Картины художника клода моне с описанием. Самые известные картины мане
Очень часто этого художника путают с его собратом по искусству Эдуардом Мане. Оба они художники, но весьма разного стиля… Хотя где-то даже и сходятся в своих полотнах, но всё-равно разные. Да и пути начала развития у них иные. Но всё-таки о Клоде Моне. Этот художник начинал с карикатуры. Да, с самого, пожалуй, лёгкого и не лёгкого жанра живописи. Его карикатуры появились ещё со школьной скамьи, когда он, не желая учиться, всё больше рисовал. Рисовал своих одноклассников, своих педагогов, своих соседей. Моне не оправдал надежды своих родителей, не продолжил дело отца, но зато стал знаменитым на весь Гавр, это город где он жил, благодаря своим карикатурам. Мало того, к удивлению родителей, он на этом стал зарабатывать деньги, продавая свои произведения тем, кого он изображал за двадцать франков. Карикатур было настолько много, что в местной лавке их выставляли в несколько рядов на витрине. Там же на этой витрине продавались полотна ещё одного художника – Эжен Будена. Работы этого художника напротив не ценились и даже считались вульгарными, хотя на них были всего лишь местные пейзажи. А молодого Моне бесило, что работы Будена занимали много места и он не мог побольше выставить свои. Владелец лавки много раз пытался их познакомить, но это всё никак не получалось. Но однажды это всё же случилось и вот с той поры и считается, что из карикатуриста Моне начал превращаться в живописца.
Именно Буден стал первым учителем Моне. Именно он дал ему первые навыки живописца. Научил рисовать не только карикатуры, но и просто изображать пейзажи, натюрморты, портреты. И открыл иной мир живописи, внутренний, который виден не всем.
Как-то потом практически всё удачно началось складываться. Именно Буден настоял на том, чтобы парень посетил Париж и постарался разузнать о поступление в Академию искусств. Родители Моне были и не против и не за… они колебались, но всё же разрешили сыну просто съездить на разведку… И Клод Моне оказался в Париже. И сразу же посетил выставку художников, потом и сам показал свои работы. Их похвалили, но всё же обратили внимание на некоторые недостатки. Моне решает остаться в Париже на то время, пока продержится. Родители перестали помогать, поскольку учиться сын и не собирался. Хорошо, что была тётушка, которая снабжала деньгами, а потом и вовсе фактически спасла ему жизнь, откупив от армии, где он успел подхватить «модную» болезнь – брюшной тиф. Была потом попытка поступить в Университет на факультет искусств, но ему там стало скучно и он ушёл. И попадает в студию Глейера. Там он знакомится с Базилем, Сислеем и Ренуаром. Именно эти художники впоследствии и станут костяком группы импрессионистов и вообще в целом художественного направления – импрессионизм, название этому направлению дал именно Клод Моне. И всё это началось с его полотна – «Впечатление. Восходящее солнце». Это и есть начало того, что до сих пор поражает многих и при этом вызывает достаточно много споров. Заметьте, до сих пор.
Далее, Моне не сломили личные потери. Он потерял свою первую жену, потом женившись во второй раз – потерял и эту жену. Самое губительное – потеря сына. А потом он и сам тяжело заболел, и эта болезнь грозила ему тем, что он перестанет писать картины. Двойная катаракта – болезнь вставшая на его пути, но он перенеся две операции не отказался от своего дарования и продолжал творить. И вот тут случилось неожиданное: из-за операций и изменений в глазу он стал видеть некоторые цвета в ультрафиолете. И потому некоторые цвета виделись ему совсем по-иному. До последнего дня Моне не опускал свою кисть, он писал полотна и продолжал удивлять своих поклонников своим талантом.
Алексей Васин
Творчество
Бурное развитие европейской живописи в конце 19 века спровоцировало невольный кризис жанра. Несмотря на то, что Европа тех лет подарила миру немало талантливых мастеров, общество почувствовало себя утомлённым ставшими слишком распространёнными в живописи социальными темами. Назрело недовольство и у самих художников.
Клод Моне, считающийся родоначальником французского импрессионизма, в начале своей карьеры столкнулся как с неприятием течения, начало которому он положил, так и с восторженным увлечением им. Всё началось после того, как по возвращению из Лондона, художник за один вечер создал пейзаж, на котором было изображено заходящее солнце, освещающее красными лучами море. Картину Моне назвал просто «Восход солнца. Впечатление».
Этим он хотел подчеркнуть, что попытался не зарисовать природу в точности, а передать только впечатление от того, что он испытал, глядя на восход солнца. Картина произвела неожиданный фурор. Одни критики были недовольны таким легкомысленным подходом к живописи, другие были в восторге, так как открыли для себя новый вид передачи действительности.
