Тиберий Силваши: За нашето поколение филмът беше всичко. Изпълнител Силваши Тиберий Йосифович Пазар и артистична стойност
Силваши Тиберий Йосифович е известен украински вентилатор.
Учи през 1962-1965 година. в републиканското художествено училище през 1965-1971 година. В Киевския художествен институт (проф. Яблунсхая T.N.)
От 1968 г. член на Съюза на художниците. В периода от 1978 до 1985 г. въведох програмата на "хронореализма", в която е формулиран тогавашният обект на рисуване.
През същия период, до 1991 г. работи върху създаването на филми на украинското студио на хронично документалните филми.
През 1985 г. първата изложба на произведения като част от "Изложбите на творбите на осемте млади художници", Централната къща на художника, Москва.
През 1987 г. преходът към неплетично (нередационално) живопис.
- Тиберий Силваши е основател на живописната посока на недиацията. Това е художник, за когото основната форма на работа е живопис. Най-важното за него като художник е цветен феномен, който се разкрива като цветен организъм с нейните модели: свободно, без диктет на художника, който е просто инструмент за цветно проявление, преход от онтологичното състояние в екзистенциално.
Рисуването е възможност за феноменалното ниво, за да се говори за метафизични, което е същността на нежеланието. Undractivity не показва реалността, а самата е реалност, обявява рисуване в чистата си единица. " Цитат от сайта http://www.karasgallery.com/
1987 г. - секретар на младежката секция на Съюза на художниците на Украйна. Работата на Тиберий Силваши в състава на изложбата на изложбата All-Unravian-1987 допринесе за популяризирането на художниците на "новата вълна", организатора и куратора на плен и изложби на млади художници "Reselle-88 "," Reselle-89 ".
От 1992 г. - организаторът, главният идеолог и участникът на артегрупата "живописен резерват".
През 1993 г. първата лична изложба "живопис" в галерията "Espace Croix-Baragnon", Тулуза.
През 1995 г. наградата в номинацията "художник на годината", международен художествен фестивал, украинска къща, Киев.
Тиберий Силваши на работа в "I-галерия"
Многобройни лични и групови изложби в Киев, Москва, Виена, Мюнхен, Париж, Тулуза и други градове на Европа.
Той участва в малка роля на дисидента на 80-те години във филма на Balayan Roman "Paradise Birds" (2008).
Признатят майстор на неверното живопис, получи неофициално заглавие, характеризиращи живописния си подарък - "император на цвят".
Както е написан известният френски критик, "Силваши дава живописна материална изразителна сила, надарена, така, символична роля в изразяването на най-нематериалните мисли и чувства, които пресичат жаждата за абсолютната, присъща на своите предшественици Малевич, Кандински , Родко, Клайн ..
- Имаше време, когато казах истории. Нещата, които сега правя, вече е трудно да се наричат \u200b\u200bснимки. Това е доста оцветени предмети (не живописен, но цвят). Те са обект на съзерцание. Те са реалност.
Цветът парадоксално съчетава същността и енергията. Цвят за мен е средство за виждане на света. Той съществува за мен като вещество като въпроса, в който поставям опитите си да постигна взаимно разбирателство със света. Боядиозният орган има тайна дискурс. И най-великият от тях е цвят. " - Тиберий Силваши
Тиберий Силваши "Син проект" (презентация в Галерия Карас, Киев) - 2003 година.
Снимки Тиберий Силваши са в Мюнхенски музеи, Виена, Ню Джърси, Запорижд, Харков, Ужгород, Киев, както и в частни колекции в Европа и САЩ. Живее и работи в Киев.
Тиберий Силваши притежава корона фраза: "Докато в Киев има дефата (" Инфанта Маргарита "Диего Velasqueza в Музея на изкуствата, кръстен на Богдан и Барбара Ханко), той създава такава област, която просто не може да пише зле."
Тиберий Силваши - художник от следните диамери:
Бяло царство - 1985 година
Художник Тиберий Силваши с право се нарича патриарх на украинското абстрактно изкуство. В продължение на няколко десетилетия, в ред успя да остане не само един от най-търсените украински художници, но и една от най-емблематичните фигури на съвременното украинско изкуство като цяло. Тиберий Силваши не е просто художник, той също е сериозен теоретик на изкуството и мислител. Въпреки факта, че като художник той винаги оставя разказността, в живота на Силваши е невероятен разказвач. Подобно на неговото изкуство, неговите истории разкриват нови хоризонти пред слушателя, като я оттеглят на нови нива на разбиране на абстрактната живопис. В този смисъл Силваши е абсолютен проводник на промяната.
За устройството на матрицата на украинската визуалност, за това как картината е различна от картината, както и работи от живописната серия "Работа на хартия" Tiberius Silvashi каза списание Art Ukraine.
Тиберий, галерията "Bottega" наскоро завърши новата ви лична изложба "Работи на хартия". Моля, кажете ни за този проект. Ако не греша, някои от творбите вече са показани в рамките на "Арсенал" на тази пролет?
Да, наистина, вече сме показали част от работата от тази експозиция в "Арсенал". C Marina Scherbenko имаше идея да покаже този проект в пространството на Schecherbencoarter.
Но с течение на времето стана ясно, че работата трябва да бъде изложена на белите стени и ние преместихме изложбата до пространството "Bottegi". Обикновено имам доста ясна представа за експозицията и самият процес ми отнема кратко време. Подготвена работа, коригирано разстояние, паузи и почти без промени. С тази изложба всичко беше погрешно: цялата концепция за експозиция на сградата беше разбита от бяла Passecut, или по-скоро техния размер. Бялото пространство работи много специално с всичко, което е свързано с монохром и геометрична абстракция: всеки въведен елемент става част от работата и структурата, с която работите. Така излезе тук.
Например исках да повиша работа по блокове от 4 или 6 творби. Но се оказа, че в този случай са твърде отделени в пространството. И бялата хартия PASSECUT дава толкова леко зигзагово облекчение. Сенките от хартия също започнаха да работят, създавайки допълнителен ритъм в пространството на галерията. В комбинация с активен цвят в тези блокове те просто "разкъсани" стени. Разбира се, в някои случаи би било възможно да се играе с тази празнина. Но тогава имаше друга история, така че трябваше да отида в кардиналните промени и да събера експозицията от черно-бели работи и работи с много малко количество цвят.
Готовата вече експозиция трябваше да повтори движението. Така че проектът се появи и на работата, която вече е показана по-рано на "Книга Арсенал". В резултат на около 30 готови "ценни книжа" от тази серия, около 15 бяха включени в експозицията на изложбата "Работа на хартия".
Трябваше да завърша конкретно или цялата работа за изложбата вече беше готова?
Не, всичко вече беше готово. Работя почти постоянно, успоредно с големи размери на домакина.
Това означава, че "работа на хартия" не е еднократен изложбен проект, а сценичната серия продължава във времето?
