Картини Магрит. Рене Магрит, картини, философски загадки и сюрреализъм
„Има нещо друго, което се крие във всичко, което виждаме,
винаги искаме да видим какво се крие зад
това, което виждаме, но е невъзможно.
Хората пазят тайните си много внимателно ... "
(Р. Магрит)
Преди 115 години се ражда Рене Франсоа Гислайн Магрит - белгийски художник сюрреалист, известен като автор на остроумни и същевременно поетически мистериозни картини ...
В живота
Автопортрет
Изразът „необичаен сюрреалист“ звучи почти като „масло масло“. Помощта на Оскар Уайлд - да превърнеш живота си в изкуство - стриктно се спазва от сюрреалистите, превръщайки техните биографии в безкрайно представление със задължителни скандални изявления, шокиращи измислици и душевен стриптийз.
На фона на този безкраен карнавал личният живот на белгийския художник Рене Франсоа Гислайн Магрит изглежда скучен, още повече - о ужас! - филистин. Преценете сами. Магрит не се е намазал с козе поп, не е организирал сексуални оргии, не е позирал като идеолог на движението, не е писал трактати за пърди и мастурбация, не е танцувал гол на лунна светлина ... Цял живот е живял само с една жена, предпочиташе да работи у дома, в хола и т.н. където никога не съм пръскал дори боя върху килима! Да, и образът също имаше това - костюм, шапка на ботуши - добре, точно като любимите герои на неговите картини - еднолични уважавани господа.
Да! Той също не обичаше психоанализата - която за сюрреалистите от онова време беше истинско „светотатство“ ...
Магрит е родена на 21 ноември 1898 г. в малкия град Лесинес, Белгия. Прекара детството и юношеството си в малкия индустриален град Шарлерой. Животът беше труден.
През 1912 г. майка му се е удавила в река Самбре, което очевидно е оказало голямо влияние върху тогавашния тийнейджър бъдещ художник, обаче, противно на общоприетото схващане, не бива да се надценява влиянието на това събитие върху творчеството на автора. Магрит донесе от детството редица други, не толкова трагични, но не по-малко мистериозни спомени, за които самият той каза, че те са отразени в неговото творчество.
През 1916 г. Рене постъпва в Кралската академия за изящни изкуства в Брюксел. След като учи тук две години, той не само развива таланта си и придобива професия, но и се запознава с младата Жоржета Бергер. По-късно, през 1922 г., тя ще стане съпруга на Магрит и муза до края на живота си.
Жоржет Бергер стана единственият модел за Магрит.
Картина "Изпълнение на невъзможното"
Фото имитация на картина
През това време той развива дълбока неприязън към изкуствата и занаятите. По-късно той ще каже: „Мразя своето минало и чуждото. Мразя смирението, търпението, професионалния героизъм и задължителното чувство за красота. Ненавиждам също изкуствата и занаятите, фолклора, рекламата, гласовете, които издават анонси, аеродинамиката, момчетата скаути, миризмата на мотанки, едномоментни събития и пияни хора. "
След като завършва академията, Магрит отне осем години, за да премине от дизайнер на плакати до художник-сюрреалист. Рене за първи път работи като художник за тапети и рекламен художник. В същото време той пише първите си творби в жанра кубизъм, но след няколко години е пленен от модернистичното движение на дадаистите.
През 1926 г. художникът завършва първата по негово мнение картина „Изгубеният жокей“.
Изгубеният жокей (1948)
Опростена версия на картината от 1926г. Сюрреалистичният ефект се постига тук с много по-икономични средства - дърветата наподобяват или листа, от които остават само вени, или вериги на нервната система.
През 1927 г. той организира първата си изложба. Критиците го признават за неуспешен и Магрит и Жоржет заминават за Париж, където се срещат с Андре Бретон и се присъединяват към неговия кръг от сюрреалисти. В този кръг Магрит не загуби своята индивидуалност, но присъединяването му помогна на Магрит да намери този отличителен корпоративен стил, по който са разпознати неговите картини. Художникът не се страхуваше да спори с други сюрреалисти: например Магрит имаше негативно отношение към психоанализата и особено към проявите му в изкуството. Всъщност природата на неговото творчество не е толкова психологическа, колкото философска и поетична, понякога се основава на парадокси на логиката.
Р. Магрит
"Изкуството, както го разбирам, не е обект на психоанализа. Винаги е мистерия. ... Решиха, че моят" Червен модел "е пример за кастрационен комплекс. След като чух няколко обяснения от този вид, направих рисунка според всички" правила "на психоанализата. Естествено, те го анализираха също толкова хладно. Ужасно е да се види на какъв подигравка може да се подложи човек, направил една невинна рисунка ... Може би самата психоанализа е най-добрата тема за психоаналитик. "
Тези твърдения обаче изобщо не притискат пламъка на самите психоаналитици. Те изкопаха единствения подходящ факт в скучната биография на художника - странното самоубийство на майка му, която без видима причина се удави в реката. Магрит по това време беше само на четиринайсет - тук тя е детска психологическа травма! Ето защо лицата в картините му често са покрити или затъмнени! В края на краищата, когато тялото на удавената жена беше намерено, лицето му беше оплетено в нощница. Опитите на Магрит да опровергае тези спекулации, разбира се, не доведоха до нищо ...
Трудни взаимоотношения с колеги в магазина неведнъж принуждаваха Магрит да се дистанцира от термина „сюрреализъм“. „По-добре да ме наречете„ вълшебен реалист “- многократно е заявявал художникът.
"Черна магия"
Всъщност в начина на рисуване на Магрит практически няма флуидна пластичност на форми, характерни за много сюрреалисти. Изображенията му имат ясни граници, щателно написани детайли, студена статичност и следователно почти осезаема „обективност“. Елементите на една картина често са изключително прости и реалистични. И от тези „елементарни частици“ Магрит създава наистина вълшебни конструкции.
