Najpoznatiji japanski umjetnici i njihove slike. Nastanak europskih stilova
Pozdrav dragi čitatelji - tragaoci za znanjem i istinom!
Japanski umjetnici odlikuju se svojim jedinstvenim stilom, kojeg su usađivale generacije majstora. Danas ćemo govoriti o najistaknutijim predstavnicima japanskog slikarstva i njihovim slikama, od starih do modernih vremena.
Pa, uronimo u umjetnost Zemlje izlazećeg sunca.
Podrijetlo umjetnosti
Drevna umjetnost slikarstva u Japanu prvenstveno je povezana s osobinama pisanja i stoga se temelji na načelima kaligrafije. Prvi uzorci uključuju ulomke brončanih zvona, posuđe, predmete kućanstva koji su pronađeni tijekom iskopavanja. Mnogi od njih bili su obojeni prirodnim bojama, a studije daju razloga vjerovati da su proizvodi izrađeni ranije nego prije 300. godine prije Krista.
Dolaskom u Japan počeo je novi krug razvoja umjetnosti. Na emakimonou - posebnim papirnatim svitcima - prikazana su božanstva panteona budizma, prizori iz života Učitelja, njegovih sljedbenika.
Prevladavanje religioznih tema u slikarstvu može se pratiti u srednjovjekovnom Japanu, naime, od 10. do 15. stoljeća. Jao, imena umjetnika tog doba nisu se očuvala do današnjih dana.
U razdoblju od 15-18 stoljeća počinje novo vrijeme koje karakterizira pojava umjetnika s razvijenim individualnim stilom. Označili su vektor daljnjeg razvoja likovne umjetnosti.
Svijetli predstavnici prošlosti
Napeti Šubun (početak 15. stoljeća)
Da bi postao izvanredan majstor, Shubun je proučavao tehniku \u200b\u200bpisanja kineskih sunitskih umjetnika i njihov rad. Nakon toga, postao je jedan od osnivača slikarstva u Japanu i tvorac sumi-e.
Sumi-e je umjetnički stil koji se temelji na crtežu s tintom, što znači da je u jednoj boji.
Shubun je učinio puno da se novi stil ukorijeni u umjetničkim krugovima, podučavao je umjetnost drugih talenata, među kojima su bili budući poznati slikari, na primjer Sesshu.
Shubun-ova najpopularnija slika naziva se Čitanje u bambusovoj šumi.
"Čitanje u bambusovoj šumi" Tense Shubun
Hasegawa Tohaku (1539.-1610.)
Postao je tvorac škole koja je nazvana po sebi - Hasegawa. U početku je pokušao slijediti kanone Kano škole, ali postupno je njegov pojedinačni "stil" počeo pratiti u djelima. Tohaku se vodio prema rasporedu Sesshua.
Osnovu rada činili su jednostavni, sažeti, ali realistični pejzaži s nekompliciranim imenima:
- "Pines";
- "Maple";
- "Bor i cvjetnice."
Borovi, Hasegawa Tohaku
Braća Ogata Korin (1658.-1716.) I Ogata Kenzan (1663.-1743.)
Braća su bila veliki majstori 18. stoljeća. Najstarija - Ogata Korin - potpuno se posvetila slikanju i utemeljila žanr hrpta. Izbjegavao je stereotipne slike, preferirajući impresionistički žanr.
Ogata Korin slikala je prirodu općenito, a cvijeće posebno u obliku svjetline apstrakcija. Njegovi kistovi pripadaju slici:
- "Šljiva šljiva crvena i bijela";
- "Valovi Matsushime";
- „Krizanteme”.
Matsushima valovi Ogata Korin
Mlađi brat Ogata Kenzan imao je mnogo pseudonima. Iako se bavio slikarstvom, više je bio poznat kao divan keramičar.
Ogata Kenzan savladala je mnoge tehnike keramike. Odlikovao ga je nestandardni pristup, na primjer, stvorio je ploče u obliku kvadrata.
Vlastito slikarstvo nije se odlikovalo sjajem - to je bila i njegova osobina. Volio je kaligrafiju poput svitaka ili odlomaka iz stihova. Ponekad su radili s njegovim bratom.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Radio je u stilu ukiyo-e - vrsta drvosječe, drugim riječima graviranje. Za svo vrijeme svog rada promijenio je oko 30 imena. Najpoznatije djelo je „Veliki val u Kanagavi“, zahvaljujući kojem je postao poznat i izvan domovine.
Veliki val u Kanagawi, Hokusai Katsushika
Posebno naporno, Hokusai je počeo raditi nakon 60 godina, što je donijelo dobre rezultate. Van Gogh, Monet, Renoir bili su upoznati s njegovim djelima i u određenoj mjeri utjecao je na rad europskih majstora.
Ando Hiroshige (1791.-1885.)
Jedan od najvećih umjetnika 19. stoljeća. Rođen, živio, radio u Edu, nastavio djelo Hokusai, nadahnuo ga je njegov rad. Način na koji je prikazao prirodu upadljiv je na gotovo isti način kao i broj samih djela.
Edo je nekadašnje ime Tokija.
Evo nekoliko podataka o njegovu djelu, koje su predstavljene ciklusom slika:
- 5,5 tisuća - broj svih gravura;
- „100 vrsta Eda;
- "36 vrsta Fujija";
- 69 stanica Kisokaido;
- "53 stanice Tokaida."
Slikar Ando Hiroshige
Zanimljivo je da je izvanredni Van Gogh napisao nekoliko primjeraka svojih gravura.
modernost
Takashi Murakami
Umjetnik, kipar, modni dizajner, ime je stekao krajem 20. stoljeća. Prati modne trendove s klasičnim elementima u svom radu, a crpi inspiraciju iz anime i manga crtanih filmova.
Slikarstvo Takashi Murakami
Djelo Takashi Murakami smatra se subkulturom, ali su istovremeno nevjerojatno popularni. Primjerice, 2008. jedan je njegov rad kupljen na aukciji za više od 15 milijuna dolara. Svojedobno je moderni kreator radio zajedno s modnim kućama Marc Jacobs i Louis Vuitton.
