Pogledajte slike japanskih umjetnika. Japansko klasično slikarstvo: najpoznatija imena
Japansko klasično slikarstvo ima dugu i zanimljivu povijest. Likovna umjetnost Japana predstavljena je u različitim stilovima i žanrovima, od kojih je svaki na svoj način jedinstven. Drevni oslikani likovi i geometrijski motivi pronađeni na brončanim zvonima Dotakua i ulomcima keramike datiraju iz 300. god.
Budistička orijentacija umjetnosti
U Japanu je umjetnost zidnog slikarstva bila prilično dobro razvijena, u 6. stoljeću slike na temu filozofije budizma bile su posebno popularne. U to se vrijeme u zemlji grade veliki hramovi, a njihovi su zidovi bili posvuda ukrašeni freskama, ispisanim prema zapletima budističkih mitova i legendi. Drevne zidne slike još uvijek su sačuvane u hramu Horyuji u blizini japanskog grada Nare. Horyuji freske prikazuju prizore iz života Bude i drugih bogova. Umjetnički stil ovih freski vrlo je blizu slikovnom konceptu, popularnom u Kini za vrijeme dinastije Song.
Slikoviti stil dinastije Tang stekao je posebnu popularnost usred razdoblja Nare. To razdoblje uključuje freske pronađene u grobu Takamatsuzuka, čija se starost datira iz oko 7. stoljeća A.D. Umjetnička tehnika nastala pod utjecajem dinastije Tang naknadno je činila osnovu slikovitog žanra kara-e. Ovaj je žanr ostao popularan sve dok se nisu pojavila prva djela u stilu Yamato-e. Većina freski i slikovitih remek djela pripadaju kistu nepoznatih autora, danas su mnoga djela tog razdoblja pohranjena u riznici Sesoyina.
Sve veći utjecaj novih budističkih škola poput Tendaija utjecao je na široku vjersku orijentaciju likovnih umjetnosti Japana u 8. i 9. stoljeću. U 10. stoljeću, koji je vidio poseban napredak japanskog budizma, žanra Ryogodzua, pojavile su se „slike dobrodošlice“, koje su oslikavale dolazak Bude u zapadni raj. Rani primjeri Ryogodzua iz 1053. godine mogu se vidjeti u hramu Bedo-in, koji je sačuvan u gradu Uji, prefektura Kyoto.
Promjena stila
Sredinom heian razdoblja žanr Yamato-e zamijenio je kineski stil kara-e, koji je dugo vremena postao jedan od najpopularnijih i najtraženijih žanrova japanskog slikarstva. Novi slikovni stil uglavnom se koristio u slikanju sklopivih zaslona i kliznih vrata. S vremenom je Yamato-e prešao i na horizontalne emakimono svitke. Umjetnici koji su radili u žanru emakija pokušali su u svojim djelima prenijeti svu emotivnost odabranog zapleta. Genji Monogatari svitak se sastojao od nekoliko povezanih epizoda, umjetnici tog vremena koristili su brze poteze kistom i svijetle, izražajne boje.
E-maki je jedan od najstarijih i najistaknutijih primjera otoko-e, žanra prikazivanja muških portreta. Ženski portreti istaknuti su u zasebnom žanru onna-e. Zapravo između tih žanrova, kao i između muškaraca i žena, postoje prilično značajne razlike. Stil onna-e živopisno je predstavljen u dizajnu Priče o Genji, gdje su glavne teme crteža romantične zavjere, prizori iz dvorskog života. Muški stil otoko-e prvenstveno je umjetnički prikaz povijesnih bitaka i ostalih važnih događaja u životu carstva.
Klasična japanska umjetnička škola postala je plodno tlo za razvoj i promociju ideja suvremene umjetnosti u Japanu, što jasno pokazuje utjecaj pop kulture i anime. Jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika našeg vremena može se nazvati Takashi Murakami, čiji je rad posvećen prikazu scena iz japanskog života poslijeratnog razdoblja i konceptu maksimalne fuzije likovne umjetnosti i glavnog toka.
