• Скулптура в архитектурата
• Методи за преподаване на изобразително изкуство в училище
• Пейзаж в руското и съветското изкуство на живописта
• Мечо Пух и други ... русифицираният британец Борис Заходер
• Маслена работилница за начинаещи
• Мистерии на известни картини
• Тайните на известните картини. Тайните на известните картини. Как един недостатък се превърна в талант
• Лихачев Д. Руската култура. Дмитрий Сергеевич Лихачев. "Руската култура в съвременния свят. Колекция от творби на Д. С. Лихачев" Руска култура "
• Стъпка по стъпка инструкции как да нарисувате човек
• Стилизация и преобразуване на растителни форми в орнаментални мотиви Има четири вида орнаменти.

Произходът на италианската музика датира от музикалната култура на Древен Рим (виж Древноримска музика). Музиката свиреше същества. роля в соц., щат. живота на Римската империя, в ежедневието слоеве от населението; богати и разнообразни бяха музите. инструменти. Проби от друга римска музика не достигнаха до нас, но елементите му са запазени в средата на века. Христос химни и нар. музи традиции. През IV век, когато християнството е обявено за държава. религия, Рим заедно с Византия се превръща в един от центровете на развитие на богослужението. пеене, лен. в основата на която беше псалмодий, произхождащ от Сирия и Палестина. Архиепископът на Милано Амвросий затвърди практиката на антифонално пеене на химни (вж. Антифон), като доближи мелодията им до бъга. произхода. С неговото име се свързва специална традиция на Западния Христос. църква. пеене, наречено амброзианско (виж амброзийско пеене). Съобразно. VI век, при папа Григорий I, са разработени солидни форми на Христос. литургия и оптимизира музите му. страна. Създаден по същото време в Рим, певец. училище ("schola cantorum") се превърна в своеобразна църковно-певческа академия. съдебни дела и най-високият законодател. авторитет в тази област. Григорий I беше отдаден на обединението и фиксирането на DOS. богослужебни песнопения. По-късни изследвания обаче установяват, че е мелодично. стил и форма на т.нар Григорианското пеене най-накрая се оформя едва през VIII-IX век. Католик. църквата, стремейки се към еднообразието на богослужението, насажда този стил на един човек. хорът. пеене с всички нации, превърнати в Христос. вяра. Този процес приключи с кон. 11-ти век, когато григорианската литургия със съответния певец. регламенти, установени в средата, Зап. и юг. От Европа. В същото време по-нататъшното развитие на григорианското пеене, което се втвърди в немезида, спря. форми.

С кон. 1-во хилядолетие сл. Хр в резултат на честите вражески нахлувания в Италия, както и на нарастващото потисничество на папството, което пречи на свободното проявление на творчеството. Инициативи, през I. m. застой, той престава да играе видна роля в цялостните музи. развитието на Европа. държави. Най-важните промени в Европа. към музиката в началото на І и ІІ хилядолетия, те слабо и често се отразяват в музиката, докато учените музиканти Зап. и северозапад Европа още през IX век. даде оправдание за ранните форми на многофонията, най-изявеният италианец. музи средновековният теоретик Гвидо д "Арецо (XI в.) се съсредоточи главно върху едноглаво грегорианско пеене, докосвайки се само до органума. През 12 век многоглавото пеене беше включено в богослужебната практика на някои италиански църкви, но малкото му известни примери не за независимия принос на Италия за развитието на полифонични жанрове от онази епоха. Новият възход на И. м. в края на 13-14 век е свързан с Ранния Ренесанс, отразяващ растежа на хуманистичните тенденции, началото на освобождението на човешката личност от потисничество на религиозните догми и др. по-свободно и по-пряко възприемане на света в периода на отслабване на властта на феодалите и формирането на ранните капиталистически отношения. Концепцията за ранния Ренесанс съответства на определението на Арс нова, прието в историята на музиката. Основните центрове на това движение са били градовете на Централна и Северна Италия - Флоренция, Венеция, Падова - по-напреднали в своята социална структура и култура в сравнение с южните райони, в които феодалните отношения все още са здраво запазени, тези градове привличат най-талантливите композитори и музи художници за кант. Тук възникнаха нови жанрове и стилистични тенденции.

Желанието за повишена изява се проявява в лиризма. химни на свободно тълкувана религия. поданици - лади, които се пеят в ежедневието и по време на религиите. процесии. Вече в кон. 12 век възникнаха „братствата на лаудистите“, чийто брой нараства през 13-ти и особено през XIV век. Похвалите бяха култивирани сред монасите от францисканския орден, противопоставени на офицера. Римска църква, понякога те отразявали мотивите на социалния протест. Мелодията на лауда се свързва с нар. източници, различен ритъм. яснота, яснота на структурата, преобладаващ основен цвят. Някои от тях са близки по характер с танца. към песните.

Във Флоренция възникват нови жанрове на светския полигонизъм. уок. музика, предназначена за домашно самодейно изпълнение: мадригал, суинг, балат. Това беше 2- или 3 гола. stropich. песни с мелодични доминации. с горен глас, който беше ритмичен. мобилност, изобилие от оцветени пасажи. Мадригал е аристократ. жанр, характеризиращ се с изтънчеността на поезията и музите. система. Той беше доминиран от изтънчен еротизъм. теми сатирично също въплътени. мотиви, понякога политически оцветени. Съдържанието на качи първоначално е съставено от ловни снимки (оттук и самото име: кактус - лов), но след това темата му се разширява и обхваща разнообразни жанрови сцени. Най-популярният от светските жанрове на Ars nova е балат (танцова песен, подобна по съдържание на мадригалската).

Широко развитие в Италия от XIV век. получава инстр. музика. DOS инструменти от онова време са били лютня, арфа, фидел, флейта, гобой, тръба, органи. тип (позитивни, преносими). Използвани са както за акомпанимент към пеене, така и за соло или ансамблева игра.

Разцветът на ital. Ars nova пада на сер. 14 в. През 40-те. творчеството се разгръща. дейностите на най-видните му майстори са Джовани от Флоренция и Якопо от Болоня. Слепият виртуозен органист и комп. Ф. Ландино е универсален човек, поет, музикант и учен, уважаван в италианските среди. хуманисти. В неговото творчество връзката с Нар. произход, мелодичността придоби голяма свобода на изразяване, понякога изискана изтънченост, цветен и ритмичен. разнообразие.

В епохата на Възраждането (16 век) империализмът заема водещо място сред европейците. музи култури. В атмосферата на общия подем на изкуствата. културната музика интензивно се развива в разлагане. слоеве на обществото. Огнищата му бяха заедно с църквата. параклиси занаяти. шопски асоциации, кръгове от просветени любители на литературата и изкуството, понякога наричащи себе си в древността. по модел на академиите. В много В градовете са създадени училища, които въвеждат самодостатъчност. принос за развитието на имперската м. Най-големите и най-влиятелни сред тях са римската и венецианската школи. В центъра на католицизма - Рим, новите форми на изкуството, оживени от ренесансовото движение, често се натъкваха на съпротива от църквата. органи. Но въпреки забраните и обвиненията през целия 15 век. на римокатолически. полигонизмът твърдо се утвърди в богослужението. пеене. Това беше улеснено от дейностите на представители на франко-фламандската школа на Г. Дюфай, Жосквин Депре и други композитори, които бяха в различно време на служба в папския параклис. В Сикстинската капела (DOS. 1473) и хор. параклис на Св. Петър концентрира най-добрите майстори на църквата. пеене не само от Италия, но и от други страни. Issues Church. пеенето се даваше на специални. внимание на Трентския събор (1545–63), в решенията на който е осъден прекомерният ентусиазъм за „образно” многоличие. музика, което затруднява разбирането на „свещените думи“ и излага изискването за простота, яснота; въвеждането на светски мелодии в богослужебното било забранено. към музиката. Но противно на стремежа на църквата. властите, за да изгонят всички новости от култовото пеене и, ако е възможно, да го върнат към традициите на григорианския хор, композиторите на римската школа създадоха силно развита полифония. изкуство, в което са реализирани и преосмислени в духа на възрожденската естетика най-добрите постижения на франко-фламандската полифония. В производството. Композиторите на това училище са сложна имитация. техника, комбинирана с хармонична акорда. склад, многоглав. текстурата е придобила характера на хармонична хармония, мелодичното начало е станало по-независимо, горният глас често е подчертан. Най-големият представител на римската школа е Палестрина. Неговото перфектно балансирано, просветлено по настроение, хармонично изкуство понякога се сравнява с творчеството на Рафаел. Като върх на хор. Полифония със строг стил, музиката на Палестрина съдържа същевременно развити елементи на хомофоничното мислене. Желанието за балансиране на хоризонтални и вертикални принципи беше характерно и за други композитори от същата школа: C. Festa, J. Animucci (който оглави параклиса на Св. Петра през 1555-71 г.), Клеменс не папа, ученици и последователи на Палестрина - Й. Нанино, Ф. Анерио и др. Испанците също се присъединяват към римското училище. композитори, работили в папския параклис: К. Моралес, Б. Ескобедо, Т. Л. де Виктория (прозвище „Испанска палестрина“).

Основател на венецианската школа е А. Виларт (холандски по рождение), който през 1527 г. оглавява параклиса на катедралата Св. Марк и беше негов лидер в продължение на 35 години. Негови приемници са С. де Попе и испанецът К. Меруло. Тази школа достигна своя връх в творчеството на А. Габриели и неговия племенник Й. Габриели. За разлика от строгия и сдържан начин на писане на Палестрина и други композитори от римската школа, изкуството на венецианците се характеризирало с великолепието на звуковата палитра, изобилието от ярки цветове. ефекти. От особено значение за тях беше принципът на многоцветността. Контрастът на два хора, разположени. в различни части на църквата, послужи като основа за динамичното. и цветни контрасти. Постоянно вариращият брой гласове достига до J. Gabrieli до 20. Контрасти на хора. звучност, допълнена с промяна на instr. тембри и инструментите не само дублираха гласовете на хора, но и изпълняваха самостоятелно. и свързващи епизоди. хармоничен езикът беше наситен с многобройни, често смели за онова време хроматизми, които му придаваха особености на повишена експресия.

Творчеството на майсторите на венецианската школа изигра голяма роля в разработването на нови форми на инстр. музика. През 16 век самата композиция на инструментите значително се обогати и изражението им се разшири. възможности. Стойността на поклонените инструменти с мелодичния им топъл звук се увеличи. Именно през този период се формира класическото. вид виола; цигулка, разпространена преди в обществения живот става проф. музи инструмент. Като солов инструмент лютнята и органът продължават да доминират. През 1507-09 г. издателят на издателство О. Петручи. 3 комплекта парчета за лютнята, които са запазили повече явления. признаци на зависимост от уок. тип полифония моте. В бъдеще тази зависимост отслабва, развиват се специфични инстр. методи на представяне. Характерно за 16 век. жанрове на соло инстру. Музика - по-голям автомобил, фентъзи, canzone, капричо. През 1549 г. орг. Ricercars на Willart. След него този жанр е разработен от Дж. Габриели, някои от които Рихерчарите приближават в представянето си пред фугата. В орг. токатите на венецианските майстори отразяват виртуозния принцип и склонността към свободна фантазия. През 1551 г. във Венеция е издадена колекция от книги. клавир парчета танцуват. характер.

С имената на А. и Й. Габриели се свързва появата на първите. образци на камерен ансамбъл и орк. музика. Техните творби за различни инстр. композиции (от 3 до 22 партии) бяха комбинирани в сат. „Канзон и сонати“ („Canzoni e sonate ...“, публикувана през 1615 г. след смъртта на композиторите). Основата на тези пиеси е принципът на контрастното разлагане. инстр. групи (и еднородни - склонени, дървени, месингови и смесени), които след това получиха. въплъщение в жанра на концерта.

