Rembrandt ime. godina u radu Rembrandta
stvaranje Rembrandt Harmenszoon Van Rijn (1606-1669) obilježava najveći procvat nizozemske umjetnosti XVII stoljeća i jedan od vrhunaca svjetske umjetnosti uopće. Demokratska i uistinu humana, prožeta gorljivom vjerom u trijumf pravednih životnih načela, utjelovila je najnaprednije i potvrđujuće životne ideje svoga vremena. Umjetnik je umjetnost podigao na novu razinu obogativši je neviđenom vitalnošću i psihološkom dubinom. Rembrandt je stvorio novi slikovni jezik, u kojem su glavnu ulogu igrali fino dizajnirani metodi kiaroscuro i bogate, emocionalno intenzivne boje. Čovjekov duhovni život sada je dostupan slici pomoću realističke umjetnosti.
Rembrandt je bio inovator u mnogim žanrovima. Kao portretni slikar bio je tvorac jedinstvenog žanra portretne biografije u kojem se razotkrivao dugi život osobe i njezin unutarnji svijet u svoj svojoj složenosti i nedosljednosti. Kao povijesni slikar pretvorio je daleke drevne i biblijske legende u priču zagrijanu visokim humanizmom o stvarnim ovozemaljskim ljudskim osjećajima i vezama.
Sredina 1630-ih bilo je vrijeme kada se Rembrandt najviše približio paneuropskom baroknom stilu, bujnom i bučnom, zasićenom kazališnim patosom i olujnim pokretima, kontrastima svjetla i sjene, kontradiktornom blizinom prirodnih i dekorativnih trenutaka, senzualnosti i okrutnosti.
piše se razdoblje baroka "Spuštanje s križa" (1634). Slika ilustrira evanđeosku legendu o tome kako je Josip iz Arimateje, Nikodem i drugi Kristovi učenici i rodbina, nakon što je dobio Pilatovo dopuštenje, noću uklonio Kristovo tijelo, zamotao ga u bogatu platnu i pokopao.
Legendu govori Rembrandt zadivljujućom životnom istinom. Tragična smrt učitelja i sina potakla je sudionike događaja u duboku tugu. Umjetnik se zagleda u lica, pokušavajući prodrijeti u duše ljudi da pročitaju reakciju svih na ono što se događa. Uzbuđeno prenosi zanos Marije, majke Kristove, plač i plač žena, patnje i tuge muškaraca, strah i radoznalost adolescenata.Rembrandt je u ovom djelu krenuo od poznate istoimene Rubensove slike, koristeći pojedinačne kompozicijske motive velikog Flamanaca i nastojeći ga nadmašiti u izražavanju emocionalnih pokreta junaka.
Drugo važno postignuće ove slike, uz individualizaciju osjećaja likova, bila je upotreba svjetla za postizanje cjelovitosti višečlane kompozicije. Tri glavne točke legende - skidanje s križa, izlazak Mariji i širenje plašta - osvjetljavaju se tri različita izvora svjetlosti, čiji se intenzitet smanjuje u skladu s padom vrijednosti prizora.
Početak novog razdoblja u životnom i stvaralačkom radu majstora obilježila su dva važna događaja koja su se dogodila 1642. godine: prerana smrt Saskia, njegove voljene supruge, koja mu je ostavila jednogodišnjeg sina, i stvaranje slike "Noćna straža" - veliki grupni portret amsterdamskih strijelaca, najpoznatijih radovi majstora Obiteljska tragedija i ispunjenje odgovornog reda postavili su Rembrandta pred složenim problemima osobnog i kreativnog života. Umjetnik izlazi iz ove krize zreo i mudar. Njegova umjetnost postaje sve ozbiljnija, skuplja i dublja, i što je najvažnije, zanimanje za unutarnji život čovjeka, za ono što se događa u njegovoj duši, sve se više očituje u njemu.
U uskoj vezi s evolucijom Rembrandtovog djela 1640-ih, trebalo bi razmotriti jedno od najvažnijih umjetnikovih djela - Dana iako je datum na slici 1636. Rembrandta je nadahnula njegova prva ljubav, Saskia, da stvori sliku Danai-a, legendarne grčke princeze koju je njen otac zatvorio u naručje kako bi izbjegla smrt koju je on predvidio od ruke njenog unuka. Ali deset godina kasnije, kako je pokazalo najnovije istraživanje, umjetnik nezadovoljan prvobitnom odlukom značajno preobražava sliku glavnog lika. Model konačne verzije slike bio je, čini se, Gertier Dirks, mlada udovica koja se nastanila u Rembrandtovoj kući nakon Saskiaove smrti, prvo kao dadilja jednogodišnjeg Tita, a potom kao puna kućanica. Tako su glava, desna ruka i u velikoj mjeri tijelo Danai, koji je u zatvoru čekao svog ljubavnika (prema legendi, Zevs se u nju zaljubio u obliku zlatne kiše), kao i lik stare sluškinje, prepisani su podebljano, široko sredinom i drugom polovicom 1640-ih. Gotovo svi ostali detalji slike ostali su onako kako su napisane 1636. godine, uredan potez kistom, karakterističan za prethodno razdoblje.
Značajne promjene su učinjene i u boji slike. U originalnoj verziji dominirali su hladni tonovi tipični za sredinu 1630-ih. Zamijenjujući zlatnu kišu prve verzije zlatnom svjetlošću, kao da najavljuje pojavu zaljubljenog boga, Rembrandt sada središnji dio slike izvodi u toplom tonu sa zlatnim okerima i crvenim cinobarom kao dominantnima. U drugoj verziji, tj. 1646-1647., Danae je dobila dubinski psihološki opis zahvaljujući kojem je otkriven ženin unutarnji svijet, čitav složen i oprečan raspon njezinih osjećaja i iskustava. "Danae" je stoga jasan konkretan primjer formiranja čuvenog Rembrandtovog psihologizma.
Rad Rembrandta iz 1650-ih obilježen je prije svega postignućima u polju portretiranja. Izvana se portreti ovog razdoblja u pravilu razlikuju po veličini, monumentalnim oblicima. mirne poze. Modeli obično sjede u dubokim stolicama, ruku na koljenima i okreću se izravno gledatelju. Lice i ruke su istaknute svjetlošću. To su uvijek stariji ljudi, mudri dugogodišnjim iskustvom - starice i starice s pečatom sumornih misli na licu i napornim radom na rukama. Takvi su modeli dali umjetniku sjajne prilike da pokaže ne samo vanjske znakove starosti, već i duhovni izgled osobe. U zbirci Hermitage ta su djela dobro predstavljena prilagođenim portretima:
"Star čovjek u crvenom", "Portret jedne stare dame" i "Portret starog Židova".
Ne znamo ime osobe koja je poslužila kao model za portret "Starac u crvenom." Rembrandt ga je slikao dva puta: na portretu iz 1652. godine (Nacionalna galerija, London) prikazan je kako sjedi u fotelji s naslonima za ruke, s dubokom promišljenošću pognuvši glavu desnoj ruci; verzija Hermitage interpretira istu temu - čovjek sam sa svojim mislima. Umjetnik ovaj put koristi strogo simetričnu kompoziciju, prikazujući nepomičnog starca koji sjedi ispred. Ali uočljiviji je pokret misli, suptilna promjena izraza lica: čini se oštro, sada mekše, umorno, a zatim iznenada osvijetljeno naletom unutrašnje snage i energije. Ista se stvar događa s rukama: čini se da su konvulzivno stisnuti, a zatim leže iscrpljeni. Umjetnik to postiže prije svega zahvaljujući briljantnom umijeću chiaroscura koji, ovisno o snazi \u200b\u200bi kontrastu, unosi elegičnu opuštenost ili dramatičnu napetost u sliku. Ogromnu ulogu igra način nanošenja boje na platno. Izgubljeno borama, starčevo lice i zategnute, napete ruke stječu umjetničku, ekspresivnost zahvaljujući viskoznoj kašiji boja u koju isprepleteni masni potezi prenose strukturu oblika, a suptilna glazura daje mu pokret i život.
Neimenovani starac u crvenoj boji s naglašenim dostojanstvom, hrabrošću i plemenitošću postao je izraz umjetnikove nove etičke pozicije, koja je otkrila da vrijednost osobe ne ovisi o službenom položaju osobe u društvu.
Sredinom 1660-ih Rembrandt je dovršio svoje najduhovitije djelo - Povratak bludnog sina. Može se promatrati kao volja Rembrandta o čovjeku i Rembrandta umjetnika. Ovdje ideja o opraštanju ljubavi prema čovjeku, za ponižene i nastradale - ideja kojoj je Rembrandt služio cijeli život - nalazi najviše, najsavršenije utjelovljenje. I upravo se u ovom djelu susrećemo sa svim bogatstvom i raznolikošću slikovnih i tehničkih tehnika koje je umjetnik razvijao tijekom desetljeća kreativnosti.
Izmučen, iscrpljen i bolestan, rasipao je bogatstvo i napustio prijatelje, sin se pojavljuje na pragu očeve kuće i ovdje, u naručju svog oca, nalazi oprost i utjehu. Neizmjerna lagana radost ove dvojice - starca koji je izgubio nadu u susret svom sinu i sinu, zaokupljen sramotom i pokajanjem, skrivajući lice na očevim prsima - glavni je emocionalni sadržaj djela. Nehotice, šokirani, nevoljni svjedoci ovog prizora su se smrzli. Umjetnik se ograničava u boji. Na slici dominiraju zlatno-oker, cinobar-crveni i crno-smeđi tonovi s beskonačnim bogatstvom najfinijih prijelaza unutar ove srednje gume. Četkica, lopatica i stabljika četke također sudjeluju u nanošenju boja na platno; ali čak se i Rembrandtu to čini nedovoljno - on slika platno direktno prstom (na primjer, piše se peta lijevog stopala bludnog sina). Zahvaljujući raznovrsnim tehnikama, postiže se povećana vibracija šarene površine - boje se ili sagorijevaju, iskriju ili tvore, ili sjaje iznutra, a niti jedan detalj, niti jedan, čak ni najznačajniji kut platna gledatelja ne ostavlja ravnodušnim.
Samo mudar čovjek s velikim životnim iskustvom i sjajan umjetnik koji je prešao dug put mogao je stvoriti ovo genijalno i jednostavno djelo.
Većina ženskih slika na platnima Rembrandta iz 1934.-1942. Bila je slikana od voljene supruge umjetnika Saskia van Eilenburha. Na slici drevne božice proljeća Flore majstor je tri puta prikazao Saskiju - portret za koji smo smatrali da je nastao u godini njihovog vjenčanja - golim okom je jasno da je Rembrandt idolizirao svoju ženu, divio joj se i uložio svu svoju nježnost u sliku.