Od poznatih japanskih umjetnika klasične škole sljedeći su.
Napeti Šubun
Shubun je djelovao početkom 15. stoljeća, posvećujući puno vremena proučavanju djela kineskih majstora dinastije Song, taj je čovjek stao na podrijetlo japanskog vizualnog žanra. Shubun se smatra osnivačem Sumi-e stila, jednobojnog slikanja tintom. Uložio je mnogo na popularizaciji novog žanra, pretvarajući ga u jedno od vodećih područja japanskog slikarstva. Učenici Shubuna bili su mnogo kasnije poznati umjetnici, među kojima je Sesshu i osnivač čuvene umjetničke škole Kano Masanobu. Mnogi su pejzaži pripisivani Shubunu, međutim, „Čitanje u šumi bambusa“ tradicionalno se smatra njegovim najpoznatijim djelom.
Ogata Korin (1658.-1716.)
Ogata Korin jedna je od najvećih umjetnica u povijesti japanskog slikarstva, utemeljitelj je i jedan od najistaknutijih predstavnika umjetničkog stila ripe. Korin se u svojim djelima hrabro odmakao od tradicionalnih stereotipa, tvoreći svoj vlastiti stil, čija su glavna obilježja bili mali oblici i živopisni impresionizam zapleta. Korin je poznata po svojoj posebnoj vještini portretiranja prirode i rada s apstraktnim kompozicijama u boji. "Cvijet šljive u crveno-bijeloj boji" jedno je od najpoznatijih djela Ogat Korina, poznate su i njegove slike "Krizanteme", "Valovi Matsushime" i nekoliko drugih.
Hasegawa Tohaku (1539.-1610.)
Tohaku je osnivač japanske umjetničke škole Hasegawa. Za rano razdoblje stvaralaštva Tohaku karakterizira utjecaj poznate škole japanskog slikarstva 
Kano, ali s vremenom je umjetnik oblikovao svoj jedinstveni stil. Na mnoge načine, na rad Tohakua utjecao je rad priznatog majstora Sesshua, Hosegawa je čak sebe smatrao petim nasljednikom ovog velikog majstora. Hasegawa Tohakuova slika "Borovi" stekla je svjetsku slavu, poznati su i njegovi radovi "Javor", "Borovi i cvjetnice" i drugi.
Kano Aitoku (1543.-1590.)
Kano škola stil dominirala je likovnim umjetnostima u Japanu oko četiri stoljeća, a Kano Aitoku je možda jedan od najpoznatijih i najistaknutijih predstavnika ove umjetničke škole. Aitoku su vlasti pogodovale, pokroviteljstvo aristokrata i bogatih pokrovitelja nije moglo pomoći jačanju njegove škole i popularnosti djela ovog, bez sumnje, vrlo talentiranog umjetnika. Klizni zaslon čempresa s osam ploča koje je slikao Aitoku Kano pravo je remek-djelo i živopisan primjer opsega i snage stila Monoyama. Ostala djela majstora izgledaju manje zanimljivo, poput "Ptice i drveće četiri godišnja doba", "Kineski lavovi", "Pustinjak i vila" i mnogi drugi.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai je najveći majstor žanra ukiyo-e (japanske drva). Hokusaijevo djelo dobilo je svjetsko priznanje, njegova slava u drugim zemljama nije usporediva s popularnošću većine azijskih umjetnika, njegov rad "Veliki val u Kanagavi" postao je nešto od posjetnice japanske likovne umjetnosti na svjetskoj umjetničkoj sceni. Hokusai je u svojoj karijeri upotrijebio više od trideset pseudonima, nakon šezdeset umjetnik se posve posvetio umjetnosti, i to je vrijeme smatrano najplodnijim razdobljem njegova rada. Rad Hokusaja utjecao je na radove zapadnih majstora impresionizma i postimpresionističkog razdoblja, uključujući radove Renoira, Moneta i van Gogha.
