У дома > Изневеряваща жена > Жанр на операта в творбите на композитори от 19 век. Оперни комикси Оперни изпълнители: оперни певци и певци


Жанр на операта в творбите на композитори от 19 век. Оперни комикси Оперни изпълнители: оперни певци и певци




Опера (Италианска опера - бизнес, труд, работа; от лат. Opera - труд, продукт, произведение) - жанр на музикално и драматично изкуство, в който съдържанието се въплъщава посредством музикална драма, главно чрез вокална музика. Литературната основа на операта е либретото.

История на жанра

Операта се появява в Италия, в мистерии, тоест духовни спектакли, в които епизодичната музика е въведена на ниско ниво. Духовна комедия: Покръстването на Св. Павел ”(1480), Беверини, вече е по-сериозно произведение, в което музиката съпътства действието от началото до края. В средата на 16 век пасторалите или пасторалните игри, в които музиката се ограничаваше до хорове, с характер на мотет или мадригал, бяха много популярни. В Амфипарнасо от Орацио Веки хоровото пеене зад кулисите, под формата на мадригал от пет части, служи за придружаване на актьорите на сцената. Тази "Commedia armonica" е дадена за първи път в двора на Модена през 1597 година.

В края на 16 век опитите за въвеждане на монофонично пеене (монодия) в такива композиции насочват операта към пътя, по който нейното развитие бързо продължава. Авторите на тези опити наричат \u200b\u200bсвоите музикални и драматични произведения драма в музика или драма на музика; за тях през първата половина на 17 век се прилага името „опера“. По-късно някои оперни композитори, например Рихард Вагнер, отново се връщат към името "музикална драма".

Първият оперен театър за публични представления е открит през 1637 г. във Венеция; по-рано операта беше само за развлечение в двора. Първата голяма опера може да се счита за Дафне от Якопо Пери, изпълнена през 1597 г. Операта скоро се разпространява в Италия, а след това и в останалата част на Европа. Във Венеция от откриването на публични шоута се появяват 7 театъра за 65 години; За тях са написани 357 опери от различни композитори (до 40). Пионерите на операта са: в Германия - Хайнрих Шютц (Дафне, 1627), във Франция - Камбер (La pastorale, 1647), в Англия - Пърсел; в Испания първите опери се появяват в началото на 18 век; в Русия Арая е първата, която пише опера (Мюлет и Прокрида) върху независим руски текст (1755). Първата руска опера, написана по руски обичаи - „Танюша, или Щастлива среща“, музика на Ф. Г. Волков (1756).

Оперни сортове

Определени форми на оперна музика се развиват исторически. При наличието на някои общи закони на оперната драма, всички нейни компоненти, в зависимост от видовете опера, се тълкуват по различен начин.

голяма опера (опера серия - италиански, ера "edie lyrique, по-късно гран-оп" ера - френски),

полу-комични (полусерия),

комична опера (opera-buffa - италиански, op "era-comique - френски, Spieloper - немски),

романтична опера, на романтичен сюжет.

В комична опера, немска и френска, е разрешен диалог между музикални номера. Има и сериозни опери, в които например се вмъква диалог. Фиделио на Бетовен, Медея на Керубини, Вълшебният стрелец на Вебер.

Опери за деца (например оперите на Бенджамин Бритън - „Малкият коминар“, „Ноевият ковчег“, опери на Лев Конов - „Крал Мат Първи“, „Асгард“, „Грозното патенце“, „Кокинкакасу“).

Оперни елементи

Операта е синтетичен жанр, който съчетава различни видове изкуства в едно театрално действие: драма, музика, визуални изкуства (декори, костюми), хореография (балет).

Оперният колектив включва: солист, хор, оркестър, военен оркестър, орган. Оперни гласове: (женски: сопран, мецосопран, контралто; мъжки: контратенор, тенор, баритон, бас).

Оперната творба е разделена на актове, картини, сцени, номера. Има пролог преди актовете и епилог в края на операта.

Части от оперна творба - речитативи, ариози, песни, арии, дуети, трио, квартети, ансамбли и др. От симфонични форми - увертюра, интродукция, антракти, пантомима, мелодрама, шествия, балетна музика.

Характерите на героите са най-пълно разкрити в солови номера (ария, ариозо, ариета, каватина, монолог, балада, песен). Речитативът има различни функции в операта - музикална интонация и ритмично възпроизвеждане на човешката реч. Доста често той свързва (в сюжета и в музикално отношение) отделни пълни номера; често е ефективен фактор в музикалната драма. В някои жанрове на операта, главно комедийни, вместо речитатив се използва разговорна реч, обикновено в диалози.

Музикален ансамбъл (дует, трио, квартет, квинтет и др.) Съответства на сценичния диалог, сцената на драматичен спектакъл в операта, чиято специфичност дава възможност да се създават конфликтни ситуации, да се показва не само развитието на действието, но и сблъсъкът на героите и идеите. Следователно ансамблите често се появяват в кулминацията или в последните моменти на оперно представление.

Припевът в операта се интерпретира по различни начини. Това може да е фон, който не е свързан с основната сюжетна линия; понякога един вид коментатор на случващото се; неговият художествен потенциал му позволява да покаже монументални картини от народния живот, да разкрие връзката между героя и масите (например ролята на припева в народните музикални драми на М. П. Мусоргски „Борис Годунов“ и „Хованщина“).

В музикалната драма на операта важна роля се възлага на оркестъра; симфоничните средства за изразителност служат за по-пълно разкриване на образите. Операта включва и независими оркестрови епизоди - увертюра, антракт (въведение в отделни актове). Друг компонент на оперното представление са балетните, хореографските сцени, където пластичните образи се съчетават с музикални.


| |

Операта е вид музикална драма
работи въз основа
върху синтеза на думи,
сценично действие и
музика. За разлика
от драматичния театър,
къде изпълнява музиката
сервизни функции, в операта
тя е основната
носителят на действието.
Литературната основа на операта
е либретото,
оригинал или
базирани на литературни
работа.

Опера през XIX

До началото на 19 век. дори
сериозната опера е спряла
бъди изкуство за
изберете аудитория,
превръщайки се в собственост
различни социални
кръгове. През първото тримесечие
XIX век. във Франция
голям (или
велика лирика) опера
със своите вълнуващи
истории, цветни
оркестър и разгърнат
хорови сцени.

Италианска опера

Италия-Родина
италианска опера от
най-известният.
Черти на характера
Италиански романтик
опера - нейният стремеж към
човек. В светлината на прожекторите
автори - човешки радости,
тъга, чувства. Винаги е така
човек с живот и действие.
Италианската опера не знаеше
"Световна скръб" присъща
Немска опера
романтизъм. Тя не притежаваше
дълбочина, философски
мащаб на мисълта и висок
интелектуализъм. Това е опера
живи страсти, изкуството е ясно
и здравословно.

Френска опера

Френска опера първа половина на 19
век е представен от две основни
жанрове. Първо, това е комично
опера. Комична опера, произхождаща от
през 18 век, не се превърна в ярко отражение
нови, романтични тенденции. как
влиянието на романтизма в него може
забележете само укрепването на лириката
старт.
Ярко отражение на френския
музикалният романтизъм се превърна в нов
жанр, който се развива във Франция до 30-те години
години: велика френска опера.
Голямата опера е опера на монументалния,
декоративен стил, свързан с
исторически сюжети, с участието
необичаен блясък на изпълнения и
ефективно използване на масивна
сцени.

Композитор Бизе

Бизе Жорж (1838-1875),
Френски композитор.
Роден на 25 октомври 1838 г. в Париж в
семейство на учител по пеене. Забелязване на мюзикъла
талантът на сина му, баща му го даде да учи в
Парижката консерватория. Бизе е брилянтен
завършва през 1857 г. След дипломирането си
Консерваторията Бизе получи Римската
наградата, която даде право на
дълго пътуване за държавна сметка в
Италия, за да подобрят уменията си.
В Италия той композира първата си опера
Дон Прокопио (1859).
Завръщайки се в родината си, Бизе дебютира
на парижката сцена с операта „Търсачи“
перли “(1863). Скоро беше създаден
следваща опера - "Пертска красавица"
(1866) по романа на У. Скот.
Въпреки цялото музикално
достойнство, успехът на операта не донесе и в
1867 г. Бизе отново се насочва към жанра
оперети („Малбрук тръгва в кампания“),
през 1871 г. създава нова опера - "Джамиле"
след стихотворението на А. Мъсет „Намуна“.

Композитор Верди

Верди Джузепе (1813-1901),
Италиански композитор.
Роден на 1 октомври 1813 г. в Ронкол
(провинция Парма) в селско семейство
ханджия.
Като композитор Верди най-вече
привлече операта. Той създаде 26
работи в този жанр. Слава и
операта "Навуходоносор" донесе слава на автора
(1841): написана на библейска тема,
тя е пропита с идеи, свързани с борбата
Италия за независимост. Същата тема на героичното освободително движение звучи и в оперите
"Ломбардите в първия кръстоносен поход"
(1842), "Жана д'Арк" (1845), "Атила"
(1846), "Битката при Легнано" (1849). Верди
стана национален герой в Италия. Търся
нови сюжети, той се насочи към творчеството
велики драматурзи: по пиесата на В. Юго
пише операта „Ернани“ (1844), базирана на трагедията
У. Шекспир - Макбет (1847), базиран на драмата
Хитърството и любовта на Ф. Шилер - Луиз
Милър “(1849).
Умира на 27 януари 1901 г. в Милано.