Най-пълният и ярък израз на ренесансовите идеи в музиката беше мадригал, нов разцвет на който настъпи през 16 век. Този важен жанр на създаването на светска музика през Възраждането беше привлечен от вниманието на мнозина. композитори. Мадригалите са написани от венецианците А. Виларт, К. де Попе, А. Габриели, майстори на римската школа С. Фест и Палестрина. Училища за мадригалисти съществували в Милано, Флоренция, Ферара, Болоня, Неапол. Мадригал 16 век различаваше се от мадригала от периода Ars nova в по-голямото богатство и изтънченост на поета. съдържание, но DOS. областта му остава любовна лирика, често пасторално оцветена, съчетана с възторжено скандиране на красотите на природата. Поезията на Ф. Петрарх оказа голямо влияние върху развитието на мадригал (много от неговите стихотворения бяха поставени на музика от различни автори). Композиторите на мадригалистите се обърнаха към творбите на Л. Ариосто, Т. Тасо и други големи възрожденски поети. В мадригалите от 16 век 4- или 5-гола надделя. склад, свързващ елементите на полифонията и хомофонията. Водещ мелодичен. гласът беше едва доловим. нюанси, гъвкав пренос на поезия. текст. Общата композиция беше свободна и не се подчиняваше на строфата. принцип. Сред майсторите на мадригал 16 век. изпъква холандецът Дж. Аркадел, който е работил в Рим и Флоренция. Неговите мадригали, публикувани през 1538-44 г. (6 книги), многократно са препечатвани и възпроизвеждани при разлагането. печат и ръка. срещи. Най-високият цъфтеж на този жанр е свързан с творчеството. дейностите на L. Marenzio, C. Monteverdi и C. Gesualdo di Venosa in con. 16 - прося. 17 век Ако Marenzio се характеризира със сфера на изтънченост. лиричен. образи, след това при Гесуалдо ди Веноса и Монтеверди, мадригалът е драматизиран, надарен с задълбочен психологически. израз, те използваха нови, необичайни хармонични средства. език, подчертана интонация. изразителност на уок. melodics. Богат слой от I. m са нар. песни и танци, характеризиращи се с мелодични мелодии, оживление, запалителни ритми. За ital. танците се характеризират с размер 6/8, 12/8 и бързо, често забързано темпо: Салтарело (запазени записи от 13-14 век), сродни заложни къщи (ломбардски танц) и форлана (венециански, фриулски танц), тарантела (южен италиански танц) което е станало общонационално). Наред с тарантела, популярна е и сицилианската (размерът е един и същ, но темпото е умерено, естеството на мелодията е различно - пасторално). Сицилианците са близо до баркарола (песен на венецианските гондолиери) и тосканското рипето (песен за хваление, любовна изповед). Добре известните песни за оплакване са ламенто (вид оплакване). Пластичността и мелодичността на мелодията, яркият лиризъм и често подчертаната чувствителност са характерни за неаполитанските песни, често срещани в Италия.

Нар музиката оказва влияние върху проф. музи творение. Най-голямата простота и близост до двуетажното. произхода на различните жанрове фроттола и виланела.

Ренесансът даде тласък на развитието на музикалната теория. мисли в Италия. Фондация совр. учение за хармонията положи Й. Зарлино. Ср-ти век. той контрастира учението за лудории с нова тонална система с 2 основни лудории - основни и второстепенни. В своите преценки Църлино разчита предимно на пряко слухово възприятие, а не на абстрактни схоластични изчисления и числени операции.

Най-голямото събитие в I. м. На прага на 16-17 век. имаше появата на опера. След като се появи вече в края на Ренесанса, операта все пак е изцяло свързана със своите идеи и култура. Опера като самостоятелна. жанрът нараства, от една страна, от театъра. изпълнения от 16 век, придружени от музика, от друга - от мадригал. Музиката за t-ra създаде много. известни композитори от 16 век И така, А. Габриели пише хорове за трагедията на Софокъл „Едип“ (1585, Виченца). Един от предшествениците на операта е пиесата на А. Полизиано „Легендата за Орфей“ (1480 г., Мантова). В мадригал са разработени гъвкави средства, експресни. превъплъщения на поетичното. текст в музика. Често срещана практика за изпълнение на мадригали от един певец с instr. комп. ги приближи до вида на уок. монодията, която стана основата на първия Итал. опери. Съобразно. 16 век възникна жанр от мадригалска комедия, в изрязана мимич. актьорството беше придружено от уок. Епизоди в мадригалски стил. Характерен пример за този жанр е „Amphiparnasus“ от О. Веки (1594).

През 1581 г. има полемика. трактат на В. Галилей „Разговор за древна и нова музика“ („Dialogo della musica antica et délia moderna“), в уок пеещ уок. рецитацията (по модела на антика) беше противопоставена на „варварството“ вж. полифония. Парчето от Божествената комедия на Данте, поставено на музика, беше да илюстрира този уок. стил. Мислите на Галилея намериха подкрепа от група поети, музиканти и учени-хуманисти, обединени през 1580 г. по инициатива на просветления флорентински граф Дж. Барди (т. Нар. Флорентинска Камерата). Фигурите от този кръг създават първите опери - Дафне (1597-98) и Евридика (1600) от Й. Пери към текста на О. Ринучини. Соло уок. партита на тези опери с комп. basso continuo, поддържано в рецитал. така е запазен хоров мадригалски склад.

Nesk. години по-късно музиката за Евридика е била самостоятелно композирана от певеца и комп. Дж. Качини, който също е автор на колекцията. соло камерни песни с комп. „Нова музика“ („Le nuove musiche“, 1601), основна по същия стилистичен начин. принципи. Този стил на писане беше наречен „новия стил“ (Stile nuovo), или „визуалния стил“ (Stile rarpresentativo).

Фабр. Флорентинците до известна степен разумни, стойността им в DOS. експериментален. Гениалните музи вдъхнаха истински живот в операта. драматург, художник на мощния трагичен талант К. Монтеверди. Той се насочи към оперния жанр в зряла възраст, като вече е автор на много. духовна оп. и светски мадригали. Първите му опери Орфей (1607) и Ариадна (1608) постиха. в Мантуя. След продължителна почивка Монтеверди отново се изявява като оперен композитор във Венеция. Върхът на оперното му произведение е Коронацията на Попея (1642 г.), прод. наистина Шекспирова сила, характеризираща се с дълбочината на драмата. изразителност, майсторско моделиране на героите, тежестта и интензивността на конфликтните ситуации.

Във Венеция операта надхвърли тясната аристократична. кръг от ценители и се превърна в публична гледка. През 1637 г. тук е открита първата обществена оперна къща - Сан Касиано (поне 16 са създадени през годините 1637-1800 г.). По-демократичен. съставът на публиката също повлия на естеството на произведенията. митологичен темата отстъпи място на доминиращия историк. сюжети с реално действие. лица, драм. и героично. началото беше преплетено с комедийното и дори понякога грубо фарсово. Уок. мелодията придоби страхотна мелодия, вътре в речитативните сцени се открояват епизоди от ариозния тип. Тези характеристики, характерни за късните опери на Монтеверди, са доразвити в творбите на Ф. Кавали - авторът на 42 опери, сред които най-голяма популярност спечели операта „Джейсън“ (1649 г.).

Операта в Рим придоби особена окраска под влияние на католика, който доминира тук. тенденции. Наред с антични. митологичен субекти („Смъртта на Орфей“ - „La morte d„ Orfeo “S. Landi, 1619;„ Веригата на Адонис “-„ La Caténa d „Adone“ D. Mazzocki, 1626) религията влиза в операта. предмети, интерпретирани в Христос. морализиращ план. Повечето означават. производство Римско училище - опера "Св. Алексей" Лунди (1632), отличава мелодията. богатство и драматичност на музиката, изобилие от хорове, разработени от текстурата. епизоди. Първите примери за комика се появяват в Рим. жанр на операта: „Страдание и надежда” („Che soffre, speri”, 1639 г.) В. Мацоцки и М. Маразцоли и „Няма сребърна подплата” („Dal male il bene”, 1653 г.) А. М. Абатини и Марацоли.

Към сър. 17 век операта почти напълно се отклони от принципите на ренесансовата естетика, поддържана от флорентинския оператор. Това се доказва от работата на М. А. Чест, свързана с венецианската оперна школа. В своите съчинения развълнувана драма. речитативът е контрастиран с мека мелодична мелодия, ролята на закръглените вълни се увеличи. цифри (често в ущърб на драматичната. обосновка на действието). Почетната опера „Златната ябълка“ („Il porno d„ oro “, 1667), поставена с голяма помпозност във Виена по случай сватбата на император Леополд I, се превръща в прототип на церемониалните странични изпълнения, които оттогава се разпространяват в Европа“. „италианската опера вече не е чиста - пише Р. Роланд,„ това е вид международна придворна опера “.

С кон. 17 век водеща роля в развитието на ital. опера премина в Неапол. Първият основен представител на неаполитанската оперна школа беше Ф. Провензале, но истинският й ръководител беше А. Скарлати. Автор на множество оперни произведения (над 100), той одобри типичната италианска структура. оперна поредица, оцеляваща без създания. промени в кон. 18 век Централно управление. място в опера от този тип принадлежи на ария, обикновено 3-частна da capo; речитативът получава служебна роля, стойността на хоровете и ансамблите е сведена до минимум. Но ярка мелодика. дар на Скарлати, полифонично умение. букви, безспорен драматург. нюхът позволи на композитора, въпреки всички ограничения, да постигне силно, впечатляващо въздействие. Скарлати разработи и обогати както вокал, така и инструментал. форми на опера. Той разработи типична структура на курсив. оперна увертюра (или симфония, според тогава приетата терминология) с бързи екстремни секции и бавен среден епизод, който се превърна в прототип на симфонията, докато стоят самостоятелно. конц. върши работа.

В тясна връзка с операта се развива нов жанр на екстралитургия. религия Иск-ва - оратория. Възникнал от религиите. четения, придружени с пеене на многоглави. смях, тя се сдоби със самостоятелно. завършен. форма в творбите на Й. Карисими. В оратории, написани предимно на библейски теми, той обогатява оперни форми, преобладаващи в сер. 17-ти век, постиженията на хора. конц. стил. Сред композиторите, разработили този жанр след Карисими, изпъква А. Страдела (неговата личност става легендарна поради приключенската му биография). Той въведе елементите на барабана в ораторията. жалка и характерна. Почти всички композитори от неаполитанската школа обърнаха внимание на жанра на ораторията, въпреки че в сравнение с операта, ораторията заемаше второ място в творчеството им.

Свързана оратория е камерна кантата за един, понякога 2 или 3 гласа с комп. basso continuo. За разлика от ораторията в него преобладават светски текстове. Най-изявените майстори от този жанр са Карисими и Л. Роси (един от представителите на Римската оперна школа). Подобно на ораторията, играта на кантата означава. роля в развитието на уок. форми, станали характерни за неаполитанската опера.

В областта на култовата музика през 17 век. доминиран от желанието за външно, показно величие, постигнато гл. Пр. поради количествата. ефект. Принципът на многообразието, разработен от майсторите на венецианската школа, е станал хиперболичен. мащаб. В някакво производство. използвана за дванадесет 4-гола. хорове. Гигантски хор. композициите бяха допълнени от множество. и разнообразни групи инструменти. Този стил на великолепен барок е особено развит в Рим, замествайки строгия, сдържан маниер на Палестрина и неговите последователи. Най-изтъкнатите представители на късната римска школа са Г. Алегри (автор на прочутия Мисерер, записан на ухо от В. А. Моцарт), П. Агостини, А. М. Абатини, О. Беневоли. В същото време т.нар "концертен стил", близък до ариотично-речитативното пеене на ранния италиански. опери, примери за които са духовните концерти на А. Банкиери (1595) и Л. Виадана (1602). (Виадана се приписва, както се оказа по-късно, без достатъчно основание, на изобретяването на цифровия бас.) В. Монтеверди, Марко да Галиано, Ф. Кавали, Й. Легренци и други композитори, прехвърлени в църквата, пише по същия начин. музикални елементи на оперна или камерна кантата.

