Какви са насоките в рисуването. Примери за живопис, жанрове, стилове, различни техники и насоки

БОЯДИСВАНЕ И ВИДОВЕТЕ?

Рисуването е изкуството на равнина и една гледна точка, където пространството и обемът съществуват само в илюзия.

Голямо разнообразие и пълнота на явления, впечатления, ефекти, които живописта е способна да въплъти. Целият свят на чувства, характери, взаимоотношения, преживявания е достъпен за рисуване. Тя има достъп до най-фините наблюдения на природата, вечните идеи, впечатления, фините нюанси на настроението.

Думата "живопис" произлиза от думите "жив" и "пиша". „Да рисуваш“, обяснява Дал, „да изобразяваш правилно и живо с четка или с думи, с писалка.“ За художника да изобрази правилно означава точно предаване на външния вид на това, което е видял, неговите най-важни характеристики. Възможно беше да ги предадете правилно с графични средства - линия и тон. Но е невъзможно да се предаде живо с тези ограничени средства многоцветността на околния свят, пулсирането на живота във всеки сантиметър от цветната повърхност на даден обект, очарованието на този живот и постоянното движение и промяна е невъзможно. Рисуването, един от видовете изобразително изкуство, помага истински да отразява цвета на реалния свят.

Цветът - основното визуално и изразително средство в живописта - има тон, наситеност и лекота; той слива в едно цяло всичко, което е характерно за даден обект: както онова, което може да бъде изобразено с линия, така и онова, което е недостъпно за него.

Рисуването, подобно на графиката, използва светли и тъмни линии, щрихи и петна, но за разлика от нея тези линии, щрихи и петна са оцветени. Те предават цвета на светлинния източник чрез отблясъци и ярко осветени повърхности, моделират обемната форма с обектния (локален) цвят и цвета, отразен от околната среда, установяват пространствени отношения и дълбочина, изобразяват текстурата и съществеността на обектите.

Задачата на рисуването е не само да покаже нещо, но и да разкрие вътрешната същност на изобразеното, да възпроизведе „типични персонажи при типични обстоятелства“. Следователно истинското художествено обобщение на феномените на живота е в основата на основите на реалистичната живопис.

1. ВИДОВЕ ЖИВОПИС

Живописта се подразделя на монументална, декоративна, театрална и декоративна, миниатюрна и станкова живопис.

Монументална живопис е специален вид мащабни картини, които украсяват стените и таваните на архитектурните структури. Разкрива съдържанието на основните социални явления, оказали положително въздействие върху развитието на обществото, прославя и увековечава, помагайки за възпитанието на хората в духа на патриотизма, прогреса и хуманността. Възвишеността на съдържанието на монументалната живопис, значителният размер на нейните произведения, връзката с архитектурата изискват големи цветни маси, строга простота и лаконичен състав, яснота на контурите и обобщение на пластичната форма.

Декоративна живопис Използва се за декорация на сгради, интериори под формата на цветни панели, които с реалистично изображение създават илюзия за пробив на стената, визуално увеличаване на размера на помещението или, напротив, с умишлено сплескани форми потвърждават плоскостта на стената и заграждението на пространството. Модели, венци, гирлянди и други видове декор, украсяващи произведения на монументалната живопис и скулптура, свързват всички елементи на интериора, подчертавайки тяхната красота, съответствие с архитектурата.

Театрална и декоративна живопис (декори, костюми, грим, реквизит, направени по скици на художника) помага за по-дълбоко разкриване на съдържанието на представлението. Специалните театрални условия за възприемане на пейзажа изискват отчитане на многото гледни точки на публиката, голямото им разстояние, ефекта на изкуственото осветление и цветните светлини. Декорацията дава представа за мястото и времето на действието, активира възприятието на зрителя за случващото се на сцената. Театралният артист се стреми рязко да изрази индивидуалния характер на героите, техния социален статус, стила на епохата и много повече в скици на костюми и грим.

Миниатюрна живопис получи голямо развитие през Средновековието, преди изобретяването на печата. Ръкописни книги бяха украсени с най-фините шапки, окончания, подробни илюстрации, миниатюри. Техниката на рисуване на миниатюра е била умело използвана от руските художници от първата половина на 19 век за създаване на малки (предимно акварелни) портрети. Чистите дълбоки цветове на акварелите, техните изискани комбинации, изящна бижутерия на писане отличават тези портрети, пълни с грация и благородство.

Станкова живопис , изпълнена на статив, използва дърво, картон, хартия като материална основа, но най-често платно, опънато на носилка. Станкова картина, като самостоятелна творба, може да изобрази абсолютно всичко: действително и измислено от художника, неживи предмети и хора, модерност и история - накратко, живот във всичките му проявления. За разлика от графиката, станковата живопис има богатство на цветовете, което помага емоционално, психологически, многостранно и фино да предаде красотата на околния свят.

По техника и начин на изпълнение живописта се подразделя на масло, темпера, фреска, восък, мозайка, витражи, акварел, гваш, пастел. Тези имена произлизат от свързващо вещество или от метода за използване на материално-технически средства.

Живопис с маслени бои извършва се с боя, изтрита с растителни масла. Плътната боя се разрежда, когато към нея се добавят масло или специални разредители и лакове. Маслената боя може да се използва върху платно, дърво, картон, хартия, метал.

Темпера боядисването се извършва с боя, приготвена върху яйчен жълтък или казеин. Боята Темпера е водоразтворима и се нанася пастообразна или течна върху стена, платно, хартия, дърво. Темпера в Русия създава стенни рисунки, икони и шарки върху предмети от бита. В наши дни темпера се използва в живописта и графиката, в декоративно-приложните изкуства и в дизайна и декорацията.

Фрескова живопис декорира интериори под формата на монументални и декоративни композиции, нанесени върху мокра мазилка с водни бои. Фреската е с приятна матова повърхност и е издръжлива в условия на закрито.

Восъчна живопис (енкаустика) е била използвана от художниците на Древен Египет, за което свидетелстват известните „Фаюмски портрети“ (1 век сл. Хр.). Свързващото вещество в енкаустика е избелен восък. Восъчните бои се нанасят в разтопено състояние върху нагрята основа, след което се каутеризират.

Мозаечна живопис , или мозайка, се сглобява от отделни парчета смалт или цветни камъни и се фиксира върху специална циментова основа. Прозрачен смалт, вмъкнат в земята под различни ъгли, отразява или пречупва светлината, карайки цвета да мига и да трепти. Мозаечни панели могат да бъдат намерени в метрото, в театралните и музейните интериори и др. Витражите са произведение на декоративното изкуство, предназначено да украси отворите на прозорци във всяка архитектурна структура. Витражът се състои от парчета цветно стъкло, държани заедно от здрава метална рамка. Светлинният поток, пробивайки цветната повърхност на витража, рисува декоративно ефектни, многоцветни шарки по пода и стените на интериора.

МАТЕРИАЛ В ИЗПРАВИТЕЛНИ РАБОТИ.

По техника и начин на изпълнение живописта се разделя на масло, темпера, фреска, восък, мозайка, витражи, акварел, гваш, пастел.

Стафелни материали за рисуване: първоначално е използвано дърво; използвано е в Египет, Древна Гърция.

В ранния Ренесанс през XIV век картина и рамка за нея са направени от едно парче. (в Италия от 15-16 век най-често се използва топола, по-рядко върба, пепел, орех. в ранните дни се използват дебели дъски, на задната страна не се режат; в Холандия, Франция, от 16 век дъбови дъски започват да се използват. в Германия, липа, бук, смърч).

От 18 век дървото губи своята популярност. Появява се „Платно". Вече се среща сред древните художници. Платното се комбинира с дърво. В тази епоха обаче платното се използва от време на време. Платното достига широко приложение едва през XV-XVI в. Използва се за темпера.

От втората половина на 16 век се появяват медни дъски за малки картини (особено популярни във Фландрия).

През 19-ти век картонът понякога е използван за скициране.

В живописта от Средновековието и ранния Ренесанс доминира голяма полирана почва от гипс и креда. През XIII-XIV век златото се използва за покриване на бял грунд. В края на 14 век златният буквар постепенно изчезва. Вместо гипс или креда те се грундират маслена бояВ края на 16-ти век грундът с маслени бои придобива пълно признание в Италия. Популярният е червеникаво-кафявият грунд. (BOLUS)

Решителна стъпка е направена в началото на 18 век, направено е раздвоение към техниката на три молива.

XVIII век - разцвет на леглото. (Най-големите майстори Шарден, Латур, Лиотар).

Акварелът започва много късно, по-късно от пастела. Техниката на акварелите е известна от много отдавна. Тя е била известна още в Древен Египет, в Китай. Акварелите са били използвани от средновековните миниатюристи.

От края на 15 век популярността на маслената живопис се увеличава. През 16 век измества темпера.

Френските романтици от началото на 19 век са били любители на битума (или асфалта).

ОСНОВНИ ПЕРСПЕКТИВИ В ЖИВОПИСА

Перспективата е науката за изобразяване на обекти в космоса на равнина или която и да е повърхност в съответствие с очевидното намаляване на техните размери, промени във очертанията на формата и пресечни отношения, които се наблюдават в природата.

(Класическата перспектива съответства на определено интелектуално ниво, в рамките на което собствената гледна точка не може да се различава от другите, а практическото й прилагане в действителност може да бъде един вид самодостатъчно техническо съвършенство.

Динамичната перспектива е особена форма на примитивна перспектива.

Изпратете вашата добра работа в базата знания е проста. Използвайте формуляра по-долу

Студенти, аспиранти, млади учени, използващи базата от знания в своето обучение и работа, ще ви бъдат много благодарни.