Изпратете вашата добра работа в базата знания е проста. Използвайте формуляра по-долу

Студенти, аспиранти, млади учени, използващи базата от знания в своето обучение и работа, ще ви бъдат много благодарни.

публикувано на http://www.allbest.ru/

Министерство на образованието на Руската федерация

Магнитогорски държавен университет

Факултет по предучилищно образование

Тест

по дисциплината "Музикално изкуство"

Операта като жанр на музикалното изкуство

Изпълнени:

Мананникова Ю.А.

Магнитогорск 2002

1. ПРОИЗХОД НА ЖАНРА

Операта като музикален жанр възниква от сливането на две велики и древни изкуства - театър и музика.

„... Операта е изкуство, породено от взаимна любов между музиката и театъра“, пише един от най-видните оперни режисьори на нашето време Б.А. Покровски. - Той е подобен на театъра, изразен от музиката. "

Въпреки че музиката се използва в театъра от древни времена, операта като самостоятелен жанр се появява едва в началото на 16 - 17 век. Самото име на жанра - опера - възниква около 1605 г. и бързо замества предишните имена на този жанр: „драма чрез музиката“, „трагедия чрез музиката“, „мелодрама“, „трагикомедия“ и други.

В този исторически момент се появиха специални условия, които дадоха живот на операта. На първо място, това беше животворната атмосфера на Ренесанса.

Флоренция, където културата и изкуството на Ренесанса процъфтяват първо на Апенините, където Данте, Микеланджело и Бенвенуто Челини започва своето пътуване, се превръща в родното място на операта.

Появата на нов жанр е пряко свързана с възраждането в буквалния смисъл на древногръцката драма. Неслучайно първите оперни произведения са наречени музикални драми.

Когато в края на 16 век около просветения филантроп граф Барди се формира кръг от талантливи поети, актьори, учени и музиканти, никой от тях не се замисля за открития в изкуството и още повече в музиката. Основната цел, която флорентинските ентусиасти са си поставили, е да съживят драмите на Есхил, Еврипид и Софокъл. За поставяне на произведенията на древногръцките драматурзи обаче е необходим музикален съпровод и не са оцелели образци на такава музика. Тогава беше решено да композирам собствена музика, съответстваща (както си представяше авторът) на духа на древногръцката драма. По този начин, опитвайки се да пресъздадат древното изкуство, те откриват нов музикален жанр, който е предопределен да играе решаваща роля в историята на изкуството - операта.

Първата стъпка, направена от флорентинците, е да транскрибират малки драматични пасажи на музика. Като резултат, моноди(всяка еднозвучна мелодия, базирана на едногласно поле на музикалната култура), един от създателите на който е Винченцо Галилей, фин познавач на древногръцката култура, композитор, играч на лютня и математик, баща на блестящия астроном Галилео Галилей.

Още първите опити на флорентинците се характеризират с възраждане на интереса към личния опит на героите. Следователно, вместо полифония, в техните произведения започва да преобладава хомофонично-хармоничният стил, в който основен носител на музикалния образ е мелодията, която се развива в един глас и е придружена от хармоничен (акордов) съпровод.

Съвсем характерно е, че сред първите образци на операта, създадени от различни композитори, три са написани на един и същ сюжет: той се основава на гръцкия мит за Орфей и Евридика. Първите две опери (и двете наречени „Евридика“) са на композиторите Пери и Качини. И двете музикални драми обаче се оказаха много скромни експерименти в сравнение с операта „Орфей“, която се появи в Мантуа през 1607 г. от Клаудио Монтеверди. Съвременник на Рубенс и Караваджо, Шекспир и Тасо, Монтеверди създава творба, която всъщност започва историята на операта.

Голяма част от онова, което флорентинците само бяха планирали, Монтеверди направи цялостно, творчески убедително и жизнеспособно. Такъв беше случаят например с речитатив, въведен за пръв път от Пери. Този специален вид музикален израз на героите трябва, според създателя му, да бъде максимално близък до разговорната реч. Само в Монтеверди обаче речитативите придобиха психологическа сила, ярки образи и започнаха наистина да наподобяват жива човешка реч.

Монтеверди създаде тип ария - ламенто -(жалбивна песен), блестящ пример за това е оплакването на изоставената Ариадна от едноименната опера. „Жалбата на Ариадна“ е единственият фрагмент, дошъл до нашето време от цялото това произведение.

„Ариадна докосна, защото беше жена, Орфей, защото беше прост мъж ... Ариадна събуди истинско страдание в мен, заедно с Орфей се молих за съжаление ...“ С тези думи Монтеверди изрази не само творческото си кредо , но също така предаде същността на тези открития, които той направи в музикалното изкуство. Както правилно посочи самият автор на „Орфей“, преди него композиторите се опитваха да съставят музика „мека“, „умерена“; Той се опита да създаде преди всичко „развълнувана“ музика. Затова той смята основната си задача за максимално разширяване на въображаемата сфера и изразителни възможности на музиката.

Новият жанр - операта - тепърва трябва да се утвърждава. Но занапред развитието на музиката, вокална и инструментална, ще бъде неразривно свързано с постиженията на оперния театър.

2. ЖАНР ОПЕРА: ОПЕРА СЕРИЯ И ОПЕРА БУФА

Произхождайки от италианската аристократична среда, операта скоро се разпространява във всички големи европейски страни. Тя се превърна в неразделна част от съдебните тържества и любимо забавление в дворовете на френския крал, австрийския император, германските избиратели, други монарси и техните благородници.

Яркият спектакъл, специалната празничност на оперния спектакъл, впечатляваща поради съчетанието в операта на почти всички изкуства, съществували по това време, перфектно се вписват в сложния церемониален и ежедневен живот на двора и върха на обществото.

И въпреки че през 18-ти век операта се превръща във все по-демократично изкуство и в големите градове освен придворните се откриват и публични оперни театри за широката публика, именно вкусовете на аристокрацията определят съдържанието на оперните произведения повече от век.

Празничният живот на двора и аристокрацията принуди композиторите да работят много интензивно: всяко тържество, а понякога и просто поредният прием на уважавани гости, със сигурност беше придружено от премиера на опера. „В Италия, свидетелства музикалният историк Чарлз Бърни,„ опера, която е била чута преди, се разглежда като в миналогодишния календар “. При такива условия оперите се „пекат“ една след друга и обикновено се оказват подобни една на друга, поне по отношение на сюжета.

Например италианският композитор Алесандро Скарлати е написал около 200 опери. Заслугата на този музикант обаче, разбира се, не е в броя на създадените творби, а най-вече във факта, че именно в неговото творчество най-накрая кристализираха водещият жанр и форми на оперното изкуство от 17 - началото на 18 век - сериозна опера (оперна серия).

Значението на името опера серия става лесно за разбиране, ако си представим обикновената италианска опера от този период. Това беше помпозно, изключително пищно изпълнение с разнообразни впечатляващи ефекти. Сцената изобразяваше „реални“ бойни сцени, природни бедствия или необикновени трансформации на митични герои. А самите герои - богове, императори, командири - се държаха по такъв начин, че цялото представление остави у публиката усещането за важни, тържествени, много сериозни събития. Персонажите на операта извършиха необикновени подвизи, смазаха врагове в смъртни битки, изумени с изключителната си храброст, достойнство и величие. В същото време алегоричното сравнение на главния герой на операта, така изгодно представено на сцената, с високопоставен благородник, по чиято заповед е написана операта, беше толкова очевидно, че всяко представление се превръщаше в панегирик на благороден клиент.

Често едни и същи теми са били използвани в различни опери. Например само по теми от две творби - „Яростният Роланд“ от Ариосто и „Освободен Йерусалим“ от Тасо - са създадени десетки опери.

Популярни литературни източници са писанията на Омир и Вергилий.

По време на разцвета на опера-серията се формира специален начин на вокално изпълнение - bel canto, основан на красотата на звука и виртуозния контрол на гласа. Въпреки това безжизнеността на сюжетите на тези опери, изкуствеността на поведението на героите предизвикаха много критики сред меломаните.

Този оперен жанр беше особено уязвим към статичната структура на представлението, лишена от драматични действия. Затова публиката слушаше ариите, в които певците демонстрираха красотата на гласовете си, виртуозни умения, с огромно удоволствие и интерес. По нейно желание ариите, които харесваха, бяха многократно повтаряни „на бис“, докато речитативите, възприемани като „товар“, не интересуваха толкова много слушателите, че по време на изпълнението на речитатива те започнаха да говорят високо. Измислени са и други начини за убиване на времето. Един от „просветените“ меломани от 18-ти век съветва: „Шахът е много подходящ за запълване на празнотата на дългите речитативи“.

Операта премина през първата криза в историята си. Но точно в този момент се появи нов оперен жанр, който трябваше да стане не по-малко (ако не и повече!) Възлюбен от опера-серията. Това е комична опера (опера - бифа).