Да разбира се. Тази серия продължава много години. Направих първия през 1993 година. В Тулуза. Не можех да нося дрипи, за да изтрие четките, но в семинара имаше кип от френските вестници, които започнах да използвам за тази цел. И така, триене в тях боята, открих, че ефектът е интересен в изненада. И това беше, което се нарича "ефектът на случая", когато вие, без да гледате, без да мислите, просто автоматично да правите някои жестове и да получите неочакван резултат за себе си. Е, всъщност това беше толкова чисто "автоматично писмо" на сюрреалистите. Като цяло ми се сториха изключително интересни. И самата технология е доста проста и механизмът на действие на случая. Оттогава винаги съм подготвял за себе си редица хартия или картон за работа, където по всяко време може да отложи някои идеи, върху които работи. С течение на времето, разбира се, напуснах изразителната система, в която бяха направени първите произведения и постепенно преминаха към по-строга работа на ръката. И по-малък случай.
Със сигурност един и същи цвят може да работи напълно по различен начин върху платно и хартия. Това е вярно?
Знаете, вероятно, той се отнася до по-ранни неща. Има и тази разлика. През последните години това разграничение се изтрива и броят на пластмасовите елементи е намалял до минимум. Тук има друг важен артикул: Боята затваря текста. Текст отпечатан и боя затваря информацията и фактите на ежедневието.
Работа от серията "работа на хартия"
Цвят, защото една от основите на цялата ви художествена практика. Цветът работи наистина магически, "затягане" на зрителя вътре в работата.
Е, надявам се ... да, цветът е един от основните ми инструменти ... Вие сте абсолютно прав, някои от тези метафизични неща са несъмнено присъстващи.
Цветът ви е може би дори повече от един цвят: това е някаква "цветна светлина" или "светлоцветна" ...
Толкова съм писал чрез тире, "цветна светлина". И точката тук е не само в някакво физическо присъствие на пигмент, материал, независимо дали е маслена боя, аквалор, температури, емулсия или акрил или някакъв индустриален емайл. Най-важното е разликата между самолетите, относително говоренето, затворената боя и самолети, затворена боя, която умножава цвета, превръщайки го в цветна светлина или светлоцветна, както искате. И тук е много важно разликата, за която винаги казвам - разликата в определенията между "художниците" и художници. "
В края на краищата, имате класическо образование, сте учили в хода на Татяна Яблунская ...
Да, изучавах в манументалния отдел за живопис и академичното училище беше много добро. И монументалният факултет даде възможност да се опитат различни материали, да усетят разликата между тях, границите на тяхната експресивност и, разбира се, работят с пространството.
Как основният ви интерес в абстрактната живопис?
Това е дълга история, тя започва да не в един ден и започва напълно от другата - с дефиницията на предмета на изкуството, важна за мен. Имах неясна представа за това, което искам, но знаех точно какво не искам да правя и няма да го направя. Беше дълъг период от проби, отхвърлянето на формите, които не ме подреждат, докато се оказа, че обхватът на въпроси, около който е фокусиран интерес, много далеч от естеството на самата картина. И се оказа, че това е категория време.
Време, заедно с цвят, още един от ключовите вектори на вашата художествена практика. Това означава, че категорията на времето се интересува от вас от самото начало на вашата работа, от младостта?
Да, този интерес се проявяваше по време на обучението и в ранните години след Института, когато почувствах безпомощност пред безспорващ проблем. Така че, това беше категорията време, която ме доведе до това, което се нарича абстракция, и след това още повече. След Института вече беше ясно, че писането все още живее в живота, пейзажи и портрети, които не се интересувам. Разбира се, аз знаех всичко това, но вече разбрах, че очевидно има нещо друго, нещо "отвън". Например, ако напишете табуретка, това означава, че този образ трябва да бъде включен в нещо, той е написан. Важно е не добре да напишете обект или да разкажете за това някаква история. Трябва да има нещо друго.
Постепенно идеята придоби повече или по-малко ясни очертания. Примерни пластмасови форми на нейното прилагане станаха ясни. През 78-та година програмата на хронореализма за мен е най-накрая фиксирана. Значението на нея, грубо казано, беше, че има време субективно и време, както го определих, метафизични. Има миг, в който сме и го преживяваме субективно, много точно представяме себе си и за себе си и в контекста, в който той е поставен. Но в същото време, от нас, това, което се нарича свят метафизични времена. Тук е комбинацията от тези две времеви категории и ме интересува. Така в мен започва да се подрежда, което по-късно придобива доста точна формулировка в "хронореализма". Диаграмата, върху която е построена пространството на картината, е проста, почти хипералният образ съответства на специфичен описан епизод или сцената, и за пространството на метафизичното време - равнината на чист цвят. Има цвят, има специфична изобразена ситуация и в същото време има нещо извън тази сцена, което е невъзможно да се обясни.
Изповядвам, за да го приложа не е лесно. Ако е откромно, тогава може би работи 5-6 от този период повече или по-малко съответства на това, за което говоря. Имаше друг проблем. В края на краищата беше необходимо да се свържат две пространства на една и съща равнина с различни потоци от време, което според мен не е било много свързано. Имахме нужда от трети елемент, който няма да принадлежи на никого от пространствата, но ще установи връзката между тях. Такъв елемент за мен беше автоматичното писмо, направено от сюрреалисти, такова мръсно пръскане е "капиране". Въвеждането на трети механичен елемент в две неразрешени време създаде определено еклектично пространство, което ми позволява да реша задачата за свързване на субективно и метафизично време. Такъв "еклектичен софтуер". Трябва да се каже, че все още е до известна степен класическа картина, с всичките му елементи. Дори рамката под формата на фин дървена покривка присъства и "хоризонтален поток от време" на разказ на разказ. Като цяло, по-скоро наивна идея, но за мен това беше важен етап. И тук, на изложението "Осем украински художници" в Централния комитет, в Москва почувствах тази тема изтощена.
Започнах да се движа в посока на метафизичното време и така сам имах известен преход към факта, че бих нарекъл абстрактна картина, особено след като имах интерес към нея за дълго време. Дойдох при факта, че не можех да продължа да правя това, което направих преди този момент. И в същото време беше необходимо да продължим, защото през цялото време бях участвал в някои проекти. Оферти за изложби, договор и в Киев, изложбата се проведе зад изложбата. Като цяло е необходимо да се работи. Но вече беше ясно, че отпред имах съвсем различен етап.
Започна преструктурирането, бях избран за секретар на клон на Киев на Националния съюз на художниците да работят с млади художници. Отидох да работя с главата си. Имаше огромно количество организационна работа и се оказа, че в продължение на две години почти не работя като художник. Така се преместих на мен два пъти напред: Какво трябваше да започне през 86-87-та година, беше преместено по-близо до 89-90. Но тази почивка даде възможност да се разберат много неща по определен начин.
Имаше младежки изложби, Daily Plenii, имаше много интересна работа. Невероятната енергия на промяната беше проникнала всички. "Младежката" изложба от 1987 г. реши много. Беше там (и след това за първи път беше разрешено младото изложение), ядрото на бъдещите "маргаритки" беше оформено. По време на изложбата предприехме адреси и телефонни номера от момчетата, формирани списъци за бъдещето. Беше ясно, че те трябва да бъдат събрани заедно за сътрудничество. Така се роди идеята за отделна група.