Публикувано на http://www.allbest.ru/

1. Живопис

2. Видове живопис

3. Цветознание

Заключение

Списък с референции

1. Живопис

живопис цвят наука рисуване акварел

2. Видове живопис

Монументалната живопис е специален вид мащабни картини, които украсяват стените и таваните на архитектурните структури. Разкрива съдържанието на основните социални явления, оказали положително въздействие върху развитието на обществото, прославя ги и ги увековечава, като помага за възпитанието на хората в духа на патриотизма, прогреса и хуманността. Възвишеността на съдържанието на монументалната живопис, значителният размер на нейните произведения, връзката с архитектурата изискват големи цветни маси, строга простота и лаконичен състав, яснота на контурите и обобщение на пластичната форма.

Декоративната живопис се използва за украса на сгради, интериори под формата на цветни панели, които с реалистично изображение създават илюзия за пробив на стената, визуално увеличаване на размера на помещението или, напротив, умишлено сплескани форми потвърждават плоскостта на стената и заграждението на пространството. Модели, венци, гирлянди и други видове декор, украсяващи произведения на монументалната живопис и скулптура, обвързват всички елементи на интериора, подчертавайки тяхната красота, съответствие с архитектурата.

Театралната и декоративна живопис (декори, костюми, грим, реквизит, направени по скици на художника) помага за по-дълбокото разкриване на съдържанието на представлението. Специалните театрални условия за възприемане на пейзажа изискват отчитане на многото гледни точки на публиката, голямото им разстояние, влиянието на изкуственото осветление и цветните светлини. Декорацията дава представа за мястото и времето на действието, активира възприятието на зрителя за случващото се на сцената. Театралният артист се стреми рязко да изрази индивидуалния характер на персонажите, техния социален статус, стила на епохата и много повече в скици на костюми и грим.

Миниатюрната живопис се развива значително през Средновековието, преди изобретяването на печата. Ръкописни книги бяха украсени с най-фините шапки, окончания, подробни илюстрации, миниатюри. Техниката на рисуване на миниатюра е била умело използвана от руските художници от първата половина на 19 век за създаване на малки (предимно акварелни) портрети. Чистите дълбоки цветове на акварелите, техните изискани комбинации, изящна бижутерия на писане отличават тези портрети, пълни с грация и благородство.

Станковата живопис, изпълнена на машинен статив, използва дърво, картон, хартия като материална основа, но най-често платно, опънато на носилка. Станкова картина, като самостоятелна творба, може да изобрази абсолютно всичко: действително и измислено от художника, неживи предмети и хора, модерност и история - накратко, живот във всичките му проявления. За разлика от графиката, станковата живопис има богатство на цветовете, което помага емоционално, психологически, многостранно и фино да предаде красотата на околния свят.

Маслената живопис се извършва с боя, изтрита с растителни масла. Плътната боя се втечнява, когато към нея се добавят масло или специални разредители и лакове. Маслената боя може да се използва върху платно, дърво, картон, хартия, метал.

Боядисването с темпера се извършва с боя, приготвена върху яйчен жълтък или казеин. Боята Темпера е водоразтворима и се нанася пастообразна или течна върху стена, платно, хартия, дърво. Темпера в Русия създава стенни рисунки, икони и шарки върху предмети от бита. В наши дни темпера се използва в живописта и графиката, в декоративно-приложните изкуства и в дизайна и декорацията.

Фресковата живопис украсява интериора под формата на монументални и декоративни композиции, нанесени върху мокра мазилка с водни бои. Фреската е с приятна матова повърхност и е издръжлива в условия на закрито.

Восъчната живопис (енкаустика) е била използвана и от художниците на Древен Египет, за което свидетелстват известните „Фаюмски портрети“ (1 век от н.е.). Свързващото вещество в енкаустика е избелен восък. Восъчните бои се нанасят в разтопено състояние върху нагрята основа, след което се каутеризират.

Мозаечната живопис, или мозайка, се сглобява от отделни парчета смалт или цветни камъни и се фиксира върху специална циментова основа. Прозрачен смалт, вмъкнат в земята под различни ъгли, отразява или пречупва светлината, карайки цвета да мига и да трепти. Мозаечни панели могат да бъдат намерени в метрото, в театралните и музейните интериори и др. Витражите са произведение на декоративното изкуство, предназначено да украси отворите на прозорци във всяка архитектурна структура. Витражът е съставен от парчета цветно стъкло, държани заедно от здрава метална рамка. Светлинният поток, пробивайки цветната повърхност на витража, рисува декоративно ефектни, многоцветни шарки по пода и стените на интериора.

3. Цветознание

Цветознанието е наука за "цвета, включително знания за" природата на цвета, основни, композитни и "допълващи цветове, основни цветови характеристики, цветови контрасти, смесване на цветовете, оцветяване, хармония на цветовете, цветен език и" култура на цветовете.

Цветът е едно от "свойствата на обектите от материалния свят, възприемани като съзнателно зрително усещане. Един или друг цвят е" присвоен "от човек на обекти в" процеса на тяхното "зрително възприятие. Цветовото възприятие може частично да се промени в зависимост от психофизиологичното състояние на наблюдателя, например "опасни ситуации, намаляват с умора.

В "преобладаващото мнозинство от случаите цветното усещане възниква в резултат на излагане на" окото на потоци от електромагнитно излъчване от "обхвата на дължината на вълната, в който това излъчване се възприема от окото (видим диапазон" - дължини на вълните от "380 до" 760 "nm). усещането възниква без въздействието на лъчист поток върху "окото" - при натиск върху "очната ябълка, удар, електрическа стимулация и т.н., както и" психическа асоциация с "другите. Чувства "- звук, топлина и т.н." Г., и "като" резултат от работата на въображението. Различните цветови усещания се причиняват от обекти с различни цветове, техните "различно осветени области, както и източници на светлина и" осветеността, която те създават. В същото време възприемането на цветовете може да се различава (дори при един и същ относителен спектрален състав на радиационните потоци) в зависимост от това дали попада в "излъчване на очите от" източници на светлина или от "не-самосветящи се обекти. На" човешки език обаче, същите "едни и същи" термини се използват за обозначаване на цвета на тези два различни вида обекти. Основният дял на обектите, които причиняват цветни усещания, са не-светещите тела, които отразяват или пропускат светлина, излъчвана от източници. В "общия случай цветът на даден обект се определя от следните фактори: неговия цвят и" свойствата на повърхността му; оптичните свойства на светлинните източници и "средата, през която се разпространява светлината; свойствата на зрителния анализатор и" особеностите на все още недостатъчно изучения психофизиологичен процес на обработка на зрителните впечатления в "мозъчните центрове.

Основни понятия в цветознанието.

Ахроматичните цветове се различават един от друг само по един начин - по лекота (светло сиво или тъмно сиво). Хроматичните цветове, в допълнение към разликите в лекотата, се характеризират с още две основни характеристики - оттенък и наситеност.

Hue е това, което се определя от думите "червен", "жълт" и т.н., и това, което най-много отличава един цвят от друг. Но червеното може да бъде чисто червено или с примес на ахроматично, например сиво. В този случай той все още ще остане червен - примес от сиво няма да промени цветовия си тон. Ако вземем сиво със същата лекота, тогава лекотата на новото "смесено" червено също няма да се промени. Цветът обаче ще продължи да се променя: неговият трети знак, наситеност, ще се промени в него. От примесите на ахроматичния хроматичен цвят става по-малко наситен.

И така, всички хроматични цветове се характеризират с три параметъра - лекота, оттенък и наситеност.

Хроматичните цветове условно се разделят на топли и студени. Жълто-червената част на спектъра принадлежи към топлата, а синьо-синята към студа. Тези групи цветове получиха името си за топло и студено: някои - чрез асоциация с цвета на слънцето и огъня, други - чрез асоциация с цвета на небето, водата и леда. Лилавите и зелените цветове заемат междинно положение и в различни специфични случаи, в зависимост от комбинацията, могат да бъдат класифицирани като топли или студени.

Ако спектралната лента, където всички съседни цветове, постепенно променящи се, преминават един в друг, вземат и се огъват в пръстен, тогава този пръстен няма да се затвори, тъй като, както вече беше отбелязано, между крайните цветове - червен и виолетов - липсват преходни - червено-виолетово (пурпурен).

Ако ги добавите, кръгът ще се затвори. Това цветно колело ще ни помогне да разберем много за цветовете.

4. Техника на гваш. Акварелна техника

Техника на акварелна живопис

Навремето акварелите са рисувани върху пергамент от избелена кожа, върху тънки плочи от слонова кост, които все още се използват за миниатюри, върху избелени ленени тъкани и много по-късно върху хартия. В днешно време рисуват с акварел предимно само на хартия.

Античната хартия е изработена от ленени влакна от 14-ти век и е била с много добро качество. От 17-ти век за производството му започва да се използва памук, който до голяма степен отстъпва на лена, а качеството на хартията от това време започва да спада.

В днешно време се произвеждат голям брой марки хартия. Изработва се не само от памук и лен, но и от материали, които преди това не са били използвани за тази цел: от иглолистна дървесина, слама. Но най-ценните материали все още са лен и памук. В допълнение към растителните влакна, много видове хартия включват: гипс, шпат, креда, каолин, воден алуминиев оксид, бяло олово, а също и сини бои за маскиране на жълтия му цвят: ултрамарин и пруско синьо.

Хартиената маса се залепва с брашна паста, нишесте, животинско лепило, желатин (последните 2 винаги се комбинират с стипца), колофон. Навремето се използваше изключително брашнена паста, най-подходящият материал за тези цели. В днешно време желатинът се използва все по-често. Хартия, залепена с желатин, под въздействието на влага бързо цъфти и се оцветява. При производството на хартия се използват много химикали, следи от които често остават в готовата хартия и влияят не по най-добрия начин върху боята, която я покрива.