Най-важната идея на всички картини на Рене Магрит е, че само близостта на несъвместими неща дава възможност ясно да се разбере същността и същността на всяка от тях. Играта на контрасти изпълва абсолютно всички произведения на Магрит с уникална магия.
Във всяко от своите произведения художникът изобразява абсолютно обикновени и познати предмети: ябълка, роза, замък, прозорец, скала, статуя, дъга, човек.
Списъкът е безкраен, но повярвайте ми, няма да срещнете нито един удивителен, измислен герой. Цялата мистерия и магия в необяснима и непропорционална комбинация от образи. Много картини показват чрез контраста на гравитацията на камъка и безтегловността на небето. Гигантските размери на сочните плодове и свежи цветя са вписани в тесни граници на сива стая или бетонна стена. В картините на Рене Магрит плаваща глава и счупен прозорец олицетворяват една идея за изкуството на свободата.
През целия си живот Магрит живееше с чувството, че светът пази някаква тайна, скрита от обикновеното човешко око. Нищо чудно, че една от неговите картини, която изобразява око с облаци, плуващи върху роговицата, художникът нарече „Фалшиво огледало“.
Но тази идея е най-ярко изразена в едно от най-известните и програмни произведения на Магрит - „Коварството на образите“ - където обикновена тръба е придружена с ироничен подпис „Това не е тръба“. Тази просто изглеждаща картина стана отлична илюстрация за философски размисли за разликата между предмет, изображение и думи. Това означава концептуалността.
Р. Магрит:
„Наистина, как можеш да напълниш тази лула с тютюн? Не, не е лула и щях да лъжа, ако казах друго.
... Думата не изразява същността на явлението. Няма връзка между изображението и неговия словесен израз. По принцип думите не носят никаква информация за описания от тях предмет. Дърветата, които виждаме, ни виждат по същия начин. Те живеят при нас. Това са свидетели на случващото се в нашия живот. Те крият много тайни. Тогава се прави ковчег от дърво, дървото се връща в земята. Да запазим пепелта си и да станем пепел. Наричането на изображението на дърво "дърво" е грешка, случай на неправилно определение. Изображението е независимо от обекта, който представлява. Това, което ни вълнува в начертаното дърво, няма нищо общо с истинското дърво. И обратно. Това, на което се радваме в реалния живот, ни оставя студени в изобразяването на тази красива реалност. Не бъркайте реалното с сюрреалистичното и сюрреалистичното с подсъзнанието. "
М. Фуко "Това не е лула":
"В изявлението на Магрит няма противоречие: картината, представляваща тръба, сама по себе си не е тръба. И въпреки това има навик да се говори: какво е на тази снимка? Кала, това е квадрат, това е цвете. Калиграмата е тавтология, тя улавя нещата в двойно Калиграмата никога не говори и не представлява едновременно; едно и също нещо, опитвайки се да бъде едновременно видимо и четимо, умира за гледката, се оказва непроницаемо за четене. Магрит изгражда калиграм и след това го разглобява. Той внася объркване във всички традиционни отношения между език и образ. Негациите се умножават: Това не е тръба, а чертеж на тръба; това не е тръба, а фраза, която казва, че не е тръба. Кандински премахва древната идентичност между приликата и изявлението с един суверен жест, освобождавайки рисуването на двамата. Магрит същото действа чрез раздяла: прекъсва връзката помежду си, установява неравенството си, кара всеки от тях да играе своя собствена игра, подкрепа да правим това, което проявява естеството на рисуването, в ущърб на онова, което е по-близо до дискурса “.
След прекратяване на договора с галерията, Сенто Магрит се връща в Брюксел и отново работи с реклама, след което заедно с брат си отваря агенция, която им дава постоянен доход. По време на немската окупация на Белгия по време на Втората световна война, Магрит променя цветовата схема и стила на своите картини, приближавайки се до стила на Реноар: художникът смята за важно да развесели хората и да им даде надежда.
След войната обаче Магрит спря да рисува в такъв "слънчев" стил и се върна към образите на своите предвоенни картини. Като ги преработва и усъвършенства, той най-накрая оформя странния си стил и постига широко признание.
"Песен за любовта"
Магрит почина от рак на панкреаса на 15 август 1967 г., оставяйки незавършена нова версия на неговата може би най-известната картина „Империя на светлината“.
"Империя на светлината"
Източници
(Фр. Rene Francois Ghislain Magritte; роден - 21 ноември 1898 г., Лесин, починал - 15 август 1967 г., Брюксел) - белгийски художник-сюрреалист. Известен е като автор на остроумни и същевременно поетически мистериозни картини.
Рене Магрит беше гледан с подозрение. Особено лекарите. Особено психоаналитици. Тези, които не забелязаха никакви психични отклонения зад този художник, рязко промениха мнението си на обратното след това. как се запознаха с работата му.
Но в отговор на склонностите им самият художник, не без сарказъм, твърди, че най-добрият пациент за психоаналитик е друг психоаналитик. А най-популярният по онова време Зигмунд Фройд изобщо не приема сериозно. Но той продължи да рисува ябълки, мястото на лицата, огледалата с фантастични отражения, ковчези за седящия мъртъв и други странности и неразбираемости.
Рене прекара детството и юношеството си в малкия индустриален град Шарлерой. Животът беше труден.
Рене Магрит, Човешкият син, 1964г.
През 1912 г. майка му се удави в река Самбре, което очевидно оказа голямо влияние върху бъдещия художник, който тогава беше още тийнейджър. Когато тялото е намерено, главата му е внимателно обвита в лека кърпа от марля.
Вероятно за това специално място в творчеството на Магрит е заето от хора, или по-скоро - отсъствието им. Най-често лицето в портрета е или покрито от чужд предмет, или обвито в кърпа, или дори отзад на главата или друга част от тялото е изобразена вместо лицето.