Импрессионизм (от французского «впечатление») характеризуется тонким подходом к отображению реальности. Зарисовывается только первое впечатление, динамичными мазками передаётся движение текстуры одежды, волос, деревьев, воды и даже воздуха. Картины импрессионистов воздушны, подвижны, полны чистых красок и нежных полутонов.
Картины Моне полностью соответствовали этому стилю. В начале 20 века художник создаёт ряд пейзажных полотен, прославивших его на многие десятилетия вперёд. К таким полотнам можно отнести «Водяные лилии», «Маннапорт», «Кувшинки», «Поле маков у Аржантея». Все эти картины написаны лёгкими мазками, передающими дыхание и ткань живой и неживой материи. Утомлённое серьёзными темами общество с благодарностью и восторгом отнеслось к простым сюжетам на картинах Моне.
Художник концентрируется на передаче настроения одного и того же места в разные времена года и суток. Тогда рождается знаменитая серия картин «Стог сена». Раз за разом обрисовывая одну и ту же тему, Моне находит новые ракурсы, новые решения в передаче реальности.
Художнику свойственно особенное восприятие и стиль передачи белого цвета. На его картинах чисто белого цвета как будто нет. Вместо него и белые кувшинки, и белая пена на волнах, и облака имеют синеватые, голубоватые и сиреневые оттенки. Моне, как и остальные импрессионисты, избегали чёрного цвета на картинах. Вместо него они использовали фиолетовые краски.
Многим картинам Моне свойственно романтично-воздушное восприятие городских пейзажей. Картина художника «Здание парламента на закате» является одной из самых дорогих картин в мире. Моне удалось запечатлеть там Лондонский парламент, окутанный знаменитым туманом и облаками.
Картины Клода Моне – своеобразное мерило художественной ценности импрессионизма. Его полотна украшают картины крупнейших мировых музеев, в том числе петербургского Эрмитажа и Музея имени Пушкина в Москве.
Игорь Чергейко
Импрессионизм
Принцип оптического смешения цветов, основанный на реально увиденных и осознанных художником явлениях природы, использован мастерами импрессионизма с большой артистической свободой. Особая выразительность фактуры их картин – не самоцель, а необходимый способ выражения этих творческих устремлений. Импрессионисты «стремились оставить в живописи следы того, как она сделана. Им нужно было, чтобы зритель не забывал, что он стоит на грани между зеркальной иллюзией и холстом, забрызганным красками, – пишет М. В. Алпатов. – Только тогда у него на глазах будет совершаться „чудо искусства”.
Своеобразное впечатление незаконченности импрессионистских картин, так смущавшее современного им зрителя, – следствие их желания запечатлеть эфемерность, подвижность, «неконстантность» видимого мира. Такой свободы и артистизма в значительной степени лишены более поздние работы неоимпрессионистов (точнее – дивизионистов) с их рациональной теорией разделения цветов и нейтрализацией почерка художника. Стремление импрессионистов «рисовать цветом», почти полное исчезновение в некоторых работах линии (рисунка) делают очень трудным, а иногда и невозможным черно-белое репродуцирование их живописи.
Импрессионисты были принципиальными противниками всякого теоретизирования. По определению Моне, искусство – это «свободная и проникнутая чувством интерпретация природы… теории не могут создать картин». Так называемая теория импрессионизма возникла позднее; она базировалась на художественных открытиях мастеров этого направления, на их способности видеть мир непосредственно, интуитивно, на присущем импрессионизму образном, непонятийном мышлении. Абсолютное доверие импрессионистов своему зрительному восприятию, их стремление писать «только то, что они видят, и так, как они видят»20 породили ценностно новую условность в искусстве. И здесь уместно вспомнить слова Ш. Бодлера, сказанные им в 1859 году, на пороге зарождающегося импрессионизма: «Подчас заведомо условное оказывается бесконечно ближе к правде, а большая часть наших пейзажистов лжет именно оттого, что старается быть слишком правдивой».
Однако по мере эволюции импрессионизма, уже с конца 1870-х годов «заведомо условное» в нём все более начинало тяготеть к декоративизму: последовательное ослабление пластических моментов в живописи (пространства и объёмности), утверждение плоской изобразительной поверхности, замена естественного цветового видения условными тональными эффектами, «фильтрующими» красочное многообразие изображаемого мира, разделение композиции по принципу сопоставления цветовых зон – качества, связывающие импрессионизм с некоторыми тенденциями искусства рубежа веков. И все же декоративность так и не стала главным принципом импрессионистического стиля, даже в поздний период творчества Моне: локальный «плоскостный» цвет и линеарность чужды самой поэтике импрессионизма.