Saskia je u vrijeme braka imala 22 godine, sa 17 godina ostala je siroče. S budućim suprugom doveo ju je incident - došla je u Amsterdam posjetiti rođaka, suprugu propovjednika Johanna Cornelisa Silviusa, koji je bio upoznat s Rembrandtom. Vjenčanje se dogodilo 10. lipnja 1634. godine. 1942. - samo godinu dana nakon rođenja dugoočekivanog Tita sina - Saskia je umro.
Flora Saskia utjelovljenje je mladosti, svježine i čednosti, u njenom izgledu ima toliko šarmantne stidljivosti i djevojačke svježine. Rembrandt je na ovoj slici vješto kombinirao pastoralni i povijesni portret. Od tri Flore koje je naslikao njegova supruga (dvije druge slike nastale su 1935. i 1941.) prva se odnosi na antiku, a druga dva portreta aludiraju na mit sa tek jedva primjetnim detaljima.
2. "Danae" (1633-1647 godina). Pustinja, Sankt Peterburg
Čak i ako o Rembrandtu ne znate ništa, a slika vas uopće ne zanima, ova slika vam je definitivno poznata. Platno, pohranjeno u pustinji Sankt Peterburga, gotovo je nepovratno izgubljeno 1985. zbog vandala koji ga je potapao sumpornom kiselinom, a zatim nožem prerezao nož.
Sliku, koja prikazuje gole djevojke kako leže na krevetu u zraku nezemaljske svjetlosti, Rembrandt je napisao za svoju kuću - zaplet je odabrao poznati drevni grčki mit o prelijepom Danaiu, budućoj majci pobjednice Meduze Perseusa i Zeusa groma. Pojava Danaja sama je učinila misteriju istraživačima kreativnosti, koju je bilo moguće riješiti nedavno: poznato je da je njegova supruga Saskia van Eilenburh bila Rembrandtov uzor, ali Danaya koja je došla kod nas ne liči na umjetničku ženu. Rendgenski pregled platna pokazao je da je Rembrandt djelomično kopirao Danaiavo lice nakon smrti njegove žene - i učinio ga da izgleda poput lica svog drugog ljubavnika, dadilje njegovog sina Tita Gertierja Dirksa. Kupid, lebdeći nad Danaeom, također je u početku izgledao drugačije - nasmijao se krilati bog, a u konačnoj verziji patnja mu je smrznuta na licu.
Nakon napada na sliku 1985. godine obnovljena je 12 godina. Gubitak slike bio je 27%, najbolji majstori radili su na restauraciji Rembrandtovog remek-djela - međutim, nije bilo garancija za uspjeh. Srećom, platno je ipak sačuvano, sada je slika pouzdano zaštićena oklopnim staklom.
3. "Noćna straža", (1642). Rijksmuseum - Amsterdamski nacionalni muzej 
Kolosalno, gotovo četiri metra platno postalo je doista kobno u karijeri svog tvorca. Točan naziv slike je "Izvođenje puške čete kapetana Fransa Bunka iz Kocka i poručnika Willema van Reitenburga." Postala je "noćna straža" nakon što su je, zaboravljena dva stoljeća, otkrili umjetnički kritičari. Odlučeno je da slika prikazuje muskete tijekom noćne službe - i tek nakon restauracije postalo je jasno da se pod slojem čađe skriva potpuno drugačija izvorna boja - sjene rječito govore - učinak na platnu odvija se oko 14 sati.
Rad je naručio Rembrandt Shooting Society - odred civilne milicije Nizozemske. Grupni portret šest društava trebao je krasiti novu zgradu tvrtke - od Rembrandta je traženo da napiše pušku čete za kapetana Fransa Bunkinga Coca. Od umjetnika su očekivali tradicionalni ceremonijalni portret - svi likovi u nizu -, međutim, odlučio je prikazati musketere u pokretu. Odvažan sastav, gdje je svaka figura što je moguće dinamičnija, nije našao razumijevanja s kupcem - nezadovoljstvo je uzrokovalo činjenica da je jedna od slika bila jasno vidljiva, a netko u pozadini. "Noćna straža" doslovno je prekinula Rembrandtovu karijeru - nakon ove slike redoviti se bogati klijenti odvratili od slikara, a način njegovog pisanja drastično se promijenio.
Usput, sudbina ovog platna nije ništa manje tragična od one Danae. Za početak s činjenicom da je u XVIII stoljeću bila potpuno barbazno obrezana kako bi se uklopila u novu dvoranu Strelskog društva. Tako su s slike nestali mušketiri Jacob Dirksen de Rooy i Jan Brugman. Srećom, sačuvana je kopija izvornog platna. Noćna straža tri je puta preživjela napad vandala: prvi put je izrezan veliki komad platna, drugi put kad je slika uboden 10 puta, a treći put da je natopljena sumpornom kiselinom.
Sada je platno pohranjeno u Rijksmuseumu - Nacionalnom muzeju Amsterdama. Možete sagledati ovu sliku više sati - svi su likovi tako detaljno registrirani na ogromnom platnu, kao „izrađeni po mjeri“ (ustvari, musketari - ima ih 18), a Rembrandt je dodao po vlastitom nahođenju (16 figura, najtajanstvenije - djevojčica na mjestu „zlatne“ odjeljak "slika)
4. "Bludni sin u konobi" (1635. (1635.). Dresdenska galerija 
Ovaj autoportret umjetnika s voljenom suprugom Saskijom u krilu pohranjen je u Galeriji starih majstora u Dresdenu (aka Dresden Gallery). Nema sumnje da je umjetnik ovu sliku naslikao, apsolutno sretan. U tom je razdoblju svog života Rembrandt puno i plodonosno radio, bio popularan, za svoj je rad primao visoke honorare, među kupcima su bili poznati i bogati ljudi. Majstor je revidirao zaplet iz Lukinog evanđelja u duhu vremena - bludni sin je odjeven u kamizol i šešir širokog oboda s perjem, a bludnica u krilu također je odjevena u modu vremena. Usput, ovo je jedina autoportretna slika umjetnika sa suprugom - Rembrandt je izveo još jednu sliku sebe i Saskia u jednom slikovitom prostoru koristeći tehniku \u200b\u200bgraviranja 1638. godine. Unatoč cjelokupnom veselom tonu slike, autor nije zaboravio podsjetiti da će se prije ili kasnije u ovom životu sve morati platiti - na to rječito ukazuje ploča s škriljevcima u pozadini, gdje će se vrlo brzo naplatiti kutikula. Je li Rembrandt mogao naslutiti kolika će biti njegova vlastita odmazda za talent?
5. "Povratak bludnog sina" (1666-1669 godina). Državni pustinjački muzej, Sankt Peterburg 
Ovo je Rembrandtova najveća vjerska slika. Semantičko središte slike snažno je pomaknuto u stranu, glavne su figure istaknute, preostali likovi prekriveni su sjenom, što onemogućuje pogrešku prilikom čitanja slike. Usput, sva Rembrandtova platna objedinjuje jedan važan detalj - uz opću jasnoću glavnog zapleta, misterije vrebaju u svakoj slici, što umjetnički kritičari ne mogu riješiti. Kao i u slučaju djevojke iz "Noćne straže", i u "Povratu bludnog sina" pojavljuju se likovi zaogrnuti misterijom. Ima ih četvero - netko ih uvjetno naziva "braćom i sestrama" glavnog junaka. Neki istraživači tumače žensku figuru iza stupa kao drugog, poslušnog sina - iako je tradicionalno ta uloga dodijeljena muškarcu u prvom planu. Taj čovjek, bradat, sa štapom u rukama, ne postavlja ništa manje pitanja - u Lukinu evanđelju, dekanijski brat otrčao je u susret bludnom rođaku izravno s polja, a ovdje je prikazan prilično plemeniti lutalica, možda čak i Vječni Židov. Usput, moguće je da se Rembrandt tako prikazao - autoportreti, kao što znate, nisu rijetkost na njegovim slikama.
15. jula 1606. godine rođen je najveći nizozemski slikar Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.
Budući reformator likovne umjetnosti rođen je u obitelji bogatog mlekara u Leidenu. Dječak iz ranog djetinjstva pokazivao je zanimanje za slikanje, pa je u dobi od 13 godina bio naučnik leidenskog umjetnika Jacoba van Svanenbürha. Kasnije je Rembrandt studirao kod amsterdamskog slikara Petera Lastmana, koji se specijalizirao za povijesne, mitološke i biblijske teme.
Već 1627. Rembrandt je zajedno s prijateljem Janom Leavensom uspio otvoriti vlastitu radionicu - mladi slikar koji je imao jedva 20 godina počeo je sam regrutirati studente.
Već u ranim Rembrandtovim djelima jasno je vidljiv osebujni slikarski stil koji počinje dobivati \u200b\u200boblik - umjetnik nastoji svoje likove otpisati što je moguće emocionalnije, doslovno je svaki centimetar platna ispunjen dramom. Na samom početku putovanja budući nenadmašni majstor rada s chiaroscurom shvatio je snagu ove tehnike prenošenja emocija.
Godine 1631. Rembrandt se preselio u Amsterdam, gdje ga je dočekao krajnji entuzijazam, umjetnički stručnjaci usporedili su slikarski stil mladog umjetnika s radovima samog Rubensa - usput, Rembrandt se rado orijentirao na velik dio estetike ovog umjetnika.
Razdoblje rada u nizozemskoj prijestolnici postalo je orijentir za portretni žanr u djelima Rembrandta - ovdje majstor piše mnoge skice ženskih i muških glava, pomno razrađujući svaki detalj, razumijevajući sve suptilnosti izraza lica ljudskog lica. Umjetnik piše bogatim građanima - njegova slava brzo se širi i postaje ključ komercijalnog uspjeha - a naporno radi i na autoportretima.
Sudbina Rembrandta, i osobna i kreativna, nije bila laka. Rano u karijeri slave i uspjeha, talentirani slikar iznenada je izgubio i bogate klijente koji nisu uspjeli realizirati revolucionarnu hrabrost svog djela. Samo dva stoljeća kasnije, realistični umjetnici nadahnuti su platnima ovog majstora, jednog od najsjajnijih predstavnika zlatnog doba nizozemske slike, da istinski cijene Rembrandovu baštinu.
Autoportret u dobi od 54 godine - Rembrandt. 1660. Ulje na platnu. 80.3x67.3. Muzej metropolitana
Rembrandtov autoportret, 1661. Platno ulje, 114x91.
Kenwood House, London, engleska baština.