М Агрит извади от детството редица други, не толкова трагични, но не по-малко загадъчни спомени, за които самият той каза, че те са отразени в творчеството му.
От 1916 г. Магрит учи в Кралската академия за изящни изкуства в Брюксел, а през 1918 г. напуска академията. В същото време той се запознава с Жоржет Бергер, с когото се жени през 1922 г. и с когото живее до смъртта си през 1967г.
Заплашен убиец - Заплашеният убиец - 1927г
Картините на Магрит се характеризират с отделен, сякаш непромокаем стил. Те изобразяват обикновени предмети, които Магрит, за разлика от други големи сюрреалисти (Дали, Ернст), почти никога не губи своята „обективност“: не се разпространяват, не се превръщат в собствени сенки. Въпреки това, много странната комбинация от тези елементи е поразителна и мисълта провокира. Неустойчивостта на стила само утежнява тази изненада и потапя зрителя в един вид поетично изтръпване, причинено от самата тайна на нещата.
На 14-годишна възраст Рене се среща с момиче на име Джорджет. Няколко години по-късно тя става негова съпруга, любовник, муза, колега и приятел - единственият женски модел на художника. В живота му нямаше други жени. Красивото лице на Жоржет е неуловимо в картините на Магрит. Тя е мъглява и криптирана, като неуловима красота.
Значението на нощта 1927г
По собствено признание целта на Магрит е да накара зрителя да мисли. Поради това картините на художника често приличат на пъзели, които не могат да бъдат разгадани напълно, тъй като повдигат въпроси за самата същност на битието: Магрит през цялото време говори за измамата на видимото, за неговата скрита мистерия, която обикновено не забелязваме. Има добре познат цикъл от творбите на художника, в който той пише под обикновени предмети: това не е той. Особено популярна е картината „Предателството на образите“, която изобразява тръба за пушене с надпис „Това не е лула“. Така Магрит отново напомня на зрителя, че образът на обект не е самият обект.
Той, подобно на Дали и други сюрреалисти, предаваше мечти и мисли на платно. но той го намрази, когато критиците го нарекоха сюрреалист. - Аз съм магически реалист - каза Магрит на себе си.
На 18-годишна възраст Рене заминава да учи в Брюкселската художествена академия, където бързо осъзнава, че за него да пренесе подробностите от реалния живот на платното е смъртна мъка. Тук той се „разболява“ от кубизма и футуризма в духа на Фернан Легер, но той се излекува, като се запознае с работата на Макс Ернст и Джорджо де Кирико.
Пременен във времето 1938г
Като цяло имената на картините играят специална роля в Магрит. Те почти винаги са поетични и на пръв поглед нямат нищо общо със самия образ. И именно в това самият художник видя тяхното значение: той вярваше, че скритата поетична връзка между името и картината допринася за магическата изненада, която Магрит вижда като цел на изкуството.
През 1921 г. Магрит е привлечен в армията, а година по-късно, след завръщането си в гражданския живот, той получава работа като чертожник във фабрика за тапети, където прекарва часове в писане на рози на хартия с дребни детайли (розите по-късно ще станат един от лайтмотивите на картините му - символ на фаталния и опасен красота - „Гробът на боеца“, 1961 г.). След това заедно с брат си той отваря рекламна агенция, която им позволи скоро да забравят за належащите проблеми.
През 1930 г. има раздяла с Бретон. Магрит се завръща в Брюксел и заедно с Пол Делво става един от лидерите на сюрреалистичното движение. През този плодотворен период от кариерата си Магрит създава редица картини с мистериозни и поетични сюжети, включително най-често копираната му картина - „Държавата на човека“ (1935 г.). Образът на морето в картината върху мольберта, обърнат към отворения прозорец, по чудо се слива с „истинския“ морски изглед от прозореца.
Когато германците окупират Белгия през 1940 г., Магрит първо прекарва три месеца в изгнание в Каркасон (Франция), а след това се завръща в Брюксел, където оцелява след войната. Веднага след войната Магрит решава да рисува картини с меки удари, в стила на Реноар и Матис, обяснявайки това с необходимостта да търси радост, за разлика от общия песимизъм от онези години. Този период в творчеството на Магрит най-често се нарича период на „яркото слънце“ („plein soleil“). Но мотивите на импресионизма и фауизма в работата на майстора на мистериозните картини не убеждават обществеността и критиците и до 1948 г. художникът се връща към собствения си стил.
„Взимам произволен предмет или тема като въпрос“, пише той, „и след това започвам да търся друг обект, който може да служи като отговор. За да стане кандидат за отговор, търсеният обект трябва да се свърже с обекта на въпроса чрез много тайни връзки. Ако отговорът се подсказва с пълна яснота, тогава връзката между двата обекта се установява. " И още нещо: „За мен мисълта първоначално се състои само от видими неща и самата тя може да стане видима, благодарение на рисуването“. Рене Магрит
През 50-те години художникът създава някои от най-известните си творби. Сред тях е картината „Голконда“ (1953 г.). Художникът е изобразил няколко десетки спретнато облечени рантиери (с ботуши, вратовръзки и модни палта), висящи в безкрайно пространство, запазвайки абсолютна равнодушие. Голконда е древен град в Индия, който се е превърнал в синоним на безброй съкровища и богатства, защото именно тук са намерени много известни диаманти и други скъпоценни камъни. Хората от снимката са привлечени от съкровищата на Голконда.
През 1950-1960-те години картините на Рене Магрит шокираха пазара на изкуствата в САЩ, където се провеждаха само негови изложби цял сезон. Парите се наливаха от всички страни, но този човек с лицето на любезен фармацевт, както твърдят неговите роднини, остава верен на себе си: без бохемия, скромно жилище, тиха работилница и возене на любимата му форма на транспорт - трамвая.