Работа от серията "работа на хартия"
Това е, всъщност, беше кураторна функция?
Да, вероятно това е първият проект на куратора. Саша Соловов пое функцията на комуникацията с художниците, той имаше всички необходими телефони и адреси. Сформирахме доста голям списък на художници, с които планирахме да работим. Това беше 87-тата година, а през пролетта на 88-ия бе планиран за първия семеана.
Вие сте прав, това е наистина пълноправен кураторски проект, защото е необходимо да се събират хора, да се създаде програма, да се направи изложба за резултатите от по-пленника - като цяло, пълна гама от кураторски функции.
Друг от моите функции в разнообразието на Секуер трябваше да говори с художниците за тяхната работа. Всеки ден обикалях всички семинари и общувах с художниците, "прогресирах" към всяко от тях нещо, което можеше да помогне в работата му. Трябваше да се науча да "превключвам", премествам се от един семинар на друг - наричах "пластмасова мимикрия", защото винаги съм се опитвал да участвам в пластмасата на всеки от авторите и да разбера какво иска да каже, и как да кажем Помогни му. Не всички, разбира се, защото част от момчетата бяха с абсолютно формирана пластмасова система и умение за изпълнение. Беше интересно да се научим от тях.
Първият дневен плен се превърна в пробив във всички сетива.
На първия ден царува такава невероятна атмосфера на приятелството, единството, което, в крайна сметка, художниците не искаше да се раздели, даде един на друг да работи работа. Така че имам малка среща оттам (Показва една от стените на семинара - прибл. Автор).
Все още вярвам, че основният резултат от първия пленядър не е бил, че той събира група автори, а дори и нещо, което дадена програма е подредена, но фактът, че художниците се разбраха като поколение. След това те усетиха необикновената нужда един от друг. Някъде по средата на пристигането в Киев имаше слухове, че "нещо е направено там", започна да поклонителят, момчетата идват от цяла Украйна. Някой дойде през уикенда, някои останали дълго време. Короната на тази история е пристигането на младежката комисия от Москва. Изведнъж призивът от Съюза на художниците: "Пригответе се да отидете в Москва Комисия!". И аз, разбира се, знаех тези хора и знаех, че в Москва и Сканджа (творческа база близо до Москва), те никога няма да отидат никъде. След това есента имаше младежка изложба в Москва, в мана и изложбата не се предаде, когато гласуват нашата работа. И преди това в къщата на художника в Киев. Идеологическият отдел на Централния комитет "преработи" САЩ и от сцената на дискусията и в пресата. Но тогава всичко се движеше на 91-та година и никой не можеше да ни попречи.
След втората Сейнева получихме възможност да направим изложба в Националния музей. Това беше признание, че денят е феномен. Имаше огромна експозиция в Нацуза, която дадохме три стаи на втория етаж. Беше важно, защото произведенията бяха много широки формат, просто огромен. Тогава казах, че ако виси чисто платно от 1,5 x 1,5 m на стената, това ще бъде просто чисто бяло платно. Ако вземете чисто петмесечно платно, това е концепцията (Смее се - прибл. Автор). Платното на този размер вече работи монологично. Това беше много важен експеримент, свързан с размерите на рисуването в начина, по който работи. И разбира се, енергията в такова платно е мощна. Да, и момчетата работиха продуктивно - например, Олег Голосий или Паша Кереши можеха да направят 2-3 големи платна на вечер. След второто планово се случва определена почивка. Нещо беше погрешно, всички започнаха да се повтарят. Беше чувство, че всичко спря и не се движи по-далеч. Решихме да пропуснем 90-та година, а третият полумедър вече е прекаран в 91-те.
Връщане към личната ви художествена практика. Кога го възобновихте след почивката?
Това беше 89-та година. По времето, когато вече бях готов да се върна към активна работа. Но имаше една фраза, която ме буташе, за да го направя без закъснение. Една от критиците написа една статия за маргаритките, изглежда, че е някакво полско списание, а в материала му се споменава "собственик на затвора на Тиберий от Силваши". Виждате ли, аз не бях художник, но "организатор"?! На следващия ден бях в семинара.
Е, разбира се, този път "паузи" беше времето на разбиране на важни проблеми за мен. Освен това погледнах артистите, които споделиха идеите близо до мен и заради подаръка им бяха близо до мен. Тогава ги подчертах в отделна група, просто в съчувствие и конфлексирано приятелство, без някаква конкретна цел.
Очевидно е, че говорите за "живописния резерв". От вашето описание следва, че той е и проект на Curactor ...
... да, вероятно .... (усмивки - прибл. автор). В разговорите, при обсъждане на работа в семинари, изграждане на верига от предшественици, логична линия на непрекъснатост, прехвърляне на "Мостков" между отделните практики на художници от 50-60-те години. , Авангард 10-20s. и свещено изкуство. Всъщност "резервът" съзнателно пое работата по пълненето на лакуната на модернизма. Между другото, почти едновременното появяване на "Парижката комуна" и "живописния резерв" е парадоксален феномен в нейната асинхроза. Ние чувстваме този асинхронност досега в обществото и в културата. И може би се вписва в двоен модел на развитие на обществото - модел Wilder (Waiter Pensfield, автор на двойния модел на развитие - бележка. Автор).
Парижката комуна и цялата транзистоагаранда е изградена върху механизма на разказ, работещ с мита, за изграждане на определени културни кодове, докато нещата, свързани с абстракцията, с която работихме в "живописен резерват", от разказа, останали. Ето защо в 92-93. Започнах да замислям голям проект "Nanarrativity", който в крайна сметка е бил реализиран, изглежда в 95-та. Nanarrativity е много важен елемент, който, да кажем, изправени пред разказа, построени от художници на Парижката община.
Оказва се, че художниците на Парижката община и "изобразителния резерват", като вертикален и хоризонтален, заедно формираха определена матрица на украинската визуалност ...
... говориш абсолютно правилно. Вие дори формулирахте точно както аз наричах текста, който все още не мога да завърша - "матрицата на украинската визуалност". Можем да кажем, че вертикалът на тази матрица е "резерв", а "Парижко община" отговориха на хоризонтала на разказ. Това не означава, че няма нищо интересно до тези групи. Това изобщо не е така. Просто някои интрони на историята излагат дизайна на това, което ние определихме като матрица. Психичните механизми, скрити за времето преди времето, структурата на художествения език започва да влияе на избора на художествени стратегии. И този избор е интуитивно или умишлено произведен, ценностите нямат. Това е специален случай на действие на историческите сили.
И много важно нещо на официалното ниво. Защото всичко, за което говорим, е насложено върху историята на картината като такава. Картината се случва точно когато възникне проблемът с отношенията с предмета. Автономна тема, която обмисля през света на прозореца като обект. Не цялата тази боя е написана, е живопис. Има добре установено мнение, че рисуването винаги е картина. Ние говорим за рисуване и го виждаме само в една форма, формата на картината. Но по мое мнение това не е така. Рисуването съществуваше преди появата на картината и ще съществува след него. Оцветено стъкло - същата картина, тя е инсталирана във времева светлина. Работата на същия Роуско е цветни инсталации в пространството, това е същата картина, която вече е извън картината.