Umjetnost i dizajn
2702
01.02.18 09:02
Današnja umjetnička scena u Japanu vrlo je raznolika i provokativna: razmatrajući rad majstora iz Zemlje izlazećeg sunca, odlučujete da ste na drugom planetu! Ovde žive inovatori koji su promijenili krajolik industrije na globalnoj razini. Ovdje je popis 10 suvremenih japanskih umjetnika i njihovih stvaralaštva - od nevjerojatnih stvorenja Takašija Murakamija (koji danas slavi rođendan), do živopisnog svemira Kusama.
Od futurističkih svjetova do preciznih zviježđa: suvremeni japanski umjetnici
Takashi Murakami: tradicija i klasika
Krenimo od heroja prigode! Takashi Murakami jedan je od najznačajnijih suvremenih japanskih umjetnika koji radi na slikama, velikim skulpturama i modnim odorama. Na Murakami utječu manga i anime. Osnivač je pokreta Superflat, podupirući japansku umjetničku tradiciju i poslijeratnu kulturu zemlje. Murakami je promovirao mnoge svoje suvremenike, neke ćemo ih danas i upoznati. "Subkulturna" djela Takašija Murakamija predstavljena su na umjetničkim tržištima mode i umjetnosti. Njegov provokativni My Lonesome Cowboy (1998.) prodan je u New Yorku kod Sotheby'sa 2008. za rekordnih 15,2 milijuna USD. Murakami je surađivao sa svjetski poznatim brandovima Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.
Tycho Asima i njezin nadrealni svemir
Članica kompanije za umjetničku produkciju Kaikai Kiki i pokreta Superflat (obojicu je osnovao Takashi Murakami), Tycho Asima poznat je po fantastičnim gradskim pejzažima i čudnim pop-stvorenjima. Umjetnik stvara nadrealne snove, nastanjene demonima, duhovima, mladim ljepoticama, prikazanim na pozadini izvanzemaljske prirode. Djela su joj obično velika i tiskana na papiru, koži, plastici. 2006. godine ovaj suvremeni japanski umjetnik sudjelovao je u Art on the Underground u Londonu. Stvorila je 17 uzastopnih lukova za platformu - čarobni krajolik postupno se pretvarao iz dnevnog u noćni, iz urbanog u ruralni. Ovo je čudo procvjetalo na stanici podzemne željeznice Gloucester.
Chiharu Shima i Beskrajne niti
Drugi umjetnik, Chiharu Shiota, radi na velikim vizualnim instalacijama za specifične atrakcije. Rođena je u Osaki, ali sada živi u Njemačkoj - u Berlinu. Centralne teme njezina rada su zaborav i sjećanje, snovi i stvarnost, prošlost i sadašnjost, a također i suočavanje s anksioznošću. Najpoznatija djela Chiharu Shiota su neprobojne mreže od crnih niti, koje pokrivaju mnoge kućne i osobne predmete - poput starih stolica, vjenčanice, izgorjelog klavira. U ljeto 2014. Siota se pridružila cipelama i čizmama koje su joj donirale (kojih je bilo više od 300) s nitima crvene pređe i objesila ih na kuke. Prva izložba Chiharua u glavnom gradu Njemačke održana je tijekom Berlinskog tjedna umjetnosti 2016. godine i izazvala senzaciju.
Hej Arakawa: svugdje, nigdje
Hey Arakawa nadahnuta je promjenama, periodima nestabilnosti, elementima rizika, a njegove instalacije često simboliziraju teme prijateljstva i kolektivnog rada. Kreda suvremenog japanskog umjetnika definirana je performativnom neodređenošću "svuda, ali nigdje". Njegove kreacije nastaju na neočekivanim mjestima. 2013. godine Arakawini su radovi bili izloženi na Venecijanskom bijenalu i na izložbi japanske suvremene umjetnosti u Muzeju umjetnosti Mori (Tokio). Instalacija Hawaiian Prisutnost (2014) zajednički je projekt s njujorškom umjetnicom Carissa Rodriguez i sudjelovala je na Bijenalu Whitney. Iste 2014. godine Arakawa i njegov brat Tom, izvodeći duet nazvan „Ujedinjena braća“, ponudili su posjetiteljima Frize Londona svoj „rad“ „Ambivalenta ove supe“ s „radioaktivnim“ korijenskim kulturama daikona Fukushime.
