Етапи на развитие на древногръцката скулптура. Етапи на развитие на древногръцката скулптура: Етапи на развитие на древногръцката скулптура Характеристики на скулптурата на древна Гърция накратко

Скулптурата на древна Гърция, както цялото древно изкуство, е специален пример, майсторство и един вид идеал. Древногръцкото изкуство и особено скулптурата на Древна Гърция оказват много значително влияние върху развитието на световната култура. Това е основата, върху която по-късно израства европейската цивилизация. Красивите статуи на гръцките скулптори са били изработени от камък, варовик, бронз, мрамор, дърво и са били украсени с великолепни предмети от благородни метали и камъни. Те са инсталирани на главните площади на градовете, на гробовете на известни гърци, в храмове и дори в богати гръцки къщи. Основният принцип на скулптурата в Древна Гърция е комбинация от красота и сила, идеализиране на човек и неговото тяло. Древните гърци вярвали, че само съвършена душа може да бъде в перфектно, идеално тяло.

Развитието на скулптурата в Древна Гърция може да бъде разделено на три значими етапа. Това е архаично – VI-VII век пр.н.е. Класиката, която от своя страна може да се раздели на периоди от ранния - началото на 5 век пр. н. е., високата класика - това е края на 5 в. пр. н. е. и късната - 6 в. пр. н. е. И последният етап е елинизмът. Също така, от описанията на древните историци може да се разбере, че е имало скулптура от Омирова Гърция, но до нашето време са оцелели само малки фигурки и съдове, украсени с живопис. Всеки от тези етапи на гръцката култура има свои собствени уникални характеристики.

Архаичен период
През този период древногръцките художници се стремят да създадат идеалния образ на мъж и жена. В скулптурата преобладаваха фигурите на голи млади воини, наречени курос. Те трябваше да покажат доблестта, физическото здраве и силата на човек, придобити в спорта от онова време. Вторият пример за изкуство от този период е кората. Това са момичета, драпирани в дълги дрехи, в които е изразен идеалът за женственост и първична чистота. По това време се появява така наречената "архаична усмивка", която вдъхновява лицата на статуите.

Известни примери за оцелели скулптури от архаичния период са Куросът от Пирея, който днес украсява Атинския музей, и Богинята с нара и Богинята със заека, които се съхраняват в Берлинския държавен музей. Доста известна е скулптурата на братята Клеобис и Битон от Аргос, които радват очите на любителите на гръцкото изкуство в Делфийския музей.

През архаичните времена важно място заема и монументалната скулптура, в която основна роля играе релефът. Това са доста големи скулптурни композиции, често изобразяващи събития, описани в митовете на Древна Гърция. Например, на фронтона на храма на Артемида са изобразени действията, протичащи в историята на Медуза Горгона и смелия Персей, познат на всички от детството.

Ранна класика
С прехода към класическия период неподвижността, може да се каже, статичността на архаичните скулптури, постепенно се заменя от емоционални фигури, уловени в движение. Появява се т. нар. пространствено движение. Позите на фигурите засега са прости и естествени, например момиче, което разкопчава сандал, или бегач, който се подготвя за старта.
Може би една от най-известните статуи от този период е "Дискобол" от автора Мирон, който има много значителен принос в изкуството на ранната класика на Гърция. Фигурата е отлята от бронз през 470 г. пр. н. е. и изобразява атлет, който се готви да хвърли диск. Тялото му е перфектно и хармонично и готово да хвърли в следващата секунда.

Друг голям скулптор от онова време е Поликлет. Най-известно днес е неговото произведение, наречено "Дорифор", създадено между 450 и 440 г. пр. н. е. Това е копиеносец, мощен, сдържан и изпълнен с достойнство. Той е изпълнен с вътрешна сила и сякаш показва желанието на гръцкия народ от онези времена за възвишеност, хармония и мир. За съжаление оригиналите на тези скулптури от Древна Гърция, отлети от бронз, не са оцелели до наши дни. Можем само да се възхищаваме на техните копия, направени от различни материали.

