Rembrandt - sve što trebate znati o slavnom nizozemskom slikaru. Biografija Rembrandta
Rembrandt Harmenszoon van Rijn rođen je 15. srpnja 1606. u Leidenu, jednom od najvećih nizozemskih gradova. Njegov otac Harmen bio je bogat mlinar. Umjetnikovo prezime "van Rijn" znači "od Rajne", odnosno od rijeke na kojoj su stajali obiteljski mlinovi. Rembrandtova majka, Cornelia, bila je kći pekara. Vjenčali su se za Harmen 1589. godine, kada su oboje imali 21 godinu. Obitelj je imala desetero djece, od kojih je pretposljednje - Rembrandt. Umjetnikovi roditelji živjeli su mirnim životom punim radova – otac mu je umro 1630., a majka 1640. godine.
Od preživjele braće Rembrandt, trojica su nastavili obiteljsku tradiciju, postavši mlinari i pekari. Pokazalo se da je budući umjetnik jedino dijete u obitelji koje se školovalo u Latinskoj školi u Leidenu.
U svibnju 1620. godine, u dobi od 13 godina, stupio je u jednu od najstarijih obrazovnih institucija u Europi - Sveučilište u Leidenu. Tako mladi studenti tada nikoga nisu iznenadili. Međutim, mišljenja istraživača se razlikuju o Rembrandtovom studiju na sveučilištu. Možda ju nije ni započeo, a zvanje studenta mu je trebalo samo da bi dobio odgodu služenja vojnog roka. Otprilike u isto vrijeme, Rembrandt je počeo svladavati zanat umjetnika.
Glavni izvor informacija o ranim godinama njegova života su knjige Johannesa Orlersa, tadašnjeg gradonačelnika Leidena. U drugom izdanju svoje vrste priručnika, objavljenom 1641., Orlers je stavio kratku biografsku bilješku o Rembrandtu. Iz ove reference možete saznati da je prvotno Rembrandt studirao kod lokalnog slikara Jacoba van Swa-nenbürcha. U svom ateljeu proveo je tri godine, a potom se 1624. godine na šest mjeseci preselio u Amsterdam – kod slavnog majstora povijesnog slikarstva Petera Lastmana.
Godine 1625. ili 1626. Rembrandt se vratio u Leiden. Ovdje se sprijateljio s još jednim nadolazećim slikarom (također Lastmanovim učenikom), Janom Lievensom - tijekom nekoliko godina često su pisali zajedno, a ponekad su im radovi bili toliko slični jedno drugom da se činilo gotovo beznadnim utvrditi autorstvo jednog od umjetnika.
Kasnije, krajem 1631. ili početkom 1632., Rembrandt se preselio iz Leidena u Amsterdam (tada glavni grad Nizozemske). Amsterdam se u to vrijeme pred našim očima pretvarao u jedno od najvećih središta svjetske trgovine. Za trideset godina (od 1610. do 1640.) njegovo se stanovništvo utrostručilo - s 50.000 na 150.000 stanovnika. Rembrandt je odlučio da će u takvom gradu biti puno lakše napraviti pravu umjetničku karijeru.
U Leidenu je Rembrandt najčešće slikao male scenske slike (to su bile interpretacije vjerskih tema, portreti i autoportreti, karakteristični prizori). Sada je počeo raditi po narudžbi, što mu je omogućilo da brzo postigne uspjeh. Gotovo dvije godine umjetnik je živio u kući Hendrika van Eilenbürcha, velikog trgovca umjetninama, s kojim se sprijateljio ubrzo nakon preseljenja u glavni grad.
U lipnju 1633. Rembrandt se zaručio za Eilenbürchovu sestričnu Saskiju, a godinu dana kasnije njome se oženio. Saskijini roditelji umrli su dok je bila dijete i ostavili su značajno nasljeđe svojoj kćeri. Ni Rembrandt nije bio siromah, koji se već etablirao među vodećim nizozemskim umjetnicima svoga vremena. Ali ovo nije bio brak iz koristi. Rembrandt i Saskia su se strastveno voljeli. U početku su mladi živjeli u kući Hendrika van Eilenbürcha, a nešto kasnije kupili su i vlastitu kuću.
Između 1635. i 1640. Saskia je rodila troje djece, ali su sva umrla nakon što su na svijetu živjeli samo nekoliko tjedana. Godine 1641. rodila je svoje četvrto (i posljednje) dijete. Roditelji su svom sinu dali ime Titus. Titus je preživio, ali je i sama Saskia ubrzo umrla. Imala je 29 godina.
U godini Saskijine smrti, umjetnik je završio Noćnu stražu, svoju najveću i najpoznatiju sliku. Ali Rembrandtov život je već puknuo. Neizmjerno ožalošćen smrću svoje voljene supruge, umjetnik se nije mogao natjerati da se koncentrira na svoj uobičajeni rad - naručene portrete - i brzo je izgubio svoje bogate klijente.
S entuzijazmom je pisao i druga platna - njihova tema bila je biblijska priča. U teškim životnim razdobljima Rembrandt je uvijek nalazio utjehu u vjeri, ali sada je morao razmišljati i o svom sićušnom sinu. Umjetnik je za njega unajmio dadilju, udovicu Gertier Diercks, koja je postala Rembrandtova ljubavnica. Nekoliko godina kasnije, zamijenila ju je druga mlada žena, Hendrickje Stoffels. I ona je isprva bila Titusova dadilja. Gertier je podnio tužbu protiv Rembrandta, optužujući ga za kršenje bračne zavjere. Uslijedilo je nekoliko svadljivih suđenja, uslijed kojih je Gertier proglašen krivom i smješten u popravni dom na pet godina. Oslobođena je 1655., a sljedeće godine umrla. U međuvremenu, Hendrickje je rodila Rembrandtova sina (umro je u djetinjstvu) i kćer Corneliju. Cornelia - jedina od sve Rembrandtove djece - preživjela je oca.
U međuvremenu se Rembrandtova financijska situacija ubrzano pogoršavala. No unatoč nedostatku unosnih narudžbi za portrete, Rembrandt je nastavio trošiti mnogo novca na svoju kolekciju. Zbirka je bila vrlo zanimljiva. U njemu su se mogla pronaći platna talijanskih renesansnih majstora, oružje, biste rimskih careva, stare nošnje, orijentalna čuda, stotine crteža i grafika.
Godine 1652-54, Nizozemska je vodila rat s Britanijom, koji je opustošio državnu riznicu. Komercijalni promet je pao, što se odrazilo i na cijene umjetničkih proizvoda. Stvari su išle tako loše da je Rembrandt prodao dio svoje s ljubavlju prikupljene kolekcije. Ali to nije pomoglo, jedva je spajao kraj s krajem.
Godine 1656. umjetnik nije mogao isplatiti svoje vjerovnike i zamalo je završio u dužničkom zatvoru. Najgore je uspio izbjeći legalnom operacijom zvanom cessio bonorum (što znači prijenos duga). Prema njoj, dužnik nije bio odveden u zatvor ako je na sudu mogao dokazati da je njegova nevolja uzrokovana objektivnim razlozima. Prodavši svu svoju imovinu, Rembrandt je čak dobio dozvolu da ostane u kući koja mu je prije pripadala. Ovdje je živio do 1660. godine, kada je novi vlasnik kuće poništio tu dozvolu.
Od tada je Rembrandt živio u skromnim stanovima u siromašnim četvrtima grada. U to vrijeme Titus je porastao. Godine 1660. Titus i Hendrickje, kako bi što više zaštitili Rembrandta od materijalnih briga, osnovali su tvrtku za prodaju umjetnina. No, dio svojih vjerovnika umjetnik nije isplatio do kraja života.
To ga nije spriječilo da u očima sugrađana ostane dostojna osoba i cijenjeni gospodar. Godine 1661.-62. dobio je dvije svoje najveće i najprestižnije narudžbe: sliku "Urota Julija Civilisa" za novu amsterdamsku gradsku vijećnicu i grupni portret "Sindica" za zgradu ceha suknara.
Umjetnikov pad, unatoč njegovom izvanrednom stvaralačkom uzletu, bio je tužan. Godine 1663. umire njegov vjerni pratilac Hendrickje. Kasnije je Rembrandt pokopao sina, a za njim i snahu. U jesen 1669. došao je red na njega - 4. listopada najveći majstor nizozemskog slikarstva tiho je i neprimjetno napustio ovaj svijet.