Магрит умира на 15 август 1967 г. на 69-годишна възраст от рак, оставяйки незавършена нова версия на неговата може би най-известната картина „Империята на светлината“. Тя остана завинаги в стаята им на мольберта. Джорджет говори със съпруга си: „В едно нещо сбъркахте - в крайността на собствения си живот, в победата на смъртта над всичко. Останахте жив не само за мен, но и за всички онези, които гледат вашите картини: в края на краищата всички сте в тях. Гледам ги и говоря с вас и споря, както винаги. Ти все още направи това, за което си мечтал. Проникнахте в изглеждащата чаша, но останахте. Победил си смъртта. "
Той се опита да унищожи обичайната идея на познатото, непроменящо се, за да направи обекта да види в ново измерение, което кара объркването на зрителя. В своите платна той създаде свят на фантазия и мечти от истински неща, потапяйки публиката в атмосфера на мечти и мистерия. Художникът блестящо знаеше как да „насочи” чувствата си. Изглежда светът, създаден от художника, е статичен и солиден, но нереалното винаги нахлува в обикновеното, унищожаващо този познат свят (обикновена ябълка в стаята, разширява се, измества хора или парен локомотив изскача от камината с пълна скорост - „Pierced Time“, 1938).
Рене Магрит, който създаде мистериозните картини, е роден в края на 19 век в малка страна Белгия. В ранното детство той се страхуваше от шах и музикални ноти, според своите спомени. Майка му се удави в реката, скачайки от мост, когато Рене беше на 13 години. След като извадиха трупа, откриха, че главата й е увита в газова кърпа. Следователно портрети без лица се появиха в творчеството на бъдещия художник.
След като две години учи в Кралската академия в Брюксел, белгийската художничка Магрит Рене оставен там, за да работи като рекламен художник в хартиена фабрика. През 1926 г. той отива да работи в галерия „Сенто“, като подписва договор. От този момент нататък той -. Първата му изложба през 1927 г. е критикувана. Тогава Рене, като прекрати договора, и съпругата му Жоржета Бергер заминават за Париж, където художникът влиза в кръга на сюрреалистите. По някакъв начин той не е съгласен с тях, считайки себе си за "магически сюрреалист". Париж се отегчава и двойката се връща в родината си, в Брюксел. Рекламата работи отново, Рене и брат му отварят агенция.
Втората световна война започва, Белгия е окупирана. Рене Магрит рисува картини, подобни на стила. В следвоенния период платната на Магрит бяха невероятно популярни в САЩ, изложба след изложба, много пари, признание и слава паднаха на художника. Самият Магрит Рене живееше скромно, цял живот е живял с една съпруга и почина от рак на 68-годишна възраст.
И сега, почти 42 години по-късно, Кралският музей на изящните изкуства откри музей, съдържащ само творбите на мистичния художник Магрит. Самият външен вид на сградата е в необичаен стил, плъзгаща се завеса на стената, зад която се виждат дървета, синьо небе и входът до някъде. Така белгийците почетоха паметта на Рене, който рисува картините му с философско значение.
Всичко, което искахте да знаете за тази прекрасна страна. Турция - Полезни и информативни статии, факти и новини, курорти, хотели, ревюта, форум и много повече на уеб сайта turkeyforfriends.
Картини художник Рене Магрит
Голямо семейство
Човешка съдба
Фалшиво огледало
Империя на светлината
неизвестен
Неуверена фея
носталгия
Памет на пътуване
Любовна песен
Портрет с лула
Прекрасен свят
Пречка на празнотата
През живота си Магрит рисува около 2000 картини, в 50 от които се появява шапка. Художникът я рисува между 1926 и 1966 г. и тя се превръща в отличителен белег на работата на Рене.
Преди това шапката за ботуши се носеше от обикновени членове на буржоазията, които не искаха особено да се открояват от тълпата. „Шапката на боулера ... не е изненадващо“, казва Магрит през 1966 година. „Това е шапка, която не е оригинална. Мъжът с шапката на боулера е просто човек от средната класа [скрит] в своята анонимност. И аз го нося. Не се опитвам да се откроя. "
Рене Магрит. 1938 година
Шапки с боулер са въведени специално за британската средна класа през втората половина на 19 век. В началото на 20-ти век шапката с боулер става една от най-популярните шапки. Шапката беше смятана за неформална и практична в същото време, което я направи задължителна част от мъжкия гардероб.
Вярно, през 20-те години имаше и епизоди, когато аксесоарът фигурира в кариерата на Магрит. В онези дни художникът напуска работата си като илюстратор за моден каталог. Ранните картини съдържат препратки към поп културата, която след това се свързва с шапката на боулера. Магрит, който беше запален любител на криминалната фантастика, работеше над „Убиец в опасност“, където двама детективи, носещи ботуши, се подготвят да влязат в стаята, където е извършено убийството.
Убиецът е в опасност. 1927 година
Тогава художникът изостави мотива на "шапката", без да го използва в продължение на няколко десетилетия. Шапките отново се появяват на платно през петдесетте и шестдесетте години, ставайки важна част от по-късната кариера на Рене. По онова време асоциациите с мъж в шапка се промениха драстично: от ясна препратка към професията (предимно детективи), до символ на средната класа.
Но, както трябва да бъде в работата на Магрит - всичко не е така, както ни се струва. „Той играе с това чувство:„ Смятаме, че знаем кой е този човек, но знаем ли? “ - казва Кайтлин Хаскел, организатор на изложението Рене Магрит в Сан Франциско. "Има усещане за интрига, въпреки факта, че самата фигура е стереотипно буржоазна и не представлява особен интерес."