Как уже говорилось, импрессионизм не возник внезапно. Многие из его открытий были подготовлены искусством XIX века, они как бы носились в воздухе. Вспомним хотя бы поразительные слова, которые вложил О. Бальзак в уста старого художника из рассказа «Неведомый шедевр»: «Строго говоря, рисунка не существует! Не смейтесь, молодой человек… Линия есть способ, посредством которого человек отдает себе отчет о воздействии освещения на облик предмета. Но в природе, где все выпукло, нет линий: только моделированием создается рисунок, то есть выделение предмета в той среде, где он существует. Только распределение света даёт видимость телам!.. Не так ли действует солнце, божественный живописец мира? О природа, природа! Кому когда-нибудь удалось поймать твой ускользающий облик?». Бальзак создавал рассказ в 1830 году; в это же время в динамичной, красочной живописи Э. Делакруа, в романтических картинах Дж. М. У. Тернера, в пейзажах Р. П. Бонингтона и Дж. Констебла с их вечно изменчивым небом подготавливалось то, что позднее было взято на вооружение рождающимся импрессионизмом. К числу непосредственных предшественников Моне, К. Писсарро и А. Сислея можно отнести К. Коро, пейзажистов барбизонской школы (особенно самого поэтичного из них – Ш. Добиньи), а также будущих учителей Моне Э. Будена и И. Б. Йонкинда.
И все же импрессионизм был принципиально новым словом в европейском искусстве. Сейчас, рассматриваемый с большой временной дистанции, он сам приобрёл характер «классической» эпохи французской живописи. Нельзя, однако, упускать из виду, что импрессионизм в живописи проделал довольно сложную эволюцию: новое художественное видение мира кристаллизовалось постепенно, отдельные (отмеченные выше) черты поэтики импрессионизма имели относительно большую или меньшую степень значения в разное время и у различных мастеров. Условно историю живописного импрессионизма можно разделить на периоды подготовки (созревания нового метода)- 1860-е годы, расцвета и борьбы за новое искусство-1870-е годы, начинающегося в 1880-е годы кризиса и творческих расхождений (последняя, 8-я выставка импрессионистов 1886 года совпала с распадом группы) и поздний – с 1890-х годов до конца жизни Дега, Ренуара, Моне.
Ни в один из этих периодов своего развития импрессионизм не являлся абсолютно главенствующим направлением во французском искусстве. Одновременно с молодыми художниками продолжали работать Ж. О. Д. Энгр, К. Коро, Г. Курбе, Ж. Ф. Милле – представители старшего поколения; история импрессионизма хронологически включает в себя всю историю так называемого постимпрессионизма (Ван Гог, Сезанн, Гоген, также Сера, Синьяк, Тулуз-Лотрек). Почти одновременно с импрессионизмом в искусстве родился символизм, при жизни старейших импрессионистов произошло выступление фовистов и рождение кубизма. Вот почему некоторые стороны импрессионизма сейчас гораздо ярче воспринимаются уже в зеркале современных ему и позднейших течений в искусстве: влияния импрессионизма не избежал почти никто из значительных французских художников конца XIX века. Творчески переосмыслив уроки импрессионизма и принципиально отвергая многое в нем, эти художники пошли дальше и заложили фундамент искусства нашего столетия.
В такой «двойной перспективе» импрессионизма Клоду Моне принадлежит очень заметное, но не исключительное место в самом направлении. Будучи прежде всего пейзажистом, он стремился восстановить утраченные представления о единстве мира, где человек нерасторжимо связан с природой, с окружающей его средой. Моне открыл и довел до почти полного исчерпания некоторые особые качества импрессионистического восприятия природы, стихии света и воздуха, иными словами – пленэрную сторону импрессионизма, предоставив другим мастерам разрабатывать иные аспекты импрессионистской поэтики.
Признанным вождем импрессионистов Моне стал в силу исключительных качеств своей натуры: волевой, энергичный и целеустремленный, он оказался в центре борьбы за новое искусство, принимал деятельное участие в организации большинства выставок художников этого направления, возглавил борьбу за посмертное признание творчества Эдуарда Мане. Вечно сомневающийся в своих возможностях и вечно ищущий, Моне, тем не менее, всегда умел подбодрить друзей, внушить им веру в свои силы. Даже для недоверчивого, замкнувшегося в себе Сезанна, столь далеко отошедшего в позднем творчестве от всех, Моне оставался единственным авторитетом, к мнению которого он неизменно прислушивался.