Ilustracija s web stranice http://rembr.ru/
Rembrandt, Harmenszoon Van Rijn (1606–1669), nizozemski slikar, crtač i etcher, jedan od najvećih majstora zapadnoeuropske umjetnosti. Rođen je u Leidenu 15. srpnja 1606. u obitelji bogataša. Godine 1620. upisao se na Sveučilište u Leidenu, međutim, tamo se nije dugo zadržao i ubrzo je postao student lokalnog umjetnika Jacoba Isaacs Svanenbürch. Oko 1623. preselio se u Amsterdam, gdje je ušao u radionicu Jana Paynesa, studirao kod majstora povijesnog slikarstva Petera Lastmana. Potonji je Rembrandta uveo u djela majstora talijanske umjetnosti. Od 1625. do 1631. Rembrandt je održao vlastitu radionicu u Leidenu, ponekad radeći s slikarom i graverom Janom Leavensom. Od Rembrandtovih učenika najpoznatiji je Gerard Dow.
1631. ili krajem 1632. Rembrandt se vratio u Amsterdam. 22. lipnja 1635. udala se za Saskia van Eilenbuhrha, kćerku bogatog burgomastera Leyvardena. 1642. uspjeh u kreativnosti i osobnom životu zamijenio je niz nesreća. Krajem 1630-ih rodilo mu se četvero djece jedno po jedno, ali svi su umrli u dojenačkoj dobi, a tada je 14. lipnja 1642. umrla i njegova voljena supruga. Umjetnik je ostao sa jednogodišnjim sinom Titom. Slika Noćna straža (1642., Amsterdam, Rijksmuseum), dovršena ubrzo nakon Saskiaove smrti, označava početak njegove nove kreativne potrage.
Krajem 1640-ih Hendrikier Stoffels postala je neslužbena supruga Rembrandta (prema Saskia volji nije se mogao oženiti drugi put). Godine 1654. imali su kćer Corneliju. Međutim, sada su umjetnika proganjale financijske poteškoće. U srpnju 1656. bio je prisiljen podnijeti zahtjev za bankrot, a sljedeće dvije godine njegova izuzetna kolekcija bila je rasprodana. Želeći pomoći Rembrandtu, krajem 1658. godine, Tit i Hendrikier počeli su trgovati slikama.
Posljednje godine umjetnikova života bile su zasjenjene smrću najmilijih. Hendrickier je umro 24. jula 1663. godine. Tit se oženio u veljači 1668., a umro je šest mjeseci kasnije. Sada je Rembrandt ostao sam s mladom Cornelijom. Rembrandt je umro 4. listopada 1669. godine.
Rembrandt je stvorio oko 600 slika, gotovo 300 oblikovanja i više od 1.400 crteža. Ispod je kronološki pregled njegovog rada.
Rano razdoblje Rembrandtova djela treba promatrati u kontekstu utjecaja talijanske umjetnosti na nizozemsko slikarstvo. Od talijanskih majstora Nizozemce je posebno privukao Caravaggio, u čijim su se djelima odvažni naturalizam i kontrastno modeliranje svjetla i sjene činilo izazovom klasičnoj umjetnosti. Umjetnici poput Gerarda Terbruggena i Rembrandtovog učitelja Petera Lastmana radili su u stilu Caravaggia, postupno uvodeći karavagizam u arsenal umjetničkih sredstava nizozemskog slikarstva. Rembrandtove slike iz Leiden-ovog razdoblja (1625. - 1631.) također pripadaju ovoj struji. Na slikama Menyala (1627, Berlin) i Znanstvenika u svom uredu (1629, London, Nacionalna galerija) majstor je pokazao interes za prijenos svjetlosnih efekata. Prvi od njih prikazuje starca s naočalama na poslu, u kutu prepunom brojanja knjiga. Njegovo natečeno lice osvijetljeno je prigušenom svjetlošću jedne svijeće koju on prekriva rukom. Na drugoj slici Rembrandt je pokušao prenijeti atmosferu unutrašnjosti ispunjene zrakom. Glavni predmet slike je sama soba s visokim stropom, preplavljena mekom drhtavom svjetlošću.
Kroz svoju karijeru umjetnik se okrenuo pričama u kojima se duboka životna drama kombinira s elementima suptilnog psihologizma. Na slici Večera u Emmausu (oko 1630., Pariz, muzej Jacquemart-Andre) vidljive su značajke Rembrandtove slike ovog razdoblja. Rembrandt je ovu epizodu predstavio kao kazališnu mise-en-scenu. Kristova silueta ističe se na pozadini zasljepljujuće svjetlosti, većina platna uronjena je u sjenu.
Prelazak u Amsterdam i kasniji veliki umjetnički uspjesi otvaraju novo razdoblje u djelu Rembrandta; ovo je desetljeće tijekom kojeg su nastala djela, prožeta dramom, a istodobno lišena materijalne senzualnosti, dijelom povezana duhom s djelima flamanskog Petera Paula Rubensa. Prva veća narudžba koju je Rembrandt primio u Amsterdamu je slika Anatomija dr. Tulpa (1632., Haag, Mauritshuis). To je slika slavnog amsterdamskog liječnika i njegovih kolega iz gradskog ceha kirurga.
Među slikama na povijesne teme koje je Rembrandt napravio 1630-ih posebno je dramatično zasljepljivanje Samsona (1636, Frankfurt na Majni, umjetnički institut Shtedelevsky). Sjajne svjetlosti, dinamičke dijagonale i živih boja koriste se za povećanje napetosti parcele; slika je ispunjena oštrim brzim pokretom.
Hedonizam i tehnička virtuoznost koji su karakterizirali Rembrandtove slike tih godina možda su se najslikovitije utjelovio u Autoportretu sa Saskijom (oko 1635., Dresden, Umjetnička galerija). Umjetnik se ovdje prikazao u romantičnom kostimu gospodina; jednom rukom podiže čašu piva, a drugom zagrli Saskia, sjedeći mu u krilu. Svjetlina boja i sloboda hoda u potpunosti odgovaraju raspoloženju prizora.
Autoportret sa Saskijom u krilu. 1635
Početkom četrdesetih godina prošlog vijeka Rembrandtov život i umjetničko djelovanje stekli su stabilnost i pravilnost. Autoportret 1640. (London, Nacionalna galerija), nastao pod utjecajem djela Rafaela i Ticijana, prikazuje samouvjerenog, razboritog čovjeka, odjevenog u skladu s talijanskom modom iz 16. stoljeća, naslonjenog na balustradu; ramena su mu malo okrenuta, a oči gledatelja.
Jedna od najpoznatijih slika ovog razdoblja je Noćna straža (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Pravo ime djela je tvrtka kapetana Fransa Bunning Cocka i poručnika Willema van Reitenburga. Napisala je prigodom posjeta Amsterdamu francuske kraljice Marije Mediči i svečanim izlaskom gradske policije organiziranim tim povodom. Tamna pozadina koja prevladava na slici omogućuje vam bolje razlikovanje likova likova. Zato je u 18. stoljeću. slika je pogrešno nazvana Noćna straža. Poput Anatomije dr. Tulpa, i ova slika nadilazi tradicionalni grupni portret. Prikazuje 29 likova, od kojih je 16 stvarnih povijesnih ličnosti; njihovi se pokreti i mjesto na slici podliježu jednoj zajedničkoj radnji koja se razvija pred gledateljem. Stupovi, transparenti i mušketi strše u različitim smjerovima, čineći sastav slobodnijim i dinamičnijim; osjet se pojačava igranjem svjetla i sjene.
Noćni sat. 1642 g.
U 1640-im, Rembrandtova religiozna slika postala je manje retorička, s poniznošću i dubokom unutrašnjom snagom, karakterističnom za kasni rad majstora. Od renesanse događaji iz Svetog pisma obično su se tumačili na herojski način, a njihovi su likovi obdareni fizičkom ljepotom. Rembrandtov pogled bio je vrlo različit od ovog koncepta; Krist se u svojim djelima čini poniznim i krotkim, poniženim i nevidljivim među ljudima.
List od stotinu guldera, gravura koja je dobila ime zbog cijene po kojoj je prodan na jednoj od prvih aukcija, posvećen je temi kršćanske poniznosti. Kristov lik ne izdvaja se iz gomile ni u odjeći, ni u posebnom položaju, ali pozornost gledatelja usmjerava se u središte kompozicije - lice Spasitelja s najfinijim zrakama božanske svjetlosti koje proizlaze iz njega. Na lijevoj su mu ruci slabost duha i mesa, bogati i siromašni, objedinjeni patnjom. S desne strane su farizeji, nevjernici i uronjeni u beskrajne rasprave. Mala djeca padaju pred Kristova stopala. U gravirajući Liszt od stotinu guldera, u nedostatku vidljive akcije, Rembrandt je uspio savršeno prenijeti čudo Božanske prisutnosti u svijetu ljudi.
Od početka 1650-ih portreti Rembrandta postali su duboko osobni, kompozicije su postale stroge i geometrijske u konstrukciji, a shema boja postala je ogroman raspon nijansi od tri ili četiri boje. Rembrandtova umjetnost ne odražava umjetničke sklonosti javnosti; umjetnik sada proučava svojstva uljanih tehnika. Svjetonazor majstora utjelovljen u njegovim kasnijim djelima, tako visoko cijenjenim danas, ostao je neshvatljiv njegovim suvremenicima.
Rembrandt. „Dana”. 1636.
Slika Čovjek u pozlaćenoj kacigi (1651, Berlin by Dahl) iz djela Rembrandtove radionice pokazuje karakteristična obilježja kasnog stila majstora. Lice sivookog ratnika uronjeno je u duboku meku sjenu, a odraz svjetlosti na kacigi prenosi se slobodnim, širokim, gustim potezima. Za Rembrandta bi neobičan zaplet ponekad mogao postati povod za smjele umjetničke eksperimente. Primjer je slika Osvježeni trup bika (1655, Pariz, Louvre). Četkica vraća život mrtvog mesa i ljepotu ružnoće. Rembrandt je uvijek izbjegavao klasičnu idealizaciju na slici ljudskog tijela. Na slici Bathsheba (1654., Pariz, Louvre) žena u kojoj se kralj David vidio kako se kupa i zaljubi u svoju neobičnu ljepotu nije prikazana u vrijeme kupanja, pa su je umjetnici često birali da bi ispričali ovu priču, a uopće nije lijepa. Duboko je razmišljala i kao da predviđa smrt supruga.
Rembrandt se u svom kasnijem djelu sve više okreće interpretaciji događaja kršćanske povijesti. Slika Spuštanje s križa (oko 1655., Washington, Nacionalna galerija) posvećena je ne samo Kristovoj smrti, već i tugama onih koji ga oplakuju.