В началото на ХХ век на дъното на морето край нос Артемисион е намерена бронзова статуя на бог Посейдон. Той е изобразен като величествен, страшен, държащ ръката си, в която държеше тризъбец. Тази статуя като че ли бележи прехода от ранния към високия класически период.

Висока класика
Посоката висока класика преследваше двойна цел. От една страна, да покаже цялата красота на движението в скулптурата, а от друга страна, да съчетае външната неподвижност на фигурата с вътрешния дъх на живота. Великият скулптор Фидий успява да обедини тези два стремежа в своето творчество. Той е известен по-специално с това, че украсява древния Партенон с красива мраморна скулптура.

Той също така създава великолепен шедьовър "Атина Партенос", който, за съжаление, умира в древни времена. В Националния археологически музей на град Атина можете да видите само намалено копие на тази статуя.
Великият художник е създал още много шедьоври през творческия си живот. Това е статуята на Атина Промахос в Акропола, която удивлява с огромните си размери и величие и, не по-малко колосална, фигурата на Зевс в храма на Олимпия, която по-късно беше класирана сред едно от невероятните седем чудеса на света .
Може с горчивина да се признае, че нашето виждане за древногръцката скулптура е далеч от истината. Почти невъзможно е да се видят оригиналите на статуи от онази епоха. Много от тях са унищожени по време на преразпределението на средиземноморския свят. И още една от причините за унищожаването на тези най-велики паметници на изкуството е унищожаването им от фанатично вярващи християни. Остават ни само техни копия на римските майстори от 1-2 в. сл. Хр. и описания на антични историци.

Късна класика
Във времената, свързани с късната класика, скулптурата на Древна Гърция започва да се характеризира с пластичност на движенията и изработване на най-малките детайли. Фигурите започнаха да се отличават с грация, гъвкавост, започнаха да се появяват първите голи женски тела. Един от ярките примери за това великолепие е статуята на Афродита от Книд от скулптора Праксител.

Древният римски писател Плиний каза, че тази статуя се е смятала за най-красивата статуя на онези времена и много поклонници се стичат към Книд, желаейки да я видят. Това е първата творба, в която Праксител изобразява голо женско тяло. Интересната история зад тази статуя е, че скулптурата създава две фигури - гола и облечена. Жителите на Кос, които поръчаха статуята на Афродита, избраха облечената богиня, страхувайки се да рискуват, въпреки цялата красота на този шедьовър. А голата скулптура е придобита от жителите на град Книд, разположен в Мала Азия, и благодарение на това те стават известни.

Друг виден представител на късната класика е Скопас. Той се стреми да изрази бурни страсти и емоции в своите скулптури. Забележителни произведения включват статуята на Аполон Кифаред, също и вила Лудовизи на Арес и скулптура, наречена Ниобидите, умиращи около майка си.

Елинистичен период
Времето на елинизма се характеризира с доста мощно влияние на Изтока върху цялото изкуство на Гърция. Тази съдба не избяга и от скулптурата. Чувственост, ориенталски темперамент и емоционалност започнаха да проникват във величествените пози и възвишеност на класиката. Художниците започнаха да усложняват ракурсите, да използват луксозни драперии. Голата женска красота престана да бъде нещо необичайно, богохулно и предизвикателно.

По това време се появи огромен брой различни статуи на голата богиня Афродита или Венера. Една от най-известните статуи и до днес остава Венера Милосска, създадена от майстор Александър някъде през 120 г. пр.н.е. Всички сме свикнали да виждаме нейните образи без ръце, но се смята, че първоначално богинята е държала падащите си дрехи с една ръка, а в другата е държала ябълка. Нейният образ съчетава нежност, сила и красота на физическото тяло.

Също така много известни статуи от този период са Афродита Киринеска и Лаокоон и неговите синове. Последната творба е изпълнена със силни емоции, драматизъм и необикновен реализъм.
Основната тема на скулптурната работа на Древна Гърция, очевидно, беше човек. Всъщност човекът никъде не е бил по-ценен, отколкото в тази древна гръцка цивилизация.