Акварелът се нуждае от много добра хартия. Хартиите от дърво и от слама бързо стават кафяви и черни на светлина, поради което са напълно неподходящи за рисуване с акварели. Памучната хартия няма това отрицателно свойство, но е лошо почистена и изстъргвана и боята не лежи равномерно върху нея.

Единствената хартия, подходяща за техниката на акварелното рисуване, е ленената хартия, която има безупречна белота. Той не трябва да абсорбира бързо вода, не трябва да съдържа никакви примеси от химикали, използвани при производството му. На такава хартия боята се полага равномерно и става ярка, може да се измие и остърже.

На повърхността на хартията често присъстват следи от мазнини, които пречат на равномерното разпределение на мастилото. Ето защо, преди употреба, хартията трябва да се измие с дестилирана вода с няколко капки амоняк. Пожълтялата хубава ленена хартия избелва лесно, ако се измие с водороден прекис.

Техниката на рисуване с акварели по своята сложност е близка до темпера и дори фреска. През дългия период на съществуване на тази техника са се появили техники и методи, които улесняват работата. Тъй като всяка хартия, когато се намокри, се изкривява, се покрива с вълни, което пречи на боядисването, за да се избегне това, е обичайно хартията да се опъва върху картон, дъска и също да се използва "гума".

Чиста акварелна живопис

Чист акварел може да се счита само за такъв, при който се използват всички ресурси на тази техника: прозрачността на цветовете, полупрозрачният бял тон на хартията, лекотата и в същото време силата и яркостта на цветовете. Бялото е напълно неприемливо в техниката на чист акварел; тяхната роля се играе от самата хартия. Това налага внимателно запазването на белотата му на места, където отблясъците и други подобни, тъй като записаните места на хартията не могат да бъдат възстановени с помощта на бяло, което винаги се различава от тона на хартията. За да се облекчи тази трудност, има редица техники. Един от тях се състои в изстъргване на записаните места на хартията със специален инструмент за изстъргване („grattoire“) или нож. Тази операция може да се извърши само върху качествена суха хартия.

Друг метод е да се нанесе течен разтвор на каучук в бензин на местата, които трябва да се спестят. Когато изсъхне, гумата може лесно да се отстрани от повърхността на хартията с гума.

Акварелите, нанесени на тънък слой, се променят след изсушаване с около една трета от първоначалната им якост и това трябва да се вземе предвид. По време на работа е полезно да се навлажнява хартията отдолу за по-лесно смесване на съседните цветове. Французите наричат \u200b\u200bтози метод на работа „travailler dans l„ eau “(да работи във вода).

За да забавите изсъхването на боите, можете да използвате акваленция или акварели. За същите цели към водата, използвана за разреждане на боите, се добавя мед или глицерин. Големите количества от тези вещества обаче могат да навредят на акварелите. В идеалния случай рисуването за акварелно рисуване е най-добре да се направи отделно и след това да се прехвърли, за да не се разваля повърхността на хартията. Мазната хартия затруднява боядисването.

Акварелите могат да играят и служебна роля, например при подбоя за боядисване с маслени бои. Върху лепило и емулсионни почви акварелната боя се полага гладко и добре и в толкова тънък слой, че изобщо не променя текстурата на почвата и не пречи на последващото боядисване с масло.

Живопис с гваш.

Този древен метод на рисуване, представляващ една от разновидностите на акварелите, е разработен за първи път в творбите на художника Паоло Пино (1548). На външен вид картината с гваш е близка до картината, пълна с гума арабска темпера, но нейният слой боя е по-хлабав. Гвашът е лишен от прозрачност, тъй като боите му се нанасят в по-дебел слой, отколкото в чисти акварели, и освен това се смесват с варовик. Боядисването с гваш се извършва или със специални бои, или работата се извършва по метода на гваш с обикновени акварели с добавяне на варовик. И в двата случая пастообразното писане не е допустимо, тъй като дебел слой гваш лесно се напуква, когато изсъхне.

Материали за техника на акварелно рисуване

Палитри и четки.

Акварелните палитри са направени от бял порцелан или глинени съдове и имат гладка лъскава повърхност. Бял емайлиран метал също служи за тази цел. Често се срещат и пластмасови палитри. За да предотвратите събирането на мазна повърхност на пластмасовата палитра в локви, можете леко да я разтриете със сок от чесън, за да я обезмаслите.

Акварелните четки са приложими само за мека и еластична коса. Четката трябва да бъде мека и еластична едновременно. Такива са четките на kolinsky, катерица, пор. Четката трябва да има кръгла форма и когато се намокри, да вземе формата на конус с напълно остър край.

Табла и гумички.

Когато залепвате хартия върху дъската, огънете листа по краищата с 2-3 см в посока, обратна на предната му страна, така че да изглежда като корито за хартия. След това предната страна, върху която ще бъде рисуването, трябва да се навлажни с вода и сгънатите ръбове да останат сухи. Не навлажнявайте страната, която ще се придържа към дъската, с вода, тъй като лепилото може да тече през водата към противоположната страна и да залепи листа към таблета, което затруднява отстраняването на готовата работа от дъската. Огънатите ръбове се намазват отвътре с пшенична паста, по-често с лепило PVA, а хартията се нанася върху дъската, а краищата се залепват по страните. Не позволявайте на въздуха да попадне под хартията, в противен случай тя ще се изкриви, когато изсъхне. Освен това не разтягайте прекалено много мократа хартия, тъй като след изсушаване тя се разтяга сама и вълните изчезват от само себе си; влаченето на мокра хартия обаче може да се напука. Внимателно залепете ръбовете към таблета, без да пропускате. В противен случай на тези места ще се появи вълна. За малки парчета се използват гумички, които са два вида. Един от тях е обикновена дъска, която се вкарва в дървена рамка. Хартията се поставя върху дъската и се сгъва по краищата, след което дъската се вкарва в рамката. Не е нужно да прибягвате до използване на каквото и да е лепило.

Вторият тип са две дървени рамки, които се вписват една в една, като обръч за бродиране. Хартията се полага върху по-малката рамка и се притиска към по-голямата.

Запазване на акварелни произведения.

Тънките слоеве акварелна боя лесно се обезцветяват и лошо се защитават от свързващото вещество. Повечето прозрачни мастила сами по себе си не са трайни.

Те обаче привличат със своята красота и затова е трудно за художниците да се разделят с тях. Акварелът се страхува от светлината. На светлината цветовете избледняват и хартията губи своята белота. Акварелите трябва да се съхраняват в райони с умерена светлина и сух въздух. Поддържането на акварели в силно осветени стаи е естествено варварство. Те се държат под стъкло (рисуването не трябва да докосва стъклото), където до известна степен са защитени от външни влияния от предната страна, а отвътре остават незащитени.

За по-добро запазване на акварелите са предложени методи, които са трудни за прилагане на практика.

Едно от тях е да поставите акварела между две запечатани чаши.

Той наистина защитава бързо избледняващите бои, но почерняващите бои почерняват още по-бързо.

Също така се предлага изпомпване на въздух от пространството между двете запечатани стъкла, разбира се, този метод ще даде най-добър резултат, но е трудно да се приложи на практика.

Понякога акварелите се лакират с бял шеллак с алкохол или вода. Лакът наистина предпазва акварела от влага, придава яркост на цветовете, но покритият с лак акварел придобива необичаен вид.

5. Рисуване на група обекти от природата. Натюрморт в цвят

Рисуването от природата развива умения за наблюдение и развива умения за рисуване у детето. В крайна сметка, рисувайки от природата предмети с различен размер, цвят и форма, детето упражнява в изграждането на композиции.

Можете да рисувате от природата с молив, флумастер и бои.

Първата стъпка в рисуването от живота е настройването на темата за рисуване.

За да улесните рисуването, обектът трябва да бъде поставен пред вас на разстояние от три от неговите размери.

Втората стъпка е скициране на тези общи форми на обекта върху лист хартия, тоест правилното им разположение.

Третият етап е сенчестото засенчване на изобразения обект. За художниците този етап се нарича разработка. Когато покривате фона и обекта с цвят, не забравяйте за сянката.

Рисуването от живота трябва да започне с прости предмети. Нека се опитаме да нарисуваме кутия от природата. Вземете правоъгълна кутия и я поставете на масата пред нас.

Нека видим колко страни виждаме - едната страна или също капак? Нека нарисуваме кутията така, както я виждаме от нашето място.

Сега нека завършим чертежа, като завържем кутията с панделка.

Когато рисувате от природата, от време на време е необходимо да проверявате правилността на изображението, отдалечавайки се от чертежа с 2-3 метра.

Натюрморт в цвят.

Натюрмортът се счита за един от най-трудните жанрове. Същото обаче може да се чуе и за всички други жанрове, но фактът, че натюрмортът е най-креативният жанр, несъмнено е. За да снимате или рисувате натюрморти, ви е необходимо вдъхновение. Защото, за разлика от други, в натюрморта първоначално липсва обект за снимане. Просто казано, няма какво да снимате или рисувате, докато сами не измислите сюжет във въображението си и след това го създадете в действителност. Необходимо е да изберете „участници“, да изградите композиция от тях, да обмислите възможностите за осветление и да изложите светлината, като същевременно се вземат предвид такива нюанси като средата, в която се намира композицията, взаимодействието на обектите помежду си и околната среда, тяхната съвместимост по цвят, текстура, размер и много повече. Тези. процесът на създаване на натюрморт включва не само фотография като такава, но и създаване на сюжет. Следователно жанрът на натюрморта може спокойно да се нарече творчество на площада.

Заключение

В заключение нека обобщим горното:

По техника и начин на изпълнение живописта се подразделя на масло, темпера, фреска, восък, мозайка, витражи, акварел, гваш, пастел.

