" (1890-те - 1917 г.)
3.1 Нова посока в руската сакрална музика
3.2 Пътят към „мистерията“ на A.N. Скрябин
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
СПИСЪК НА ИЗПОЛЗВАНА ЛИТЕРАТУРА

ВЪВЕДЕНИЕ

Разцветът на музикалната култура през 19 век е подготвен от целия ход на нейното развитие в Русия.
Народното поетично и музикално творчество е съществувало в древни времена и то е отразило целия живот и история на народа: неговите обичаи и ритуали, труд и борба за свобода, надежди и мечти за по-добър живот.
Руските композитори внимателно събирали и изучавали народни песни. Балакирев, Лядов, Римски-Корсаков съставиха колекции от руски песни за глас и пиано.

Богатството на руската музика е неизмеримо. Повече от десет века неговите традиции се формират и развиват в тесен контакт с музикалната култура на други страни и в постоянно взаимодействие с други видове художествено творчество. Ето защо, обръщайки се към изучаването на историята на руското музикално изкуство от имперската епоха, неминуемо трябва да се комбинират едновременно няколко аспекта на неговото разглеждане.
Руската музика е най-важната част от руската култура. Подобно на руската литература, поезия, живопис, театър, тя ярко отразява всички етапи на обществения живот, формирането на руската философска и естетическа мисъл. Историята на народа, тяхната борба за освобождение, характерът на руския народ, оригиналността на руската природа и ежедневието са намерили своето въплъщение в неговите разнообразни жанрове и форми.
В същото време руската музика е страхотна страница на световната култура, най-важната връзка в общата верига на историческото развитие на музикалното мислене, в раждането и промяната на стилистичните тенденции в европейското музикално изкуство. Никое повече или по-малко значимо постижение на руската музика никога не е било национално ограничено, но винаги е имало дълбоко международно значение. А по времето на своя класически разцвет самата широчина на международните връзки се превърна в ярка национална особеност на руската музика, която осигури не само световното й признание, но и водеща роля в световния прогрес на музикалната култура.
Руската музика е една от водещите славянски култури. С културата на други славянски народи тя се свързва с времето на нейното създаване, като е възникнала като всички тях от музиката на древните славяни. Следователно тук дълбоко интонационният взаимен контакт е особено жив, както се доказва, особено след 17 век, от широкото използване в творчеството на руски композитори на мелодиите на украинския, беларуския фолклор, фолклора на южните и западните славяни, както и процеса на формиране на различни професионални жанрове.
Понятието „история на музиката“ е множествено в нейните термини. Неговото изследване не може да се ограничи до разглеждане на творчеството на композитори и музикален фолклор. Важна роля играе социалната функция на музикалното изкуство в живота на държавата, степента на развитие на изпълнителската култура и научната мисъл за музиката, нивото на естетическо възприемане на музикалното изкуство от отделни социални групи, състоянието на музикалното просветление и образованието.

1. Руската музикална култура от първата половина на 19 век

1.1 Развитие на музикални жанрове

Първата половина на 19 век беше разцвета на градската ежедневна песен и всекидневната романтика. Наред с растежа на градовете и развитието на социалната структура на градския живот, руската градска песен също беше обогатена, поглъщайки широко, многостранно съдържание. Тя оказа дълбоко влияние върху творчеството на руските композитори и намери своеобразно въплъщение в текстовете на майсторите на руския романс - Глинка, Даргомижски, Алябиев, Варламов, Гурилев. В песента-романс - най-разпространеният и достъпен от всички музикални жанрове - ясно се осъществи връзката между творчеството на композитора и фолк. Композиторите от първата половина на 19 век черпят изобилно материал от ежедневните песни. В същото време собствените им песни здраво навлязоха в ежедневието и станаха популярни като „Червеният сарафан“ на Варламов, „Славеят на Алябиев“ и „Колоколчик“ на Гурильов.
Градската песен от началото на 19 век е богата на съдържание и разнообразна в жанрове. Създателите му бяха чувствителни към всичко около тях: нито едно голямо събитие в руската действителност не остана незабелязано, не се отрази в песента. Отечествената война от 1812 г. породи редица нови войнишки песни - героични, маршови, комични, сатирични. Те изразиха дълбокото, проницателно отношение на хората към големите събития на нашето време. Рекрутската песен стана особено популярна в жестоката ера на аракчевизма. Песни за тежката част на войник, за раздялата с неговото семейство, за неизвестната смърт на войник в чужда земя бяха в унисон с общественото настроение по онова време. Те намериха изход за трудните мисли и настроения от декабристките години, мисли за насилствения жребий на хората и за трагичната съдба на обикновените хора.
Ерата на декабристите бележи началото на развитието на революционната песен в Русия. Големите служби в това отношение принадлежат на лидерите на декабристкото движение - Рилеев и Бестужев. Традициите на революционната песен, заложени от поетите на декабристите, са възприети и развити от техните съвременници. Темите за любовта към свободата и протеста, борбата срещу социалното потисничество проникнаха дълбоко в ежедневната песен.
На основата на текстовете на народната песен се заражда и развива богатото и разнообразно романтично творчество на композитори от първата половина на 19 век. Както и в миналия век, вокалната лирика от началото на 19 век е чувствителна към естетическите нужди и изисквания на различни социални групи. Романтиката на „високия“, аристократичен кръг (главно френски), романтиката на благородния салон от средната класа, романтиката в кръговете на литературната интелигенция и накрая песента-романс на широк, разнообразен демократичен кръг далеч не са еднородни явления. Руският романс, подобно на руската поезия, се развива под въздействието на напреднали идеи, подхранващи руската култура. Още през първата четвърт на 19 век романтичната лирика премина дълъг път на развитие - от сантиментална романтика, която все още не беше нарушена с традициите на 18 век (Козловски, Жилин, Кашин), до дълбоки, психологически богати творби на Алябиев.
Развитието на инструменталната култура през първата третина на 19 век се характеризира с явно преобладаване на интимните тенденции, проявяващи се както в творчеството, така и във формите на ежедневното създаване на музика. Изкуството на камерното изпълнение намери плодородна почва в условията на руския живот, когато страстта към музиката започна да завладява все по-широки слоеве на обществото. Аматьорските музикални вечери, четворните срещи, концертите в учебни заведения и частни къщи допринесоха до голяма степен за растежа и просперитета на камерното изкуство, докато изпълнението на големи симфонични произведения беше естествено по-трудна задача по онова време.
През първата половина на 19 век в руската музика се появяват много камерни ансамбли от голямо разнообразие от жанрове. Сред тях са струнните квартети, сонати за струнни струни или духови инструменти с акомпанимент на пиано, ансамбли за струнни и духови инструменти от различни композиции (включително например такъв рядък вид ансамбъл като квартетът за четири флейти от Алябиев, 1827 г.). Не всички тези произведения достигат наистина професионално ниво, но най-доброто от тях проправя пътя за създаването на руска камерна класика, за творбите на Глинка, Чайковски, Бородин.
Пиано музиката придоби друго значение в музикалния и социалния живот. Тясно свързана с условията на домашния живот, достъпна за най-широките кръгове на любителите, тя реагира по-гъвкаво на новите изисквания на нарастващата национална култура. Проследявайки еволюцията на руската пиано музика през първата половина на 19 век, не може да се ограничат нейните постижения до областта на соло творбите. Развитието на пиано културата се основава на взаимодействието на всички жанрове на камерната музика, включително романса и камерния ансамбъл. В тясно сливане с вокалната, песенна традиция се формират такива ценни качества на клавирната школа като изразителна мелодичност, мекота и топлина на лирическия тон, щедро мелодично богатство на текстура и тематичност. В сферата на камерния ансамбъл се оформиха традициите на блестящ виртуозен концертен стил. Трябва да се отбележи, че именно в жанра на фортепианния ансамбъл (където по правило пианистът играеше водеща роля) камерната музика от периода на Глинка се проявява най-ярко.
Симфоничната музика заемаше специално място в творчеството на по-старите съвременници на Глинка. Развитието на големи симфонични форми през първите десетилетия на 19 век все още е тясно свързано с операта, театралната традиция. В условията на сравнително слабо развит концертен живот, оркестровата музика, естествено, все още не е имала време да влезе в самостоятелен път на развитие. Обаче по свой начин тя убедително отразява художествената еволюция на руското изкуство от онова време. В жанра на програмирана увертюра към оперна или драматична постановка руските композитори успяха да реализират интересни, дръзки идеи. Увертюрите на Козловски, Давидов, Алябиев и Верстовски, ярки в оркестрацията и изразителни в тематични, подготвиха симфоничните принципи на Глинка. Те отразяват дългия път, по който руската музика е изминала от класицизма на 18 век през „насилствена романтика“ до реалистичния симфонизъм на „Сузанин“, „Камаринска“ и „Руслан“.

1.2 Творческият гений на M.I. Глинка

Работата на Глинка беше от особено значение за развитието на руската национална култура: в неговите творения се формираха руски музикални класици. Глинка завинаги ще остане в историята първият руски композитор със световно значение и следователно - единственият, изключителен, неподражаем феномен.
Глинка стана основател на нова ера на руското изкуство. Той действаше не само като финиширащ преминал етап, но и като откривател на нови пътеки. Той не само обобщи най-добрите художествени традиции от миналото, но и даде нов обрат на цялото развитие на руската музика.
В основата на всички дейности на Глинка лежи ефективната идея за патриотизъм, която при условията на декабристкия период беше неразривно свързана с концепцията за истинската националност. Глинка влезе в съзнанието ни, предимно като певица на руския народ. Изкуството на Глинка се подхранва от произхода на народното изкуство, усвоява древните традиции на руската хорова култура, по нов начин въплъщава художествените принципи на руската композиционна школа от 18 и началото на 19 век. Руският монументален хоров стил a cappella, и ранната руска опера, и всекидневната песенна романтика, и традицията на народната песен в жанровете на инструменталната музика от 18 век водят до изкуството на Глинка. Разбира се, всички тези елементи бяха разтопени от Глинка в ново качество на по-съвършен, класически стил. Той беше първият, който даде на руската професионална музика широк обхват, силата на идейното съдържание и съвършенството на художествените форми. Новото съдържание на изкуството на Глинка се свързва на първо място с ново разбиране на най-важния принцип на руската композиционна школа - принципа на националността. Композиторът написа прекрасни думи: „... хората създават музика, а ние, артистите, само я подреждаме“. Националността на Глинка е дълбоко и многостранно отражение на живота на един народ, неговия мироглед и характер, историческия му опит.
В своето разбиране за националност композиторът бил чужд на националната тесногръдие. Един от най-напредналите, дълбоко мислещи художници от ерата на романтизма, той силно се интересуваше от изкуството на различни народи, техния начин на живот и обичаи, техния език. Музиката му отразява широко песните на Изтока, както и изяществото на полския танц, и темпераментния испански танц, и завладяващия звънец на италианските мелодии. Такава широта на възприятието в творчеството на Глинка е типична особеност на руската класическа школа.
Проблемът за националността в съзнанието на Глинка беше неразривно свързан с търсенето на истинско отражение на живота, с реалистичен метод на творчество. И тук композиторът се е издигнал с една стъпка по-високо от своите предшественици. Преодолявайки всекидневния реализъм на 18 век, той стигна до естетическите принципи на високото типизиране и поетичното обобщение на явленията на действителността. Проблемът с майсторството придобива специално значение в творческия метод на Глинка. Никой от неговите предшественици не обръща толкова много внимание на въпросите на художествената форма, архитектониката, композицията. Всяка творба на Глинка привлича с целостта и хармонията на формата, прецизността и яснотата на музикалната изява.
Националното изкуство на Глинка не принадлежи нито към класицизма, нито към романтизма, то е още повече не проста сума от класически и романтични елементи. След като усвои постиженията на западноевропейската музикална култура. Съвършено овладял високото умение, той разработва собствена система от естетически възгледи, основана на принципите на руския художествен реализъм от ерата на Пушкин. Стилът на Глинка е подчинен на тази система.
Глинка остави след себе си огромно безценно наследство на потомци - негови творби, в които са включени оперите „Иван Сусанин“ и „Руслан и Людмила“; „Камаринска“, „Валс-фентъзи“ и други симфонични произведения; повече от 70 романса; камерни инструментални ансамбли и пиано.
Ролята на Глинка в руското музикално изкуство е голяма. Само с работата си руската музика пое по пътя на широко, монументално, общонационално изкуство.