Za života Rembrandt je napravio osamdesetak autoportreta - slika, grafika i crteža. Rano razdoblje stvaralaštva, zapleti Starog i Novog zavjeta, "Noćna straža" kao slika republikanske Nizozemske. Zrelo razdoblje kreativnosti. Sveta obitelj.
Rembrandtovo djelo
1. Autoportreti
Za života Rembrandt je napravio osamdesetak autoportreta - slika, grafika i crteža. Za njega je to bila svojevrsna autobiografija, pa makar se kasnije portreti prodavali. Jedan od prvih - "Autoportret" iz amsterdamskog Rijksmuseuma, gdje mu u lice zaviruje raščupani dvadesetdvogodišnji slikar koji uz pomoć chiaroscura pokušava dočarati prvu probuđenu svijest o sebi kao umjetniku.
Riža. 1. "Autoportret" oko 1628. godine
Na autoportretu iz 1629. sjajna zraka osvjetljava golobrado, upitno lice, zasjenjeno čipkastim ovratnikom. Ali autoportret iste godine, koji se čuva u Haagu, službeniji je. Na maloj slici "Umjetnik u svom ateljeu" (1629.), koja se dugo pripisuje Gerritu Dowu, vidimo Rembrandtovu radionicu u Leydenu, sa stolom, štafelajem, paletom i mortom za mljevenje boja. Umjetnik je sebe prikazao neobično daleko od slike, kao da želi dati gledatelju osjećaj kako on sam vidi i razumije slikarstvo.
U zrelijim portretima ponekad je izražena duša umjetnika, a ponekad je pomno ispisana njegova odjeća. "Autoportret" iz 1640., slika neobično profinjena i skladna, uhvatila je tridesetčetverogodišnjeg Rembrandta, koji je zauzeo jaku poziciju u Amsterdamu. Referentne točke za umjetnika bili su Tizianov "Portret plemića", koji se danas čuva u Londonu, a u to vrijeme u kolekciji Rembrandtova prijatelja portugalskog Židova Alfonsa Lopeza i "Portret Baldassara Castiglionea" Raphaela. U zbližavanju s talijanskim majstorima osjeća se Rembrandtov izazov, koji kao da neobičnim ruhom 16. stoljeća ističe svoju duhovnu bliskost sa svojim velikim prethodnicima. Slika se u kostimima, prema običaju svoje radionice, gdje su se čuvala najraznovrsnija odjevna kombinacija za modele navedene u inventarima - "Autoportret" 1658. iz Frickove njujorške kolekcije. Ali voli se prikazati i u odjeći amsterdamskog trgovca s lančićima, privjescima i krznenim ukrasima ili umjetnika svjesnog svoje uloge i položaja u društvu, kao u "Autoportretu na štafelaju" (1660.) ili u nekom drugom autoportret s paletom i resicama iz londonske kuće Kenwood, - skromna odjeća, jednostavna bijela beretka na glavi, snažan, inteligentan izraz naboranog lica. A izgled je moćan, ponosan i jako se umorio posljednjih godina, zasjenjen materijalnim nedaćama i obiteljskim nevoljama.
Riža. 2. "Autoportret" 1660
Kölnski neobični autoportret, naslikan oko 1665. godine, ekspresivan i nepristran, pokazuje da se Rembrandt još uvijek može nasmiješiti. Posljednja dva autoportreta iz 1669., čuvana u Londonu i Haagu, jedan sklopljenih ruku, drugi u raznobojnom turbanu preko duge sijede kose, odaju gorčinu i razočaranje čovjeka kojeg je njegov gurnuo u drugi plan. bivši student, muškarac, 1641. godine slovio za "jedan od najistaknutijih slikara svoga vremena".
2. Rano razdoblje stvaralaštva
Rembrandt je svoje putovanje započeo u Leidanu – njegova prva samostalna djela datiraju iz sredine 1920-ih; od 1632. do kraja života Rembrandt je radio u Amsterdamu - glavnom umjetničkom središtu zemlje. Druga polovica 20-ih i 30-ih godina bila je vrijeme Rembrandtove potrage za vlastitim putem i kreativnom metodom.
Rembrandt proučava stvarnost, nastoji ovladati njezinim različitim aspektima (o čemu svjedoče njegovi crteži), ali njegov primarni interes je individualni ljudski karakter i raznolikost manifestacija duhovnog života.
Pozornost na unutarnji život osobe određuje originalnost prvih Rembrandtovih slika (Tobias i njegova žena, 1625. - 1626., Apostol Pavao u zatvoru, 1627.). Naglasak na psihološkom doživljaju događaja, koji Rembrandt želi vidjeti očima njegovih sudionika, posebno je izražen u Kristu u Emausu (oko 1629.). Umjetnik prikazuje reakciju likova - uzbuđenje, strah, šok. No, kao i na ranim autoportretima, emocionalni su afekti još uvijek nedvosmisleni i usiljeni, položaji i geste su previše demonstrativni.
U djelima kasnih 20-ih - ranih 30-ih godina već se otkriva uloga svjetla kao sredstva za pojačavanje emocionalne ekspresivnosti scene. U Apostolu Pavlu rasvjeta naglašava raspoloženje junaka. U Kristu u Emausu suprotstavljenost svjetla i sjene prenosi iznenadnost i snagu osjećaja koji je zahvatio apostole.
Povijesno slikarstvo, uz portret, postalo je glavno područje Rembrandtova rada. Radnje Starog i Novog zavjeta omogućile su sadržaju djela dati figurativni razmjer, a njegovo značenje - generalizirajući karakter. Okretanje religioznim i mitološkim temama nije za Rembrandta značilo odbacivanje životne istinitosti slike, već naprotiv, želi spojiti stvarno, zemaljsko, konkretno s onim uzvišenim duhom i univerzalno značajnim značenjem koje je sadržano u legendi. .
Istodobno je kontroverzan i slikovni stil ranog razdoblja. Rembrandt ne uspijeva uvijek organski spojiti uzvišenost i pouzdanost, veličanstvenost osjećaja i grubu istinu stvarnosti. Dakle, u "Kristu u Emausu" kontrast između uobičajenog (običnog izgleda likova i svakodnevice pratnje) i čudesnog događaja je preoštar.
Odbacujući napuštenu konvenciju i idealizaciju, Rembrandt deheroje likove vjerskih i mitoloških legendi, ali uz sve to prenaglašava prozeizam prirode i niske strasti (Samsonova svadba, 1635.). S druge strane, uzvišeno se za Rembrandta još uvijek poistovjećuje s vanjskim uzdizanjem pozornice, s njegovom patetikom i burnom dinamikom – u djelima sredine i druge polovice 30-ih nije slučajno što utjecaj talijanskog a odražava se i flamanski barok ("Žrtva Abrahamova", 1634; "Zasljepljujući Samson").
Rembrandtova žudnja za spektakularnim sjajem i dramatičnim kolizijama – kao i njegova bahatost, želja za razotkrivanjem uobičajenih umjetničkih normi i ideala – uvelike je bila povezana sa željom da se udalji od prozaizma i građanskih ograničenja ustaljenog načina građanskog života. Iz svijeta svakodnevice privlači ga svijet heroja i fantazije. Tridesetih je često slikao sebe i svoje najmilije u "povijesnim" kostimima, u veličanstvenom, fantastičnom ruhu ("Saskia u obliku Flore", 1634; autoportreti iz Petit Palais, iz Berlina i Louvrea, 1634) . Ovi, kako ih zovu, imaginarni portreti kao da utjelovljuju određeni san o lijepoj osobi, o slici uzdignutoj iznad svakodnevne stvarnosti.
U tom razdoblju Rembrandt ne traži samo svoj ideal života i čovjeka – on stvara i djela koja nagovještavaju njegov budući put. Silazak s križa (između 1633. i 1639.) napisan je pod utjecajem slavne Rubensove kompozicije, ali je radnju Rembrandt protumačio kao komornu scenu: to omogućuje gledatelju da se osjeća kao nešto osobno povezano s njim, osobno zove iznijela mu ljudsku tragediju - smrt izmučenog Krista i tugu njegovih najmilijih. Svjetlo, prosijecajući tamu, stvara osjećaj intenzivne tišine, intenziteta osjećaja, veličine drame.