Tiha Asima
Suradnica prethodnog umjetnika, ona stvara suvremene nadrealistične slike. Oni prikazuju poglede gradova, ulica megapostova i stvorenja kao da su iz drugog svemira - duhovi, zli duhovi, vanzemaljske djevojke. U pozadini slika često možete primijetiti netaknutu, ponekad čak i zastrašujuću prirodu.
Njezine su slike velike i rijetko ograničene na papirne medije. Prenose se na kožu, plastične materijale.
U 2006. godini, u sklopu izložbe u britanskoj prijestolnici, žena je stvorila oko 20 lučnih struktura koje su odražavale ljepotu sela i grada, danju i noću. Jedan od njih ukrašavao je metro stanicu.
Hej arakawa
Mladić se u klasičnom smislu te riječi ne može jednostavno nazvati umjetnikom - on stvara instalacije koje su toliko popularne u umjetnosti 21. stoljeća. Teme njegovih izložbi su uistinu japanske i utječu na prijateljske odnose, kao i rad cijelog tima.
Hey Arakawa često sudjeluje na raznim bijenalima, na primjer, u Veneciji, izlaže u Muzeju moderne umjetnosti kod kuće, zasluženo dobiva razne nagrade.
Ikenaga Yasunari
Suvremena slikarka Ikenaga Yasunari uspjela je spojiti dvije naizgled nespojive stvari: život suvremenih djevojaka u portretnom obliku i tradicionalne japanske tehnike iz davnih vremena. U radu slikar koristi posebne četke, prirodne pigmentirane boje, mastila, drveni ugljen. Umjesto uobičajenog platna - lanena tkanina.
Ikenaga Yasunari Slikarstvo
Slična tehnika suprotstavljanja prikazanom dobu i pojavi junaka daje dojam da su nam se vratili iz prošlosti.
Niz slika o složenosti života krokodila, nedavno popularne u internetskoj zajednici, stvorio je i Japanac - karikaturist Keigo.
zaključak
Dakle, japansko slikarstvo nastalo je oko 3. stoljeća prije Krista, a od tada se puno promijenilo. Prve su slike primijenjene na keramiku, zatim su u umjetnosti počeli prevladavati budistički motivi, ali imena autora nisu ostala sačuvana do danas.
U doba New Agea majstori četkica stekli su sve veću individualnost, stvarali različite smjerove, škole. Današnja likovna umjetnost nije ograničena na tradicionalno slikarstvo - koriste se instalacije, karikature, umjetničke skulpture, posebne strukture.
Puno hvala na pažnji, dragi čitatelji! Nadamo se da ste naš članak učinili korisnim, a priče o životu i radu najsjajnijih predstavnika umjetnosti omogućile su nam da ih bolje upoznamo.
Naravno, teško je u jednom članku reći o svim umjetnicima od antike do danas. Stoga, neka ovo bude prvi korak na putu do znanja o japanskom slikarstvu.
I pridružite nam se - pretplatite se na blog - zajedno ćemo proučavati budizam i kulturu Istoka!
Koji obuhvaća mnoge tehnike i stilove. Kroz povijest svog postojanja pretrpio je veliki broj promjena. Dodane su nove tradicije i žanrovi, kao i izvorni japanski principi. Uz nevjerojatnu povijest Japana, slika je također spremna iznijeti mnoge jedinstvene i zanimljive činjenice.
Drevna Japan
Prvi se stilovi pojavljuju u najstarijem povijesnom razdoblju zemlje, prije Krista. e. Tada je umjetnost bila prilično primitivna. Prvo, 300. godine prije Krista. e. pojavile su se razne geometrijske figure, koje su na lončarstvu izvedene štapovima. Do kasnijih vremena postoji takav nalaz arheologa kao ukras na brončanim zvonima.
Nešto kasnije, već 300. godine prije Krista. e., postoje špiljske slike, koje su mnogo raznolikiji geometrijski ukras. To su već pune slike sa slikama. Pronađene su u kripti i vjerojatno su ljudi koji su na njima naslikani pokopani u tim grobnicama.
U 7. stoljeću poslije Krista e. Japan prihvaća pisanje koje dolazi iz Kine. Otprilike u isto vrijeme, odatle su došle i prve slike. Tada se slikarstvo pojavljuje kao zasebno područje umjetnosti.
Edo
Edo - ovo je daleko od prve i ne zadnje slike, ali to je u kulturi donijelo puno novih stvari. Prvo, to su svjetlina i šarenost, koji su dodani uobičajenoj tehnici, izvedeni u crnim i sivim tonovima. Najistaknutiji umjetnik ovog stila je Sotasu. Stvarao je klasične slike, ali njegovi su likovi bili vrlo šareni. Kasnije se prebacio u prirodu, a većina pejzaža izvedena je na pozadini pozlaćenja.
Drugo, u razdoblju Edo pojavila se egzotika, Namban žanr. Koristila je moderne europske i kineske tehnike koje su bile isprepletene s tradicionalnim japanskim stilovima.
I treće, pojavljuje se škola Nang. U njemu umjetnici najprije potpuno oponašaju ili čak kopiraju djela kineskih majstora. Tada se pojavljuje nova grana koja se zove bucking.
Razdoblje modernizacije
Edo razdoblje zamjenjuje Meijia, a sada je japansko slikarstvo primorano ući u novu fazu razvoja. U to su vrijeme žanrovi poput vesterna i sličnih postali popularni širom svijeta, pa je modernizacija umjetnosti postala uobičajeno stanje. Međutim, u Japanu, zemlji u kojoj svi ljudi poštuju tradiciju, u ovom se trenutku stanje stvari znatno razlikovalo od onoga što se događalo u drugim zemljama. Ovdje se oštro rasplamsava konkurencija između europskih i lokalnih tehničara.