Шедьовър или тайните на хоризонта. 1955 година
„Ако вземете гения на Магрит и трябва да разкажете за това с едно изречение:„ Защо Магрит е толкова важна? Защо неговите образи са неразделна част от общественото въображение и съзнание? " Това е така, защото той създава невероятно ясни и ясни картини, които нямат ясно значение “, казва Ан Умланд, уредник на картини и скулптури в Нюйоркския музей за модерно изкуство. "Шапката за боулер работи по този начин."
Има теория, че шапката е функционирала като "анонимник" за самия Рене. По времето, когато шапките отново се появяват в картините, Магрит започва да носи шапка за фотосесии. Напълно възможно е галантните господа от картините да са автопортрети на самия Рене.
Това е илюстрирано в картина, озаглавена „Човешкият син“, която действа като автопортрет на художника. Рене си рисува шапка с ботуши и голяма ябълка, плаваща пред лицето му, затъмняваща истинската му идентичност.
Човешки син. 1964 година
Въпреки това, през 50-те години улиците на града престанаха да бъдат препълнени с шапки за ботуши. Аксесоарът стана старомоден и следващите от тенденцията граждани трябваше да го изоставят. Тогава шапките на Магрит, боядисани в реалистичен стил (в разгара на абстрактния експресионизъм), се превърнаха в символ на анонимността. В картините на Рене те излязоха на преден план, вместо да изчезнат в безличната тълпа.
Всъщност шапките за боулинг станаха иконографският подпис на Магрит. Оказва се забавна ирония: художникът избра детайл, който ще гарантира неузнаваемост, но всичко вървеше обратното. Сега шапката на боулера е един от основните обекти на творчеството на легендарния Рене Магрит.
Един от най-изявените художници на миналия век, Рене Магрит (1898-1967) е от Белгия. През 1912 г. майка му се удави в реката, което, очевидно, направи голямо впечатление на тогавашния тийнейджър бъдещ художник, обаче, противно на общоприетото схващане, не бива да се надценява влиянието на това събитие върху творчеството на автора. Магрит изведе от детството редица други, не толкова трагични, но не по-малко загадъчни спомени, за които самият той каза, че те са отразени в творчеството му.
Образован в Академията за изящни изкуства в Брюксел, той първоначално е бил силно повлиян от Дада и кубизъм. 1925 г. е повратна точка в неговото творчество: картината „Розите на Пикардия“ означава нов стил и нова нагласа - „поетичен реализъм“. Художникът се премества в „центъра на сюрреализма“ - Париж, където участва във всички сюрреалистични изложби. И през 1938 г. първата голяма изложба на белгийския майстор е организирана от Лондонската художествена галерия.
В началото на 50-те години. Изкуството на Магрит получава все по-голямо международно признание, за което свидетелстват големите му изложби в Рим, Лондон, Ню Йорк, Париж, Брюксел. През 1956 г. Магрит е удостоен с престижната награда Гугенхайм като изключителен представител на белгийската култура.
Основната особеност на Магрит е атмосферата на мистерия в неговите творби. Чувството за мистерия е известно, че е присъщо на истинското изкуство. "Винаги съм смятал Магрит за въображаем художник, майстор някъде на нивото на Джорджионе", пише Хърбърт Рид. Тези думи са ключът към поетиката на Магрит.
В картината „Фалшиво огледало“ (1929), която изрази идеологическото кредо на художника, цялото пространство е заето от образа на огромно око. Само вместо ириса, зрителят вижда лятното синьо небе с прозрачни облаци, плаващи върху него. Името обяснява идеята на картината: органите на сетивата отразяват само външния вид на нещата, без да предават скритата дълбочина на света, неговите тайни. Само несъвместимото помага, според Магрит, да схване смисъла на битието. Образът може да се роди само от сближаването на две повече или по-малко отдалечени реалности.
Магрит ще следва този метод през целия си творчески път, което е особено забележимо в неговите „философски“ картини. Една от тях е Ваканцията на Хегел (1958 г.).
"Последната ми картина", пише той, "започна с въпроса: как да изобразя чаша вода в картина по такъв начин, че да не сме безразлични към нея? Но в същото време и така, че да не е особено причудлива, произволна или незначителна. с една дума, за да може човек да каже: брилянтен (нека оставим излишен срам).
Започнах да рисувам очилата една по една (три скици), всеки път с щрих напречно (скица). След стотата или петдесетата
рисуване, щрихът стана някак по-широк (скица). Отначало чадърът стоеше вътре в чашата (скица), но после, но след това се оказа, че е под него (скица).
Затова намерих решение на първоначалния въпрос: как може да се изобрази блестящо чаша вода. Скоро разбрах, че тази тема може да бъде много интересна за Хегел (той също е гений), защото моята тема съчетава две противоположни
стремежи: не иска вода (отблъсква я) и иска вода (вдига я). Мисля, че би му харесало или го сметна за смешно (например по време на празниците). Затова нарекох картината „Ваканция на Хегел“.
Магрит се откроява рязко сред сюрреалистите: за разлика от тях, той използва не фантастични, а ежедневни елементи, възприети в причудливи отношения. Това е известната му картина „Лична собственост“ (1952 г.).
Името също става тук "ключът". „Лични“ хипертрофии до чудовищни \u200b\u200bразмери. Стаята се превръща в един вид „микрокосмос“, затворен, притиснат, въпреки небето с облаци, плаващи върху него, вместо стени. Всички неща тук са се променили странно, сякаш са оживели, придобили неутилитарен вид, въпреки че, както винаги при Магрит, предметите не са променили външния си вид, текстура, цвят и са перфектно „разпознаваеми“. Зрителят, сякаш минава, се възхищава на синкавия блясък на стъклото на стъклото, текстурата на дървените мебели, умението да прехвърля огледални отражения. Но току-що минавайки, защото обектите сякаш са получили независимост, сякаш говорят от името на собственика си, напълно узурпирайки неговата „водеща“ роля. Самите те са станали „личности“ и сякаш водят разговор помежду си.