Jedno od najpoznatijih djela religioznog slikarstva Rembrandta iz tog razdoblja je slika Odricanje od Petra (oko 1660, Amsterdam, Rijksmuseum). U sredini se mlada djevojka sluge okrene Petru i gestom ruke ispruženu u stranu potvrdi njegove riječi o Kristovom odricanju. Prostor u prvom planu osvijetljen je jednom svijećom, koju sluškinja zamračuje rukom - tehnikom koja je početkom stoljeća bila popularna među karavajistima. Meko svjetlo svijeće simulira oblike figura i predmeta smještenih u prvom planu. Napisane su laganim potezima, u smeđe-žutoj shemi boja s nekoliko crvenih akcenta. Čini se da se obrasci otapaju ili ispunjavaju svjetlošću, poput ruku sluškinje koja blokira svijeću. Na Petrovom licu nastaje duboka tuga. I ovdje, kao u umjetnikovim kasnijim portretima i autoportretima, Rembrandt portretira starost s nenadmašnom vještinom, svojom mudrošću nakupljenom tijekom godina, slabošću tijela i hrabrošću.
Portreti Rembrandta tijekom godina postaju duboko osobni. Na portretu pjesnika Jana Sixxa (1654, Amsterdam, zbirka obitelji Six) prikazani su prikazani pod jedva primjetnim kutom odozdo prema gore; s izuzetkom tanko modeliranog lica, portret je naslikan brzo i slobodno, širokim potezima. U shemi boja dominira blistava crvena boja ogrtača i zlatni gumbi odijela, kontrastni različitim nijansama zelene i sive.
Na portretu Hendrickiera Stoffelsa (oko 1656., Berlin - Dahlem) lik je upisan u okvir prozorskog otvora i zbog velike razmjere koju je umjetnik odabrao čini se da stoji vrlo blizu ravnine slike. Hendrikierov pogled usmjeren je prema gledatelju, njezin je položaj slobodan, glava nagnuta u stranu, a ruke su vrlo prirodne. Shema boja na slici je kombinacija zlatnih, bijelih, crvenih i crnih tonova.
Jedan od najboljih grupnih portreta Rembrandta je Sindiki (1661. - 1662., Amsterdam, Rijksmuseum). Kupci portreta bili su predstavnici amsterdamske trgovine tkaninama (syndiks). Prikazane su oko stola s knjigom računa. Umjetnik čini gledatelja sudionikom u onome što se događa na slici. Čini se da smo upravo prekinuli sindikate, zaokupljeni njihovim proračunima i zato svi, kao da odmaraju od svog rada, gledaju u gledatelja. Na slici prevladavaju ravne linije, ali širenje stola i složena igra svjetla ublažavaju ozbiljnost sastava. Mrlje se raspršuju po platnu oživljavajući njegovu slikovitu površinu. Ova je slika izvanredna i kao psihološka studija, čija je svrha prikazati ljude s različitim likovima, i kao povijesni dokument.
Oko 1661. Rembrandt je dobio narudžbu s jednom od osam povijesnih slika koje su trebale ukrasiti amsterdamsku gradsku vijećnicu. Ogromno platno (početne dimenzije 5–5 m), prema raznim verzijama, zavjera Juliusa Civilisa ili nije bila obješena u gradskoj vijećnici, ili je zauzimala prostor koji joj je bio namijenjen nepune dvije godine, a zatim je zamijenjena slikom pećnice za isti zaplet. Sačuvan je samo fragment ovog djela Rembrandta, koji se nalazi u Nacionalnom muzeju u Stockholmu. Rembrandt je prikazao događaj opisan u Anali rimskog povjesničara Tacita (1. st.): Vođe plemena Batav zaklinju se na mač kako bi se borili za oslobođenje od rimske vladavine. O veličini ovog djela u izvornom obliku može se prosuditi po kompozicijskoj skici koja se nalazi u Münchenu. Pokazuje da su isprva stol i ljudi okupljeni oko njega bili prikazani u prostoru ogromne dvorane, čija se dubina prenosila kroz igru \u200b\u200bsvjetla i sjene.
U 17. stoljeću crtež je obično služio kao preliminarna skica za razvoj velike kompozicije, skice pojedinih detalja buduće slike ili nanesenog na karton, a zatim prebačen na površinu namijenjenu slikanju. Vrlo rijetko se slika mislila kao o dovršenom umjetničkom djelu; često nakon dovršetka projekta crteži su bacani. Svaki Rembrandtov crtež proučava prirodu pojava i pokušaj uhvaćanja prirode trenutka ili predmeta. Kad je umjetnik napravio skice iz djela starih majstora, nije stvarao kopije, već varijacije na istu temu, dok je rješavao vlastite umjetničke probleme. U 1630-1640-ih slikao je, kombinirajući linije različite debljine s najfinijim pranjem. Čini se da su mu crteži ponekad brze skice, gdje neuronska linija gotovo nikada ne ostaje kontinuirana.
Rembrandt je prvi koji je uvidio bogate mogućnosti jetkanja u usporedbi s graviranjem metala. Takvo graviranje nastaje struganjem uzorka na metalnoj ploči; zatim je ploča prekrivena bojom koja popunjava udubljenja reznica, a od nje se na papiru tiskaju otisci tiska. Rezač zahtijeva snažan pritisak i veliku brigu. Rad na jedrenju, naprotiv, ne zahtijeva puno fizičke snage, a linije su slobodnije i fleksibilnije. Umjesto da metalom ogrebe rezač, umjetnik pokriva tanjur kiselinom otpornim na kiselinu i na njega navlači iglu, a zatim ploču utapa u kiselinu, a metal se urezuje na mjestima bez laka. Urezanje daje umjetniku mnogo više slobode i može crtati iglom, poput olovke na papiru. U jelima iz Rembrandta linije su slobodne i pokretne kao u skicama s olovkom. Da bi postigao nove ekspresivne efekte, često je kombinirao različite tehnike: ponekad je prolazio rezač duž kiselkaste ploče, ponekad ugraviran "suhom iglom" - alatom s dijamantom na kraju koji ostavlja utore s klinovima na metalu, što daje mekan i baršunast dodir otisku. Na primjer, u Lisztu stotina ceha, umjetnik je koristio sve ove tehnike (rad na ovoj ploči trajao je nekoliko godina).
Liszt evangelizam pastirima (1634.) - prava barokna kazališna predstava. Crtež je napravljen gusto položenim presjecima koji stvaraju kontraste svijetlih i tamnih tonova. Pet godina kasnije, u Uznesenju Gospe, prevlast gusto zasjenjenih tamnih zona zamijenjena je prevlašću svjetlosnih mrlja i tankih paralelnih sjenčanja. U jetrenju Tri stabla (1643.) kontrast gusto zasjenjenih fragmenata slike i bijelog papira doveden je do granice; nagnute paralelne linije prema nebu savršeno prenose osjećaj ljetne grmljavine. Najdramatičniji Rembrandtov etchings je list Tri križa (oko 1650.).
Povratak bludnog sina. 1669
Korišteni su materijali enciklopedije „Svijet oko nas“.
reference:
Rovinsky D. Kompletna zbirka Rembrandtovih otisaka, vol. 1–4. SPb, 1890
Rembrandt. Umjetnička kultura zapadne Europe XVII stoljeća. SPb, M., 1970
Egorova K.S. Rembrandt Garmens van Rijn. Umetnička djela u muzejima Sovjetskog Saveza [Album]. L., 1971
Egorova K.S. Portret u djelima Rembrandta. M., 1975
Pročitajte na:
Irina Nenarokomova. Rembrandt, (Dnevne novine za djecu).
izvođači (biografski referent).
Pročitajte više na webu:
web stranica http://rembr.ru/ - O nizozemskom umjetniku Rembrandtu Van Rijnu. Galerija slika, biografija umjetnika, knjiga i istraživanja o Rembrandtovom životu.
Veliki Nizozemac Rembrandt Harmenszoon Van Rijn rođen je 1606. godine u gradu Leiden. Nakon studija kao pripravnik, u dobi od 19 godina počeo je raditi kao samostalni umjetnik.
U njegovim prvim biblijskim skladbama primjetan je utjecaj talijanskog baroka: u oštrim kontrastima kiaroscura i dinamici kompozicije. No, ubrzo je Rembrandt pronašao svoj stil korištenja chiaroscura za izražavanje emocija u portretima.
1632. slikar se preselio u Amsterdam i oženio se bogatim patricijom. U tom je razdoblju bio posebno uspješan, poznat i sretan. A njegova su djela zasićena bogatim bojama i udišu radost. S voljenom suprugom piše sjajne vjerske skladbe, mnogo portreta i autoportreta.
Rembrandt je postao posebno poznat kao portretni slikar, naslikao je preko stotinu portreta i desetke autoportreta tijekom svoje karijere. Umjetnik je hrabro eksperimentirao u slici sebe u potrazi za posebnim izraznim licem.
Rembrandt je bio prvi koji je riješio problem dosadnih grupnih portreta kombinirajući prikazane ljude u zajedničku akciju, što je licu i figurama davalo prirodnu lakoću.
Umjetnika je proslavio grupni portret pod naslovom "Lekcija anatomije dr. Tulpa" (1632.), koji prikazuje čak ni redove pompoznih lica, već junake fascinantne priče, kao da ih je umjetnik uhvatio usred radnje.
Prema istraživačima, kruna Rembrandtovog talenta portretnog slikara je Night Watch (1642), prilagođeni portret streljačkog društva po mjeri. Međutim, kupci nisu prihvatili sliku, odbacujući inovativnu ideju, gdje je umjesto postrojenih u nizu strijelaca prikazan herojski sastav na temu oslobodilačke borbe. Strijelci, među kojima su bili uočljivi, ove su slike izgledale kao vanzemaljske i politički preuranjene.
Ovo odbijanje bilo je prvi tragični akord u umjetnikovom životu. A kad je voljena supruga umrla, Rembrandtovo djelo izgubilo je radosne note. 1640. godine postaju razdoblje mirnih biblijskih motiva, gdje umjetnik otkriva suptilnije nijanse emocionalnih iskustava likova. U svom rasporedu, chiaroscuros igra još elegantnije, stvarajući dramatičnu atmosferu.
U Danaeu (1647.) umjetnik je otkrio svoje estetske poglede na žensku ljepotu prkoseći renesansi. Njegova gola Danae naglašena je daleko od klasičnih ideala, ali senzualna i topla, poput žive žene.
Rembrandtovo razdoblje stvaralačke zrelosti padalo je u 1650-te - vrijeme teških životnih kušnji. Njegova imovina za dugove prodana je na aukciji, ali slikar praktički nije ispunio zapovijedi. Slikao je portrete bliskih, običnih ljudi i starih ljudi. Umjetnikova posebna pažnja uz pomoć mrlja raspršenog svjetla bila je koncentrirana na licima bogatih, ali teško uočljivih emocija i napetih ruku.
Rembrandt je biblijske slike tumačio na svoj način, jasno "slijećući" religiozne legende, lišavajući ih onostranog. Često je licima svetaca davao crte specifičnih ljudi koji su mu pozirali za slike.