В съвременната живопис има следните жанрове: портрет, исторически, митологичен, битка, ежедневие, пейзаж, натюрморт, анималистичен жанр.

Историческата живопис е образ на определени исторически моменти, както и фигури от обществения живот от миналото.

Бойната живопис има за цел да улови битки, битки и войни. Митологичната живопис изобразява събития, описани в митове, епоси и легенди.

Домакинската (жанрова) живопис е изображение на сцени от реалния живот, неговите реалности и атрибути.

Пейзажната (пейзажна) живопис е изображение на природна природа или която и да е област.

Портретната живопис е художествен образ на човек. Специфичен тип портрет е автопортретът.

Натюрмортът е изображение на различни неживи предмети, например плодове, цветя, предмети от бита, прибори, поставени в реална домакинска среда и композиционно организирани в една група.

Списък с референции

1. Батракова С. П. Художник на ХХ век. и езика на живописта. М., 1996.

2. Уипър Б.Р. Въведение в историческото изследване на изкуството. М., Изобразително изкуство, 1985

3. Западното изкуство от ХХ век. Класическо наследство и модерност. М, 1992.

4. История на чуждестранното изкуство. М., Изобразително изкуство, 1984

5. История на световното изкуство. 3-то издание, Издателство "Академия", М., 1998.

6. От конструктивизъм до сюрреализъм. М., 1996.

7. Поляков В.В. История на световното изкуство. Изобразително изкуство и архитектура на 20 век М., 1993.

8. Садохин А.П. Културология: Теория и история на културата: Учебник. - М.: Eksmo, 2007.

9. Съвременно западно изкуство. XX век: проблеми и тенденции. М., 1982.

10. Суздалев П. За жанровете на живописта. // Творчество, 2004, No 2, 3. С. 45-49.

Публикувано на Allbest.ru

...

Подобни документи

Кратък преглед на историята на енкаустиката. Разглеждане на характеристиките на тази техника на рисуване в египетско, гръцко и римско антично изкуство. Енкаустика в съвременния свят. Използването на електричество за развитието на монументална и станкова рисунка с восък.

резюме, добавено на 22.01.2015

Проучване на особеностите на Хохлома, декоративно рисуване върху дървени изделия. Палех е вид руска народна миниатюрна живопис върху лакове от папие-маше. Декоративна маслена живопис върху метални подноси. Изпълнение на живопис Городец.

презентация добавена на 29.11.2016

Проучване на представители на италианската школа по живопис. Характеристика на характеристиките на основните видове изобразително изкуство: станкова и приложна графика, скулптура, архитектура и фотография. Изследване на техники и методи за работа с маслени бои.

курсова работа, добавена на 15.02.2012

Анализ на историческите аспекти на появата и развитието на миниатюрна лакова живопис в Русия. Основните теми на ловния жанр. Етапи на работа по създаването на композиция на тема „Патешки лов“. Разработване на технологичната последователност за боядисване на кутията.

теза, добавена на 29.07.2012г

Историята на развитието на акварелите в Европа и Русия. Материали, оборудване и инструменти за акварелна живопис, характеристики на основните й техники: работа „мокра“, техника „A La Prima“, еднослойна акварел „суха“, многослойна акварел (глазура).

резюме, добавено на 06.09.2014

Изследване на историческото развитие и формиране на гравюрата. Особености на дизайнерските техники и методи за печат в средата на 18 век. Описания на монументална, станкова и декоративна гравюра. Анализ на творчеството на руските гравьори М. Махаев, И. Соколов.

тест, добавен на 11.09.2014

Формиране на умения за рисуване от природата. Изучаване на техниката за рисуване на кленово есенно листо с акварели "мокри". Етапи на работа в цвят. Общо търсене и усъвършенстване на композицията. Разработване на основните обеми на обектни форми. Работете върху детайлите.

разработване на урок, добавен на 06/11/2016

Изследване на особеностите на развитието на китайската живопис от династията Сун. Характеристики на живописта от периода на Северната и Южната песен. Отражение на идеологическите принципи на будизма на Чан в пейзажната живопис от този период. Влияние на конфуцианските учения върху Сунг живопис.

курсова работа, добавена на 27.05.2015

Определяне на чертите на Ренесанса. Разглеждане на характеристиките на живописта, архитектурата и скулптурата от дадена епоха, основните автори. Изучаване на нов поглед върху човек, жена в изкуството, развиване на силата на мисълта и интереса към човешкото тяло.

резюме добавено на 02.04.2015

Рафаел Санти и неговите творчески начинания. Концепцията за монументалната живопис като жанр на изобразителното изкуство. Сравнителен анализ на произведения на монументалната живопис от Рафаел Санти. Методи на рисуване по примера на стенописите „Спор за тайнството“ и „Атинското училище“.

ВЪВЕДЕНИЕ

1. ВИДОВЕ ЖИВОПИС

2. ЖИВОПИС И НЕЙНИЯТ ЖАНР

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

СПИСЪК НА ЛИТЕРАТУРА

ВЪВЕДЕНИЕ

1. ВИДОВЕ ЖИВОПИС

Монументална живопис е специален вид мащабни картини, които украсяват стените и таваните на архитектурните структури. Разкрива съдържанието на основните социални явления, оказали положително влияние върху развитието на обществото, прославя и увековечава ги, като помага за възпитанието на хората в духа на патриотизма, прогреса и хуманността. Възвишеността на съдържанието на монументалната живопис, значителният размер на нейните произведения, връзката с архитектурата изискват големи цветни маси, строга простота и лаконичен състав, яснота на контурите и обобщение на пластичната форма.

Декоративна живопис Използва се за декорация на сгради, интериори под формата на цветни панели, които с реалистично изображение създават илюзия за пробив на стената, визуално увеличаване на размера на помещението или, напротив, с умишлено сплескани форми потвърждават плоскостта на стената и заграждението на пространството. Модели, венци, гирлянди и други видове декор, украсяващи произведения на монументалната живопис и скулптура, обвързват всички елементи на интериора, подчертавайки тяхната красота, съответствие с архитектурата.

Театрална и декоративна живопис (декори, костюми, грим, реквизит, направени по скици на художника) помага за по-дълбоко разкриване на съдържанието на представлението. Специалните театрални условия за възприемане на пейзажа изискват отчитане на многото гледни точки на публиката, голямото им разстояние, ефекта на изкуственото осветление и цветните светлини. Декорацията дава представа за мястото и времето на действието, активира възприятието на зрителя за случващото се на сцената. Театралният артист се стреми рязко да изрази индивидуалния характер на персонажите, техния социален статус, стила на епохата и много повече в скици на костюми и грим.

Миниатюрна живопис получи голямо развитие през Средновековието, преди изобретяването на печата. Ръкописните книги бяха украсени с най-фините шапки, окончания, подробни илюстрации, миниатюри. Техниката на рисуване на миниатюра е била умело използвана от руските художници от първата половина на 19 век за създаване на малки (предимно акварелни) портрети. Чистите дълбоки цветове на акварелите, техните изискани комбинации, бижута, тънкостта на писане отличават тези портрети, пълни с грация и благородство.

Станкова живопис, изпълнена на машинен статив, използва дърво, картон, хартия като материална основа, но най-често платно, опънато на носилка. Станковата картина, като самостоятелна творба, може да изобрази абсолютно всичко: действително и измислено от художника, неживи предмети и хора, модерност и история - накратко, живот във всичките му проявления. За разлика от графиката, станковата живопис има богатство на цветовете, което помага емоционално, психологически, многостранно и фино да предаде красотата на околния свят.

Живопис с маслени бои извършва се с боя, изтрита с растителни масла. Плътната боя се втечнява, когато към нея се добавят масло или специални разредители и лакове. Маслената боя може да се използва върху платно, дърво, картон, хартия, метал.

Темпера боядисването се извършва с боя, приготвена върху яйчен жълтък или казеин. Боята Tempera е водоразтворима и се нанася пастообразна или течна върху стена, платно, хартия, дърво. Темпера в Русия създава стенни рисунки, икони и шарки върху предмети от бита. В наши дни темпера се използва в живописта и графиката, в декоративно-приложните изкуства и в дизайна и декорацията.

Восъчна живопис (енкаустика) все още е била използвана от художниците на Древен Египет, за което свидетелстват известните „Фаюмски портрети“ (1 век от н.е.). Свързващото вещество в енкаустика е избелен восък. Восъчните бои се нанасят в разтопено състояние върху нагрята основа, след което се каутеризират.

Мозаечна живопис, или мозайка, се сглобява от отделни парчета смалт или цветни камъни и се фиксира върху специална циментова основа. Прозрачен смалт, вмъкнат в земята под различни ъгли, отразява или пречупва светлината, карайки цвета да мига и да трепти. Мозаечни панели могат да бъдат намерени в метрото, в театралните и музейните интериори и др. Витражите са произведение на декоративното изкуство, предназначено да украси отворите на прозорци във всяка архитектурна структура. Витражът е съставен от парчета цветно стъкло, държани заедно от здрава метална рамка. Светлинният поток, пробивайки цветната повърхност на витража, рисува декоративно ефектни, многоцветни шарки по пода и стените на интериора.

2. ЖИВОПИС И НЕЙНИЯТ ЖАНР

Жанровете на живописта (фр. Genre - род, вид) е исторически установено разделение на живописните произведения в съответствие с темите и обектите на изображението. В съвременната живопис има следните жанрове: портрет, исторически, митологичен, битка, ежедневие, пейзаж, натюрморт, анималистичен жанр.