Една от особеностите на ранната живопис на Магрит е нейното "литературно" качество в добрия смисъл на думата. Магрит се движи в кръга на поети, философи, писатели, изучава теоретичните произведения на известните романтици на 19 век. Той беше силно повлиян от творбите на английския поет и философ от началото на 19 век. Самюъл Тейлър Колридж, който на първо място почита символизма в изкуството - така че „пълното подчинение на материята на духа, тази материя се превръща в символ, чрез който духът се разкрива“.
Илюстрация на тази идея е по-специално известната картина на Магрит „Освобождението“ („Полет в полетата“), създадена през 1933 г.
От счупен прозорец се отваря странен пейзаж. Зеленикави вечерни хълмове, сферични сини дървета, прозрачно седефно небе, сини разстояния. Блестящо използвайки техниките на тонално рисуване, художникът създава настроение на радостна извисеност, очакване на нещо необичайно, прекрасно. Топлият нюанс на завесите на преден план засилва впечатлението за проветряването на този омагьосан пейзаж ... Картините на Магрит сякаш са направени със спокойна, безстрашна ръка. Майстор на цвета, Магрит го използва умерено, пестеливо. В Освобождението цветната символика се използва за изразяване на сложни асоциации. Петната от синьо, розово, жълто и черно придават на изображението невероятна пълнота и жизненост на цвета.
Оригиналността на творчеството на Рене Магрит ще бъде разкрита по-пълно, ако се обърнем към темата „Сюрреализъм и фройдизъм“. Основният теоретик на сюрреализма Андре Бретон, психиатър по професия, когато оценява творчеството на художника, придава решаващо значение на психоанализата на Фройд. Фройдистките възгледи не само бяха интернализирани от много сюрреалисти - това се превърна в техния начин на мислене. Например, за Салвадор Дали, по негово собствено признание, светът на идеите на Фройд означаваше толкова много, колкото светът на Писанието за средновековните художници или светът на античната митология за майсторите на Ренесанса.
„Методът на свободните асоциации“, предложен от Зигмунд Фройд, неговата „теория за грешките“, „тълкуването на сънищата“ бяха насочени основно към идентифициране на болезнени психични разстройства с цел изцеление. Това беше и целта на Фройдовата интерпретация на произведения на изкуството. Но с това разбиране изкуството се свежда до особен, така да се каже, лечебен фактор. Това беше заблудата в подхода на теоретиците на сюрреалистите към произведения на изкуството. Това беше добре разбрано от Магрит, който отбеляза в едно от писмата си от 1937 г.: "Изкуството, както го разбирам, не подлежи на психоанализа. Винаги е загадка." Художникът иронично се опитваше да интерпретира картините си с помощта на психоанализа: "Решиха, че моят" Червен модел "е пример за кастрационен комплекс. След като чух няколко подобни обяснения, направих рисунка според всички" правила "на психоанализата. Естествено, те я анализираха по същия начин Ужасно е да видиш на какъв подигравка може да се подложи човек, направил една невинна рисунка ... Може би самата психоанализа е най-добрата тема за психоаналитик “.
Ето защо Магрит упорито отказваше да се нарече „сюрреалист“. Той с готовност прие характеристиката на „магическия реалист“. Тази посока е типична за „белгийския период“ на неговото творчество - започва от 1930 г., когато Магрит се връща от Париж в Брюксел завинаги.
Традициите на старото холандско изкуство са оказали благоприятен ефект върху работата на Магрит. В картината Плагиатство (1960) се открояват няколко символични детайли.
Отляво на масата виждаме изображение на гнездо и три яйца - символиката на Троицата. Подобно на магьосник, художникът сякаш материализира пред очите ни образите на своята фантазия и те се превръщат в красива плодородна градина - символ на живо творческо въображение. Магрит създава фин, душевен поетичен образ. Обмисляйки картината, човек може да се възхищава само на най-нежните розови, синкави, седефни нюанси - наистина приказна гледка.
През 30-те години. Магрит, заедно с изкуството на Бош, задълбочено изучава работата на своя сънародник, драматург и философ Морис Мейтерлинк, който още през 1889 г. в сборника „Оранжерии“ пише: „Символът е сила на природата, човешкият ум не може да устои на законите му… Ако няма символ, няма произведение на изкуството. "
Maeterlinck дължи на Magritte възможността да развие сравнение в цяла мрежа от образи, които фантазията на художника превръща в реалния свят. Картината „Лудост на величието“ (1948) изобразява горяща свещ върху каменен парапет на фона на безкрайното лазурно море - като символ на крехката на човешкия живот. В близост има няколко женски торса, израстващи един от друг (символ на чувствеността). А в небето с красиви замръзнали облаци (за Магрит - символ на безвремието) зрителят вижда сини „обезличени“ геометрични фигури, символизиращи „чисти идеи“, и балон - символ на абстрактна „чиста мисъл“.
С помощта на фино обмислена цветова схема художникът „изяснява“ основната идея. "Чувствеността" има топъл цвят на плътта. „Чистите форми“ са решени в студен синкав тон, съответстващ на символиката и в същото време създава усещане за безгранично пространство.
"Ние се скитаме произволно в долината, без да осъзнаваме, че всичките ни движения се възпроизвеждат и придобиват истинското си значение на върха на планината", пише Мейтерлинк в трактата си "Съкровището на смирените", "и е необходимо от време на време някой да идва при нас и каза: погледни нагоре, виж какво си, гледай какво правиш. Ние не живеем тук, животът ни е горе. Този поглед, който разменихме в тъмнината, тези думи, които нямаха смисъл в подножието на планината - вижте, какви са станали и какво означават там, над снежните височини. "
Тази идея на Маетерлинк е отразена в картината на Магрит „Притежанието на Арнхайм“ (1962 г.).