Тук е господството на произведенията на изкуството във всички видове (от транснация на абстрактни) в Украйна и в Киев, както в случая с две от нашите групи, и всичките им други сортове, позволиха да се разгледат и анализират разликата неговите видове функции. Тогава ми стана ясно, че не всичко е написано в бои, тя е картина и аз въведох за себе си концепцията за "художник" и "художник" като две цифри с напълно различни стратегии и съществуване в рамките на чл. Но това е една част от проблема, а другата е функцията на "снимките" по време на разпадането на връзката на връзката, когато зрителят става част от пространството на работата. Това вече си струва опитът на минимализма. И с влизането в електронната ера, разговорът обикновено е различен ...
Връщане към категорията на времето, с което започнахме. В древна гръцка философия няма такава, но няколко богове, отговорни за времето. Има хроно, който е отговорен за членството на времето - от секунди и минути до години и векове. Има еон, която работи с безкрайно време. Този път, който няма край, потокът от време. Така че "художникът" работи с Ен, с безкрайно време. И "художникът" винаги работи с времено време, с хронос. И това е членството, което е основно за появата на картината. Снимки, ограничени във времето и в космическата рамка, пряката перспектива, единството на времето и действията, кои артисти силно се стремят да преодолеят, се изпомпват във всички видове трикове. Това е рационално пространство, изобразяващо някаква история или история за събитието. Докато "боядисване на живопис", дори съществуваща картина под формата на картина винаги е неизследван времеви поток. И образът играе спомагателна роля в нея. Плазменото пространство на живопис действа в различен принцип. Може би думите на Лакан, че в "обект на съзерцание" има определено "сляпо място" на визуално желание, което той се позовава на "вида". Но този "виж" не принадлежи на темата, но е невидимата стръв на самата нещо (живопис).
От Лакан, в този "поглед" темата губи себе си и се проваля в несъзнателната същност на съществуването му. Тук не се занимаваме с изображението, но с граници с продължаването на реалността на елементите, които генерират рисуване. Смята се, че рисуването на всичко, което е написано. Формално е. И там и има повърхности на боя. Въпреки че Вече Вазари отличава "художниците-венецианците" и "флорентинците", отбелязвайки най-новото разпространение на формата. Така че, ако изключим това, което е естествен дар, за да видим света като цветен поток (а именно, ние наричаме оцветяващите), тогава само разликата в използването на времето ви позволява да разберете естеството на това, което наричаме "рисуване". Истинската живопис върху "черната дупка" поглъщането поглъща времето и пространството. Преди такава картина губите физическото чувство на време и попадате в него, както в лишаване на гравитационно пространство-продължаващи. И това не е очаквано решение, а опит за анализ на природата, такъв феномен като живопис.
Така че, продължавайки историята на "резерва" ... в някакъв момент, някъде в средата на 90-те години, ние усетихме изчерпването на колективните действия. И като след това говорехме, влязохме в индивидуално плуване, всеки с техните идеи и приоритети. За мен опитът на Ива Клейн и минималистите и монохромистките художници също бяха важни за мен. И, разбира се, беше невъзможно да не се вземат предвид опита на концептуализма, преодоляването му. И тогава се опитах да работя с тези проблеми: с "цветни обекти" вместо снимка; С "цветово пространство", заминаване от "езикови игри", намаление на визуалните елементи. За щастие и Марина Шчерленко и Павел Гудимов (Собственици и куратори на галерия, с които работи Тиберий Силваши - прибл. автор) Разбрах какво правя и помогнах при изпълнението на проекти. Но, разбира се, почувствах сам с идеите си. Трябваше да изчакам почти цялото поколение, докато ще се появят нови хора, които бяха близки до (в по-голяма или по-малка степен) идеите ми. Така че групата "Алианс 22" произхожда. Като цяло, колкото повече, толкова повече виждам художници, привлечени в този процес.
Разкажете ни за работата с тази група. Наскоро съществува ли тя сравнително?
Трета година. Групата включва артисти на Бадри Губианури, Сергей Момот, Константин Рудшко и аз, малко по-късно, жената е включена и в броя на бащите и жената е философът Ян Волкова. Всичко започна с международен семинар за непринативно изкуство в галерията "Bottega". Всичко беше прекрасно, но имаше чувство, че това не е достатъчно. И тогава Бадри предложи музея Булгаков като платформа, където можем да проведем срещи и дискусии. Оттогава всеки 22-та от всеки месец показваме личния проект на художника. Обикновено това е една работа - живопис, обект, фотография. Не забравяйте да бъдете създадени в сътрудничество с някой от представители на други професии - музикант, философ или друг художник. И твърдите параметри са минимализъм, геометрична абстракция, монохромен.
По едно време, "живописният резерв" се събра тук, в моя семинар всяка година на 27 декември. Сега тази традиция наследява "алианса 22". Вероятно тя е свързана с моята любов към ритуала и повторение, и в допълнение, отново ни се отнася до цикличност на времето.
Какво работи сега "Алиансът 22"?
Миналата година решихме в третия сезон да преформатираме работата си и да работим за шест месеца с определени категории, като например "време", "цвят", "светлина" "материал", "структура", "език". Първите два проекта в такъв формат бяха теоретични и бяха посветени на темата на времето. Мисля, че ще продължим да проучваме тази тема. Както можете да видите, какво започна от хронорелизма, постепенно се влива в такива форми.
Казахте, че чакате артисти, с които можем да продължим да стартираме с "живописен резерв", почти цялото поколение, повече от 10 години. И ако говорим за ново поколение млади художници, тези, които са обичайни, наречени "Нова кръв"? Виждате ли тези, които ще започнат да дишат в задната част на 30-35-годишните?
Да, разбира се, това е само възрастта на разбиране и мястото му в изкуството. Струва ми се, че те продължават същите идеи, които започнаха предишното поколение художници. Те са критични, социални, свободно чувстват при избора на среда и форма. Радвам се, че много от тях се интересуват от проблемите, които "резерв" започна да работи. Но, разбира се, това е съвсем различно и приятел. И ако говорим за съвременна картина, тогава осъзнаването и задържането на собствените си конвенционални, "автономни" и структурирани в техните вътрешни закони са важни. И работи като "реалност" именно поради неговата конвенция.
За мен грижата от всякаква функция на разказ е много важно нещо. Например, пиша много текстове, за да разбера какво работя. Но в същото време се опитвам да максимизирам практиката на рисуване от областта на дискусията, за да минимизирам пространството на интерпретацията. За мен сега е по-важно как се изграждат механизмите за производство на визуални. Как се създава място, обичайно за работа и за включен в него лице. И това не обмисля "красивия" обект "и производството на ситуацията, всеки път, уникален за наблюдателя. И видима - само част от тази схема за пресичане между работата и наблюдение. Един известен монохром каза веднъж: "Има толкова много цветове в света - живеем в действителност, където всичко е абсолютно цвят." И това е вярно, особено сега - първата природа днес е скрита от втория.