Характерно е, че той възниква точно в Неапол, в родината на оперната серия; освен това всъщност се появява в дълбините на най-сериозната опера. Неговият произход са комични интермедии, разигравани в интервалите между актовете на представлението. Често тези комични интермедии са пародии на събитията от операта.

Формално раждането на операта-бифа се е случило през 1733 г., когато операта на Джовани Батиста Перголеси „Дамата на прислужницата“ е представена за първи път в Неапол.

Opera buffa наследи всички основни изразни средства от оперната серия. Тя се различаваше от „сериозната“ опера по това, че вместо легендарни, неестествени герои на оперната сцена излязоха персонажи, чиито прототипи съществуват в реалния живот - алчни търговци, флиртуващи камериерки, смели, находчиви военни и т.н. Ето защо операта беше приета с възхищение от най-широката демократична общественост във всички краища на Европа. Освен това новият жанр по никакъв начин не е имал парализиращ ефект върху руското изкуство като опера-сериал. Напротив, той оживява един вид национална комична опера, основана на руски традиции. Във Франция това беше комична опера, в Англия - баладна опера, в Германия и Австрия - сингшпил (буквално: „игра с пеене“).

Всяко от тези национални училища е дало забележителни представители на оперния жанр: Перголези и Пичини в Италия, Гретри и Русо във Франция, Хайдн и Дитерсдорф в Австрия.

Особено тук е необходимо да си спомним Волфганг Амадеус Моцарт. Още първият му сингшпил „Bastien et Bastienne“ и още повече „Отвличането от Сералио“ показаха, че блестящият композитор, след като лесно усвои техниките на опера бифа, създава образци на една наистина национална австрийска музикална драма. „Отвличането от Сералио“ се счита за първата класическа австрийска опера.

Много специално място в историята на оперното изкуство заемат зрелите опери на Моцарт „Сватбата на Фигаро и Дон Жуан“, написани в италиански текстове. Яркостта, изразителността на музиката, не отстъпваща на най-високите образци на италианската музика, се съчетават в тях с дълбочината на идеите и драматизма, които оперният театър не е познавал преди.

В Le Nozze di Figaro Моцарт успява да създаде индивидуалните и много оживени персонажи на героите чрез музикални средства, за да предаде разнообразието и сложността на душевните им състояния. И всичко това, изглежда, без да излиза извън комедийния жанр. Композиторът стигна още по-далеч в операта „Дон Жуан“. Използвайки стара испанска легенда за либретото, Моцарт създава творба, в която комедийните елементи са неразривно преплетени с чертите на сериозната опера.

Блестящият успех на комичната опера, която направи своя триумфален марш през европейските столици, и най-важното, творенията на Моцарт показаха, че операта може и трябва да бъде изкуство, органично свързано с реалността, че тя е в състояние да изобрази истински съвсем реални персонажи и ситуации, пресъздавайки ги не само в комичен, но и в сериозен аспект.

Естествено, водещи артисти от различни страни, предимно композитори и драматурзи, мечтаеха да подновят героичната опера. Те мечтаеха да създадат такива произведения, които, първо, да отразяват стремежа на епохата към високи морални цели и, второ, да утвърдят органичното сливане на музиката и драматичното действие на сцената. Този труден проблем беше успешно решен в героичния жанр от сънародника на Моцарт Кристоф Глюк. Реформата му се превръща в истинска революция в света на операта, чийто окончателен смисъл става ясен след постановката в Париж на неговите опери „Алцест“, „Ифигения в Аулис“ и „Ифигения в Таврида“.

„Започвайки да създавам музика за„ Alceste “, пише композиторът, обяснявайки същността на своята реформа,„ Поставих си за цел да доведа музиката до нейната истинска цел, която е да даде на поезията по-нова изразителна сила, да прави отделни моменти сюжетите са по-объркващи, без да прекъсват действието или да го потискат с ненужни украшения. "

За разлика от Моцарт, който не си поставя конкретна цел да реформира операта, Глюк умишлено стига до собствената си оперна реформа. Нещо повече, той концентрира цялото си внимание върху разкриването на вътрешния свят на героите. Композиторът не е правил компромиси с аристократичното изкуство. Това се случи по време, когато съперничеството между сериозната и комичната опера достигна своя връх и беше ясно, че оперната бифа печели.

Критично преосмисляйки и обобщавайки най-доброто, което съдържат жанровете на сериозната опера, лиричните трагедии на Люли и Рамо, Глюк създава жанр музикална трагедия.

Историческото значение на оперната реформа на Глюк беше огромно. Но неговите опери също се оказват анахронизъм, когато започва бурният 19 век, един от най-плодотворните периоди в света на операта.

3. ЗАПАДНА ЕВРОПЕЙСКА ОПЕРА ОТ XIX ВЕК

Войни, революции, промени в социалните отношения - всички тези ключови проблеми на 19 век са отразени в оперната тема.

Композиторите, работещи в жанра на операта, се опитват да проникнат още по-дълбоко във вътрешния свят на своите герои, да пресъздадат на оперната сцена такива взаимоотношения между персонажи, които напълно биха отговорили на сложни, многостранни сблъсъци на живота.

Такъв образен и тематичен обхват неизбежно доведе до следващите реформи в оперното изкуство. Оперните жанрове, разработени през 18 век, преминаха изпита за модерност. Оперната серия на практика е изчезнала до 19-ти век. Що се отнася до комичната опера, тя продължава да се радва на непоколебим успех.

Жизнеността на този жанр беше блестящо потвърдена от Джоакино Росини. Неговият „Севилският бръснар“ се превърна в истински шедьовър на комедийното изкуство от 19 век.

Ярка мелодия, естественост и жизненост на характерите, очертани от композитора, простота и хармония на сюжета - всичко това осигури истински триумф на операта, превръщайки нейния автор в „музикален диктатор на Европа“ за дълго време. Като автор на оперната бифа, Росини поставя акцентите в Севилския бръснар по свой начин. Той беше много по-малко заинтересован от вътрешното значение на съдържанието, отколкото например Моцарт. А Росини беше много далеч от Глюк, който вярваше, че основната цел на музиката в операта е да разкрие драматичната идея на творбата.

С всяка ария, всяка фраза в Севилския бръснар композиторът ни напомня, че музиката съществува за радост, наслада от красотата и че най-ценното в нея е очарователната мелодия.

Независимо от това, „скъпата на Европа, Орфей“, както Пушкин нарича Росини, смята, че събитията, които се случват в света, и най-вече борбата за независимост, водена от неговата родина - Италия (потискана от Испания, Франция и Австрия), изисква от него да се обърне към сериозна тема. Така се ражда идеята за операта „Вилхелм Тел” - една от първите творби на оперния жанр на героично-патриотична тема (според сюжета швейцарските селяни се изправят срещу своите потисници - австрийците).

Ярки, реалистични характеристики на главните герои, впечатляващи сцени на тълпата, рисуване на хора с помощта на хора и ансамблите, и най-важното, необичайно изразителна музика печели славата на „Уилям Тел“ като едно от най-добрите произведения на оперната драма на 19 век.

Популярността на "Welhelm Tell" се обяснява, наред с други предимства, и с факта, че операта е написана по исторически сюжет. Историческите опери стават широко разпространени по това време на европейската оперна сцена. Така шест години след премиерата на Уилям Тел постановката на операта на Джакомо Майер-Бер „Хугенотите“, която разказва за борбата между католици и хугеноти в края на 16 век, се превръща в сензация.

Друга област, завладяна от оперното изкуство от 19-ти век, е приказни и легендарни сюжети. Те са особено популярни в произведенията на немски композитори. След приказната опера на Моцарт „Вълшебната флейта“ Карл Мария Вебер създава оперите „Свободният стрелец“, „Ерианте“ и „Оберон“. Първата от тях беше най-значимата творба, всъщност първата немска народна опера. Въпреки това, най-пълното и мащабно въплъщение на легендарната тема, фолклорната епопея е намерена в творчеството на един от най-великите оперни композитори - Рихард Вагнер.

Вагнер е цяла ера в музикалното изкуство. Операта се превърна за него в единствения жанр, с който композиторът говори на света. Вагнер е верен и литературният източник, който му дава сюжети за опери, се оказва стара немска епопея. Легенди за Летящия холандец, обречен на вечни скитания, за бунтовническия певец Тан-гейзер, който оспори лицемерието в изкуството и се отказа от клана на придворните поети-музиканти за това, за легендарния рицар Лоенгрин, който се притече на помощ на невинно осъдено момиче легендарни, ярки, релефни герои се превърнаха в героите на първите опери на Вагнер „Скитникът моряк“, „Танхейзер“ и „Лоенгрин“.

Ричард Вагнер - мечтаеше да въплъти в оперния жанр не отделни сюжети, а цяла епопея, посветена на основните проблеми на човечеството. Композиторът се опита да отрази това в грандиозната концепция на Der Ring des Nibelungen, цикъл от четири опери. Тази тетралогия е изградена и върху легенди от стария германски епос.

Една такава необичайна и грандиозна идея (композиторът е прекарал около двадесет години от живота си за нейното изпълнение), естествено, трябваше да бъде решена със специални, нови средства. И Вагнер, стремейки се да следва законите на естествената човешка реч, отказва такива необходими елементи на оперното произведение като ария, дует, речитатив, хор, ансамбъл. Той създава един-единствен музикален екшън-разказ, който не се прекъсва от границите на числата, който се ръководи от певците и оркестъра.