Sredinom 1650-ih, slikar je postao pravi majstor, vješto osvajajući svjetlost i boju radi emocionalne izražajnosti slika. Ali živio je svoj život u siromaštvu i usamljenosti, sahranivši drugu ženu i sina. Nedavna umjetnikova djela posvećena su razmišljanju o sudaru zla u dobru čovjeka. Konačni akord bilo je remek djelo majstora - „Povratak zanosnog sina“, napisano 1669. godine, u godini umjetnikove smrti. Pokajajući se sin, klečeći, izrazio je čitavu tragediju čovjekova životnog puta, a na slici svog oca može se vidjeti sama ljubav i beskrajni oprost.
Pripisivanje Rembrandtovih slika nalijepljeno je prema najnovijim istraživanjima skupine autoritativnih znanstvenika o njegovom radu i ažurirano je tijekom studija koje su trenutno u tijeku. "Rembrandt Research Project" osnovan je 1968. godine i postavio je za cilj provjeru autentičnosti i pripadnosti majstora slika na temelju detaljnog proučavanja svakog koristeći najnovije umjetničke i tehničke dostignuća u ovom polju.
Raspored albuma i prijevod - Konstantin (koschey)
Biografija:
Rođen je u nizozemskom gradu Leidenu 1606. godine 15. jula. Rembrandtov otac bio je uspješan mlinar, majka je bila dobro pečena, ona je kći pekara. Prezime "Van Rajna" znači doslovno "s Rajne", odnosno iz rijeke Rajne, gdje su mlinovi stajali kod Rembrandovih pradjedova. Od 10 djece u obitelji Rembrandt je bio najmlađi. Ostala djeca slijedila su korake svojih roditelja, a Rembrandt je odabrao drugačiji put - umjetnost i školovao se u latinskoj školi.
U dobi od 13 godina Rembrandt je počeo učiti crtati, a upisao je i gradsko sveučilište. Dob tada nikome nije smetao, glavna stvar u to vrijeme bila je znanje na razini. Mnogi znanstvenici sugeriraju da Rembrandt nije išao na sveučilište da bi studirao, već kako bi primio odmazdu od vojske.
Rembrandtov prvi učitelj bio je Jacob van Svanenbürch, Budući umjetnik proveo je oko tri godine u svojoj radionici, a zatim se preselio u Amsterdam kako bi studirao kod Petera Lastmana. Od 1625. do 1626. godine Rembrandt se vratio u rodni grad i sprijateljio se s umjetnicima i nekim Lastmanovim učenicima.
Ipak, nakon mnogo razmišljanja, Rembrandt je odlučio da umjetničku karijeru treba učiniti u glavnom gradu Nizozemske, i ponovo se preselio u Amsterdam.
Rembrand se 1634. oženio Saskinom., U vrijeme braka svi su bili u dobrom stanju (kod Rembrandta, slikanjem, a Saskijevi roditelji ostavili su impresivnu ostavštinu). Dakle, to nije bio brak pogodnosti. Stvarno su strastveno i strastveno voljeli jedno drugo.
1635. - 1640. njegova supruga Rembrandtu rodila je troje djece, ali svi su umrli novorođenčad. Saskia je 1641. godine rodila sina, koji je dobio ime Tit. Dijete je preživjelo, ali, nažalost, i sama majka umrla je u dobi od 29 godina.
Nakon smrti supruge Rembrandta nije bio njegov, nije znao što da radi i pronašao je utjehu u crtanju. U godini kad mu je umrla supruga završio je sliku "Noćna straža". Mladi otac se nije mogao nositi s Titom i zato je angažirao dadilju za dijete - Gertier Dirks, koja mu je postala ljubavnica. Prošle su otprilike dvije godine, a dadilja u kući se promijenila. Postala je mlada djevojka Hendrickier Stoffels, Ali što se dogodilo s Gertierom Dirksom? Tužila je Rembrandta, smatrajući da je prekršio predbračni sporazum, ali ona je izgubila raspravu i poslana je u popravnu kuću, gdje je provela 5 godina. Oslobođena, umrla je godinu dana kasnije.
Nova dadilja Hendrikie Stoffels rodila je Rembrandtu dvoje djece. Njihovo prvo dijete, dječak, umrlo je u dojenačkoj dobi, a njihova kći Karnelia, jedina koja je preživjela svog oca.
Malo ljudi to zna Rembrandt je imao vrlo osebujnu kolekciju, koja je uključivala slike talijanskih umjetnika, razne crteže, grafike, razne poprsje, pa čak i oružje.
Rembrandtov zalazak sunca
Rembrandt je loše radio. Nema dovoljno novca, smanjio se broj narudžbi. Umjetnik je, dakle, prodao dio svoje kolekcije, ali ni to ga nije spasilo. Bio je na pragu odlaska u zatvor, ali sud mu je bio u prilog, pa mu je bilo dopušteno da proda svu svoju imovinu i otplati dugove. Čak je neko vrijeme još živio u kući koju više nije imao.
U međuvremenu su Tit i njegova majka osnovali tvrtku koja je trgovala umjetničkim predmetima kako bi nekako pomogla Rembrandtu. Istina, sve do kraja svog života umjetnik se nije mnogima isplatio, ali to nije narušilo Rembrandtovu reputaciju, ostao je vrijedna osoba u očima ljudi.
Rembrandtova smrt bila je vrlo tužna. Godine 1663. umro je voljeni umjetnik - Hendrikie. Nakon nekog vremena Rembrandt je sahranio sina Tita i svoju nevjestu. 1669., 4. listopada, on je sam napustio ovaj svijet, ali zauvijek je ostavio trag u srcima ljudi koji ga vole.
Povratak odmetničkog sina, 1669. Platno ulje, 262x206.
Možda niti jedno drugo Rembrandtovo platno ne nadahnjuje takve uzvišene osjećaje kao što je ova slika. Zaplet je preuzet iz Novog zavjeta. Isus govori prispodobu o sinu, koji od oca prima svoj dio imanja i polaže ga na drugu stranu, živeći nesnosno. Kad se, skupivši hrabrost, vrati kući, otac mu to odmah oprašta i prihvaća ga s radošću. Vjersko značenje prispodobe je ovo: bez obzira kako osoba griješi, kajanje će uvijek biti nagrađeno radosnim oproštajem. Ovdje se Rembrandt, po svemu sudeći, obvezao istražiti univerzalni značaj prispodobe. Kratko ošišana kosa na glavi bludnog sina i mutna odjeća govore sami za sebe, a ovratnik zadržava trag prošloga luksuza. Cipele su istrošene, bacio je jednu, klečeći pred ocem. Otac pritisne sina na prsa opraštajući mu. Karakteristično je da Rembrandt izbjegava sukob prispodobe: to govori o ljubomori poslušnog sina, iako možda stoji u sjeni iza oca.
Sveta obitelj i anđeli, 1645. Platno ulje, 117x91.
Državni pustinjački muzej, Sankt Peterburg
Ova slika, ispunjena nevjerojatnom nježnošću, potvrđuje Rembrandtov dar u tolikoj mjeri da se miješaju božansko i zemaljsko da više nije moguće povući crtu između njih. Majka Božja prekinula je čitanje kako bi ispravila veo na Bebi, ili možda kako bi prekrila Njegovo lice jakim svjetlom, dizajniranim da istakne Njegovu veličinu. Puna nježnosti, Marija se sagnula nad Isusom, istinskom majčinskom brigom, još jednom provjeravajući je li s djetetom sve u redu. Dijete spava snažno u pletenoj kolijevci, nesvjestan onoga što se događa okolo. U pozadini, Marijin suprug, stolar. Majka, dijete, čak i kolijevka - čisto nizozemski tipovi XVII stoljeća. Mogla bi to biti svaka obična obitelj, da nije bilo anđeoske djece koja lete s neba.
Povratak bludnog sina. Detalj, 1669.
Ulje na platnu, 262x206. Državni pustinjački muzej, Sankt Peterburg
Otmica Ganymede, 1635. Platno ulje, 171x130.
Galerija slika Dresden, Dresden
Sophonibus uzima zdjelu s otrovom, 1634. godine.
Platno ulje, 142x152. Muzej Prado, Madrid, Španjolska
Veličanstvena figura na ovoj slici vrlo podsjeća na Saskia, iako priča o Sofonibi ne odgovara baš mladoj supruzi. Sophoniba, kći kartuzijanskog zapovjednika Gasdrubala, živjela je u vrijeme kada je Kartaga vodila žestoki rat s Rimom. Kako bi učvrstio savez s Numidijancima, Hasdrubal je kćer predao kralju Sifaxu, ali poražen je od rimskog saveznika Masinissa, koji se odmah htio oženiti kraljicom. Kad su mu Rimljani zabranili ovaj brak, spasio je Sofonibu od daljnjeg ponižavanja, poslavši zdjelu s otrovom, koju je kraljica bez oklijevanja popila. Rembrandt možda nije ozbiljno shvatio ovu romantičnu priču, ali slika ipak prikazuje presudni trenutak i promišljanje radnji, donekle je usporediva s poznatijom i manje kazališnom Virsavijom
Bathsheba, 1654. Platno ulje, 142x142.
Muzej Louvre, Pariz, Francuska
Napisano je kad je umjetnik bio u jeku svog života. Mnogi stručnjaci vjeruju da je ta slika najveća od svih Rembrandtovih djela. Uobičajeno je smatrati portretiranu ljepotu Virsaviju koju je kralj David vidio i zaželio. Ona mu se preda i zamisli. Vrhunac slijedećih komplikacija bilo je ubojstvo supruga Bathsheba, kojeg je David poslao u sigurnu smrt. Priča je neugodna, a komentatori su drugačije objasnili osjećaje Bathsheba. No, kao što je to često slučaj s Rembrandtovim slikama, vjerojatno je pogrešno ulaziti u suptilnosti interpretacije. Možda je dovoljno reći da Bathsheba žalosno razmišlja o svojoj sudbini. Kompozicija uvelike ponavlja antički reljef, koji prikazuje mladenku kako se priprema za vjenčanje. Rembrandt je golu Bathshebu naslikao i dao toj slici izrazitu emotivnost. Model za Bathsheba vjerojatno je bila Rembrandtova djevojka Hendrikje Stoffels.
Simeon u hramu, 1669. Platno ulje, 98x79.