2. Музикално изкуство от ерата след реформата (втората половина на 19 век)

Исторически период 60-80г ХІХ век обикновено се нарича постреформа - през 1861 г. крепостното право е премахнато с царски указ, който води до либерализация на руския обществен живот. Този етап бе белязан от високия разцвет на художествената култура като неразделно и отличително явление. Тогава в изкуството се формира определена система от духовни и естетически ценности, които са въплътени в литературата и театъра, в живописта и музиката.
Музикалното изкуство не остана настрана от горещите проблеми на нашето време. Популистките позиции са характерни за светогледа на много композитори, които са вярвали в месианската роля на руския народ, в триумфа на неговото историческо духовно дело. Музиката отразява целия спектър от интензивни морални търсения на руската интелигенция от онези години, въплъщава идеали, вдъхновени от времето в музикални образи. Някои майстори идеализират руската история, чистотата на народния живот, други вярват в самоусъвършенстването на индивида въз основа на законите на народната етика, а трети се стремят да въплъщават в творчеството си определен прототип на народната култура, роден от вечно жив източник - изначална природа.
Жанровата оригиналност на руската музика е тясно свързана с „литературния центризъм“, характерен за художествената култура в ерата след реформата. Създадена от естетиката на реализма, тя се изрази в приоритетната роля на думата, художествената и публицистичната. Водещият музикален жанр по това време беше операта - историческа, епична, лирическа, драматична. Други синтетични музикални жанрове - романтика, песен - продължават да се развиват. Вокалната музика допълва „музикалната енциклопедия“ на руската поезия, обогатявайки я със социални, обвинителни и лирически и психологически образи.
Инструменталната музика от тази ера гравитира и към реалистичен сюжет, към спецификата на литературния първичен източник. Това се изразява по-специално в особеното значение, което програмираната инструментална музика придобива от руските композитори. Тя черпи от цялата световна литература (от традиционните текстове на Пушкин до произведенията на Шекспир), преосмисляйки ги от гледна точка на съвременността.
Кулминацията в развитието на инструменталната музика беше създаването на руска многочастична симфония, което свидетелства за високата зрялост на руската симфония - лирична и драматична (от П. И. Чайковски), епична (от А. П. Бородин). Разработени са и други видове симфонична музика - инструментални концерти (А. Г. Рубинщайн, П. И. Чайковски, Н. А. Римски-Корсаков), увертюри, фантазии, симфонични картини.
Раждането на класическия руски балет, в който драматичната същност на сюжета се разкрива със симфонични средства, се превръща в знак за много жанровия разцвет на музиката.
Развитието на музикалната култура не може да не отразява две основни тенденции, които са значими за руския национален манталитет. Първият от тях е свързан с ускоряването на темпото на европеизация на музикалния живот, с радикални промени в концертната практика, изпълнението и образованието. Организира се Руското музикално дружество (RMO), бяха открити първите консерватории в Санкт Петербург и Москва.
Втората тенденция на руската музикална култура от епохата след реформата беше по-близка до обществените възгледи на "почвата". Така кръг музиканти начело с М. А. Балакирев стана център на музикалния живот на Санкт Петербург. Той влезе в историята като Новата музикална школа или The Mighty Handful. Кръгът е съставен от начинаещи композитори, които не са получили професионално образование и са открити в M.A. Балакирев, негов основен наставник: Ц. А. Куй, А. П. Бородин, М. П. Мусоргски, Н.А. Римски-Корсаков. Естетичните позиции на „кучкистите“ са формирани на базата на радикални популистки идеи, подкрепени от богатия опит в развитието на националната музика от предишни години, дело на М.И. Глинка и А. С. Даргомижски. Членовете на „Могъщата шепа“ вярваха, че националното изкуство израства от народното изкуство, а пътят на руския композитор се свързва с внедряването в музика на образа на народа, тяхната история и техните морални идеали.

2.1 Работата на P.I. Чайковски

Върхове на музикалния романтизъм.
Творчеството на П. И. Чайковски поглъща и фокусира изчерпателна информация за човек, психологията на неговите чувства, динамиката на страстите; тя улови диалектиката на природните импулси за щастие и невъзможността да се промени трагичната същност на земното Същество.
Геният на Чайковски се е формирал в ерата след реформата. Той беше свидетел на високия възход и падане на популисткото движение в руската култура, съвременен на композиторите на „Могъщата шепа“.
Стилът на музиката на Чайковски се развива в контекста на нетрадиционните представи на композитора за същността на националната идентичност. В тълкуването на „национално“ и „народно“ той следваше различен път от съмишлениците на „кучкизма“. Руският фолклор не беше универсален източник за него, основният принцип на музикалния език. С помощта на обобщени, опосредствани интонации за народна песен, Чайковски въплъти националния образ на „русизъм“, Русия, руска действителност в съвременната му многостранност. Следователно композиторът не си е поставил за задача да използва специфични жанрове истински селски фолклор в музиката, а се обърна към „интонационния речник“ на градския музикален живот, който го заобикаляше. Обичайните градски интонации, съчетани с емоционална откритост, искреност и мелодика, направиха музиката на Чайковски разбираема и достъпна за най-широката публика както в Русия, така и в чужбина. Ето защо творбите на Чайковски бързо спечелиха симпатиите на европейците и допринесоха за международното признание на руската музика в целия свят.
Феноменът на творчеството на Чайковски като дълбоко руски феномен се състои в това, че композиторът, въплъщавайки личното, успя да изрази универсално значимото, разказвайки на езика на музиката своите емоционални преживявания - да се издигне до нивото на обобщение на философските и моралните идеи, които са ключови в културата на Русия. Сред тях, болезнено изписан в сърцата и умовете на съвременниците, въпрос, блестящо формулиран от Ф.М. Достоевски: допустимо ли е всичко за човек (?), Както и вечните проблеми на живота и смъртта, доброто и злото, любовта и омразата. Музиката на Чайковски е свързана с домашните културни традиции чрез ненатрапчиво „преподаване“, състрадание към хората, идващи отвътре, съчувствие към техните слабости и скръб, с други думи истински хуманизъм в неговото общочовешко разбиране.
Творбите на Чайковски не по-малко органично се вписват в постиженията на европейското изкуство, в стила на романтизма. Чайковски смята, че "европейската музика е съкровищница, в която всяка националност допринася с нещо свое за общото благо". Композиторът винаги е смятал за важна задача да донесе „своето“, не чуждо на „общото“, като никога не се грижи специално за собствената си оригиналност. Затова той говори на отличителен, но в същото време универсален музикален език, възприемайки романтизма именно като обща художествена идея.
Романтичният облик отвори безкрайни възможности за проявление на лирическия дар на композитора. Най-добрите страници на неговите произведения са боядисани в емоционални тонове, придавайки на музиката характер на изповедническо изявление.
Обхватът на творческите интереси на композитора е необичайно широк. Наследството му включва десет опери (Юджийн Онегин, Ондин, Ковач Вакула, Пиковата кралица и др.), Три балета (Лебедово езеро, Спящата красавица, Лешникотрошачката), седем симфонии и др. повече от десет оркестрови композиции, инструментални концерти, хорова и пиано музика, камерни вокални произведения. Във всеки регион Чайковски беше новатор, въпреки че никога не се стремеше към реформи. Използвайки традиционните жанрове, композиторът намери възможности да ги поднови. Той създава лирико-драматична опера, симфония-трагедия, обогатява увертюрата на програмата за едно движение и симфонична поема, а също така е основател на руския симфоничен балет - концерт-симфония.
Работата на Чайковски оказва огромно влияние върху съвременниците му. Името му вече се свързва с най-големите представители на руската култура. В последвалите десетилетия никой от музикантите не избягва от въздействието на мощната симфония и оперна форма на Чайковски. Художественото и хуманистично значение на музиката му се актуализира особено през втората половина на 20 век. На фона на глобални екологични катастрофи, войни, разрушения и духовни кризи думите на композитора все повече се сбъдват: „Бих искал с цялата си душа да се разпространи музиката ми, така че броят на хората, които я обичат, да намерят утеха и подкрепа в нея, да се увеличават“.

3. "Сребърен век" в руското музикално изкуство (1890-те - 1917 г.)

Краят на 19 и началото на 20 век беше за руската музика на моменти необичайно бързо, бързо развитие и напредък на нови сили и тенденции, което се свързва с обща преоценка на ценностите, ревизия на много идеи и критерии за естетическа оценка, установени в предишната ера. Този процес протичаше в разгорещени спорове и сблъсъци на различни, понякога сходни, понякога антагонистични тенденции, които изглеждаха непримирими и взаимно изключващи се. Но именно това разнообразие и интензивност на търсенията определят особеното богатство на този исторически период - един от най-интересните и ползотворни в руското изкуство. Изключителните постижения и открития в различни области на художественото творчество, които белязаха времето, го обогатиха с ново съдържание, нови форми и изразни средства.
Културните тенденции на „сребърната ера“ коренно промениха облика на музикалното изкуство. Сред „традиционалистите“, за които движението към новото е направено без да се прекъсва с натрупания опит, се открояват имената на представители на петербургската школа, най-близките последователи на Н. А. Римски-Корсаков, А. К. Глазунов и А. К. Лядов. Московското училище е адекватно представено от С. И. Танеев, както и от по-малко известни, но надарени автори - A.S. Аренски, V.S. Калиников, М.М. Ippolitov-Иванов.
Но вече през 1900-те. в руската музика на преден план излиза блестящо поколение млади композитори, принадлежащи към големите творци на „Сребърния век“. Изкуството им беше повлияно от обновяването на мирогледа, драмата и интензивността на страстите от „епохата на края на века“, свободно извисяващи се в своята стилистична полифония. Музиката говори в образи на символизъм (А. Н. Скрябин), неокласицизъм (Н. К. Метнер), неоромантизъм (С. В. Рахманинов), неофолклоризъм (И. Ф. Стравински), кубофутуризъм (С. С. Прокофиев), свободно съчетаващи се език на всички стилове.
Музикалното изкуство от сребърната епоха беше иновативно по своята същност. Откритията на Скрябин, Рахманинов, Стравински, Прокофиев в областта на модера, хармонията, формата допринесоха за формирането на нови образности и средства за художествена изява в музиката на 20 век.

3.1 Нова посока в руската сакрална музика

Ерата на прелома на 19 и 20 век. беше истински „духовен ренесанс“ на руската църковна музика. Хоровите композиции, написани в периода от около средата на 1890-те до 1917 г., принадлежат към така наречената Нова тенденция в руското богослужебно музикално изкуство. Тази насока беше представена от композитори с различни творчески възможности и нагласи. Сред тях бяха музиканти от петербургската и московската композиторска школа. Всички те бяха обединени от една обща идея - идеализирането на истински църковни мелодии, превръщането им в нетно музикално възвишено, силно по своята изразителност и близко до руското сърце по типичната си националност.
Като се обърнем към произхода, към практиката на знаменното пеене на Древна Рус се превръща в същността на новата посока. На пръв поглед подобен църковнопеещ „неокласицизъм“ е в пълна хармония с основната линия на развитие на изкуството от онова време, с стремежа да се възроди моделите на минали култури. Музиката на Новата посока обаче е напълно специален клон на художественото творчество на „Сребърен век“, тъй като изпълняваше своеобразна посредническа функция между богослужебната практика със своя строг канон и светското изкуство с концертна цел. Творбите на съмишлениците на това движение се свързват не само с богослужебния текст (който често се среща в музиката на 20 век), но и със специфично богослужение, което направи възможно включването на много произведения в църковната служба. Новият стил на свещена музика се развива бързо и плодотворно. Композиторите внимателно изучават старите песнопения, опитвайки се на тяхна основа да подчертаят принципите на хармонизиране на църковните мелодии.
Предшественици на новата тенденция бяха Н. А. Римски-Корсаков и П. И. Чайковски, чиято свещена музика датира от периода след реформата. По-късно най-значителните сили на музикантите бяха съсредоточени в стените на Московското синодално училище, следователно храмовата музика от „Сребърен век“ често се нарича „Школа на синодалната школа“. Най-големите представители на това училище бяха директорът на Синодалното училище S.V. Смоленски, протоиерей В. М. Металов, както и А. В. Преображенски. Сред московските композитори, принадлежали към новата посока, са С. В. Рахманинов, А. Т. Гречанинов, А. Д. Касталски и други. В Петербург най-големите му представители бяха N.N. Черепнин и С. В. Панченко.

3.2 Пътят към „мистерията“ на А. Н. Скрябин

Александър Николаевич Скрябин е един от най-ярките представители на изкуството на „сребърната епоха“ по времето на неговия бърз разцвет. В продължение на много десетилетия руската музикология дава далеч от недвусмислена оценка на творчеството му - цензурните съображения не позволиха на изследователите да разкрият съществените аспекти на музиката на руския гений, официално наречена „идеалист - мистик“.
и т.н .................

Обичайно е да се разделя руската музика от 19 век на два периода: преди появата на големия композитор, тоест приблизително до 1830-1840 г. и след това.

