Испански художници. Такива разнообразни испански художници
Испанско изкуство
Испанското изкуство е изкуството на Испания. Като важна част от западното изкуство (особено повлияно от Италия и Франция, особено през периодите на барока и класицизма) и като даде на света много известни и влиятелни художници (включително Веласкес, Гоя и Пикасо), испанското изкуство често имаше отличителни черти и беше оценено донякъде отделно. от други европейски училища. Тези различия могат да бъдат обяснени отчасти с мавританското наследство на Испания (особено в Андалусия) и политическия и културен климат в Испания по време на контрареформацията и последвалото затъмнение на испанската власт при династията Бурбони.
Ел Греко (1541-1614), Ел Есполио (1577-1579), е един от най-известните олтарни произведения на Ел Греко, чиито олтарни произведения са известни с динамичните си композиции и усещането за движение.
Ранните иберийци оставиха много зад себе си; Северозападна Испания споделя област с югозападна Франция, където най-богатите находки от изкуството на горния палеолит в Европа са открити в пещерата Алтамира и в други обекти, където са открити скални резби, създадени между 35 000 и 11 000 пр. н. е. д. Скалното изкуство на Иберийския средиземноморски басейн (както терминът е определен от ЮНЕСКО) е изкуството на източна Испания, вероятно от около 8000-3500 г. пр. Н. Е., Показва животни и ловни сцени, често създадени с нарастващ усет към цялостната композиция на мащабната сцена. По-специално Португалия е богата на мегалитни паметници, включително Алмендрес Кромлех (Cromlech Almendres), а иберийското схематично изкуство е каменна скулптура, петроглифи и пещерни картини от ранното желязо, открити в целия Иберийски полуостров, с геометрични шарки и също с по-често използване на прости пиктограми като човешки фигури, което е характерно за подобни изкуства от други региони. Casco de Leiro - златен ритуален шлем от късната бронзова епоха може да се свърже с други златни шапки, открити в Германия, а съкровището на Вилена е огромно съкровище от геометрично украсени съдове и орнаменти, вероятно от 10 век пр.н.е., включително 10 килограма злато ...
Иберийската скулптура преди римското завоевание отразява контакти с други напреднали древни култури, които създават малки крайбрежни колонии, включително гърците и финикийците; Финикийското селище Са Калета в Ибиса е запазено за разкопки, по-голямата част от него сега се намира под големи градове, а Дама Гуардамар е намерен по време на разкопки на друг финикийски обект. Дамата от Елче (вероятно от 4 век пр. Н. Е.) Може да представлява Танит, но също така показва елинистично влияние, както и Сфинксът на Агоста и Бичът на Баласот от 6 век. Биковете на Гисандо са най-впечатляващият пример за веррако, големи келтско-иберийски скулптури на животни, изработени от камък; Бик от Осун, V век пр.н.е. е най-напредналият единичен пример. Оцелели са няколко орнаментирани фалчета, характерни извити иберийски мечове, както и много бронзови фигурки, използвани като оброчни образи. Римляните постепенно завладяват цяла Иберия между 218 г. пр.н.е. и 19 г. сл. Хр
Както и другаде в Западната империя, римската окупация до голяма степен разрушава местните стилове; Иберия е била важна земеделска зона за римляните и елитът придобива огромни имения, произвеждащи пшеница, маслини и вино, някои от по-късните императори от иберийските провинции; по време на разкопки са открити много огромни вили. Акведукът на Сеговия, римските стени на Луго, мостът Алкантара (104-106 г. сл. Хр.) И фарът на кулата на Херкулес са големи добре запазени паметници, впечатляващи образци на римската техника, ако не винаги изкуство. Римските храмове са доста добре запазени във Вик, Евора (сега в Португалия) и Алкантара, както и техните елементи в Барселона и Кордоба. Сигурно е имало местни работилници, произвеждащи висококачествени мозайки, въпреки че голяма част от най-добрата свободно стояща скулптура вероятно е била внесена. Мисирий Теодосий I е известна сребърна чиния от късната античност, която е намерена в Испания, но вероятно е създадена в Константинопол.
Бизон от пещерата Алтамира (между ок. 16 500 и 14 Преди 000 години)
Съкровището на Вилена вероятно ех през пр.н.е.
Ранно средновековие
Фрагмент от оброчната корона на Реккесуинт от съкровището на Гуаразар, сега в Мадрид. Висящите букви четат [R] ECCESVINTUS REX OfferET (Крал Р. дарява това). Публичен домейн.
Християните-вестготи управляваха Иберия след разпадането на Римската империя, а богатото съкровище от Гуаразар от VII век вероятно се пазеше, за да се избегне плячкосването по време на мюсюлманското завладяване на Испания и сега е уникален оцелял пример за християнски оброчни златни корони; въпреки испанския стил, тази форма вероятно тогава е била използвана от елита в цяла Европа. Други примери на визиготското изкуство са металообработването, главно бижутата и катарами, както и каменните релефи, запазени, за да дадат представа за културата на тези първоначално варварски германски народи, които са се държали много до голяма степен от иберийските си съвременници и чието царуване се разпада. когато мюсюлманите пристигат през 711г.
Скъпоценният кръст на Победата, Библията Ла Кава и Ахатското ковчеже на Овиедо са оцелели примери на богатата предроманска култура на Астурийския регион от IX-X в. На северозападна Испания, останала под християнско управление; Банкетната къща на Санта Мария дел Наранко с изглед към Овиедо, завършена през 848 г. и по-късно превърната в църква, е уникален оцелял пример за европейска архитектура от този период. Кодексът Vigilan, завършен през 976 г. в района на Риоха, показва сложна смесица от няколко стила.
Арабески декориран панел от Madina az-zahra, robven - http://www.flickr.com/photos/robven/3048203629/
Великолепният дворец-град Мадина аз-захра близо до Кордоба е построен през X век за династията на Умейяд от халифите на Кордоба, той е трябвало да стане столица на Ислямска Андазузия, разкопки все още са в ход. Оцелява значително количество много сложна украса на основните сгради, което показва огромното богатство на тази много централизирана държава. Дворецът в Аляферия датира от по-късен период, след като ислямска Испания е разделена на няколко кралства. Забележителни примери за ислямската архитектура и нейните орнаменти са джамийските храмове на Кордоба, чиито ислямски елементи са добавени между 784 и 987 г., и дворците Алхамбра и Дженералифе в Гранада, датиращи от последния период на мюсюлманска Испания.
Пиза Грифин е най-голямата известна ислямска скулптура на животни и най-зрелищната скулптура от групата Ал-Андалуз, много от тези скулптури са създадени за подпомагане на фонтанени басейни (например в Алхамбра) или в редки случаи за тамян и други подобни цели.