1930-ih Rembrandt je bio najpopularniji slikar u Amsterdamu. Dolaze mu uspjeh, slava, materijalno blagostanje. Učenici hrle u njegovu radionicu.
Rembrandt je u to vrijeme izveo mnoge naručene portrete. Oslikani su velikom plastičnom snagom, savršeno prenose sličnost, hvataju karakteristiku u izgledu, ali Rembrandt još nije pronašao svoj put u portretnom slikarstvu. Pa ipak, možda nije slučajno da je Rembrandt, slikar portreta po prirodi svog talenta, upravo u djelu ovog žanra - grupni portret korporacije amsterdamskih strijelaca - uspio utjeloviti ideal herojstva, bez zapadanja u krajnosti kazališne patetike i grotesknog izoštravanja, kako bi se postigao organski spoj poetskog uzdizanja, obojenog daškom fantazije i stvarne vitalnosti ("Noćna straža", dovršena 1642.).
Umjetnikova ideja bila je neobična: portretima osamnaest kupaca dodao je izmišljene likove i povezao ih motivom radnje: performansom tvrtke koja izlazi ispod luka i prelazi most preko kanala. Likovi i lica sad su skriveni sjenom, čas izgrabili jarka svjetlost dana. U skupini strijelaca vidimo prolaznike kako se u njemu guraju, među kojima je i djevojka u zlatnožutoj haljini, poput jarke svjetlosti koja treperi u ovoj energičnoj muškoj gomili.
Kombinacija portretnih slika s bezimenim figurama, dinamika kompozicije dali su joj veliku životnu uvjerljivost. No, posebnost “Noćne straže” je u tome što nije samo grupni portret, već i scena mnoštva. Motiv pokreta, izvedbe strijelaca, veličanstvena arhitektura pozadine, šarenilo raznih nošnji, kontrasti svjetla i sjene i konačno, goleme dimenzije slike stvaraju dojam svečane procesije, značajne javni događaj. "Noćna straža" je postala monumentalna kompozicija u kojoj se jasno čuje tema domoljubnog zanosa, trijumfa građanskog duha. Rembrandt to ponovno potvrđuje kada građanski patos i demokratski ideali iz nizozemske stvarnosti i iz nizozemske umjetnosti. Slika "Noćna straža" postala je takoreći slika republikanske Nizozemske, grupni portret dobio je značaj povijesne slike.
Riža. 3. "Noćna straža" 1642. godine
3. Zrelo razdoblje kreativnosti
Noćna straža dovršava ranu fazu Rembrandtova kreativnog razvoja. Od 40-ih godina počinje razdoblje zrelosti. Događa se prekretnica u percepciji svijeta. Burna dinamika, patetika, scenskost - sve što je bilo povezano s kontradiktornom potragom za velikom slikom - napušta njegovu umjetnost. Nova kreativna načela se određuju i postupno formiraju u cjelovit sustav. Taj je proces dovršen do 50-ih godina, koje otvaraju posljednju fazu Rembrandtovog djelovanja.
U 1940-ima Rembrandt je revidirao neka od svojih djela napisanih u prethodnom desetljeću - elokventno svjedočanstvo o promjeni majstorovih umjetničkih stremljenja. Prva verzija slike "Danae" nastala je 1636. godine. Mitološka radnja bila je predstavljena u spektakularnom, elegantnom dizajnu, ali je sama junakinja bila upečatljiva svojom običnošću. Lik Danae, naslikan po određenom modelu, potpuno je individualan u svom fizičkom sastavu, njegovi oblici i proporcije vrlo su daleko od idealnih normi ljepote. Afirmacija realistične vizije stvarnosti u prikazu nagog tijela - te "sfere" umjetničkog stvaralaštva, u kojoj je vrlo dugo prevladavao klasični ideal, dobila je posebno živopisan, programski karakter.
Godine 1646.-1647. Rembrandt je prepisao središnji dio slike, koji uključuje Danae i služavku. Umjetnik se više nije zadovoljavao samo "vanjskom" istinom života - težio je i unutarnjoj istini. Izraz njezina lica, nova gesta desne ruke koja se nalazi u ovoj verziji, iznenađujuće je točno i duboko prenijela emocionalno stanje junakinje - uzbuđenje i radost, očekivanje i nadu, nestrpljivost i privlačnost. U "istini prirode" Rembrandt je mogao razabrati duhovnu, moralnu ljepotu: Danae je lijepa iskrenošću i ljubavnom srećom, kojom kao da blista njezin izgled. Čudesno, veličanstveno postaje za Rembrandta ekvivalentno produhovljenom iskustvu.
Promijenio se i njegov slikarski stil. U netaknutim dijelovima slike detaljno su razrađene forme, pomno dočarani detalji, tekstura je neutralna, koloritom prevladavaju hladni tonovi; u središnjoj zoni - široko, slobodno pisanje, a kolorit je održan u toplim zlatnim i smećkastim tonovima, koje je umjetnik volio u zrelom razdoblju stvaralaštva. Funkcije svjetla postale su složenije - ono dobiva, takoreći, neovisno, viševrijedno duhovno značenje. U "Danae" meki sjaj svjetlosti počinje se doživljavati kao zračenje ljudskog osjećaja.
U Rembrandtovoj umjetnosti poezija i istina dolaze do skladnog jedinstva. Razotkrivanje poetskog, uzvišenog u stvarnom, običnom i, s druge strane, tumačenje fabule ne kao "eventualnog" sudara, nego kao psihološkog sudara - u tome sada pronalazi rješenje problema. Naglasak se prenosi na unutarnji, duhovni sadržaj slike ili događaja.
Rembrandt u svoje portretne karakteristike unosi poeziju i duhovnost (Čovjek sa sokolom, 1643; Portret Agathe Bas, 1641). Umjetnikovi autoportreti od sada više nisu skice izraza, već razotkrivanje unutarnjeg svijeta čovjeka u različitim fazama njegova životnog puta, njegove duhovne evolucije.
U legendama svetih spisa Rembrandt nastoji pronaći ljudsko „načelo“ blisko svima – u običnoj osobi i u običnim životnim pojavama vidi moralno dostojanstvo i ljepotu. Nije slučajno da je Rembrandta 40-ih godina toliko privukla lirska tema. Dubina osjećaja, nježnost i intimna toplina odnosa poetiziraju život običnih ljudi i daju osjećaj njegove moralne visine (Sveta obitelj, 1646; Tobias i njegova žena, 1645).
Ali lirizam interpretacije i konkretnost u prijenosu okoline ne daju djelima žanrovski karakter – unutarnji značaj izvlači sadržaj slike izvan okvira pojedine epizode.
"Zrno" Rembrandtovih estetskih ideja je rekreacija materijalnog i emocionalnog okruženja koje okružuje osobu, neraskidivo povezanog s njegovim bićem, s njegovim unutarnjim svijetom, okruženjem koje ništa manje od same slike, a jednako tako izražava raspoloženje i značenje scena.
U Svetoj obitelji (1645.) scena je uronjena u prozirni sumrak prožet drhtavim zlatnim svjetlom, u kojem se radnja zamrzava i zaustavlja, koja kao da upija emocionalne “glasove” slike. Nijanse osjećaja daju osjećaj trajanja doživljaja i istovremeno, takoreći, tijeka života u vremenu.
Tako se u drugoj polovici 40-ih afirmira problematika stvaralaštva zrelog i kasnog Rembrandta; ujedno se formirao i njegov novi slikovni sustav. Chiaroscuro je primarni, kreativni element umjetničke strukture. Zračeći sjajem i toplinom, svjetlo postaje materijalni ekvivalent lirskog osjećaja – definira duhovno ozračje pozornice, nositelj je njegova etičkog značenja. Svjetlost također određuje postojanje boje na slici, njezinu izražajnu snagu. U "Svetoj obitelji" osjećaj topline i nježnosti majčinske ljubavi "podupiraju" crveni tonovi koji tinjaju u smeđkastom mraku. Svjetlo, kao da je rođeno zajedno s tjelesnim oblikom, daje mu posebnu lakoću, a prostor dobiva dubinu i prozračnost zahvaljujući chiaroscuru. Likovi se spajaju u jednu cjelinu s prostorom, koji se percipira kao emocionalno okruženje zasićeno ljudskim osjećajima i doživljajima.