Vlada u ovoj fazi daje prednost mladim umjetnicima koji se nadaju poboljšanju vještina zapadnih stilova. Stoga ih šalju u škole u Europi i Americi.
Ali to je bilo tek na početku razdoblja. Činjenica je da su poznati kritičari prilično oštro kritizirali zapadnu umjetnost. Kako bi se izbjeglo veliko uzbuđenje oko ovog broja, europski stilovi i tehnike počeli su biti zabranjeni na izložbama, zaustavljen je njihov prikaz, ali i popularnost.
Nastanak europskih stilova
Slijedi razdoblje Taisha. U to se vrijeme mladi umjetnici koji su išli na studij u strane škole vraćaju u svoju domovinu. Prirodno, sa sobom donose i nove stilove japanskog slikarstva, koji su vrlo slični europskim. Pojavljuju se impresionizam i postimpresionizam.
U ovoj se fazi formiraju mnoge škole u kojima se oživljavaju drevni japanski stilovi. Ali nije moguće potpuno se riješiti zapadnih trendova. Stoga je potrebno kombinirati nekoliko tehnika kako bi se ugodilo ljubiteljima klasike i ljubiteljima modernog europskog slikarstva.
Neke škole financira država, zahvaljujući čemu je moguće održati mnoge nacionalne tradicije. Privatni trgovci prisiljeni su slijediti vodstvo potrošača koji žele nešto novo, umorni su od klasike.
Slikanje Drugog svjetskog rata
Nakon početka ratnog vremena, japansko je slikanje neko vrijeme ostajalo daleko od događaja. Razvila se odvojeno i neovisno. Ali to nije moglo trajati zauvijek.
S vremenom, kada se politička situacija u zemlji pogorša, visoke i cijenjene figure privlače mnoge umjetnike. Neki od njih na početku rata počinju stvarati u domoljubnim stilovima. Ostali započinju ovaj postupak samo po nalogu vlasti.
Prema tome, japanska likovna umjetnost nije se osobito sposobna razvijati tijekom Drugog svjetskog rata. Stoga se za slikanje može nazvati stajaćim.
Vječna Suibokuga
Japansko slikanje sumi-e, ili suibokuga, u prijevodu znači "crtanje tintom". To određuje stil i tehniku \u200b\u200bove umjetnosti. Dolazi iz Kine, ali Japanci su je odlučili imenovati na svoj način. I u početku tehnika nije imala nikakve estetske strane. Monasi su ga koristili za uzgoj dok su proučavali Zen. Štoviše, u početku su slikali slike, a potom uvježbavali koncentraciju dok ih gledaju. Redovnici su vjerovali da stroge linije, mutni tonovi i sjene - sve što se naziva jednobojno, pomažu u kultivaciji.
Japansko slikanje tintom, usprkos velikom broju slika i tehnika, nije tako složeno kao što se možda čini na prvi pogled. Temelji se na samo 4 parcele:
- Krizantema.
- Orhideja.
- Grana šljive.
- Bambus.
Mali broj predmeta ne savladava tehniku \u200b\u200bbrzo. Neki majstori vjeruju da studiranje traje cijeli život.
Unatoč činjenici da se Sumi-e pojavio davno, uvijek je u potražnji. Štoviše, danas možete upoznati majstore ove škole ne samo u Japanu, ona je raširena i daleko izvan svojih granica.
Moderno razdoblje
Nakon Drugog svjetskog rata umjetnost je u Japanu procvjetala samo u velikim gradovima, mještani i seljani imali su dovoljno brige. Umjetnici su se većinom trudili okrenuti leđa gubicima ratnih vremena i prikazali suvremeni gradski život na platnu sa svim njegovim ukrasima i značajkama. Europske i američke ideje uspješno su prihvaćene, ali takvo stanje nije dugo trajalo. Mnogi su se majstori počeli postupno udaljavati od njih prema japanskim školama.
Tradicionalni stil oduvijek je bio moderan. Stoga se suvremeno japansko slikarstvo može razlikovati samo u tehnici izvođenja ili u materijalima koji se koriste u procesu. Ali većina umjetnika ima slabu percepciju različitih inovacija.
Treba napomenuti moderne subkulture, poput animea i sličnih stilova. Mnogi umjetnici pokušavaju zamagliti liniju između klasike i onoga što je danas potraženo. To se uglavnom odnosi na trgovinu. Klasika i tradicionalni žanrovi zapravo ne kupuju, odnosno, nepovoljno je raditi kao umjetnik u svom omiljenom žanru, morate se prilagoditi modi.
zaključak
Bez sumnje je japansko slikarstvo čitavo skladište likovnih umjetnosti. Možda je dotična zemlja bila jedina koja nije slijedila zapadne trendove i nije se prilagođavala modi. Unatoč mnogim udarcima tijekom pojave novih tehnika, japanski umjetnici još su uspjeli obraniti nacionalne tradicije u mnogim žanrovima. Možda je to razlog zašto se u suvremenim vremenima na izložbama cijene cijenjene klasične stilove.
Hokusai, japanski umjetnik iz 18. stoljeća stvorio je vrtoglavu količinu umjetničkih djela. Hokusai je radio dok nije bio vrlo star, neprekidno je tvrdio da "sve što je radio prije 70. godine nije vrijedno i nije vrijedno pažnje".
Možda najpoznatiji japanski umjetnik na svijetu, uvijek se isticao od svojih suvremenika zanimanjem za svakodnevni život. Umjesto portretiranja glamuroznih gejša i junačkih samuraja, Hokusai je slikao radnike, ribare, urbane žanrovske prizore, koji japansku umjetnost još nisu zanimali. Također je koristio europski pristup kompoziciji.
Ovdje je kratki popis ključnih pojmova koji će vam pomoći da se malo krećete u radu Hokusaja.
1 Ukiyo-e - gravure i slike popularne u Japanu od 1600-ih do 1800-ih. Smjer u likovnoj umjetnosti Japana, koji se razvijao iz razdoblja Edo. Ovaj izraz dolazi od riječi "ukiy", što znači "promjenjiv svijet." Wikiyeh je nagovještaj hedonističkih radosti rastućeg trgovca. U tom je smjeru Hokusai najpoznatiji umjetnik.