• Преди ерата ранен романтизъмили „преди - Glinkinskaya“,
• след като в руската музика идва класически период.

Руска музика от 19 век - ера "преди - Глинка"

В началото на века в руската музика царувала смесица от два стила - класицизъм и романтизъм. . През първата половина на 19 век се провеждат такива мащабни събития за Русия като Отечествената война, въстанието на декабристите; идеите на Великата френска революция, която се проведе малко преди това, се разпространиха в обществото. Всичко това не може да не се отрази на културата на страната. В литературата се появяват V.F. Одоевски, в живописта - В музикалната култура на Русия през 19 век също се чуват ехота, които наистина ще помитат страната с идването на М.И. Глинка.

Основни жанрове и направления

Най-популярните тенденции в руската музика от 19 век са:

1. „Градска“ песен. Най-накрая е формиран от 19 век. Най-често такива песни се раждат от обикновена китарна импровизация на безименни аматьори към стиховете на поети (например „Вечерни камбани“, „Как те разстроих“).
2. запис и обработка на народни мелодии. В края на 18 век В. Трутовски издава сборник с руски народни песни. Почти всички жители на столицата се заинтересуваха от тях, след което започнаха да се появяват множество музикални произведения във фолклорния стил („Сива крила лястовица витае“).
3. камерна вокална музика с нотка на руски фолклоризпълнява на музикални домашни вечери. Под влиянието на романтизма се появява руска романтика (романсите на А. А. Алябиев („Славеят“) и А. Е. Варламов („О, ти, времето е време“, „По улицата мети снежна буря“)) и тя се основава на циганска романтика, която не изискваше професионален гласов глас и сложен съпровод (например: „Очите ти са зелени“).

Също така такъв музикален жанр като водевил все още беше жив - леко парче със стихове. Водевил е особено популярен в музикалната култура на Русия в периода преди Глински:

• А.А. Шаховски („Любовно отвара“, „Беглецът от неговата булка“)
• F.V. Булгарин („Разговор в Царството на мъртвите“, „Приключенията на Митрофанушка на Луната“),

обаче всеки млад благородник смяташе за свой дълг да композира поне веднъж в живота си парче водевил за ползотворното изпълнение на някой актьор.

Театрите изпълняваха основно италиански и френски опери. В руската опера преобладават епични мотиви; влиянието на романтизма обаче вече беше забележимо (А. Н. Верстовски например често използваше романтични теми в своите произведения - апел към миналото на епохата).

Началото на класическия период на руската музика - M.I. Глинка

С появата на Михаил Иванович Глинка, основател на композиторската школа в Русия, започва истински подем в руската музика от 19 век. Музикалните му произведения са пропити с фолклорни мотиви, съдържат самия Пушкински „руски дух“. В допълнение към великолепните вокални творби и симфонии, композиторът създава две опери (някои от най-забележителните в историята на музиката): Живот за царя (1836 г.) и Руслан и Людмила (1842 г.). И двете тези творби са пропити с най-силния патриотичен и руски принцип, защото М.И. Самата Глинка каза:

"Музиката трябва да съдържа интонации и дори цели мелодии на народната музика от националността, към която принадлежи авторът."

И така, в операта „Живот за царя“ в образа на обикновен селянин Иван Сусанин М.И. Глинка показа цялата сила и мощ на руския народ. Най-важното нововъведение на операта беше, че селянин, крепостенник, става главен герой на музикално произведение. Не е изненадващо, че висшето общество не оцени операта, но много класици на литературата (например) бяха нейните истински фенове.

В епичната приказка с ярки романтични мотиви „Руслан и Людмила“ Глинка се отдалечи още повече от традициите на френските и италианските опери, така че това парче музика не беше посрещнато с ентусиазъм. Независимо от това, именно след тези произведения руската музика беше призната по целия свят, а М.И. Глинка с право е призната за основател на музикалната класика в Русия.

Руска музика от втората половина на 19 век

През втората половина на 19 век музиката става по-достъпна за различни слоеве от населението.

• Откриват се московските и петербургските филиали на Императорското руско музикално дружество, които постоянно държат музикални колекции, достъпни за всички,
• В Санкт Петербург се създава безплатно музикално училище,
• Основат се консерватории – първо в столиците (ръководени от братя Рубинщайн), а в края на века в други градове.

Нови музикални жанрове стават популярни - симфонични цикли, симфонии (първата симфония (във фа мажор) е създадена от А. Г. Рубинщайн през 1859г. но не придоби широка популярност; по-известна е неговата симфония номер 2 в мажор С, наречена „Океан“. Този жанр достигна истински разцвет в руската музика в творбите на Римски-Корсаков и.

Съставяне на училища от 19 век в Русия

Също в страната през 19 век се образуват две големи композиторски училища:

• Първият е Ново руско училище в Санкт Петербург, по-късно V.V. Стасов ще я кръсти.

Хареса ли ти? Не крийте радостта си от света - споделяйте

Първата половина на 19 век беше разцвета на градската ежедневна песен и ежедневна романтика. Те бяха съставени от Алябиев, Варламов, Гурилев, по-късно Глинка и Даргомижски. Елегичните романси и популярните „руски песни“ се утвърдиха в ежедневието и станаха популярни, като „Червеният сарафан“ на Варламов, „Славеят“ на Алябиев, „Колоколчик“ на Гурилев.

Тези песни и романси изразяваха настроението, на първо място, в благородническата среда. Тъжното съзерцание, дълбоката интимност на изказването, безнадеждната тъга, отчаяният порив към щастието, бяха типични настроения на много хора от ерата на 30-40 години. последния век.

Тайната на неугасимата любов на нашите сънародници към текстовете на тези композитори е скрита във взаимно изключващите се свойства на руския характер, които са заловени в неговите романси. Душата на руския човек е изтъкана от противоречия.

19 век в Русия е век на разцвет на блестяща благородна култура.

Руската композиционна школа започва през 19 век с композитори, които съчетават европейската форма и руския дух в музиката.

1.Михаил И. ГЛИНКА (1804-1857)

Михаил Иванович Глинка е първият руски композитор със световно значение в историята, основателят на руската музикална класика.

Роден в село Новоспаское, Смоленска провинция, в семейството на собственик на земя. По-късно учи в интернат в Главния педагогически институт в Санкт Петербург.

Две събития оформиха неговия мироглед. Първият е победният воин от 1812г. с Наполеон, в който руският народ показваше както военна доблест, така и безпрецедентна сила на духа.

Второто събитие е въстанието на декабристите, екзекуцията и изгнанието на благородните и честни хора на Русия.

Съвременници и връстници на Глинка - Пушкин, Гогол, Баратински, Жуковски, Тютчев. Девет години по-голям - Грибоедов, с десет години по-млад - Лермонтов.

Глинка започва композиторската си кариера с композиции на романси. Една от най-известните „Не ме изкушавайте излишно“ на думите на Баратински. По-късно такива шедьоври като „Спомням си един прекрасен момент“, „Съмнението“, „Скайларк“ ... ПРИМЕРИ ...

Глинка дълго време търси начини да надхвърли ежедневната музика.

В началото на 1830-те. напуска службата в Министерството на железниците и заминава на дългосрочно пътуване до Европа, където изучава композиторско изкуство. В Италия Глинка излезе с идеята да създаде руска национална опера, национална както в сюжета, така и в музикалния език.

Сюжетът е предложен от Жуковски: подвигът на селянина Ив. Сузанин в смутното време.

Операта се основава на истинско историческо събитие - патриотичния подвиг на селянин от село Домнино, близо до Кострома, Иван Осипович Сусанин, извършен в началото на 1613г. Тогава Москва вече беше освободена от полските интервенционисти, но нахлуващите отряди все още обикаляха руската земя. За да предотврати пълното освобождение на Русия, един от тези отряди иска да завземе новоизбрания руски цар Михаил Федорович Романов, живял край Кострома. Но Сузанин, когото враговете се опитаха да направят своя водач, отведе нашествениците в дълбока гора и ги унищожи, умирайки в процеса сам.

Успехът беше огромен, операта беше приета с ентусиазъм. Михаил Глинка получи признание („Живот за царя, 1836 г.) На оперната сцена се появи руски герой, селянинът Иван Сусанин. Неговият образ събра най-добрите черти на националния характер. На другия ден Глинка написа на майка си:

Вчера вечерта желанията ми бяха окончателно изпълнени, а дългият ми труд беше увенчан с най-блестящия успех. Публиката прие моята опера с изключителен ентусиазъм, актьорите изгубиха самообладание ... суверенът - императорът ... ми благодари и дълго говори с мен ...

Втората опера е голямата магия Руслан и Людмила (1842). Тя се основава на едноименното стихотворение на A.S. Пушкин. Работата по операта е извършена на фона на смъртта на Пушкин и в трудните условия на живот на композитора. Глинка не успя съвсем в тази опера като драматично действие. Музиката на много номера на операта обаче е блестяща, което повече от компенсира недостатъците на драмата.

Танци от две опери на Глинка създадоха традициите на руската класическа танцова музика както по дух, така и в художествени постижения.

Неуспешен брак му донесе много мъка и неприятности, докато не завърши с развод.

Глинка отново прекарва последния период от живота си в пътувания - Испания, Франция, Полша ... Глинка никога не спира да композира. Появяват се 2 известни испански увертюри „Jota Aragonese“ и „Night in Madrid“. А най-значимото му симфонично произведение „Камаринска“ е фантастична увертюра по две руски теми. Класическите романси на Глинка са красиви. Най-известният - по стиховете на Пушкин - „Спомням си един прекрасен момент“.

Умира в Берлин от грип. По-късно пепелта е транспортирана в Русия и погребана в лаврата на Александър Невски.

Глинка одобри основния принцип на руската композиционна школа - националност и родолюбие.

Композиторът написа прекрасни думи: „... хората създават музика, а ние, артистите, само я подреждаме“. Идеята ми хареса и стана неизменно правило, което спазват много композитори. Обединени от тази идея, руската композиционна школа започна да се оформя.

Глинка е най-високият професионален композитор. Всяко негово произведение привлича с целостта и хармонията на формата, прецизността и яснотата на музикалната изява. Чистата, ясна музика, която просто лекува душата.

Музиката на Глинка не принадлежи нито към класицизма, нито към романтизма. Той разработва свой собствен оригинален стил, основан на принципите на руския художествен реализъм от ерата на Пушкин.

Той беше първият руски композитор, създал образа на руски човек на оперната сцена.

Глинка стана първият руски класически композитор. С творчеството си руската музика пое по пътя на световното изкуство.

Наследството на Глинка: опери "Иван Сусанин" и "Руслан и Людмила"; симфонични увертюри - фантазии на арагонска Джота, Нощ в Мадрид, Камарино, Валс-Фантазия и други; повече от 70 романса; камерни инструментални ансамбли и пиано.

Лекият, утвърждаващ живота характер, хармонията на формите, красотата и изразителните мелодии, тънкостта на хармонията и инструментарията са най-ценните качества на музиката на Глинка.

Глинка беше първата сред руските композитори, която създаде свои творби въз основа на руската народна музика... Глинка се смята за създател на руското национално училище по музика. Неговото творчество повлиява на всички руски композитори от първата половина на 19 век.

***
Цитатът на Михаил Глинка: "За да създаде красота, човек трябва да е чиста душа."

Цитат за М. И. Глинка: „Цялата руска школа по симфония, също като целия дъб в жълъд, се съдържа в симфоничната фантазия„ Камаринская “. П. И. Чайковски

Интересен факт: Михаил Иванович Глинка не беше в добро здраве, наричайки себе си „мимоза“ от детството. Въпреки това, той беше много лесен и добре познаваше географията, може би, ако не беше станал композитор, щеше да стане пътешественик. Знаеше шест чужди езика, включително персийски.

От оп. „Иван Сусанин“. Полски танци от акт 2 (фрагмент), арията на Сузанин „Ще възкръснеш, зората ми“, Припев „Слава“,

От оп. Руслан и Людмила “. 1. Увертюра. 3-ти песни на Баян. 3.Марш на Черномор. 4. Сцена с главата.

Увертюри испански (фрагменти) и Kamarinskaya. Валс-фантазия.

Романтика „Не изкушавайте“, „Спомням си един прекрасен момент“.

АЛЕКСАНДЪР СЕРГЕЕВИЧ ДАРГОМИЖСКИ (1813-1869)

Благородник. Роден в имението на баща си в провинция Тула. За четири години той и цялото му семейство се преместиха в Санкт Петербург. Музикалните способности се показаха рано и те започват да го учат на музика.

През 1834 г. той се срещна с Михаил Глинка и това познание изигра решаваща роля в по-нататъшната му съдба.