Въпреки че понятието „жанр“ се появява в живописта сравнително наскоро, някои жанрови различия съществуват още от древността: изображения на животни в пещерите от епохата на палеолита, портрети на Древен Египет и Месопотамия от 3 хиляди години пр. Н. Е., Пейзажи и натюрморти в елинистични и римски мозайки и стенописи. Формирането на жанра като система в стативната живопис започва в Европа през 15-15 век. и завършва главно през 17 век, когато освен разделението на изобразителното изкуство на жанрове се появява понятието „висок“ и „нисък“ жанрове, в зависимост от предмета на изображението, темата, сюжета.

Историческите и митологични жанрове бяха отнесени към „високия“ жанр, портрет, пейзаж, натюрморт - към „ниския“ жанр. Тази градация на жанровете продължава до 19 век. И така, през 17 век в Холандия именно „ниските“ жанрове (пейзаж, жанр, натюрморт) стават водещите в живописта, а церемониалният портрет, който формално принадлежи към „ниския“ жанр на портрета, не принадлежи към такива.

Превърнали се в форма на показване на живота, живописните жанрове с цялата стабилност на общите черти не са непроменени, те се развиват заедно с живота, променяйки се с развитието на изкуството. Някои жанрове отмират или придобиват ново значение (например митологичен жанр), появяват се нови, обикновено в рамките на вече съществуващи (например, архитектурен пейзаж и морски пейзаж се появяват в пейзажен жанр). Появяват се произведения, които съчетават различни жанрове (например комбинацията от жанр с пейзаж, групов портрет с исторически жанр).

Нарича се жанр на изобразителното изкуство, който отразява външния и вътрешния облик на човек или група хора портрет... Този жанр е широко разпространен не само в живописта, но и в скулптурата, графиката и т.н. Основните изисквания за портрет са пренасянето на външни прилики и разкриването на вътрешния свят, същността на характера на човека. По естеството на изображението се разграничават две основни групи: церемониални и камерни портрети. Церемониален портрет показва човек в пълен ръст (на кон, изправен или седнал), на фона на архитектура или пейзаж. В камерен портрет се използва изображение с половин дължина или бюст на неутрален фон. Автопортретът - образът на художника за себе си - се откроява в специална група.

Портретът е един от най-старите жанрове на изобразителното изкуство, първоначално е имал култова цел, той е бил идентифициран с душата на починалия. В древния свят портретирането се развива по-силно в скулптурата, както и в живописните портрети - фаюмски портрети от 1 - 3 век. През Средновековието концепцията за портрет е заменена от обобщени изображения, въпреки че има някои индивидуални особености в изобразяването на исторически фигури върху стенописи, мозайки, икони, миниатюри. Късната готика и Ренесанс е бурен период от развитието на портрета, когато се осъществява формирането на портретен жанр, достигащ върховете на хуманистичната вяра в човека и разбирането за неговия духовен живот.

Нарича се жанр на изобразителното изкуство, посветен на исторически събития и персонажи исторически жанр... Историческият жанр, който се характеризира с монументалност, се е развил дълго време в стенната живопис. От Ренесанса до 19 век. художниците са използвали сюжети от древната митология и християнски легенди. Често реалните исторически събития, изобразени в картината, бяха наситени с митологични или библейски алегорични персонажи.

Историческият жанр се преплита с други - жанрът на ежедневието (исторически сцени), портрет (изобразяване на исторически фигури от миналото, портретно-исторически композиции), пейзаж („исторически пейзаж“), слива се с битвия жанр.

Историческият жанр е въплътен в статив и монументални форми, в миниатюри, илюстрации. Възникнал в древността, историческият жанр съчетава реални исторически събития с митове. В страните от Древния Изток имаше дори видове символични композиции (апотеозът на военните победи на монарха, прехвърлянето на властта върху него от божество) и повествователни цикли на картини и релефи. В древна Гърция е имало скулптурни изображения на исторически герои, в древен Рим са създадени релефи със сцени на военни кампании и триумфи.

През Средновековието в Европа историческите събития се отразяват в миниатюри на хроники, в икони. Историческият жанр в статива започва да се оформя в Европа през Ренесанса, през 17 - 18 век. на него се гледаше като на „висок“ жанр, подчертаващ (религиозни, митологични, алегорични, всъщност исторически субекти).

Картините от историческия жанр бяха изпълнени с драматично съдържание, високи естетически идеали и дълбочината на човешките отношения.

Нарича се жанрът на изобразителното изкуство, посветен на героите и събитията, за които митовете на древните народи разказват митологичен жанр (от гръцки mythos - легенда). Митологичният жанр влиза в контакт с историческия и се оформя през Ренесанса, когато древните легенди предоставят най-богатите възможности за въплъщение на истории и персонажи със сложни етични, често алегорични нюанси. През XVII век. - рано. XIX век в произведенията от митологичния жанр се разширява кръгът от морални, естетически проблеми, които са въплътени във високи художествени идеали и или се доближават до живота, или създават празничен спектакъл. От XIX-XX век. популярни стават теми на германски, келтски, индийски, славянски митове.

Боен жанр (от френски bataille - битка) е жанр на живописта, който е част от историческия, митологичен жанр и е специализиран в изобразяването на битки, военни подвизи, военни действия, възхваляване на военната доблест, яростта на битката, триумфа на победата. Бойният жанр може да включва елементи от други жанрове - ежедневие, портрет, пейзаж, анималистика, натюрморт.

Нарича се жанрът на изобразителното изкуство, показващ сцени от ежедневието, личния живот на човек, ежедневието от селския и градския живот. ежедневен жанр... Призиви към живота и обичаите на хората вече се срещат в картините и релефите на Древния Изток, в античната ваза и скулптура, в средновековните икони и книгите на часовете. Но всекидневният жанр се открояваше и придобива характерните си форми само като феномен на светското станково изкуство. Основните му характеристики започват да се оформят през XIV-XV век. в олтарни картини, релефи, гоблени, миниатюри в Холандия, Германия, Франция. През 16 век в Холандия жанрът на ежедневието започва да се развива бързо и се изолира. Един от неговите основатели е Йероним Бос.

Развитието на жанра на ежедневието в Европа беше силно повлияно от работата на Питер Брьогел: той преминава към чист жанр, показва, че ежедневието може да бъде обект на изследване и източник на красота. 17 век може да се нарече век на жанровия жанр във всички училища по живопис в Европа.

През 18 век. във Франция жанровата живопис се свързва с изобразяването на галантни сцени, "пасторали", става изискана и грациозна, иронична. Творбите на ежедневния жанр са разнообразни: те показаха топлината на домашния живот и екзотиката на далечните страни, сантименталните преживявания и романтичните страсти. Жанрът на ежедневието, фокусиран върху показването на селския живот и живота на градски жител, се развива ярко в руската живопис от 19-ти век: например в творбите на А. Г. Венецианов, П. А. Федотов, В. Г. Перов, И. Е. Репин.

Жанр на изобразителното изкуство, където основното е изображението на природата, околен свят, видове провинция, градове, исторически паметници, наречени пейзаж (fr.paysage). Разграничаване между селски, градски, архитектурен, индустриален, морски (яхтено пристанище) и речен пейзаж.

В древността и през Средновековието пейзажът се появява в картините на храмове, дворци, в икони и в миниатюри. В европейското изкуство първите, които се обърнаха към изобразяването на природата, бяха венецианските художници от Възраждането. От XVI век. пейзажът се превръща в самостоятелен жанр, формират се неговите разновидности и направления: лирически, героичен, документален пейзаж. През XIX век. творчески открития на ландшафтни майстори, насищането му със социални проблеми, развитието на пленер (имиджът на природната среда) завършва с постиженията на импресионизма, които дават нови възможности в живописния трансфер на пространствена дълбочина, изменчивост на светлинно-въздушната среда, сложността на цветовата гама.

Нарича се жанр на изящното изкуство, който показва предмети от бита, труд, творчество, цветя, плодове, смачкана дивеч, уловена риба, поставена в реална домакинска среда натюрморт (Френска природа morte - мъртва природа). Натюрмортът може да бъде надарен със сложно символично значение, да играе ролята на декоративно пано, да бъде т.нар. "трик", който дава илюзорно възпроизвеждане на реални предмети или фигури, предизвикващо ефекта от присъствието на истинска природа.

Изобразяването на предмети е известно дори в изкуството на античността и Средновековието. Но за първи натюрморт в стативната живопис се смята картина на художника от Венеция Якопо де Барбари „Яребица със стрела и ръкавици“. Още през 16 век натюрмортът е разделен на много видове: кухненски интериор със или без хора, положена маса в селска обстановка, „ванитас“ със символични предмети (ваза с цветя, угаснала свещ, музикални инструменти). Особено богат беше холандският натюрморт, скромен на цвят и на изобразените неща, но изискан в изразителната текстура на предметите, в играта на цвят и светлина.

Нарича се изящен жанр с участието на животни анималистичен жанр (от лат. животно - животно). Живописецът обръща внимание на художествените и фигуративни характеристики на животното, неговите навици, декоративната изразителност на фигурата и силуета. Животните често са надарени с човешки черти, действия и преживявания. Изображения на животни често се срещат в антична скулптура и ваза.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В заключение нека обобщим горното:

Домакинската (жанрова) живопис е изображение на сцени от реалния живот, неговите реалности и атрибути.

Пейзажната (пейзажна) живопис е изображение на природна природа или която и да е област.

Портретната живопис е художествен образ на човек. Специфичен тип портрет е автопортретът.

СПИСЪК НА ЛИТЕРАТУРА

1. Батракова С. П. Художник на ХХ век. и езика на живописта. М., 1996.

2. Уипър Б.Р. Въведение в историческото изследване на изкуството. М., Изобразително изкуство, 1985

3. Западното изкуство от ХХ век. Класическо наследство и модерност. М, 1992.