Koki Tanaka: Međusobno povezivanje i ponavljanje
Koki Tanaka je 2015. godine prepoznat kao "umjetnik godine". Tanaka istražuje opće iskustvo kreativnosti i mašte, potiče razmjenu između sudionika projekta i zagovara nova pravila suradnje. Njegova instalacija u japanskom paviljonu na Venecijanskom bijenalu 2013. godine sastojala se od video zapisa s predmetima koji su prostor pretvorili u platformu za razmjenu umjetnosti. Instalacije Koki Tanaka (ne brkajte se s njegovim punim imenjakom glumcem) ilustriraju odnos između predmeta i radnji, na primjer, video sadrži zapis jednostavnih gesta izvedenih s običnim predmetima (nož, rezanje povrća, pivo sičeno u čašu, otvaranje kišobrana). Ne događa se ništa značajno, ali opsesivno ponavljanje i pažnja do najmanjih detalja gledatelja cijene svjetovnim stvarima.
Mariko Mori i strujni oblici
Drugi suvremeni japanski umjetnik Mariko Mori "dočarava" multimedijske objekte kombinirajući videozapise, fotografije i predmete. Karakterizira ju minimalistička futuristička vizija i glatki nadrealni oblici. Ponavljajuća tema u Morijevom djelu je suprotnost zapadne legende sa zapadnom kulturom. Mariko je 2010. osnovao Fau Foundation, obrazovnu kulturnu neprofitnu organizaciju za koju je proizvela niz svojih umjetničkih instalacija u čast šest naseljenih kontinenata. U novije vrijeme postavljena je stalna instalacija zaklade Ring: Alone with Nature nad slikovitim vodopadom u Resendeu u blizini Rio de Janeira.
Ryoji Ikeda: sinteza zvukova i videa
Ryoji Ikeda novi je medijski umjetnik i skladatelj čija se djela uglavnom povezuju sa zvukom u različitim "sirovim" stanjima, od sinusoidnih zvukova do buke koristeći frekvencije na rubu ljudskog sluha. Njegove prozračne instalacije uključuju računalno generirane zvukove koji se vizualno pretvaraju u video projekcije ili digitalne predloške. Ikedini audio-vizualni umjetnički objekti koriste skali, svjetlost, sjenu, glasnoću, elektronske zvukove i ritam. Poznati umjetnikov testni objekt sastoji se od pet projektora koji osvjetljavaju područje duljine 28 metara i širine 8 metara. Instalacija pretvara podatke (tekst, zvukove, fotografije i filmove) u barkod i binarne obrasce nula i onih.
Tatsuo Miyajima i LED brojači
Suvremeni japanski kipar i instalacijski umjetnik Tatsuo Miyajima u svojoj umjetnosti koristi električne sklopove, video, računala i druge uređaje. Osnovni pojmovi Miyajima nadahnuti su humanističkim idejama i budističkim učenjima. LED brojači u njegovim instalacijama neprestano bljeskaju ponavljajući od 1 do 9, simbolizirajući putovanje od života do smrti, ali izbjegavajući konačnost, koja je predstavljena s 0 (nula se nikada ne pojavljuje u Tatsuoovim djelima). Sveprisutni brojevi u rešetkama, kulama, obrascima izražavaju interes Miyajima za ideje kontinuiteta, vječnosti, komunikacije i protoka vremena i prostora. Ne tako davno, Miyajimaova „Arrow of Time“ demonstrirana je na nastupnoj izložbi „Nepotpune misli vidljive u New Yorku“.