Светлана Мурина
Парадокс творчества Моне
В двух пейзажах, написанных в Париже в день национального праздника 30 июня 1878 года, Моне словно обнажает перед нами сам процесс создания картины. Он лихорадочно спешит запечатлеть случайно открывшееся из окна зрелище – море трепещущих на ветру трехцветных флагов, праздничное ликование толпы.
Едва намеченные вертикали домов напоминают об очертаниях уходящей вдаль улицы, рисунок целиком растворен в вихре насыщенных мазков красного, синего, белого. Темпераментная кисть Моне в этих работах предвосхищает позднего Ван Гога, но как несходно это возбуждение художника, захваченного красотой мотива, от внутреннего смятения, которое читается в работах голландского мастера! Снова, как и в пейзаже «Впечатление. Восход солнца», можно констатировать парадокс творчества Моне: чем больше спонтанность восприятия, доверие художника своему глазу и первому ощущению, тем дальше он от объективного восприятия действительности, тем сильнее деформирован предмет его изображения.
Если бы фотограф запечатлел вид улицы Сен-Дени в этот же день, то все разорванное, фрагментарное, находящееся в становлении, что так поражает в картине Моне, предстало бы остановленным, упорядоченным и, вероятно, более прозаичным. Моне менее всего добивается иллюзии реальности: через разложение зрительного образа на отдельные цветовые элементы, эмансипацию цвета, отделяющегося от предметов, развеществление материального мира он ведет зрителя к синтезу, целостному восприятию изображенного. Эта «суггестивная трансформация» образа требует и от сегодняшнего зрителя, привыкшего ко многим крайностям в современном изобразительном искусстве, особого напряжения при знакомстве с картинами Моне.
Осенью 1878 года Моне снял дом в небольшом городке Ветей близ столицы. Здесь вместе с ним, его тяжело больной женой и двумя детьми поселилась семья разорившегося банкира и коллекционера Ошеде. В сентябре 1879 года скончалась Камилла Моне; в последний раз художник пишет её лицо, но в этот раз облик Камиллы ускользает от художника, он погружен в беспокойное море перекрещивающихся штрихов блеклых оттенков лилового, голубого, желтого. Их легкая паутина – словно таинственный покров, отделяющий жизнь от смерти. Много позднее Моне говорил Жоржу Клемансо: «Однажды, стоя у изголовья скончавшейся женщины, которая всегда была мне очень дорога, я поймал себя на том, что, глядя на её трагический лоб, машинально искал следы последовательно нарастающей деградации колорита, которую смерть вызвала на этом неподвижном лице. Оттенки синего, желтого, серого – почем я знаю, какие! Вот до чего я дошел… Вот каким образом под влиянием свойственного нам автоматизма мы вначале откликаемся на воздействие цвета, а потом наши рефлексы независимо от нашей воли вновь включают нас в бессознательный процесс однообразно текущей жизни. Подобно скотине, которая вертит мельничный жернов».
Это признание позволяет увидеть скрытый драматизм творчества Моне. Художника часто и несправедливо упрекали в бесстрастии, в абсолютном преобладании оптического восприятия над эмоциональным. Между тем сама эстетизация образа в данном случае образа смерти – волевой акт, который трансформирует первоначальный мотивный импульс в художественное переживание. Чувство лежит в основе творчества Моне не в меньшей степени, чем зрительное впечатление; даже в безмятежной созерцательности позднего цикла «кувшинок» (о нём речь ниже) звучат ноты подлинной элегической поэзии. Ясное и оптимистическое настроение большинства работ Моне – это та сторона, которая обращена к зрителю, также как и сдержанные, спокойные манеры художника, неизменно привлекавшие к нему симпатии современников. Для художников-импрессионистов (в первую очередь Моне и Ренуара) такой внутренний диссонанс между жизнью и творчеством составляет сокровенную сущность их искусства, его всегда нужно иметь в виду: без этого оценка творчества мастеров импрессионизма становится односторонней и упрощенной.
Тягостные переживания Моне, омрачившие первый год его пребывания в Ветее, с неожиданной силой выразились в сумрачно-меланхолических зимних пейзажах этого времени («Снежный эффект в Ветее», 1878, Лувр, Париж; «Въезд в Ветей», 1879, Художественный музей, Гётеборг) с их ощущением одиночества и оцепенения. Материальное положение Моне особенно усложнилось после смерти Камиллы, когда на руках у него оказалась многодетная семья – двое его малолетних сыновей воспитывались вместе с пятью детьми Алисы Ошеде, ставшей им второй матерью (брак Моне с Алисой был оформлен лишь в 1892 году). Только после устройства в 1880 году небольшой персональной выставки в помещении редакции журнала «Ла Ви модерн» Моне, при поддержке Дюран-Рюэля и издателя Шарпантье, обрел уверенность в своих денежных делах. Отныне он был избавлен от забот по продаже своих произведений и мог всецело отдаться творчеству.