С развитието на културата скулпторите се опитват да предадат чрез своите произведения все повече и повече човешки чувства и емоции. Всички тези величествени шедьоври, създадени преди десетки стотици години, все още привличат вниманието на хората и въздействат на любителите на съвременното изкуство по омайващ и невероятно впечатляващ начин.

Заключение
Трудно е да се отдели един период в развитието на древногръцката култура и да не се открие в него бързия разцвет на скулптурата. Този вид изкуство непрекъснато се развиваше и усъвършенстваше, достигайки особена красота в класическата епоха, но след това не избледняваше, оставайки все още водещо. Със сигурност е възможно да се съпоставят скулптурата и архитектурата на древна Гърция, но само в сравнение е неприемливо да се идентифицират. А това е невъзможно, защото скулптурата не е монументална структура, а умело изваян шедьовър. Най-често древните скулптори се обръщат към образа на човек.

В своите творби те обръщаха специално внимание на позите, наличието на движение. Те се опитаха да създадат живи образи, сякаш не камък пред нас, а жива плът и кръв. И го направиха добре, най-вече благодарение на отговорния подход към бизнеса. Познанията по анатомия и общото разбиране на човешкия характер позволяват на древногръцките майстори да постигнат това, което много съвременни скулптори все още не могат да разберат.

класическа древногръцка скулптура

Древногръцка скулптура от класическия период

Говорейки за изкуството на древните цивилизации, преди всичко си спомняме и изучаваме изкуството на Древна Гърция и особено нейната скулптура. Всъщност в тази малка красива страна този вид изкуство се е издигнало до такава височина, че и до днес се смята за стандарт в целия свят. Изучаването на скулптурите на Древна Гърция ни позволява да разберем по-добре мирогледа на гърците, тяхната философия, идеали и стремежи. В скулптурата, както никъде другаде, се проявява отношение към човек, който в Древна Гърция е бил мярка за всички неща. Именно скулптурата ни дава възможност да преценим религиозните, философските и естетическите идеи на древните гърци. Всичко това ни позволява да разберем по-добре причините за този възход, развитие и падение на тази цивилизация.

Развитието на древногръцката цивилизация се разделя на няколко етапа - епохи. Първо, накратко ще ви разкажа за архаичната епоха, тъй като тя предшества класическата епоха и „задава тон“ в скулптурата.

Архаичният период е началото на формирането на древногръцката скулптура. Тази ера също е разделена на ранна архаична (650 - 580 г. пр. н. е.), висока (580 - 530 г. пр. н. е.) и късна (530 - 480 г. пр. н. е.). Скулптурата беше въплъщение на идеалния човек. Тя издигна красотата му, физическото съвършенство. Ранните единични скулптури са представени от два основни типа: изображението на гол млад мъж - курос и фигура, облечена в дълъг, плътно прилепнал момичешки хитон - кора.

Скулптурата от тази епоха беше много подобна на египетските. И това не е изненадващо: гърците, запознавайки се с египетската култура и културите на други страни от Древния изток, заимстваха много, а в други случаи откриха прилики между тях. В скулптурата бяха спазени определени канони, поради което бяха много геометрични и статични: човек прави крачка напред, раменете му са изправени, а ръцете му са спуснати по тялото, глупава усмивка винаги играе на устните му. Освен това скулптурите бяха боядисани: златиста коса, сини очи, розови бузи.

В началото на класическата епоха тези канони все още са в сила, но по-късно авторът започва да се отдалечава от статиката, скулптурата придобива характер и често се случва събитие, действие.

Класическата скулптура е втората ера в развитието на древногръцката култура. Той също е разделен на етапи: ранна класика или строг стил (490 - 450 г. пр. н. е.), висок (450 - 420 г. пр. н. е.), богат стил (420 - 390 г. пр. н. е.), късен класически (390 - ок. 320 г. пр. н. е.).

В ерата на ранната класика се случва своеобразно преосмисляне на живота. Скулптурата придобива героичен характер. Изкуството е освободено от онези твърди рамки, които са го сковавали в архаичната епоха, това е време на търсене на ново, интензивно развитие на различни школи и течения, създаване на разнообразни произведения. Двата типа фигури - куросът и кората - се заменят с много по-голямо разнообразие от типове; скулптурите се стремят да предадат сложното движение на човешкото тяло.