Plastična forma također dobiva posebnu duhovnost. Tijelo Batšebe (Bathsheba, 1654.) Rembrandt piše s takvom snagom i izrazom da djeluje iznenađujuće živo, stvarno i krajnje izražajno, kao da govori. Svaki oblik, okret, pregib tijela, njegov "dah" u istoj mjeri kao lice, nagib glave, pogled izražavaju poniznost i pasivnost Bat-Šebe, koja razmišlja o Davidovom pismu i nad svojom sudbinom. Njezino stanje duha tako je duboko i potpuno rekreirano da se čini da cijeli Bat-Šebin život prolazi pred njezinim pogledom i ispred pogleda gledatelja.
4. Kasno razdoblje stvaralaštva
Posljednja desetljeća umjetnikova života najznačajnija su faza u njegovoj umjetnosti. Usredotočujući se na probleme duhovnog sadržaja, Rembrandt dolazi do velikih generalizacija filozofskog i etičkog poretka. U području najslikovitije forme, on donosi hrabra otkrića, gledajući daleko u budućnost.
Za Rembrandta iz 50-ih-60-ih, tumačenje radnje je, u biti, otkrivanje unutarnjeg svijeta osobe, čije duhovno bogatstvo, moralni sudari i sudbina dobivaju univerzalno značajno značenje. S tim u vezi možemo govoriti o iznimnoj bliskosti tematske slike i portreta u djelu pokojnog Rembrandta.
Na portretima 50-ih - 60-ih Rembrandt želi prenijeti svestranost, svestranost ljudskog karaktera, ali, prije svega, složenost unutarnjeg života osobe, njegovu raznolikost i varijabilnost, neuhvatljive nijanse osjećaja i misli koje zamjenjuju jedna drugu. , pokazati njihovu međuprožimanje iu kontinuitetu, drugim riječima - u vremenu. Za razliku od Halsa, koji je uhvatio osobu u određenom trenutku, kao da je istrgnuta iz vremenskog toka, Rembrandt portretu daje osjećaj postupnog formiranja slike.
Rembrandt u ljudskoj osobnosti cijeni ne toliko njen racionalni i skladan integritet, koliko dubinu i suptilnost vlastitih intelektualnih i emocionalnih reakcija na okolinu. Ali snaga i značaj s kojima je Rembrandt prenio duhovni i mentalni svijet određene osobe, tjeraju nas da u individualnoj slici vidimo zajedničke ljudske osobine.
Jan Six (1654.) prikazan je u trenutku potpunog uronjenja u sebe: stao je, ruka se, navlačeći rukavicu, ukočila. U inteligentnom, izražajnom licu Sixxa, u njegovom pogledu, koji ne primjećuje ništa oko sebe, vidi se tuga i neka vrsta skrivenog nezadovoljstva, pronicljivost i pojačana emocionalna osjetljivost.
Plemenita ljepota boja - kombinacija sive kamisole, crnog šešira, crvenkaste kose i crvenog ogrtača sa zlatnim vezicama - u skladu je sa slikom koju je stvorio Rembrandt. Na cijelom izgledu Jana Sixa nalazi se pečat duhovne aristokracije, što kao da opravdava složenu paletu osjećaja koje on sada proživljava. Veliko unutarnje dostojanstvo govori o visokoj osobnoj samosvijesti osobe.
Rembrandtovo pismo je neobično podebljano, širokih slobodnih poteza, skiciranog, "otvorenog" načina. Forme su meke, savitljive, spremne odgovoriti na svaki emocionalni poriv i besprijekorno jasne, precizne i određene - slika je data i u svojoj potpunosti i u promjenjivosti unutarnjeg života.
Na portretima Rembrandta lik osobe gubi statični karakter – jedno stanje rekreirano na platnu čine različita iskustva i emocionalni osjeti. U "Portretu Nicholasa Braininga" (1652.) osjetljivo je prenesen tok misli i uzastopni mentalni pokreti. Teško je riječima definirati što njegov pogled izražava, slab, pomalo umoran osmijeh koji mu je jedva dotaknuo usne - u njemu se krije duhovna suptilnost, dobrota, meka snishodljivost, ruganje i lagana tuga. Klizanje sjena, igra svjetlosnih refleksija, pokretljivost i nesigurnost kontura, kretanje najslikovitije mase daju osjećaj unutarnje dinamike, što je naglašeno i kompozicijom portreta, nestabilnošću poze, i okretanje glave.
Rembrandtovi portreti, takoreći, apsorbiraju ne samo sadašnjost, već i prošlost osobe - postaju povijest života, portret-biografija. U djelima kao što su "Portret starice" (1654.), "Portret starca u crvenom" (1652. - 1654.) ili autoportret Rembrandta iz Bečkog muzeja (oko 1655.), životni put osobe ogleda se, iskustvo svih tjeskoba, tuga i razočaranja, teških moralnih testova i pobjeda nad samim sobom, iskustvo je u kojem junaci Rembrandtovih portreta nikada ne gube svoju duhovnu čistoću, ali im dodaje duhovnu snagu i sposobnost da izdrže borbu. života, a druge vodi u poniznost, u žalosnu i mudru odvojenost.
Tekstura i svjetlost su sredstva psihološke karakterizacije. Neravnomjerni slojevi boje, koji se sada grudaju ili skupljaju u grudice, ili naneseni u svijetlom sloju, daju dojam kristalizacije, formiranja slike pred očima gledatelja. Svjetlost, kao da dolazi iznutra, iz dubine čovjekovog bića, doživljava se kao emanacija njegovog duhovnog života - tragična tuga starosti, nježnost i toplina ("Portret Hendrickjea Stoffelsa", 1658.-1659.), poet. čistoća mladosti ("Titov portret", oko 1656.).
Na nov način, na psihološkoj osnovi, Rembrandt je riješio i grupni portret Sindiksa iz suknarske radnje (1662.). Kompozicija je konstruirana tako da se izbjegne monotonija ritma i postigne prirodnost u rasporedu figura. Rembrandt iznimno suptilno varira okrete, nagibe glave, geste; Suzdržani u svom vanjskom izrazu, s najvećom jasnoćom prenose različite nijanse pažnje i koncentracije. Svaku karakterizira umjetnik precizno i potpuno, pri čemu sve to u najškrtnijim sredstvima; to su izražajni pojedinačni portreti i ujedno raznoliki ljudski tipovi. Ali glavna stvar u Rembrandtovom djelu je osjećaj međusobnog razumijevanja između likova, njihovog duhovnog jedinstva. To proizlazi iz psihološke usredotočenosti likova na zajednički, za sve uzbudljiv događaj, stoga kompozicija odaje dojam neraskidive unutarnje povezanosti prikazanih ljudi.
"Syndics" Rembrandta vrhunac su i završna riječ u umjetnosti nizozemskog portreta.
Riža. 4. „Sindiki radionice suknara“. 1662 g.
Likovi na Rembrandtovim portretima jedinstveni su po prirodi, po svom duhovnom izgledu, ali Rembrandt nastoji razumjeti svakoga, "prihvatiti" ga i približiti mu se, čak i ako je ta osoba mnogima strana. Gerard de Laresse, s licem unakaženim sifilisom, jadan i patnik, razmeće se svojim samopouzdanjem i namjernom, pomalo pretjeranom elegancijom; pokušava zadržati smirenost, ali se u njegovim inteligentnim i tužnim očima čita neizrečena bol ("Portret H. de Laresse", 1665.).
Duboko prodirući u psihologiju modela, Rembrandtove portrete povezuje neka vrsta unutarnje srodnosti: spaja ih duhovnost i emocionalna zasićenost svojstvena svima, ali prije svega - to toplo sudjelovanje umjetnika, njegova dobrohotnost, kao da je diktirana izoštrenim osjećajem za pravdu, namećući pečat njegovim portretnim slikama posebnu ljudskost i duševnost. U svakoj osobi Rembrandt je mogao pronaći nešto lijepo, što odgovara njegovom visokom moralnom idealu.
Umjetnost pokojnog Rembrandta puna je velikog duhovnog značenja i filozofske dubine.