С начала 1880-х годов живописная манера Моне постепенно меняется. Он все чаще работает в ателье; в картинах его иногда появляется та «сделанность», которую можно посчитать компромиссом между работой по первому впечатлению и рефлектирующим сознанием художника, работающего по памяти. Примером такого подхода к созданию пейзажа является большая картина «Лавакур» (1880, Музей изящных искусств, Даллас), предназначенная для Салона. Несмотря на то, что этот пейзаж был на редкость неудачно помещен в экспозиции (на высоте чуть ли не шести метров от пола, в тесном окружении других работ – подобная нелепая развеска картин всегда практиковалась в Салонах), он был отмечен критиками. Один из них (Шенневьер) написал даже, что «светлая и ясная атмосфера заставила казаться чёрными все другие соседние пейзажи в этой галерее Салона». Впрочем, к этому времени импрессионизм уже завоевал прочное место – во всяком случае, в сознании критики.
Даже такой принципиальный «ниспровергатель» Моне, как известный писатель-символист Ж. К. Гюисманс, изменил своё отношение к художнику после седьмой выставки импрессионистов (1882): «Как правдивы у него пена на волнах, попадающих в луч света, реки, переливающиеся тысячами оттенков предметов, которые они отражают; в его полотнах холодное дыхание моря напоминает трепетанье листвы, легкий шелест травы… именно ему и его собратьям импрессионистам, мастерам пейзажа, мы должны быть признательны за возрождение искусства живописи. Господа Писсарро и Моне вышли наконец победителями из тяжелой борьбы. Можно сказать, что в их полотнах разрешена сложная проблема света…».
Характеристику Гюисманса можно отнести к тому этапу творчества Моне, который сам художник считал пройденным. Поиск новых тем и образов приводит его к созданию целого цикла натюрмортов, исполненных в начале 1880-х годов; как и пейзаж, этот жанр был для Моне излюбленной областью творчества. «Лепешки» (1882, частное собрание, Париж)- образец типично импрессионистической композиции, где связь между предметами и даже их расположение кажутся случайными (некоторые срезаны краем рамы). Увиденный с близкого расстояния, этот фрагмент неживой природы воспринимается как пейзаж с невыраженной четко (и потому бесконечной) глубиной, где белая скатерть с холодными голубыми рефлексами похожа на заснеженное пространство. Лучшие из натюрмортов этого времени- изображения цветов и фруктов. Их декоративная линеарность, вписанная в узкий вертикальный формат («Георгины» и «Белый мак», 1883, частные собрания), предвосхищают рождение стиля модерн (ар нуво) во французском искусстве.
В 1880-е годы Моне довольно часто обращается к «чистому» портрету – обычно это погрудное изображение на нейтральном фоне. Моне не был мастером психологического портрета в том значении слова, которое применимо к Э. Мане или Э. Дега. Точнее было бы сказать, что он никогда не стремился переступить ту черту, которая привела бы к проникновению во внутренний мир другого человека. Портреты Моне характеризуют прежде всего его собственную внутреннюю замкнутость и эмоциональную сдержанность; он наделяет портретируемых своим настроением, и это придает им оттенок холодноватой отчужденности. Модели портретов Моне неизбежно погружены в себя, они бездейственны (несмотря на живость кисти художника), отъединены от окружающей среды и словно пребывают в невещественном мире. Прекрасным образцом такой автохарактеристики является «Автопортрет в берете» (1886, частное собрание, Париж).
Моне своими глазами как в России, так и в других странах. Однако на его зимние пейзажи обратила внимания лишь недавно. Их не так много: Моне предпочитал рисовать яркие краски лета – маки, воду, парусники, цветущие сады.
4. Льдины. Туманное утро. 1893 г.
Клод Моне. Льдины. Туманное утро. 1894 г. Художественный музей Филадельфии, США Плюсовая температура, поэтому лёд уже вскрылся, и появился туман. Белый и голубой цвета разбавляются серым и коричневым.
Этот пейзаж реки Сены не единственный – Моне любил писать сериями, показывая, насколько одно и то же место может быть разным в зависимости от времени суток и погоды.
Картины Клода Моне из серии “Лёд плывёт”. 1893 г. Частные собрания.
За один месяц с конца января по конец февраля 1893 года Моне успел создать целых 13 картин этого пейзажа на Сене!
5. Лавакур. Снег и солнце. 1881 г.
Клод Моне. Лавакур, снег и солнце. 1881 гг. Лондонская национальная галерея. Деревня Лавакур находится на берегу Сены, а напротив – деревня Ветей, в которой Моне жил с семьёй и где родился его сын, а также похоронена жена. Именно с этого берега он изобразил пейзажи деревни Ветей на 150 своих картинах.