Всичко това се случва на фона на войната с персите и именно тази война промени толкова много древногръцкото мислене. Културните центрове бяха изместени и сега това са градовете Атина, Северен Пелопонес и гръцкия Запад. По това време Гърция е достигнала най-високата точка на икономическо, политическо и културно възстановяване. Атина заема водеща позиция в съюза на гръцките градове. Гръцкото общество беше демократично, изградено на основата на равнопоставеност. Всички мъже, населяващи Атина, с изключение на робите, са равни граждани. И всички те се ползваха с право на глас и можеха да бъдат избирани на всяка публична длъжност. Гърците били в хармония с природата и не потискали естествените си пориви. Всичко, което са правили гърците, е собственост на народа. Статуи стояха в църкви и площади, на пастири и на морския бряг. Те присъстваха на фронтоните, в украсата на храмовете. Както в архаичната епоха, скулптурите са рисувани.

За съжаление гръцката скулптура е достигнала до нас предимно в развалини. Въпреки че, според Плутарх, в Атина е имало повече статуи, отколкото живи хора. Много статуи са достигнали до нас в римски копия. Но те са доста груби в сравнение с гръцките оригинали.

Един от най-известните скулптори на ранната класика е Питагор от Регия. Малко от неговите произведения са достигнали до нас, а произведенията му са известни само от препратките на древни автори. Питагор стана известен с реалистичното изобразяване на човешки вени, вени и коса. Оцелели са няколко римски копия на неговите скулптури: „Момчето, което вади трън“, „Зюмбюл“ и др. Освен това му се приписва известната бронзова статуя „Колесничицата“, намерена в Делфи. Питагор от Регия създава няколко бронзови статуи на атлети, спечелили Олимпийските и Делфийски игри. И той притежава статуите на Аполон – убиецът на Питоно, Отвличането на Европа, Етеокъл, Полиник и Раненият Филоктет.

Известно е, че Питагор от Регия е бил съвременник и съперник на Мирон. Това е друг известен скулптор от онова време. И стана известен като най-големия реалист и познавач на анатомията. Но с всичко това Мирон не знаеше как да даде живот и израз на лицата на творбите си. Майрон създава статуи на спортисти - победители в състезания, възпроизвежда известни герои, богове и животни, особено перфектно изобразява трудни пози, които изглеждат много реалистични.

Най-добрият пример за такава негова скулптура е световноизвестният "Дискобол". Древните писатели споменават и известната скулптура на Марсий с Атина. Тази известна скулптурна група е достигнала до нас в няколко екземпляра. Освен хора, Мирон изобразява и животни, особено известен е неговият образ на „Крава“.

Мирон е работил предимно в бронз, произведенията му не са оцелели и са известни от свидетелствата на антични автори и римски копия. Бил е и майстор на торевтиката – изработвал е метални чаши с релефни изображения.

Друг известен скулптор от този период е Каламидис. Той изпълнява мраморни, бронзови и хризелефантинни статуи и изобразява главно богове, женски героични фигури и коне. За изкуството на Каламидис може да се съди по копие от по-късно време, което е достигнало до нас със статуя на Хермес, носещ овен, който той изпълнява за Танагра. Фигурата на самия бог е изпълнена в архаичен стил, с неподвижност на стойката и симетрия на разположението на крайниците, характерни за този стил; но овенът, носен от Хермес, вече се отличава с известна жизненост.

Освен това фронтоните и метопите на храма на Зевс в Олимпия са сред паметниците на древногръцката скулптура на ранната класика. Друго значимо произведение на ранната класика е т. нар. "Трон на Лудовизи". Това е тристранен мраморен олтар, изобразяващ раждането на Афродита, отстрани на олтара има хетера и булката, символизиращи различни ипостаси на любовта или изображения на служене на богинята.

Високата класика е представена от имената Фидий и Поликлетос. Краткотрайният му цъфтеж е свързан с работи по Атинския акропол, тоест със скулптурната украса на Партенона. Върхът на древногръцката скулптура очевидно са статуите на Атина Партенос и Олимпийският Зевс от Фидий.