Само счупвайки стъкло с фалшиво изображение, изрисувано върху него, можете да видите реалността в целия й блестящ блясък, смята художникът. Истината дебне тук, по върховете на планините, за които говори Мейтерлинк.
Картината "Неочакван отговор" (1933 г.) олицетворява друга мисъл на Метърлинк: "В живота няма незначителни дни. Върнете се, върнете се, излезте отново - ще намерите в здрача това, което ви трябва. Но никога не забравяйте, че сте близо до вратата. Това е може би една от онези тесни пукнатини във вратите на мрака, през които ни се предоставя възможност да видим за момент всичко, което трябва да се случи в грота на съкровищата, които все още не са отворени. "
Картината изглежда като своеобразна емблема на вълнуваща мистерия - тук всичко е толкова неразделно, „естествено“, ако това определение може да бъде отнесено към една от най-загадъчните и мистични композиции на Магрит. Отворената „хакава врата“ е символ на друго измерение, прикриващо много мистерии.
Някои автори, пишещи за Магрит, го обявяват за „художник на абсурда“, в чиито картини няма смисъл. Ако това беше така, ако художникът си постави за цел да изобрази само „абсурда на нашето ежедневие“, това би било творчество на нивото на пъзел, а не сериозно изкуство, каквото е то. Магрит пише: "Питаме картината на случаен принцип, вместо да я слушаме. И се изненадваме, когато отговорът, който получаваме, не е откровен."
Изкуството му често е наричано „събуждащи се мечти“. Художникът уточни: "Моите картини не са съразмерни сънища, а събуждащи мечти." Нищо чудно, че изтъкнатият сюрреалист Макс Ернст, виждайки изложбата си в Ню Йорк в началото на 50-те години на миналия век, казва: "Магрит не спи или буден. Той свети. Победи света на мечтите."
"Без мистерия нито светът, нито идеята са възможни", Магрит никога не се умори да повтаря. И като епиграф към един от автопортретите си той взе линия от френски поет от 19 век. Лотремон: "Понякога сънувам, но нито за миг не губя осъзнаване на моята личност."
Оттук и неочакваната интерпретация на „вътрешно и външно“ в творбите на Магрит.
Ето коментара на художника към картината му „Рамката на живота“ (1934 г.): „Пред прозореца, който виждаме от вътрешността на стаята, съм поставил картина, изобразяваща точно онази част от пейзажа, която покрива. Така дървото на снимката затъмнява дървото зад За зрителя дървото е както вътре в стаята на снимката, така и навън в истинския пейзаж. Ето как виждаме света. Ние го виждаме извън нас и същевременно виждаме неговото представяне вътре в себе си. По този начин понякога поставяме в миналото това какво се случва в настоящето. По този начин времето и пространството са освободени от тривиалното значение, което всекидневното съзнание им дава. "
Хърбърт Рейд отбеляза: „Магрит се отличава със строгостта на формите и отчетливата яснота на зрението. Символиката му е чиста и прозрачна, като стъклото на прозорците, което той обича да изобразява. Рене Магрит предупреждава за крехкостта на света. като ледени вълни “. Това е пример за една възможна интерпретация на двусмислените метафори на Магрит. Мотивът на стъкления прозорец на този художник може да се разглежда и като граница между два свята - реалния и сюрреалистичния, поетичния и всекидневния, между съзнателното и несъзнаваното.
В картината „Човешкият син“ (1964 г.) съвременният човек е изобразен на фона на стена, отделяща го от необятните простори на океана и небето, символизиращи безкрайността. Ябълка, висяща пред лицето на човек, дава мистерия на образа. Тази ябълка може да се възприема както като плод на дървото на знанието, така и като символ на природата, който човек се опитва да разбере. В същото време този детайл придава хармония на прозаичния облик на кокетния буржоа.
Картината „Голконда“ (1953 г.) може да се разглежда като материализирана метафора: хората „с тегло“ са станали безтегловност. В името е скрита ирония: в края на краищата Голконда е полу легендарен град в Индия, известен със златни рокли и диаманти и тези хора сякаш са привлечени от злато. Художникът виси в безкрайно пространство няколко десетки спретнато облечени ранти с ботуши, вратовръзки и модни палта, като същевременно поддържа абсолютна равнодушие.
В една от по-късните картини на Магрит „Готов букет“ (1956 г.), мъж в същата шапка на ботуши и козина, стоящ с гръб към зрителя на терасата, обмисля вечерния парк. А на гърба му е изобразена „Пролет“ на Ботичели, парадираща в цветове и блясък на цветовете. Какво е? Реализация на афоризма "Човек минава, изкуството остава"? Или може би човек, възхищаващ се на парка, си спомни картина на Ботичели? Отговорът е неясен.
Художникът се стреми да унищожи обичайната идея на добре познатото, непроменящо се, за да превърне обекта в ново измерение, обърквайки зрителя. В своите платна той създаде свят на фантазия и мечти от истински неща, потапяйки публиката в атмосфера на мечти и мистерия. Художникът блестящо знаеше как да „насочи“ чувствата си. Изглежда светът, създаден от художника, е статичен и солиден, но нереалното винаги нахлува в обикновеното, унищожаващо този познат свят (обикновена ябълка в стаята, разширява се, измества хора или парен локомотив изскача от камината с пълна скорост - „Pierced Time“, 1939).
Най-често копираната картина е „Създаването на човека“ (1935 г.). Образът на морето в картината върху мольберта, обърнат към отворения прозорец, по чудо се слива с „истинския“ морски изглед от прозореца.