Интензивно търсене на нови форми и средства за музи. експресивност, продиктувана от желанието да се превъплъти в богата и многостранна хуманистичност. съдържание е проведено в областта на instr. музика. Един от най-големите майстори на орг. и клавирна музика от периода преди Бах беше J. Frescobaldi - композитор на ярко творчество. индивидуалности, блестящ виртуоз на орган и клавесин, известен в родината и други европейски страни. държави. Той донесе традиция. формите на по-рикар, фантазии, токатети, черти на интензивна изразителност и свобода на чувствата, обогатени мелодично. и хармонично. език, разработен полифоничен. фактура. В своя произв. кристализирана класика. тип фуга с ясно определени тонални връзки и пълнота на общия план. Изкуството на Фрескобалди е върхът на Италия. орг съдебен процес. Неговите пионерски завоевания не намериха видни последователи в самата Италия, те бяха продължени и разработени от композитори от други страни. В Италия. инстр. музика от 2 етаж. 17 век водещата роля преминаваше на лък инструменти и най-вече на цигулка. Това се дължи на разцвета на цигуларното изкуство и усъвършенстването на самия инструмент. През 17-18 век. в Италия династии на известни майстори на цигулки (семейства Амати, Страдивари, Гуарнери) се движеха напред, инструментите на които все още остават ненадминати. Изключителните виртуозни цигулки също бяха предимно композитори, в техниката им бяха фиксирани нови техники на соло изпълнение на цигулката, разработени бяха нови музи. форми.

На прага на 16-17 век. във Венеция, жанрът на трио сонати - многочастична продукция. за 2 солови инструмента (по-често цигулки, но те биха могли да бъдат заменени с други инструменти от съответната теситу) и бас. Имаше 2 разновидности от този жанр (и двете принадлежаха към областта на светската камерна музика): „църковна соната“ („sonata da chiesa“) - цикъл от 4 части, в който ромът бавни и бързи части се редуваха, и „камерна соната“ („соната“ да камера “), състоящ се от няколко играе танц. характер, близък до апартамента. По-нататъшното развитие на тези жанрове особено означава. ролята беше изиграна от Болонска школа, която представи блестяща плеяда от майстори на цигулковото изкуство. Сред нейните висши представители са М. Кацати, Ж. Витали, Й. Басани. Ерата в историята на музиката за цигулка и камерни ансамбли е дело на А. Корели (ученик на Басани). Един зрял период от неговата дейност е свързан с Рим, където той създава собствена школа, представена от такива имена като П. Локатели, Ф. Геминиани, Дж. Сомис. Работата на Корели завърши формирането на трио соната. Той разшири и обогати волята. функции на инструмента за лък. Притежава и цикъл сонати за соло за цигулка с акомпанимент. клавесин. Този нов жанр е възникнал в кон. 17 век., Отбеляза края. изявление монодич. принцип в instr. към музика. Корели, заедно със своя съвременник Дж. Торели, създават концерт грото - най-важната форма на камерна и оркестрова музика до средата на 18 век.

За да се съглася. 17 - прося. 18 века засилен международен. слава и авторитет I. m. чуждестранен музикантите са привлечени в Италия, за да завършат образованието си и да получат одобрение, което осигурява признание в родината им. Като учител, музикантът на огромна ерудиция, комп. и теоретик Дж. Б. Мартини (известен като Падре Мартини). Съветите му са използвани от К. В. Глук, В. А. Моцарт, А. Гретри. Благодарение на него, Болонска филхармония. академията се превърна в един от най-големите центрове за музи в Европа. образование.

Итал. композитори от 18 век основен внимание беше обърнато на операта. Само няколко от тях останаха настрана от оперната трупа, която привлече широка публика от всички сфери на живота. Гигантските по обем оперни продукти от този век са създадени от композитори на разлагане. мащаба на таланта, сред които имаше много талантливи художници. Популярността на операта бе насърчена от високо ниво на вокали. култура. Певците подготвиха хл. Пр. в консерватории - сиропиталища, датиращи от 16 век. В Неапол и Венеция - основните центрове на Итал. оперният живот през 18 век имаше 4 оранжерии, в първоначални музи. образование, водено от най-големите композитори. Певец и комп. Ф. Пистокки основан в Болоня (около 1700 г.) специален. хорист училище. Изключителен уок. Учителят беше Н. Порпора, един от най-плодотворните оперни композитори на неаполитанската школа. Сред известните майстори на изкуството на Белканто през 18 век. - изпълнители на главния съпруг. партии в певците на кастрато от сериала "Опера" А. Берначи, Кафарели, Ф. Бернарди (по прякор Сенезино), Фаринели, Дж. Крешентини, който притежаваше виртуозен уок. техника във връзка с мек и ярък тембър на гласа; певци Ф. Бордони, Ф. Куцони, К. Габриели, В. Тези.

Итал. Opera се ползваше с привилегии. позиция в повечето европи. главни букви. Нейното привличане. сила се проявява във факта, че много. композитори от други страни създават опери на италиански. текстове в духа и традициите на неаполитанската школа. Испанците Д. Перес и Д. Терраделас, германецът И. А. Хасе, чехът Й. Мисливечек, се присъединяват към него. В унисон със същото училище течаха средства. част от дейностите на Г. Ф. Хендел и К. В. Глук. За ital. оперните сцени бяха написани на руски език. композитори - М. С. Березовски, П. А. Скоков, Д. С. Бортнянски.

Въпреки това, още по време на живота на ръководителя на неаполитанската оперна школа А. Скарлати, създателят на оперния сериал, са открити присъщите му изкуства. противоречия, което послужи като повод за остра критика. говорейки срещу нея. В началото. 20-те години 18 век се появи сатир. памфлет музи. теоретик Б. Марчело, в Кром бяха осмивани нелепите конвенции на оперните либрета, пренебрегването на композициите на драмите. чувство за действие, арогантно невежество на примадони и кастрати певци. За липсата на дълбока етика. съдържание и злоупотреба с външни ефекти, критикувани sovr. im opera ital. просветител Ф. Алгароти в „Есе на операта“ („Saggio sopra l„ orera in musica ... “, 1754) и енциклопедист Е. Артеага в работата„ Революция на италианския музикален театър “(„ Le rivoluzioni del teatro musicale italiano dalla “ sua origine fino al presente ", кн. 1-3, 1783-86).

Поетите либретисти А. Зенон и П. Метастасио развиват стабилна историко-митологична структура. оперна поредица, в една кройка характерът на драмите беше строго регламентиран. интриги, броя и връзката на актьорите, видовете солови уокс. стаи и тяхното разположение в живописно. действие. Следвайки законите на класическата драматургия, те придадоха на оперното единство и хармония на композицията, освободиха я от смесването на трагичното. елементи с комедийно и фарсово. В същото време оперните текстове на тези драматурзи са белязани от аристократични черти. галантност, написана на изкуствен, маниерен изискан език. Опера серия, sp. рояк често ограничен до придв. тържества, трябваше да завърши със задължително успешно развръщане, чувствата на нейните герои бяха условни и неправдоподобни.

Всички Р. 18 век има тенденция за преодоляване на установените клишета от оперни сериали и по-тясна връзка между музиката и драмите. действие. Това доведе до засилване на ролята на съпътстващия речитатив, обогатяване на орк. цветове, разширяване и драматизация на хора. сцени. Най-ярък израз бяха дадени на тези иновативни тенденции в творбите на Н. Йоммели и Т. Траета, които частично подготвиха оперната реформа на Глюк. В операта "Ифигения в Таврис" Траета е била в състояние, според Г. Аберт, "да премине към самите порти на музикалната драма на глюка". Композиторите на т.нар „Нова неаполитанска школа“ от Й. Сарти, П. Гуглиелми и др. А. Сакини и А. Салиери бяха убедени последователи и последователи на реформата на Глюк.

Най-силната опозиция е условно героична. оперната поредица състави нов демократичен. жанр на опера буф. На 17 и в началото 18 века комик. операта беше представена само в единични образци. Как да стои сам. тя започва да се оформя в жанра на висши майстори на неаполитанската школа на Л. Винчи и Л. Лео. Първият е класически. пример за оперния буф е „Ръководителката на мадам“ на Перголези (оригинал на испански като интермедия между актовете на оперния му сериал „Горд затворник“, 1733 г.). Реализъм на образите, оживление и острота на музите. характеристики допринесоха за широката популярност на интерлюдиите JB Pergolezi в много. страни, особено във Франция, където нейният пост. през 1752 г. служи като тласък за появата на жестока естетика. полемика (вж. „Буфонска война“) и допринесе за формирането на французите. NAT. вид на комедията. опери.

Без да губи връзка с Нар. вкоренени, италиански. по-късно оперният буфа развива по-развити форми. За разлика от оперната поредица, в една кройка доминира соловият уок. начало в комикс. ансамблите придобиха голямо значение в операта. Най-развитите ансамбли бяха поставени в оживени, бързо разгръщащи се финали, които бяха един вид възли на комедийни интриги. Н. Логрошино се счита за създател на този тип ефективни финални ансамбли. К. Голдони, най-големият италианец, оказа ползотворно влияние върху развитието на оперния буф. Комикът от 18 век, който отразява в творчеството си идеите за просветлен реализъм. Той е автор на редица оперни либрези. Към голяма част от тях музиката е написана от един от видните италиански майстори. комик. Опера Венециан Б. Галупи. През 60-те. 18 век сантименталистките тенденции се появяват в оперния буф (например операта на Н. Пичкини към текста на Голдони „Чекина или добрата дъщеря“, 1760 г., Рим). Оперният буф се доближава до типа „дребнобуржоазна драма“ или „комедийна сълза“, която отразява морала. идеали на третото имение в навечерието на Великите французи. революция.

Творбите на Н. Пиччини, Ж. Паисиело и Д. Цимароса са последният, най-висок етап в развитието на оперния буф през 18 век. Техните постановки.Свързване на комедийни елементи със сетива. жалка, мелодична. богатство с разнообразни форми, жизненост, изящество и подвижност на музиката, запазени в оперния репертоар. В много отношения тези композитори се приближиха до Моцарт и подготвиха работата на един от най-големите курсиви. следващия век оперни композитори Й. Росини. Някои особености на опера-буфа бяха научени от късния оперен сериал, което се отрази на по-голямата гъвкавост на неговите форми, простотата и непосредствеността на мелодичността. изрази.

Това означава. принос направи ital. композитори от 18 век в развитието на декомп. жанрове инстр. музика. В областта на цигулното изкуство най-големият майстор след Корели е Дж. Тартини. Продължавайки, следвайки своите предшественици, да култивира жанровете на соловата цигуларна соната и трио сонатите, той ги изпълва с нова ярка изразителност, обогатява техниките на свирене на цигулка и разширява обхвата на звука, който беше обичайно за онова време. Тартини създава собствена школа, наречена Падуан (след град Падуа, където прекарва по-голямата част от живота си). Негови ученици бяха П. Нардини, П. Алберги, Д. Ферари. На 2 етаж. 18 век обърна се майсторски-изпълни. и креативни. дейността на Г. Пуняни, най-големият италианец. класически цигулар ера. Сред многото му. Дж. Б. Виоти беше особено известен със своите студенти, в работата му понякога се усеща романтично. тенденции.

В жанра на орк. концерт грото като смел и оригинален. художник-новатор, направен от А. Вивалди. Той драматизира тази форма, въведена заедно с динамичната. контрастиране на големи и малки групи инструменти (тути и концертино) тематични. контрасти вътре части, установили 3-части структура на цикъла, която остава в класическото. инстр. концерт. (Концертите на цигулка на Вивалди бяха високо оценени от И. С. Бах, който подреди някои от тях за клавир и орган.)