Работата му е свързана с идеите на критическия реализъм в литературата. Даргомижски влезе в историята на руската музика като един от основателите на реалистичното изкуство. Депутат Мусоргски нарече Даргомижски „великият учител на истината“.

Централното произведение на композитора е операта „ морска сирена"(Въз основа на драмата на Александър Пушкин), поставена през 1856 г. Драмата на социалното неравенство на дъщерята на мелницата Наташа и принца, които се обичат, привлече композитора със значимостта на темата. „Русалка“ е първата руска ежедневна лирико-психологическа опера.

Даргомижски се стреми да предаде психология чрез човешката реч. Интонацията на речта се превърна в основното изразно средство в музиката му. Беше много съмнителен и безперспективен експеримент.

Последната опера на Даргомижски, " Стоун гост", Написано върху пълния текст на" малката трагедия "на Пушкин. В него няма арии, ансамбли, хор. Това е камерна речитативна опера.

Даргомижски създава нов жанр: сатирична романтика. „Червей“ на Курочкина. Сатирична сцена. Смеха на честта. Основното е гласната част. Частта за пиано е много скромна. Промяна на интонацията - C-dur-As-dur. "Какво щастие."

„Титулярният съветник“ на Вайнберг. B-Dur. Музиката следва всяка дума на текста. Чрез форма. 1-ва секция - B-dur, 2-ра секция - пиян съветник.

Много романси на Даргомижски са драматични сцени в объркване. Най-яркият пример е „Старият ефрейтор” на Курочкин. Монолог на стар ефрейтор, осъден на смърт за обида на млад офицер. Състои се от няколко секции, в края на всеки от тях рефрен. В гласната част има много речитативи: „Продължавайте, момчета, едно, две“ (рефрен). 2-ри стих - „Обидих офицера“. Всеки стих е по-драматичен от последния. В края Даргомижски въвежда припева: „В крака, момчета, един, два“. Обикновено се изпълнява от пианото.

Даргомижски участва активно в дейностите на Руското музикално дружество, създадено през 1859г. Домът му, подобно на дома на родителите му, се е превърнал в място за срещи на изтъкнати художници, художници и поети от онова време. „Могъщата шепа“ от самото начало на своето съществуване намери своя покровител в Даргомижски.

По време на последното му турне из Европа през 1864-1865г. Даргомижски посети Лайпциг, Брюксел, Париж и Лондон, където постави оперите си. Връщайки се в Санкт Петербург, той продължи усилено да работи върху създаването на операта „Каменният гост“, която бе възпрепятствана да завърши със смърт.

Богатото композиторско наследство на Даргомижски съдържа няколко оркестрови творби: три симфонии, Малък руски казак, Чухонска фантазия (1867). „Баба Яга или от Волга нач Рига“ (1862). Най-голямо значение обаче има неговата оперна и вокална творба.

Слушам: „Тъжен съм“ по Лермонтов, „Стария ефрейтор“, „Титуларен съветник“, арията на Мелник от оп. "Русалка".

3. Третият период: музикалното изкуство от ерата след реформата (втората половина на 19 век)

През 1861 г. царски указ премахва крепостното право, което води до либерализация на руския обществен живот.

Литературата беше водещата форма на изкуство в Русия по онова време, а операта доминираше в музиката.

Дори симфоничната музика от онова време влиза в законен брак с литературата. Плод на този съюз е програмирана симфонична музика. Тя рисува своите сюжети от цялата световна литература (от традиционните текстове на Пушкин до произведенията на Шекспир), преосмисляйки ги от гледна точка на съвременността. Пример за това е ………

Основното музикално постижение от този период е създаването на руска симфония - лирична и драматична за П. И. Чайковски, и епична за А. П. Бородин.

Появява се и руският класически балет, в който драматичната същност на сюжета се разкрива с музикални симфонични средства.

Организира се Руското музикално дружество (RMO), първите консерватории са открити в Санкт Петербург (1862) и Москва. Братята Рубинщайн изиграха важна роля в музикалното образование на Русия.

Възрастният Антон Григориевич (1829-1894) е по-скоро виртуозен пианист, отколкото истински композитор, въпреки че е написал огромен брой творби. В по-голямата си част музиката му е лишена от оригиналност. Това е общ европейски стил. Лесно е да го объркаш например с Менделсон. Блед тематизъм, той често изпада в помпозност. Вярно е, че не можем да му откажем няколко истински успеха, един от тях е хорът "Нощ" от операта "Демон". И, разбира се, няма съмнение в неговата композиционна проницателност и професионализъм. Кучкистите не го харесвали (особено Мусоргски), наричали са го Тупинщайн.

ПЕТЕРБУРГ СЪСТАВ ЗА СЪСТАВ. МОЩНА БУНЧ.

През 60-те кръг музиканти начело с Милий Алексеевич Балакирев (1837-1910) се превръща в център на музикалния живот на Санкт Петербург. Кръгът влезе в историята като „Могъщата шепа“. Името е дадено на халбата от критиката Владимир Василиевич Стасов. Наричаха себе си „новата руска музикална школа“. В чужбина ги наричат \u200b\u200b„руската петица“.

Кръгът включваше начинаещи композитори, които не са получили професионално образование. Балакирев беше за тях професор за всички поводи: Ц. А. Куй (1835-1918), А. П. Бородин, М. П. Мусоргски (1839-1881), N.A. Римски-Корсаков (1844-1908).

Балакирев деспотично учи бъдещите „кучкисти“ да пишат симфонии, въпреки че самият той успява да напише една от своите симфонии за четиридесет години (1856-1897!), Колкото и да е странно, те все пак се научиха (не всички) да пишат симфонична музика, биейки учителя си от много глави.

Кучкистите се смятали за наследници на Глинка и виждали целта си в развитието на руската национална музика.

Естетичните позиции на „кучкистите“ се формират на базата на радикални популистки идеи. Членовете на „Могъщата шепа“ вярваха, че националното изкуство се разраства от фолклора, а задължението на руския композитор е да преведе в музика образа на народа, неговата история и морални идеали. Нека си припомним „Глинката“ националност и патриотизъм “.

„Могъщата шепа“ положи основите на руската национална музика и се превърна в епоха в развитието на руското и световното музикално изкуство.

През 70-те години „Могъщата шепа“ като сплотена група престава да съществува.

Балакирев е първият руски композитор, който пише симфонични произведения на литературна тема.

XIX век - ерата на руската оперна класика... Руските композитори кучкисти са създали шедьоври в различни жанрове на оперното изкуство.

Основни опери на М. П. Мусоргски (1839-1881) " Борис Годунов"(1872 г.) и" Хованщина". Композиторът ги нарече „народни музикални драми“, тъй като хората са в центъра на двете творби. Основната идея на Борис Годунов (базирана на едноименната трагедия на Пушкин) е конфликт: цар - народът. Тази идея беше една от най-важните и трогателни в ерата след реформата. Мусоргски искаше да разкрие аналогия с модерността в събитията от миналото на Русия.

Критикът Стасов каза: „Мусоргски е един от хората, на които потомците издигат паметници“.

Сюжетът на операта А. П. Бородина(1833-1887) " Княз Игор " служи като "Словото за полк на Игор". Бородин пише операта 17 години, но така и не завърши операта; „Княз Игор“ е завършен от Римски-Корсаков и Глазунов.

Н. А. Римски-Корсаков е оперен разказвач. Най-добрите му приказни опери са " Снежна девойка"(1881)," Садко"(1896)," Косчей Безсмъртен"(1902 г.) и" Златният петел"(1907).

Операта „ Легендата за невидимия град Китеж и девойката Феврония”(1904), написана въз основа на народни легенди за татарско-монголското нашествие.

Римски - Корсаков е руски музикален магьосник и учител на ново поколение руски музиканти.

2. Александър Порфиревич БОРОДИН (1833-1887)

Александър Порфиревич Бородин, един от водещите руски композитори от втората половина на 19 век. В допълнение към таланта си на композитор, той беше учен-химик, лекар, учител, критик и притежаваше литературен талант.
Роден е в Санкт Петербург. Още от детството се прояви любовта му към музиката и природните науки. След като завършва гимназия, а след това и Медико-хирургическата академия, той работи няколко години като военен лекар и химик. В Медицинския факултет Бородин получава званието професор. През целия си живот той считаше химията за своя професия, но всяка безплатно отдели минута за музикалното творчество.

Бородин влезе в историята на световната култура предимно като композитор. Бородин имаше две хобита - две професии: химия и музика.

Бородин нямаше професионални учители по музика. Той овладява самостоятелно техниката на композиране. Образуването на А. П. Бородин е повлияно от работата на М.И. Глинка.

Иимпулс към плътно изследване на композицията в началото на 1860 г. беше даден от две събития - първо, запознанството и брака с талантливия пианист Е. С. Протопопова, и второ, срещата с М. А. Балакирев и присъединяването към творческата общност на руските композитори „Могъщи шепа. "

Бородин написа операта "Княз Игор" (с известните "половски танци" (1869-1890),) Тази опера е пример за националния героичен епос в музиката. В „Княз Игор“ се отразява основната идея на цялото творчество на композитора - смелост, спокойно величие, духовно благородство на най-добрия руски народ и мощната сила на руския народ, проявена в защитата на родината.

А. П. Бородин е един от бащите на руската симфонична музика. Той написа три симфонии (най-популярната е 2-ра „Героична“), симфоничната поема „В Централна Азия“, два квартета (една от тях включва често изпълняваните „Ноктърни“), песни и пиано творби.

В музиката на симфонията „Героична“ Бородин постига ярък колорит, конкретика на музикалните образи. Според Стасов той искал да нарисува колекция от руски герои в 1 час, в Анданте (3 часа) - фигурата на Баян, на финала - сцена на героичен празник. Името „Богатирская“, дадено на симфонията от Стасов, беше здраво закрепено в него.

Бородин възприема живота обективно и оптимистично, като източник на сила и радост, с вяра в силата на човека, в триумфа на разума и красотата.

Музиката на Бородин е като лежерна хроника, където събития и хора се появяват последователно. Основният принцип на музикалната драма на Бородин е съпоставянето на контрастни образи. Мелодиите текат спокойно и плавно, сходни с руските селски песни. Бородин никога не цитира фолклорни мелодии, той създава свои музикални образи, използвайки най-характерните черти на фолклора.

Бородин имаше способността да композира в стил народна песен. Тясната връзка с руския фолклор е най-характерната черта на цялото творчество на композиторите от „Могъщата шепа“.

Бородин създава руската епична симфония и също одобрява типа на руската епична опера.

Цитат за А. П. Бородин: "Талантът на Бородин е еднакво мощен и поразителен както в симфонията, така и в операта и в романса. Основните му качества са гигантска сила и широчина, колосален обхват, бързина и бързина, съчетани с удивителна страст, нежност и красота “. В. В. Стасов.

3. Модерен Петрович МУСОРГСКИ (1839-1881)

Модест Петрович Мусоргски е един от най-блестящите руски композитори на 19 век, член на „Могъщата шепа“.
Роден в Псковската провинция в бедно семейство на земевладелците. От детството си проявяваше способност за музика, учи в Санкт Петербург, беше, според семейната традиция, военен човек.

Решаващото събитие в живота на Мусоргски беше срещата му с МАБалакирев и присъединяването към „Могъщата шепа“. След като изостави военна кариера по настоятелния съвет на Балакирев и влезе в държавната служба, Мусоргски започва да работи много и упорито като композитор.

Мусоргски беше най-последователният представител на националността и реализма в музиката. В оперите „Борис Годунов“ и „Хованщина“ той улавя трагедиите не само на индивиди, но и на хората, изживяващи смутното време в началото на XVII век или разбиването на древни основи по време на присъединяването на Петър. Тези опери са едни от най-популярните руски опери в света.Тези опери нямат равенство в световното музикално изкуство по силата и дълбочината на въплъщението на образите, по правдивостта и яркостта на изобразяването на масите. Мусоргски е първият композитор, извел руския народ на оперната сцена.

В операта Борис Годунов личната драма на Борис се развива на фона на драмата на цял народ. Тя завършва с сцена на популярно размирие близо до Кроми и гробно пророчество на Светия глупак: „Викай, викай руската земя, викай, руски хора.

Мусоргски е бил музикант-реалист, популистки музикант, сходен с Гогол и Лъв Толстой.

Той асимилира себе си всички черти на руската народна песен и въпреки че рядко използва истински фолклорни мотиви, целият склад на неговата мелодия, много гъвкава и характерна, носи фолклорен отпечатък, който се проявява в хармонични завои, в оригинални, внезапни модулации, в ритмично богатство и в самата форма ... Основната сила на вокалния стил на М. е експресивната декламация, която следва от естествената интонация на речта и следователно е напълно неразделна от текста. В това М. е прекият наследник на Даргомижски.