Tematske kompozicije u slikarstvu kasnih 50-ih i 60-ih često se temelje na moralnom sukobu. Ljudski život Rembrandt shvaća kao težak put, predodređen sudbinom, pun kušnji, u kojem osoba mora slijediti određene unutarnje, moralne zakone - zakone pravde, dobrote, suosjećanja.
Radnju skladbe "Assur, Haman i Estera" (1660.) Rebrandt tumači kao sukob ljudskih sudbina. Židovka Estera, žena perzijskog kralja Asura, ispričala je kralju o podmuklim planovima njegovog prijatelja, vezira Hamana, koji je planirao uništiti židovski narod. Prikazani u neutralnom mračnom prostoru, likovi slike su izvana nepovezani, otuđeni jedni od drugih - svaki je zatvoren u sebe, zatopljen u svoje misli i duševnu tjeskobu, ali njihovi su životi povezani nevidljivim nitima, njihova je daljnja sudbina odlučena ovim sastankom. Ideja i ugođaj slike prvenstveno je u jeziku šarenih i svjetlosnih odnosa: nijanse crvene boje u smeđoj tami, bljeskovi zlatnog tona koji prodiru u nju, sjaj Esterina brokatnog plašta i profil njezina lica ispunjenog svjetlom .
Rembrandtovi junaci nikada nisu jednostrani likovi i u tome - i to ne samo u sudbinskim zaokretima - leži i izvor njihove moralne patnje.
Slika "Poricanje apostola Petra" (1660.) otkriva dramu čovjeka koji je iznevjerio svoja uvjerenja. U licu apostola Petra, iznenada obasjanog u sumraku noći plamenom svijeće koju drži sluga, nalazi se složena gama proturječnih osjećaja koji ga muče: strah i bojažljiva molitva, pokajanje i sram, svijest o njegovu slabost i neumoljivu krivnju. Utjelovljuje ih, takoreći, nestabilna, nestabilna plastičnost lica s njegovim oblicima, koji se čas rastvaraju u svjetlu, čas dobivaju sigurnost.
Istodobno, u držanju sv. Petra, u veličanstvenom preokretu figure, u njenom razmjeru, u sjaju bijelog ogrtača, koji svjetluca zlatnim refleksima - najveće i najsvjetlije mjesto na slici - može se naslutiti odjek drugih, plemenitih osobina njegove prirode, koji se pokazao slabim u trenutku kušnje, ali svojom sposobnošću da bude tako jaka iskustva, do tragičnog duhovnog sukoba nadvivši se nad njihovim neprijateljima.
Jedna od vrhunaca umjetnosti pokojnog Rembrandta je slika "David i Saul" (početke 1660-ih), biblijska legenda govori da je kralj Saul, koji je sumnjao u snagu svog prijestolja, bio mučen napadima žestokog bijesa koji su ga tjerali na tamna. Samo je dječaku Davidovo pjevanje i sviranje harfe moglo ublažiti njegovu patnju; ali u Davidu Šaul sumnja na svog nasljednika, a pod krinkom male pastirice, njegova se sudbina ukazuje kralju.
Rembrandt prikazuje trenutak kada Saul, slušajući Davidovu igru, doživljava strahovit šok: njegov je bijes splasnuo, ruka koja drži štap je oslabila, on briše suze zastorom. U ovom trenutku duhovnog preokreta, unutarnjeg prosvjetljenja, otkrili su se Saulovi najintimniji, tajni osjećaji u kojima on, možda, ni sam sebi ne priznaje: strah, očaj i usamljenost.
Umjetnik hrabro, slobodno nanosi poteze boje na platno, koristeći razne kistove, nož, čak i trljajući boju prstom - čini se da smo prisutni na samom činu stvaranja, kada se prenosi nadahnuće emocionalnog impulsa od umjetnika do likova slike, ova šarena, poput dragog kamenja, šarena "lava" postaje vidljivo utjelovljenje elementa osjećaja koji posjeduje junake slike.
U zapletima evanđelja i Biblije Rembrandt je tražio ne samo vječni smisao i generalizirajuće slike, nego i onu dramu koja tjera čovjeka da se otkrije u svom proturječnom bogatstvu svoje prirode, onaj stupanj duhovne napetosti kada snaga iskustva otkriva njegove najbolje osobine u osobi, kada su njegovi vrlo visoki emocionalni impulsi. Duhovni, etički ideal Rembrandta nalazi temelj za svoje ostvarenje upravo u moralnoj dramskoj koliziji.
Etička problematika Rembrandtove umjetnosti dobila je svoj konačni izraz u monumentalnoj kompoziciji Prometni sin, napisanoj neposredno prije njegove smrti (1668.-1669.).
Radnja je bila evanđeoska prispodoba o mladiću koji je napustio roditeljski dom, koji je protraćio svoju mladost i bogatstvo, a zatim se pokajao vratio u sklonište svoga oca. Cijeli prostor slike uronjen je u sumrak, upijajući malobrojne detalje pozadine i svjedoke događaja, kako bi se pozornost usmjerila na likove oca i sina. Oni čine zatvorenu skupinu: lik mladića, raščupanog i sažaljivog, stisnut uz oca i kajanja, kao obavijen siluetom starca. Otac i sin kao da su se stopili u jedno biće i nepomično stoje, prepušteni na milost i nemilost svojim iskustvima. Suosjećajna, tužna šutnja prisutnih čini da se jasnije čuju unutarnji glasovi junaka, njihov tihi dijalog. Očeve ruke – starca ljubaznog i mudrog lica – spuštene su na ramena njegova sina – miluje ga, hrabri, drži i oprašta. Ali u ovom času susreta i pomirenja ne doživljavaju radost i sreću - ni sin ni otac ne mogu se odreći svega što su proživjeli, a njihova prošlost sada je s njima - lutanja, siromaštva i poniženja jednoga, tuge i dugog žalosnog iščekivanja još.
U dubokom zlatno-smeđem tonu koji dominira kompozicijom, crveni ogrtač prebačen na ramena oca istaknut je kao glavni emocionalni, dramatični naglasak. Ona daje posebnu veličanstvenost liku starca, a bezbroj nijansi, igra, treperenje, bljesak i blijeđenje crvene boje doživljavaju se kao odjeci njegovih iskustava.
Zadivljujuća ljudskost i ogromna snaga kojom u ovoj slici zvuči poziv na suosjećanje, velikodušnost i ljubav, kojom je izražena umjetnikova vjera u njihovu veliku preobražavajuću i uzdižuću moć, čine "Razgubnog sina" vrhuncem Rembrandtova "tragičnog humanizma" .
Slika 5. "Povratak izgubljenog sina." 1668 - 1669 (prikaz, stručni).
Kraj 50-ih i 60-ih godina - vrijeme njegovih najvećih stvaralačkih dostignuća - bile su i godine teških osobnih iskušenja: Rembrandt bankrotira, smrt odnosi najbliže; gubi pristaše, učenici ga varaju. Umjetnik spoznaje gorčinu starosti i samoće. No u svojim autoportretima, napisanim tijekom ovih godina, Rembrandt se pojavljuje kao osoba koja je do posljednjih dana zadržala dostojanstvo i ponos, neovisnost i moralnu snagu, što mu je dalo sreću kreativnosti, svijest o ispravnosti odabranog puta i veličina duha koji je potreban da se njime prošeta do kraja (autoportreti u zbirci Frick u New Yorku, 1658; u Bečkom muzeju, 1652; u nacionalnim galerijama Washingtona i Londona, 1659, 1669).
5. Grafika
Rembrandt u svojoj umjetnosti postavlja problem etičke vrijednosti pojedinca, moralnog smisla ljudskog života. U glavnim tokovima ovog problema njegova umjetnička traganja odvijala su se 50-ih - 60-ih godina - kako u slikarstvu tako i u grafici.