Nara Yoshimoto i zla djeca
Nara Yoshimoto stvara slike, skulpture i crteže koji prikazuju djecu i pse - predmete koji odražavaju djetinji osjećaj dosade i frustracije i žestoku neovisnost koja je prirodna za bebe. Yoshimoto estetika podsjeća na tradicionalne ilustracije knjiga, mješavina je nemirne napetosti i umjetnikove ljubavi prema punk rocku. 2011. godine Muzej azijskog društva u New Yorku bio je domaćin prve samostalne izložbe Yoshimoto pod nazivom „Yoshitomo Nara: Nitko nije budala“, koja je obuhvatila 20-godišnju karijeru modernog japanskog umjetnika. i protestirati.
Yayoi Kusama i prostora koji širi neobične oblike
Yayoi Kusama nevjerojatna kreativna biografija traje sedam desetljeća. Za to vrijeme, nevjerojatna Japanka uspjela je proučiti područja slikarstva, grafike, kolaža, skulpture, kina, graviranja, umjetnosti okoliša, instalacije, kao i literature, mode i dizajna odjeće. Kusama je razvila vrlo osebujan stil point arta, koji je postao njezin zaštitni znak. Iluzorne vizije prikazane u djelima 88-godišnje Kusame (kad se čini da je svijet prekriven raširenim vanzemaljskim oblicima) rezultat su halucinacija koje je doživljavala od djetinjstva. Sobe s šarenim točkicama i beskonačnim ogledalima koja odražavaju njihove nakupine su prepoznatljive, nećete ih brkati ni sa čim drugim.
Svaka zemlja ima svoje junake suvremene umjetnosti, čija su imena poznata, čije izložbe privlače mnoštvo obožavatelja i znatiželje, a njihova djela razlikuju se od privatnih kolekcija.
U ovom ćemo vam članku predstaviti najpopularnije suvremene japanske umjetnike.
Keiko Tanabe
Keiko, koja je rođena u Kyotu, kao dijete, pobijedila je na mnogim likovnim natječajima, ali nije stekla visoko obrazovanje iz područja umjetnosti. Radila je u Odjelu za međunarodne odnose Japanske trgovačke organizacije samouprave u Tokiju, u velikoj odvjetničkoj tvrtki u San Franciscu i u privatnoj konzultantskoj tvrtki u San Diegu, a puno je putovala. Od 2003. godine napustila je posao i, proučavajući osnove akvarelnog slikarstva u San Diegu, posvetila se isključivo umjetnosti.
Ikenaga Yasunari
Japanska umjetnica Ikenaga Yasunari slika portrete suvremenih žena u drevnoj japanskoj tradiciji slikanja, koristeći Menso kist, mineralne pigmente, čađu, tintu i lanenu tkaninu. Njegovi likovi su žene našeg vremena, ali, zahvaljujući Nihonga stilu, postoji osjećaj da su nam došli iz stoljeća stoljeća.
Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki je stvaran umjetnik koji je savršeno savladao tehniku \u200b\u200bakvarela. Abe se može nazvati umjetnikom-filozofom: on u osnovi ne crta dobro poznate znamenitosti, preferira subjektivne kompozicije koje odražavaju unutarnja stanja osobe koja ih promatra.
Hiroko Sakai
Karijera umjetnika Hiroka Sakaija započela je početkom 90-ih u gradu Fukuoka. Nakon što je diplomirala na Sveučilištu Seinan Gakuin i Nihonovoj francuskoj školi interijera na području dizajna i vizualizacije, osnovala je Atelier Yume-Tsumugi Ltd. i uspješno vodio ovaj studio 5 godina. Mnoga njezina djela krase predvorje bolnica, ureda velikih korporacija i nekih općinskih zgrada u Japanu. Nakon preseljenja u SAD, Hiroko se počeo slikati uljem.