Stockholm, Nacionalni muzej
Iako je ovaj naručeni posao započeo 1661. godine, ostao je nedovršen u Rembrandtovoj radionici do njegove smrti 1669. Slika je napisana na zapletu istinitog proročanstva. Starješini Simeon bilo je predviđeno da "neće vidjeti smrt dok ne vidi Krista. Gospodinova. " I konačno se sreo s njim kad su Marija i Josip doveli Isusa u hram. Rembrandt je već stvorio izvrsnu prilagođenu verziju na ovu temu (1631). Tamo se radnja odvija pod visokim lukovima hrama, a sam rad izvodi se detaljno, karakteristično za razdoblje mladosti, uspjeha i slave. Ovdje je posebno vidljiv slobodan način pisanja posljednjih godina, jer rad nije završen, mada je to jedva bitno: sve je usredotočeno na trenutak kada polu-slijepi starac stisne zamotanu Bebu u naručje - prizor pun beskonačne nježnosti.
David i Uriah, 1665. Platno ulje, 127x117.
Državni pustinjački muzej, Sankt Peterburg
Ni datum pisanja, kao ni zaplet ove prekrasne slike raspoložene raspoloženjem nisu tačno poznati, što je postalo razlog za razne pretpostavke. Prema jednoj verziji, ovo je djelo povezano s "Artaxerxesom, Amanom i Esterom". Vjeruje se da to prikazuje uklanjanje Hamana s posla ili trenutak kada on dobije od kralja dozvolu za istrebljenje svih Židova. Ovaj argument potkrijepljen je dokazima da su obje slike prikazi iz predstave postavljene 1659. godine i da se ne temelje izravno na biblijskom izvoru. Ovdje, naravno, postoji nešto kazališno, ali, osim nedosljednosti u detaljima, navodne zaplete ne odgovaraju raspoloženju skrivene tuge koju slika nadahnjuje. Stoga je legitimno vratiti se na staru verziju. U ovom slučaju lik u crvenoj boji je suprug zavedenog Bathsheba Urija, kojeg David, zabrinut kajanjem, šalje u sigurnu smrt.
Spuštanje s križa. 1634. Ulje na platnu, 158x117.
Državni pustinjački muzej, Sankt Peterburg
Spuštanje s križa čest je zaplet u europskom slikarstvu. Po tradiciji Majka Božja, nekoliko učenika Isusa i Josipa iz Arimateje zastupljeno je među prisutnima. U 30-im godinama Rembrandt je naslikao niz slika na temu Muke Gospodnje, uključujući „Uzvišenje križa“ i „Spuštanje s križa“ za nizozemski službenik Frederic Hendrick. Dimenzije ove slike su veće, ton je bogatiji. Napisana je nekoliko mjeseci kasnije, a sam umjetnik zadržao je sve do 1656. godine, kada je bankrotirao. Slomljena Kristova figura bila je preplavljena jakom svjetlošću, Majka Božja izgubila je osjetila, na zemlji su ležali luksuzni plahti u kojima će Ležati dok ne bude uskrsnuo.
Žrtva Abrahamova, 1635.
Platno ulje, 193h133. Državni pustinjački muzej, Sankt Peterburg
Ovo je jedan od najdramatičnijih trenutaka Starog zavjeta. Abraham je, prema zapovijedi odozgo, spreman žrtvovati svog jedinog sina Izaka Bogu i već je napravio nož nad njim obvezan da ga ubo za žrtvu paljenicu. Na slici Isaac leži na oltaru na vrhu drva za ogrjev. U Svetom pismu anđeo Gospodnji poziva Abrahama, koji je prošao test poslušnosti Bogu, i naređuje mu da prestane. Rembrandt pojačava dramu onoga što se događa: na slici je anđeo zgrabio Abrahama četkom i nož pada. Prizor pobjeđuje uvjerljivo i zato što je Abrahamov veliki dlan prekrio lice njegovog sina, Isaacova glava je odbačena natrag i čini se da će mu nož gurnuti u grlo. U Münchenu se za ovu parcelu zadržava još jedna opcija, ali ona može pripadati Rembrandtovoj četki samo djelomično.
Blagdan Belšazara. 1635. Ulje na platnu, 168x209.
Londonska nacionalna galerija
Velika platna s kazališnim efektima bila su popularna u Nizozemskoj za vrijeme Rembrandtovog života. Blagdan Belshazzar pokazuje kako je umjetnik umjetnički interpretirao takve teme. Babilonski kralj Belshazzar opisan je u starozavjetnoj knjizi proroka Danijela. Na prepunoj gozbi naredio je donošenje zlatnih i srebrnih posuđa koje je njegov otac Nabukodonozor uzeo iz svetišta jeruzalemskog hrama. Kralj je naredio da posude napune vinom za svoje plemiće, žene i samostane. Kad se dogodilo to bogohuljenje, iznenada se pojavila tajanstvena ruka i izgrebala čudne riječi na zidu: "Mene, mene, tekel, uparsin." Daniel je rekao kralju da su značili njegovu smrt; predviđanje se ostvarilo te noći. U Rembrandtovoj slici istražuju zadivljenje i strah, ojačani vinom prolivenim iz svetih posuda, što je također simbolično. Natpis napravljen na hebrejskom je iznenađujući, zbog posebnog rasporeda slova kojima se sjeća susjeda Rembrandta, Židova Manassea bin Izraela, s kojim je, kao što znate, umjetnik održavao odnose.
Susanna i starješina, 1647. Mahagoni, ulje, 77x93.
Muzej Staatlich, Berlin, Njemačka
Povijest Susanne seže do apokrifa, skupa biblijskih spisa čija je autentičnost odavno dovedena u pitanje. Međutim, to nije spriječilo umjetnike - katolike i protestante - u stvaranju dramatičnih i erotskih slika šarma na ovu temu. Kad Susanna krene u kupaonicu u svom vrtu, dva staraca izlaze iz skloništa i počinju je nagovarati na grijeh, prijeteći da će, ako ona ne podijeli krevet s njima, poreći da je počinila preljub s drugom osobom. Susanna to odbije, a starješine joj kažu da se uzme u pritvor, ali intervencija proroka Daniela spašava vrlinsku ljepotu. Rembrandt je ovu sliku započeo sredinom 30-ih, ali je prodana tek 1647. godine. Susanna uzaludno pokušava prikriti svoju golotinju više je ljuta nego uplašena, ali starac, skidajući veo s nje, zadivi točnošću opažanja. Sandale bačene na obalu, čini se, bili su rječiti erotski simboli u nizozemskoj umjetnosti XVII stoljeća.
Sveti Matej i anđeo, 1661.
Ulje na platnu, 96x81. Muzej Louvre, Pariz
Jedan od niza portreta apostola naslikanih u ranim 60-ima. Za razliku od drugih jednocifrenih portreta, ovdje iza apostola prikazan je anđeo koji nadahnjuje Mateja da piše Evanđelje. Anđeo jako podsjeća na Tita, koji mu je mogao biti uzor, ali apostol po izgledu očito nije Rembrandt. Osim religioznog značenja, slika izrazito prenosi kontrast između mladosti i starosti, iako su po dizajnu uloge suprotne. Mladić nalik anđelu, smiren, samopouzdan, utješi Matthewa, stavljajući ruku na staricovo rame. Sveti Matej je izgubljen u mislima, ruka mu otečenih vena povlači bradu. Knjiga teško da je točna reprodukcija drevnog rukopisa, ali napisana je stručno.
Arhanđeo napušta obitelj Tobias, 1637.
Ulje na drvu, 66x52. Muzej Louvre, Pariz
Krist i žena osuđena za preljub, 1644.
Ulje na drvu, 84x66. Nacionalna galerija u Londonu
Ovaj spektakularni rad daje dojam ukrasa i, možda, napisan je na zahtjev bogatog kupca. Središnja skupina detaljno je prikazana savršena cjelovitost, iz koje se Rembrandt postupno udaljava od 40-ih. Bujni ukras crvene i zlatne boje svojim sjajem podsjeća na baroknu palaču, mada je u stvarnosti prikazan jeruzalemski hram. Pisari i farizeji doveli su Isusa ženu oduzetu u preljubu. Nadajući se da će uhvatiti Isusa, pitali su je li potrebno kamenovati takav kamen, kako je propisano Mojsijevim zakonom. Isus odgovori: "Tko je bez grijeha, neka prvo baci kamen na nju." Stidljivi prigovori su otišli, a Isus je rekao ženi da ode i nastavi da ne griješi. Slika se temelji na dramatičnim kontrastima: Isus obučen u jednostavne smeđe haljine sa svojim učenicima, šarmantan sramni grešnik, pismoznanci i farizeji u luksuznoj odjeći.
Samson i Delilah, 1628. Hrast, ulje, 61x50.
Muzej Staatlich, Berlin
Krist u Emausu, 1648.
Ulje na platnu, 42x60. Muzej Louvre, Pariz
Jedna od Rembrandtovih najdražih priča, koja se temelji na epizodi iz Evanđelja po Luki. Nakon što je Isus bio razapet, dva njegova učenika uputila su se u Emaus, selo u blizini Jeruzalema. Neznanac im je prišao, pošao s njima, čitavo pismo objasnio i podijelio s njima obrok u kući u koju su došli. Kad je slomio kruh i poslužio ih, otvorile su im se oči i prepoznali su Isusa koji je uskrsnuo od mrtvih, ali On im je odmah postao nevidljiv. U ranoj verziji ove slike (oko 1629.) Rembrandt je dramatično prikazao trenutak otkrivenja: Isusovu siluetu i učenike, kao da ih je pogodila munja. Također naglašava prirodnost, ljudskost onoga što se događa: samo prigušeni oreol iznad Isusove glave i entuzijastičan pogled usmjeren prema gore ukazuju na Njegovu božanstvenost, koju očito dječak sluge ne primjećuje.
Nevjera apostola Toma, 1634. ulje na drvu, 53x51.
Muzej likovnih umjetnosti nazvan Pushkin, Moskva
Sveti Toma, jedan od Kristovih dvanaest učenika, nekoliko se puta spominje u Novom zavjetu. Rembrandt je prikazao poznatu epizodu iz Evanđelja po Ivanu. Nakon što je uklonjen s križa, Isus se, obraćajući se učenicima, otkriva rane. Thomasa nije bilo, a kad su mu drugi učenici rekli što su vidjeli, Thomas im je odbio vjerovati govoreći: „Ako ne vidim Njegove rane od noktiju na rukama i stavim prst u nokte, neću staviti ruke u njegova rebra, neću vjerovati. " Osam dana kasnije, prema Ivanu, Isus se ponovo pojavio svojim učenicima i naredio Toma da ga dodirne ranama. Uvjereni Toma prepoznao je Gospodina Boga u Isusu. Rembrandt je prikazao noćni prizor: sjaj koji je isijavao od Isusa čini se jedinim izvorom svjetlosti iz kojeg se vjerni Toma uklanja u posramljenosti.
Mojsije s pločama zakona, 1659.