Християнското население на мюсюлманска Испания разработи стил на мозарабското изкуство, най-известните оцелели примери за което са няколко илюстрирани ръкописа, няколко коментара към книгата Откровения на астурийския свети Беат (Beatus) от Ливана (ок. 730 - c. 800), която създаде тема, която позволява ярко оцветен примитивист. стил, за да демонстрира напълно своите качества в ръкописите от X век. Например, това са ръкописите на Beatus Morgan, вероятно първият, Beatus Gerona, украсен от женския художник Ende, Escorial Beatus и Beatus Saint Sever, който всъщност е създаден на известно разстояние от мюсюлманското управление във Франция. Мозарабски елементи, включително фон от ярко оцветени ивици, могат да се видят в някои от по-късните романски стенописи.
Испанско-мавританската керамика се появи на юг, очевидно главно за местните пазари, но по-късно мюсюлманските грънчари започнаха да се преселват в региона Валенсия, където християнските владетели продаваха своите луксозни полилейни керамични изделия на елити в цяла Християнска Европа през XIV и XV век, включително включително папите и английския кралски двор. Испанските ислямски дърворезби и текстил също бяха с много високо качество; модерните фабрики за плочки и килими на полуострова дължат произхода си главно на ислямските кралства.
След изгонването на ислямските владетели по време на Реконкиста, значителна част от мюсюлманското население и християнски майстори, обучени в мюсюлмански стил, останаха в Испания. Mudéjar е термин за произведения на изкуството и архитектурата, създадени от тези хора. Архитектурата на Mudejar в Арагон е призната за обект на ЮНЕСКО за световно наследство. Дворецът на вътрешния дворец на 14-ти век, построен за Педро от Кастилия в Севилския Алкасар, е друг отличен пример. Този стил може да се съчетае хармонично с християнския европейски средновековен и ренесансов стил, като сложен таван от дърво и мазилка, а произведенията на Mudejar често продължават да се създават в продължение на няколко века, след като територия е превзета от християните. ...
Кутията на слонова кост на Ал-Магира, Мадина ал-Зарах, 968 g, публично достояние
Наклонен Грифин, снимка: Меморато,
Страница от Beatus Morgan
Испанско-мавританска кана с герб Медичи, 1450-1460 г.
Боядисване
Романска живопис в Испания
Апсида на църквата Санта Мария в Таула, каталунска стенопис в Ллейда, началото на XII век, снимка: Ecemaml, Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported
В Испания изкуството на романския период представлява плавен преход от предишния предромански и мозарабски стил. Много от най-добре запазените романски църковни стенописи, открити в цяла Европа по онова време, идват от Каталония. Забележителни примери са разположени в храмовете на региона Вал де де Бой; много от тях са открити едва през 20 век. Някои от най-добрите примери са преместени в музеи, по-специално в Националния музей на изкуствата на Каталония в Барселона, където се намират известната централна апсида на Сант Климент в Таула и стенописите от Сихена. Най-добрите примери за кастилски романски стенописи са стенописите в Сан Исидоро в Леон, картини от Сан Бауделио де Берланга, сега най-вече се помещават в различни музеи, включително Метрополитен музей на изкуствата в Ню Йорк, и стенописи от Санта Круз де -Мадеруело в Сеговия. Има и няколко антепендиума (завеса или преграда пред олтара) с рисуване на дърво и други ранни пана.
готически
Готическото изкуство в Испания постепенно се развива от предшестващите го романски стилове, ръководени от външни модели, първо от Франция, а след това от Италия. Друг отличителен аспект беше включването на елементи от стила на Mudejar. В крайна сметка италианското влияние, от което са заимствани византийски стилистични устройства и иконография, напълно измества оригиналния франко-готически стил. Каталония все още беше просперираща област, където бяха построени много красиви олтари; регионът обаче изпадна в заблуждение, след като акцентът върху търговията се премести в Атлантическия океан след откриването на американските колонии, което отчасти обяснява наличието на много средновековни останки там, тъй като нямаше пари за обновяване на ренесансовите и бароковите църкви.
Ранен ренесанс
Поради важните икономически и политически връзки между Испания и Фландрия от средата на XV век, ранният Ренесанс в Испания е силно повлиян от холандската живопис, което води до появата на испано-фламандската школа на художниците. Водещи представители бяха Фернандо Галего, Бартоломе Бермеджо, Педро Берругете и Хуан де Фландс.
Ренесанс и маниеризъм
Като цяло ренесансът и последващият манерски стил е трудно да се класифицират в Испания поради комбинацията от фламандски и италиански влияния и регионални различия.
Основният център на влияние на италианския Ренесанс, проникнал в Испания, е Валенсия поради близостта и тесните връзки с Италия. Това влияние се усеща чрез вноса на произведения на изкуството, включително четири картини на Пиомбо и репродукции на Рафаел, както и преместването на италианския ренесансов художник Паоло де Сан Леокадио и испански художници, прекарали известно време в работа и обучение в Италия. Това бяха, например, Фернандо Жан дьо Алмедина (1475-1540) и Фернандо Лланос, които демонстрираха чертите на Леонардо в своите творби, в частност, фини, меланхолични изрази и мекота на изпълнение в моделни характеристики.
Пиета от Луис де Моралес
На други места в Испания влиянието на италианския Ренесанс е по-слабо изразено, при сравнително повърхностно използване на методи, които са комбинирани с предишни фламандски методи на работа и имат манерски характеристики, поради сравнително късната поява на примери от Италия, тъй като италианското изкуство вече до голяма степен е манеристично. Отвъд техническите аспекти, темите и духът на Ренесанса са трансформирани така, че да отговарят на испанската култура и религиозна среда. Следователно бяха изобразени много малко класически теми или голи жени, а творбите често показваха усещане за благочестива преданост и религиозна сила - атрибути, които ще останат доминиращи в голяма част от изкуството на Контрареформацията в Испания през 17-ти век и след това.
Известни манастирски художници са Висенте Хуан Масип (1475-1550) и синът му Хуан де Хуанес (1510-1579), художник и архитект Педро Мачука (1490-1550) и Хуан Кореа де Вивар (1510-1566) ... Въпреки това, най-популярният испански художник от началото на 17 век е Луис де Моралес (1510? -1586). От Ренесанса той също често заимства меко моделиране и прости композиции, но ги комбинира с прецизността на детайла, характерна за фламандския стил. Той изобрази много библейски герои, включително Богородица и дете.