Така наречената „скрита реалност“ стана тема на много от картините на Магрит. Част от изображението, например, лицето на главния герой, е покрито с нещо (ябълка, букет цветя, птица). Магрит обяснява значението на тези произведения по следния начин: „Интересното в тези картини е присъствието на откритото и скритото, които внезапно избухнаха в нашето съзнание, които в природата никога не са разделени един от друг“.
В „Влюбените“ Рене Магрит показва, че когато сме истински влюбени, очите ни са затворени.
В опит да разбере неуловимия смисъл на картините на Магрит, да ги „обясни“, съзнанието на зрителя конвулсивно се хваща и за двете. Художникът му „хвърля“ името на картината (обикновено се появява след завършване на работата). Магрит даде на заглавието решаваща роля във възприемането на картината. Според спомените на роднини и приятели, измисляйки имена, той често ги обсъждал с литературните си приятели. Ето какво каза самият художник по този въпрос: "Заглавието е индикатор за функцията на картината", "Заглавието трябва да съдържа жива емоция", "Най-доброто заглавие на картината е поетично. Тя не трябва да преподава нищо, а вместо това да изненадва и омайва."
Много от имената на картините са нарочно научни и в тях се вижда ирония: „Философската лампа“ (1937), „Хвала на диалектиката“ (1937), „Естествено познание“ (1938), „Трактат за усещанията“ (1944). Други заглавия създават атмосфера на поетична мистерия: Диалог, прекъснат от вятъра (1928 г.), Ключът към мечтите (1930 г.), болезнена продължителност (1939 г.), Империя на светлината (1950 г.), Гостината на Бог (1958 г.).
Картината "Империя на светлината" е рисувана от Магрит през последното десетилетие от живота му, но работата му веднага става почти най-популярна. Толкова популярна, че много колекционери са готови да платят всякакви пари, само за да имат една от нейните реплики в колекцията си.
И така, каква е тази картина, която е пленила умовете на хората по света? На бърз поглед изглежда просто и дори непретенциозно. Къща на брега на малко езеро се крие в сянката на разпръснати дървета. Прозорците на втория етаж светят с уютна светлина, самотен фенер дава приятелската си светлина на пътник, който би могъл да бъде тук в тъмна нощ. Изглежда - обикновен, съвсем реалистичен нокът. Всеки "традиционен" художник може да напише такъв.
Но вярно ли е това? Защо тогава възниква неясно безпокойство, което принуждава зрителя да гледа все по-внимателно към снимката? Тази тревожност няма да напусне, докато изведнъж стане ясно - небето, това е! Синьото небе, покрай което весело тичат бели пухкави облаци. И това е късно през нощта! Само не питай как е възможно това - в края на краищата нищо не е невъзможно в света на Магрит. Както никой друг, този художник обича да свързва несъвместимото, да въвежда в картините си детайли, които контрастират толкова рязко помежду си, че зрителят отначало изпитва лек шок, но след това умът му започва да работи два пъти по-интензивно, опитвайки се да намери решение на предложената харада.
Самата Магрит каза това за нея: „Комбинирах различни понятия в„ Империята на светлината “, а именно нощния пейзаж и небето в цялата слава на дневната светлина. Пейзажът ни склонява да мислим за нощта, небето за деня. Според мен това едновременно явление на деня и нощта има силата да изненада и омагьоса. И аз наричам тази власт поезия. "
Рене Магрит лично
„Автопортрет“ („Рязко зрение“)
Спомняйки си за детството си, той пише: „Спомням си учудването си, когато за пръв път видях шахматната дъска, парчетата върху нея. Страхотно изживяване! Музикални листове, където тайнствените знаци означават звук и не са думи! " Ето едно малко ранно произведение на художника - „Изгубеният жокей“, което се превърна в негов творчески манифест.
Ездачът, който се втурна с пълна скорост на струган кон, се изгуби в нереална горичка от огромни шахматни парчета, изрисувани с музикални нотки.
Картина "Карт бланш" или "Пречка на празнотата".
Магрит пише за нея: „Видимите неща могат да бъдат невидими. Ако например някои хора яздат на кон през гората, тогава първо ги видите, тогава не ги видите, но знаете, че те са там. В Карт Бланш ездачът затъмнява дърветата и те я затъмняват. Нашата сила на мислене обаче обхваща както видимото, така и невидимото и с помощта на рисуването правя мислите видими ”.
Картина "Забранена бифуркация"
Интересно е да се отбележи, че в Магрит само изображения на птица не съдържат асоциативни сложности. Птиците носят положителна полетна енергия, нищо повече. Няма мъртви птици, паднали, със счупени крила. Птиците са живи, а крилата им са пълни с ярко сини и бели кръгови облаци на Магрит (Голямото семейство, 1963 г.).
На 15 август 1967 г. Рене Магрит умира от рак. Един от художниците-магьосници на 20-ти век, в живота, подобен на уважаван фармацевт, почина.
Водеше тихия и спокоен живот на белгиец на улицата, далеч от бохемската суматоха - човек, който е трудно да се различи от тълпата. Сънища, парадокси, страхове, мистериозни опасности изпълваха само картините му, а не живота. Художникът се бори със скуката само в творчеството. Редовността на всеки ден му подхождаше, той дори рисуваше повечето си картини в трапезарията и до края на живота си предпочиташе трамвая пред други видове транспорт.
Някак малко преди смъртта си Магрит, този изискан майстор, каза: „Все още не разбирам причината, поради която живеем и умираме“. Може би художникът е кодирал уликите за причините и тайните на битието в своите картини-пъзели? Всичко може да бъде. Тогава трябва да ги разгледате по-отблизо!
На 2 юни 2009 г. в Брюксел се откри нов музей, посветен на творчеството на известния художник-сюрреалист Рене Магрит. Кралският музей на изящните изкуства е заделил площ от 2,5 хиляди квадратни метра за него. Експозицията на музея Рене Магрит включва над 200 творби на автора - това е най-голямата колекция в света.