Освен опери Мусоргски пише сюитните картини на изложба (най-доброто подреждане на сюита за оркестър е направено от М. Равел през 1922 г.), симфоничната картина „Нощ на плешивата планина“, много песни и романси, сред които са много оригинални за онова време - Песни и танците на смъртта “, хорови и пиано творби.

Мусоргски се стреми да гарантира, че музиката му във всеки от елементите му има национален, чисто руски характер.

В живота на Мусоргски имаше всичко - и величие, и трагедия. Като човек, той винаги се е отличавал с истинска духовна чистота и безкористност. През 1859 г. М. напуска военна служба, но липсата на поминък и невъзможността за получаването им чрез музикални дейности доведе до мизерно съществуване.

Операта му Борис Годунов е отстранена от репертоара за дълго време; други негови творби отдавна са игнорирани от художниците и обществеността. През последната година и половина от живота си, останал без служба, М. печели съпровод.

Потискащата монотонност на ежедневието и трудните материални условия доведоха Мусоргски до алкохолизъм. Депресията се задълбочаваше непрекъснато.

Умира на 42 години в една от военните болници в Санкт Петербург.

През целия си живот Мусоргски печели 701 рубли от музика. 50kop.

Цитат на народния представител Мусоргски: „Звуците на човешката реч като външни прояви на мисъл и чувство трябва, без преувеличение и насилие, да станат истинска, точна, но артистична, високохудожествена музика“.

Цитат за М. П. Мусоргски: „Първоначално руски звучи във всичко, което Мусоргски направи“ Н. К. Рьорих

Интересен факт: в края на живота си Мусоргски, под натиска на "приятелите" на Стасов и Римски-Корсаков, се отказва от авторските права върху своите произведения и ги представя на Тертий Филипов.

4. Петър Илич Чайковски (1840-1893)

В Русия има две столици и две музикални училища. Московското училище за композитори се оглавява от П. И. Чайковски. В творчеството на Чайковски руският музикален романтизъм достигна своя връх.

Петър Илич Чайковски, най-големият руски композитор на 19 век, издигна руското музикално изкуство до невиждани висоти.

Чайковски е първият руски „професионален“ композитор - изучава теорията и композицията на музиката в новата консерватория в Санкт Петербург. Приживе Чайковски е смятан за „западния“ композитор, за разлика от популярните фигури на „Могъщата шепа“.

Чайковски стана свидетел на възхода и падението на популисткото движение в руската култура. Чайковски беше съвременник на композиторите на „Могъщата шепа“.

В тълкуването на „национално“ и „народно“ той следваше различен път от „кучкистите“. Руският фолклор не беше за него универсален източник и основен принцип на музикалния език. Музикални интонации той черпи в по-голяма степен от градския музикален живот, отколкото от селския фолклор.

Роден във Воткинск, на Урал, в семейството на инженер. Започва да учи сериозно музика, подобно на Бородин, вече като възрастен. След като завършва юридическия факултет в университета, Чайковски работи няколко години в Министерството на финансите в Санкт Петербург и едва тогава решава да влезе в консерваторията в Санкт Петербург, от която завършва през 1866 г. с отличие. Веднага му бе предложено място като учител по хармония в консерваторията. Той прие това предложение и остана в професора 11 години, без да прекъсва цялото това време на своята творческа дейност и да изнася концерти с изпълнение на своите произведения, което предизвика ентусиазиран прием сред цялата музикална общност на Русия.

На 37 години настъпва повратна точка в живота на Чайковски. Графиня фон Мек, богата почитателка на таланта му, осигури на композитора висока доживотна пенсия, като му позволи да посвети цялото си време изключително на композиране на музика. Единственото условие, което тя направи, беше изискването те никога да не се срещнат лично. От това време Чайковски изцяло се е посветил на музикалното творчество, като само от време на време се изявява като диригент.

По време на пътуванията си в различни европейски страни - Полша, Германия, Австрия, Италия, Швейцария, Франция, Англия - той изучава музикалния фолклор на всяка от тези страни. Италия и италианската музика направиха особено силно впечатление на Чайковски, което се отрази в неговите творби. Връщайки се в Санкт Петербург през 1893 г. по време на епидемия от холера, самият той се разболя и почина от тази болест.

Композиторът беше учител, диригент, критик, общественик, работил в две столици, гастролирал в Европа и Америка. Чайковски беше емоционално нестабилен човек; ентусиазъм, униние, апатия, бърз нрав, бурен гняв - всички тези настроения се променяха в него доста често. Бидейки много общителен човек, той винаги се е стремял към самота.
Трудна задача е да се отдели нещо най-добро от творчеството на Чайковски, той има няколко произведения с еднакъв размер в почти всички музикални жанрове - опера, балет, симфония, камерна музика.

Музиката на Чайковски говори на отличителен, но в същото време универсален музикален език, който съчетава традиционните романтични европейски интонации и музиката на руския фолклор. Чайковски смята, че "европейската музика е съкровищница, в която всяка националност допринася с нещо свое за общото благо".

Чайковски е изявен симфонист, гениален музикален драматург и лирик. Той създаде 15 опери (ръководени от Юджийн Онегин и Пиковата кралица, написани върху сюжетите на Пушкин), 3 балета (Лебедово езеро, Спящата красавица и Лешникотрошачката на първо място), 6 симфонии, 5 симфонични стихотворения , увертюри, 3 клавирни концерта, концерт за цигулка, различни парчета за оркестър.

Чайковски композира в стила на късния романтизъм, като същевременно придава на произведенията си чисто руски характер. Тази комбинация се оказа изключително благоприятна. Той донесе руска музика на европейските сцени. Чайковски е най-свиреният руски композитор в света.

Работата на Чайковски оказва огромно влияние върху съвременниците му. Приживе неговото име се свързва с най-големите представители на руската култура. Оркестърът стана, когато влезе в залата.

Наред с Глинка, Чайковски е създател на националната руска школа по световна музика.

Цитат от композитора:
"Аз съм художник, който може и трябва да носи чест на моята Родина. Чувствам голяма художествена сила в себе си, все още не съм направил една десета от това, което мога да правя. И искам да го направя от все сърце."
"Животът има чар само когато се състои от редуване на радости и скръб, от борбата между доброто и злото, от светлината и сянката, с една дума - от многообразието в единството."
"Големият талант отнема много усилена работа."

Цитат за композитора: „Готов съм ден и нощ да стоя на почетна стража на верандата на къщата, където живее Пьотр Илич - до такава степен го уважавам“ А. П. Чехов

Интересен факт: Университетът в Кеймбридж задочно и без защита на дисертация присъди на Чайковски званието доктор на музиката, а Парижката академия за изящни изкуства също го избра за член-член.

5. Николай Андреевич РИМСКИ-КОРСАКОВ (1844-1908)

Николай Андреевич Римски-Корсаков е една от най-важните фигури в историята на руската музика.

Роден в провинция Новгород в благородно семейство в град Тихвин. По семейна традиция той става морски офицер, на военен кораб обиколи много страни в Европа и Америка.

Учи музика първо с майка си, след което взема частни уроци от пианиста Ф. Канил. По-късно М. А. Балакирев, организатор на „Могъщата шепа“, представи Римски-Корсаков в музикалната общност и повлия на работата му.

Професионалното си музикално образование получава в Санкт Петербургската консерватория по пиано и композиция. Написа първата си симфония на деветнадесет години. Римски-Корсаков обаче не свързва веднага съдбата си с музиката. Няколко години служи във ВМС, където получи офицерско звание. В същото време той се занимава с творческа дейност и през 1871 г. е удостоен със званието професор по инструментално изкуство в консерваторията в Санкт Петербург. След това класът на композицията се предава на него. В същото време е назначен за директор на музикално училище и музикален инспектор на руските военноморски групи.
15-те оператора са централни за наследството на Римски-Корсаков. Две основни направления отличават творчеството на композитора: първото е руската история, второто е светът на приказките и епосите, за което той получи прозвището „разказвач на истории“.
Освен независима творческа дейност, Н. А. Римски-Корсаков е известен като публицист, съставител на сборници от народни песни, както и финализатор на творбите на своите приятели - Даргомижски, Мусоргски и Бородин.

Сред композиторите на „Могъщата шепа“ той притежаваше най-голямата творческа изобретателност и най-съвършената техника. Най-значимите му творчески постижения се намират в областта на оркестровия аромат.

Той пише такива световноизвестни опери като Садко, „Снежната девойка“, „Златният петел“ и др. , симфоничната поема „Садко“ (в допълнение към едноименната опера), многобройни песни, както и хорови и камерни произведения. Цялото му творчество, поддържано в стила на неоромантизма, е дълбоко проникнато в „руския дух“.

Римски-Корсаков се счита за най-големия майстор на инструментариума. Учебникът "Основи на оркестрацията" е един от най-добрите учебници в тази област и учениците използват учебника му по хармония дори и днес.

Римски-Корсаков е създател на школата по композиция, като учител и ръководител на консерваторията в Санкт Петербург, той завършва около двеста композитори, диригенти, музиколози, сред които Прокофиев и Стравински.

Самоотвержената работа на Римски-Корсаков в завършването на оркестралните и оперни шедьоври на Мусоргски изигра решаваща роля за появата им на концертната сцена и на оперната сцена.

Фанатичното упоритост в разбирането на музикалната наука го превърна в патриарх-деспот.

Римски-Корсаков е „железният Феликс“ на руската музика. Убеден в своята непогрешимост, той не се поколеба да сложи реч в колелото на млади композитори, които не попаднаха в зоната на музикалния му вкус. Например той упорито попречи на Първата симфония на Калиников да проникне на сцената в Санкт Петербург, дори и след като беше изпълнена с триумфален успех в такива големи музикални центрове в Европа като Берлин, Париж, Виена и Прага.

Работата на руските композитори от края на 19 - първата половина на 20 век е неразделно продължение на традициите на руската школа. В същото време концепцията за подход към „националната“ принадлежност към тази или онази музика се е променила, практически няма пряк цитат на фолклорни мелодии, но остава интонационната руска основа, руската душа.

4. Четвъртият период: „Сребърен век“ в руското музикално изкуство (1890-те - 1917 г.)

Краят на 19 и началото на 20 век за руската музика протича в сблъсъците на антагонистични тенденции, които изглеждат непримирими и взаимно изключващи се. Културните тенденции на „сребърната ера“ коренно промениха облика на музикалното изкуство. Композиторите - „традиционалисти“ от сребърната епоха бяха А. К. Глазунов (1865-1936), А. К. Лядов (1855-1914), С. И. Танеев (1856-1915), както и по-малко известни, но талантливи автори - КАТО. Аренски, V.S. Калиников, М.М. Ippolitov-Иванов.

Младите композитори-новатори на „Сребърната ера“ бяха символистът А. Н. Скрябин, неокласицистът Н. К. Метнер, неоромантикът С.В. Рахманинов, нео-фолклорист И.Ф. Стравински, кубофутурист S.S. Прокофиев.

Откритията им в областта на модера, хармонията, формата допринесоха за формирането на нови образности и средства за художествена изява в музиката на 20 век.

Значителни промени настъпиха и в областта на руската църковна музика. Композиторите на петербургската и московската композиторска школа използваха автентични стари мелодии на знаменния песен. Композициите им бяха предназначени както за шибано преклонение, така и за концертно изпълнение. Новият стил на свещена музика се развива бързо и плодотворно. Композиторите внимателно изучават старите песнопения, опитвайки се на тяхна основа да подчертаят принципите на хармонизиране на църковните мелодии.

Най-големите представители на църковната музика от онова време са S.V. Смоленски, С. В. Рахманинов, А. Т. Гречанинов, А. Д. Касталски и др. Наричат \u200b\u200bги „Училището на Синодалната школа“.

6. Александър Николаевич СКРЯБИН (1872 - 1915)

Александър Николаевич Скрябин е руски композитор и пианист, музикален символист, „идеалист-мистик“, една от най-ярките личности на руската и световната музикална култура.

Оригиналното произведение на Скрябин се открояваше с иновациите си дори на фона на раждането на много нови тенденции в изкуството в началото на 20-ти век.
Скрябин проявява изключителни музикални способности още от детството. Докато учи в кадетския корпус, той взема частни уроци по пиано, след като завършва корпуса, той постъпва в Московската консерватория, негов състудент е С. В. Рахманинов.

Художественият стремеж на Скрабин до голяма степен се определя от поетите символисти, както и от съвременните философски и мистични учения. Думите „Ще кажа на хората, че са силни и могъщи“ станаха творческото мото.