В трио сонатите на J. B. Pergolesi се забелязват черти на предкласика. "галант" стил. Леката им, прозрачна текстура е почти напълно хомофонична, мелодията се характеризира с мека мелодичност и изящество. Един от композиторите, който директно подготви разцвета на класиката. инстр. музика, е J. Sammartini (автор на 78 симфонии, много сонати и концерти за различни инструменти), близък по характер на представителите на училищата в Манхайм и ранните виенски училища. Л. Бочерини в работата си комбинира елементи на галантна чувствителност с предромантична. възбудена патетика и близост до двуетажната. до източници. Zamechit. виолончелист, той обогати солото си виолончело lit-ru, беше един от основателите на класиката. като квартет с лък.

Художникът е жив и богат. фантазии, Д. Скарлати разшири и актуализира фигуративната система и изразителните средства на клавир музиката. Неговите сонати за клавесин (авторът ги нарича „упражнения“ - „Essercizi per gravicembalo“), поразителни в многообразието на характера и методите на представяне, са един вид енциклопедия на клавиерното изкуство от тази епоха. Тематичните сонати на Скарлати са ясни и сбити по форма. контрастите са ясно очертани от DOS. секции на излагане на соната. След Скарлати кланатната соната е разработена в произведенията на Б. Галупи, Д. Алберти (определението на албертианските баси се свързва с името), Й. Рутини, П. Парадиси, Д. Цимароса. М. Клементи, овладял някои от страните на маниера на Д. Скарлати (което се изразява по-специално в неговото създаване на 12 сонати „в стила на Скарлати“), след това се сближава с господарите на разработената класика. стил и понякога стига до корените на романтичното. виртуозност.

Нова ера в историята на цигулното изкуство е открита от Н. Паганини. Като изпълнител и композитор той беше типично романтичен артист. склад. Играта му направи неустоимо впечатление, като съчетаваше голяма виртуозност с огнена фантазия и страст. Mn производство Паганини („24 Капризи“ за солова цигулка, концерти за цигулка и оркестър и др.) Все още остават ненадминати примери за виртуозна литературна цигулка. Те повлияха не само върху цялото последващо развитие на цигулковата музика през 19 век, но и върху работата на най-големите представители на романтиката. пианизъм - Ф. Шопен, Р. Шуман, Ф. Лист.

Паганини беше последният от великите италианци. майстори, работещи в областта на инстр. музика. През 19 век вниманието на композиторите и обществеността беше почти изцяло приковано към операта. На прага на 18-19 век. опера в Италия преживя период на известна стагнация. Tradits. типовете оперни сериали и оперни буфи вече бяха изчерпали възможностите си до този момент и не можаха да се развият. Творчество на най-големия италианец. Оперният композитор от това време Г. Спонтини продължи извън Италия (във Франция и Германия). Опитите на С. Мейр (германец по националност) да подкрепи традициите на оперните серии (чрез присаждане на определени заеми. Елементи) се оказаха еклектични. Ф. Паер, гравитиращ към оперния буф, не донесе нищо съществено ново в този жанр в сравнение с творчеството на Паисиело и Цимароса. (Името на Паер е запазено в историята на музиката като автор на операта по текста на Дж. Булиер „Леонора, или съпружеска любов“, който послужи за източник на свободата на Бетовен. Фиделио.)

Силен цъфтящ итал. опери през 19 век е свързан с дейността на Дж. Росини - композитор, надарен с неизчерпаема мелодика. находчивост, жив, кипящ темперамент и безпогрешен драматург. инстинкт. В работата му е отразено общото възход на ital. култура, причинена от растежа на патриотичното. национално освободи. стремежи. Дълбоко демократичен. в своето начало операта на Росини беше адресирана до широка публика. Той съживи нац. тип оперен баф и вдъхна нов живот в него, изостряйки и задълбочавайки характеристиките на действието. лица, приближавайки ги до реалността. Неговият „Севилски бръснар“ (1816 г.) е върхът на Италия. комик. опери. Комедийната страна на Росини се комбинира със сатиричната либре. някои от неговите опери съдържат директни намеци за обществата. и политически. положението от онова време. В опери, героични драми. характер, той преодоля замръзналите клишета от оперната поредица, по-специално придавайки особено значение на хора. до началото. Широко развита Нар. Сцени в последната опера на Росини „Уилям Тел“ (1829) за национално освобождение. сюжет, интерпретиран в романтично. план.

Яркият израз става романтичен. тенденции в творчеството на В. Белини и Г. Доницети, чиято дейност се развива през 30-те години. 19 в. Когато движението на нац. Ренесансът (Risorgimento) в Италия влезе в решаващ етап в борбата за единство и политика. независимостта на страната. В оперите на Белини „Норма“ (1831 г.), „Пуритани“ (1835 г.) ясно се чува националното освобождение. мотиви, въпреки че основният акцент се прави от композитора върху личната драма на героите. Белини беше майсторски експрес. романтичен кантилена, възхитителни М. И. Глинка и Ф. Шопен. Доницети има желание за силни драми. ефекти и остри ситуации понякога се изсипват в напрегнат мелодраматизъм. Следователно големият му романтик. опери (Lucrezia Borgia, според W. Hugo, 1833; Luciadi Lammermoor, според W. Scott, 1835) са били по-малко жизнеспособни от постановките. жанр на комедията („Любовна напитка“, 1832; „Дон Паскуале“, 1843), в съвременната традиция. тип ital оперният буф придоби нови черти: значимостта на жанровия фон нараства, мелодията се обогатява от интонациите на всекидневната романтика и песен.

Творбите на J. S. Mercadante, J. Pacini и някои други композитори от същия период не се различават независимо. индивидуални черти, но отразява общата тенденция за драматизиране на оперната форма и обогатяване на музите. финансови средства. В това отношение те бяха директни. предшественици на Ж. Верди - един от най-големите оперни драматурзи, не само италианска, но и световна музика. т-ра.

Ранните опери на Верди, които се появяват на сцената през 40-те години. ХІХ век, все още не напълно независим стилистично (Набуко, Ломбардс в първия кръстоносен поход, Ернани), предизвика ентусиазма на публиката за патриотичното им. патос, романтичен. извисяване на чувства, дух на героизъм и свобода. В производството. 50-те години (Риголето, Трубадур, Ла Травиата) той достигна страхотно психологическо ниво. дълбочината на образите, силата и истинността на олицетворението на остри, интензивни психични конфликти. Уок. Писмото на Верди се освобождава от външна виртуозност, проходимо орнаментиране, превръщайки се в органично неразделен мелодичен елемент. линия придобит експрес. стойност. В опери от 60-70-те години. („Дон Карлос“, „Аида“) той се стреми да идентифицира по-нататък широки слоеве барабан. действия в музиката, засилване на ролята на оркестъра, обогатяване на музите. език. В една от последните си опери - Отело (1886) Верди стигна до създаването на завършен. музи драми, в които музиката е неразривно свързана с действието и гъвкаво предава цялата му психологическа. нюанси.

Последователи на Верди, включително А. Пончиели, автор на популярната опера „Мона Лиза“ (1876), не може да обогати своите оперни принципи с нови създания. постижения. В същото време творбата на Верди срещна противопоставяне от страна на последователите на вагнерийските музикални драми. реформа. Вагнерианството обаче не е вкоренено дълбоко в Италия; влиянието на Вагнер се отразява сред определени композитори не толкова в принципите на оперната драма, колкото в хармонични приеми. и орк. букви. Вагнерийските тенденции се отразяват в операта „Мефистофел“ от Бойто (1868), която впоследствие се отклони от крайностите на очарованието на Вагнер.

Съобразно. 19 век версизмът беше широко разпространен в Италия. Огромният успех на оперите „Държавна чест“ на Маскани (1890 г.) и „Палячи“ на Леонкавало (1892 г.) допринесе за установяването на тази тенденция като господстваща в Италия. оперна работа. У. Джордано (сред неговите произведения най-известната опера „Андре Шение“, 1896 г.), Ф. Чилеа се присъединява към версимо.

Креативността на най-големия италианец също беше свързана с тази тенденция. оперен композитор след Верди - Ж. Пучини. Нейният произв. обикновено посветен. драма на обикновените хора, показана на цветен ежедневен фон. В същото време оперите на Пучини са свободни от присъщия версимичен натурализъм. по дяволите, те са по-фини психологически. анализ, проникващ лиризъм и изящество на писането. Вярно на най-добрите традиции на Итал. белканто, Пучини заточи рецитатора. изразителност на уок. мелодика, търсена по-подробно възпроизвеждане на речеви нюанси в пеенето. Цветно хармонично. и орк. езикът на неговите опери съдържа някои елементи на импресионизъм. В първите си зрели продукции. (Бохемия, 1896; Тоска, 1900) Пучини все още е свързан с Италия. оперна традиция от 19 век, стилът й се усложнява по-късно, изразните средства стават по-остри и концентрирани. Особено явление в Италия. оперно изкуство - дело на Е. Волф-Ферари, който се опита да модернизира класиката. тип оперен бивол, съчетаващ своята традиция. форми със стилистични. чрез късен романтизъм („Любопитни жени“, 1903; „Четирима тирани“, 1906, базирани на сюжетите на Голдони). Р. Джандонай, следвайки главно пътя на веризма, стана близък до някои от новите музи. течения на 20 век

Високи постижения ital. опери през 19 - поч. 20 век бяха свързани с блестящия цъфтеж на вокалите. култура. Традициите итали. Белканто, създаден през 19 век, се доразвива в изкуството на няколко. поколения световноизвестни певци. В същото време тяхното изпълнение придобива нови черти, ставайки по-лирични и драматично изразителни. Последният изключителен представител на чисто виртуозен начин, който дари драми. съдържание за красотата на звука и технологиите. гласова мобилност, беше А. Каталани. Сред майсторите на Итал. уок. Училище 1-ви етаж. 19-ти век, формиран на основата на операта на Росини, Белини и Доницети - певиците Джудит и Джулия Гриси, Дж. Паста, певците Дж. Марио, Ж. Б. Рубини. На 2 етаж. 19 век се номинира галактика от „Вердиеви“ певци, към която принадлежат певците А. Боцио, Б. и К. Маркисио, А. Пати, певците М. Батистини, А. Мазини, Ж. Анселми, Ф. Таманьо, Е. Тамберлик и други .През 20 век. слава Италия. оперите са подкрепени от певци А. Барби, Ж. Белинчони, А. Гали-Кърчи, Т. Дал Монте, Е. и Л. Тетрацини, певци Ж. Де Лука, Б. Гигли, Е. Карузо, Т. Скипа, Тита Руфо и друг

С кон. 19 век стойността на операта в ital. композиторите отслабват и има тенденция за преместване на центъра на вниманието в сферата на instr. жанрове. Възраждането на активното творчество. интерес към инстр. музиката допринася за дейностите на J. Sgambati (спечели признание в Европа като пианист и диригент) и J. Martucci. Но работата на двамата композитори, разработена под влиянието на Ф. Лист и Р. Вагнер, не беше достатъчно независима.

Като предвестник на нова естетика. идеите и принципите на стила оказват голямо влияние върху развитието на цяла Европа. музика на 20 век Ф. Бусони е един от най-големите пианисти на своето време, основен композитор и теоретик на изкуството. Той представи концепцията за "нов класицизъм", съкращение, което контрастира, от една страна, импресионист. плавност на образите, неуловими нюанси, от друга - „анархия“ и „произволност“ на атонализма на Шьонберг. Вашето творчество. Бусони реализира принципите в продукции като „Counterpoint Fantasy“ (1921), „Импровизация на хоровите Бах“ за 2 fp. (1916 г.), както и оперите „Арлекин“, или „Прозорец“, „Турандот“ (и двата поста. 1917 г.), в които той изоставя разработения уок. Италиански стил. предшественици и се стремяха да се доближат до вида на древното двуетажно. комедия или фарс.