Златен век на испанската живопис
През испанския Златен век, период на испанско политическо господство и последваща рецесия, в Испания се наблюдава масово развитие на изкуството. Смята се, че този период започва в определен момент след 1492 г. и завършва или с Пиренейския договор през 1659 г., въпреки че в изкуството неговото начало е отложено до царуването на Филип III (1598-1621), или непосредствено преди него, а краят също се приписва на 1660 години или по-късно. По този начин този стил е част от по-широкия бароков период в изкуството. Тук има значително влияние на големите барокови майстори като Караваджо и по-късно Рубенс, уникалността на изкуството от онова време включва и влияния, които променят типичните барокови характеристики. Те включват влияния на съвременната холандска живопис от Златен век, както и местната испанска традиция, която предизвика голяма част от изкуството от този период интерес към натурализма и избягване на величието на голяма част от бароковото изкуство. Значителни ранни представители на този период са Хуан Баутиста Майно (1569-1649), донесъл новия натуралистичен стил в Испания, Франсиско Рибалта (1565-1628) и Санчес Котан (1560-1627), влиятелен художник на натюрморт.
Ел Греко (1541-1614) беше един от най-индивидуалистичните художници на периода, той разработи много манеристичен стил, основан на произхода си в поствизантийската критска школа, за разлика от натуралистичните подходи, преобладаващи тогава в Севиля, Мадрид и други региони на Испания. Много от неговите произведения отразяват сребристо сивите и живи цветове на венециански художници като Тициан, но те са съчетани със странно удължение на фигурите, необичайно осветление, премахване на перспективното пространство и запълване на повърхността по много явен и изразителен живописен начин.
Работейки главно в Италия, особено в Неапол, Хосе де Рибера (1591-1652) се смята за испанец и неговият стил понякога се използва като пример за силно контрареформационно испанско изкуство. Работата му беше силно влиятелна (главно благодарение на тиража на неговите рисунки и щампи в цяла Европа) и показа значително развитие през цялата му кариера.
Като порта към Новия свят, Севиля се превръща в културен център на Испания през 16 век. Той привлича художници от цяла Европа, които търсят комисии от разрастващата се империя, както и от множеството религиозни къщи на богатия град. Започвайки със силна фламандска традиция на подробно и гладко писане, както е показано в творбите на Франсиско Пачеко (1564-1642), с времето се развива натуралистичен подход с влиянието на Хуан де Роелас (ок. 1560-1624) и Франсиско Ерера Старши (1590 -1654). Този по-натуралистичен подход, повлиян от Караваджо, стана разпространен в Севиля и формира образователния фон за трима майстори от Златния век: Кано, Зурбаран и Веласкес.
Франсиско Зурбарана (1598-1664) известен със своята категорична и реалистична употреба на хиароскуро в неговите религиозни картини и натюрморти. Въпреки че изглеждаше, че той е ограничен в развитието си и за него са трудни сцени. Отличната способност на Зурбаран да предизвиква религиозни чувства му спечели много поръчки в консервативната Севиля за контрареформация.
Споделяне на влиянието на същия майстор художник - Франсиско Пачеко - като Веласкес, Алонсо Кано (16601-1667) също активно се занимаваше със скулптура и архитектура. Стилът му премина от натурализма на ранния му период към по-фин, идеалистичен подход, разкриващ венециански влияния и влияния Ван Дак.
Веласкес
Диего Веласкес "Менини", 1656-1657
Диего Веласкес (1599-1660) е водещ художник при двора на крал Филип IV. В допълнение към многобройните изображения на сцени с историческо и културно значение, той създава десетки портрети на испанското кралско семейство, други известни европейски личности и простолюди. В много портрети Веласкес придава достойни качества на такива непривлекателни членове на обществото като просяци и джуджета. За разлика от тези портрети боговете и богините на Веласкес обикновено са изобразени като обикновени хора без божествени черти. В допълнение към четиридесетте портрета на Филип на Веласкес, той рисува портрети на други членове на кралското семейство, включително принцове, инфанти (принцеси) и кралици.
Късен барок
Бартоломе Естебан Мурило, Непорочно зачатие на Богородица (Душа)
Елементите на късния барок се очертават като чуждо влияние, благодарение на посещенията на Рубенс в Испания и циркулацията на художници и меценати между Испания и испанските владения Неапол и испанската Холандия. Известни испански художници, представители на новия стил - Хуан Кареньо де Миранда (1614-1685), Франсиско Риси (1614-1685) и Франсиско де Ерера Младши (1627-1685), син на Франсиско де Ерера Старши, инициатор на натуралистичния акцент в училище Севиля. Други известни барокови художници включват Клаудио Коелю (1642-1693), Антонио де Переда (1611-1678), Матео Серецо (1637-1666) и Хуанде Валдес Леал (1622-1690).
Изключителен художник от този период и най-известният испански художник преди признаването на заслугите на Веласкес, Зурбаран и Ел Греко през 19 век е Бартоломе Естебан Мурило (1617-1682). Прекарва по-голямата част от кариерата си в Севиля. Неговите ранни творби отразяват натурализма на Караваджо с приглушена кафява палитра, просто, но фино осветление и религиозни теми, изобразени в естествена или битова обстановка, както в картината му „Светото семейство с птица“ (ок. 1650 г.). По-късно той включи в своето творчество елементи от фламандския барок от Рубенс и Ван Дак. Непорочното зачатие (Soult) използва по-ярка и сияйна палитра от цветове, вихрушните херувими насочват целия фокус към Божията Майка, чийто поглед е насочен към небето, а около нея се разнася топъл светещ ореол, което я прави ефективен богообразен образ, важен компонент на тази работа; темата за Непорочното зачатие на Богородица беше представена от Мурило около двадесет пъти.
Испанското изкуство от 18 век
Натюрморт с портокали, колби и кутии шоколадови бои, Луис Егидио Мелендес
Началото на управлението на династията Бурбони в Испания при Филип V доведе до големи промени в областта на покровителството, новият съд, ориентиран към Франция, предпочете стиловете и художниците на Франция пред Бурбоните. Няколко испански художници бяха наети от съда - рядкото изключение беше Мигел Джасинто Мелендес (1679-1734) - и мина известно време, преди испанските художници да овладеят новите стилове на рококо и неокласицизъм. Водещи европейски художници, включително Джовани Батиста Тиеполо и Антон Рафаел Менг, бяха активни и влиятелни.