Реформата на Вагнер като оперен композитор се отразява и в друго: оперите му са изградени върху система от лайтмотиви - ярки мелодии-образи, които съответстват на определени персонажи или техните взаимоотношения. И всяка негова музикална драма - и точно така, както Монтеверди и Глюк, той нарича своите опери - не е нищо повече от развитието и взаимодействието на редица лайтмотиви.

Не по-малко важно беше и друго направление, което беше наречено „лиричен театър“. Родното място на „лиричния театър“ е Франция. Композиторите, съставили тази посока - Гуно, Тома, Делиб, Масене, Бизе - също прибягват както до приказно екзотични сюжети, така и от ежедневието; но това не беше основното за тях. Всеки от тези композитори по свой начин се стреми да изобрази своите герои, така че те да са естествени, жизнени, надарени с качествата, присъщи на техните съвременници.

„Кармен“ на Жорж Бизе, базиран на новелата на Проспер Мериме, е блестящ пример за това оперно движение.

Композиторът успя да намери своеобразен метод за характеризиране на героите, който най-ясно се вижда точно на примера на образа на Кармен. Бизе разкрива вътрешния свят на своята героиня не в ария, както е било обичайно, а в песен и танц.

Съдбата на тази опера, която завладя целия свят, в началото беше много драматична. Премиерата му завърши с неуспех. Една от основните причини за такова отношение към операта на Бизе беше, че той изведе обикновени хора на сцената като герои (Кармен е работник в тютюнева фабрика, Хосе е войник). Такива герои не могат да бъдат приети от аристократичната парижка публика през 1875 г. (тогава се състоя премиерата на Кармен). Тя беше отблъсната от реализма на операта, която се смяташе за несъвместима със „законите на жанра“. В авторитетния тогава Речник на операта Пужен казва, че Кармен трябва да бъде преработена, „отслабвайки реализма, недостойно за опера“. Разбира се, това беше гледната точка на хората, които не разбираха, че реалистичното изкуство, изпълнено с житейска истина, природни герои, е излязло на оперната сцена съвсем естествено, а не по прищявка на който и да е композитор.

Джузепе Верди, един от най-великите композитори, които някога са работили в жанра на операта, е извървял точно пътя на реалистичното.

Верди започва дългата си кариера в операта с героични и патриотични опери. Създадените през 40-те години лангобарди, Ернани и Атила, в Италия са възприемани като призив за национално единство. Премиерите на оперите му се превърнаха в масови публични демонстрации.

Оперите на Верди, написани в началото на 50-те години, са имали съвсем различен резонанс. Риголето, Трубадур и Травиата са три оперни платна на Верди, в които изключителният му мелодичен дар е щастливо съчетан с дарбата на гениален композитор-драматург.

Базирана на пиесата на Виктор Юго „Забавите на краля“, операта „Риголето“ описва събитията от 16 век. Обстановката на операта е двора на херцога на Мантуа, за когото човешкото достойнство и чест са нищо в сравнение с неговата прищявка, желанието за безкрайни удоволствия (Гилда, дъщерята на придворния шут Риголето, става негова жертва). Изглежда, че това е поредната опера от придворния живот, която имаше стотици. Но Верди създава истинска психологическа драма, в която дълбочината на музиката напълно съответства на дълбочината и истинността на чувствата на нейните герои.

„Травиата“ предизвика истински шок сред съвременниците. Венецианската публика, за която беше предназначена премиерата на операта, я освирква. По-горе говорихме за провала на Кармен на Бизе, но премиерата на „Травиата“ беше почти четвърт век по-рано (1853 г.) и причината беше същата: реализмът на изобразеното.

Верди беше много разстроен от провала на операта си. „Това беше решаващо фиаско - написа той след премиерата. - Вече няма да помним Травиата.

Човек с огромна жизненост, композитор с рядък творчески потенциал, Верди не беше, подобно на Бизе, разбит от факта, че обществеността не прие творбите му. Той ще създаде още много опери, които по-късно представляват съкровищницата на оперното изкуство. Сред тях има такива шедьоври като "Дон Карлос", "Аида", "Фалстаф". Едно от най-високите постижения на зрелия Верди е операта „Отело“.

Грандиозните постижения на водещите държави в оперното изкуство - Италия, Германия, Австрия, Франция - вдъхновиха композиторите от други европейски страни - Чехия, Полша, Унгария - да създадат свое собствено национално оперно изкуство. Така се раждат „Камъчетата“ на полския композитор Станислав Мониушко, оперите на чехите Берджич Сметана и Антонин Дворжак, и унгарецът Ференц Еркел.

Но водещото място сред младите национални оперни училища с право е заето от Русия през 19 век.

4. РУСКА ОПЕРА

На сцената на Санкт Петербургския Болшой театър на 27 ноември 1836 г. се състоя премиерата на „Иван Сусанин“ от Михаил Иванович Глинка, първата класическа руска опера.

За да разберем по-ясно мястото на това произведение в историята на музиката, нека се опитаме да очертаем накратко ситуацията, развила се в този момент в западноевропейския и руския музикален театър.

Вагнер, Бизе, Верди все още не са си казали думата. С редки изключения (например успехът на Майербир в Париж), в цялото европейско оперно изкуство, създателите на тенденции - както в творчеството, така и в начина на изпълнение - са италианци. Основният оперен "диктатор" е Росини. Интензивен е износът на италианска опера. Композитори от Венеция, Неапол, Рим пътуват до всички части на континента и работят дълго време в различни страни. Принасяйки заедно със своето изкуство безценния опит, натрупан от италианската опера, те в същото време потискат развитието на националната опера.

Така беше и в Русия. Посетен е от италиански композитори като Чимароса, Паисиело, Галупи, Франческо Арая, който пръв се опитва да създаде опера на руски мелодичен материал с оригиналния руски текст на Сумароков. По-късно забележима следа в музикалния живот в Санкт Петербург оставя дейността на родом от Венеция Катерино Кавос, която пише опера под същото име като Глинка - „Живот за царя“ („Иван Сусанин“).

Руският двор и аристокрацията, по чиято покана италиански музиканти пристигнаха в Русия, ги подкрепяха по всякакъв начин. Затова няколко поколения руски композитори, критици и други културни дейци трябваше да се борят за собственото си национално изкуство.

Опитите за създаване на руска опера датират от 18 век. Талантливите музиканти Фомин, Матински и Пашкевич (последните двама са съавтори на операта „Санкт Петербург Гостини двор“), а по-късно и забележителният композитор Верстовски (днес неговият „Асколдов гроб“ е широко известен) - всеки се опита да реши този проблем по свой начин. Въпреки това беше необходим мощен талант, като този на Глинковски, за да бъде реализирана тази идея.

Изключителният мелодичен дар на Глинка, близостта на мелодията му до руската песен, простотата в характеризирането на главните герои и най-важното, апелът към героично-патриотичния сюжет позволи на композитора да създаде творба с голяма художествена истина и сила.

Геният на Глинка се разкри по различен начин в приказната опера Руслан и Людмила. Тук композиторът майсторски съчетава героичния принцип (образът на Руслан), фантастичното (царството на Черномор) и комичното (образът на Фарлаф). И така, благодарение на Глинка, за първи път на оперната сцена излязоха образи, родени от Пушкин.

Въпреки ентусиазираната оценка на работата на Глинка от водещата част на руското общество, неговите иновации, изключителен принос към историята на руската музика не бяха оценени истински у дома. Царят и обкръжението му го предпочитаха пред италианската музика. Посещението на оперите на Глинка се превърна в наказание за виновните офицери, своеобразна караула. оперно музикално вокално либрето

Глинка беше много разстроен от такова отношение към работата му от страна на съда, пресата и ръководството на театрите. Но той беше твърдо наясно, че руската национална опера трябва да следва своя път, да се храни със собствени народни музикални източници.

Това беше потвърдено от целия по-нататъшен ход на развитие на руското оперно изкуство.

Първият, който вдигна щафетата на Глинка, беше Александър Даргомижски. Следвайки автора на Иван Сузанин, той продължава да развива областта на оперната музика. За негова сметка има няколко опери, а най-щастливата съдба е попаднала в участъка на „Русалка“. Работата на Пушкин се оказа отличен материал за опера. Историята на селянката Наташа, измамена от принца, съдържа много драматични събития - самоубийството на героинята, лудостта на баща й, мелничаря. Всички най-сложни психологически преживявания на героите се разрешават от композитора с помощта на арии и ансамбли, написани не в италиански стил, а в духа на руската песен и романс.

Оперното творчество на А. Серов, авторът на оперите „Джудит, Рогнеда“ и „Силата на врага“, постигна голям успех през втората половина на XIX век, от които последният (в текста на пиесата на А. Н. Островски) беше в унисон с развитието на руското национално изкуство.

Глинка се превърна в истински идеологически водач в борбата за национално руско изкуство за композиторите М. Балакирев, М. Мусоргски, А. Бородин, Н. Римски-Корсаков и К. Куй, обединени в кръг Могъщата купчина. В работата на всички членове на кръга, с изключение на ръководителя му М. Балакирев, операта заема най-важното място.