Hokusai je tijekom života koristio najmanje trideset pseudonima. Unatoč činjenici da je upotreba pseudonima bila uobičajena praksa među japanskim umjetnicima toga vremena, u pogledu broja pseudonima znatno je bila bolja od ostalih velikih autora. Hokusaijevi pseudonimi često se koriste za periodiziranje faza njegovog rada.
2 Edo razdoblje je vrijeme između 1603. i 1868. u japanskoj povijesti, tada je zabilježen ekonomski rast i novo zanimanje za umjetnost i kulturu.
3 Shunrō je prvi Hokusaijev pseudonim.
4 Shunga doslovno znači "slika proljeća" i "proljeće" - japanski sleng za seks. Dakle, ovo su gravure erotske prirode. Stvorili su ih najcjenjeniji umjetnici, uključujući Hokusai.
5 Surimono. Posljednji "surimonos", kako se nazivaju ovi printovi izrađeni po mjeri, bio je ogroman uspjeh. Za razliku od ukiyo-e gravura koje su dizajnirane za masovnu publiku, surimonovi su rijetko prodavani široj javnosti.
6 Mount Fuji je simetrična planina koja se u Japanu ispada kao najviša. Tijekom godina nadahnula je mnoge umjetnike i pjesnike, uključujući Hokusaija, koji je objavio trideset i šest serija Pogled na planinu Fuji ukiyo-e. Ova serija uključuje Hokusaijeve najpoznatije gravure.
7 Japanstvo je trajni utjecaj koji su Hokusai imali na sljedeće generacije zapadnih umjetnika. Japanstvo je stil nadahnut živopisnim bojama ukiyo-e otisaka, nedostatkom perspektive i kompozicijskih eksperimenata.
Volite li japansko slikarstvo? Koliko znate o poznatim japanskim umjetnicima? Pogledajmo u ovom članku najpoznatije japanske umjetnike koji su svoja djela stvarali u stilu ukiyo-e (浮世 絵). Ovaj stil slikanja razvija se još iz razdoblja Edoa. Hijeroglifi koji bilježe ovaj stil 絵 絵 doslovno znače „slike (slike) svijeta koji se mijenja“, možete pročitati više o ovom smjeru slikanja
Hisikawa Moronobu (菱 川 師 宣, 1618-1694). Smatra se utemeljiteljem žanra ukiyo-e, iako je, zapravo, samo prvi majstor, čiji su biografski podaci sačuvani o njegovom životu. Moronobu je rođen u obitelji majstora bojenja tkanina i vezanja zlatnim i srebrnim nitima, a već se dugo bavi obiteljskim zanatom, pa je odlika njegova djela lijepo uređena odjeća lijepih žena, koja daje prekrasan umjetnički učinak.
Nakon preseljenja u Edo, prvo je samostalno proučavao tehnike slikanja, a potom je umjetnik Kambun nastavio svoje školovanje.
Uglavnom smo stigli do Moronobuovih albuma u kojima on prikazuje povijesne i književne predmete i knjige s uzorcima uzoraka za kimono. Također, majstor je radio u žanru šunge, a među nekim djelima sačuvano je nekoliko prikazanih lijepih žena. 
(鳥 居 清 長, 1752-1815). Prepoznat krajem 18. stoljeća, majstor Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) nosio je pseudonim Torii Kiyonaga, koji je preuzeo nakon što je naslijedio posljednju smrtnu školu Ukiyo-e škole Torii od Torii Kiyomitsua.
Kiyonaga je rođen u obitelji knjižara Shirakoy Ishibei. Najpoznatiji je bio žanr licitiranja, iako je započeo s yakusya-e. Zemlje za graviranje u žanru dražesnog uzete su iz svakodnevnog života: šetnje, prazničke povorke, izlasci u prirodu. Među mnogim umjetnikovim radovima ističu se serija „Natjecanja modnih ljepota iz zabavnih četvrti“, koja prikazuje Minami, jednu od „zabavnih četvrti“ na jugu Eda, „12 portreta južnih ljepotica“, „10 vrsta čajnih trgovina“. Izrazito obilježje majstora bilo je detaljno proučavanje pozadinskog prikaza i upotrebe slika svjetla i prostora koje dolaze sa zapada.
Kiyonaga je svoju početnu slavu stekao kad je serija "Modni modeli: novi modeli kao proljetno lišće", koju je Koryusai započeo 1770-ih za izdavača Nishimurai Yohati, nastavljena 1782.
(喜 多 川 歌 麿, 1753.-1806.). Na ovog istaknutog majstora ukiyo-e uvelike su utjecali Torii Kiyonaga i izdavač Tsutaya Jujaburo. Kao rezultat dugogodišnje suradnje s njima, objavljeni su mnogi albumi, knjige s ilustracijama i niz ispisa.
Unatoč činjenici da je Utamaro uzeo priče iz života jednostavnih zanatlija i pokušao prikazati prirodu ("Knjiga insekata"), slava mu je pripala kao umjetniku radova posvećenih gejšama iz kvarta Yoshiwara ("Godišnjak zelenih kuća Yoshiwara").
Utamaro je dostigao visoku razinu u izražavanju mentalnih stanja na papiru. Prvi put u japanskom rezanju drveta počeo je koristiti bosonske skladbe.
To je djelo Utamaro utjecalo na francuske impresioniste i pridonijelo interesu Europljana za japanskom grafikom.
(葛 飾 北 斎, 1760-1849). Pravo ime Hokusai je Tokitaro. Vjerojatno najpoznatiji svjetski majstor ukiyo-e. Tijekom svog rada koristio je preko trideset pseudonima. Povjesničari često koriste pseudonime da bi periodizirali njegovo djelo.
U početku je Hokusai radio kao rezbar, čiji je rad bio ograničen umjetnikovim namjerama. Ta je činjenica težila Hokusaiu i on je počeo tražiti sebe kao neovisnog hudožnika.