Фидий е един от най-добрите представители на класическия стил и за неговото значение е достатъчно да се каже, че той се смята за основоположник на европейското изкуство. Водещо място в изкуството на висшата класика заема ръководената от него атическа школа по скулптура.

Фидий притежаваше познания за постиженията на оптиката. Има история за съперничеството му с Алкамен: и двамата са били поръчани статуи на Атина, които е трябвало да бъдат издигнати на високи колони. Фидий направи статуята си в съответствие с височината на колоната - на земята тя изглеждаше грозна и непропорционална. Вратът на богинята беше много дълъг. Когато и двете статуи бяха издигнати на високи пиедестали, правилността на Фидий стана очевидна. Те отбелязват голямото умение на Фидий в тълкуването на облеклото, в което той превъзхожда Мирон и Поликлет.

Повечето от неговите произведения не са оцелели, за тях можем да съдим само от описания на антични автори и преписи. Въпреки това славата му беше колосална. И бяха толкова много, че това, което беше останало, беше вече много. Най-известните произведения на Фидий - Зевс и Атина Партенос - са изпълнени в техниката на хризоелефантина - злато и слонова кост.

Височината на статуята на Зевс, заедно с пиедестала, според различни източници е била от 12 до 17 метра. Очите на Зевс бяха с размерите на юмрук на възрастен мъж. От злато са изработени пелерина, покриваща част от тялото на Зевс, скиптър с орел в лявата ръка, статуя на богинята Нике в дясната и венец на главата. Зевс седи на трон, четирима танцуващи Ники са изобразени на краката на трона. Изобразени са също: кентаври, лапити, подвизите на Тезей и Херкулес, фрески, изобразяващи битката на гърците с амазонките.

Атина Партенон беше, подобно на статуята на Зевс, огромен и направен в техниката на хризо-елефантин. Само богинята, за разлика от баща си, не седеше на трона, а стоеше в пълен ръст. „Самата Атина е изработена от слонова кост и злато... Статуята я изобразява в цял ръст в хитон до самите крака, на гърдите й е главата на Медуза от слонова кост, в ръката си тя държи образ на Нике, около четири лакътя дължина, а в другата ръка - копие. В краката й лежи щит, а близо до копието змия; тази змия вероятно е Ерихтоний." (Описание на Елада, XXIV, 7).

Шлемът на богинята имаше три гребена: средният със сфинкс, страничните с грифони. Според Плиний Стари от външната страна на щита е гравирана битка с амазонките, отвътре битката на боговете с гиганти, а върху сандалите на Атина изображението на кентавромахия. Базата беше украсена с история с Пандора. Хитонът на богинята, нейният щит, сандали, шлем и бижута са изработени от злато.

На мраморни копия ръката на богинята с Ника се поддържа от стълб, дали тя е съществувала в оригинала е предмет на много спорове. Ника изглежда мъничка; в действителност височината й беше 2 метра.

Атина Промахос е колосално изображение на богинята Атина, размахваща копие на Атинския Акропол. Издигнат в чест на победите над персите. Височината му достига 18,5 метра и се извисяваше над всички околни сгради, сияейки отдалеч над града. За съжаление тази бронзова богиня не е оцеляла до наши дни. И ние знаем за него само от летописни източници.

Атина Лемния - бронзова статуя на богинята Атина, създадена от Фидий, също ни е известна от копия. Тази бронзова статуя изобразява богиня, облегната на копие. Наречен - от остров Лемнос, за жителите на който е направен.

Ранената амазонка, статуята, която зае второ място в известния конкурс за скулптори за храма на Артемида в Ефес. В допълнение към горните скулптури, на Фидий се приписват и други, по отношение на стилистичното сходство: статуя на Деметра, статуя на Кора, релеф от Елевзина, Анадумен (млад мъж, връзващ лента около главата си), Хермес Лудовизи, Аполон от Тибър, Аполон от Касел.