Скрябин създава свой собствен музикален свят и не търси подкрепа в артистичния опит на своите предшественици.

Той се интересувал от търсещия Бог и космическата божествена същност на човека. Горещото желание да проумее хармонията на два свята в музиката му поражда импулси към грандиозния, универсален, макроскопичен и в същото време желанието да се задълбочи в „микрокосмоса“ на човешката душа, в нейния подсъзнателен основен принцип. Със Scriabin в музиката се появи мистерия. Преди него в руската музика всъщност нямаше мистика.

Скрябин - Циолковски в музиката. Той беше първият, който „излезе“ в космоса.

В своите творби той се стреми да предаде света на нестабилните и изискани човешки преживявания.

Скрябин беше идеалистичен мечтател. През цялата си кариера Скрябин беше привлечен от идеята за синтеза на изкуствата. В Поемата на огъня, известна още като Прометей (1910), в която той съчетава звук и цвят.

Остро наясно с противоречията на своето трудно време, Скрябин мечтаеше за всеобщата хармония на човечеството. Неговата съкровена мечта беше храм в Индия на брега на планинско езеро за постановка на нереализирана творба „Мистерии“.

„Не гледаше - да се забавлява за миг,

За утеха и пленяване на мелодии;

Мечтаеше за най-високото: да прослави Божественото

И осветявайте дълбините на духа със звуци. "

В. Я. Брюсов

Скрябин вярвал в божествената сила на творчеството и в света на художника-създател, водещ човечеството към щастието. Неговата „Мистерия“ е опит за трансформиране на човечеството с помощта на магията на изкуството.

Композиторът композира, като че ли, „чрез докосване“, чрез променливи, неуловими и не подлежащи на рационален анализ на усещанията. Музиката на Скрабин е изпълнена с изтънчен ритъм, нетонални „скитания“, текстура, обвити в мъгла от хармонични фигури.

Композиторът работи над него повече от десет години. Той разбираше, че поема най-трудната задача, но вярваше в осъществяването на велик духовен акт. Първоначалното въплъщение на „Мистерията“ се нарича „Предварително действие“. Това е грандиозно катедрално представление или Служба, в която участва цялото човечество. Музиката от предварителната акция е оцеляла само в фрагменти (40 листа груби скици). Той представляваше основния компонент на синтетичния акт, включващ „симфония“ на звуци, аромати, цветове, танци, шествия, движеща се архитектура, лъчи на залязващото слънце, ритуално облекло на участници - изпълнители и зрители.

Храмът в Древна Индия, където трябвало да се проведе „Мистерията“, е бил замислен от композитора като гигантски олтар, извисяващ се над Земята. Скрябин сериозно се опита да реализира замисления проект и дори, според някои източници, договори покупката на поземлен парцел в Индия за изграждането на храм. Мислейки за „Мистерията“, композиторът каза: „Не искам реализирането на нищо, а безкраен възход на творческа активност, който ще бъде предизвикан от моето изкуство“.

Най-големите творби на Скрябин включват Поемата за екстаз (1907). Това велико дело е химн на всепобеждаващата сила на човешкия дух. Разказва как човешката душа преминава по трудния път от неясни предчувствия и тревожност до най-висшата духовна радост, добивайки огромна сила и енергия.

Стихотворението е наситено с напрегнатата атмосфера на първата руска революция, с предчувствия за предстоящи бедствия. Поемата за екстаз за първи път е изпълнена в Русия през 1909 г. Това е огромен успех. За единадесети път възпитаник на Московската консерватория беше удостоен с наградата на Глинка.

Скрябин не забеляза човешки тревоги, тревоги и светска суета. Композиторът създаде специален свят на музикалната изява, изпреварвайки времето си, предчувствайки много новости в изкуството на 20 век.

По-нататъшната съдба на композитора беше трагична: на 44-годишна възраст той внезапно почина от отравяне на кръвта. Много съвременници са отговорили на смъртта на Скрябин, включително известният поет В. Я. Брюсов:

Металът на мелодиите, които той се осмели да разтопи

И исках да излея нови форми;

Той неуморно копнееше да живее и живее,

Да се \u200b\u200bиздигне завършен паметник ...

Скрябин е автор на деветнадесет стихове за пиано, три симфонии, концерт за пиано и оркестър, десет сонати, мазурки, валсове и етюди. Всяко парче отразяваше ненадминатия талант и умение на композитора.

За щастие думите на поета бяха предопределени да се сбъднат: Скрябин беше и остава „звезда от първа величина“ в световната музикална култура.

Съдбата на композитора беше трагична: на 44-годишна възраст той неочаквано почина от отравяне на кръвта.

Цитатът на А. Н. Скрябин: „Ще им кажа (хората), че ... не очакват нищо от живота, освен онова, което могат да създадат за себе си ... Ще им кажа, че няма какво да скърбя, че няма загуба За да не се страхуват от отчаянието, което само по себе си може да породи истински триумф. Силен и силен е този, който изпита отчаянието и го победи. "

Цитат за А. Скрябин: "Работата на Скрябин беше неговото време, изразена в звуци. Но когато временната, преходната намира своето изражение в творчеството на велик художник, тя придобива постоянен смисъл и става постоянна." Г. В. Плеханов

7. Сергей Василиевич Рахманинов (1873 - 1943)

Работата на Сергей Василиевич Рахманинов (1873-1943), също възпитаник на Московската консерватория, завършил със златен медал, спечели не по-малка известност. За разлика от символиста Скрябин, Рахманинов през ХХ век остава най-руският композитор и романтик със световно значение. Той успя да съчетае музикалните традиции на московската и петербургската композиторски школи.

Роден в провинция Новгород, на четиригодишна възраст започва да учи музика под ръководството на майка си. Учи в консерваторията в Санкт Петербург, след 3 години обучение се прехвърля в Московската консерватория и завършва с голям златен медал. По времето, когато завършва консерваторията, той вече е автор на няколко творби, сред които са известната прелюдия на камбаната в остра минор, Първият концерт за пиано и операта Алеко.

На двадесет години ентусиазирана публика го аплодира в концертни зали. Негови почитатели бяха Л. Н. Толстой, А. П. Чехов, И. Е. Репин, К. С. Станиславски, Ф. И. Шаляпин, М. Горки, много поети от сребърната епоха. Но животът на Рахманинов не изглежда спокоен и ведър: той знаеше не само възходи, но и падения.

Решителен и доминиращ в представянето и творчеството, Рахманинов по природа беше уязвим човек, често изпитвайки самосъмнение. Големият шок, причинен от провала на Първата му симфония през 1897 г., доведе до творческа криза. В продължение на няколко години Рахманинов не композира нищо, но изпълнителската му дейност като пианист се засили и се проведе дебютът му като диригент.

Рахманинов беше особено известен със своите пиано композиции. Най-известното произведение е Вторият концерт за пиано (1901 г.), който разкри най-добрите черти на композиторския му талант. Произведение на „необикновена, невероятна красота“ (С. Прокофиев). За тази работа Рахманинов е удостоен с наградата на Глинка през 1904г.

Новият стил на неговата музика органично обединява руската църковна песен, заминаващия европейски романтизъм, модерен импресионизъм и неокласицизъм.

През 1909 г. той съставя своя блестящ Трети концерт за пиано.

Многостранният талант на Рахманинов се проявява в много музикални жанрове. Той създава две опери („Коварният рицар“ и „Франческа да Римини“), вокално-симфоничната поема „Камбаните“ (1913 г.), сонати, импровизирани актове и прелюдии. Той също така композира свещена музика, датираща от староруските знаменни песнопения (Литургия на Йоан Златоуст, 1909 г. и Всенощно бдение, 1915 г.).

Рахманинов е свидетел на две световни войни и две руски революции. Той ентусиазирано приветства краха на царския режим, но не прие октомврийския преврат.

В края на 1917 г. Рахманинов и семейството му са принудени да напуснат Русия, както се оказа, завинаги. Той живееше в Съединените щати повече от четвърт век и този период беше изпълнен предимно с изтощителна концертна дейност, подчинена на жестоките закони на музикалния бизнес.

Първите години от престоя на Рахманинов в чужбина не оставиха мисълта да загубя творческото си вдъхновение: "Напуснал Русия, загубих желание да композирам. Изгубил родината си, загубих себе си." Само 8 години по-късно, след като заминава в чужбина, Рахманинов се завръща към творчеството, създава Четвъртия концерт за пиано, Третата симфония, „Симфонични танци“. Тези произведения са последният, най-високият възход на Рахманинов. Опечаленото чувство за непоправима загуба, горящият копнеж за Русия поражда изкуството на огромна трагична сила, което достига своя апогей в симфоничните танци. Така през цялото творчество на Рахманинов носи неприкосновеността на своите етични принципи, високата духовност, лоялността и трайната любов към Родината, които са били въплътени в неговото изкуство.

Всички 25 години емиграция той силно се интересуваше от случващото се в родината му. По време на Великата отечествена война композиторът неведнъж превежда средства от концертите си в подкрепа на Червената армия. Днес творбите на Рахманинов се изпълняват в много концертни зали у нас, в негова чест се провеждат музикални конкурси и фестивали няколко пъти.

С. В. Рахманинов почина в Бевърли Хилс от рак на гръбначния стълб.
Цитат за С. В. Рахманинов:
"Рахманинов е създаден от стомана и злато. Стоманата е в ръцете му, златото е в сърцето му. Не мога да го мисля без сълзи. Не само се покланях на великия художник, но обичах човека в него." I. Хофман
"Музиката на Рахманинов е Океанът. Неговите вълни - музикални - започват толкова далеч отвъд хоризонта, и те повдигат толкова високо и толкова бавно те спускат ..., че усещаш тази Сила и Дишане." А. Кончаловски
Цитатът на В. В. Рахманинов:
„Чувствам се като призрак, скитащ самотен в чужд свят“.
"Най-високото качество на всяко изкуство е неговата искреност."
"Големите композитори винаги и преди всичко обръщаха внимание на мелодията като водещ принцип в музиката. Мелодията е музиката, основната основа на цялата музика ... Мелодичната изобретателност в най-високия смисъл на думата е основната житейска цел на композитора ... поради тази причина големите композитори от миналото проявиха толкова голям интерес към фолклорните мелодии на своите страни “.
Музикологът Б. Асафиев нарече С. Рахманинов „човек с вечно ранено сърце“.
Интересен факт: по време на Великата отечествена война Рахманинов дава няколко благотворителни концерта, събраните пари от които изпраща във фонда на Червената армия за борба с нацистките нашественици.

Калинников Василий Сергеевич (1866-1901). Вероятно най-непродуктивният композитор в света. През краткия си живот той успява да напише две симфонии, още 4 малки оркестрови творби, 8 романса и 4 миниатюри за пиано. Това е практически всичко, без да се броят няколко незавършени или непубликувани творби. Въпреки това той успя да се „пробие“ до музикалния Олимп благодарение на своята Първа симфония, която придоби популярност в целия свят. Това се дължи преди всичко на мелодичния дар на композитора, който намери отзвук в сърцата на любителите на музиката на всички континенти. Строго погледнато, щастлива мелодична находка - страничната част на първото движение вероятно играеше решаваща роля тук. Този факт ни кара да си спомним криптовалутата на Стравински: „Мелодията е най-достъпната за възприятие и най-малко достъпна като дар“, изглежда така. Композиторът беше поразен от зло консумация, но тежката болест не се отрази на музиката му, която почти винаги беше весела и весела.

8. Игор Фьодорович СТРАВИНСКИ (1882-1971)
Игор Фьодорович Стравински (1882-1971) влезе в историята на световната музикална култура като смел новатор, един от най-влиятелните световни композитори на 20-ти век, лидер на неокласицизма, променящ собствения си път в изкуството.

Пътят на Стравински в музиката - от романтизъм и импресионизъм до неокласицизъм, додекафония, авангардна музика.

През последните години от живота си той силно се интересува от изкуството на джаза и постиженията в областта на електронната музика.

Игор Федорович Стравински се превърна в „огледало“ на музикалната епоха на ХХ век, неговото творчество отразява множество стилове, постоянно пресичащи се и трудно класифициращи се. Той свободно комбинира жанрове, форми, стилове, избирайки ги от вековната музикална история и ги подчинява на собствените си правила.
Роден близо до Санкт Петербург, учи в Юридическия факултет на Санкт Петербургския университет, самостоятелно изучава музикални дисциплини, взема частни уроци от Н. А. Римски-Корсаков. Това беше единственото композиторско училище на Стравински, благодарение на което той усвои композицията до съвършенство. Срещата със С. П. Дягилев през 1909 г. до голяма степен определя по-нататъшната лична и творческа съдба на композитора.