Тусклое зимнее солнце на картине “Лавакур” – мы его не видим, но ощущаем по желтовато-зеленоватому отливу снега на дальнем фоне. Кажется, что Моне хотел показать приближение весны. 
Фото деревни Ветей (под Парижем)
В этих местах, конечно, помнят своего знаменитого обитателя. Так, на берегу деревни Лавакур информационные щиты сделаны в виде мольбертов с картинами Моне.
6. Дорога в Живерни зимой. 1885 г.
Клод Моне. Дорога в Живерни зимой. 1885 г. Частная коллекция. Художник прожил в Живерни 43 года. В этом городке находится его дом-музей со знаменитым садом с кувшинками и японским мостиком. Конечно, Живерни он писал бесчисленное количество раз. В основном это работы цветущие, летние. Однако зима здесь тоже весьма живописна.
Клод Моне стал одним из основоположников нового жанра. Именно его картина оказалась в числе тех работ, которые были отнесены к импрессионизму. Самые известные картины Клода Моне оцениваются сегодня в несколько десятков миллионов долларов.
Прежде чем на свет появились его самые известные картины, Клод Моне подрабатывал карикатуристом. Первые работы будущего импрессиониста датируются 1854 годом, когда ему было всего 14 лет.
К живописи Моне пристрастился случайно. Родители не давали ему деньги на карманные расходы, и чтобы их заработать, художник начала создавать карикатуры на своих друзей и родственников. Каждое произведение Клод Моне оценивал в 15-20 франков. Однако с настоящей живописью он познакомился позднее, когда его наставник Эжен Буден предложил юному художнику начать создавать картины на открытом воздухе.
Также волею случая зародился термин «импрессионизм». Несмотря на то, что он неразрывно связан с именем Клода Моне, его придумал не французский художник. Автором термина оказался малоизвестный журналист Луи Леруа.
В 1874 году на проходившей частной выставке Клод Моне представил картину, которая контрастировала с произведениями того времени. Критики обрушились на его и другие подобные работы, называя их аморальными, мятежными и несостоятельными. Луи Леруа, описывая мероприятия в журнале «Le Charivari » нелестно отозвался о создателях тех картин, назвав их импрессионистами. Однако мастера приняли этот эпитет.
Примечательно то, что именно произведение Клода Моне «Водяные лилии» считается лучшим в жанре импрессионизм.
Художник за свою жизнь создал множество картин. Большинство из них сохранилось до наших дней. Отдельно стоит отметить то, что, рисуя женщин, Клод Моне только образ своей жены Камиль Домкьюз.
Сегодня картины Клода Моне входят в тройку самых дорогих произведений живописи. В среднем каждая из них стоит около 7,22 миллиона долларов.
Список самых известных картин
Практически все свои самые известные работы Моне создал, начиная с 1883 года. Создавая картины, мастер не стремился изобразить что-то конкретное. Для него было важно то, как исполнена та или иная работа. Он не прекращал создавать даже после того, как у него ухудшилось зрение. В итоге из-под пера вышли картины Моне, фото с названиями и самые знаменитые из них представлены ниже.
Несмотря на то, что на полотне изображены четыре, казалось бы, разные женщины, образ трех из них художник срисовывал со своей супруги. Моне потратил много времени на это произведение, тщательно выверяя краски. Главной целью, которую ставил перед собой создатель «Женщины в саду», являлась передача настоящего дневного света. Остальные элементы картины заслуживают меньшего внимания.
«Женщины в саду» принесли своему создателю 2,5 тысячи франков, которые позволили ему выбраться из долгов.
«Терраса в Сент-Андресс» датируется 1867 годом. На полотне изображены двое мужчин и женщин, списанных с ближайших родственников автора. Картина демонстрирует сад, расположенный на побережье в Сент-Андресс. Особенность работы заключается в том, что она имитирует японские цветные гравюры. Также обращает на себя внимание отсутствие центральной точки. Складывается впечатление, будто автор «Терраса в Сент-Андресс» рисовал ее, находясь где-то наверху.
Создание «Темза ниже Вестминстера» было завершено в 1871 году. По задумке автора, полотно должно передавать ощущение туманного лондонского утра. На заднем плане картины расположился окутанный дымкой здание британского парламента. Ближе находятся несколько лодок, вертикальная пристань и горизонтальный мост. Однако доминирующим на этом полотне является туман. Он переливается разными оттенками, размывая формы других объектов.
Также есть другое произведение, изображающее Вестминстер на закате.