Въпреки таланта си, или по-скоро божествен дар, Фидий, отношенията му с жителите на Атина не бяха никак топли. Както пише Плутарх, в своя „Животът на Перикъл“ Фидий е бил главният съветник и помощник на Перикъл (атински политик, известен оратор и командир).

„Тъй като той беше приятел на Перикъл и се радваше на голям авторитет с него, той имаше много лични врагове и завистливи хора. Те убеждават един от помощниците на Фидий, Менон, да изобличи Фидий и да го обвини в кражба. Завистта към славата на творбите му гравитираше над Фидий... Когато делото му беше разгледано в Народното събрание, нямаше доказателства за кражба. Но Фидий беше изпратен в затвора и там умря от болест."

Поликлет Стари е древногръцки скулптор и теоретик на изкуството, съвременник на Фидий. За разлика от Фидий, той не беше толкова голям. Въпреки това, неговата скулптура има определен характер: Поликлет обичаше да изобразява спортисти в покой, специализиран в изобразяването на спортисти, олимпийски победители. Той пръв се сети да даде на фигурите такава настройка, че да опират в долната част само на единия крак. Поликлет знаеше как да покаже човешкото тяло в състояние на равновесие – човешката му фигура в покой или в бавно темпо изглежда подвижна и жизнена. Пример за това е известната статуя на Поликлет "Дорифор" (копиеносец). Именно в това произведение са въплътени идеите на Поликлет за идеалните пропорции на човешкото тяло, които са числено една с друга. Смятало се, че фигурата е създадена въз основа на разпоредбите на питагореизма, следователно в древни времена статуята на Дорифор често е наричана „канон на Поликлет“. Формите на тази статуя се повтарят в повечето творби на скулптора и неговата школа. Разстоянието от брадичката до короната на статуите на Поликлет е една седма, докато разстоянието от очите до брадичката е една шестнадесета, а височината на лицето е една десета от цялата фигура. Поликлет е силно свързан с питагорейската традиция. „Канонът на Поликлет“ е теоретичен трактат на скулптора, създаден от Поликлет, за да могат да го използват други художници. Всъщност Канонът на Поликлет имаше голямо влияние върху европейската култура, въпреки факта, че от теоретичната композиция са оцелели само два фрагмента, информацията за него е фрагментарна, а математическата основа все още не е окончателно извлечена.

Освен копиеносеца са известни и други произведения на скулптора: „Диадумен“ („Млад мъж, връзващ превръзка“), „Ранена амазонка“, колосална статуя на Хера в Аргос. Изпълнява се в техниката на хризо-елефантин и се възприема като пандан на Зевс Олимпийски Фидий, "Дископор" ("Млад мъж, който държи диск"). За съжаление тези скулптури са оцелели само в древни римски копия.

На сцената "Богат стил" знаем имената на такива скулптори като Алкамен, Агоракрит, Калимах и др.

Алкамен, гръцки скулптор, чирак, съперник и наследник на Фидий. Смятало се, че Алкамен не е по-нисък от Фидий и след смъртта на последния той става водещ скулптор в Атина. Неговият Хермес под формата на херм (стълб, увенчан от главата на Хермес) е известен в много копия. Наблизо, близо до храма на Атина Нике, имаше статуя на Хеката, която беше под формата на три фигури, свързани с гръб. На Атинския акропол е открита и група, принадлежаща на Алкамен – Прокна, вдигнала нож над сина им Итис, който търси спасение в гънките на дрехите си. В светилището на склона на Акропола имаше статуя на седящ Дионис, принадлежащ на Алкамен. Алкамен създава и статуя на Арес за храма в агората и статуя на Хефест за храма на Хефест и Атина.

Алкамен побеждава Агоракрит в състезанието за създаване на статуя на Афродита. Още по-известна обаче е седящата "Афродита в градините" в северното подножие на Акропола. Тя е изобразена в много червенофигурни атически вази, заобиколена от Ерос, Пейто и други въплъщения на щастието, което любовта носи. Често повтаряна от древните преписвачи, главата, наречена "Сафо", вероятно е копирана от тази статуя. Последната творба на Алкамен е колосален релеф с Херкулес и Атина. Алкамен вероятно е починал скоро след това.