Без кралско спонсорство много испански художници продължиха да работят в стила барок при създаване на религиозни композиции. Това се отнася за Франсиско Бай-у-Субиас (1734-1795), опитен художник на стенопис, и Мариано Салвадор Маел (1739-1819), и двамата се развиват в посока на строгия неокласицизъм на Менгс. Друга важна област за испанските художници е портретна живопис, която активно се преследва от Антонио Гонсалес Веласкес (1723-1794), Хоакин Инза (1736-1811) и Агустин Естеве (1753-1820). Но за жанра на натюрморта все още беше възможно да се получи кралска подкрепа, това се отнасяше за такива художници като придворния художник Бартоломе Монталво (1769-1846) и Луис Егидио Мелендес (1716-1780).
Продължавайки с испанската традиция на натюрморти от Санчес Котан и Зурбаран, Мелендес създава серия от картини в кабинета, поръчани от принца на Астурия, бъдещия крал Карл IV, предназначени да покажат пълната гама от Испания. Вместо да създава официални учебни материали по естествена история, той използва силно осветление, ниски точки и тежка композиция, за да драматизира предметите. Той прояви голям интерес и внимание към детайлите в размисли, текстури и акценти (като акцентите в шарената ваза в „Натюрморт с портокали, буркани и кутии шоколади“), отразяващ новия дух на Просвещението.
Гоя
Франсиско Гоя, „Трети май 1808 г.“
Франсиско Гоя беше портретист и придворен художник на испанския двор, хроник на историята и чрез неформалната си заетост революционер и визионер. Гоя рисува портрети на испанското кралско семейство, включително Карл IV от Испания и Фердинанд VII. Темите му варират от весели тържества за гоблени, сатирични скици до сцени на война, екшън и трупове. В началото на кариерата си той рисува скици на сатирично съдържание като шаблони за гоблени и се фокусира върху сцени от ежедневието с живи цветове. През живота си Гоя също така прави няколко серии от Грабадос, офорти, изобразяващи упадъка на обществото и ужасите на войната. Най-известната серия от неговите картини са Тъмните (Черните) картини, рисувани в края на живота му. Тази серия включва произведения, които са тъмни на цвят и значение, причинявайки безпокойство и шок.
19 век
Фредерико Прадила, „Доня Хуана Ла Лока (Луна Хуана)“
Различни артистични течения от 19 век повлияха на испанските художници, благодарение в голяма степен на тях, художниците бяха обучени в чужди столици, по-специално в Париж и Рим. Така неокласицизмът, романтизмът, реализмът и импресионизмът се превърнаха във важни тенденции. Те обаче често са били забавяни или трансформирани от местни условия, включително репресивни правителства и трагедии на Карлистките войни. Портретите и историческите сюжети бяха популярни, а изкуството от миналото - в частност стиловете и техниките на Веласкес - имаше голямо значение.
В края на века доминира академизмът на Висенте Лопес (1772-1850), последван от неокласицизма на френския художник Жак-Луи Давид, например в творбите на Жозе де Мадразо (1781-1859), основателят на влиятелна линия от художници и директори на галерии. Синът му Федерико де Мадразо (1781-1859) е водещ представител на испанския романтизъм, заедно с Леонардо Аленца (1807-1845), Валериано Домингес Бекер и Антонио Мария Ескувел.
По-късно идва периодът на романтизъм, представен в историята на живописта в творбите на Антонио Жисберт (1834-1901), Едуардо Розалес (1836-1873) и Франсиско Прадилия (1848-1921). В своите творби техниките на реализма често се прилагат към романтични теми. Това може ясно да се види в доня Хуана Ла Лока, известната ранна творба на Прадила. Композицията, изражението на лицето и драматичното бурно небе отразяват емоциите на сцената; както и добре написаното облекло, текстурата на мръсотията и други детайли показват голям реализъм в отношението и стила на художника. Мариано Фортуни (1838-1874) също развива силен реалистичен стил, след като е повлиян от френския романтик Юджийн Делакруа и става известен художник на своята епоха в Испания.
Хоакин Сорола, Момчета на плажа, 1910 г., Музей на Прадо
Хоакин Сорола (1863-1923) от Валенсия превъзхожда умелото представяне на хората и пейзажа под въздействието на слънчевата светлина на родната си земя, като по този начин отразява духа на импресионизма в много от неговите произведения, по-специално в известните морски картини. В своята картина „Момчета на плажа“ той прави размисли, сенки, блясък на водата и кожата като основен предмет. Композицията е много смела, няма хоризонт, едно от момчетата е отрязано, а силните диагонали създават контрасти, наситеността на горната лява част на работата се увеличава.
Испанското изкуство и живопис XX век
Хуан Грис, чаша с бирени и игрални карти, 1913 г., Музей на изкуствата на Колумб, Охайо.
През първата половина на 20 век много от водещите испански художници са работили в Париж, където са допринесли за развитието на модернистичното движение в изкуството и понякога са го ръководили. Може би основният пример е Пикасо, който е работил с френския художник Браке, за да създаде концепцията за кубизма; и подвижността на синтетичния кубизъм беше осъдена за това, че намери най-чистия си израз в картините и колажите на Хуан Грис, който е роден в Мадрид. По същия начин Салвадор Дали става централна фигура в сюрреалистичното движение в Париж; и Джоан Миро е била влиятелна в абстрактното изкуство.
Синият период на Пикасо (1901-1904), който се състоеше от мрачни, оцветени картини, беше повлиян от пътуване из Испания. Музей Пикасо в Барселона съдържа много от ранните творби на Пикасо от неговото време в Испания, както и богата колекция на Хайме Сабарт, близък приятел на Пикасо от неговата резиденция в Барселона, който дълги години е бил личен секретар на Пикасо. Има много точни и подробни проучвания на образите, които той е създал в младостта си под опеката на баща си, както и на редки произведения от неговата старост, които ясно демонстрират, че в творчеството на Пикасо е имало солидна основа на класическите методи. Пикасо отдава най-дълготрайната си почит към Веласкес през 1957 г., когато той пресъздава Менинос по кубисткия си начин. Докато Пикасо се тревожеше, че ако копира картина на Веласкес, тя ще изглежда само като копие, а не уникално парче, той продължава да го прави, а огромното произведение е най-голямото, което някога е създал от Герника през 1937 г. - зае значително място в испанските канони на изкуството. В Малага, родното място на Пикасо, има два музея със значителни колекции: Музеят на Пикасо в Малага и Къщата музей на Пикасо.