Тема раннего утра прослеживается и в следующей работа автора. «Впечатление: Восходящее солнце» демонстрирует предрассветный туман, стелющийся над гаванью. Через дымку прорывается круг ярко-оранжевого солнца. Произведение оставляет после себя мрачное впечатление, которое усиливается, если обратить внимание на размытые образы далеких кораблей и нечеткие контуры двух лодок на переднем плане.
«Мост в Аржантее» появился в 1874 году. За год до этого художник завершил создание «Поле маков у Аржантея». Оба произведения демонстрируют местность, где несколько лет жил Моне. Каждая картина отличается насыщенным цветом красок. В особенности это касается работы «Мост в Аржантее». В ней создатель использовал очень яркие оттенки, цвет которых не меняется с переходом от ближнего плана на задний. В «Поле маков у Аржантея» Моне разделил визуально полотно на две части, отделив красные цветки маков от женщины с ребенком.
«Вокзал Сен-Лазар», появившийся в 1877 году, считается одной из самых смелых картин того времени, когда основным мотивом многих полотен были разнообразные пейзажи. Однако и в этом произведении прослеживается подход Моне к своим работам. Автор концентрирует внимание зрителей не на объектах (вокзал, локомотив, люди), а на цветах. Все модели, представленные на изображении, не имеют четких очертаний.
Работа, появившаяся в 1882 году, показывает прогулку двух молодых женщин, которые остановились на утесе около побережья. Несмотря на то, что «Прогулка к утесу в Пурвиле», создает впечатление некой спонтанности, Моне тщательно планировал произведение. Художник очередной слой краски, когда предыдущий еще не успел высохнуть.
«Руанский собор»
«Руанский собор» — это не картина, а цикл похожих друг на друга полотен, изображающих одноименный объект архитектуры. Работы создавались в течение 1890-х годов. Эти полотна представляют собой попытки художника поиграть с цветами. Они создавались в разное время и погоду. Художник, работая над этим циклом, пытался передать определенный момент.
«Пруд с водяными лилиями» — это самая дорогая картина Моне. Создатель завершил ее в 1916 году, а работа велась около 7 лет. Примечательно то, что художник наносил краски по памяти. В это время его зрение начало резко ухудшаться.
Стоимость произведений
Помимо произведения «Пруд с водяными лилиями» Моне создал множество полотен, которые стоят сегодня несколько десятков миллионов долларов:
- «Водяные лилии» — 53,9 миллиона (ранняя картина с тем же названием стоит 43 миллиона).
- «Железнодорожный мост в Аржентее» — 41,4 миллиона.
- «Гранд-канал» — 35,6 миллиона.
- «Мост Ватерлоо» — 35,4 миллиона.
- «Тропинка к пруду с водяными лилиями» — 32,9 миллиона.
Этот список можно еще долго продолжать. Моне, в отличие от многих своих современников, еще при жизни был признан великим художником. Это позволило ему обеспечивать себя, работая только над полотнами.
14 ноября 1840 года родился один из самых известных в мире импрессионистов, - узнаваемый по колориту и по тонким, напоенным воздухом и светом пейзажам - Клод Моне. Он стал художником волею судеб – 100 тыс. франков, которые он выиграл в лотерею, позволили ему оставить работу посыльного и посвятить себя живописи. Впрочем, в жизни Клода Моне было много удивительного.
Великий импрессионист начинал с карикатур
Родился Клод Моне в Париже, но через 5 лет его семья переехала в Гавр (Нормандия), где отец будущего художника держал бакалейную лавку. Родители Клода Моне были на редкость скупы, поэтому, чтобы заработать на карманные расходы, Моне в 14 лет начал рисовать карикатуры на друзей и местных жителей. Рисунки, которые юный художник продавал по 15-20 франков, пользовались невероятной популярностью. Несмотря на свою увлечённость карикатурами, в занятиях живописью Моне никогда заинтересован не был, пока не познакомился с Эженом Буденом, своим будущим наставником, который предложил ему писать картины на «открытом воздухе».
Моне дал рождение термину «импрессионизм»
Термин «импрессионизм» появился благодаря картине Моне «Впечатление. Восходящее солнце», которая была выставлена на первой крупной выставке импрессионистов, в мастерской фотографа Надара весной 1874 года, и получившей название «Выставка мятежников». Всего на выставке были представлены 165 работ тридцати художников. Стоит отметить, что в то время натюрморты и пейзажи Моне и его соратников обвиняли в мятежных настроениях, аморальности и несостоятельности. Бичуя выставку, малоизвестный журналист Луи Леруа в своём материале в журнале «Le Charivari» пренебрежительно обозвал художников «импрессионистами». Из вызова художники этот эпитет приняли. Со временем он утратил своё первоначальное негативное значение.Интересно, что лучшим произведением от импрессионизма в живописи считают тоже картину Клода Моне. И это несмотря на то, что к моменту, когда художник начал писать знаменитые «Водяные Лилии», он уже терял зрение.