В основния поток на неокласицизма се създаде курсив. композитори, понякога обединени под името. „групи от 1880-те.“ - И. Пицети, Й. Ф. Малипиеро, А. Касела. Те се стремяха да възродят традициите на великия нац. музи от миналото, обръщайки се към форми и стилистични. приеми ital. барок и мелодичен григориански хорал. Застъпник и изследовател на ранната музика, Malipiero publ. SOBR. произведения на К. Монтеверди, инстр. производство А. Вивалди и забравеното наследство пл. итал. композитори от 17-18 век В работата си той използва формите на старата барокова соната, рикеркар и др. Операта му, основна. на експресен. уок. рецитация и средни средства орк. съч., отразява началото на 20-те години. реакция срещу веризма. Неокласицистичните тенденции на творчеството на Казела се проявяват в Partit for fp. с оркестър (1925), сюита на "Скарлатиан" (1926), някакъв музикален театър. производство (напр. камерната опера „Приказка за Орфей“, 1932 г.). Той обаче се насочи към Италия. фолклор (рапсодия за оркестър „Италия“, 1909 г.). Това е пъстър орк. писмото е разработено до голяма степен под влияние на руски език. и френски. училища (почит към ентусиазма на руската музика беше оркестрацията на „Ислям“ от Балакирев). Пицети въвежда в своите опери морализиращи религията елементи и насища музиките. езикът на интонациите на григорианския хор, като същевременно не нарушава традициите на Итал. Оперна школа от 19 век Nesk. специално място в тази група композитори заема творчеството на О. Респиги, майстор на орки. звукозаписи (класове от Н. А. Римски-Корсаков повлияха върху формирането на неговото произведение). В симф. стиховете на Респиги („Римски фонтани“, 1916; „Римски бор“, 1924) получават ярки снимки на Нар. живот и природа. Неокласицистичните тенденции се отразяват само частично в по-късната му творба. Забележима роля в I. м. 1-ви етаж. 20 век изиграна от Ф. Алфано, най-видният представител на вертикалното движение (операта „Възкресение“ по романа на Л. Н. Толстой, 1904 г.), която след това се развива до импресионизъм; М. Кастелньово Тедеско и В. Риети, които трябва да бъдат в началото в началото. Втората световна война 1939-45 г. от политик. мотиви напуснали родината си и се заселили в САЩ.

В началото на 40-те. 20 век през I. м. настъпват забележими стилистични смени. Тенденциите на неокласицизма се заменят с тенденции, които развиват под една или друга форма принципите на новата виенска школа. Показателно в това отношение е творческото. еволюцията на Г. Петраси, който, преживявайки влиянието на А. Касела и И. Ф. Стравински, се премества първо на позицията на свободна атоналност, а след това на строг додекафони. Най-големият композитор от този период, I. м. - Л. Далапиккола, чието творчество привлече широко внимание след Втората световна война. В своя произв. 40-те и 50-те проявяват се черти на експресионизма, родството. дело на А. Берг. Най-доброто от тях олицетворява хуманизма. протест срещу тиранията и жестокостта (хор. Триптих „Песни на затворници“, 1938-1941; опера „Затворник“, 1944-48), което им дава определена антифашистка ориентация.

Сред композиторите от по-младото поколение, напреднали след Втората световна война, Л. Берио, С. Бусоти, Ф. Донатони, Н. Кастилиони, Б. Мадърн, Р. Малипиеро и други стават известни. Работата им е свързана с разлагането. тенденциите на авангард - поствеберийски сериализъм, сонористика (вж. Музика от сериите, Соноризъм), алеаторика и е почит на официалното търсене на нови звукови средства. Берио и Мадерна ДОС. през 1954 г. в Милано, „Фонологично студио“, което провежда експерименти в областта на електронната музика. В същото време някои от тези композитори се стремят да комбинират т.нар нови средства за изразителни музи. авангард с жанрови форми и приеми на музика от 16-17 век.

Специално място в модерното. И. М. принадлежи на композитора-комунист, активен мирен активист Л. Ноно. В работата си той се занимава с най-належащите теми на нашето време, опитвайки се да въплъти идеите на международното. братство и солидарност на работниците, протест срещу империализма. потисничество и агресия. Но средствата на авангардното изкуство, използвани от Ноно, често противоречат на желанието му за спонтанност. възбуда. въздействие върху масите на слушателите.

Настрана от авангардни тенденции стои J. K. Menotti - италианец. композитор живее и работи в САЩ. В творчеството му, свързано главно с операта, елементите на веризма придобиват известна експресионистична окраска, докато търсенето на истинската интонация на речта го води до частично сближаване с М. П. Мусоргски.

В музиката. животът на Италия продължава да играе важна роля опера t. Една от най-забележителните оперни групи в света е Ла Скала в Милано, която съществува от 1778 г. Сан Карло в Неапол (основана през 1737 г.) и Фениче във Венеция също принадлежат към най-старите оперни театри в Италия. основана през 1792 г.). Големи изкуства. Римската опера придобива значение (открита е през 1880 г. под името театър „Костанци“, от 1946 г. - Римската опера). Сред най-видните совр. итал. оперни артисти - певци Й. Симионато, Р. Ското, А. Стела, Р. Тебалди, М. Френи; певци Дж. Беки, Т. Гобби, М. Дел Монако, Ф. Корели, Ж. Ди Стефано.

Голямо влияние за развитието на опера и симфония. културата в Италия е осигурена от дейността на А. Тосканини - един от най-големите диригенти на 20 век. Видни представители на музиката. Художници са диригентите П. Арженто, В. Де Сабат, Г. Кантели, Т. Серафин, Р. Фасано, В. Фереро, К. Цеци; пианист А. Бенедети Микеланджели; цигулар Дж. Де Вито; виолончелист Е. Майнарди.

От началото 20 век Музикалните изследвания се развиват интензивно в Италия. и критичен. мисля. Това означава. принос към изследването на музи. Наследство донесоха музиколозите Г. Барблан (председател на италианското. Музикално дружество), А. Бонавентура, Й. М. Гати, А. Дела Корте, Г. Панаин, Й. Ради-Коти, Л. Торки, Ф. Торефранка и други М. Дзафред и М. Мила работят преим. в областта на музиката. критици. В Италия са публикувани редица музи. списания, включително "Rivista Musicale italiana" (Торино, Милано, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d" oggi "(Милано, 1919-40, 1958-)," La Rassegna Musicale "(Торино, 1928-40) ; Рим, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Милано, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Торино, 1964-) и др.

Няколко посветени енциклопедии музика и t-ru, вкл. Enciclopedia della musica (v. 1-4, Mil., 1963-64), Enciclopedia dello spettacolo (ст. 1-9, Рома, 1954-62).

Сред специалните. музи студент най-големите институции са консерваториите: „Санта Сесилия“ в Рим (основана през 1876 г. като музикален лицей, от 1919 г. - консерваторията); името на Дж. Б. Мартини в Болоня (от 1942 г .; основан през 1804 г. като музикален лицей, от 1914 г. получава статут на консерватория); тях. Бенедето Марчело във Венеция (от 1940 г., основан през 1877 г. като музикален лицей, от 1916 г. е приравнен с висше училище); Милано (основан през 1808 г., през 1901 г. е кръстен на Й. Верди); тях. Л. Черубини във Флоренция (основана през 1849 г. като музикален институт, след това музикално училище, Музикална академия, от 1912 г. - консерватория). Проф музикантите също се обучават в историята на музиката в университетите, в Папския амброзиански институт за свещена музика и др. В тези изследвания. институции, както и в Института по наследство на Верди, е музиколог. Йов. Във Венеция, Интернационалът. пропаганден център ital. музика, която ежегодно организира летни курсове („Музикални празници“) за изучаване на древен италиански. музика. Обширна колекция от ноти и книги за музика е на разположение в амброзианската b-ka, bk-ka на Миланската консерватория. Широко известни са хранилищата на древни инструменти, бележки и книги (съсредоточени в библиотеката на Болонската филхармония, в библиотеката на Й. Б. Мартини и в архива на параклиса "Сан Петронио" в Болоня). Най-богатите материали за историята на Итал. музика имат Нат. b-ka Marchiana, bk-ka фонд D. Cini и Музей на музите. инструменти в консерваторията във Венеция.

В Италия има многобройни. музи организация и изпълнение. колективи. Редовна симф. концерти дават: оркестри на т-точки La Scala и Fenice, Nat. Академия Санта Сесилия, Итал. радио и телевизия в Рим, оркестърът на острова „Следобедна музика“ („Rommerigi musicali“), който изпълнява предимно. с испански модерен музика, камерни оркестри „Angelicum“ и „Виртуози на Рим“, общността „Амброзийска полифония“, популяризираща музиката от Средновековието, Ренесанса и Барока, както и оркестърът на Болонския търговски сдружение „Комунале“, Камерния оркестър на Болоня и други групи.

В Италия, многобройни музи фестивали и конкурси: стаж. модерен фестивал музика (от 1930 г., Венеция), „Флорентински музикален май“ (от 1933 г.), „Фестивал на два свята“ в Сполето (от 1958 г., основан от Дж. К. Меноти), „Седмица на новата музика“ (от 1960 г., Палермо), Състезание по пиано Ф. Бусони в Болцано (от 1949 г., ежегодно), музикално и танцово състезание към тях. JB Viotti във Верчели (от 1950 г., ежегодно), състезание за тях. А. Касела в Неапол (от 1952 г., на всеки 2 години, до 1960 г., участват пианисти, от 1962 г. - също композитори), състезанието по цигулка на име Н. Паганини в Генуа (от 1954 г., ежегодно), орк състезание. диригенти в Рим (от 1956 г. на всеки 3 години, създадена от Националната академия на Санта Сесилия), конкурс за пианисти, кръстен на Е. Поцоли в Сереньо (от 1959 г. на всеки 2 години), състезание за млади диригенти, кръстено на G. Cantelli в Новара (от 1961 г., на всеки 2 години), конкурсът на гласовитите Verdi в Бусето (от 1961 г., ежегодно), конкурсен хор. колективи към тях. Guido d "Arezzo в Arezzo (основан през 1952 г. като нац., От 1953 г. - международен; ежегодно, известен също като" Polyphonico "), състезател на виолончелистите G. Casado във Флоренция (от 1969 г., на всеки 2 години).

Сред ital. музи Ob-v - The New Music Corporation (секция на International Ob-v. Modern music; основана през 1917 г. като National Musical Ob-v, през 1919 г. е трансформирана в италианска ob-v. Модерна музика, от 1923 г. - Corporation), Асоциация на музите библиотеки, об-ин музикология и др. Итал върши чудесна работа. музи издателство и търговско дружество „Рикорди и Ко“ (основано през 1808 г.), което има клонове в много. държави.

литература: Иванов-Борецки М. В., Музикално-историческа антология, кн. 1-2, М., 1933-36; него, Материали и документи за историята на музиката, т. 2, М., 1934; Кузнецов К. А., Музикални и исторически портрети, сер. 1, М., 1937; Ливанова Т., История на западноевропейската музика до 1789 г., М. - Л., 1940; Gruber R.I., Обща история на музиката, първа част, М., 1956, 1965; Хохловкина А., Западноевропейска опера. Краят на XVIII - първата половина на XIX век. Есета, М., 1962; История на европейската история на изкуството: от древността до края на 18 век, М., 1963; История на европейската история на изкуството. Първата половина на XIX век, М., 1965.

„Народно изкуство” - разберете как любовта ви към устното народно изкуство се възпитава в семейството ви. По този начин, засилен интерес към руското народно изкуство. Изпълнение на проекта. 6 часа. Цели на научните изследвания: Какви видове народно изкуство използвате в своите игри? Етапи на работа: Поставете цели и задачи. Използва ли се руското народно изкуство във вашия живот, в игри.