1778. postao je student u studiju Katsukawa Shunsyo, specijalizirao se za graviranje u žanru yakusha-e. Hokusai je bio i talentiran i vrlo marljiv učenik koji je uvijek pokazivao poštovanje prema učitelju i zato je uživao Shunsyoovu posebnu naklonost. Dakle, prva samostalna djela Hokusaja bila su u žanru yakusha-e u obliku diptiha i triptih, a popularnost učenika bila je jednaka onoj od učitelja. U to je vrijeme mladi majstor već toliko razvio svoj talent da je postao grčevit u okviru jedne škole, a nakon smrti učitelja Hokusai napušta studio i proučava smjerove drugih škola: Kano, Sotsatsu (aka Koetsu), Rimpa, Tosa.
U tom razdoblju umjetnik doživljava značajne financijske poteškoće. Ali u isto vrijeme on se formira kao majstor, koji odbija poznatu sliku kakvu je društvo zahtijevalo, i traži svoj vlastiti stil.
1795. godine ilustracije za pjesničku antologiju Keka Edo Murasaki ugledale su svjetlost dana. Tada Hokusai piše slike surimona, koje su odmah počele biti popularne, a mnogi su ih umjetnici počeli oponašati.
Iz ovog razdoblja Tokitaro je počeo potpisivati \u200b\u200bsvoja djela imenom Hokusai, iako su neka od njegovih djela objavljena pod pseudonimima Tatsumas, Tokitaro, Kako i Sorobeku.
Godine 1800. majstor se počeo zvati Gakezin Hokusai, što je značilo "Luda \u200b\u200bHokusajeva slika".
Poznati niz ilustracija uključuje 36 pogleda na goru Fuji, od kojih se najviše ističe Victory Wind. Jasan dan "ili" Crveni Fuji "i" Veliki val u Kanagavi "," 100 pogleda na planinu Fuji ", objavljeni u tri albuma," Hokusai Manga "(北 斎 漫画), koji se nazivaju" Enciklopedija japanskog naroda ". Umjetnik je u Mangu uložio sve svoje poglede na kreativnost i filozofiju. "Manga" je najvažniji izvor za proučavanje života Japana toga vremena, jer uključuje mnoge kulturne aspekte. Ukupno je tijekom života umjetnika objavljeno dvanaest brojeva, a nakon njegove smrti - još tri:
* 1815. - II, III
* 1817. - VI, VII
* 1849. - XIII. (Nakon smrti umjetnika)
Hokusajeva umjetnost utjecala je na europske trendove poput Art Nouveaua i francuskog impresionizma.
(河 鍋 暁 斎, 1831.-1889.). Upotrijebio je pseudonime Seisei Kyoshai, Shuransai, Baiga Dojo, studirao u školi u Kanu.
Za razliku od Hokusaja, Këssai je bio prilično bezobrazan, zbog čega se nije slagao s umjetnikom Tsuboyama Tozanom. Nakon škole, postao je neovisni majstor, iako je ponekad posjećivao još pet godina. U to je vrijeme slikao köga, takozvane "lude slike".
Među izvanrednim gravurama izdvaja se "Sto slika Kyosaija". Kao ilustrator, Këssai stvara, u suradnji s drugim umjetnicima, slike za kratke priče i romane.
Na kraju 19. stoljeća Europljani su često posjećivali Japan. Umjetnik je bio upoznat s nekima od njih, a nekoliko njegovih djela sada se nalazi u Britanskom muzeju.
(歌 川 広 重, 1797-1858). Radio je pod pseudonimom Ando Hiroshige (安藤 広 重) i poznat je po suptilnom prenošenju prirodnih motiva i prirodnih pojava. Svoju prvu sliku, brdo Fuji u snijegu, koja se danas čuva u muzeju Santori u Tokiju, naslikao je u dobi od deset godina. Radnja ranih radova temeljila se na stvarnim događajima koji su se odvijali na ulici. Njegovi poznati ciklusi: "100 Edo prikazivanja", "36 pogleda na planinu Fuji", "53 stanice Tokaidoa", "69 stanica Kimokaida", "100 poznatih Edovih pogleda". Na Moneta i ruskog umjetnika Bilibina uvelike su utjecali "53 stanice Tokaido ceste", napisane nakon putovanja po Istočnoj obali, kao i "100 pogleda Eda". Od niza u kate-ga žanru od 25 graviranja najpoznatiji je list „vrapci preko kamelije prekriveni snijegom“.
(歌 川 国 貞, također poznat kao Utagawa Toyokuni III (三代 歌 川 豊 国)). Jedan od najistaknutijih umjetnika ukiyo-e.
Posebno je obratio pažnju glumaca kabukija i samog kazališta - to je oko 60% svih djela. Poznata su i djela u žanru nadmetanja i portreti hrvača sumoa. Poznato je da je stvorio od 20 do 25 tisuća priča, koje su uključivale 35-40 tisuća listova. Rijetko se obraćao krajolicima i ratnicima. Utagawa Kuniyoshi (歌 川 国 芳, 1798. - 1861.). Rođen je u obitelji svilera. Kuniyoshi je počeo proučavati crtanje u dobi od deset godina dok je umjetnik Kuninao živio u njihovoj obitelji. Zatim je nastavio sa učenjem kod Katsukawa Shunyei, a sa 13 godina ulazi na trening u radionicu u Tokuyuni. Prve godine poslova mladog umjetnika ne idu dobro. Ali nakon što su od Kagai Kitibeija dobili narudžbu za seriju od 108 Suikoden junaka, stvari su krenule uzlazno. Stvara preostale junake ove serije, a zatim nastavlja na razna druga djela, a nakon petnaestak godina postaje izjednačen s Utagawa Hiroshige i Utagawa Kunisada.