Riusuke Fukahori
Trodimenzionalna djela Riusukija Fukahorija su poput holograma. Izrađene su akrilnom bojom, nanesenom u nekoliko slojeva, i prozirnom tekućinom od smole - sve to, ne isključujući tradicionalne metode poput crtanja sjenki, omekšavanja rubova, kontroliranja transparentnosti, omogućuje Riusukiju da stvori kiparsku sliku, a radu daje dubinu i realizam.
Natsuki Otani
Natsuki Otani je talentirani japanski ilustrator koji živi i radi u Engleskoj.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu odabrao je win-win temu kao osnovu svog rada - crta mačke. Njegove su slike popularne u cijelom svijetu, posebno u obliku zagonetki.
Tetsuya Mishima
Većina slika modernog japanskog umjetnika Mishima rađena je u ulju. Profesionalno se bavi slikarstvom od 90-ih godina, na račun je imala nekoliko osobnih izložbi i veliki broj kolektivnih izložbi, japanskih i stranih.
Monokromatska slika Japana jedan je od jedinstvenih fenomena orijentalne umjetnosti. Posvetila se puno radu i istraživanju, ali često je doživljavaju kao vrlo uvjetnu stvar, a ponekad čak i dekorativnu. To nije tako. Duhovni svijet japanskog umjetnika vrlo je bogat i njega nije stalo toliko do estetske komponente, koliko do duhovne. Umjetnost Istoka sinteza je vanjskog i unutarnjeg, eksplicitnog i implicitnog.
U ovom postu želim obratiti pažnju ne na povijest jednobojne slike, već na njezinu suštinu. O tome će se raspravljati.
ekran "Bor" Hasegawa Tohaku, 1593
Ono što vidimo na jednobojnim slikama rezultat je umjetnikove interakcije s borovom trijadom: papir, četka, tinta. Stoga, da bi ispravno razumio djelo, mora razumjeti samog umjetnika i njegov stav.
"Pejzaž" Sessu, 1398
papir za japanskog gospodara, to nije samo improvizirani materijal koji on podređuje njegovim ćudima, već upravo suprotno - to je "brat", i zato se odnos prema njemu razvio u skladu s tim. Papir je dio okolne prirode, prema kojoj su Japanci oduvijek bili uznemireni i pokušavali se ne podrediti sebi, već suživjeti s njim mirno. Papir - u prošlosti je to bilo drvo koje je stajalo na određenom području, određeno vrijeme je „vidjelo“ nešto oko sebe i ono sve to čuva. Tako materijal percipira japanski umjetnik. Često su majstori, prije nego što su započeli rad, dugo gledali u prazan lim (razmišljali o tome) i tek tada počeli slikati. Čak i sada moderni japanski umjetnici koji vježbaju Nihon-ha (tradicionalno japansko slikarstvo) pažljivo biraju papir. Kupuju ga po narudžbi u tvornicama papira. Za svakog umjetnika određene debljine, propusnosti i teksture vlage (mnogi umjetnici čak zaključuju ugovor s tvorničkim vlasnikom da taj papir ne prodaje drugim umjetnicima) - zbog toga se svaka slika doživljava kao nešto jedinstveno i živopisno.
"Čitanje u šumi bambusa" Syubun, 1446.
Kada govorimo o značaju ovog materijala, vrijedno je spomenuti tako poznate japanske spomenike književnosti, kao što su „Bilješke na čelu“ Sei Shonagon i „Genji Monogotari“ Murasakija Shikibua: u „Bilješkama“ i „Genji“ možete pronaći zavjere kada dvorjani ili ljubavnici razmjenjuju poruke , Papir na kojem su napisane te poruke je bio odgovarajuće sezone, boje i načina pisanja teksta odgovarao je njegovoj teksturi.