Друг период в испанската ренесансова скулптура - барока - обхваща последните години на 16 век, продължава през 17 век и достига своя последен разцвет през 18 век, създавайки наистина испанска школа и стил на скулптура, по-реалистичен, интимен и творчески независим от предишния, който беше обвързани с европейските тенденции, особено с тенденциите на Холандия и Италия. Имаше две училища със специален вкус и талант: училището в Севиля, към което принадлежеше Хуан Мартинес Монтанес (т. Нар. Севилски Фидии), най-големите му произведения са разпятието в катедралата на Севиля и друго във Вергара и Свети Йоан; и училището в Гранада, към което принадлежи Алонсо Кано, към което се приписват Непорочното зачатие и Дева Мария от Розария.
Други известни андалуски барокови скулптори бяха Педро де Мена, Педро Ролдан и дъщеря му Луиз Ролдан, Хуан де Меса и Педро Дюке Корнехо.
Школата във Валяолид от 17 век (Грегорио Фернандес, Франсиско дел Ринкон) е заменена през 18 век от Мадридската школа, макар да има по-малко блясък, до средата на века се е превърнала в чисто академичен стил. От своя страна андалуската школа е заменена от училището Мурсия, което през първата половина на века е олицетворено от Франциско Салильо. Този скулптор се отличава с оригиналност, плавност и динамична обработка на своите произведения, дори тези, които представляват голяма трагедия. Той е кредитиран с над 1800 творби, най-известните от които са скулптури, които се извършват на шествие в Разпети петък в Мурсия, най-забележителните от които са Молитвата за чашата и Целувката на Юда.
През 20 век най-известните испански скулптори са Хулио Гонсалес, Пабло Гаргало, Едуардо Чилида и Пабло Серано.
От: Михайлова Александра, & nbsp29912 гледания
Испания може да се похвали с блестящи художници. Но ако ги нямаше, никой нямаше да се изненада.
В крайна сметка тази страна почти винаги е била консервативна. И там, където има прекомерна морална инерция и още повече инквизицията, новаторите не оцеляват там или просто не се раждат.
Затова винаги се удивлявах как тези художници успяха да представят своите иновации пред света!
Как Ел Греко беше 300 години по-напред от времето си, работещ в стила на експресионизма. А Веласкес 200 години по-рано и започна да създава!
Предлагам да разгледаме по-отблизо тези талантливи и блестящи испанци.
1. Ел Греко (1541-1614)
Ел Греко. Портрет на старец (вероятно автопортрет). 1600 Metropolitan Museum of Art, Ню Йорк Гръцкият испанец или испанският грък Доминикос Теотокопулос почти еднократно прогони испанския Ренесанс. Ако италианците имаха цяла плеяда от господари. Тогава испанците могат да издишат: те също имаха ренесанс. Благодаря на Ел Греко.
Създавайки предимно религиозни картини, той смело разруши предложените канони.
Достатъчно е да погледнете платното „Отстраняване на дрехите от Христос“.
Ел Греко. Премахване на дрехите от Христос (Есполио). 1579 г. Катедралата Толедо в Испания Вместо няколко фигури - цяла тълпа. Вместо перспектива - непроницаема стена от герои.
Вместо лесно четими емоции, сложни чувства. Просто погледнете неразбираемия поглед на Света Мария. Не изглеждаше да осъзнава какво ще се случи. Психолозите биха нарекли това защитна реакция на силен стрес.
Но Ел Греко не е достатъчен. Няколко години по-късно той създава още по-поразително парче. Не картина, а вселената. От най-малките истории за бродерия в роклята на светците. До ясно разделение на света на две половини: светска и небесна.
Това, разбира се, съм за погребението на графа на Оргаз.
Ел Греко. Погребение на графа на Оргаз. 1588 Църква на Сан Томе в Толедо И веднага забелязваме удължени тела. По-скоро Ел Греко видя такова изкривяване на формите от манеристите. Поне същото пармиджанино. Може би опитът от създаването на византийски икони също беше наслагван (в края на краищата той беше от гръцки Крит).
С течение на времето той преувеличи тази функция още повече. Това ясно се вижда в по-късната му работа Laocoon.
Ел Греко. Лаокоон. 1614 Национална галерия във Вашингтон Художникът интуитивно разбра, че чрез промяна във формата, неговите герои могат да ни разкажат за своите чувства и преживявания. В края на краищата те са лишени от движение.
Забелязали ли сте, че градският пейзаж на заден план също е много необичаен? Той е по-скоро близък до Ван Гог и Сезан, отколкото до естетиката на Ренесанса.
Никой преди Ел Греко в западната живопис не изопачава толкова много форми. И след него художниците се стремяха към реалистичните пропорции. Ето защо го смятали за ексцентричен и неспособен в продължение на 300 години.
Той беше забравен и не се помни. И едва в края на 19 век всеки осъзнал колко далеч изпреварва времето си. Сега преоткритият Ел Греко в историята на изкуствата завинаги.
2. Диего Веласкес (1599-1660)
Диего Веласкес. Менини (фрагмент с автопортрет). 1656 g. Иновациите на Веласкес са поразителни до сърцевината. Не само, че живееше в много консервативно общество, но беше и придворен художник!
Това означава, че той е имал придирчиви клиенти, които не се интересуват от иновациите. Само ако беше „красива и подобна“. При такива условия всяка иновация лесно изсъхва.
Но не и с Веласкес. По някакво чудо клиентите му простиха всичко, очевидно интуитивно разбирайки, че благодарение на това художникът ще ги запомни след 500 години. И не сбъркаха.
Въпреки това дори Веласкес нямаше да прави отстъпки във всичко на бруталната инквизиция. Рисуването на гола се смяташе за тежко престъпление.
И все пак Веласкес успя да създаде шедьовър с красиво голо тяло дори при такива условия.
Диего Веласкес. Венера пред огледало. 1647-1651 Национална галерия на Лондон Вярно, той написа своята красива „Венера“, докато беше в Италия. Тогава той тайно го донесъл в Испания и го депозирал при влиятелен министър. И инквизицията не просто проникна в къщата му в търсене на голота.
Вече на тази „Венера“ става ясно защо Веласкес се открояваше толкова много. Със своята жизненост. В крайна сметка няма съмнение, че това е истинска жена. Красива, но истинска. Позата й е толкова спокойна и естествена.
Вероятно това е любимата на художника италианка. Той предпазливо я обезопаси, като обърна гръб към нас. И аз отразих лицето си в тъмно огледало.
На същото място в Италия Веласкес рисува легендарния портрет на папа Инокентий X.
Диего Веласкес. Портрет на папа Инокентий X.1650 Галерия Дория Памфил, Рим Веласкес успя много точно да предаде трудния и коварен характер на папата.
Изглежда 75-годишният понтиф ни се струва в най-великолепната форма. Но бодлив силно волеви поглед, сгъстени устни и отровно червен цвят на мантията говорят за истинските ценности на този човек.