Той започва да композира професионално сравнително късно, но възходът му е бърз - серия от три балета: „Огнената птица“ (1910 г.), „Петрушка“ (1911 г.) и „Обредът на пролетта“ (1913 г.) веднага го извежда в редиците на композитори от първа величина. Стравински се обърна към праотците и взе езическата, древна Русия за основа на националната руска музика през 20 век.

Премиерата на балета Firebird в Парижката гранд опера през 1910 г. бележи началото на световната слава на Стравински. Музиката впечатли с великолепието на оркестровите звуци, необичайните ритми и изобилието от приказни символи. Най-известният номер от балета - „Гнилият танц на царството на Кащеев“ - гротескно изображение на злото и насилието.

Година по-късно - нов балет „Петрушка“. Стравински насочи основното си внимание към дълбоката психологическа драма на любимия народен герой Петрушка, безнадеждно влюбен в глупавата балерина, която предпочита фалшивата Арап. Стравински блестящо разказа за страданията на главния герой, мил, пакостен и никога не обезкуражен, на езика на музиката.

Финалната сцена на сбогуването на Петрушка с живота беше особено поразителна. Невероятна находка на композитора бяха рязките флейти „ридаене“, „издишване“ и странният звук на хвърлен на пода тамбур. Доскоро необузданата танцуваща тълпа замръзваше преди умиращите. В трагичния момент на заминаването на душата на Петрушка към един по-добър свят звучи невероятна музика, предавайки тръпката от преминаващ живот. Ехото на щанда на Масленица и пронизителната фенра на възродената Петрушка завършват действието.

Съавтори на Стравински в това произведение са хореографът М. М. Фокин (1880-1942) и либретистът, художник А. Н. Бенойс. Тамара Карсавина и Вацлав Нижински изиграха главните роли. Балетът „Петрушка“ се превърна в ярко събитие в руските сезони на С. П. Дягилев.

Премиерата на третия, също толкова известен балет „Обредът на пролетта” (1913 г.) предизвика нечуван скандал в Париж. По-късно авторът припомни:

„Когато завесата се издигна и на сцената се появи група скочила Лолитас с усукани колене и дълги плитки… избухна буря. Зад мен се чуха викове "Затвори гърлото! .." Излязох от залата яростно. "

Поглезеното ухо на публиката, свикнало със сладки и мрачни звуци, чуло извънземно езическо стихие. Неслучайно балетът е имал подзаглавието „Снимки на езическата Рус“. Стравински се опита да пресъздаде в музика девствената строгост на обичаите на езическите племена, начело с най-възрастния-мъдър. Интензивните дисонанси, сложните ритми и неочакваните контрасти бяха предназначени да предадат вълшебната сила на заклинанията на природата, пролетни гадания, древния обред на Целувката на Земята, великолепието на Избрания. Движенията и жестовете на актьорите, които отказаха техниките на класическия балет, бяха тежки и ъглови.

Няколко години по-късно „Обредът на пролетта“, изпълнен като симфонично произведение, предизвика буря от аплодисменти от публиката и се превърна в световен хит в съвременната музика.

През 1914 г. Стравински окончателно напуска Русия, както се оказа почти завинаги (през 1962 г. в СССР имаше кратки турнета). Стравински е космополит, принуден да смени няколко държави - Русия, Швейцария, Франция, в крайна сметка той остана да живее в САЩ.

Работата му е разделена на три периода - „руски“, „неокласически“, американски „масово производство“, периодите са разделени не от времето на живот в различни страни, а от „почерка“ на автора.
Стравински беше много високо образован, общителен човек, с голямо чувство за хумор. Неговият кръг от познати и кореспонденти включва музиканти, поети, художници, учени, бизнесмени, държавници.
Последната творба на Стравински - Реквием (Мемориални песнопения) (1966), усвоява и съчетава предишния художествен опит на композитора, превръщайки се в истинска апотеоза на творчеството на майстора.
Една уникална особеност се откроява в творчеството на Стравински - „неповторимост“, не е за нищо, че той беше наречен „композитор на хиляда и един стил“, постоянната промяна на жанра, стила, посоката на сюжета - всяко негово произведение е уникално, но той постоянно се връщаше към конструкции, в които човек може да види руски произход, т.е. Руски корени.

Цитат на И.Ф. Стравински: „Аз цял живот говоря руски, сричката ми е руска. Може би в моята музика това не се вижда веднага, но му е присъщо, то е в неговата скрита природа “.

Цитат за И.Ф. Стравински: „Стравински е истински руски композитор ... Руският дух е неизменим в сърцето на този наистина голям, многостранен талант, роден от руската земя и тясно свързан с него.“ Д. Шостакович

Интересен факт (мотор):
„Веднъж в Ню Йорк, Стравински взе такси и се изненада да прочете името му на табелата.
- Не сте роднина на композитора? - попита той шофьора.
- Има ли композитор с такова фамилно име? - изненада се шофьорът. - Чувам го за първи път. Стравински обаче е името на собственика на таксито. Нямам нищо общо с музиката - казвам се Росини ... "

9. АЛЕКСАНДЪР КОНСТАНТИНОВИЧ ГЛАЗУНОВ
(1865-1936)

Синът на петербургски издател на книги. От ранно детство взема уроци по пиано, а след това постъпва в консерваторията в класа по композиция, ръководен от Римски-Корсаков.

На шестнадесетгодишна възраст Глазунов пише първата си симфония. Особено голяма помощ му оказва музикалният издател Беляев, който организира концерти, на които са изпълнени творбите на младия композитор. Приятелските отношения с „Могъщата шепа“ и П. И. Чайковски също му помогнаха много.

От 1884 г. творбите на Глазунов са признати не само в Русия, но и в чужбина. През 1899 г. той приема длъжността професор по инструментация в консерваторията в Санкт Петербург.

През 1905 г., в знак на протест срещу отстраняването на Римски-Корсаков, Глазунов подаде оставка от този пост.

През 1907 г. композиторът е удостоен с почетното звание доктор на университетите в Кеймбридж и Оксфорд.

След Октомврийската революция Глазунов, едновременно с творческа дейност, предприема широки организационни и популяризационни дейности. До 1928 г. той е директор на Ленинградската консерватория. През 1929 г. композиторът предприема турне из Европа и Северна Америка, посещава и Полша.

Глазунов умира през 1936 г. в Париж, където заминава за лечение.

Художественото наследство на Глазунов се състои от осем симфонични стихотворения, балети (включително Raymonda, The Seasons), увертюри, концерти за цигулка, пиано концерти, множество симфонични, камерни, пиано и вокални произведения.

Музиката му се характеризира с изключителна мелодичност, класическа яснота на формата, черти на националния „руски дух“. По своето органично съчетание от чисто руски и западноевропейски елементи тя е близка до музиката на Чайковски и Римски-Корсаков. Глазунов не беше съблазнен от модните иновативни тенденции. На първо място той си постави задачата да създава произведения на високо художествено ниво. И точно тази особеност на неговото творчество поставя Глазунов в челните редици на руските композитори.

През 20-ти век руската, съветската и по-късно руската музика са повлияни от два много важни глобални фактора:

Взаимно проникване и смесване на култури на различни народи, така да се каже, "културна глобализация"

Появата на нов музикален език, изобретен от австрийския композитор Шьонберг (1874-1951) - додекафония.

Принципът, присъщ на този език (не можеш да повториш нота, докато останалите единадесет не са изсвирени), даде възможност, от една страна, да се създаде напълно уникална мелодия (не повторена от никой друг композитор), но от друга страна, доведе до обезличаването на мелодията, загубата на някои или „разпознаване“ и връзка с националната музика.

10. Сергей Сергеевич ПРОКОФИЕВ (1891-1953)

Сергей Сергеевич Прокофиев е един от най-големите руски композитори на 20 век, пианист, диригент.
Роден в района на Донецк в семейството на агроном. От дете се присъединява към музиката. Прокофиев е единственият руски музикален „блудник“, от 5-годишна възраст учи композиция, на 9-годишна възраст той написа две опери (разбира се, тези произведения все още са незрели, но показват желание за творение), на 13-годишна възраст той изпитва изпити в консерваторията в Санкт Петербург.

Сред неговите учители беше и Н.А. Римски-Корсаков. Началото на професионалната му кариера предизвика буря от критики и неразбиране на неговия индивидуален, коренно антиромантичен и изключително модернистичен стил.

Парадоксът обаче беше, че след като съсипа академичните канони, структурата на неговите композиции остана вярна на класическите принципи и впоследствие се превърна в сдържащата сила на модернистичния всеотричащ скептицизъм.

След като завършва Петербургската консерватория през 1914 г., той решава да изиграе свой собствен първи концерт пред изпитната комисия. Музиката завладя публиката, а Прокофиев получи грамота с отличие и наградата А. Г. Рубинщайн (великолепно роял като подарък).

От самото начало на кариерата си Прокофиев се представя и гастролира много. През 1918 г. той заминава на международно турне, включително посещава СССР и накрая се завръща в родината си през 1936 година. В чужбина той композира оперния балет „Любовта към три портокала“.

Страната се промени и „свободното“ творчество на Прокофиев беше принудено да се поддаде на реалностите на новите искания. С течение на времето той успя да намери общ език с нови слушатели, да разработи в работата си нови музикални форми, които да съответстват на естетическите вкусове на новото общество. Талантът на Прокофиев разцъфтя с нова сила - той пише опери, балети, музика за филми - остра, волна, изключително точна музика с нови образи и идеи, постави основата на съветската класическа музика и опера.

Въпреки ясно изразеното желание да съчетае музиката с идеологията на съветската държава, Прокофиев, лауреат на шест Сталински награди, винаги е останал себе си, човек с твърд и независим характер.

През 1948 г. три трагични събития се случват почти едновременно:

1. по подозрение в шпионаж първата му испанска съпруга е арестувана и заточена в лагерите;

2. е издадена Резолюцията на Полибуро на ЦК на ВКП (б), в която Прокофиев, Шостакович и други са били нападнати и обвинени в „формализъм“ и вредата от тяхната музика;

3. имаше рязко влошаване на здравето на композитора, той се оттегли на дачата и на практика не я напусна, но продължи да композира.

Оперите "Война и мир", "Историята на истински човек" станаха епохални композиции в историята на съветската музика; балети "Ромео и Жулиета", "Пепеляшка", "Приказката за каменното цвете", с фантастични музикални преходи. които се превърнаха в нов стандарт на световната балетна музика; музика за филмите "Александър Невски" и "Иван Грозни"; симфонии № 5,6,7; пиано работи. Въпреки това повечето помнят само музикалната му приказка "Петя и вълкът".

Прокофиев умира през 1953 г. в Москва, в същия ден като Сталин.
Сергей Прокофиев пише странно, за разлика от друга музика. Творчеството на Прокофиев е поразително в своята многостранност и широчина на темите, оригиналността на неговото музикално мислене, свежест и оригиналност съставлява цяла епоха в световната музикална култура на 20 век и оказва мощно влияние върху много съветски и чуждестранни композитори.

Цитат на С. С. Прокофиев:
"Може ли художник да стои настрана от живота? .. Придържам се към убеждението, че композитор, подобно на поет, скулптор, художник, е призван да служи на хората и хората ... Той, на първо място, трябва да бъде гражданин в своето изкуство, да пее възхвалите на човешкия живот и да води човек към по-светло бъдеще ... "
„Аз съм проява на живота, което ми дава сили да устоя на всичко бездуховно“

Цитат на SS Prokofiev: "... всички страни на музиката му са красиви. Но тук има едно напълно необичайно нещо. Всички изглежда имаме някои неуспехи, съмнения, само лошо настроение. И в такива моменти , дори да не свиря или да слушам Прокофиев, а просто мисля за него, получавам невероятен заряд от енергия, изпитвам голямо желание да живея, да действам "Е. Кисин

Интересен факт: Прокофиев много обичаше шаха и обогати играта с идеите и постиженията си, включително измисления от него шах "девет" - дъска с размери 24х24 с девет комплекта парчета, поставени върху нея.

10. Дмитрий Дмитриевич ШОСТАКОВИЧ (1906 - 1975)

Дмитрий Дмитриевич Шостакович е един от най-значимите и изпълнявани композитори в света. Това е Бетовенът на наши дни. Неговото влияние върху съвременната класическа музика е неизмеримо. Неговите творения са хроники на трудни събития от 20 век, трагедията на човека и човечеството.
Роден в Санкт Петербург, получи първите си музикални уроци от майка си, завършил е Консерваторията в Петербург, при допускането до който ректорът й Александър Глазунов го сравнява с Моцарт - така той впечатли всички с прекрасната си музикална памет, деликатното ухо и композиторския дар.