Втората природа е технологична, тя е характерна за изобилието на медиите, светли, прекомерен цвят на рекламното клише, всичко това е солидна картина. Така че монохромът "разрязва" цвета от този хипекуртен свят и го прави изолиран. Той е изолатите какво навсякъде. Може да се каже, че монохромът е най-критичен по отношение на външното общество именно, защото ограничава нейните външни прояви. Вие сте висяли и ограничавате цвета и кажете: "Това е всичко." Това е да вземеш и да нарисуваш квадрат на пясъка на плажа. Ограничете този квадрат сред пясъците. Това е определено вътрешно ограничение, не е толкова лесно да се работи с това.
Връщане към темата на младите художници. Някои от тях днес изграждат кариерата си, заобикаляйки Украйна като зона от интерес. Дори работи в Украйна, те мислят. Разреждате ли такива тенденции? Или нормално ли е?
Това е напълно нормално. Не виждам нищо ужасно в него, освен това е само възрастта, в която си струва да пътувате и да се учим. Е, за да разберем какво е модерна система за изкуство. Арт индустрия с всичките си институции, представляващи структурата на властта. Накратко, днес художникът има индивидуален избор - избирате, включите в тази система или не, колкото е възможно повече, за да се адаптирате към него.
Не мога да задам въпроса за взаимодействието на зрителя с вашето изкуство. Мода за изкуство Тъй като вид пресечната точка е довела до това, което зрителят често очаква изкуството на привлекателността днес. Но вашият зрител, може би, все още е по-внимателен и "гледане"?
Мисля, че да. Но това е много малък брой хора. Вие разбирате кога в началото на 90-те години започнахме да работим с "живописен резерват", това, което направихме, беше "нашият" и за малък брой хора. Разбира се, през годините всичко се е променило. Мисля, че можем да кажем, че сме отглеждали зрителя ви.
Тиберий Силваши е украински художник, без който домашното художествено пространство не би било, както го познаваме днес. И тогава въпросът дори не е в делата си и невероятната последователност, с която той развива езика на абстрактното изкуство, но в самия човек.
Трудно е да си представим, че със скоростта, на която се променя нашата художествена среда, изглежда невероятна, един и същ човек може да бъде авторитет и за поколение повече съветски художници от 80-те и революционните 90-те години и политизираните 2000-те и продължават да бъдат Важна фигура за най-новото поколение украински художници.
Невероятният начин в този човек комбинира две, това би изглеждало взаимно изключващи се качества: ограничителната чувствителност към всичко, което може да се дължи на сферата на естетиката и студената рационалност.
Някога намерил своята "точка на равновесие", която му позволява да не е десетилетие, за да бъде в преден план на художествения живот, никога през това време, без да удря "резервната пейка".
Говорихме с Тиберий за неговите творби и украински модерност, учители и отношения с пазара, както и за родството на абстрактното изкуство и алхимия.
Художник и общество
- Как живее Тиберий Силваши в това време и пространство? В Украйна в края на 2013 г.?
Този въпрос е трудно да се отговори на една стая. Живеем в много трудно време и в много трудно общество. Бих искал да кажа, че съм щастлив и прекрасният ми живот.
По-скоро животът се състои от щастливи моменти на пълнотата на живота и тъжното състояние на несъвършенството на човека и обществото. Аз върша любимата си работа през целия си живот ...
Сега периодът, в който опитът съвпада с възможностите. Успехът са същите органични, както и усилията, свързани с това, че те се случват. Загубите се компенсират от радостта, която са близо до хората.
А годините в изкуството и в едно и също общество бяха принудени да изградят такава система от приоритети, които биха ми позволиха удобно да съществуват във всяко време и пространство.
- Какви са тези приоритети? Може ли да станат универсална рецепта за удобно съществуване?
Не, мисля, че това е моят човек. По-скоро това са методите на психологическа самозащита на тялото, което позволява да се изгради живота си по такъв начин, че да мога да работя и съответно да дам семейството си, да помагам на децата ...
Не ми харесва тази дума "удобна", тъй като тя незабавно изгражда системата на компромиси, аз не говоря за компромиси, но за такъв начин на взаимоотношения, че колкото е възможно повече възможностите на всяко общество под натиск върху мен.
След като казахте, че влизам в семинара - вие сте само художник и излизате от него - станете гражданин. Как го управлявате? Дръжте своята вътрешна територия на свобода, като сте вътре в постоянното положение на конфликта, в който всички сме днес?
Струва ми се, че съм поне малко, но разбирам тези механизми, благодарение на кое общество функционира.
Може би това е илюзия, но имам разбиране за това как нашата професионална общност е включена в тези механизми, тъй като взаимодейства с глобалното културно пространство и др.
Това е като в абстрактно изкуство, когато те са попитани, отколкото едно монохромно платно се различава от другото, аз отговарям: разликата в структурата. Ако видите структурно ниво, тогава много механизми, които работят в изкуството, странно достатъчно, и се проявяват в обществото.
Ако нашите политици мислят за случилото се в началото на 90-те години в изкуството - те биха разбрали как същите процеси са определили и за социално развитие. Изкуство, мисля, че по-рано реагира на публичните промени. Това е просто трябва да ги видите.
- Какво имате предвид?
В края на 80-те години началото на 90-те години в украинското изкуство имаше ситуация, когато беше необходимо да се направи избор на модел, на който да продължим напред. Този модел определя по-нататъшното развитие на чл.
След това имаше очевидна конфронтация между двете групи - две умствени структури - разказ "Парижко община" и несполудна "живописен резерват". Човек се обърна вътре в съветската живописна традиция, като по този начин продължава, а другата призова прехода към напълно различни модели.
По същото време и всички процедурни проблеми на нашата художествена система. Например, когато съветската система се срина, ние се опитахме да наследим западните модели, но да ги пресъздадем в условия на страната.
След това, в условия на ужасна инфлация, бартер беше обичайна практика. И започнахме да плащаме снимки за изложби и проекти. Така се появи, с което всичко се бори.
- Така че въведохте тази порочна практика?
Да, за съжаление, влязохме и сега никой не знае как да се отърве от него. Не знам дали някой го е използвал за нас, но за първи път го прилагаме в третия "дим" ( говорим за известни заседнали места, организирани от Тиберий Силваши в превишаването на ръководителя на младежката секция на клон на Киев на Съюза на художниците през 1988, 1989 и 1991 г. - Ед.).
Тогава това е спасение, сега е очевидно, че ситуацията се е променила драстично, но този механизъм все още е останал, ние се борим, но не мога да го променя. Уви.
 |
- Ако бъдете предложени да реформирате нещо в социално устройство, какво бихте променили първо?
Страхувам се да се намесвам в реда на нещата, защото той, този ред ще продължи независимо от вас, вашите усилия, вяра, за това, което го правите. Направихте някаква работа, нещо се е променило, но само на повърхността. И на това вътрешно структурно ниво се оказва, че не са настъпили промени.
Нуждаем се от време и взаимодействие на различни сили. Разбира се, трябва да се направят усилията, това е резултатът да бъде точно обратното на вашите очаквания.
- Това е вашата рецепта: идея?
Може би да.
- Вие не вярвате, че художникът е в състояние да повлияе на нещо?