4. История на чуждестранното изкуство. М., Изобразително изкуство, 1984

5. История на световното изкуство. 3-то издание, Издателство "Академия", М., 1998.

6. От конструктивизъм до сюрреализъм. М., 1996.

7. Поляков В.В. История на световното изкуство. Изобразително изкуство и архитектура на 20 век М., 1993.

8. Садохин А.П. Културология: Теория и история на културата: Учебник. - М.: Eksmo, 2007.

9. Съвременно западно изкуство. XX век: проблеми и тенденции. М., 1982.

10. Суздалев П. За жанровете на живописта. // Творчество, 2004, No 2, 3. С. 45-49.

Подобни документи

Обща характеристика, класификация и видове пейзаж като един от актуалните жанрове на изкуството. Разкриване на характеристиките, взаимовръзките на пейзажния жанр в живописта, фотографията, киното и телевизията. Историята на появата на фотографията в края на XIX-XX век.

резюме добавено 26.01.2014

Концепцията за стативната живопис като независима форма на изкуството. Корейска живопис от периода на царството на Гогурьо. Изобразително изкуство и архитектура на Сила. Изключителни художници и техните творения. Характеристики на съдържанието на корейската народна живопис.

резюме, добавено на 06.04.2012

Произходът на изкуството през пещерната епоха. Развитието на изкуството в Древна Гърция и Рим. Особености на развитието на живописта през Средновековието, Ренесанса и Барока. Художествени тенденции в съвременното изкуство. Същността на красотата от морална гледна точка.

статия добавена на 16.02.2011

Система за класифициране на изкуството в групи от пространствени (пластични), времеви (динамични), синтетични (ефектни) видове. Историческо развитие, особености и методи за използване на художествени материали в графика, скулптура и живопис.

тест, добавен на 29.01.2010

курсова работа, добавена на 15.02.2012

Портрет като жанр в живописта. Историята на портретната живопис. Портрет в руската живопис. Изграждане на композицията на портрета. Техника на маслена живопис. Основата за рисуване. Маслени бои и четки. Цветова палитра и смесване на боята.

теза, добавена на 25.05.2015г

Произходът и развитието на холандското изкуство през 17 век. Изучаване на творчеството на най-големите майстори на холандския и холандския жанр и пейзажна живопис. Проучване на специфичните особености на жанровете като жанр, портрет, пейзаж и натюрморт.

тест, добавен на 12.04.2014

Натюрмортът като един от жанровете на изобразителното изкуство, запознаване с уменията и способностите на живописта. Характеристики на използването на течни акрилни бои. Запознаване със задачите по рисуване. Анализ на силно аскетичното изкуство на Византия.

курсова работа, добавена на 09.09.2013

Характеристики на интериорната живопис, която съществува както като независим жанр на изкуството, така и като фон в произведения, които изобразяват исторически, ежедневни събития. Анализ на интериорните особености в картините на майсторите на живописта К. Брюлов, И. Репин.

тест, добавен 26.08.2011

Характерни черти на древноримското изкуство. Историческите корени на римската култура. Римски стил на рисуване. Основните насоки и разнообразие на древноримската живопис: Фаюмски портрети, монументална живопис, етруска живопис.

Стилове и посоки на рисуване

Броят на стиловете и тенденциите е огромен, ако не и безкраен. Стиловете в изкуството нямат ясни граници, те плавно се сливат един в друг и са в непрекъснато развитие, смесване и противопоставяне. В рамките на един исторически стил на изкуството винаги се ражда нов, а той от своя страна преминава в следващия. Много стилове съжителстват едновременно и следователно изобщо няма „чисти стилове“.

Абстракционизъм (от лат. abstractio - отстраняване, разсейване) - художествена посока в изкуството, която отказва да изобразява форми, близки до реалността.

Авангард, авангард (от френския авангард - авангард) - общото наименование на художествените тенденции в изкуството на 20-ти век, които се характеризират с търсенето на нови форми и средства за художествено показване, подценяване или пълно отхвърляне на традициите и абсолютизирането на иновациите.

Академизъм (от френския академизъм) - тенденция в европейската живопис от 16-19 век. Тя се основава на догматично придържане към външните форми на класическото изкуство. Последователите характеризират този стил като разсъждение над формата на изкуството на древния античен свят и Ренесанса. Академизмът компенсира традициите на древното изкуство, в които образът на природата е идеализиран, като същевременно компенсира нормата на красотата. Анибале, Агостино и Лодовико Карачи са писали в този стил.

Акционизъм (от английското action art - изкуството на действието) - хепънинг, представление, събитие, изкуство на процеса, изкуство на демонстрация и редица други форми, възникнали в авангардното изкуство от 60-те години. В съответствие с идеологията на акционизма, художникът трябва да организира събития и процеси. Акционизмът се стреми да размие границата между изкуството и реалността.

Стил ампир (от френска империя - империя) - стил в архитектурата и декоративното изкуство, възникнал във Франция в началото на 19 век, по време на Първата империя на Наполеон Бонапарт. Стилът ампир е окончателното развитие на класицизма. За въплъщение на величие, изтънченост, лукс, мощ и военна сила, Империята се характеризира с апел към древното изкуство: древни египетски декоративни форми (военни трофеи, крилати сфинксове ...), етруски вази, помпейска живопис, гръцки и римски декор, ренесансови стенописи и орнаменти. Основният представител на този стил беше Дж. Л. Дейвид (картини "Клетвата на хоратите" (1784), "Брут" (1789))

Под земята (от английски ъндърграунд - ъндърграунд, ъндърграунд) - редица художествени тенденции в съвременното изкуство, противопоставящи се на масовата култура, основния поток. Ъндърграундът отхвърля и нарушава политическите, морални и етични ориентации и видове поведение, приети в обществото, като въвежда асоциално поведение в ежедневието. В съветския период поради строгостта на режима почти всичко, което е неофициално, т.е. непризнато от властите, изкуството се оказа под земята.

Арт Нуво (от френското модерно, буквално - ново изкуство) - името на модерния стил, широко разпространен в много страни (Белгия, Франция, Англия, САЩ и др.). Най-известният художник в тази област на живописта: Алфонс Муха.

Арт Деко (от френския арт деко, съкратено от decoratif) - посоката в изкуството в средата на 20 век, която бележи синтеза на авангарда и неокласицизма, замени конструктивизма. Отличителни черти на тази тенденция: умора, геометрични линии, лукс, шик, скъпи материали (слонова кост, крокодилска кожа). Най-известната художничка в тази посока е Тамара де Лемпичка (1898-1980).

Барок (от италиански barocco - странен, странен или от port.perola barroca - перла с неправилна форма, има и други предположения за произхода на тази дума) - художествен стил в изкуството на късния Ренесанс. Отличителни черти на този стил: преувеличение на размера, прекъснати линии, изобилие от декоративни детайли, тежест и колосалност.

Ренесансът, или Ренесансът (от френския ренесанс, италиански rinascimento) е епоха в историята на европейската култура, която замества културата на Средновековието и предшества културата на новото време. Приблизителна хронологична рамка на епохата - XIV-XVI век. Отличителна черта на Ренесанса е светската същност на културата и нейният антропоцентризъм (т.е. интерес преди всичко към човек и неговите дейности). Има интерес към древната култура, има като че ли нейното „възраждане“ - и терминът се появи. Рисувайки картини на традиционни религиозни теми, художниците започнаха да използват нови художествени техники: изграждане на обемна композиция, използвайки пейзаж във фонов режим, което им позволи да направят изображенията по-реалистични и оживени. Това рязко отличаваше творчеството им от предишната иконографска традиция, изпълнена с конвенции в изображението. Най-известните художници от този период: Сандро Ботичели (1447-1515), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаел Санти (1483-1520), Микеланджело Буонароти (1475-1564), Тициан (1477-1576), Антонио Кореджо (1489 -1534), Йероним Бош (1450-1516), Албрехт Дюрер (1471-1528).

Woodland (от английски - горска земя) е стил в изкуството, който произхожда от символиката на скалните рисунки, митове и легенди на северноамериканските индианци.

Готика (от италиански gotico - необичаен, варварски) - период в развитието на средновековното изкуство, обхващащ почти всички области на културата и развиващ се в Западна, Централна и отчасти Източна Европа от 12 до 15 век. Готиката завършва развитието на европейското средновековно изкуство, излизащо от постиженията на романската култура, а през Ренесанса средновековното изкуство се счита за „варварско“. Готическото изкуство беше култово по предназначение и религиозно по тема. Той се обърна към най-висшите божествени сили, вечността, християнския мироглед. Готиката в своето развитие се подразделя на ранна готика, процъфтяваща, късна готика.

Импресионизмът (от френското впечатление - впечатление) е тенденция в европейската живопис, възникнала във Франция в средата на 19 век, чиято основна цел е била да предаде мимолетни, променливи впечатления.

Кич, кич (от немски kitsch - лош вкус) е термин, обозначаващ един от най-одиозните феномени на масовата култура, синоним на псевдо-изкуство, в който акцентът е върху екстравагантността на външния вид, силата на неговите елементи. Всъщност кичът е вид постмодернизъм. Кичът е масово изкуство за избрани. Произведение, принадлежащо на кича, трябва да бъде направено на високо художествено ниво, трябва да има завладяващ сюжет, но това не е истинско произведение на изкуството във висок смисъл, а умела имитация на него. В кича може да има дълбоки психологически сблъсъци, но няма истински художествени открития и разкрития.

Класицизмът (от лат. Classicus - примерен) е художествен стил в изкуството, чиято основа е обжалването, като идеален естетически стандарт, към образите и формите на античното изкуство и Ренесанса, изискващо стриктно спазване на редица правила и канони.