Времето, когато се формира "Могъщата шепа", съвпадна с изключително важни събития в историята на Русия. През 1861 г. крепостничеството е премахнато. През следващите две десетилетия руската интелигенция е увлечена от идеите на популизма, който призовава за сваляне на самодържавието от силите на селската революция. Писателите, художниците, композиторите започват да се интересуват особено от теми, свързани с историята на руската държава, и по-специално с отношенията между царя и народа. Всичко това доведе до темата на повечето опери, излезли от писалката на „кучкистите“.

Депутатът Мусоргски нарече операта си Борис Годунов „Народна музикална драма“. Всъщност, въпреки че човешката трагедия на цар Борис се намира в центъра на сюжета на операта, хората се превърнаха в истинския герой на операта.

Мусоргски по същество е бил самоук композитор. Това значително затрудни процеса на композиране на музика, но в същото време по никакъв начин не ограничи музикалните правила. Всичко в този процес беше подчинено на основното мото на неговото творчество, което самият композитор изрази с кратка фраза: "Искам истината!"

Истина в изкуството, краен реализъм във всичко, което се случва на сцената, Мусоргски търси и в другата си опера „Хованщина“, която не успява да завърши. Завършен е от Римски-Корсаков, един от най-големите руски оперни композитори, от колегата на Мусоргски в „Могъщата шепа“.

Операта е в основата на творческото наследство на Римски-Корсаков. Подобно на Мусоргски, той отвори хоризонтите на руската опера, но в напълно различни области. С оперни средства композиторът искаше да предаде очарованието на руската приказност, оригиналността на старите руски ритуали. Това се вижда ясно от субтитрите, посочващи жанра на операта, който композиторът е предоставил на своите произведения. Той нарече „Снежанката“ „пролетна приказка“, „Нощта преди Коледа“ - „истинска коледарка“, „Садко“ - „епична опера“; оперни приказки са още „Приказката за цар Салтан”, „Кашчей безсмъртният”, „Легендата за невидимия град Китеж и момата Феврония”, „Златният петле”. Епичните и приказни опери на Римски-Корсаков имат една невероятна черта: елементи на приказност, фантазия се съчетават в тях с жив реализъм.

Този реализъм, толкова ясно усетен във всяко произведение, Римски-Корсаков постига с преки и много ефективни средства: той широко развива народни мелодии в оперното си творчество, умело втъква в тъканта на произведението истински древнославянски ритуали, „дълбока древност“.

Подобно на други "кучкисти", Римски-Корсаков също се насочва към жанра на историческата опера, създавайки две изключителни творби, изобразяващи епохата на Иван Грозни - "Псковската жена" и "Царската булка". Композиторът майсторски рисува тежката атмосфера на руския живот от онова далечно време, картини на жестоките репресии на царя срещу псковските освобожденци, противоречивата личност на самия Грозни („Псковската жена“) и атмосферата на всеобщ деспотизъм и потисничество на човешката личност („Царската булка“, „Златният петел“);

По съвет на В.В. Стасов, идейният вдъхновител на „Могъщата шепа“, един от най-надарените членове на този кръг - Бородин създава опера от живота на княжеска Русия. Това произведение беше "Княз Игор".

"Княз Игор" се превърна в образец на руската епична опера. Както в стария руски епос, така и в операта действието се развива бавно, спокойно, което разказва за обединението на руските земи, разпръснати княжества за съвместна съпротива срещу врага - половци. Работата на Бородин не е толкова трагична, колкото Борис Годунов на Мусоргски или „Жената от Псков“ на Римски-Корсаков, но сюжетът на операта е съсредоточен и върху сложния образ на държавния лидер - княз Игор, който преживява поражението си, решавайки да избяга от плен и накрая да събере отряд, за да смаже врага в името на родината им.

Друго направление в руското музикално изкуство е оперното творчество на Чайковски. Композиторът започва кариерата си в операта с произведения на исторически сюжет.

Следвайки Римски-Корсаков, Чайковски се обръща към епохата на Иван Грозни в „Опричник”. Историческите събития във Франция, описани в трагедията на Шилер, послужиха като основа за либретото „Прислужницата от Орлеан“. От „Полтава“ на Пушкин, която описва времената на Петър I, Чайковски взема сюжет за своята опера „Мазепа“.

В същото време композиторът създава както лирични, така и комедийни опери („Ковачът Вакула“) и романтични („Чаровницата“).

Но върховете на оперното творчество - не само за самия Чайковски, но и за цялата руска опера от 19 век - са неговите лирични опери „Юджийн Онегин“ и „Пиковата дама“.

Чайковски, решил да въплъти шедьовъра на Пушкин в оперния жанр, се сблъска със сериозен проблем: кое от разнообразните събития на „романа в стихове“ може да състави либретото на операта. Композиторът спря да покаже емоционалната драма на героите на Юджийн Онегин, която той успя да предаде с рядка убедителност и впечатляваща простота.

Подобно на френския композитор Бизе, Чайковски в Онегин се стреми да покаже света на обикновените хора, техните взаимоотношения. Рядката мелодична дарба на композитора, финото използване на интонациите на руския романс, характерни за ежедневието, описано в творчеството на Пушкин, - всичко това позволи на Чайковски да създаде творба, която е изключително достъпна и в същото време изобразява сложните психологически състояния на героите.

В „Пиковата дама“ Чайковски се появява не само като гениален драматург, с остро усещане за законите на сцената, но и като велик симфонист, който изгражда действие според законите на симфоничното развитие. Opera е много гъвкава. Но психологическата му сложност е напълно балансирана чрез завладяващи арии, пропити с ярки мелодии, различни ансамбли и хорове.

Почти едновременно с тази опера Чайковски пише удивително очарователна приказна опера "Йоланта". Пиковата дама обаче, заедно с Юджийн Онегин, остават ненадминати руски опери-шедьоври от 19 век.

5. СЪВРЕМЕННА ОПЕРА

Още първото десетилетие на новия XX век показа каква рязка промяна на епохите се е случила в оперното изкуство, колко различна е операта от миналия век и от идния век.

През 1902 г. френският композитор Клод Дебюси представя на публиката операта Pelléas et Mélisande (по драмата на Метерлинк). Това парче е изключително деликатно и изискано. И точно по същото време Джакомо Пучини написа последната си опера „Мадам Бътерфлай“ (премиерата й се състоя две години по-късно) в духа на най-добрите италиански опери на 19 век.

Така завършва един период в оперното изкуство и започва друг. Композиторите, представляващи оперни школи, които са се развили в почти всички големи европейски държави, се опитват да комбинират в работата си идеите и езика на новата ера с развитите преди това национални традиции.

След К. Дебюси и М. Равел, авторът на такива брилянтни композиции като оперната бифа „Испански час“ и фантастичната опера „Дете и магия“, във Франция се появява нова музикална вълна. През 20-те години тук се появява група композитори, която влиза в историята на музиката като „ Шест". Той включваше Л. Дюри, Д. Мийо, А. Хонегер, Дж. Аурик, Ф. Пулен и Дж. Тайфер. Всички тези музиканти бяха обединени от главния творчески принцип: да създават творби, лишени от фалшив патос, близки до ежедневието, не го украсяват, а отразяват това, което е, с цялата му проза и ежедневие. Този творчески принцип беше ясно изразен от един от водещите композитори на Шестицата А. Хонегер. „Музиката - каза той - трябва да промени характера си, да стане правдива, проста, музика от широка стъпка“.

Творчески сътрудници, композитори на Шестицата, следваха различни пътища. Нещо повече, трима от тях - Хонегер, Мийо и Пуленк - работеха плодотворно в жанра опера.

Монооперата на Пулен "Човешкият глас" се превърна в необичайна композиция, различна от грандиозните мистериозни опери. Парчето, което трае около половин час, е разговор по телефона на жена, изоставена от любовника си. По този начин в операта има само един герой. Възможно ли е оперните автори от минали векове да си представят нещо подобно!

През 30-те години се ражда американската национална опера, пример за която е „Порги и Бес“ от Д. Гершуин. Основната характеристика на тази опера, както и на целия стил Гершуин като цяло, беше широкото използване на елементи от негърския фолклор, изразителни средства на джаза.

Руските композитори също са написали много прекрасни страници в историята на световната опера.

Например, операта на Шостакович „Лейди Макбет“ от окръг Мценск (Катерина Измайлова), базирана на едноименната история на Н. Лесков, предизвика бурни спорове. В операта няма „сладка“ италианска мелодия, няма буйни, ефектни ансамбли и други цветове, познати на операта от миналите векове. Но ако разглеждаме историята на световното оперно изкуство като борба за реализъм, за истинско изобразяване на реалността на сцената, тогава Катерина Измайлова несъмнено е една от върховете на оперното изкуство.

Домашното оперно творчество е много разнообразно. Значителни творби са създадени от Ю. Шапорин (Декабристите), Д. Кабалевски (Кола Брунион, семейство Тарас), Т. Хренников (В бурята, Майка). Творчеството на С. Прокофиев допринася значително за световното оперно изкуство.

Като оперен композитор Прокофиев дебютира още през 1916 г. с операта Хазарт (по Достоевски). Още в тази ранна творба ясно се усеща почеркът му, както в операта „Любовта към три портокала“, която се появява малко по-късно и има голям успех.