Grafika - crtež, graviranje - bila je potpuno neovisno područje Rembrandtovog stvaralačkog djelovanja. Posebno je puno radio u bakropisu - kao bakropis Rembrandtu nema premca u svjetskoj umjetnosti. Tehniku bakropisa obogatio je novim tehnikama koje su joj dale izuzetnu fleksibilnost i beskrajno proširio arsenal njezinih izražajnih mogućnosti. Rembrandt je bakropis dopunio takozvanom "suhom točkom" - odnosno potezima nacrtanim izravno na površini tiskane ploče; uz rubove utora ostale su čestice izgrebanog metala, takozvane bodlje, koje su zadržavale boju. Inovacija je bila i činjenica da je tijekom samog tiskanja postigao različite slikovne efekte - ovisno o tome kako je nanio boju (je li ju samo utrljao u udubljenja ili ju je ostavio i na glatkim dijelovima ploče i sl.). Kao rezultat toga, Rembrandt je u jetkanju postigao i posebnu oštrinu crteža, i postupnost gradacija osvjetljenja, mekoću, zamućene linije i bogatstvo tonskih kontrasta. Ponekad je Rembrandt mijenjao već gotovu tiskarsku ploču - svako je njegovo stanje, u biti, bilo neovisno djelo.
Tematika Rembrandtovih bakropisa vrlo je raznolika - svakodnevni prizori (žanr na koji se majstor nije primjenjivao u slikarstvu), portreti, pejzaži, vjerski motivi. Svaka tema dobiva svoje grafičko rješenje. U krajolicima s krajnjom lakonizmom, koristeći samo ekspresivnost poteza i neispunjenih dijelova papira, Rembrandt stvara dojam beskrajnih prostranstava ravnice, svjetlosti koja ispunjava prostor, vibracija zračne atmosfere ("Pogled na Omval", 1645; "Šestov most", 1645; "Imaje vaga za zlato", 1651) U bakropisu "Tri stabla" (1643), pejzaž je izgrađen na kontrastu masa svjetla i sjene. Borba sunčevih zraka protiv oblaka koji je izlio potoke vode na tlo daje krajoliku herojsku snagu.
Jednako monumentalan i širok u svom figurativnom zvuku je još jedan poznati list - višefiguralna kompozicija "Krist liječi bolesne" (kraj 40-ih). Svatko na svoj način čeka čudo ozdravljenja – s vjerom, nestrpljenjem, poniznošću, sa skrivenim strahom ili sveobuhvatnom željom koja poništava sve sumnje. Ova tema nade i strastvenog iščekivanja potcrtana je nepovjerenjem i ismijavanjem bogataša i nekom vrstom unutarnje plahovitosti samog Krista, kao da, baš poput siromaha, kao i sve napaćeno čovječanstvo okupljeno oko njega, čeka i nada se čudo koje bi trebao stvoriti.ljubav i suosjećanje prema njima.
Njegov demokratizam, njegova simpatija prema svijetu ugroženih izraženi su s osobitom spontanošću u Rembrandtovim grafikama.
Najbolje, najsavršenije bakropise stvorio je Rembrandt 50-ih godina (nakon 1660. više se nije bavio graviranjem). U ovom trenutku Rembrandt se uglavnom okreće temama Starog i Novog zavjeta. U njima utjelovljuje svoja razmišljanja o misteriju ljudskog života i njegovoj svrsi, o etičkim problemima bića i njegovim tragičnim sukobima. Po snazi emocionalne ekspresije bakropisi 50-ih nisu inferiorni u odnosu na njegovo slikarstvo, a ponekad ga i nadmašuju.
U "Slijepi Tobias" (1651.) svjetlosni potezi prodiru u prostor, rastvaraju granice predmeta i figura - sve kao da je ispunjeno drhtavim klizećim svjetlom, prenoseći najsuptilnije nijanse očevih osjećaja, napeto i uzbuđeno iščekujući dolazak svog sine, sve nijanse plahe, ali neiskorijenjive nade, koja podupire život usamljenog i bespomoćnog starca, sljepoćom ograđenog od svijeta.
Riža. 6. “Slijepi Tobija”. 1651 g.
U "Kristovoj propovijedi" (oko 1656.), tkanju poteza, gradacija svjetla i tame, prikazana je složena polifonija raznih raspoloženja i emocionalnih reakcija - suosjećanje, prezir, ravnodušnost, nerazumijevanje, tupa oholost, snishodljivost, ljudsko sudjelovanje.
U gravuri Rembrandt ostaje isti neponovljivi majstor chiaroscura, a i potezi i gradacije svjetla, život svjetlosti u bakropisima 50-ih postao je neobično raznolik u svojim funkcijama, u svom izrazu. U takozvanom "Faustu" (oko 1653.), dvije zasićene, svijetle točke svjetlosti - glava alkemičara i disk na pozadini prozora - postaju utjelovljenje duhovnih sposobnosti, kreativnog truda koji nagrađuje osobu s otkrivenjem istine. U Silasku s križa (1654.) zgušnjavanje sjena, bljesak i blijeđenje svjetla prenose duševno stanje likova, tragediju događaja i njegov uzvišeni smisao. U Pokopu (oko 1659.) tužni i drhtavi sjaj svjetla koncentrira u sebi doživljaje svih sudionika prizora, dramatičnu tišinu ljudi vezanih zajednicom patnje. U "Dovođenju u hram" (oko 1658.) sablasno treperenje svjetla u tami stvara dojam uzbudljivog uvoda u misterij i intenzivne, tragične slutnje budućnosti.
Bakropisi su također odražavali jednu od središnjih tema Rembrandtova stvaralaštva 50-ih-60-ih godina - usamljenost osobe i poziv na duhovnu blizinu ljudi. U bakropisu Tri križa (prva tri stanja - 1653., četvrta - 1660.), kaos mrlja svjetlosti i sjene stvara predodžbu o masi ljudi koja juri podno raspela - u strahu i očaju. Tajanstveno svjetlo koje se slijeva s neba naglašava kako tamu u koju je Kristova smrt gurnula zemlju, tako i uvid ljudi koji su, u tragediji onoga što se dogodilo, našli put jedni prema drugima. U žalosnom jedinstvu ljudi koje je proživljena drama iznijela iz njihovog zatvorenog svijeta, u ovom bratstvu patnje, možda i Kristova smrt, uzdignuta iznad svijeta i gomile u tamu noći i vječne samoće, pronalazi svoje razumijevanje i opravdanje.
1. "UVOD u kulturologiju" ur. E.V. Popova, Moskva, 1995
2. Grinenko G.V. Čitanka o povijesti svjetske kulture. Moskva, 1998
3. Dmitrieva N.A. Kratka povijest umjetnosti. Problem 2. Moskva, 1990
4. Povijest umjetnosti stranih zemalja XVII - XVIII stoljeća .: Udžbenik. Moskva, 1988
5. Povijest umjetnosti u zapadnoj Europi od renesanse do XX. stoljeća. Moskva, 1988
6. Povijest estetike. Spomenici svjetske estetske misli. Svezak 2.Moskva, 1964
7. Lazarev V.N. Stari europski majstori. Moskva, 1974
8. Rotenberg E.I. Zapadnoeuropsko slikarstvo 17. stoljeća. Moskva, 1989
9. Sovjetski enciklopedijski rječnik. Moskva, 1982
|
Do preuzimanje posla morate se besplatno pridružiti našoj grupi U kontaktu s... Samo kliknite na donji gumb. Inače, u našoj grupi besplatno pomažemo u pisanju edukativnih radova. Nekoliko sekundi nakon što je pretplata potvrđena, pojavit će se poveznica za nastavak preuzimanja djela.  |
|
| Besplatna evaluacija | |
| Podići originalnost ovog djela. Zaobilaznica protiv plagijata. | |
|
REF-Majstor- jedinstveni program za samostalno pisanje sažetaka, kolegija, kontrolnih i diplomskih radova. Uz pomoć REF-Mastera možete jednostavno i brzo izraditi originalni esej, kontrolni ili kolegij na temelju gotovog rada - Rembrandtova kreativnost. |
|
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn Jedan je od najpoznatijih umjetnika na svijetu. Rođen 15. srpnja 1606. u Leidenu (Nizozemska, Južna Nizozemska). Nekoliko godina studirao je kao šegrt kod jednog leidenskog umjetnika, a zatim je proučavao zamršenosti slikarstva kod Petera Lastmana u Amsterdamu, koji je pak studirao u Italiji. Lastman je bio taj koji je prvi upoznao Rembrandta s umjetnošću chiaroscura, efektima prenošenja volumena, dubine i dramatičnosti radnje.