„Руска народна носия“ - Ако ръкавите бяха спуснати, тогава беше невъзможно да се извърши никаква работа. В Русия основното облекло за жените беше сарафан и риза с бродерия. Дрехите отразяват душата на хората. Sundresses могат да бъдат с различни цветове: червено, синьо, кафяво ... Момичетата можеха да ходят с отворена глава. Зелена - коприва. Чрез дрехите можете да научите за традициите и обичаите на вашия народ.

„Художници на италианския ренесанс“ - представител на Възраждането. Завръщането на блудния син. Рафаело. Мадона и дете. Веласкес. Къпете. Последният художник от немския Ренесанс. Живопис. Плодовете на ревността. Джокондата. Леонардо да Винчи. Мадона Констабиле. Многобройни църковни картини и изображения на светци. Венера и Адонис.

„Народна музика” - хор „Пятницки” на руската песен на Всесъюзното радио. Всички жанрове на руския фолклор заслужават еднаквото внимание на колекционери и изследователи. Василий Татищев. Наистина популярен. Ансамбълът "Златен пръстен". Горки каза: "... Началото на изкуството на думата е във фолклора." Свойства: Музикални образи, свързани с живота на хората. Вековно шлайфане на времето.

"Руски народни инструменти" - Музикални инструменти в детската градина. Балалайка Хармония. Самоназваещи се рога! Първи инструменти. В тялото бяха направени дупки за промяна на терена. Расте в гората, плаче в прегръдките си, изнесе от гората и скача на пода. Формовани от глина. Руски народни инструменти. Появява се през 1870 г. в Тула. В класната стая и на празника.

„Оркестър на народни инструменти“ - Съставът на оркестъра. Има няколко разновидности на руската домра. Домра е водещ инструмент в оркестъра на народни инструменти. Баян дължи външния си вид на руския майстор Петър Стерлигов. Духови инструменти. Акордеонът с бутони съществува в Русия от 1907 г. Те са част от оркестъра на народните инструменти. Първите сведения за арфата датират от VI век.

Културен пачуърк Италия даде на света ненадминати майстори на изкуството. Но самите италиански гениални творци бяха повлияни от народната култура, вкл. мелодични италиански песни. Почти всички имат автори, което обаче не им пречи да бъдат наречени фолк.

Това вероятно се дължи на естествената любов на италианците към свиренето на музика. Това твърдение важи за всички региони на Италия от южен Неапол до северна Венеция, което се потвърждава от много песенни фестивали, провеждани в страната. Италианската песен е известна и обичана по целия свят: нашите родители все още помнят „Бела Чао” и „По пътя” - италиански народни песни, изпяти от Мюсюлман Магомаев, признат за най-добър изпълнител на песни в тази страна.

Италиански народни песни от незапомнени времена

Ако италианският език е формиран от X век, изследователите приписват появата на италианските народни песни в самото начало на XIII век. Това бяха песни, които роуминг жонглери и министрели пееха на градските площади по празниците. Темата за тях беше любовта или семейната история. Техният стил беше донякъде груб, което е съвсем естествено за Средновековието.

Най-известната песен, която достигна до нас, се нарича "Contrasto" ("Любовен спор") от сицилианския Chullo d'Alcamo. Тя се отнася до диалога между момиче и млад мъж, влюбен в нея. Освен това са известни подобни песни за диалог като „Спорът на душата с тялото”, „Спорът между брюнетката и блондинката”, „Спорът на несериозните и мъдри”, „Спорът за зимата и лятото”.

През Ренесанса модата за ежедневно свирене на музика се разпространи сред жителите на Италия. Обикновените граждани се събраха в кръгове на любителите на музиката, където свиреха на различни инструменти, композираха думи и мелодии. Оттогава песните придобиха широко разпространение сред всички слоеве от населението и се чуват навсякъде в Италия.

Музикални инструменти и италиански народни песни

Говорейки за фолклор, не може да не споменем и инструментите, под съпровода на които са изпълнени. Ето някои от тях:

• Цигулка, придобила своя модерен облик през 15 век. Този инструмент с национален произход е много обичан от италианците.
• Лютня и нейната пиренейска версия на viuel. Изскубените инструменти се разпространяват в цяла Италия през XIV век.
• Тамбура. Един вид тамбур, проникнал в Италия от Прованс. Танцьорът го придружи по време на изпълнението на тарантела.
• Флейта. Получава разпространение през XI век. Много често се използва от изпълнителя заедно с тамбур.
• Барел, механичен духов инструмент, който става популярен в Италия през 17 век. Беше особено обичан сред роуминг музикантите, спомнете си татко Карло.

Италианска народна песен „Санта Лусия” - раждането на неаполитанска музика

Неапол е столицата на региона Кампания, най-известният град в Южна Италия и родното място на изумително лиричната неаполитанска народна песен, красивата „Санта Лусия“.

Необичаен по своята красота природа, мек климат и удобно разположение на бреговете на едноименния залив, направиха този град и околността необичайно привлекателни за многобройни завоеватели и прости имигранти. Повече от 2500 години този град е възприел и преосмислил много култури, които не са могли да не повлияят на музикалните традиции в региона.

Раждането на неаполитанската народна песен се счита за началото на XIII век, когато песента „Слънцето изгрява“ е била много популярна. Това е зората на италианския Ренесанс. Времето за бързо развитие на италианските градове и началото на излизането на човешкото съзнание от тъмните векове. Към този период хората спряха да смятат танци и песни за грешни, започнаха да си позволяват да се наслаждават на живота.

През XIV-XV век. сред хората бяха игриви куплети, които бяха съставени, за да гледат деня. През втората половина на 15 век в Неапол се ражда Виланела (италианска песен на село) - куплети, изпълнявани с няколко гласа под акомпанимента на лютня.

Разцветът на известната неаполитанска народна песен обаче пада на XIX век. Именно през този период е публикувана известната италианска песен „Санта Лусия” от Теодоро Коттрау. Тя е написана в жанра barcarole (от думата кора), което означава „песен на лодкаря“ или „песен на водата“. Песента беше изпълнена на неаполитански диалект и беше посветена на красотите на крайбрежния град Санта Лусия. Това е първото неаполитанско произведение, преведено от диалект на италиански. Тя беше изпълнена от Енрико Карузо, Елвис Пресли, Робертино Лорети и много други световноизвестни артисти.

Оригинален неаполитански текст

Comme se fr? Cceca la luna chiena ...
возиш ли кобила, ще ли? серена ...
Vuje che facite „mmiez’a la via?
Санта Лусия! Санта Лусия!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v? '' S spassarse j? Nno pe 'mare ...
E 'pronta e lesta la varca mia ... Санта Лусия!
Санта Лусия! III La t? Nna? posta pe 'f? на цена ...
e quanno stace la panza chiena, non c´? la m? nema melanconia!

Санта Лусия! Санта Лусия!
P? Zzo accostare la varca mia?
Санта Лусия!
Санта Лусия! ...

Класически италиански текст (Енрико Косович, 1849 г.)

Sul mare luccica l'astro d'argento.

Sul mare luccica l'astro d'argento.
Placida? ли съм, просперо? il vento.

Санта Лусия! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! Санта Лусия!

Con questo zeffiro, cos? Soave, О, com? bello star sulla nave!
Supasgieri, venite via!
Санта Лусия!
Санта Лусия!

Supasgieri, venite via!
Санта Лусия!
Санта Лусия!

В рамките на тендера, бандитската цена In una sera cos? Серена,

Санта Лусия!
Санта Лусия!
Chi non dimanda, chi non desia.
Санта Лусия!
Санта Лусия!


Mare s? placida, vento s? Каро
Scordar fa i triboli al marinaro,
E va gridando con allegria,
Санта Лусия! Санта Лусия!

E va gridando con allegria,
Санта Лусия! Санта Лусия!


O dolce Napoli, o suol beato,
Ove sorridere volle il creato,
Ето, аз съмперолмория,
Санта Лусия! Санта Лусия!

Ето, аз съмперолмория,
Санта Лусия! Санта Лусия!


Или че tardate? Бела? la sera.
Spira un'auretta fresca e leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Санта Лусия!

Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Санта Лусия!

Руски текст

Морето диша малко
В сънлив мир
Отдалеч се чува шепот на прибоя.
Големи звезди светнаха в небето, Санта Лусия, Санта Лусия!
Ах, каква вечер - звезди и морето!
Лек вятър духа от подножието.

Той хвърля златни Сънища
Санта Лусия, Санта Лусия!
Лодката е като лебед
Плува встрани
Звезди на небето
Сияйте ярко.

Прекрасна песен
Чувам през нощта,
Санта Лусия
Санта Лусия!
Вечер над морето
Пълен от умора
Тихо ще отекнем
Позната песен.

О, моя Неапол
Дали роднини
Санта Лусия
Санта Лусия!
лунна светлина
Морето грее.

Благоприятен вятър
Платното извисява.
Моята лодка е лека
Веслата са големи ...
Санта Лусия
Санта Лусия!

Зад завесите
Морски лодки
Може да се избегне
Очите на нескромни.
Как да седим заключени
През нощта така?

Санта Лусия
Санта Лусия!
Неапол е моят прекрасен
О, ръбът е прекрасен
Къде се усмихва
Имаме небесен свод.

В душата на наслада
Излива се неземно ...
Санта Лусия
Санта Лусия!
Лесни ружа ние
Отпътуваме
И ще се издигнем над водата с чайка.

О, не губете
Златен часовник ...
Санта Лусия
Санта Лусия!

Спокойно море
Всички се възхищават
И горко на моряците
Моментално забравете
Само пейте
Песните са дръзки.

Санта Лусия
Санта Лусия
Какво още чакате?
Тихо в морето.
Луната свети
В сините простори
Моята лодка е лека
Веслата са големи ...

Санта Лусия
Санта Лусия!
***

Чуйте италианската народна песен Санта Лусия в изпълнение на Анастасия Кожухова:

В допълнение, друга неаполитанска песен "Dicitencello vuie" е известна у нас, по-добре я познаваме като "Кажи на момичетата си приятелка". Песента е написана през 1930 г. от композитора Родолфо Фалво по думите на Енцо Фуско. Рускоезичната версия беше изпълнена от повечето от домашните художници от Сергей Лемешев до Валери Леонтиев. В допълнение към руския език тази песен е преведена на много други езици.

Неаполитанските песни са безпрецедентно познати и обичани по целия свят. Това се доказва от инцидента, станал на Олимпийските игри в Антверпен през 1920 година. По време на награждаването на италианския отбор се оказа, че белгийският оркестър няма нотки на италианския химн. И тогава оркестърът удари „О, слънце мое“ („О единствен мио“). Още при първите звуци на мелодията присъстващата на стадиона публика започна да пее по думите на песента.

Говорейки за песенните традиции на Неапол и околностите му, не може да не споменем и фестивала Piedigrott, който се провежда ежегодно в началото на септември. Пиедирота - грот, разположен близо до Неапол, някога е служил като езическо светилище. През 1200 г., за да се освети това място, тук е издигната църквата "Света Мария", която става известна като Пиедирота, което означава "в подножието на грота".

С времето религиозното поклонение на Богородица и празненствата в нейна чест се трансформират в песен-фестивал-конкурс. По време на този музикален фестивал се състезават най-добрите народни поети и певци от Неапол. Понякога се случва две песни да получат еднакъв брой точки. И тогава публиката се разделя на два лагера, всеки от които е готов да защити любимите си мелодии с юмруци. Ако и двете песни са наистина добри - приятелството печели и целият град пее тези любими мотиви.

Италианска народна песен „Щастлива”

Творбата принадлежи на любовната лирика, но думите на текста отбелязват предателството и ветровитостта на младостта. Разказът се води от името на момиче, което сякаш се обръща към своя приятел и пита: знае ли какво се крие зад флиртуващите погледи на жените любовници на балове? Самата девойка все още не е влюбена в никого и затова счита себе си за най-щастливата и „по-очарователна от всички кралици“. Млада италианка се разхожда сред маргаритки и теменужки, слуша пищянето на птици и им пее за това колко са щастливи и че иска да ги обича само завинаги.