Nakon zabrane 1842. na slikama kazališnih scena, glumaca, gejša i kurtizana, Kuniyoshi je napisao svoju seriju "mačka", napravio gravure iz edukativnog serijala za domaćice i djecu, portretirao nacionalne junake u seriji "Tradicije, moral i blagostanje", a do kraja 1840.- x - početak 1850-ih, nakon slabljenja zabrana, umjetnik se vraća temi kabuki.
(渓 斎 英 泉, 1790-1848). Poznat po radu u žanru licitiranja. Njegova najbolja djela uključuju portrete tipa Okubi-e ("velike glave"), koji se smatraju primjerima majstorstva Bunseijeve ere (1818-1830), kada je žanr ukiyo-e bio u opadanju. Umjetnik je napisao mnogo lirskih i erotskih surimonosa, kao i niz pejzaža „Šezdeset devet stanica Kisokaida“, koje nije mogao dovršiti, a dovršio ih je Hiroshige.
Novost u slici nadmetanja bila je u senzualnosti, kakvu drugi umjetnici prije nisu imali. Iz njegovih djela možemo razumjeti modu toga vremena. Objavio je i biografije „Četrdeset i sedam Ronina“ i napisao još nekoliko knjiga, uključujući Povijest ukiyo-e gravure (Ukiyo-e Ruyko), koje sadrže biografije umjetnika. A u bilješkama o Bezimenom starcu opisao je sebe kao razorenog pijanca i bivšeg vlasnika bordela u Nedzuu, spaljenog do temelja 1830-ih.
Suzuki Harunobu (鈴木 春 信, 1724-1770). Pravo ime umjetnika je Hozumi Jirobei. Otkrivač je polikromnog tiska ukiyo-e. Školovao se u školi u Kanu i studirao slikarstvo. Tada je, pod utjecajem Shigenaga Nishimura i Torii Kiyomitsu-a, sječa drva postala njegov hobi. Graviranja u dvije ili tri boje izrađene su od početka 18. stoljeća, a Harunobu je počeo slikati u deset boja, koristeći tri ploče i kombinirajući tri boje - žutu, plavu i crvenu.
Istaknuo se na slici uličnih scena i slika u žanru shung-a. A od 1760-ih bio je jedan od prvih koji je počeo portretirati glumce kazališta Kabuki. Njegov je rad utjecao na E. Manea i E. Degasa.
(小 原 古邨, 1877. - 1945.). Pravo mu je ime Matao Ohara. Prikazao je prizore iz rusko-japanskog i kinesko-japanskog rata. Međutim, nakon pojave fotografija, njegov se rad počeo slabo prodavati, a za život je počeo zarađivati \u200b\u200bpodučavajući se u Tokijskoj školi likovnih umjetnosti. 1926. Ernest Fellosa, kustos odjela za japansku umjetnost u muzeju u Bostonu, nagovorio je Oharu da se vrati slikanju, a umjetnik je počeo slikati ptice i cvijeće, a njegova djela dobro su se prodavala u inozemstvu. 
(伊藤 若 冲, 1716. - 1800.). Izdvojio se među drugim umjetnicima svojom ekscentričnošću i stilom života koji se sastojao u prijateljstvu s mnogim kulturnim i vjerskim ličnostima toga vremena. Prikazao je životinje, cvijeće i ptice u vrlo egzotičnom obliku. Bio je vrlo poznat i primao je narudžbe za slikanje ekrana i hramskih slika.
(鳥 居 清 信, 1664-1729). Jedan od najvažnijih predstavnika ranog razdoblja Ukiyo-e. Unatoč velikom utjecaju svog učitelja Hisikawa Monorobu, postao je osnivač žanra yakusha-e na slici plakata i plakata te je izmislio vlastiti stil. Glumci su u posebnim pozama prikazani kao hrabri junaci i slikani su u njima 
plemenite narančaste boje, a zlikovci su obojeni u plavu. Da bi prikazao strast, umjetnik je izumio posebnu vrstu mimizugaki crteža - to je uvijanje linija s naizmjeničnim tankim i debelim potezima i kombiniranje s grotesknom slikom mišića udova.
Torii Kiyonobu utemeljitelj je dinastije umjetnika Torii. Učenici su mu bili Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I, Torii Kiyomitsu.
A koji je vaš omiljeni umjetnik ukiyo-e?
Japanski se jezik razlikuje od bilo kojeg europskog jezika po svojoj strukturi, što može uzrokovati određene poteškoće u učenju. Međutim ne brinite! Posebno za vas razvili ste tečaj „“, koji se već sada možete prijaviti!
Yayoi Kusama vjerojatno neće odgovoriti na onome što je bilo temelj njene karijere umjetnice. Ima 87 godina, umjetnost joj je priznata u cijelom svijetu. Uskoro će se održati velike izložbe njenih radova u SAD-u i Japanu, ali ona još nije sve rekla ovom svijetu. "Još je na putu. To ću stvoriti u budućnosti ", kaže Kusama. U Japanu se naziva najuspješnijim umjetnikom. Pored toga, ona je najskuplja živuća umjetnica: 2014. godine njena slika "Bijeli br. 28" prodana je za 7,1 milijun dolara.
Kusama živi u Tokiju, a dobrovoljno je u psihijatrijskoj bolnici već skoro četrdeset godina. Jednom dnevno napušta zidove da slika. Ona ustaje u tri sata ujutro, ne može zaspati i želi korisno provoditi vrijeme na poslu. "Sada sam star, ali još uvijek ću stvoriti još posla i boljeg rada. Više nego što sam to činio u prošlosti. Moj um je pun slika ", kaže ona.
(Ukupno 17 fotografija)
Yayoi Kusama na izložbi svojih radova u Londonu 1985. godine. Foto: NILS JORGENSEN / REX / Shutterstock
Od devet do šest godina, Kusama radi u svom trokatnom studiju bez izlaska iz invalidskih kolica. Može hodati, ali preslabo. Žena radi na platnu postavljenom na stolovima ili fiksiranim na podu. Studio je prepun novih slika, svijetlih radova, obasjanih malim točkicama. Umjetnica ovo naziva "samo-prigušivanjem" - beskonačnim ponavljanjem koje utapa buku u glavi.