Това засяга, но на друго ниво. Ние сме повлияни днес, възприемаме като пряко действие. Способността да влияе директно. Докато художникът засяга по друг начин.
Всеки знае доста справедлива формула Пикасо, че можете да игнорирате постиженията на изкуството, но те все още ще дойдат във вашия дом под формата на тоалетна.
Изкуството ви позволява да видите света отвътре. Човек обикновено се плъзга над повърхността и художникът вижда връзката между тях. Скрити връзки. Това е като в живописта: художникът е в състояние да види как се сблъсква живописната сила, докато обикновен човек остава на нивото на платна повърхност.
- Но какво тогава одобрението на момчетата, което всеки човек е художник?
Мисля, че е развълнуван. Ако си спомняте Мераб Магамдашвили, тогава той каза, че е необходимо ежедневно усилие, за да остане човек, и за да остане художник, може да е, може да е повече за няколко порядъка.
- Понякога дори разбиране как е подредено всичко, това се случва, че художникът трябва да вземе политическо решение в областта. Например, както в случая с боядисаната работа на Владимир Кузнецв в "Myskom Arsenal". В тази ситуация всеки, който участва в изложбата "велик и величествен", цялата професионална общност беше принудена да вземе някаква позиция. Сега се оказа в бойкот. В тази уязвимост на вашата теория: едно разбиране не винаги е възможно.
Първото ми желание, когато разбрах за този инцидент, беше да премахна работата си от изложението, защото случаят е наистина очевиден. Но след един час осъзнах, че е невъзможно да се направи това. Сега, след време, мисля, че това е правилното решение.
Разбира се, това е акт на вандализъм, но да бъде включен в бойкотната ситуация, също е непродуктивен, когато се занимаваме с напълно формирана от институцията.
Забележително е да бойкотира западни институции с утвърдени механизми за функциониране. Ние всички сме все още в процеса на формиране и тук е необходимо не е строга конфронтация, а диалогът. И в този случай първоначално беше ясно, че няма да има диалог. Както показах резултата - диалогът не работи.
И също така, може би най-важното нещо. В края на краищата, за скандала, за разглобяването на групи, конфронтация на гордостта, беше пропусната уникален случай за анализиране на това, което може да се нарече матрицата на украинската визуалност. Но на тази изложба в едно пространство бяха събрани творби, чиято артистичен код, с внимателно четене, даде възможност да се видят някои закономерности на историческото развитие на нашия визуален опит.
Освен това тя е регистрирана в самата експозиция. И никой не искаше да го смята за него. И там положиха корените и причините за много процеси, с които се сблъскваме днес в художествения живот и не само.
Що се отнася до бойкота, все още не разбирам защо все още не го приватизира. Това е брилянтната медийна ситуация, която може да бъде разгърнато във времето.
Може би имаме мениджмънт калкулатор или детерминизъм на идеологията, който се оказа по-силен от инстинкта на художника и е избрана точка за точка. Но ако наистина наистина имате бойкот, тогава трябва да бойкотира всичко. Какво е бойкот една институция? Ако искате реални промени, трябва да бойкотира системата. Всичко.
В края на краищата, институцията Арсенал дори все още не е извършена в функционирането му, част от тази глобална система. Можете да изпращате писма всяка сутрин с уведомления на всички световни артистични институции със съответните изявления. И след това да съберат тези документи в отделна книга, която може да бъде публикувана.
И направете това последователно цял живот. На големи форуми като венецианска бибереле и други, на Базел и други панаири, не говоря за различни търгове там, можете физически да присъствате, демонстрирайки критиката на институциите.
Тер-Оханян го направи в Париж, но протестира срещу онова, което е изложено в Лувъра на работата си. И тогава глобалният проект на институционалната критика. Това е радикално положение, тогава това е бойкот. И артистичен жест.
- Какво се интересувате от съвременния украински художествен процес?
Не всеки може да изглежда, а не всеки иска, но така или иначе всичко е за мен темата за анализ. Аз отдавна изхвърлях думите "като" или "не като" от моя речник - остава естетическите кодове.
Премахнат епизод с Марич. Този, в който тя бременна слезе от планините, и баба-вещицата отиде да я посрещне. Филмният екипаж се надигна на горния етаж и аз вече написах Etude и се спуснах от планината. Паджанов стоеше с Якутович, изкачвайки се по оградата и изчака да се издигне групата.
Приближих се с тях с скитник и видях ироничната усмивка на Паржанов, която ми каза: "Е, отново написах пощенска картичка?".
Тази фраза сякаш беше изоставена, направиха огромно впечатление върху мен, дори не знам защо. Това е постфактум - разбираемо! Сега, ако преди това бях толкова красив безгрижен, студентът е правилно, стремежа да овладее занаятите, да търсят умения, - ползата от примерите, след това след този епизод, аз сериозно мислех за това какво е изкуството.
Тази фраза ме накара да поема теорията. Опитвате се да разберете себе си, разберете какво се случва в света, какво се случва с изкуството. Книги, албуми, ходене по музеи, комуникация с художници, късмет на хората. Животът ми даде среща с много изключителни личности, всеки от тях, нещо, което ме остави, промени нещо.
Тогава, много по-късно, преминавайки през много проби и се опитват да работят в други типове изкуства, аз се върнах с реализацията на това, от което се нуждая. Интересувах се да работя с времето. Ясно е, че това е дълъг път. Първоначално се опитах да работя с него в миметичните форми и се оказа в хронорелизма, а след това в абстракцията, и след това на .... И аз не знам какво може да излее по-късно.
- Кой е основният учител за вас в този случай?
Винаги наричам трима души. В допълнение към Татяна Яблонски, определено, приятелството със старши Якутовскич е много силно влияние и лидера на Данилович.
Дълъг разговор с тях ми беше даден много. Валя Улянова, която учи с нас рисуване. Валера Кононенко, прекрасен художник, завършващ със строга. Всъщност има толкова много хора, които са научили. Понякога дори случайна дума или показаната работа може да се промени много. Това е като на изток: "ученикът е готов, а след това се появява учител."
Бях само такава закачаща антена, която погълна всичко, което може да се получи. Ясно е, че не мога веднага да го хвана, защото Душан и Малевич дойдоха по-късно. Мелевич, между другото, чрез теоретични произведения.
 |
|
Снимка от Мак Бъков |
- Какво и как те е научила Татяна Яблонская?
Тя, на пръв поглед, няма специален метод. По-скоро това беше работа, свързана с общата културна дълбочина. Това е "нормата", която тогава беше в института, тя по някакъв начин се противопоставяше. Тя ни научи да възприемаме цялата история на изкуството като културен слой, който ви прави художника.
Разбира се, в чист професионалист, технически план, която тя даде много. Тя беше фантастичен майстор, но не беше на път да отвори някои техники. По-скоро беше поставено нещо, което превръщаше визията ви с течение на времето.
За първи път тя е много критикувана, вградена в сериозна практика. Заедно с производствените продукции, направихме копия на шедьоври. Днес, портретът FAAUM, в следващия семестър Брюгел - който не е в оригиналите, копиран според репродукции. Музеят на западното изкуство е написан от Велисз Инфанта, някои други произведения. В друг семестър те отидоха в Софийската катедрала, на втория етаж, където мозайките бяха от катедралата Михайловски и копирахме мозайка.