Първата симфония (1926), написана от деветнадесетгодишен възпитаник на Ленинградската консерватория, порази публиката със своя оптимизъм и свежест на звука. Стана ясно, че в Русия се е появил композитор със световно значение. Симфонията веднага влезе в репертоара на руски и чуждестранни диригенти.

Световната слава дойде при Шостакович, след като спечели І Международен конкурс за Шопен през 1927 година.
Дмитрий Шостакович живя в труден момент - когато се промени правителството, промени се моралът, промени се и отношението към неговите произведения. Например, днес работата беше посрещната с гръм - и утре беше освиркана.

Преди да постави операта лейди Макбет от квартал Мценск, Шостакович работи като художник-авангард на свободна практика, експериментирайки със стилове и жанрове. Суровото разпространение на тази опера, подредено през 1936 г., и репресиите от 1937 г. бележат началото на последващата постоянна вътрешна борба на Шостакович за желанието да изрази възгледите си със собствени средства в условията на тоталитарна държава.

В неговия живот политиката и творчеството са много тясно преплетени, той е хвален от властите и преследван от тях, заемал е високи длъжности и е отстранен от тях, награден е и е на прага на арестуването на себе си и на близките си.
Нежен, интелигентен, деликатен човек, той открива собствената си форма на изразяване на творчески принципи в симфонии, където може да говори истината за времето възможно най-открито. От цялата обширна творба на Шостакович във всички жанрове, неговите 15 симфонии заемат централното място. Най-драматични са 5,7,8,10,15 симфонии, които се превърнаха в върха на съветската симфонична музика.

За половин век творчество Шостакович създава произведения в почти всички музикални жанрове: 15 симфонии, 15 квартета, две опери („Носът“ и „Лейди Макбет от окръг Мценск“), три балета („Златният век“, „Болт“ и „Светъл поток“) ), шест инструментални концерта, цикли от романси, колекции от клавирни прелюдии и фуги, кантати, оратория (Песен на горите).

Специално място в творчеството на композитора беше заето от музика за филми и драматични спектакли. Дори в следреволюционен Петроград Шостакович работи като пианист в малки кина, импровизирайки на пианото по време на демонстрацията на нями филми. Когато ерата на филмовата музика започва през 1928 г., той с радост идва в киното, където създава редица блестящи музикални композиции за филмите "Трилогия на Максим", "Иван Мичурин", "Среща в Елба", "Млада гвардия", "Падането на Берлин" , "Gadfly", "Hamlet", "Cor

РУСКА МУЗИКАЛНА КУЛТУРА НА ХІХ ВЕК

ПОЛОВА НА ХІХ ВЕК

Исторически произход. Царството на Александър I, войната с Наполеон, въстанието на декабристите и почти 30 години реакция, Николай I. Така ерата на социалния подем се заменя с ерата на реакцията. Това се отразява във всички форми на изкуството, класическите тенденции постепенно се заменят с романтични.

В литературата - първо Пушкин и неговите съвременници: Делвиг, Жуковски, Язиков, Баратински, поетите на декабристите. През 30–40-те години - критичните статии на Лермонтов, Гогол, Белински.

В живописта, в дълбините на класицизма, романтизмът се ражда и процъфтява (Карл Брюлов - „Последният ден на Помпей“).

Архитектура и приложни изкуства - късен класицизъм, империя (империя - епохата на Наполеон).

В музиката първите 20 години в традицията на 18 век. В ерата на националния подем ролята на операта винаги се увеличава. Музикалният театър от този период постепенно се развива и до 20-те години вече съществуват различни жанрове:

1) Драма или трагедия с музика (Козловски, Титов, Давидов).

2) Водевил (от времето на Френската революция) е лека комедия с куплети (Алябиев, Варламов, Верстковски).

3) Историческа опера (италианецът Катерино Кавос написа операта "Иван Сусанин", която продължи до средата на 30-те години).

4) Фантастична опера („Леста - Днепърската русалка“, Давидов, Кавос).

5) Балет. Най-вече с чуждестранни изпълнители. Титов, Кавос, Давидов пише.

Кулминацията на първата половина на 19 век е дело на Глинка, която положи основите на руската музикална класика. Златната комбинация от тази епоха е поезията на Пушкин и музиката на Глинка.

Последният период (40-те - 50-те): по-късна работа на Глинка. Разцветът на творчеството на Даргомижски е първият връх на реализма в руската музика. Глинка и Даргомижски по свой начин изразиха романтизма на своето време.

^ Обществен музикален живот.

1) Това е разцветът на частните музикални салони в домовете на руските аристократи (например салонът на Одоевски, който беше просветлен музикант и критик на дълбоката музика; в неговия салон посетиха и изтъкнати европейски музиканти на турне, включително и Лист).

2) Серф оркестри и театри продължават да съществуват; популярна музика от Моцарт, Хайдн, Росини и т.н.

3) Галактика от руски музиканти расте.

4) През 1802 г. е открита първата концертна организация в Русия, Филхармонията. Първият период от разцвета на RMK започва, когато завършва формирането на руския класически музикален стил. Кулминацията на този период е дело на Глинка.

Руският класически музикален стил е поел различни произход:

1) руски и украински фолклор;

2) традиции на духовното хорово пеене;

3) руска градска песен и ежедневна романтика (влиянието на циганския стил на изпълнение е много важно);

4) традиционен интерес към музикалните култури на други народи: ориенталски (ориентализъм), както и полска и испанска музика;

5) традициите на виенската симфонична школа;

6) опит на италианската опера.

60-те-70-те години на 19-ти век

1) Историческа ситуация: Александър II, поражение в Кримската война, критика на автокрацията, национален възход и премахване на крепостното право (1861 г.). Водещата роля на демократичната интелигенция.

2) ^ Естетика и философия: наследници на Белински - Чернишевски и Добролюбов; идеи за популизъм, равенство, комуни. Интерес към руската история, социалните проблеми, живота на хората.

3) Литература: златният век - Достоевски, Тургенев, Толстой, Островски, Салтиков-Щедрин, кръгът на списание „Съвременник“. Разцветът на реализма в литературата. Дълбока психология и социални теми, сатира.

4) ^ Изобразителни изкуства: подобен набор от теми. Съществува опозиция към Академията на изкуствата - артела на петербургските художници, която стои на принципите на реализма. От 70-те години. има "Асоциация на пътуващите изложби": Крамской ("Непознат"), Перов ("Тройка", "Ловци на почивка"), Репин ("Иван Грозният и неговият син Иван", "Барджийски владетели на Волга"), Васнецов ("Альонушка") , „Герои“), Суриков („Бояриня Морозова“, „Утро на екзекуцията на стрелец“), Саврасов („Скалите са пристигнали“), пейзажи на Шишкин, Куинджи.

5) Наука: изключителни открития в естествознанието. Сеченов, Тимирязев, Менделеев. Музикална наука - Стасов, Серов, Куй, Ларош.

6) ^ Видни изпълнители: братя Рубинщайн; Г. Виенявски, Л. Ауер - скрипа-чи. К. Ю. Давидов - диригент и виолончелист. Е. Ф. Направник - композитор и диригент. Осип Петров, Ю. Ф. Платонова и др.

7) ^ Обществен музикален живот: от частни салони до масови и демократични форми. Филармонично дружество. Придворният певчески параклис продължава да работи. През 1859 г. в Санкт Петербург, а година по-късно в Москва, RMO е открит. Основан е от Антон Рубинщайн. Консерваториите са открити на базата на РМО: през 1862 г. - в Санкт Петербург, през 1866 г. - в Москва. За първи път в Русия музикантите получават висше професионално образование. От друга страна, Балакирев отваря (с помощта на Стасов и Ломакин) безплатно музикално училище за масите и концертите. Тези 2 училища са в опозиция (консерваториите са подкрепени от императора). Балакирев дирижира много, включително в страните от Източна Европа, което укрепва славянските връзки. Най-големите музиканти на Европа идват в Русия: Шуман, Лист, Вагнер, Берлиоз. Композиторите от този период изучават RNP с голям интерес, редактират и публикуват колекции (Балакирев, Римски-Корсаков, Чайковски).

8) ^ Основни музикални асоциации и основни композитори:

Балакиревски кръг (Нова руска музикална школа - „Могъща шепа“). В Европа го наричат \u200b\u200b„петте“. Продължаване на традициите на Глинка и Даргомижски + интерес към руската история, фолклор, както и демократични идеи. Основните членове на „Могъщата шепа“: Балакирев, Мусоргски, Куй Римски-Корсаков, Бородин (Гусаковски, Ладиженски, Щербачов също се присъединяват за известно време). Стасов е идеологически вдъхновител-новатор, изключителен арт критик. Той помагаше на работата на кръга, подкрепяше млади композитори, снабдяваше ги с литературни и исторически материали за работа върху опери.

Кръгът на Антон Рубинщайн - РМО, консерватория и преподаватели. Те се стремяха да доближат руската музика до западноевропейските традиции.

Серов е композитор, публицист, анализатор.

Художествен кръг с ръководител Н. Рубинщайн, драматург Островски, критик Одоевски + артисти от Малий театър. Младият Чайковски се присъедини към тях. Той пише музика за представленията „Гръмотевична буря“, „Снежна девойка“ (Москва).

9) ^ Основни музикални жанрове: 1. Песента и романсът се развиват, психологизмът се задълбочава, музикалният език се усложнява, социалната тема заема важно място (Мусоргски). 2. Опера: преобладават 3 основни направления - историческа, лирико-психологическа и комична. 3. Балетът преживява прераждане в творчеството на Чайковски. 4) Симфонична музика - „Могъщата шепа“ развива фолклорно-жанрова и епична симфония.

„Раек“ - музикална шега (1870 г., думи на Мусоргски).

Посветен на Стасов (той даде идеята). Жанрът е музикален памфлет. Галерия от пародии.

№ 1, Заремба е старомоден и консервативен теоретичен професор, директор на консерваторията в Санкт Петербург. Музиката е имитация на оратория Макаби на Хендел; „Moll-tone е грехът на предците, dur-tone е изкуплението на греха.“

# 2, Ростислав - критик и композитор Теофил Толстой (Мусоргски съкращава името си до "Fif") Беше слаб критик, но беше и фен на италианската опера. Музика - пародия на Paton - салон валс.

№ 3, музикален критик Фоминцев. Стасов противоречиво с него в пресата (оттук и алюзията за „неприлично петно“). Мусоргски го представи в „класиката“.

№ 4, композитор и критик Серов. Тук Мусоргски цитира фанфари от своята „Рогнеда“, като намеква за възхищението си от Вагнер. Серов се възмути в пресата, че не му е предоставено безплатно място на концертите на РМО, че Берлиоз не го покани на вечеря, която той даде на „Могъщата шепа“, че не е назначен за директор на РМО.

Тогава появата на Евтерпе - алюзия за великата херцогиня Елена Павловна, която покровителства РМО и консерваторията, а също така подкрепя музикалното критическо списание „Серов“.

№ 5, химн на Музата - всички пеят заедно (№ 1 - № 4) по темата на „Песен на глупака“ от „Рогнеда“. Същността на иронията: всички се надяват на субсидии (прославянето на Еутерпа не е безкористно).

• Конспект за урока по литературно четене "приказка ashik kerib" За какво е турската приказка ashik kerib
• Тест "алени платна" Задачите тестват кръстословици върху алените платна на зеленото
• D.G. Левицки. церемониален портрет. Волошин максимилиан Александрович церемониални портретни примери
• Руската живопис на тенденциите в сребърната епоха в рисуването на сребърния век на руската култура
• Презентация по темата "Аркадий Гайдар" Изтеглете презентационната биография на Ет Гайдар
• Презентация „Ранни романтични произведения A
• Състав гръмотевична буря Животът на Катерина в родителския дом Относителната свобода на Катерина
• Какви илюстратори на творбите на Пушкин знаете
• Салтиков Щедрин презентации
• Само „Хардкор“: как режисьорът Иля Найшулер си проправи път в Холивуд Как и защо премина от музика към режисура

• Франк Гери проектира музея Гугенхайм в Абу Даби, за да започне строителството скоро
• Мария Александровна туркменбаева е известна като мариам
• "Panda, panda, panda, rrr": посрещнете най-силния рап новобранец на сезона
• Зинаида Серебрякова: биография и снимки
• Незаконният син на Андрей Губин - Максим Кваснюк
• Ролята и значението на изкуството в човешкия живот
• Тайните жестове на масони и илюминати, които се покланят на илюминатите
• Експедиция до сенчестата имение Изглед отстрани
• Как наистина трябва да изглежда героите от Game of Thrones (снимка) The Wolf of Wall Street - брокер Джордан Белфорт
• Fonbet - за тези, които знаят как да залагат на спорт