Изключителният талант на Прокофиев като оперен драматург обаче се разкри изцяло в оперите "Семьон Котко", написани след разказа на В. Катаев "Аз съм син на трудещ се народ", и особено в "Война и мир", чиято сюжетна основа беше едноименната епопея на Л. Толстой ...

Впоследствие Прокофиев ще напише още две оперни произведения - „Историята на един истински мъж“ (по разказа на Б. Полевой) и очарователната комична опера „Сгодяване в манастир“ в духа на оперния баф от 18 век.

Повечето творби на Прокофиев имаха трудна съдба. Ярката оригиналност на музикалния език в много случаи затрудняваше незабавното им оценяване на истинската им стойност. Признанието дойде със закъснение. Така беше и с пианото, както и с някои от оркестровите му композиции. Подобна съдба очакваше операта „Война и мир“. Наистина беше оценен едва след смъртта на автора. Но колкото повече години изминаха от създаването на това произведение, толкова по-дълбоко се разкриха обхватът и величието на това изключително творение на света на операта.

През последните десетилетия рок оперите, базирани на съвременна инструментална музика, станаха най-популярни. Сред тях са "Юнона и Авос" Н. Рибников, "Исус Христос Суперзвезда."

През последните две или три години са създадени такива изключителни рок опери като катедралата „Нотр Дам“ от Люк Рламонт и Ричард Кошинте, избрани за безсмъртното дело на Виктор Юго. Тази опера вече е получила много награди в областта на музикалното изкуство и е преведена на английски език. Това лято премиерата на тази опера се състоя в Москва на руски език. Операта комбинира и невероятно красива характерна музика, балетни изпълнения и хорово пеене.

Според мен тази опера ме накара да погледна наново оперното изкуство.

6. СТРУКТУРА НА ОПЕРНАТА РАБОТА

Идеята е отправната точка при създаването на всяко произведение на изкуството. Но в случая на операта, раждането на концепцията има специално значение. Първо, това предопределя жанра на операта; второ, предлага какво може да служи като литературно платно за бъдеща опера.

Първоизточникът, от който композиторът тръгва, обикновено е литературно произведение.

В същото време има опери като „Трубадур“ на Верди, които нямат категорични литературни източници.

Но и в двата случая работата по операта започва с композиране либрето.

Не е лесна задача да се създаде оперно либрето, така че да е наистина ефективно, да отговаря на сценичните закони и най-важното, да позволява на композитора да изгради спектакъл, както го чува вътрешно, и да „формова“ всеки оперен персонаж.

От създаването на операта поетите са автори на либретото в продължение на почти два века. Това изобщо не означава, че текстът на оперното либрето е представен в стихове. Тук е важно и друго: либретото трябва да е поетично и вече в текста - литературната основа на арии, речитативи, ансамбли - да звучи бъдеща музика.

През 19-ти век композиторите, автори на бъдещи опери, често съставят сами либретото. Най-яркият пример е Рихард Вагнер. За него художник-реформатор, създал своите грандиозни платна - музикалните драми, дума и звук бяха неразделни. Фантазията на Вагнер ражда сценични образи, които в процеса на творчество „обрасват“ с литературна и музикална плът.

И дори ако в онези случаи, когато самият композитор се оказа либретист, либретото загуби в литературно отношение, но авторът по никакъв начин не се отклони от собствената си обща идея, идеята си за творбата като цяло.

Така че, разполагайки с либрето, композиторът може да си представи бъдещата опера като цяло. След това идва следващият етап: авторът решава какви оперни форми да използва, за да реализира определени обрати в сюжета на операта.

Емоционалните преживявания на героите, техните чувства, мисли - всичко това се поставя под формата арии... В момента, в който арията започва да звучи в операта, действието сякаш замръзва и самата ария се превръща в своеобразна „мигновена снимка“ на състоянието на героя, неговата изповед.

Подобна цел - пренасянето на вътрешното състояние на оперен персонаж - може да бъде изпълнена в опера балада, романтика или arioso... Обаче arioso заема, като че ли, междинно място между ария и друга най-важна оперна форма - речитатив.

Нека се обърнем към „Музикален речник“ на Русо. „Речитативът, твърди великият френски мислител, трябва да служи само за свързване на позицията на драмата, за споделяне и подчертаване на значението на арията, за предотвратяване на умора на слуха ...“

През 19 век, чрез усилията на различни композитори, които се стремят към единството, целостта на оперното представление, речитативът практически изчезва, отстъпвайки място на големи мелодични епизоди, които по предназначение са подобни на речитативните, но в своето музикално въплъщение се доближават до арии.

Както казахме по-горе, започвайки с Вагнер, композиторите изоставят разделянето на операта на арии и речитативи, създавайки единна, интегрална музикална реч.

Освен арии и речитативи, важна конструктивна роля в операта играе и ансамбли... Те се появяват в хода на действието, обикновено на онези места, когато героите на операта започват активно да си взаимодействат. Те играят особено важна роля в онези фрагменти, където възникват конфликтни, възлови ситуации.

Често композиторът използва като важно изразно средство и хор - във финалните сцени или, ако сюжетът го изисква, да се показват народни сцени.

И така, арии, речитативи, ансамбли, хорови и в някои случаи балетни епизоди са най-важните елементи на оперното представление. Но обикновено започва с увертюри.

Увертюрата мобилизира публиката, включва я в орбитата на музикални образи, персонажи, които ще действат на сцената. Често увертюрата се основава на теми, които след това се играят в операта.

И сега, накрая, зад гърба стои огромна творба - композиторът създаде опера, или по-скоро направи нейната партитура или клавир. Но има огромно разстояние между фиксирането на музиката в нотите и нейното изпълнение. За да може една опера, дори и да е изключително музикално произведение, да се превърне в интересен спектакъл, ярък, вълнуващ, е необходима работата на огромен екип.

Продукцията на операта се ръководи от диригент, подпомаган от режисьора. Въпреки че се случваше големите директори на драматичния театър да поставят опера, а диригентите да им помагаха. Всичко свързано с музикалната интерпретация - четене на партитурата от оркестъра, работа с певци - е областта на дирижирането. Компетентността на режисьора е да изпълни сценичното решение на спектакъла - да изгражда мизансценни сцени, да решава всяка роля като актьор.

Голяма част от успеха на една продукция зависи от художника, който скицира декорите и костюмите. Добавете към това работата на хормайстор, хореограф и, разбира се, певци, и ще разберете колко е трудно, обединявайки творчеството на много десетки хора, да поставите опера на сцената, колко сила, творческо въображение, постоянство и талант трябва да се приложат, за да се създаде този най-голям музикален фестивал, фестивал на театъра, фестивал на изкуството, който се нарича опера.

СПИСЪК НА ЛИТЕРАТУРА

1. Зилберквит М.А. Светът на музиката: Есе. - М., 1988.

2. Историята на музикалната култура. Том 1. - М., 1968.

3. Кремлев Ю.А. За мястото на музиката сред изкуствата. - М., 1966.

4. Енциклопедия за деца. Том 7. Чл. Част 3. Музика. Театър. Кино / Глава. изд. В.А. Володин. - М.: Аванта +, 2000.

Публикувано на Allbest.ru

...

Подобни документи

    Характеристика на социалното значение на оперния жанр. Изучаване на историята на операта в Германия: предпоставките за възникването на националната романтична опера, ролята на австрийския и германския сингшпил в нейното формиране. Музикален анализ на операта на Вебер „Вълчината долина“.

    курсова работа, добавена на 28.04.2010

    P.I. Чайковски като композитор на операта "Мазепа", кратък очертание на неговия живот, творческо развитие. Историята на написването на това произведение. В. Буренин като автор на либретото за операта. Основни герои, гами от хорови партии, диригентски трудности.

    творческа работа, добавена 25.11.2013

    Мястото на камерните опери в творчеството на Н.А. Римски-Корсаков. „Моцарт и Салиери“: литературен източник като оперно либрето. Музикална драма и езикът на операта. "Псковите" и "Боярин Вера Шелога": пиесата на Л.А. Май и либрето от Н.А. Римски-Корсаков.

    теза, добавена 26.09.2013

    Културата на Пърсел Лондон: Музика и театър в Англия. Историческият аспект на постановката на операта "Дидона и Еней". Традиция и иновации в него. Тълкуването на „Енеида“ на Наум Тейт. Уникалността на драмата и спецификата на музикалния език на операта "Дидона и Еней".

    курсова работа, добавена на 12.12.2008

    Значението на А. Пушкин за формирането на руското музикално изкуство. Описание на главните герои и ключови събития в трагедията на А. Пушкин „Моцарт и Салиери“. Характеристики на операта „Моцарт и Салиери“ от Н. Римски-Корсаков, внимателното му отношение към текста.

    курсова работа добавена на 24.09.2013г

    Гаетано Доницети е италиански композитор от разцвета на Бел канто. Историята на създаването и резюме на операта „Дон Паскуале“. Музикален анализ на каватина на Норина, особености на нейното вокално и техническо изпълнение и музикални и изразителни средства.