Това беше постоянно действително преки призора на историята на изкуството. В училище, материалите винаги са били взети под внимание. Имахме монументален факултет. Преход от боядисване до мозайка, от мозайка до Campfito.
Да кажем, че е направена натуралистична формулирана фигура в пълен растеж на въглищата, след това е преведен в сравнително условна форма, в картона и след това това изображение е прехвърлено в лагера. Така един образ, реалистичен направен, бе доведен почти състоянието на знака - в много условна форма. И тя възпитана съвсем различно отношение към изкуството.
Вероятно беше интуитивно. Но това беше много компетентен метод за обучение на художника. Това беше разширяване на възможностите на визията. От основен чертеж до напълно конвенционални неща, способността да се трансформира това, което виждате в пространството.
Абстрактно изкуство и алхимия
- Трябва ли да видите или разберете вашето изкуство?
Вижте е инструмент, разбиране - резултат. И всички заедно - уникално преживяване.
Ако зрителят дойде на изложбата ви веднъж, кой все още не е научил да вижда, но би искал да се научи да разбере какво го съветва?
В моя случай е доста трудно. Това обикновено е проблемът с аналитичната живопис. Това е екстремен случай. Надявам се, че ако този зрител дойде тук, той вече има някои идеи за това, което вижда.
- и директният опит не е достатъчно?
Можем да кажем, че в самата картина има някои захранващи полета, които действат директно върху човек. Но обикновено възрастен вече има определени знания, някои "културни" опит, някои "предразсъдъци", които блокират непосредствения му опит.
Условно. Човек стои пред монохромното платно и мисли. Уау, това е просто боядисана повърхност, защо го е поставил и нарича произведението на изкуството?
Това означава, че за този човек последователността на размишлението е следната: стената или вратата могат да бъдат боядисани и в галерията искам да видя нещо направено. Той не може да предположи, че има друга форма на вземане. И тогава няма визуално послание. Той вижда само боядисаното платно и той прави изхода "аз също".
И тук се срещаме с това колко непосредствен опит е блокиран от такива отражения.
Когато няма нищо, трябва да направите невероятно усилие, за да разберете, че тук е всъщност пред вас. Източното изкуство винаги е работило с това. Вие погледнете свитъка, но свитъкът е само папирус с мастило - той просто я кара. Струва ми се, че това е начин да се откаже сегашната култура на забавление. Той обаче е доста древен и традиционен.
Ние сме различни начини. Очакваме ни да осигурим крайния продукт. Трябва да консумираме. И така, колкото повече - по-голямата култура на забавлението преобладава в културата. Очакваме ни да изненадваме, забавляваме, удари и т.н. А, има и друга дума на текущата "култура" - думата "хладно". Тук имаме "хладно" изкуство.
 |
| Снимка от Мак Бъков |
Често казвате, че целият ви живот пишете същата работа. И че това е за вас процеса на разбиране на картината като такава. Това не ви напомня ли за алхимичната практика за намиране на философски камък?
Сигурен! Разбира се, това е определено ниво на знание. В уплътнители има различни нива на отваряне, знание. И когато ви питате "какво е живопис", можете да отговорите на тази картина е начин да се направи прехраната, по-далеч може да се каже, че това е начин за налагане на бои върху платно по определен метод.
Но на третото, четвъртото ниво, започвате да разбирате, че това е колко мъртва, инертната част от оцветяването се превръща в метафизично състояние на светлината.
Сега изобщо не случайно в изложбата, червеното платно се нарича "живопис. Киновар" ( До втория ноември в Центъра за изкуство в Шчебенко можете да видите изложбата Тиберий Силваши "Монохромия" - Ед.).
Всичко за това, което казвате, е досега от радикалния конвертор патос на украинската художествена сцена с политическите си лозунги и колективни марши, което изглежда или с друга планета, или знаят нещо.
Имах период, когато съвсем активно участвах в трансформацията на нашето художествено общество. И много успешен. В това, което имаме сега, състоянието, в което се намира нашата художествена общност, голяма част и моята работа.
Мисля, че критичното изкуство, политически ангажирано изкуство - резултатът от работата с проблемите на новото време е доста реактивна практика. Какво е важно по свой начин. Сфера на бързия отговор. Критиката на властта, нейните механизми, изисква специални форми на работа и и мисля, определен темперамент.
Но какво, ако прекрасната работа със структурите на мислене е още по-критична по отношение на света, отколкото непосредствената реакция на някои текущи събития?
Тъй като не излизате от социалния контекст и на съвсем различно ниво на дълбочина, работите с неща, които се източват, за да повлияят на механизмите на мислене. Но те именно те определят социалните процеси, които художниците на критичен смисъл реагират.
Това е алхимия. Алхимиците също искаха да променят света, който не ги подрежда. Но не и върху повърхностни, но на структурното ниво.
Това е. ( усмивки)
 |
| Снимка от Мак Бъков |
Пазарна и художествена стойност
В работата си много философия. Всъщност те са документация за мисловния процес. И това е много лична, интимна сфера. Как се притеснявате какво се превръщат в продукт, обекти на пазара?
Разделих живота им на живота в семинара, когато съжителстваме заедно и какво се нарича социално съществуване. Там те са включени в доста сложни отношения, пари, но и стойност.
Като другаде, те са включени в друг контекст, който също може да бъде изключително интересен.
- Как се чувствате за пазара - абсолютно необходим за съществуващата система за изкуство днес. Следвате ли това, което се случва на пазара? Вие сте написали, че скорошният скандал с фалшивата работа се е случил случайно.
Да, случайно просто видях каталог с тази работа и тя ми причини съмнения. Не мога да кажа, че пазарната циркулация на работата ми изобщо не е интересна за мен, но докато имам възможност да живея и да работя, да давам живота на семейството си, това не ме засяга. И това непрекъснато се обръща от темата за пресата на рейтингите, с използването на думите "най-много" ...
Веднъж играх спортове, но не можех да стана професионален спортист, защото нямам дух на конкурентоспособност и тук.
- Защо никога не давате работата си на търгове?
Това е проблемът на системата. Не-неуместност на неговите механизми с нас. Но, разбира се, тук скептицизмът ми засяга регулаторната функция на пазара в чл.
Разбира се, пазарът яде всичко. Няма защо да не усвоява. Какво показва тъжното преживяване на концептуализма, което е започнало от съпротива на пазара. Но понякога давам работата си за благотворителни търгове.
- Не участват в търговска търговия - това ли е политическо решение за вас?
В известен смисъл, да. За мен е очевидно, че моментна текуща цена, почти никога не съвпада с безусловната художествена стойност. И за мен ценностите винаги ще бъдат по-високи от цената. Но, знаейки променливостта на условията на живот, не мога да премахна факта, че в някакъв момент ще трябва да променя решението си.
- Има ли нещо, което пропускате?
- (дълго мисли) Дори не знам. Никога не съм мислил, че ми липсва нещо.