Как Веласкес отново успя да постигне жизненост дори в церемониален портрет?
Факт е, че Веласкес имаше късмета да срещне папата, разхождайки се през една от ватиканските галерии. Той вървеше сам и по лицето му нямаше „маска“, обичайна за приеми. Тогава Веласкес разбра характера му и пренесе впечатлението си върху платното.
Връщайки се от Италия, Веласкес продължава да служи като придворна.
Но не мислете, че Веласкес е бил нещастен. Самият той се стремеше да стане художник на краля, тъй като беше суетен. Следователно той кротко рисува безброй портрети на аристократи и дори не пренебрегва да извърши камерен съд за Негово Височество.
Но сред тези произведения от същия тип има изключително необичаен портрет на кралското семейство: "Менини".
Диего Веласкес. Менините. 1656 g. Тази картина има много необичайна идея.
Веласкес реши да ни покаже как изглежда светът му от другата страна на платното. Виждаме какво се случва през очите на тези, които ... позират за художника.
Виждаме как художникът работи върху портрет на краля и съпругата му. И те стоят на нашето място (или ние стоим на тяхно място) и гледат на художника. И тогава принцесата, дъщеря им, влезе в работилницата със свитата си, за да посети родителите им.
Нещо като „случайни снимки“. Когато художникът предпочете да рисува героите си не на сцената, а зад кулисите.
Виждаме още една особеност в Менините. Това са бързи, вибриращи удари. В същото време художникът не прави разлика между фона и героите. Всичко е изтъкана като от една материя. Така ще напишат 200 години по-късно импресионистите, същото и.
Да, умението не знае граници ... без страх нито от Инквизицията, нито от инертния морал. Представете си какво би могъл да направи Веласкес, ако живееше в по-свободна епоха! В, например.
3. Хосе де Рибера (1591-1652)
Джузепе Макферсън. Портрет на Хосе де Рибера. 1633-1656 Royal Collection, Лондон "Малкият испанец" (както го наричаха още) Хосе де Рибера се премести в Италия на 14-годишна възраст. Но картината му винаги е оставала испанска, не много като италианския академизъм.
Тук, в Италия, той беше изумен от рисуването. И, разбира се, не можах да устоя да не работя в техниката тенеброзо. Това е, когато главният герой е в тъмнината и измъква от него само с мъгла светлина.
Тази техника на Караваджо много подхождаше на общия стил на Рибера. Той просто обичаше екшън библейски и митологични истории. И именно Тенебросо довежда тази актуалност до кулминация.
Неговите главни герои са тези, които приемат страданието с по-висока цел. Като Прометей, например.
Хосе де Рибера. Прометей. 1830 Частна колекция От натурализма на Рибера тя се изумява. И това не е просто много точно представяне на истинското тяло. А също и в това как изглеждат раните и как героят реагира емоционално на страданието си.
Факт е, че Рибера посещава затворите и става свидетел на изтезанията на осъдените със собствените си очи. Ето 17-ти век. Само Дега отиде в театъра, за да шпионира балерини. И този испанец отиде в местата за задържане и потърси достоверност за своите мъченици.
След известно време майсторът започва да се отдалечава от караваджизма. Въпреки това, борците за високи идеали все още са неговите основни герои. И един от тези шедьоври е Мъченичеството на свети Филип.
Хосе де Рибера. Мъченичество на Свети Филип. 1639 Музей на Прадо, Мадрид Ние виждаме светеца няколко секунди, преди той да бъде отгледан. Все още няма най-лошото нещо във физическия план. Но има възможност да съпричастни към предстоящия неизбежен край и да се възхищаваме на смирението на светеца.
Рибера усилва драмата, като изобразява мъченика строго по диагонал. Фигурата му, стройна и дълга, едва се вписва в картината. Сякаш Гуливер (духовно) е заловен, за да бъде разкъсан от малки, жалки малки хора.
Рибера също стана известна с рисуването на хора с аномалии. Хромоподите, джуджетата и жените с бради също са чести герои на неговите картини.
Но не си мислете, че това беше болезненото му преследване. Това бяха моралите на съда. Аристокрацията обичала да пази такива хора като самодеи и по същество роби. И художниците ги рисуваха отново за забавление на гостите.
Едно от най-известните подобни произведения на майстора е Магдалена със съпруга и сина си.
Хосе де Рибера. Магдалена Вентура със съпруга и сина си (брадата жена). 1631 болница Табера в Толедо, Испания На 37-годишна възраст жена преживява хормонално нарушение, в резултат на това започва да отглежда брада. Клиентът поиска да я нарисува с бебе на ръце. Въпреки че по това време тя вече беше над 50. Синовете й бяха пораснали отдавна и гърдите й явно не бяха толкова пищни. Но бебето и гърдата направиха тази грешка на природата по-красноречива.
Но за разлика от клиентите, Рибера само съчувства на такива хора. А очите на злощастната жена изразяват истинското отношение на художника към нея.
4. Франсиско Гоя (1746-1828)
Висенте Лопес Портаня. Портрет на Франсиско Гоя. Музей Прадо от 1819 г., Мадрид. Майката на Гоя каза на сина си: „Не си роден като роза, а като лук. Ще умреш с лък “. Това е за упоритата и заплетена природа на нейния син. Да, Франсиско Гоя беше много темпераментен човек.
Историите как той е оставил подписа си върху ... купола на катедралата "Свети Петър" в Рим, а също така е отвлякъл и съблазнил монахиня от манастира - говорят много.
Той получи повърхностно образование и цял живот пише с грешки. Това обаче не му попречи да стане най-големият художник. Той успя да постигне почти невъзможното.
Рисува гола жена, но не попадна в лапките на инквизицията. Велакес обаче първо направи този трик.
Той успя да остане придворен художник почти през целия си живот. Но в същото време той активно изразява гражданска позиция в своите творби. А монарсите като че ли не забелязаха нищо.
Той съблазни една красива аристократка след друга, въпреки лошото й здраве и глухота.
Това е един от най-смелите художници, чиято четка е като меч, а цветовете са дръзки думи. В истинските дуели и словесни схватки обаче Гоя също участва повече от веднъж.
Нека да разгледаме най-забележителните му творби.
Мислейки за Гоя, ние, разбира се, веднага си спомняме неговия „Гол Мах“.
Франсиско Гоя. Маха гола. 1795-1800 Музей Прадо, Мадрид. За първи път голотата се появи не като тази на Веласкес, крадливо и крадливо, но в целия си безсрамен разкош. Без любезност, а само чувственост и откровена еротика.