Ulje na platnu, 169x137. Muzej Staatlich, Berlin
Zakonodavac Mojsije upravo je sišao s brda Sinaj s dvije ploče kamena, "na kojima je bio napisan prst Božji" iz Deset zapovijedi. Ovo je nesumnjivo svečani događaj, ali teško je biti siguran je li prikazan trenutak trijumfa ili bijesa ovdje, kad je Mojsije, vidjevši kako sinovi Izraelovi obožavaju zlatno tele, bacio tablete s njegovih ruku i razbio ih pod planinom. Ova je slika možda naručena za voditelja nekog ceha i namijenjena je ukrašavanju kamina u amsterdamskoj gradskoj vijećnici.
Josip, koji je uhvatio Potifarovu ženu, 1655. Platno ulje, 106x98.
Nacionalna umjetnička galerija, Washington
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn. Portret starca u crvenoj boji, 1654. god.
Ulje na platnu, 108x86. Pustinjak, Sankt Peterburg
Portret Saskia na slici Flore, 1634. Platno ulje, 125x101. Pustinjak, Sankt Peterburg
Ovaj šarmantni portret mlade Saskia naslikao se te godine kada se udala za Rembrandta. Zanosno, ali nesumnjivo sretno lice djevojke u potpunosti se podudara s osjećajima mladenke. Glava i štap upleteni u cvijeće, naravno, upućuju na Floru, staru rimsku božicu proljeća. Odjeća božice napisana je nevjerojatnom vještinom, no prava veličina Rembrandtovog talenta očituje se u izrazu nježnosti koji joj je umjetnik dao lice. Godinu dana kasnije, on je ponovno naslikao Saskia u liku Flore - također poznato djelo, iako je rendgenski snimak pokazao da ga je isprva namjeravao prikazati kao biblijsku Juditu s odrezanom glavom Holofernesa, koju drži u krilu.
Portret starice, 1654. Platno ulje, 109x84. Pustinjak, Sankt Peterburg
Portret Jana Sixxa, 1654. Platno ulje, 112x102. Amsterdam, Sixova zbirka
Možda najbolje od Rembrandtovih portreta. Savršeno kombinira točnost i prodornost. Neki detalji portreta pažljivo su ispisani, dok su drugi hrabro označeni kao u prolazu. Uočljivi su gumbi na kaftanu i zlatni vez na luksuznom crvenom ogrtaču, ali pogled nehotice počiva na rukama oslikanim energičnim potezima; Šest polako vuče rukavicu - koliko pokreta umjetnik dovodi do nje! Lice također privlači pažnju, posebno samo-upijani izgled koji ne odgovara sasvim društvenom izgledu Šestorke. Kupac je u svom dnevniku spomenuo ovaj portret: "Imao sam takvo lice, Jan Six, koji je od djetinjstva obožavao muze." Sixx je doista pisao poeziju i skupljao umjetnička djela, ali bio je i bogat snalažljivi trgovac. Do sredine 50-ih Rembrandt je izvršavao mnoge narudžbe za njega.
Židovska mladenka, 1665. Platno ulje, 122x164. Muzej Ricks, Amsterdam
Uobičajeni naziv "Židovska mladenka" temelji se na starom, sada odbačenom tumačenju, koje se pojavilo u XIX stoljeću. S gotovošću se može reći da žena nikako nije nevjesta i nije Židovka, osim što je prikazana u imaginarnom, pseudo-biblijskom stilu karakterističnom za Rembrandtova povijesna platna. Umjetnik je održavao odnose s amsterdamskom židovskom zajednicom, često slikao portrete Židova, zbog čega su istraživači iznijeli niz neutemeljenih pretpostavki. Sljedeće su verzije danas popularne (ukupno ih je bilo oko 12): imamo kazališnu pozornicu ili epizodu iz Biblije, a zaplet je sljedeći: Isaac, živi s Filistejcima, javno naziva svoju sestru Rebeku sestrom i usuđuje je zagrliti samo u trenucima samoće. Ono što je zaista važno: ovo dvoje je povezano dubokom ljubavlju. Slika je jedno od remek-djela kasnog Rembrandtovog razdoblja, koju karakteriziraju crveni i zlatno smeđi tonovi. Odjeća je na nekim mjestima napisana brzim potezima, tonovi dostižu svjetlosnu zasićenost, iznenađujuće tople boje i istovremeno nedovoljni, što samo pojačava emocionalnost prizora.
Noćna straža, 1642. Platno ulje, 363x437. Muzej Ricks, Amsterdam
Ova, najpoznatija Rembrandtova slika posljednja dva stoljeća poznata je kao Noćna straža. Moderna analiza slojeva boje otkrila je da je to izvorno scena dana, ali ime se već postalo poznato i nije ga bilo moguće promijeniti. Na slici ceh lokalnih strijelaca djeluje pod vodstvom kapetana Fransa Bunga Coca (u crnoj odjeći). Nekoliko desetljeća prije, strijelci su formirali značajan odred dobrovoljaca koji su pomogli obraniti zemlju od prijetnje španske invazije, ali do 40-ih godina se mnogo toga promijenilo: sada su se ugledni prosperitetni građani ujedinili. Umjetnik je u prikazani prikazao junačke elemente, kao da oživljava prošlo domoljublje. Prenosi se atmosfera takvih povorki s mahanjem zastava, bubnjevima, utovarivanjem mušketa. "Noćna straža" je grupni portret koji su platili sve prikazane strelice, ali Rembrandt ga je promijenio: uveo je slučajne promatrače koji mu nisu ništa platili; kao rezultat, portret se pretvorio u višebojnu scenu uličnog okupljanja-rušenja zbunjenim pokretom i osebujnom rasvjetom.Slika je izrezana sa strana, posebno s lijeve strane, što donekle krši kompoziciju
Obiteljski portret, 1666.-68., Ulje na platnu, 126x167. Ulrich Muzej vojvode Antona, Braunschweig
Portret sindikata trgovine rukotvorinama, 1662. Ulje na platnu, 192x279. Muzej Ricks, Amsterdam
Slika je poznata pod nazivima: "Sindiki", "Starješine tkanine"; obje nisu u potpunosti točne i povezane su s osnivanjem Ceha klase Cloth, dizajniranog za odabir uzoraka tkiva i provjeru njihove kvalitete. Ovo je posljednji grupni portret koji je stvorio Rembrandt. Karakteristično, naglašeno raspoloženje postiže se činjenicom da nas službenici gledaju izravno dolje, a gledatelj ima osjećaj da on i on izgledaju unakrsno ispitivani i optuženi za nešto. Zapravo je to stajalište vjerojatno odobrio i sam kupac, jer je slika trebala visiti iznad kamina u glavnoj zgradi ceha u skladu s prethodnim grupnim portretima. Tradicionalno su prikazivali pet sjedećih službenika i slugu koji je stajao iza. Rembrandt je oživio sastav, promijenivši tradiciju: jedan se službenik diže sa svog mjesta, kao da daje znak da je sastanak završen.
Autoportret sa Saskijom u krilu, 1635.
Ulje na platnu, 161x131. Dresdenska galerija
Veseli gospodin s djevojkom na koljenima drži čašu u ruci. Na svečanom stolu je pita od paunova. Blagdani su sjedili leđima publici, sad su okrenuli lice da piju za naše zdravlje. Iznenađujuće, vrlo se malo zna o ovom djelu. Neosporno je, posebno, autorstvo Rembrandta, postoje dokazi da ga je zadržao na svom mjestu, ne želeći ga prodati, jer mu je, možda, slika bila draga. Često je zovu i "Autoportret sa Saskijom u krugu". Možda je par priredio maskaru radi zabave, prateći modne prizore iz dvorskog života ili možda slaveći svoje bogatstvo. Međutim, postoji i druga verzija: slika navodno prikazuje bludnog sina, trošeći nasljedstvo. U ovom slučaju, gledajući smiješan prizor, teško možemo nagađati kako će se ova priča završiti (pogledajte sliku o povratku bludnog sina)
Portret Nikole Van Bambeka. 1641.
Ulje na platnu, 106x84. Kraljevski muzej likovnih umjetnosti, Bruxelles
Nicholas Van Bambek i sam je bio umjetnik, ali, kako je sa žaljenjem rekao jedan od njegovih prijatelja, bogato nasljedstvo umanjilo je njegovu ambiciju i na kraju nije ispunio očekivanja. No, Nicholas je zaštitnički pokrenuo Rembrandta, kupio od njega „znanstveni spor“ i platio pozira za njegov portret. Van Bambek i njegov prijatelj, državni tajnik Maurits Hagens, očito u Haagu, naručili su Rembrandtove portrete. Prijatelji su odlučili: ako jedan od njih umre, njegov portret trebao bi otići preživjelom, a 1641. godine nakon Bambekove smrti, slika oporuke prešla je u Hagens. Na portretu punom ljubaznosti i suosjećanja de Gein izgleda samouvjereno, ponosna osoba. Meko difuzno svjetlo povoljno naglašava njegovu figuru i teksturu bijelog ovratnika i rukava haljine. Ipak, još jedan Rembrandtov zaštitnik, Mauritov brat Constantine Hagens napisao je najmanje osam pjesničkih redaka u kojima se požalio da portret nema nikakve veze s originalom
Frederick Richelle na konju, 1663.
Platno ulje, 282x248. Londonska nacionalna galerija
Žena za kupanje, 1654. Ulje na drvu, 62x47.
Nacionalna galerija, London
Jedan nehotice moli za usporedbu s Bathshebom, koja je napisana u isto vrijeme i gotovo sigurno prikazuje isti model - Hendrikje Stoffels. Asocijacije s kupanjem čak izazivaju Susannu, ali ovakva veza može samo značiti da je Rembrandt bio ovisnik o takvim temama i pronašao u njima povod za izražavanje erotike. Iako je prikazana što je moguće više nemoguće nazvati biblijskim povijesnim likom, ona sigurno nije iz jednostavnog imanja, sudeći po luksuznom odijelu koji leži na obali. Očito se radi o skici. Napisana je brzim, plitkim potezima, što se može vidjeti čak i na slici nogu, ali, prije svega, majicama. Međutim, Rembrandt se sigurno ponosio na ovo djelo, jer je potpisano i datirano.
Hendrickier Stoffels kod prozora, 1656.
Ulje na platnu, 86x65. Muzej Staatlich, Berlin
Stariji muškarac u krznenom šeširu, 1630. Ulje na drvu, 22x18.
Nacionalni tirolski muzej Ferdinandeum, Innsbruck
Portret mladog Saskia, 1633.
Hrast, ulje, 53x45. Nacionalna galerija u Drezdenu
Čitajući Tita, sina umjetnika, 1657.