    резюме добавено на 13.07.2015

    Анализ на операта на Р. Щедрин „Мъртви души“, интерпретация на Щедрин на персонажите на Гогол. Р. Щедрин като оперен композитор. Характеристика на характеристиките на музикалното въплъщение на образа на Манилов и Ноздрев. Разглеждане на вокалната партия на Чичиков, нейната интонация.

    доклад, добавен на 22.05.2012

    Биография на Н.А. Римски-Корсаков - композитор, учител, диригент, общественик, музикален критик, член на „Могъщата шепа“. Римски-Корсаков е основоположникът на приказния оперен жанр. Искове на царската цензура към операта "Златният петле".

    презентация добавена 15.03.2015

    Кратка биографична бележка от живота на Чайковски. Създаване на операта "Евгений Онегин" през 1878г. Операта като „скромна творба, написана от вътрешна страст“. Първото изпълнение на операта през април 1883 г., Онегин, на императорската сцена.

    презентация добавена на 29.01.2012

    Изучаване на историята на жанра романс в руската музикална култура. Съотношението на общите черти на артистичния жанр и характеристиките на музикалния жанр. Сравнителен анализ на жанра романс в творбите на Н.А. Римски-Корсаков и П.И. Чайковски.

Операта е жанр на вокално музикално и драматично изкуство. Неговата литературна и драматична основа е либретото (словесен текст). До средата на 18 век. в композицията на либретото преобладава определена схема, поради еднообразието на музикалните и драматични задачи. Затова едно и също либрето често се използва от много композитори. По-късно либретото започва да се създава от либретиста в сътрудничество с композитора, което по-пълно осигурява единството на действието, думата и музиката. От 19 век. някои композитори сами създават либрето за своите опери (Г. Берлиоз, Р. Вагнер, М. П. Мусоргски, през 20 век С. Прокофиев, К. Орф и други).

Операта е синтетичен жанр, който обединява различни видове изкуства в едно театрално действие: музика, драма, хореография (балет), визуални изкуства (декори, костюми).

Развитието на операта е тясно свързано с историята на културата на човешкото общество. Той отразява острите проблеми на нашето време - социалното неравенство, борбата за национална независимост, патриотизма.

Операта като специална форма на изкуство се появява в края на 16 век. в Италия под влиянието на хуманистичните идеи от италианския Ренесанс. Първата се счита за операта "Евридика" от композитора Ж. Пери, поставена на 6 октомври 1600 г. във флорентинския дворец Пити.

Произходът и развитието на различни видове опера се свързва с италианската национална култура. Това е опера-серия (сериозна опера), написана по героично-митологичен или легендарно-исторически сюжет с преобладаване на солови номера, без хор и балет. А. Скарлати създава класически примери за такава опера. Жанрът опера-буфа (комична опера) възниква през 18 век. базиран на реалистични комедии и народни песни като форма на демократично изкуство. Opera buffa значително обогати вокалните форми в оперите, появиха се различни видове арии и ансамбли, речитатив, разширени финали. Създателят на този жанр е Дж. Б. Перголеси („Прислужницата“, 1733 г.).

Немската комична опера, singspiel, е свързана с развитието на германския национален музикален театър, в който пеенето и танците се редуват с говорими диалози. Vienna Singspiel се отличава със сложността на музикалните форми. Класически пример за сингшпил е операта на WA Mozart Abduction from the Seraglio (1782).

Френският музикален театър даде света в края на 20-те години. XIX век. така наречената „голяма опера“ - монументална цветна, която съчетава исторически сюжет, патос, драматизъм с външна декоративност и сценични ефекти. Двата традиционни клона на френската опера - лиричната комедия и комичната опера - бяха пропити с идеите за борба с тиранията, отдаденост на висок дълг и идеите на Великата френска революция от 1789-1794. За френския театър по това време е типичен жанрът „опера-балет“, където балетните сцени са еквивалентни на вокалните. В руската музика пример за подобен спектакъл е „Млада“ от Н. А. Римски-Корсаков (1892).

Творбите на Р. Вагнер, Г. Верди, Г. Пучини са оказали голямо влияние върху развитието на оперното изкуство (вж. Западноевропейската музика от 17-20 век).

Първите опери се появяват в Русия през 70-те години. XVIII век. под влияние на идеи, изразени в желанието да се изобрази истински животът на хората. Оперите бяха пиеси с музикални епизоди. През 1790 г. се провежда представление, озаглавено „Първоначалното управление на Олег“, с музика на К. Канобио, Й. Сарти и В. А. Пашкевич. До известна степен това изпълнение може да се счита за първия пример за музикално-историческия жанр, който беше толкова широко разпространен в бъдеще. Операта в Русия се формира като демократичен жанр; в музиката до голяма степен се използват ежедневни интонации и народни песни. Това са оперите "Мелничарят - магьосникът, измамникът и сватовникът" от М. М. Соколовски, "Къщата за гости в Санкт Петербург" от М. А. Матински и В. А. Пашкевич, "Кочияши на снимачната площадка" от Е. И. Фомин, "Скъперникът" , „Нещастие от карета“ (една от първите руски опери, където са засегнати проблемите на социалното неравенство) от Пашкевич, „Сокол“ от Д. С. Бортнянски и др. (Виж руската музика от 18 - началото на 20 век).

От 30-те години. XIX век. Руската опера навлиза в своя класически период. Михаил Глинка, основателят на руската оперна класика, създава фолклорно-патриотичната опера „Иван Сусанин“ (1836) и приказно-епичната „Руслан и Людмила“ (1842), като по този начин полага основите на две основни тенденции в руския музикален театър: историческа опера и магия епичен. А. С. Даргомижски създава първата в Русия социално-битова опера "Русалка" (1855).

Ерата от 60-те. предизвиква по-нататъшен възход в руската опера, който е свързан с работата на композиторите на „Могъщата шепа“ П. И. Чайковски, който е написал 11 опери.

В резултат на освободителното движение в Източна Европа през XIX век. се сформират национални оперни школи. Те се появяват и сред редица народи от дореволюционна Русия. Представители на тези училища бяха: в Украйна - С. Гулак-Артемовски ("Запорожец отвъд Дунава", 1863 г.), Н. В. Лисенко ("Наталка Полтавка", 1889 г.), в Грузия - М. А. Баланчивадзе ("Дареджан" коварен "1897), в Азербайджан - У. Хаджибейов (" Лейли и Мед-Жнун ", 1908), в Армения - А. Т. Тигранян (" Ануш ", 1912). Развитието на националните училища продължи под благотворното влияние на естетическите принципи на руската оперна класика.

Най-добрите композитори от всички страни винаги са защитавали демократичните основи и реалистичните принципи на оперното творчество в борбата срещу реакционните тенденции. Те бяха чужди на кокилите и схематизма в работата на композитори-епигони, натурализъм и липса на идеология.

Специално място в историята на развитието на оперното изкуство принадлежи на съветското оперно изкуство, оформило се след Великата октомврийска социалистическа революция. По отношение на своето идеологическо съдържание, теми и образи съветската опера е качествено ново явление в историята на световния музикален театър. В същото време тя продължава да развива класическите традиции на оперното изкуство от миналото. В своите творби съветските композитори се стремят да покажат истината на живота, да разкрият красотата и богатствата на човешкия духовен свят, да въплъщават вярно и многостранно великите теми на нашето време и историческото минало. Съветският музикален театър се развива като многонационален.

През 30-те години. се появява т. нар. посока „песен“. Това са „Тихият Дон" от И. И. Дзержински, „В буря" от Т. Н. Хренников и др. Сред забележителните постижения на съветската опера са Семьон Котко (1939 г.) и Война и мир (1943 г., ново издание - 1952 г.) ) С. С. Прокофиев, „Лейди Макбет от окръг Мценск” (1932, ново издание - „Катерина Измайлова”, 1962) от Д. Д. Шостакович. Създадени са ярки примери за национални класики: „Даиси“ от З. П. Паляшвили (1923), „Алмаст“ от А. А. Спендиаров (1928), „Кор-огли“ от Хаджибеков (1937).

Героичната борба на съветския народ по време на Великата отечествена война 1941-1945 г. е отразена в съветската опера: „Семейство Тарас“ от Д. Б. Кабалевски (1947, 2-ро издание - 1950), „Млада гвардия“ от Ю. С. Мейтус (1947, 2-ро изд. - 1950), „Историята на един истински мъж“ от Прокофиев (1948) и др.

Значителен принос за съветската опера направиха композиторите Р. М. Глиер, В. Я-Шебалин, В. И. Мурадели, А. Н. Холминов, К. В. Молчанов, С. М. Слонимски, Ю. А. Шапорин, Р. К. Щедрин, О. В. Тактакишвили, Е. А. Кап, Н. Г. Жиганов, Т. Т. Тулебаев и др.

Операта като многостранна творба включва различни изпълнителски компоненти - оркестрови епизоди, сцени на тълпата, хорове, арии, речитативи и др. Ария е музикален номер, завършен по структура и форма в опера или в голямо вокално и инструментално произведение - оратория, кантата, маса и др. Ролята й в музикалния театър е подобна на ролята * и монолог в драматичен спектакъл, но ариите, особено в операта, се чуват много по-често, повечето от персонажите в операта имат индивидуална ария, а за главните герои композиторът често композира няколко от тях.