Гоя дълго време работеше в съда, обаче не понасяше неграмоти и лъжи. Просто погледнете платното му.
Франсиско Гоя. Портрет на семейството на Карл IV. Музей Прадо 1800 г., Мадрид. Колко ирония има по отношение на кралските лица! В центъра авторът изобразява кралица Мария, като ясно намеква, че тя, а не Карл, управлява страната.
Удивително е как на художника беше позволено да създаде такъв контраст: между облеклото на кралската двойка и техните лица! Луксът и блясъкът на златото не могат да скрият посредствеността на героите и откровения „симплетонизъм“ на краля.
И разбира се, не може да се пренебрегне работата му "Стрелба на 3 май". Това е картина на героизма на обикновените испанци по време на окупацията от Наполеоновите войски.
Франсиско Гоя. 3 май 1808 г. в Мадрид. 1814 г. Прадо, Мадрид В момента преди залпа всеки от обречените бунтовници изглежда различно: някой смирено чака, някой се моли, някой плаче.
Но един испанец в бяла риза е готов да посрещне смъртта без страх. Художникът го изправи на колене. И ако си представите, че той ще стане, той ще бъде просто гигант. А пушките на френските войници сякаш бяха насочени само към него.
Така Гоя пръв показа подвига и смелостта на обикновен човек. Преди него героите бяха далеч от обикновените. Това е напълно нов поглед върху историческата живопис.
Безспорно днес Гоя удивява със своята смелост, ексцентричност и хуманизъм. Той беше майстор със специално отношение.
За нас той е художник с особена сила, като духовен водач. Който няма да ласкае властите, няма да пренебрегне героизма на обикновения човек и няма да се отвърне от красотата, дори и да е смятан за греховен и основателен.
5. Пабло Пикасо (1881 - 1973)
Пабло Пикасо. Автопортрет. 1907 г. Национална галерия в Прага Пикасо е смятан за най-известния художник в света. Вярно, повечето хора го познават като кубист. Въпреки че дълго не работеше в стила на чистия кубизъм. Той беше едновременно експресионист и сюрреалист. Това беше художник хамелеон.
Всъщност няма значение в какъв стил е работил. Основната му особеност са многобройните експерименти с формата. Той смачка формата, извади я, стисна я, разтроши я и я показа от всички страни.
Той започна с предпазливи експерименти, имитирайки Ел Греко. Именно от него той търси деформирани форми. И точно като Ел Греко, той протегна фигурите си по време на своите.
Пабло Пикасо. Две сестри. 1902 г. Ермитаж Сезан търси цвят, форма и перспектива, за да изрази същността на едно нещо. Пикасо с помощта на кубизма доведе тази идея докрай.
С помощта на различни ъгли на зрение и елементи на обекта той се опита да стартира асоциативен масив в зрителя: да покаже същността на нещото, а не неговия образ.
Пабло Пикасо. Композиция с нарязана круша. Ермитаж от 1914г В картината "Круша" НЕ виждаме образа на круша. Но виждаме парчета платно с петънца: имаме спомен за подобна текстура на крушовата каша. Нежните бежови и кафяви също са свързани с крушите. Да не говорим за характерната дъга.
Всички тези записки от изображението на крушата предизвикват у нас не само визуално спомен за крушата, но и нейния вкус и това как се чувства на пипане.
Именно тази концепция за изразяване на същността, а не изображението е водещата в картината на Пикасо. Дори когато се отдалечава от типичните „кубчета“ и пише в стил, близък до сюрреализма.
Те включват портрети на Мария-Тереза \u200b\u200bУолтър.
Пабло Пикасо. Sleep. 1932 Частна колекция По време на изтощителен и разпадащ се брак с Хохлова, Пикасо случайно срещнал младата Мари-Тереза.
Винаги я представяше като цветна и вълнообразна, с елементи на кубизъм. В крайна сметка лицето й се показва едновременно от две гледни точки: както в профил, така и в пълно лице.
Така той превръща цялата й чувственост и нежност, изключителна женственост отвътре навън. И това въпреки факта, че във фигурата й имаше нещо мъжествено. Но формите са с цел да се подчертае същността, а не да се изобразява външната обвивка на модела.
Пикасо е чудесен експериментатор. Основният му предмет е формата. Тя претърпя промени в огромен брой творби на художника. В крайна сметка той беше и един от най-плодотворните художници в света. Както самият той каза за себе си: „Дайте ми музей и аз ще го напълня с картините си“.
Петима велики художници, петима испанци са сред създателите на съвременното изкуство. Въпреки факта, че повечето от тях са живели преди 200-300 години.
Съвременните художници черпят вдъхновение от своите творби. Те осигуряват импулс, който все още подхранва световната култура.
Остава ни да бъдем благодарни, да съхраним тяхното наследство и, разбира се, да се възхищаваме.
За тези, които не искат да пропуснат забавните неща за художници и картини. Оставете електронната си поща (във формата под текста) и вие ще бъдете първият, който научи за нови статии в моя блог.
PS. Проверете знанията си, като преминете през.
Във връзка с
Испания има пълното право да бъде наречена родината на най-великите хора от миналото и настоящето. Тази страна представи света с много невероятни и талантливи хора, включително архитекти, художници, актьори, режисьори, спортисти и певци.
Сред художниците е - Диего Веласкес, който идентифицира върха на испанската живопис от 18 век, Пабло Руиз Пикасо - основателят на кубизма, известен художник, график, скулптор и керамик, Франсиско Хосе де Гоя - известен художник и гравьор, Салвадор Дали - международно известен художник, графичен художник, художник, скулптор, писател и режисьор.
Сред каталунските художници освен Салвадор Дали се радват на световно признание Джоан Мирои Антъни Тапи.
Салвадор Дали(1904-1989, пълно име - Салвадор Доменах Фелип Жасин Дали и Доменах, маркиз дьо Дали де Пубол) - един от най-известните представители на сюрреализма.
Салвадор Дали с любимия си окелот Бабу през 1965г.
Салвадор Дали е роден в Испания на 11 май 1904 г. в град Фигерес (провинция Жирона, Северна Каталония) в семейството на богат нотариус. Той беше каталунец по националност, възприемаше се в това си качество и настояваше за тази особеност. Дали беше необичайно шокираща личност.
Салвадор беше третото дете в семейството (той също имаше брат и сестра). По-големият му брат почина от менингит преди да навърши 2 години, а родителите му кръстиха бебето, което се роди 9 месеца след смъртта му, Салвадор - „Спасител“. Петгодишният Дали е казал от майка си, че е превъплъщение на брат си.
Бъдещият художник израснал много капризен и арогантен, обичал да манипулира хората чрез публични сцени и интриги.