Rembrandt je pravi i nenadmašni majstor biblijskih i mitoloških tema, portreta i prijenosa. Nakon što se 1631. (1632.) preselio u Amsterdam, ubrzo je stekao pravu slavu kao talentirani umjetnik. Slika "Lekcija anatomije doktora Tulipana" donijela mu je slavu i priznanje među umjetnicima i poznavateljima slikarstva. U to vrijeme bio je moderan i uspješan slikar koji je imao mnogo narudžbi. Posao mu je naglo krenuo i postao je prilično bogat čovjek.
Međutim, unatoč njegovoj dobrobiti kao umjetniku, mnoge su nevolje zadesile Rembrandta u njegovom osobnom životu. Troje njegove djece umrlo je u djetinjstvu. Četvrti sin Titus je preživio, ali godinu dana nakon njegovog rođenja umrla mu je supruga Saskia. U ovim teškim i kritičnim godinama za svaku osobu, Rembrandt slika sliku "Noćna straža", koja mu je donijela pravu slavu i još uvijek je jedna od najupečatljivijih slika svih njegovih radova. Noćna straža je grupni portret članova Guilda. Tada je napustio klasičan način slaganja lica u grupni portret, te stvorio sliku u kojoj ima dinamike i kretanja. Osim toga, neobičan kontrast, način superponiranja svjetla i sjene, dao je posebnu uzbudljivu notu radu. Kupci, moram priznati, nisu razumjeli Rembrandtov plan, jer su htjeli dobiti nešto slično djelima drugih klasičnih umjetnika tog vremena, onih koji su bili prepoznati kao standard u slikarstvu.
Tijekom godina realistična umjetnost Rembrandt Van Rijn sve se poboljšava i razvija. Udubljuje se u svoj rad, sve drugačiji od svojih suvremenika. Dubina i emocionalnost dosežu vrhunac napetosti. Umjetničke slike na njegovim platnima kao da žive svojim životom, a uopće nisu kopija s originala ili obična slika osobe. Upravo je novina umjetničkih istraživanja omogućila da postane jedan od najistaknutijih umjetnika svih vremena i naroda. Nije mu dosadilo iznenađivati ljude tijekom svog života. Čak i kad je Rembrandt izašao iz mode, i nastavio slikati obične portrete po narudžbi, neočekivano za sve, naslikao je grandioznu sliku Povratak izgubljenog sina. Pa ipak, unatoč njihovoj vještini i zaslugama, svijet i društvo bili su okrutni i u ono vrijeme. Rembrandt van Rijn umire 4. listopada 1669. u siromaštvu i bijedi. Njegov grob je izgubljen, ali mu je kroz mnoga stoljeća u sjećanju ostala velika ostavština.
Želite li izgledati moderno i moderno? Nudimo kvalitetan tisak na majice iz Print Salona. Majice, natpisi i slike za svaki ukus.
Alegorija glazbe
Andromeda
Aristotel s bistom Homera
Let za Egipat
Jakovljev blagoslov
Kristov baldahin za vrijeme nevremena
Čovjek u zlatnoj kacigi
David i Jonathan
Evanđelist Matej i anđeo
židovska nevjesta
Frederick Reale na konju
Žrtva
Kameni most
Mlin
Mrtva priroda s paunom
Noćna straža
Josipova optužba
Zasljepljujući Samsona
Poricanje apostola Petra
Baltazarova gozba
Otmica Ganimeda
Portret Jeremiaha Dekkera
Portret Marije Trip
Portret starog ratnika
Portret starice
Portret Jana Šestog
Portret Jana Utenbogartha
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669), nizozemski slikar.
Nakon što je 1620. ušao na Sveučilište u Leidenu, Rembrandt ga je ubrzo napustio i počeo studirati slikarstvo. U godinama 1625-1631. radio je u svom rodnom gradu. Glavne u njegovom radu iz ranog razdoblja bile su slike na vjerske teme, kao i portreti.
1632. bila je sretna godina za Rembrandta. Preselio se u Amsterdam i oženio bogatu gradsku stanovnicu Saskiju van Eulenburg, a slika "Lekcija anatomije dr. Tulpa" mladom slikaru donijela je opće priznanje.
Za gospodara je počelo najprosperitetnije desetljeće u njegovom životu. Imao je mnogo učenika (Rembrandtova škola). Tijekom tog razdoblja napisao je remek-djela kao što su "Autoportret sa Saskiom" (1635.) i "Danae" (1636.).
Rembrandtova iznimno vesela umjetnost 30-ih godina. spaja iskustvo renesansnih i baroknih majstora i inovativan pristup klasičnim temama.
Razdoblje uspjeha naglo je završilo 1642.: veličanstveno djelo "Noćna straža" - grupni portret članova Amsterdamskog streljačkog saveza - odbili su kupci koji nisu cijenili umjetnikove inovacije i podvrgli ga oštroj kritici.
Rembrandt je praktički prestao primati narudžbe, gotovo svi njegovi učenici su ga napustili. Saskia je umrla iste godine.
Od 40-ih godina. Rembrandt je u svom radu napustio kazališne efekte, a mistični, kontemplativni princip se pojačao u njegovom slikarstvu. Često se umjetnik okrenuo slici svoje druge žene - Hendrickje Stoffels.
Slika Sveta obitelj (1645.), serija autoportreta i najbolji pejzaži obilježeni su dubinom, smirenošću i emocionalnim bogatstvom. No, neuspjesi su i dalje pratili Rembrandta: 1656. godine proglašen je nesolventnim dužnikom, imovina je prodana na aukciji, a obitelj se preselila u skromnu kuću u židovskoj četvrti Amsterdama.
Slika “Urota Julija Civilisa” (1661.) koju je naručila Gradska vijećnica podijelila je sudbinu “Noćne straže”. Godine 1663. umjetnik je pokopao svoju ženu i sina.
Unatoč pogoršanju vida, Rembrandt je nastavio slikati. Neobičan rezultat njegova rada bilo je platno "Povratak izgubljenog sina" (1668-1669).
Rembrandt Harmenszoon van Rijn je svjetski poznati slikar i grafičar. Rembrandtova biografija je vrlo zanimljiva, pa ne čudi što je ogroman broj umjetničkih studija i znanstvenih monografija posvećen proučavanju njegovog života i rada.
ranim godinama
Umjetnik Rembrandt, čija se biografija razmatra u ovom članku, rođen je u obitelji mlinara Harmena Gerritsa 1606. godine. Majka mu se zvala Neltje Willemsdochter van Rijn.
Budući da je s mojim ocem u to vrijeme bilo dobro, budući slikar je stekao prilično dobro obrazovanje. Bio je raspoređen u latinsku školu, ali mladić nije volio tamo studirati, pa je njegov uspjeh ostavio mnogo da se poželi. Kao rezultat toga, otac je popustio sinovljevim zahtjevima i dopustio mu da ode studirati u umjetničku radionicu Jacoba van Svanenbürcha.
Biografija Rembrandta zanimljiva je po tome što njegov prvi mentor nije imao jak utjecaj na umjetnički stil slikara. Najveći utjecaj na nadobudnog umjetnika imao je njegov drugi učitelj, kojemu je prešao nakon tri godine rada u Svanenbürchu. Bio je to Peter Lastman, kojeg je Rembrandt odlučio slijediti kada se preselio živjeti u Amsterdam.
Kreativnost i biografija umjetnika
Kratka biografija Rembrandta van Rijna ne dopušta detaljan prikaz cjelokupne njegove karijere i života, ali glavne točke ipak je moguće razaznati.
Godine 1623. umjetnik se vratio kući u grad Leiden, gdje je do 1628. stekao svoje učenike. Podaci o njegovim najranijim poznatim djelima datiraju iz 1627. godine.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn je postojano i marljivo išao prema svom kreativnom uspjehu - biografija talentiranog slikara pokazuje da je u ranim fazama svog rada neumorno radio.
U to vrijeme slikao je uglavnom svoju obitelj i prijatelje, kao i prizore iz života rodnog grada. U galeriji Kassel nalazi se portret čovjeka s dvostrukim zlatnim lancem oko vrata, koji datira iz tog razdoblja života umjetnika poznatog u cijelom svijetu kao Rembrandt. Već tada je biografija i rad ovog slikara počeo privlačiti pozornost.