Prije umjetničkih nagrada Praemium Imperiale 2006. u Tokiju. Foto: Sutton-Hibbert / REX / Shutterstock
Uskoro će se otvoriti nova galerija preko puta, a drugi muzej njezine umjetnosti gradi se sjeverno od Tokija. Osim toga, otvaraju se dvije velike izložbe njenih radova. Yayoi Kusama: Endless Mirrors, retrospektiva njezine 65-godišnje karijere, otvorena je u muzeju Hirschhorn u Washingtonu 23. veljače i traje do 14. svibnja, nakon čega stiže u Seattle, Los Angeles, Toronto i Cleveland. Izložba obuhvaća 60 slika Kusama.
Njezin grašak pokriva sve, od haljina Louis Vuitton do autobusa u rodnom gradu. Kusamaovi radovi redovito se prodaju za milijune dolara, a nalaze se u cijelom svijetu - od New Yorka do Amsterdama. Izložbe radova japanskog umjetnika toliko su popularne da su potrebne mjere za sprečavanje puknuća i nereda. Primjerice, u Hirschhornu se karte za izložbu prodaju određeno vrijeme kako bi se nekako regulirao protok posjetitelja.
Predstavljanje zajedničkog dizajna Louis Vuitton i Yayoi Kusama u New Yorku 2012. godine. Foto: Agencija Billy Farrell / REX / Shutterstock
Ali Kusama još uvijek treba vanjsko odobrenje. Na pitanje u intervjuu je li postigla svoj cilj da postane bogata i slavna prije desetljeća, iznenađeno je rekla: "Kad sam bila mala, bilo mi je teško uvjeriti majku da želim postati umjetnica. Je li zaista istina da sam bogat i poznat? "
Kusama je rođen 1929. godine u Matsumotu, u planinama Središnjeg Japana, u bogatoj i konzervativnoj obitelji koja je trgovala sadnicama. Ali to nije bio sretan dom. Njezina je majka prezirala svog supruga koji ju je varao i poslala je malog Kusama da ga špijunira. Djevojčica je oca vidjela s drugim ženama, a to joj je izazvalo doživotnu odbojnost prema seksu.
Izlog butika Louis Vuitton, koji je Kusama osmislio 2012. godine. Foto: Joe Schildhorn / BFA / REX / Shutterstock
Kao dijete počela je doživljavati vizualne i slušne halucinacije. Kad je prvi put vidjela bundevu, zamislila je da razgovara s njom. Buduća umjetnica suočila se s vizijama stvarajući ponavljajuće obrasce kako bi ugušila misli u svojoj glavi. I u tako mladoj dobi umjetnost je za nju postala svojevrsna terapija koju je kasnije nazvala "umjetnost medicina".
Rad Yayoi Kusama na izložbi u Whitney muzeju moderne umjetnosti 2012. godine. Foto: Agencija Billy Farrell / REX / Shutterstock
Kusamaova majka bila je oštro protiv kćeri želje da postane umjetnica i inzistirala je da djevojčica slijedi tradicionalni put. "Nije mi dala da crtam. Željela je da se vjenčam, rekao je umjetnik u jednom intervjuu. - Odbacila mi je posao. Htio sam se baciti pod vlak. Svakog dana sam se borio sa majkom i zato mi je oštećen um. "
Godine 1948., nakon završetka rata, Kusama je otišao u Kyoto da bi proučavao tradicionalnu japansku niongovu sliku sa strogim pravilima. Mrzila je ovu vrstu umjetnosti.
Jedan od eksponata na izložbi Yayoi Kusama u Muzeju moderne umjetnosti Whitney 2012. godine. Foto: Agencija Billy Farrell / REX / Shutterstock
Kad je Kusama živjela u Matsumotu, pronašla je knjigu Georgija O’Keeffea i zadivila je svoje slike. Djevojka je otišla u američko veleposlanstvo u Tokiju da bi pronašla članak o O'Keefeu u imeniku i pronašla njegovu adresu. Kusama joj je napisao pismo i poslao neke crteže, a na njegovo iznenađenje odgovorio joj je američki umjetnik.
"Nisam mogao vjerovati svojoj sreći! Bila je toliko ljubazna da je reagirala na iznenadni izboj osjećaja skromne japanske djevojke da je u životu nikad nije srela, niti je čula za nju ", napisala je umjetnica u svojoj autobiografiji Infinity Net.
Yayoi Kusama u izlozi iz 2012. u butiku Louis Vuitton u New Yorku. Foto: Nils Jorgensen / REX / Shutterstock
Unatoč upozorenjima O'Keefea da mladi umjetnici u Sjedinjenim Državama imaju vrlo teško vrijeme, a da ne spominjemo mlade samohrane djevojke iz Japana, Kusam nije mogao biti zaustavljen. Godine 1957. uspjela je dobiti putovnicu i vizu. U haljine je šivala dolare kako bi zaobišla strogu poslijeratnu valutnu kontrolu.
Prvo mjesto zaustavilo je Seattle, gdje je održala izložbu u maloj galeriji. Zatim je Kusama otišao u New York, gdje je bio gorko razočaran. "Za razliku od poslijeratnog Matsumota, New York je u svakom smislu bio zlo i okrutno mjesto. Bio je previše stresan za mene i ubrzo sam postao upaljen u neurozi. " Da stvar bude još gora, Kusama je bio u potpunom siromaštvu. Stara vrata poslužila su joj krevet, a ona je vadila riblje glave i trulo povrće iz kanti za smeće kako bi od njih napravila juhu.
Ugradnja ogledala za beskonačnost - ljubav zauvijek ("Soba s ogledalima beskonačnosti - ljubav zauvijek"). Foto: Tony Kyriacou / REX / Shutterstock
Ova teška situacija navela je Kusama da se još više udubi u posao. Počela je stvarati svoje prve slike iz serije Infinity Network, prekrivajući ogromna platna (od kojih je jedno doseglo 10 metara visine) čarobnim valovima malih petlji za koje nikad nije izgledalo kraj. Sama umjetnica opisala ih je ovako: "Bijele mreže koje obavijaju crne točke tihe smrti na pozadini beznadne tame ništavila."