Ulje na platnu, 71x64. Povijesna Kunstkamera, Beč
Tit, rođen 1641. godine, jedino je dijete Rembrandta i Saskia koji nisu trpjeli smrt u dojenačkoj dobi. Ovdje nema više od petnaest godina; svi Rembrandtovi portreti njegova sina, puni nježne ljubavi, ukazuju na prijateljsko, krotko raspoloženje dječaka. Tit je imao važnu ulogu u umjetnikovom životu, budući da je bio nasljednik države Saskia, koju je Rembrandt prodao samo privremeno, kao i odvjetnikov otac. Godine 1660. Titus i Hendrikier stvorili su tvrtku koja je uključivala Rembrandta. To je učinjeno tako da zarada umjetnika nije pala u ruke vjerovnika. Nakon smrti Hendrikje, Tit je nastavio s ocem. Godine 1665. dostigao je punoljetnost, a ako je po zakonu počeo upravljati Saskijinim novcem, onda mu je, naravno, bila financijska potpora u obitelji. U veljači 1668. Tito se oženio, ali umro je sedam mjeseci kasnije u dobi od dvadeset i šest godina.
Portret Tita, sina Rembrandta, 1657.
Ulje na platnu, 69x57. London, Wallace Collection
Aristotel s poprsjem Homera, 1653.
Ulje na platnu, 144x137. Muzej umjetnosti Metropolitan, New York
Čovjek u zlatnoj kacigi, 1650.
Ulje na platnu, 68x51. Muzej Staatlich, Berlin
O ovom vojniku nema se što reći, međutim, slika je oduvijek bila popularna. Ono što dijelom objašnjava njezin šarm, jest kontrast poliranog prsnog kovčega cuirass, kacige izvrsnog rada (naravno, ceremonijalne, ne vojne) i tmurno-melankolični izraz na njezinom licu. Takav je kontrast uobičajen s Rembrandtovim autoportretima; možda su zbog toga počeli vjerovati da je ovdje prikazan brat umjetnika. U stvari, mnoga su tijela odbila priznati autorstvo Rembrandta; njihove sumnje potvrdile su istraživanja u okviru istraživačkog programa za kreativnost Rembrandt, koji je financirala nizozemska vlada. "Starac u kacigi" samo je jedna od "žrtava" Programa, što je veliki dio djela pripisao Rembrandtovim učenicima i sljedbenicima.
Samoubojstvo Lucretia, 1666. Ulje na platnu, 105x93.
Institut za umjetnost, Minneapolis
Lucretijino samoubojstvo spominje se u drevnoj rimskoj legendi o uzrocima pada monarhije i uspostavljanju republike. Lucrezia, nečasni sin rimskog cara Tarquiniusa, govori mužu o svojoj sramoti. Poziva na osvetu, a zatim nameće ruke na sebi. Taj zaplet često koriste umjetnici i pisci. Krajem šesnaestog stoljeća, prije nego što je postao poznat u kazalištu, Shakespeare je napisao veliku pjesmu, "Nečasni Aucretius". Rembrandtovi kistovi pripadaju dvije slike na ovu temu. Lucretius je početkom (1664.) držao nož i pripremao se za smrt. Ovdje je već nanijela smrtnu ranu na sebi, kao što se vidi po raširenom mrlju krvi na tankoj košulji. I dalje se drži ravno, zgrabivši je za zvono na trenutak, traži podršku, korisna je spoznaja koja omogućuje modelu da dulje vrijeme drži ruku u uzdignutom položaju, ali smrtonosna blijeda lica ukazuje da je kraj blizu.
Portret Hendrickier Stofells, 1659.
Ulje na platnu, 68x80. Nacionalna galerija u Londonu
Učitelj, 1631. Ulje na platnu, 105x91.
Pustinjak, Sankt Peterburg
Poljski konjanik, 1655.
Ulje na platnu, 115x135. Frick Collection, New York
Tajanstvena, romantična figura mladog konjanika izazvala je više polemike nego bilo koja druga Rembrandtova slika, čije je kontroverzno autorstvo samo jedna od nejasnoća povezanih s ovim djelom. Šešir i kaftan obloženi krznom izgledaju kao istočnoeuropski, ali možda je ovo samo još jedan izlet u kazališnu maskenbal. Ako je tako, onda slika nije povezana s Poljskom u zavjeri, već samo zato što su je kasnije stekli Poljaci. S druge strane, intrigantna je činjenica: 1654. u Amsterdamu je objavljen pamflet pod nazivom "Poljski konjanik" u obranu od radikalne sekte socijalaca. Mnogo je dokaza da je Rembrandt ponekad simpatizirao sektaštvo. Još jedna misterija: konj je vrlo neuvjerljiv. To se može riješiti dodjeljivanjem autorstva slike nekom Rembrandtovom studentu, na primjer, Williamu Drostu. Dakle, povjerenstvo Programa odlučilo je, ali njegovo je istraživanje dovelo do požara kritike i 1993. godine Program je prestao s radom.
Lekcija anatomije dr. Nicholas Tulp, 1632.
Ulje na platnu, 170x217. Maurits House, Haag
Rembrandtova slika temelji se na predavanju koje je dr. Nicholas Tulp održao u siječnju 1632. Iako se umjetnik preselio u Amsterdam tek malo prije, već je dokazao da može sjajno obaviti posao, naslikao je nekoliko veličanstvenih portreta, nakon čega mu je naručena “Lekcija anatomije”. Možda je presudnu ulogu odigrala zaštita Hendricka van Eilenburha, od koga je prenoćio Rembrandt. Eilenbuhr je prethodno uspješno prodavao slike, pokroviteljski i stvarajući ime mladim umjetnicima. Rembrandt mu je postao posljednji štićenik. Nizozemska škola bila je poznata po grupnim portretima, a ovaj je bio namijenjen kao poklon dr. Tulpu, a njegovi kolege su očekivali da se na slici pojave u najpovoljnijem svjetlu. Slikar se sjajno izborio s tim zadatkom: prenio je individualnost svakog i kombinirao kompoziciju: Tulip drži predavanje, a slušatelji profesionalno zanimaju kako leše pogubljenog kriminalca. Zahvaljujući "Lekciji anatomije" Rembrandt je odmah stekao slavu.
Portret Saskia u veličanstvenoj haljini, 1642.
Ulje na platnu, 100x79. Kassel, Staatlich muzej
Rembrandtov autoportret, 1661. Platno ulje, 114x91.
Kenwood House, London, engleska baština
Rembrandt je odredio pravilo pisanja autoportreta, ali rijetko je sebe predstavljao na poslu. Zapravo, ovo je drugi u nizu autoportreta u kojima se pojavljuje s štapićem, kistovima i masturbacijom, a koje slikari koriste kao potporu za ruku. Svjetlost u pozadini neobična je tehnika neophodna da gledatelj vidi zakrivljene crte na zidu iza portreta. Mnoga su objašnjenja ponuđena na tu temu; Danas, popularna verzija: ove su crte poveznica s djelima legendarnih umjetnika poput Apellesa i Giotta, koji su pokazali svoje umijeće crtajući jednu savršeno ispravnu liniju ili krug. Ako je ovo objašnjenje istinito, autoportret potvrđuje umjetnikovo pravo da se smatra istinskim majstorom svog vremena.
Autoportret umjetnika na štafeti, 1660.
Ulje na platnu, 111x90. Muzej Louvre, Pariz, Francuska
Autoportret Rembrandta, 1659. Platno ulje, 85x66.
Nacionalna umjetnička galerija, Washington, SAD
Autoportret Rembrandta, 1669. Platno ulje, 86x71.
Nacionalna galerija u Londonu, Velika Britanija
Poput autoportreta na slici Zevkisa, i ovaj je naslikan u posljednjoj godini života. Istina, ovoga puta nema crnog humora na vidiku, nema otvorenih aluzija na približavanje smrti. Rembrandt se ni u jednom autoportretu ne čini tako krotko podložan sudbini. Stariji umjetnik obučen u jednostavnu haljinu, stisnuvši ruke, gleda nas, ne pitajući ništa, ne žaleći se ni za čim. Očito više nije suđeno otkrivati \u200b\u200bje li smrt Tita u rujnu 1668. ubrzala njegov kraj. U svakom slučaju, trinaest mjeseci kasnije, 4. listopada 1669., umro je u svojoj kući u Rosengrachtu, a imao je samo 63 godine. Četiri dana kasnije pokopan je na amsterdamskom groblju u Westerkerku. Rembrandtov grob izgubljen je, ali njegova će djela živjeti zauvijek.
Autoportret u slici Zeusxis, 1665. Platno ulje, 83x65.
Muzej Walfraf Richtharts, Köln, Njemačka
Rembrandt je pisao iz različitih uglova, u svim vrstama znakova. Ponekad je ocjenjivao trijezan pogled primjećujući znakove starosti na plavom, mršavom licu, ali često se volio zamišljati na raznim slikama: oblačio se kao ratnik u oklopu, zatim impozantni kralj ili apostol Pavao. Ovdje možete vidjeti značajke oba stila. Prikazan je slabi starac, vremenski raskriljan gotovo neprepoznatljivo lice, puno više nego na autoportretu iste godine. Navodno je na rubu smrti. Ali nemojte zaboraviti da je ovo portret Zeusxisa, drevnog grčkog umjetnika. On je, kao što znate, napisao staricu naboranom licu, a slika ju je toliko zabavila da se smijao bez prestanka, sve dok nije umro. Spojni element ovdje je, naravno, smrt, a ako je ovaj autoportret šala, onda je pun crnog humora.
Autoportret, 1629. Ulje na drvu, 16h13.
Pinacoteca Alta, München
Autoportret, 1659. Platno ulje, 85x66.
Washington, Nacionalna umjetnička galerija
Autoportret. 1658. Ulje na platnu, 134x104.
Frick Collection, New York
Autoportret u baršunastoj beretki, 1634.
Ulje na platnu, 58x48. Muzej Staatlich, Berlin. Njemačka
Do 1634. Rembrandt je već napisao nekoliko autoportreta, a trebalo bi stvoriti još mnogo toga. Nijedan umjetnik nije čitavoga sebe proučavao tako radoznalo, razmišljajući o starosti, nagomilanom iskustvu, uspjesima i neuspjesima. Čini se da je ovdje naglasak na uspjehu. Odjeven u crni baršun i skupo krzno, mladi modni umjetnik samouvjereno gleda gledatelja. Ipak, ovo je teško glorificiranje bogatstva i saučešće. Rembrandtov pogled već pokušava shvatiti tajnu postojanja. Dvadeset osmogodišnji umjetnik očito je ista osoba kao i pedesetpetogodišnji majstor koji je izazivao, kao i šezdeset trogodišnji starac, koji je na rubu smrti, koji je proživio tuge i nevolje (Autoportret u obliku Zeuskisa). Duhovno srodstvo autoportreta posebno je impresivno ako se sjetite da ovdje Rembrandt još nije postigao vrhunac uspjeha i upravo se želi vjenčati, ne shvaćajući koja su mu iskušenja u budućnosti. - Objavio |