Тиберий Силваши често се нарича класика на украинската абстрактна живопис, докато вече на 30 години той успя да бъде от значение в съвременното изкуство. В допълнение, Силваши, въпреки че не продава картините си на международни търгове, въпреки това стабилно навлиза в десетте най-скъпи домашни художници.
Неговото платно се търси сред западните колекционери на живопис и често ги показва в Европа. Тук се среща срещата на журналистите на новото време с Тиберий Силваши, настъпили след завръщането си от откриването на голяма изложба на украински художници в известната галерия в Лондон, галерия Сачи - това, откъдето, откъдето е излитането на един от най-скъпите Започнаха художници на модерността Дамиен Хърст и много други успешни колеги започнаха.
Силваши говори с HB в семинара си, разположен на последния етаж на обичайната Киев висока сграда на ул. Антонович - тук високи тавани и естествена светлина, падаща от прозореца на тавана. "Този апартамент първоначално е бил проектиран под художественото студио", обяснява художникът, докато готви кафе.
- Как украинските артисти са приели в Сачи?
- Преди всичко се страхувах, че изложбата ще интересува само украинците, живеещи в Лондон. Но на откриването бяха предимно британците, а хората дойдоха толкова много след половин час, с [художници] Александър Соловоев и Александър Ройбреч, те напуснаха галерията.
На следващия ден имаше и много хора - във всяка стая за 10-15 души, предимно млади хора, които очертаха работата и ги снимаха. Не на техния произход, тъй като сега е модерен, а именно работи. Беше доста невероятно: те седяха на пода, нещо боядисано нещо, подходящо и наблюдаваха как е направено.
- Как са украинските художници, вписани в съвременното изкуство?
- съвсем. Времето, когато се огледахме за някой, преминал. Има някои технически трудности - много модерни творби изискват сериозни финансови инвестиции, но по отношение на качеството на идеите ние сме абсолютно на световно равнище.
Дълго време нямахме естествено развитие в изкуството. Имаше единични фигури, но нямаше отражение и критика, така че малко хора знаеха за тях. В съветските времена, ако художникът направи нещо необичайно, в най-добрия случай те не обръщат внимание и в най-лошия случай те бяха обявени луди. Например, ние имахме напълно чудесно представяне на Fyodor Tetyanch, но и дори понятието за изпълнения не беше. Изкуството съществуваше успоредно на обществото: художниците са живели живота си и обществото - собствените си.
Сега в много отношения оставихме с останалия свят. Но първото вероятно никога няма да стане. За изкуството икономическата сила на страната винаги е невидим щит, а досега Украйна ще бъде страна от трета свят, ние ще бъдем артисти от третата страна.
"Вие сте идеолог, известен в 90-та художествена група на живописния резерв, където Анатолий Криволап и Александър Белочков. Кажете ни как започна модерното украинско изкуство?
- В средата на 80-те години две статии възникнаха спонтанно - Париж Община и живописен резерват. Художник Александър Клименко намери празна къща на улица Михайловская в Киев. Александър Гнилинч, Василий Заголов, Александър Соловия и други се присъединиха към него, те наричаха групата си Париж Компан. [Това е старото име на улица Михайловская]. Групата се занимава с фигуративна картина, изпълнена с културни цитати, препратки към митологията.
Бях по-заинтересован от работа с цвят и започнах да търся художници, които ще бъдат близо до мен за идеологията. В резултат на това през 1992 г. се формира малка група: I, Анатолий Криволап, Александър Жотков, Николай Кривенко и Марк Дьойко. Името на групата е измислено от един от моите приятел, както и художникът, когото винаги съм останал в Париж. Гледайки нашата работа, той беше изненадан да каже: "Слушай, това е резервът, вече няма нищо!" По-късно научих, че паралелно в различни части на планетата имаше групи, работещи с подобни идеи - същата нова радикална живопис.
Всички бяхме близо до абстракция. Някой имаше повече цвят, някой имаше по-малко, някой работи с текстурата, някой - не. Всеки имаше собствена вътрешна програма, но в същото време съзнателно преместили условни мостове до миналото - художници, които са работили през 60-те години, на авангардната част от 1910-1920 и още повече - към иконата и свещената живопис.
- Защо живописният резерв се срина?
- Друг, когато създадохме резервата, казах, че всяка група може да съществува пет години или пет изложби. Рано или късно, вътрешните принципи, за които се съчетават художници, започват да противоречат на техните нужди. Така се оказа: групата придобива известен статут, а с него статутът е придобил и всеки от нас и след това отидохме в единично плуване.
90-те години бяха синхронизирането на времето с процесите на запад. Попълнихме в украинското изкуство това, което е пропуснато през годините на съветската власт, и фактът, че изкуството на Запад е минало естествено. Само след това в Украйна започнаха съвременни потоци.
- Възможно ли е да се създаде нещо революционно днес в изкуството?
- Изглежда, че всичко вече е направено и измислено. Днес самият терминът е разпитан. Вероятно един от най-важните въпроси, които художникът трябва да реши за себе си: каква е функцията на изкуството в днешния свят? Има ереи, когато отговорите и епохата са дадени, когато се задават въпроси. Ние живеем в ерата на въпросите и е много по-важно.
- Това означава, че нямате отговор на въпроса, каква е функцията на изкуството сега?
- Страхувам се, че нямам категоричен отговор. За 20 години задавам този въпрос към умни хора и никой не можеше да отговори. Единственото нещо, което всички са съгласни - функцията на изкуството се е променила много. Стана обичайно, ние консумираме изкуството и през цялото време искаме нещо ново. Знаете ли, през 50-те години на миналия век е имало популярен израз: всеки скоро ще стане художник. Така се оказа, че това не е, че всеки може да създаде произведение на изкуството, но зрителят става част от плана на художника. Вашето тълкуване на изкуството зависи от опита, културния багаж, от начина, по който сте живели живота си.
- В едно от интервютата казахте, че целият ми живот пишат една снимка. За какво говори тя?
- Това е фигуративно изразяване. Боядисване, както си го представям, това е процес, в който личното творчество на даден артист е част от определен голям процес. Аз рисувам като ритуал, всеки ден. Няма значение какво пишете, независимо от настроението, няма значение дали има вдъхновение.
Тиберий Силваши чрез Facebook
- Колко събития се случват сега в страната са отразени в работата ви?
- Когато затворя вратата на семинара, гражданинът на Силваши остава навън. Разбира се, всичко, което реагирам извън семинара, се отразява по някакъв начин в структурата на работата. Но никога не съм искал да излъчва неща - те трябва да бъдат скрити зад пилинг боя. Тя е по-честна за мен и по-органично участва в благотворителни търгове, отколкото да отразяват събитията във вашата работа.
- Вие сте един от най-скъпите украински художници, но в същото време съзнателно не участват в търговски търгове. Защо?
- Каквито и пари да получаваме на търгове, те все още са лейтенант. Системата на изкуството диктува правилата на играта, но аз не искам да ги играя. Предпочитам в тази ситуация да оставам свободна и не е включена в състезанието.
Снимка: Александър Медведев / Н.В. Тиберий Силваши чрез Facebook