Има следните видове арии. Една от тях - ариетата се появява за първи път във френската комична опера, след което се разпространява и звучи в повечето опери. Arietta се отличава с простотата и песенния характер на мелодията. Arioso се характеризира със свободна форма на представяне и декламационен песен. Каватина най-често се характеризира с лирично-повествователен характер. Каватините са разнообразни по форма: заедно с прости, като каватина на Берендей от „Снежната мома“, има и по-сложни, например каватина на Людмила от „Руслан и Людмила“.

Кабалета е вид лека ария. Среща се в творбите на В. Белини, Г. Росини, Верди. Той се отличава с постоянно повтарящ се ритмичен модел, ритмична фигура.

Инструментално парче с мелодия понякога се нарича ария.

Речитативът е особен начин на пеене, близък до мелодично мелодично декламиране. Построена е върху възхода и спада на гласовете, базирани на речеви интонации, акценти, паузи. Започва с начина, по който народните певци изпълняват епични и поетични произведения. Появата и активното използване на речитатив се свързва с развитието на операта (XVI-XVII век). Речитативната мелодия се изгражда свободно и до голяма степен зависи от текста. В процеса на развитие на операта, по-специално италианската, бяха определени два вида речитатив: сух речитатив и акомпанимент. Първият речитатив се изпълнява с „беседа“, в свободен ритъм и се поддържа от отделни трайни акорди в оркестъра. Този речитатив обикновено се използва в диалози. Акомпанираният речитатив е по-мелодичен и се изпълнява в ясен ритъм. Съпроводът на оркестъра е доста развит. Такъв речитатив обикновено предшества арията. Експресивността на речитатива се използва широко в класически и съвременни музикални жанрове - опера, оперета, кантата, оратория, романс.

Tannhäuser: Уважаеми персонални компютри, не се разстройвайте от прекомерното изобилие от публикации през последните дни ... Скоро ще имате прекрасна възможност да си починете от тях ...) В продължение на три седмици ... Днес включих тази страница за операта в дневника си. Има текст, снимки уголемен ... Остава да вземете няколко видеоклипа с оперни фрагменти. Надявам се, че ще ви хареса всичко. Е, разговорът за операта, разбира се, не свършва дотук. Въпреки че броят на великите произведения е ограничен ...)

Това е интересно сценично представление със специфичен сюжет, който се разгръща под музиката. Не може да се подценява огромната работа на композитора, написал операта. Но не по-малко важно е изпълнителското умение, което помага да се предаде основната идея на творбата, да вдъхнови публиката и да донесе музика в сърцата на хората.

Има имена, които са станали неразделна част от сценичните изкуства в операта. Масивният бас на Фьодор Шаляпин завинаги е потънал в душите на феновете на оперното пеене. Веднъж мечтал да стане футболист, Лучано Павароти се превърна в истинска оперна суперзвезда. От детството на Енрико Карузо се казва, че няма нито слух, нито глас. Докато певецът не се прочу с уникалното си бел канто.

Сюжет за опера

Може да се основава както на исторически факт, така и на митология, приказка или драматично произведение. За да разберете какво ще чуете в операта, се създава текст на либрето. За да се запознаете с операта обаче, либретото не е достатъчно: в края на краищата съдържанието се предава чрез художествени образи чрез музикални изразни средства. Специален ритъм, ярка и оригинална мелодия, сложна оркестрация, както и музикални форми, избрани от композитора за отделни сцени - всичко това създава масивен жанр на оперното изкуство.

Оперите се отличават със своята структура от край до край и с номериране. Ако говорим за структурата на числата, то тук музикалната завършеност е ясно изразена, а соло номерата имат имена: arioso, aria, arietta, romance, cavatina и други. Завършените вокални произведения помагат да се разкрие напълно характера на героя. Анет Даш, германска певица, изпълни партии като Антония от „Приказките на Хофман” на Офенбах, Розалинд от „Прилепът” на Щраус, Памин от „Вълшебната флейта” на Моцарт. На многостранния талант на певеца може да се наслади публиката на Метрополитън опера, Шанз Елизе, както и на Токийската опера.

Заедно с вокалните "закръглени" номера в оперите използват музикална декламация - речитатив. Това е чудесна връзка между различни вокални теми - арии, хорове и ансамбли. Комичната опера се отличава с отсъствието на речитатив, но замества техния говорим текст.

Балните сцени в операта се считат за неосновни елементи, вмъкнати. Често те могат да бъдат безболезнено елиминирани от общото действие, но има опери, в които езикът на танца не може да се откаже от завършването на музикалното произведение.

Оперно представление

Опера съчетава вокали, инструментална музика и танци. Ролята на оркестровия съпровод е значителна: в края на краищата това е не само съпровод на пеенето, но и неговото добавяне и обогатяване. Оркестровите части също могат да бъдат независими номера: антракти на актове, представяне на арии, хорове и увертюри. Марио Дел Монако стана известен благодарение на изпълнението на ролята на Радамес от операта „Аида“ от Джузепе Верди.

Говорейки за оперния колектив, трябва да се посочат солистите, хорът, оркестърът и дори органът. Гласовете на оперните изпълнители се разделят на мъжки и женски. Женски оперни гласове - сопран, мецосопран, контралто. Мъж - контратенор, тенор, баритон и бас. Кой би си помислил, че Бенджамино Джигли, израснал в бедно семейство, години по-късно, ще пее партията на Фауст от Мефистофел.

Видове и форми на операта

Определени форми на опера се развиват в исторически план. Най-класическата версия може да се нарече голяма опера: този стил включва произведения на Вилхелм Тел на Росини, Сицилианската вечерня на Верди, Трояни на Берлиоз.

Освен това оперите са комични и полукомични. Характеристиките на комичната опера се проявиха в творбите на Моцарт „Дон Джовани“, „Бракът на Фигаро“ и „Отвличането от Сералио“. Оперите, базирани на романтичен сюжет, се наричат \u200b\u200bромантични: този сорт включва произведенията на Вагнер Lohengrin, Tannhäuser и Wanderer Sailor.

Тембърът на гласа на оперния изпълнител е от особено значение. Суми Йо е собственик на най-редкия тембър - колоратурно сопрано , чийто дебют се състоя на сцената на театър "Верди": певицата изпя партията на Гилда от Риголето, както и Джоан Елстън Съдърланд, която в продължение на четвърт век пееше партията на Лучия от операта на Доницети "Лучия ди Ламермур".

Баладната опера се появява в Англия и напомня повече на редуването на разговорни сцени с фолклорни елементи на песни и танци. Пепуш с „Операта на просяците“ става пионер в баладната опера.

Оперни изпълнители: оперни певци и певци

Тъй като светът на музиката е доста многостранен, трябва да се говори за операта на специален език, разбираем за истинските любители на класическото изкуство. Можете да научите за най-добрите изпълнители на световни места на нашия уебсайт под заглавие „Изпълнители » .

Опитните меломани със сигурност ще се радват да прочетат за най-добрите изпълнители на класически опери. Музиканти като Андреа Бочели се превърнаха в достоен заместител на най-талантливите вокалисти от формирането на оперното изкуство. , чийто идол беше Франко Корели. В резултат на това Андреа намери възможността да се срещне с идола си и дори стана негова ученичка!

Джузепе Ди Стефано по чудо не влезе в армията, благодарение на невероятния си тембър на гласа. Тито Гоби щеше да стане адвокат и посвети живота си на операта. Можете да научите много за тези и други изпълнители - оперни певци в раздела „Мъжки гласове“.

Говорейки за оперни диви, не можем да не си припомним такива страхотни гласове като Аник Масис, която дебютира на сцената на операта в Тулуза с част от операта на Моцарт „Въображаемият градинар“.

Даниел Де Низ по право се смята за един от най-красивите вокалисти, който по време на кариерата си изпълнява солови роли в оперите на Доницети, Пучини, Делиб и Перголези.

Монсерат Кабале. За тази невероятна жена е казано много: малко изпълнители биха могли да спечелят титлата „Дива на света“. Въпреки факта, че певицата е в напреднала възраст, тя продължава да радва публиката с великолепното си пеене.

Много талантливи оперни изпълнители направиха първите си стъпки във вътрешните открити пространства: Виктория Иванова, Екатерина Щербаченко, Олга Бородина, Надежда Обухова и други.

Амалия Родригес е португалска фадо певица, а Патриша Чофи, италианска оперна дива, участва за първи път в музикално състезание, когато беше на три години! Тези и други велики имена на прекрасните представители на оперния жанр - оперни певци - можете да намерите в раздела „Женски гласове“.

Опера и театър

Духът на операта буквално прониква в театъра, прониква на сцената и сцените, на които са изпълнявали легендарни изпълнители, стават култови и значими. Как да не си припомним най-големите опери „Скала“, „Метрополитън опера“, „Болшой театър“, „Мариински театър“, Берлинската държавна опера и други. Например Ковънт Гардън (Кралската опера) е оцелял в катастрофални пожари през 1808 и 1857 г., но повечето от елементите на настоящия комплекс са възстановени. Можете да прочетете за тези и други известни сцени под заглавието „Места“.

В древни времена се е вярвало, че музиката се ражда със света. Освен това музиката премахва умствените преживявания и има благоприятен ефект върху духовността на индивида. Особено що се отнася до оперното изкуство ...