Космизмът (от гръцки kosmos - организиран свят, kosma - украса) е художествено-философски мироглед, който се основава на познанието за Космоса и идеята за личността като гражданин на Света, както и микрокосмос, подобен на Макрокосмоса. Космизмът е свързан с астрономическото познание за Вселената.

Кубизмът (от френски cube - куб) е модернистична посока в изкуството, изобразяваща обекти от реалността, разложени в най-простите геометрични фигури.

Lettrism (от английската буква - писмо, съобщение) е тенденция в модернизма, основана на използването на изображения, подобни на шрифт, нечетлив текст, както и композиции, базирани на букви и текст.

Метареализмът, метафизичният реализъм (от гръцки meta - между и gealis - материален, реален) е тенденция в изкуството, чиято основна идея е да изрази свръхсъзнанието, суперфизичната същност на нещата.

Минимализмът (произлиза от английското minimal art - минимално изкуство) е художествено движение, което произтича от минимална трансформация на материали, използвани в процеса на креативност, простота и еднородност на формите, монохромност, творческо самоограничение на художника. Минимализмът се характеризира с отхвърляне на субективност, представителност, илюзионизъм. Отхвърляйки класическите техники и традиционните художествени материали, минималистите използват индустриални и естествени материали с прости геометрични форми и неутрални цветове (черно, сиво), малки обеми, използват серийни, конвейерни методи за индустриално производство.

Модерният (произлизащ от френския moderne - най-новият, модерен) е художествен стил в изкуството, при който характеристиките на изкуството на различни епоксиди се преосмислят и стилизират с помощта на практически идеи, основни принципи.

Неопластиката е една от най-ранните разновидности на абстрактното изкуство. Създаден през 1917 г. от холандския художник П. Мондриан и други художници, членували в асоциацията "Стил". Неопластиката се характеризира, според създателите му, със стремеж към „универсална хармония“, изразен в строго балансирани комбинации от големи правоъгълни фигури, ясно отделени от перпендикулярни черни линии и боядисани в локални цветове на основния спектър (с добавяне на бели и сиви тонове).

Примитивизъм, наивно изкуство, наивно - стил на рисуване, при който картината е умишлено опростена, формите й са направени примитивни, като народното изкуство, дело на дете или първобитен човек.

Op-art (от английското оптично изкуство - оптично изкуство) е неоавангардна тенденция във визуалните изкуства, при която ефектите от пространственото движение, сливането и „извисяването“ на формите се постигат чрез въвеждане на остри цветови и тонални контрасти, ритмични повторения, пресичане на спирални и решетъчни конфигурации, извиване линии.

Ориентализмът (от латински oriens - изток) е посока в европейското изкуство, която използва теми, символи и мотиви на Изтока и Индокитай

Орфизмът (от френски orphisme, от Orp? Ee - Орфей) е тенденция във френската живопис от 1910-те години. Заглавието е дадено през 1912 г. от френския поет Аполинер на картината на художника Робърт Делоне. Орфизмът се свързва с кубизма, футуризма и експресионизма. Основните характеристики на този стил на рисуване са естетизъм, пластичност, ритъм, грациозност на силуети и линии.
Майстори на орфизма: Робърт Делоне, Соня Терк-Делоне, Франтишек Купка, Франсис Пикабия, Владимир Баранов-Росине, Фернан Леже, Морган Ръсел.

Поп изкуството (от английското pop - рязък звук, лек памук) е неоавангардна тенденция във визуалните изкуства, при която реалността е типични обекти на съвременния урбанизиран живот, образци на масова култура и цялата изкуствена материална среда, заобикаляща човек

Постмодернизмът (от френския постмодернизъм - след модернизма) е нов художествен стил, който се различава от модернизма чрез връщане към красотата на вторична реалност, разказ, апел към сюжет, мелодия и хармония на вторичните форми. Постмодернизмът се характеризира с обединяване на стилове, фигуративни мотиви и художествени техники, заимствани от различни епохи, региони и субкултури в рамките на едно произведение.

Реализмът (от лат. Gealis - материален, реален) е тенденция в изкуството, характеризираща се с образа на социални, психологически и други явления, които максимално съответстват на реалността.

Рококо (произлиза от френски рококо, rocaille) е стил в изкуството и архитектурата, възникнал във Франция в началото на 18 век. Отличава се с грация, лекота, интимен и флиртуващ характер. Заменяйки тежкия барок, рококо е както логичният резултат от неговото развитие, така и неговият артистичен антипод. Рококото е обединено с бароковия стил чрез стремеж към завършеност на формите, но ако барокът гравитира към монументална тържественост, тогава рококо предпочита грацията и лекотата.

Символизмът (от френски symbolisme - знак, идентифициращ знак) е художествена посока в изкуството, основана на въплъщение на основните идеи на творбата чрез многозначната и многостранна асоциативна естетика на символите.

Социалистическият реализъм, социалистическият реализъм е художествена тенденция в изкуството, която е естетически израз на социалистически осъзнатата концепция за света и човека, дължаща се на ерата на социалистическото общество.

Хиперреализъм, суперреализъм, фотореализъм (от англ. Hyperrealism - над реализъм) - тенденция в изкуството, основана на точно фотографско възпроизвеждане на реалността.

Сюрреализмът (от френския сюрреализъм - супер + реализъм) е едно от направленията на модернизма, чиято основна идея е да изразява подсъзнанието (да съчетава мечтата и реалността).

Трансавангардизмът (от латински trans - чрез, чрез и френски avantgarde - авангард) е една от съвременните тенденции на постмодернизма, възникнала като реакция на концептуализма и поп изкуството. Трансавангардът обхваща смесването и трансформацията на стилове, родени в авангарда, като кубизъм, фовизъм, футуризъм, експресионизъм и др.

Експресионизмът (произлиза от френския израз - експресивност) е модернистична тенденция в изкуството, която разглежда образа на външния свят само като средство за изразяване на субективните състояния на автора.

През XVII-XVIII век. развитието на европейската живопис се усложнява. Националните училища са сформирани във Франция (J. de Latour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), Италия (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi, F. Guardi), Испания (El Greco, D. Velazquez, F. Zurbaran, B. E. Murillo, F. Goya), Фландрия (P. P Рубенс, Дж. Йордаенс, А. ван Дейк, Ф. Снайдерс), Холандия (Ф. Халс, Рембранд, Й. Вермеер
, J. van Ruisdael, G. Terborch, K. Fabricius), Великобритания (J. Reynolds, T. Gainsborough, W. Hogarth), Русия (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky) ... Живопис прокламира нови социални и граждански идеали, насочен към по-подробно и точно изобразяване на реалния живот в неговото движение и разнообразие, особено ежедневната човешка среда (пейзаж, интериор, предмети от бита); психологическите проблеми се задълбочиха, усещането за конфликтна връзка между индивида и околния свят беше въплътено. През XVII век. системата от жанрове се разширява и очевидно се оформя. През XVII-XVIII век. Наред с процъфтяващата монументална и декоративна живопис (особено в бароков стил), която е съществувала в тясно единство със скулптурата и архитектурата и е създавала емоционална среда, която влияе активно на човек, стативната живопис играе важна роля. Формираха се различни системи за рисуване, и двете притежаващи общи стилистични черти (динамична барокова живопис с характерната си отворена, спираловидна композиция; класицизма живопис с ясен, строг и ясен модел; рококо живопис с игра на изискани нюанси на цвят, светлина и избледнели тонове), а не се вписват във всяка конкретна стилова рамка. Стремейки се да възпроизведат блясъка на света, светлинно-въздушната среда, много художници усъвършенстваха системата на тоналната живопис. Това предизвика индивидуализация на техниките на многослойната маслена живопис. Нарастването на стативната живопис, повишената нужда от творби, предназначени за интимно съзерцание, доведоха до развитието на интимни, фини и леки, живописни техники - пастели, акварели, мастило, различни видове портретни миниатюри.

През XIX век. в Европа и Америка се формират нови национални школи за реалистична живопис. Връзките на живописта в Европа и други части на света се разширяват, където опитът на европейската реалистична живопис получава отличителна интерпретация, често базирана на местните древни традиции (в Индия, Китай, Япония и други страни); Европейската живопис е повлияна от изкуството на страните от Далечния Изток (главно Япония и Китай), което повлиява на обновяването на методите за декоративна и ритмична организация на самолетната живопис. През XIX век. рисуването решава сложни и актуални мирогледни проблеми, играе активна роля в обществения живот; острата критика на социалната реалност придобива голямо значение в живописта. През целия XIX век. в живописта се култивираха и каноните на академизма, които бяха далеч от живота, абстрактната идеализация на образите; възникват тенденциите на натурализма. В борбата срещу абстрактността на късния класицизъм и салонния академизъм се развива романтичната живопис с активния си интерес към драматичните събития от историята и съвременността, енергията на изобразителния език, контраста на светлината и сянката, богатството на цветовете (T. Gericault, E. Delacroix във Франция; F. O. Runge и К. Д. Фридрих в Германия; в много отношения О. А. Кипренски, Силвестър Щедрин, К. П. Брюлов, А. А. Иванов в Русия). Реалистичната живопис, базирана на пряко наблюдение на характерните феномени на реалността, стига до по-пълно, конкретно надеждно, визуално убедително изображение на живота (J. Constable във Великобритания; C. Corot, майстори от школата в Барбизон, O. Daumier във Франция; A. G. Венецианов, П. А. Федотов в Русия). По време на възхода на революционното и националноосвободителното движение в Европа, рисуване на демократичния реализъм (Г. Курбе, Ж. Ф. Милет във Франция; М. Мункачи в Унгария, Н. Григореску и И. Андрееску в Румъния, А. Менцел, В. Лайбъл в Германия и др.) показа живота и работата на хората, борбата им за правата им, обърна се към най-важните събития в националната история, създаде ярки образи на обикновени хора и водещи общественици; в много страни се появиха училища с национален реалистичен пейзаж. Картината на странниците и близки до тях художници - В. Г. Перов, И. Н. Крамской, И. Е. Репин, В. И. Суриков, В.В. И. И. Левитан.