Всъщност точно се забелязва, че докато любовта ви към друг човек не стане болезнена обич, има време да се насладите на живота, природата и всички онези около вас. Къде да забележите всичко това, когато пламнете от ревност и безпокойство.

Чуйте италианската народна песен „Щастлива“ на руски език в изпълнение на Анастасия Теплякова:

Хумор в италианските народни песни: пеене за „Паста“

Лекият и весел италиански характер допринесе за широкото разпространение на хумористични песни. Сред такива произведения си струва да отбележим песента „Pasta“, посветена на това наистина италианско ястие. Пеейки тази песен, сираци и деца от бедни семейства печелят прехраната си, просейки милостиня от минувачите. В зависимост от пола на художника има мъжки и женски версии на текста. Песента е създадена в ритъма на тарантела.

Тарантела е народен танц, изпълняван от 15-ти век. По правило основата на тарантела е един ритмично повтарящ се мотив. Интересното е, че танците на тази мелодия се смятаха за лечебен инструмент за хора, ухапани от тарантула. От незапомнени времена музикантите обикалят пътищата на Италия, изпълнявайки тази мелодия специално за пациенти с „тарантизъм“.

Макарони (мъжка версия) Превод от М. Улицки

1. Живея сред руините.
По-забавно, отколкото тъжно.
Аз живея сред руините.
По-забавно, отколкото тъжно.

Той с готовност подари легло и маса с балкон на макароните.

2. Този шкембе е добър приятел на обикновените хора.
Този късмет е добър приятел на обикновените хора.

Но също така важните личности се хранят със сос за паста.

3. Искате ли да знаете как оцеляващият червен клоун оцеля?
Искате ли да знаете как оцеляващият червен клоун оцеля?

Шутовская махна короната и размени за макаронени изделия.

4. Нашата тарантела се пее, с кого да отида на вечеря?
Нашата тарантела се пее, с кого да отида на вечеря?

Просто извикайте: "Паста!" - Придружителите веднага се появяват.

Макарони (женска версия)

По-черен съм от маслина
Бродя сам бездомно
И към звуците на тамбур
Готов съм да танцувам цял ден
Ще те отведа до Тарантела,
Просто бъдете в подкрепа
Дай ми и купи
Паста, тестени изделия.

Моят приятел Пулчинело
Ранено в сърцето беше стрела,
Само аз не исках Пулчинело да стане съпруга.
Той почти се застреля
Почти се спуснах от балкона
Но излекуван от страст
Просто поглъщам макароните.

Отидох на къмпинг, брат
След него, любимият ми,
Как да направим войниците
Всички останаха ли в безопасност?
За да не стрелят оръжията,
Извадете всички амуниции
Вместо куршуми да излитат
Паста, тестени изделия.

Ако почувствате малко тъга
Ако сте потиснати от болест,
Или понякога стомахът е празен,
Макароните са полезни за вас!
Сбогом синьорите
Бон пътешествие, Синьора Дона,
Трябва да сте много пълен,
И тестените ме чакат!

Maccheroni

1.Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.

Venderei i miei canzoni per un sol piatto da maccheroni.

2. Pulcinella mezzo prevao vole a fare il testimento.
Pulcinella mezzo prevao vole a fare il testimento.

Purche avesse dai padroni un grosso piatto di maccheroni.

3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.

Le spalline pe'galloni per un sol piatto di maccheroni.

4. Тарантела си е кантата,
due carlini si e pagata.
Тарантела си е кантата,
due carlini si e pagata.
Sono allegro, o compagnoni,
не конкуремо макерони.
Sono allegro, o compagnoni,
не конкуремо макерони.
***

Чуйте италианската народна песен „Макарони“ на руски език в изпълнение на Анна Жихаленко:

Венециански песни на водата

В допълнение към южния Неапол, северната перла на Италия, Венеция, се отличава със своите великолепни и невероятни песенни традиции. На първо място става въпрос за песните на кабинковете. Тези любовни мотиви принадлежат към жанра на barcarol. Те са много мелодични и непринудени.

Силният и красив глас на гондолиера сякаш озвучава бавните удари на греблата по водата. Странно, но до 18-ти век баркаролът не е получил подобаващо внимание от професионалните музиканти. В следващия век обаче този пропуск е повече от компенсиран. Чайковски, Менделсон, Шопен, Глинка - това е само малък брой музикални гении, които бяха завладени от венецианската народна песен и включиха нейните мотиви в безсмъртните си творби.

За съжаление модерността се отразява негативно на венецианските традиции, включително баркарола. Така например, по молба на туристи, гондолиерите често пеят неаполитанската песен „O Sole Mio“, въпреки че Асоциацията на кабинковете е против изпълнението ѝ, тъй като не е венецианска.

Песен на италианските партизани „Bella Chao”

Известната партизанска песен „Бела Чао“ („Сбогом красота“) също се радва на безпрецедентна популярност. Пее се от членове на Съпротивата по време на Втората световна война. Вярно е, че не е разпространен в цяла Италия, а само на север от страната, в Апенините.

Смята се, че текстовете са написани от медицински асистент или лекар. А мелодията ясно е взета от старата детска песен "Sleepy Potion". Въпреки че, според Лучано Гранози, професор по съвременна история в Университета в Катания, „Бела Чао“ до 1945 г. е бил изпълняван само от няколко групи партизани в околностите на Болоня.

E picchia picchia
la poricella
E picchia picchia

E picchia picchia
la porticella dicendo: „Ой бела, ми виени април“.
Con una mano apr?
la porta e con la bocca
la gli d? un bacin.
La gh'ha dato un bacio cos? танто форте че
la suoi mamma la lhaha изпратени ?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
che tutto il mondo parla mal di te?
Ma lascia pure che
il mondo 'l diga: io voglio amare chi mi ama me.
Io voglio amare quel giovanotto ch’l’ha
fatt naselja 'при мен за мен.
Ще се настроим да настроите
mesi e sette giorni di prigion per me.
E la prigione
аз? танто скура,
mi fa paura,
la mi fa morir

Bella Chao (една от опциите)

Събудих се тази сутрин

Събудих се тази сутрин
И видя врага през прозореца!
О партизани, вземете ме
О, Бела Чао, Бела Чао, Бела Чао, Чао, Чао!
О партизани, вземете ме
Усещам как смъртта ми е близо!
Ако бях предопределен да умра в битка
О, Бела Чао, Бела Чао, Бела Чао, Чао, Чао!
Ако бях предопределен да умра в битка - Ти ме погребваш.
Погребете в планината високо
О, Бела Чао, Бела Чао, Бела Чао, Чао, Чао!
Погребете в планината високо
Под навеса на червено цвете!

О, Бела Чао, Бела Чао, Бела Чао, Чао, Чао!
Минавач ще мине, цвете ще види
"Красиво - ще каже - цвете!"
Това ще бъде споменът за партизана
О, Бела Чао, Бела Чао, Бела Чао, Чао, Чао!
Това ще бъде споменът за партизана
Каква свобода смело падна!
***

Чуйте песента на италианските партизани „Bella Chao” в изпълнение на хор „Пятницки”:

Любимата партизанска песен беше „Fischia il vento“ („Вятърът духа“), тя беше явно комунистическа по своята същност. Следователно, след края на войната, за идеологически цели, италианското правителство започва да популяризира песента „Bella Chao“. За което той трябва да бъде само благодарен. Във всеки случай песента придоби световна слава в края на четиридесетте години, след І международен фестивал на младежта и студентите, който се проведе в Прага през лятото на 1947 година. След това много пъти имаше кавър на изтъкнати и не много певци по цял свят.

Темата на италианската народна музика е толкова обемна, че е невъзможно да се предаде в рамките на една статия. Това се дължи на факта, че цялата история на Италия намери своето отражение в народните песни. Невероятно мелодичният език, великолепната природа и бурната история на развитието на страната дадоха на света такова културно явление като италианската народна песен.

← ← Искате ли да чуете приятелите да ви благодарят, че споделяте интересни и ценни материали с тях ?? След това кликнете върху един от бутоните на социалните медии вляво веднага!
Абонирайте се за RSS или получавайте нови статии във вашата поща.

Мандолинът е струнен музикален инструмент. Появата му датира от 16 век, а цветната Италия се превръща в родина. Мандолинът е музикален инструмент, много подобен на външен вид на лютня, тъй като има и крушовидна форма. Тя се различава от лютнята по това, че има по-малко струни и по-къса шия.

По принцип мандолината винаги е имала четири сдвоени струни (известни като неаполитански мандолин), а лютнята, в зависимост от епохата, е имала шест струни и повече. В допълнение към този вид мандолина са известни и другите му видове:

• сицилиански - с плоска долна палуба и четири тройни струни;
• милански - с шест струни, настройваща октава по-висока от китарата;
• генуезки - пет струнни мандолина;
• флорентински.

Как се играе мандолината

Обикновено те играят мандолината като медиатор, или по-скоро като plectrum. Въпреки че се случва да играят с пръсти. Звукът от мандолината е уникален - бързото и многократно повторение на звука (тремоло) се обяснява с факта, че когато докоснете струните, звукът затихва бързо, тоест се оказва кратък. Ето защо, за да удължите звука и да получите уж задържана нота, се използва тремоло.

Мандолин става широко известен извън Италия век след създаването му. Този инструмент беше много харесван и бързо придоби статута на народен инструмент. Досега тя върви по планетата, като се вкорени все повече и повече в съвременната култура.

Известно е дори, че такъв известен композитор като Моцарт в операта си „Дон Хуан“ е използвал мандолината в серенада.

В допълнение, много от днешните групи, композитори и певци използват този музикален инструмент, за да дадат някаква „жар“ техните композиции.

С помощта на мандолината можете перфектно да придружавате и да свирите солови части. Например, известни са неаполитанските оркестри, в които звуците се сливат от много мандолини с различна големина. Друг мандолин се използва в симфонични и оперни оркестри. Наред с банджото, мандолинът се използва и в американската синя трева и народната музика.

Както вече споменахме, мандолината е много необичаен музикален инструмент и е обичан от мнозина именно защото козът му е тремоло, което, може би, няма да намерите в други музикални инструменти.

Мандолинът е музикален инструмент, който е един от най-популярните в категорията народни инструменти. Може би малко музикални инструменти могат да се похвалят с такава популярност. По-скоро мандолината традиционно се счита за популярна, въпреки че много композитори я използват в своите произведения, което им придава особен чар и уникалност. Въпреки че мандолината често се използва в оркестри, тя също звучи чудесно като независима музикална част. На него се изпълняват различни етюди и пиеси, придружени от други инструменти.

Къде другаде мандолинът стана известен

Сравнително бързо мандолината мигрира от Италия на север от Съединените американски щати и здраво се утвърди в местната музика. В Европа скандинавският народ завладява този инструмент, който придава на мандолина особена строга звучност.

Мандолините имат свързани инструменти. Това са мандола, бузуки и октава мандолина. Рокендрол хармонията на нашето време много прилича на същата мандолина.

Известно е, че членовете на групата Led Zeppelin много харесват звука на мандолината и го използват в своите мелодии. Дори Джими Пейдж, член на колектива, допълни мандолината с шията на мандолата и китара. Дори Пол Маккартни предпочиташе този труден музикален инструмент.

В допълнение към отличния звук, мандолината има редица неоспорими предимства:

• хармонична система;
• компактност;
• комбинация с други мандолини или други музикални инструменти като цяло - китара, диктофон.

Структурата на мандолината донякъде напомня структурата на цигулката:

• първата двойка струни е настроена във 2-ра октава;
• втората двойка - в 1-ва октава,
• d от 1-ва октава;
• четвъртата двойка струни е солта на малка октава.