Талантът му към визуалните изкуства се проявява още в детството. На 6-годишна възраст рисува интересни картини, на 14-годишна възраст първата му изложба се провежда във Фигерес. Дали получи възможността да усъвършенства уменията си в общинската художествена школа.
През 1914-1918 г. Салвадор учи във Фигерес в Академията на Ордена на маристите. Образованието в монашеското училище не мина гладко и на 15-годишна възраст ексцентричният ученик беше изгонен заради неприлично поведение.
През 1916 г. се провежда забележително събитие за Дали - пътуване до Кадаки със семейството на Рамон Пишо. Там се запознах с модерната живопис. В родния си град геният учи с Джоан Нунес.
На 17-годишна възраст - през 1921 г. - бъдещият художник завършва института (тъй като средното училище се е наричало в Каталония).
След това през 1921 г. Салвадор заминава за Мадрид и постъпва там в Академията за изящни изкуства. Не харесваше следването си. Той вярваше, че може да научи учителите си на рисуване. Той остана в Мадрид само защото се интересуваше от общуването със своите другари.
В Академията за художествени изкуства в Академията той се сближава с литературните и художествени среди на Мадрид. по-специално с Луис Бунюели Федерико Гарсия Лоркой... Въпреки че Дали не остава дълго време в Академията (той е изгонен заради някои прекалено смели идеи и лошо поведение през 1924 г.), това не попречи на художника да организира първата малка изложба на своите произведения и бързо да спечели слава в Испания.
Дали се завръща в Академията година по-късно, но отново е изгонен през 1926 г. (Салвадор е на 22 години) и вече без право на реставрация. Инцидентът, довел до тази ситуация, беше просто невероятен: на един от изпитите професор в Академията го помоли да назове 3 от най-големите художници в света. Дали отговори, че няма да отговаря на подобни въпроси, защото нито един преподавател от Академията няма право да бъде негов съдия.
Дали обяви пълна свобода от всяка естетическа или морална принуда и стигна до самите граници във всеки творчески експеримент. Той не се поколеба да реализира най-провокативните идеи и написа всичко: от любовта и сексуалната революция, историята и технологиите до обществото и религията.
Една от известните картини на Дали „Устойчивостта на паметта“.
Картина "Мечта".
Картина "Великият мастурбатор".
Картината "Фантомът на сексуалната привлекателност".
Картина "Галатея със сфери".
През 1929 г. Дали намери своята муза. Тя стана Гала Елуард... Именно тя е изобразена в много картини на Салвадор Дали. На 30-годишна възраст - през 1934 г. - Дали неофициално се омъжва за Гала, която била с 10 години по-голяма от художника (истинското име на жената е Елена Дяконова, е роден в Казан. Заради страстта към любовта, Дали напусна съпруга си, френски поет Елуардни полета и 16-годишната дъщеря Сесил). Религиозната церемония по време на брака на Дали с Гала обаче се проведе само 24 години по-късно - през 1958 година.
Живели Салвадор и Гала в малко село Кадакес(провинция Жирона) в пристанището Лигат - там имаше единственото собствено жилище на Дали, за което той вече беше женен, връщайки се от Париж, придобит за себе си и съпругата си Гала. По онова време това е била малка колиба, където местните рибари са поддържали екипировката си, с обща площ 22 квадратни метра. м.
С времето къщата на Дали в Кадакес, над 40 години от живота на семейството на импресионистите там, става по-голяма и красива: художникът се сдобива със съседни колиби, реставрира ги и ги комбинира в една сграда. По този начин в залива се появи работилница, където великият импресионист създава повечето от своите шедьоври.
Къща-музей на Салвадор Дали в село Кадаки.
Испания. Страна на ярко слънце, топло море и хубаво вино. Това е страна, която ни даде много известни имена в различни области - в спорта, киното, литературата. Испания обаче може да бъде справедливо горда със своите артисти. Ел Греко, Веласкес, Салвадор Дали, Пабло Пикасо, Франсиско Гоя - всички те направиха безценен принос за развитието на световната живопис.
За истинските ценители на испанските занаяти предлагаме 3-дневна обиколка на основните музеи, посветени на тези велики хора.
1 ден. Нека започнем със столицата и главния град на страната - Мадрид. Защо е интересно? Например фактът, че тук можете да намерите уникалните произведения на Франсиско Гоя. Ще можете да посетите църквата, най-известна като "Пантеон Гоя". Забележителен е фактът, че стените на майстора са запазени по стените му. На първо място трябва да обърнете внимание на купола на църквата, където Гоя изобрази необичаен религиозен сюжет - възкресението от мъртвите. Освен това художникът е украсил сводовете на параклиса с невероятни декоративни композиции, в които централното място е отредено на ангелите. Тук са и останките на големия художник, пренесен от Франция.
Следващата спирка в Мадрид е Сан Франциско Ел Гранде, храм от края на 18 век. Тук ще видите картината „Проповедта на Свети Бернардин от Сиена“, разположена в параклиса на Сан Бернардино. Струва си да разгледаме по-отблизо това произведение: ще видите образа на Гоя, заловен от него в последния момент преди предаването на произведението.
Останалото време можете да отделите на разходка по уютните улици на Мадрид или запознаване с националната кухня в един от многото ресторанти в града.
2-ри ден. Полет до Барселона. Друг град и друг, не по-малко известен художник - Пабло Пикасо. Именно тук се намира музеят на Пикасо - най-голямата колекция от произведения на майстора, където можете да се насладите на работата му и то предимно от ранния период (от 1895 до 1904 г.).
Интересно е да се отбележи, че първоначално тази колекция е създадена от приятел на художника Хайме Сабарт, след чиято смърт Пикасо лично дари над 2500 свои творби (отпечатъци, рисунки, керамика), за да продължи работата си.
3-ти ден. От Барселона ще отидете до прекрасния град Фигерес, където се намира Театър-музей на известния сюрреалист Салвадор Дали. Пътуването ще се проведе с влак, което ще ви позволи да се насладите на живописната гледка към Каталония. Самият музей е уникален комплекс, построен от самия художник върху руините на стар общински театър.
Според плана на Дали е трябвало да бъде един вид сюрреалистичен лабиринт, в който посетителите могат по-добре да разберат намеренията на художника, както и да се откъснат от обичайната реалност. Всъщност интериорът на музея съчетава няколко архитектурни стила и различни трикове, за да заблуди човешкото зрение с оптични илюзии. Освен това тя съдържа най-голямата колекция от произведения на големия испански гений и то не само в живописта, но и в скулптурата и дори в бижутата.