Instalacija Yayoi Kusama na otvaranju nove zgrade Garažnog muzeja moderne umjetnosti u Centralnom parku M. Gorky u Moskvi 2015. godine. Foto: David X Prutting / BFA.com / REX / Shutterstock
Ovo opsesivno-kompulzivno ponavljanje pomoglo je u otklanjanju neuroze, ali nije uvijek spasilo. Kusama je neprestano bolovao od napadaja psihoze i završio je u bolnici u New Yorku. Budući da je ambiciozna i svrhovita te radosno preuzima ulogu egzotične Azijke u kimonu, pridružila se zabavi utjecajnih ljudi u umjetnosti i razgovarala s takvim priznatim umjetnicima kao što su Mark Rothko i Andy Warhol. Kusama je kasnije rekao da je Warhol imitirao njezin rad.
Ubrzo je Kusama stekao određeni stupanj slave i izlagao u prepunim galerijama. Pored toga, slava umjetnika stekla je skandaloznost.
Šezdesetih godina prošlog vijeka, kada je Kusama bila opsjednuta točkicama polke, počela je izvoditi događaje u New Yorku: provocirala je ljude da se skidaju goli na mjestima poput Central Parka i Brooklynskog mosta i slikala su njihova tijela graškom.
Pre-show u Art Baselu u Hong Kongu 2013. godine. Foto: Billy Farrell / BFA / REX / Shutterstock
Nekoliko desetljeća prije pojave pokreta "Okupiraj Wall Street", Kusama je započeo događanje u financijskoj četvrti New Yorka rekavši da želi "ljude uništiti na Wall Streetu s uzorkom polka točkica". Otprilike u isto vrijeme počela je prekrivati \u200b\u200brazne predmete - fotelju, čamac, kolica - s ispupčenjima faličnog izgleda. "Počeo sam stvarati penise kako bih izliječio osjećaj averzije prema seksu", napisao je umjetnik, govoreći kako se ovaj kreativni proces postupno strašno pretvorio u nešto poznato.
Prolazak zimske instalacije u Tate Gallery u Londonu. Foto: James Gourley / REX / Shutterstock
Kusama nikad nije bila u braku, iako je, kad je živjela u New Yorku, deset godina imala odnos sličan braku s umjetnikom Josephom Cornellom. "Nisam voljela seks, ali on je bio impotentan, tako da smo se dobro slagali", rekla je u intervjuu za Art Magazine.
Kusama je postala sve poznatija zahvaljujući svojim pomacima: ponudila je da spava s američkim predsjednikom Richardom Nixonom ako on završi rat u Vijetnamu. "Ukrasimo se uzorkom polka točkica", napisala mu je u pismu. Zanimanje za njezinu umjetnost izblijedjelo je i nestala, a novčani su se problemi ponovo pokrenuli.
Yayoi Kusama tijekom retrospektive svog rada u muzeju moderne umjetnosti Whitney u New Yorku 2012. godine. Foto: Steve Eichner / Penske Media / REX / Shutterstock
Vijest o emigracijama Kusama stigla je do Japana. Počela se nazivati \u200b\u200b"nacionalnom katastrofom", a majka je rekla da bi bilo bolje ako bi kćer umrla od bolesti u djetinjstvu. Početkom 1970-ih osiromašeni i ozlijeđeni fijasko Kusama vratio se u Japan. Registrirala se u psihijatrijskoj bolnici, gdje i danas živi, \u200b\u200bi potonula u umjetničku nesvijest.
1989. Centar za suvremenu umjetnost u New Yorku priredio je retrospektivu svoga rada. Ovo je bilo početak oživljavanja interesa za Kusaminu umjetnost, iako sporo. Zrcalnu sobu ispunila je bučicama za instalaciju, koja je predstavljena na Venecijanskom bijenalu 1993., a 1998. godine u Muzeju moderne umjetnosti MoMa u New Yorku održana je velika izložba. Ovdje je jednom organizirala događanje.
Na izložbi Moja vječna duša ("Moja vječna duša") u Nacionalnom centru za umjetnost u Tokiju, veljača 2017. godine. Foto: Masatoshi Okauchi / REX / Shutterstock
U posljednjih nekoliko godina, Yayoi Kusama postao je međunarodni fenomen. U suvremenoj galeriji Tate u Londonu i muzeju Whitney u New Yorku održane su velike retrospektive koje su privukle ogromne gomile posjetitelja, a njen ikonični uzorak polka dota postao je vrlo prepoznatljiv.
Na izložbi Moja vječna duša ("Moja vječna duša") u Nacionalnom centru za umjetnost u Tokiju, veljača 2017. godine. Foto: Masatoshi Okauchi / REX / Shutterstock
Umjetnica neće zaustaviti rad, već je počela razmišljati o svojoj smrtnosti. "Ne znam koliko dugo mogu preživjeti čak i nakon smrti. Postoji buduća generacija koja slijedi mojim stopama. Bit će mi čast ako ljudi vole gledati moj rad i ako me dirne moja umjetnost. "
Na izložbi Moja vječna duša ("Moja vječna duša") u Nacionalnom centru za umjetnost u Tokiju, veljača 2017. godine. Foto: Masatoshi Okauchi / REX / Shutterstock
Unatoč komercijalizaciji svoje umjetnosti, Kusama razmišlja o grobu u Matsumotu - ne u obiteljskoj kripti koju je naslijedila od roditelja - i kako da ga ne pretvori u utočište. "Ali još ne umirem. Mislim da ću živjeti još 20 godina ", kaže ona.
Na izložbi Moja vječna duša ("Moja vječna duša") u Nacionalnom centru za umjetnost u Tokiju, veljača 2017. godine. Foto: Masatoshi Okauchi / REX / Shutterstock