Kyosen "Murasaki Shikibu u svetištu Ishiyama"
četka - druga komponenta je nastavak ruke majstora (opet, ovo je prirodni materijal). Stoga su četke također izrađene po narudžbi, ali najčešće sam umjetnik. Pokupio je dlake potrebne duljine, odabrao veličinu četkice i najpovoljniju dršku. Majstor piše samo četkom i nijedan drugi. (Iz osobnog iskustva: Bio sam na radionici kineskog umjetnika Jianga Shiluna, gledatelji su tražili da pokažu što su njegovi učenici koji su bili prisutni na radionici mogli učiniti. Svaki od njih, uzimajući majstorsku četkicu, rekao je da to nije ono što očekuju , budući da četkica nije njihova, na nju nisu navikli i ne znaju je pravilno koristiti).
Skica s tintom "Fuji" Katsushika Hokusai
tinta - Treći važan element. Maskara može biti različitih vrsta: može dati sjajni ili mat efekt nakon sušenja, može se miješati sa srebrnim ili oker nijansama, pa pravi izbor maskare također nije nevažan.
Yamamoto Baytsu, kraj XVIII - XIX stoljeća.
Glavni subjekti jednobojnog slikarstva su pejzaži. Zašto u njima nema boja?
Zaslon s blizancima, Hasegawa Tohaku
Prvo, japanskog umjetnika ne zanima sama tema, već njegova suština, određena komponenta koja je zajednička svim živim bićima i vodi harmoniji čovjeka s prirodom. Stoga je slika uvijek nagovještaj, ona je upućena na naše osjećaje, a ne na vid. Podcjenjivanje je poticaj za dijalog, a time i za povezanost. Na slici su važne crte i točke - oni čine umjetnički jezik. Ovo nije sloboda gospodara koji je, gdje je htio, tamo ostavio podebljani trag, a na drugom mjestu, naprotiv, nije ga dovršio - sve na slici ima svoje značenje i značaj i ne nosi slučajni karakter.
Drugo, boja uvijek nosi neku vrstu emocionalne boje i različito je percipiraju različiti ljudi u različitim stanjima, stoga emocionalna neutralnost omogućuje gledatelju da na najprikladniji način uđe u dijalog, organizira ga za percepciju, razmatranje, razmišljanje.
Treće, ovo je interakcija yina i yanga, a svaka jednobojna slika skladna je s obzirom na omjer trupa i netaknute površine papira u njemu.
Zašto se ne koristi većina prostora za papir?
"Pejzažni" Shubun, sredina XV stoljeća.
Prvo, nepotpunost prostora uranja gledatelja u sliku; drugo, slika se stvara kao da se na trenutak pojavila i uskoro će nestati - to je povezano sa svjetonazorom i svjetonazorom; treće, na onim područjima u kojima nema tinte tekstura i nijansa papira dolaze do izražaja (to se u reprodukcijama nije uvijek vidljivo, ali u stvarnosti je to uvijek interakcija dvaju materijala - papira i tinte).
Sessu, 1446
Zašto pejzaž?
"Kontemplacija vodopada" od Gayamija, 1478
Prema japanskom svjetonazoru, priroda je savršenija od čovjeka, stoga se od nje mora učiti, na sve načine voditi brigu o njoj, a ne uništavati je i ne podčinjavati joj. Stoga u mnogim krajolicima možete vidjeti male slike ljudi, ali one su uvijek beznačajne, male u odnosu na sam krajolik ili slike koliba koje su upisane u prostoru koji ih okružuje i nisu uvijek uočljive - sve su to simboli svjetonazora.
Sessu "Sezone: jesen i zima" "Pejzaž" Sessu, 1481
Zaključno, želim reći da jednobojno japansko slikarstvo nije nasumično prskana tinta, nije hirov umjetnikov unutarnji ego - to je čitav sustav slika i simbola, to je spremište filozofske misli i, što je najvažnije, način komunikacije i usklađivanja sebe i svijeta.
Evo, mislim, ovdje su odgovori na glavna pitanja koja se postavljaju kod gledatelja u sudaru s jednobojnom japanskom slikom. Nadam se da će vam pomoći da to najbolje shvatite i primijetite na sastanku.