Популярността на мандолините нараства все повече и повече. Например, член на група „Ария“ Вадимир Холстинин в музикалния състав „Изгубен рай“ използва мандолина. Използва се и в металната опера на група „Епидемия“ (песен „Иди си път“) и със Сергей Маврин („Макадаш“).

И известната песен „Да изгубя моята религия” от R.E.M. с уникалния звук на мандолина? Изглежда, че тя е позната в почти всички страни по света.

Мандолинният музикален инструмент е доста загадъчен. Нейната тайна за успех все още не е напълно разкрита. Дори да са минали повече от четиристотин години от създаването му, той абсолютно не губи своята популярност, а напротив, набира все повече фенове. В съвремието все по-често се използва в голямо разнообразие от музикални жанрове.

Много е поразително, че мандолината е в състояние перфектно да се впише във всяка композиция, засенчва или подчертава звука на почти всеки инструмент. Чувайки звуците на този някак вълшебен инструмент, сякаш се потопите в древната ера на смели рицари, прекрасни дами и горди крале.

Видео: Как звучи мандолина

Много нации съжителстват на различни езици в света. Но не само думи са били казани от хората през цялата история. За да вдъхновят емоциите и мислите си в древността, са използвани песни и танци.

Танцово изкуство на фона на развитието на културата

Италианската култура е от голямо значение на фона на световните постижения. Началото на неговия бърз растеж съвпада с раждането на нова ера - Ренесанса. Всъщност Ренесансът възниква именно в Италия и от известно време се развива вътрешно, без да докосва други страни. Първите му успехи падат на XIV-XV век. По-късно Италия се разпространи в цяла Европа. Развитието на фолклора започва още през XIV век. Свежият дух на изкуството, различното отношение към света и обществото, промяна на ценностите бяха отразени пряко в народните танци.

Възрожденско въздействие: нови па и точки

През Средновековието италианските движения към музиката се изпълняват поетапно, плавно, с люлки. Ренесансът промени отношението си към Бога, което се отрази във фолклора. Италианските танци придобиха енергичност и жизнени движения. Така па "до пълна спирка" символизираше земния произход на човека, неговата връзка с даровете на природата. А движението „на пръсти“ или „с скок“ идентифицира желанието на човека към Бог и неговото прославяне. Италианското танцово наследство се основава на тях. Тяхната комбинация се нарича "точки" или "точки".

Ренесансови италиански народни музикални инструменти

Под съпровода бяха изпълнени фолклорни творби. За целта бяха използвани следните инструменти:

• Клавесин (италиански "chembalo"). Първо споменаване: Италия, XIV век.
• Тамбурин (вид тамбурин, прародител на съвременния барабан). Танцьорите също го използваха по време на движения.
• Цигулка (инструмент с лък, възникнал през 15 век). Италианският му сорт е виола.
• Лютня (изскубен струнен инструмент.)
• Тръби, флейти и обои.

Танцово разнообразие

Музикалният свят на Италия придоби разнообразие. Появата на нови инструменти и мелодии подтикна енергични движения към ритъма. Националните италиански танци се родиха и развиха. Имената им са формирани, често се основават на териториалния принцип. Имаше много разновидности от тях. Основните италиански танци, известни днес са: бергамаск, галеард, салтарела, павана, тарантела и пица.

Бергамаск: Класически точки

Бергамаска е популярен италиански народен танц от XVI-XVII век, който след излизането си от мода, но оставя съответното музикално наследство. Регион в страната: север от Италия, провинция Бергамо. Музиката в този танц е забавна, ритмична. Размерът на измервателния часовник е сложна четиричасти. Движения - прости, гладки, сдвоени, може да има промяна между двойки в процеса. Първоначално народният танц се влюби в съда през Възраждането.

Първото му литературно споменаване е забелязано в пиесата на Уилям Шекспир „Сън в лятна нощ“. В края на XVIII век от танцовия фолклор на Бергамаск плавно преминава в културното наследство. Много композитори използваха този стил в процеса на писане на своите произведения: Марко Учелини, Соломон Роси, Жироламо Фрескобалди, Йохан Себастиан Бах.

Към края на 19 век се появява различна интерпретация на бергамаски. Той се характеризираше със сложен смесен размер на музикален метър, по-бърз темп (А. Пиати, К. Дебюси). Днес са запазени ехота на фолклора Бергамаски, който те успешно опитват да преведат в балетна и театрална постановка, използвайки подходящия стилистичен музикален съпровод.

Галиарда: весели танци

Галиард - стар италиански танц, един от първите фолк. Появява се през XV век. В превод означава „весел“. Всъщност той е много весел, енергичен и ритмичен. Това е сложна комбинация от пет стъпки и скокове. Това е двойка фолклорен танц, който доби популярност на аристократични балове в Италия, Франция, Англия, Испания, Германия.

През XV-XVI в. Галиардът става модерен поради своята комична форма, весел, непосредствен ритъм. Загубена популярност поради еволюцията и трансформацията в стандартен стилен корт танцов стил. В края на XVII век напълно премина към музика.

Първичният галиард се характеризира с умерено темпо, дължината на метър е обикновена тричастна. В по-късни периоди, изпълнени с подходящ ритъм. В същото време беше характерна сложната дължина на музикалния метър. Известните съвременни произведения в този стил се характеризират с по-бавен и спокоен темп. Композитори, използвали галаарна музика в своите произведения: В. Галилей, В. Брейк, Б. Донато, У. Бърд и други.

Салтарела: Сватбено забавление

Салтарела (Saltarello) - най-древният италиански танц. Той е доста забавен и ритмичен. Придружен от комбинация от стъпки, скокове, завои и кимане. Произход: от италиански салтаре - "скок". Първото споменаване на този вид народно творчество датира от XII век. Първоначално това беше публичен танц с музикален акомпанимент с обикновен размер с две или три лопатки. От 18-ти век той плавно се изражда в двойка салтарела до музика със сложни размери. Стилът е оцелял и до днес.

През XIX-XX век - той се превръща в масивен италиански сватбен танц, който се танцува на сватби. между другото, по онова време те често са били обвързани с реколтата. През XXI - изпълнява се на някои карнавали. Музиката в този стил е разработена в композициите на много автори: Ф. Менделсон, Г. Берлиоз, А. Кастелоно, Р. Барто, Б. Базурова.

Павана: грациозна тържественост

Павана е стар италиански бален танц, който се изпълняваше изключително пред съда. Известно е друго име - падова (от името Падова; от латинското pava - паун). Този танц е бавен, грациозен, тържествен, артистичен. Комбинацията от движения се състои от прости и двойни стъпки, къдравост и периодична промяна в подредбата на партньорите един спрямо друг. Тя танцува не само на точки, но и в началото на шествия или церемонии.

Италианската Павана, след като влезе в съдебните балове на други страни, се промени. Тя се превърна в един вид танцов "диалект". Така испанското влияние доведе до появата на „павалила”, а френското - на „пасамецо”. Музиката, на която се изпълняваше па, беше бавна, двучастична. подчертават ритъма и важните моменти на композицията. Танцът постепенно излезе от мода, запазен в произведения на музикалното наследство (П. Атенян, И. Шейн, К. Сен-Саен, М. Равел).

Тарантела: олицетворение на италианския темперамент

Тарантела е народен танц на Италия, съхранен и до днес. Той е страстен, енергичен, ритмичен, весел, неуморен. Италианският танц на тарантела е отличителен белег на местните жители. Състои се от комбинация от скокове (включително встрани) с редуване на краката напред и назад. Той е кръстен на град Таранто. Има и друга версия. Казаха, че ухапаните хора са подложени на заболяване - карантина. Болестта беше много подобна на бяс, от който те се опитваха да се възстановят в процеса на непрекъснати бързи движения.

Музиката се изпълнява в обикновен три части или сложен размер. Тя е бърза и забавна. Характеристики:

1. Комбинацията от основните инструменти (включително клавишни) с допълнителни, които са в ръцете на танцьорите (тамбури и кастанети).
2. Липса на стандартна музика.
3. Импровизация на музикални инструменти в рамките на известен ритъм.

Ритъмът, присъщ на движенията, е използван в техните композиции от Ф. Шуберт, Ф Шопен, Ф Менделсон, П. Чайковски. Тарантела днес е пъстър народен танц, основите на който са собственост на всеки патриот. И през XXI век тя продължава масово да се танцува на весели семейни празници и пищни сватби.

Pizzica: Clockwork Dance Scramble

Pizzica е бърз италиански танц, получен от тарантела. Той се превърна в танцово направление на италианския фолклор поради появата на собствените му отличителни черти. Ако тарантела е предимно масов танц, тогава пицата е станала изключително сдвоена. Още по-енергичен и енергичен, той получи някои войнствени нотки. Движенията на двамата танцьори приличат на дуел, в който се бият весели съперници.

Често се изпълнява от дами с няколко господа на свой ред. В същото време, изпълнявайки енергични движения, младата дама изрази своята оригиналност, независимост и бурна женственост, в резултат на отхвърлянето на всяко от тях. Кавалерите се поддадоха на натиск, демонстрирайки възхищението си от жената. Такъв индивидуален специален характер е характерен само за пицата. В известен смисъл тя характеризира страстен италиански характер. След като придоби популярност през XVIII век, пицата не я е загубила и до днес. Продължава да се изпълнява на панаири и карнавали, семейни тържества и театрални и балетни представления.

Появата на нова доведе до създаването на подходящ музикален съпровод. Появява се „pizzicato“ - начин за изпълнение на произведения върху лъка, но не със самия лък, а с ощипване на пръстите. В резултат на това се появяват напълно различни звуци и мелодии.

Италиански танци в историята на световната хореография

Възникнали като народно изкуство, прониквайки в аристократични бални зали, танците се влюбиха в обществото. Имаше нужда от систематизация и конкретизация на годишните с цел любителско и професионално обучение. Първите теоретични хореографи бяха италианци: Доменико да Пиаченца (XIV-XV), Гуглиелмо Ембрео, Фабрицио Карозо (XVI). Тези произведения, заедно с усъвършенстването на движенията и тяхната стилизация, послужиха като основа за глобалното развитие на балета.

Междувременно, в началото им танцуваха симплетари или тарантела забавни прости селски и градски жители. Темпераментът на италианците е страстен и оживен. Епохата на Ренесанса е загадъчна и величествена. Тези характеристики характеризират италианските танци. Тяхното наследство е основа за развитието на танцовото изкуство в света като цяло. Техните характеристики са отражение на историята, характера, емоциите и психологията на цял народ през много векове.

• Рисуваме животни: котки и тяхната анатомия
• Анатомия на животните за художници
• Рисуваме без страх. Лимон Кери
• Енциклопедия на музиката Вижте какво е „Музикална енциклопедия“ в други речници
• Страхотни натуралисти, които направиха световни открития
• Кодификаторът на теми за еге на литературата
• Смешни украински думи и фрази.Как ви произнасям на украински?
• Мария Ивакова, биография, новини, снимки Превод петък сутрин ревюта
• Урок за акварел за начинаещи
• Издателство „Художествена литература

• Борис Ноткин се самоубил Трансфер Борис Нонкин приканва всички проблеми да гледат
• Добро утро скъпа
• Cord ще събуди вашето дете: премиера на песента Добро утро, децата гледат телевизионен канал
• Италианска музика Италиански музикални инструменти
• И можете да опишете перфектната серия, която определено ще вземете
• Как телевизионните програми за пътуване са променили програмите за пътуване
• Опера в търговския център: Телевизия Мецо организира излъчването от Болшой театър до търговски център VEGAS Кунцево с помощта на оператора Tricolor Opera в търговския център: ТВ каналът MEZZO организира излъчването
• Гала концертът на Универсиада ще излъчи френското Мецо
• Голяма колекция от военна техника, ретро автомобили, кораб, самолет и летяща чиния
• Стъклен завод "Червен май" Покажи продукти от завода червен май