На большинстве картин Моне - одна и та же женщина
Если присмотреться к женщинам на картинах Клода Моне, там обязательно будет Камиль Домкьюз – его любимая модель и жена. Она позировала ему для многих полотен, среди которых и такие известные, как «Дама в зеленом», «Женщины в саду», «Мадам Моне с сыном», «Портрет жены Клода Моне на диване». Мадам Моне родила художнику двоих сыновей (первенца ещё до официального вступления в брак). Однако, рождение второго малыша ослабило её здоровье, и, вскоре после вторых родов, она скончалась. Клод Моне написал посмертный портрет своей супруги.
Самая дорогая картина Клода Моне
Картина «Пруд с водяными лилиями» или, как ещё называют это полотно - «Пруд с кувшинками», написанная Моне в 1919 году, является самой дорогой картиной этого мастера. В 2008 году на аукционных торгах Christie`s в Лондоне эта картина была продана за баснословные деньги - $80 миллионов. Сегодня «Пруд с кувшинками» занимает девятое место в рейтинге самых дорогих картин мира, проданных на аукционах. О том, кто приобрел эту картину и где она находится сейчас – неизвестно. Как правило, частные коллекционеры, приобретая подобные произведения, предпочитают остаться неизвестными.
Клод Моне входит в топ-3 самых дорогих художников мира
Клод Моне, по итогам открытых аукционов, до 2013 года занимает третью строку рейтинга самых дорогих художников мира. Всего с аукционов было продано 208 его работ на общую сумму $1622,200 млн. Средняя стоимость одной картины Моне - $7,799 млн. Самыми дорогими картинами Моне считают«Водяные лилии» (1905) - $43 млн.
«Железнодорожный мост в Аржентее» (1873) - $41 млн.
«Водяные лилии» (1904) - $36 млн.
«Мост Ватерлоо. Облачно» (1904) - $35 млн.
«Тропинка к пруду» (1900) - $32 млн.
«Пруд с водяными лилиями» (1917) - $24 млн.
«Тополя» (1891) - $22 млн.
«Здание парламента. Солнечный свет в тумане» (1904) - $20 млн.
«Парламент, закат» (1904) - $14 млн.
Где сегодня хранятся картины великого Моне
Сегодня работы художника «разбросаны» по всему миру. Наиболее крупными странами-владельцами картин Моне считается Россия, США и Великобритания. Впрочем, найти картины художника можно и во многих других музеях, как на территории Европы, так и за ее пределами. Несколько картин Клода Моне находятся даже в музеях Новой Зеландии. Значительная часть работ художника принадлежит частным коллекциям, потому эти картины закрыты для широкой публики. Лишь иногда приобретенные некогда произведения вновь возвращаются из рук коллекционеров в музеи или попадают на аукционы.
В России в ГМИИ им. А.С. Пушкина находятся такие известные картины, как «Сирень на солнце» 1873 года и «Завтрак на траве» 1866. Картина «Парламент, эффект тумана» находится в Санкт-Петербурге в Эрмитаже. Несколько работ Клода Моне хранятся в Париже в музее Музей д"Орсэ. Немало работ находится и в США, в «Метрополитен-Музее» Нью-Йорка, в Музее искусств Нельсона-Аткинса, а также в Музее искусств, расположенном в Филадельфии. В Лондоне картины Моне выставляются в Национальной галерее.
Похищения картин Моне
Картины Клода Моне не раз становились предметами вожделения преступников. Известен факт, когда похититель полотна Моне «Пляж в Пурвилле», которое выставлялось в Национальном музее Польши, посмеялся над сотрудниками, вырезав знаменитый шедевр из рамы, а вместо него вставил плохонькую репродукцию. Заметили подмену 19 сентября, а когда точно произошла кража, так и осталось неизвестным. Преступником оказался 41-летний мужчина, а украденную картину нашли в его доме.
В октябре 2012 года было совершено ограбление роттердамского музея Кунстель. Было похищено 7 шедевров, среди которых был и известный «Мост Ватерлоо» Клода Моне. Это ограбление оказалось крупнейшим за 20 последних лет. После проведённого расследования эксперты подозревают, что похищенные картины могли быть сожжены.
Клод Моне родился 173 года назад, его картины на гребне популярности и сегодня, а особо ярые и талантливые поклонники импрессионизма посвящают ему свои творения. Примером тому Клода Кормье, вдохновленная полотнами Клода Моне.