Художественото въплъщение на околния свят в неговата естественост и постоянна изменчивост идва в началото на 70-те години. рисуване на импресионизъм (Е. Мане, К. Моне, О. Реноар, К. Писаро, А. Сисли, Е. Дега във Франция), което обновява техниката и методите за организиране на боядисаната повърхност, разкривайки красотата на чистия цвят и текстурирани ефекти. През XIX век. в Европа преобладава станковата маслена живопис, нейната техника в много случаи придобива индивидуален, свободен характер, като постепенно губи присъщата си строга систематичност (което беше улеснено и от разпространението на нови фабрично направени бои); палитрата се разшири (бяха създадени нови пигменти и свързващи вещества); вместо тъмно оцветени почви в началото на 19 век. отново бяха въведени бели почви. Монументална и декоративна живопис, използвана през 19 век. почти изключително лепило или маслени бои изпаднаха. В края на XIX - началото на XX век. правят се опити за възраждане на монументалната живопис и обединяването на различни видове живопис с произведения на декоративно-приложното изкуство и архитектура в един ансамбъл (главно в ар нуво); актуализират се техническите средства за монументална декоративна живопис и се развива техниката на силикатна живопис.

В края на XIX - XX век. развитието на живописта става особено сложно и противоречиво; съжителстват и се борят различни реалистични и модернистични течения. Вдъхновена от идеалите на Октомврийската революция от 1917 г., въоръжена с метода на социалистическия реализъм, живописта се развива интензивно в СССР и други социалистически страни. Нови школи по живопис се появяват в страните от Азия, Африка, Австралия, Латинска Америка.

Реалистична живопис края на XIX - XX век. отличава се с желанието да опознаем и покажем света във всичките му противоречия, да разкрием същността на дълбоките процеси, протичащи в социалната реалност, които понякога нямат достатъчно визуален облик; отражението и интерпретацията на много явления от реалността често придобива субективен, символичен характер. Живопис от XX век. заедно с визуално видимия обемно-пространствен начин на изображение, той широко използва нови (както и тези, датиращи от древността), условни принципи на интерпретация на видимия свят. Още в живописта на постимпресионизма (П. Сезан, В. ван Гог, П. Гоген, А. Тулуз-Лотрек) и отчасти в живописта на „модерното“ възникват черти, определящи характеристиките на някои движения от 20-ти век. (активен израз на личното отношение на художника към света, емоционалността и асоциативността на цвета, което няма много общо с естествените цветни взаимоотношения, преувеличените форми, декоративността). Светът е интерпретиран по нов начин в изкуството на руските художници от края на XIX - началото на XX век - в картините на В. А. Серов, М. А. Врубел, К. А. Коровин.

През XX век. реалността е противоречива и често и дълбоко субективно възприемана и въплътена в живописта на най-големите художници на капиталистическите страни: П. Пикасо, А. Матис, Ф. Леже, А. Марке, А. Дерен във Франция; D. Rivera, J. C. Orozco, D. Siqueiros в Мексико; Р. Гутузо в Италия; J. Bellows, R. Kent в САЩ. В картините, стенните картини, живописните пана е намерило израз истинното разбиране на трагичните противоречия на реалността, често превръщащо се в излагане на чудовищата на капиталистическата система. Естетичното разбиране на новата, "техническа" ера е свързано с отражението на патоса на индустриализацията на живота, проникването в рисуването на геометрични, "машинни" форми, до които органичните форми често се свеждат, търсенето на нови форми, които отговарят на мирогледа на съвременния човек, който може да се използва в декоративното изкуство, архитектурата и промишленост. Широко разпространен в живописта, главно в капиталистическите страни, от началото на XX век. получи различни модернистични течения, отразяващи общата криза на културата на буржоазното общество; модернистичната живопис обаче отразява косвено „болните” проблеми на нашето време. В рисуването на много модернистични течения (фовизъм, кубизъм, футуризъм, дадаизъм и по-късно сюрреализъм) някои повече или по-малко лесно разпознаваеми елементи на видимия свят са фрагментирани или геометризирани, появяват се в неочаквани, понякога нелогични комбинации, които пораждат много асоциации, сливат се с чисто абстрактни форми. По-нататъшното развитие на много от тези тенденции доведе до пълно отхвърляне на изобразяването, до появата на абстрактна живопис (вж. Абстрактно изкуство), което бележи краха на живописта като средство за отражение и познаване на реалността. От средата на 60-те. в страните от Западна Европа и Америка рисуването понякога се превръща в един от елементите на поп арт.

През XX век. нараства ролята на монументалната и декоративна живопис, както живописна (например революционно-демократична монументална живопис в Мексико), така и неизобразителна, обикновено плоска, в хармония с геометризираните форми на съвременната архитектура.

През XX век. нараства интересът към търсенията в областта на живописните техники (включително восък и темпера; измислят се нови бои за монументална живопис - силикон, върху кремнийорганични смоли и др.), но маслената живопис все още преобладава.

Многонационалната съветска живопис е тясно свързана с комунистическата идеология, с принципите на партийност и националност на изкуството, тя представлява качествено нов етап в развитието на живописта, който се определя от триумфа на метода на социалистическия реализъм. В СССР живописта се развива във всички съюзни и автономни републики, възникват нови национални школи по живопис. Съветската живопис се характеризира с остро усещане за реалност, материалност на света и духовно насищане на образите. Желанието да се прегърне социалистическата реалност в цялата й сложност и пълнота доведе до използването на много жанрови форми, които са изпълнени с ново съдържание. Вече от 20-те години. историческата и революционна тема придобива особено значение (платна на М. Б. Греков, А. А. Дейнека, К. С. Петров-Водкин, Б. В. Йогансон, И. И. Бродски, А. М. Герасимов). Тогава се появяват патриотични платна, разказващи за героичното минало на Русия, показващи историческата драма на Великата отечествена война 1941-45 г., духовната сила на съветския човек.

Портрет играе важна роля в развитието на съветската живопис: колективни образи на хора от народа, участници в революционната реорганизация на живота (А. Й. Архипов, Г. Г. Рижски и др.); психологически портрети, показващи вътрешния свят, духовния състав на съветския човек (М. В. Нестеров, С. В. Малютин, П. Д. Корин и други).

Типичният начин на живот на съветските хора е отразен в жанровата живопис, която дава поетично и живо изображение на нови хора и нов начин на живот. Големи платна, пропити с патоса на социалистическото строителство (С. В. Герасимов, А. А. Пластов, Ю. И. Пименов, Т. Н. Яблонская и др.) Са характерни за съветската живопис. Естетичното одобрение на особените форми на живот на съюзните и автономните републики лежи в основата на националните школи, които са се развили в съветската живопис (М. С. Сарян, Л. Гудиашвили, С. А. Чуйков, У. Тансикбаев, Т. Салахов, Е. Илтнер, М. А Савицки, А. Гудайтис, А. А. Шовкуненко, Г. Айтиев и др.), Представляващи съставните части на единната художествена култура на съветското социалистическо общество.

В пейзажната живописКакто и в други жанрове, националните художествени традиции се съчетават с търсенето на новото, с модерно усещане за природата. Лирическата линия на руската пейзажна живопис (В. Н. Бакшеев, Н. П. Кримов, Н. М. Ромадин и др.) Се допълва от развитието на индустриалния пейзаж с неговите бързи ритми, с мотиви на трансформирана природа (Б. Н. Яковлев, Г. Г. . Ниса). Натюрмортната живопис достига високо ниво (И. I Машков, П. П. Кончаловски, М. С. Сарян).

Еволюцията на социалните функции на живописта е придружена от общото развитие на живописната култура. В рамките на един реалистичен метод съветската живопис постига разнообразие от художествени форми, техники и индивидуални стилове. Широкият обхват на строителството, създаването на големи обществени сгради и мемориални ансамбли допринесоха за развитието на монументалната и декоративна живопис (произведения на В. А. Фаворски, Е. Е. Лансере и П.Д. През 60-те - началото на 80-те. засилва се взаимното влияние на монументалната и станкова живопис, а желанието да се възползват максимално и обогатяват изразителните средства за рисуване (виж също Съюза на съветските социалистически републики и статии за републиките на Съветския съюз).

Лит.: VII, т. 1-6, М., 1956-66; IRI, т. 1-13, М., 1953-69; К. Юон, За живописта, [М.-Л.], 1937; Д. И. Киплик, Техника на рисуване, М.-Л., 1950; А. Каменски, На зрителя за живописта, М., 1959; Б. Слански, Техника на рисуване, прев. от чех., М., 1962; Г. А. Недошивин, Разговори за живописта, М., 1964; Б. Р. Випър, статии за изкуството, М., 1970; Уорд Дж., История и методи на древна и съвременна живопис, ст. 1-4, Л., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu "est-ce que c" est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Вентури Л., Живопис и художници, Кливланд, 1963; Cogniat R., Histoire de la peinture, t. 1-2, П., 1964; Барън Дж. Н., Езикът на живописта, Кливланд ,; Николаус К., Ръководството на DuMont der Gemaldekunde, Köln, 1979.

Категории

Избор на редакторите

Какви са насоките в рисуването. Примери за живопис, жанрове, стилове, различни техники и насоки

Изпратете вашата добра работа в базата знания е проста. Използвайте формуляра по-долу

Подобни документи

Подобни документи

Търсене

Абонамент

Популярни публикации

Последните бележки