Selidba u Amsterdam
Godine 1631. mladić se preselio živjeti u glavni grad - grad Amsterdam. Od sada se u svojim rodnim krajevima pojavljuje iznimno rijetko. Rembrandtova biografija u ovoj fazi njegova života i rada prepuna je dokaza da je brzo stekao slavu i stvaralački uspjeh u bogatim krugovima Amsterdama.
Ovo je vrlo plodna faza u životu umjetnika. Rembrandt, čija je kratka biografija izložena u našem članku, vrlo je naporno radio, ispunjavajući mnoge narudžbe i istodobno ne zaboravljajući stalno usavršavati. Umjetnik je crtao iz života i gravirao zanimljive likove na koje je naišao u židovskoj četvrti grada.
Tada su naslikane takve poznate slike kao što su "Lekcija anatomije" (1632), "Portret Coppenola" (1631) i mnoge druge.
Kreativni i financijski uspjeh
Godine 1634. Rembrandt se ženi Saskiom van Uhlenborch, kćerkom uspješnog odvjetnika. To je u mnogočemu obilježilo najuspješnije razdoblje u životu i radu umjetnika. Ima dovoljno novca i mnogo narudžbi koje rado ispunjava.
Rembrandtova biografija tog razdoblja pokazuje da je on jako volio slikati svoju ženu, i to ne samo na portretima, već se često njezina slika može vidjeti i na drugim slikama slikara.
Najpoznatije slike koje prikazuju umjetnikovu mladu suprugu su:
- "Portret Rembrandtove nevjeste";
- "Portret Saskije";
- "Rembrandt sa svojom ženom".
Rembrandt: kratka biografija nakon smrti njegove prve žene
Mladićev sretan brak nije dugo trajao. Nakon sedam godina braka, Saskia je iznenada umrla 1642. godine. I od tog trenutka cijeli se umjetnikov život počinje mijenjati nagore.
Unatoč činjenici da se Rembrandt oženio drugi put, više nije imao istu sreću kao u prvom braku. Njegova bivša sobarica, Gendrikie Jagers, postala mu je životna partnerica.
U tom je životnom razdoblju umjetnik doživio teške materijalne poteškoće, i to ne zbog nedostatka posla i narudžbi, već zbog vlastite ovisnosti o sakupljanju umjetnina na koje je trošio većinu svojih prihoda.
Njegova kolekcionarska strast dovela je do toga da je 1656. godine proglašen dužnikom koji nije mogao otplatiti svoje dugove, a 1658. morao se odreći vlastite kuće kako bi platio dugove. Od tog trenutka umjetnik je živio u hotelu.
Pogoršanje situacije
Hendrikiejevi i Rembrandtov sin Titus osnovali su trgovačko poduzeće za prodaju umjetničkih djela. Međutim, stvari i dalje nisu išle najbolje, a nakon Gendrikieove smrti 1661. godine situacija je postala još gora. Sedam godina kasnije preminuo je i sin koji je vodio poslovanje tvrtke.
Financijska situacija velikog umjetnika postaje jednostavno strašna, ali siromaštvo nije ubilo njegovu želju za stvaranjem. I dalje ustrajno slika slike, koje, međutim, više ne uživaju isti uspjeh među njegovim suvremenicima kao prije, jer su se s godinama mijenjali ukusi javnosti.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn umro je u listopadu 1669., potpuno sam i u krajnjem siromaštvu.
Rembrandt: biografija, slike
Za razliku od suvremenika velikog slikara, sljedeće generacije visoko su cijenile ne samo rani rad umjetnika, već i kasnija djela i platna Rembrandta. Danas je majstor personifikacija nizozemskog slikarstva i jedan od njegovih najistaknutijih predstavnika.
Glavnim lajtmotivom cijeloga njegovog stvaralaštva možemo nazvati realizam, koji prožima sva autorova djela. Čak i prikazujući mitološke zaplete, Rembrandt pokazuje drevne grčke bogove i božice pod krinkom današnjih stanovnika Nizozemske. Upečatljivim primjerom toga može se nazvati slika "Danae", koja se čuva u Državnom muzeju Ermitaž u Sankt Peterburgu.
Neke mitološke slike općenito imaju polukarikaturnu sliku bogova i božica. To se može pratiti u djelu "Otmica Ganimeda" (drugi naziv "Ganimed u kandžama orla"), koji se čuva u Dresdenskom muzeju. Ovdje proporcije Ganimedova tijela ne odgovaraju stvarnosti, što ne govori o niskoj razini umijeća umjetnika slike, već o njegovom namjernom karikaturalnom pristupu prikazivanju lika na platnu, budući da na mnogim slikama Rembrandt lako izvodi čak i složeni elementi koji prikazuju dijelove ljudske fiziologije i anatomije.
Umjetnikove portrete općenito odlikuje neviđen realizam i uvjerljivost za svoje vrijeme, što govori o nevjerojatnom talentu majstora i sposobnosti da ono što je vidio u životu prenese na platno, kao i o njegovom prilično dubokom poznavanju ljudske anatomije i fiziologije .
Umjetnik vrlo pažljivo i precizno tretira razne sitnice i sitne dodatke za ovakav rad. To se jasno vidi na slikama:
- Kaligraf (Državni muzej Ermitaž);
- Sat anatomije (Mauritshuis);
- "Gild tkalaca" (Amsterdamski muzej).
Kreativni stil
Za djela Rembrandta karakteristično je da sve bitne elemente slike umjetnik uvijek iznosi u prvi plan, bez obzira na kompozicijska obilježja. Umjetnik ne nastoji uvijek pokazati jesu li prikazani ljudi ili predmeti ispravni sa stajališta stvarnosti. Karakterizira ga namjerno pretjerivanje.
Glavna karakteristika koja je prošla kroz sve njegove radove je nedostatak jarkih boja i sjaja. Štoviše, to se može vidjeti iz najranijih radova umjetnika. I to ih uvelike razlikuje od slika talijanskih majstora ili, na primjer, od djela flamanskog slikara Rubensa.
Rembrandt je najveći naglasak stavio na igru boja sa svjetlom i sjenom. U tome je njegova vještina prepoznata i nenadmašna do danas. Ponekad je igra svjetla i sjene boja na umjetnikovim platnima toliko jaka da se likovni stručnjaci još uvijek raspravljaju o tome koje je doba dana prikazano na slici.
Jedan od najsvjetlijih primjera Rembrandtovih slika s tako veličanstvenom paletom je možda njegova najpoznatija slika "Noćna straža", rasprava o kojoj se nastavlja i danas.
"Noćna straža"
Ova slika nosi službeni naziv "Govor streljačke satnije kapetana Fransa Banninga Kocka i poručnika Willema van Ruutenbürga", ali se u cijelom svijetu obično naziva jednostavno "Noćna straža".
Međutim, zbog umjetnikove ljubavi prema gore opisanoj igri svjetla i sjene, sporovi o tome koje je doba dana prikazano na slici, dan ili noć, još uvijek traju i nema definitivnog odgovora.
Ovo je platno simbol i najupečatljivije djelo ne samo samog Rembrandta, već i cijele nizozemske slikarske škole. Smatra se vlasništvom Kraljevine Nizozemske i svjetske umjetnosti općenito.
Milijuni turista iz cijelog svijeta svake godine dolaze u Amsterdam kako bi posjetili Rijksmuseum i divili se poznatoj slici. Svatko u tome vidi nešto svoje, svatko ima svoj dojam i mišljenje o ovom platnu. Ali činjenica uvijek ostaje nepromijenjena da ovo veličanstveno djelo slavnog kreatora nikoga ne ostavlja ravnodušnim.
Zaključak
Danas je slikar i grafičar Rembrandt, čija je kratka biografija i rad opisan u ovom članku, ponos ne samo svoje domovine. Poznat je u cijelom svijetu, a njegovim slikama dive se poznavatelji umjetnosti i slikarstva diljem planete. Umjetnikove slike nestrpljivo se kupuju za basnoslovne novce na aukcijama gdje se prodaju slike i umjetnička djela, a ime Rembrandta čuje svatko tko ima i najmanju ideju o umjetnosti.
Teško je precijeniti stvaralački doprinos ovog velikog umjetnika slikarstvu i kulturi svoje zemlje i cijelog svijeta. Nije uzalud da se danas nizozemska slikarska škola prvenstveno povezuje s imenom Rembrandta Harmenszoona van Rijna.