Агоракрит също е бил ученик на Фидий и, както се казва, обичан. Той, подобно на Алкамен, участва в създаването на фриза на Партенона. Две от най-известните произведения на агоракрит са култовата статуя на богинята Немезида (променена след дуела с Алкамен Атина), подарена на храма Рамнос и статуята на Майката на боговете в Атина (понякога приписвана на Фидий). От произведенията, споменати от древни автори, само статуите на Зевс-Хадес и Атина в Коронея несъмнено принадлежат на Агоракрит. От неговите произведения са оцелели само част от главата на колосалната статуя на Немезида и фрагменти от релефи, украсяващи основата на тази статуя. Според Павзаний младата Елена (дъщеря на Немезида) е изобразена на основата с Леда, нейният съпруг Менелай и други роднини на Елена и Менелай.

Общият характер на скулптурата в късната класика се определя от развитието на реалистичните тенденции.

Скопас е един от най-големите скулптори от този период. Скопас, съхранявайки традициите на монументалното изкуство на висшата класика, насища творбите си с драматизъм, той разкрива сложните чувства и преживявания на човек. Героите на Скопас продължават да въплъщават перфектните качества на силни и доблестни хора. Скопас обаче въвежда темата за страданието, вътрешния разпад в изкуството на скулптурата. Това са изображенията на ранени войници от фронтоните на храма на Атина Алей в Тегея. Пластична, остра неспокойна игра на светлина и сянка подчертава драматичността на случващото се.

Скопас предпочиташе да работи в мрамор, почти изоставяйки материала, обичан от майсторите на високата класика, - бронз. Мраморът направи възможно да се предаде фина игра на светлина и сянка, разнообразие от текстурирани контрасти. Неговата Менада (Вакханка), която е оцеляла в малък повреден античен екземпляр, олицетворява образа на човек, обладан от бурен изблик на страст. Танцът на Менада е бърз, главата й е отметната назад, косата й пада на тежка вълна на раменете. Движението на извитите гънки на туниката й акцентира върху стремителния порив на тялото.

Образите на Скопас понякога са дълбоко замислени, като млад мъж от надгробната плоча на река Илиса, понякога живи и страстни.

В оригинала е запазен фризът на мавзолея на Халикарнас, изобразяващ битката на гърците с амазонките.

Влиянието на изкуството на Скопас върху по-нататъшното развитие на гръцката пластика е огромно и може да се сравни само с въздействието на изкуството на неговия съвременник Праксител.

В творчеството си Праксител се позовава на образи, пропити с дух на ясна и чиста хармония, спокойна замисленост, ведра съзерцание. Праксител и Скопас се допълват взаимно, разкривайки различните състояния и чувства на човек, неговия вътрешен свят.

Изобразявайки хармонично развити, красиви герои, Праксител разкрива и връзки с изкуството на високата класика, но образите му губят този героизъм и монументално величие на произведенията на разцвета, но придобиват по-лирически изтънчен и съзерцателен характер.

Майсторството на Праксител се разкрива най-пълно в мраморната група „Хермес с Дионис”. Изящната извивка на фигурата, отпуснатата поза на почиващо младо стройно тяло, красивото, душевно лице на Хермес са предадени с голямо умение.

Праксител създава нов идеал за женска красота, въплъщавайки го в образа на Афродита, която е изобразена в момента, когато събличайки дрехите си, тя е на път да стъпи във водата. Въпреки че скулптурата е била предназначена за култови цели, образът на красивата гола богиня е освободен от тържествено величие. „Афродита от Книд“ предизвика много повторения в следващите времена, но нито едно от тях не можеше да се сравни с оригинала.

Скулптурата "Аполон Сауроктон" е изображение на грациозно тийнейджърче, което се цели в гущер, бягащ по ствола на дърво. Праксител преосмисля митологични образи, черти от ежедневието, в тях се появяват елементи от жанра.

Ако в изкуството на Скопас и Праксител връзките с принципите на изкуството на високите класици са все още осезаеми, то в художествената култура през последната третина на IV век. пр.н.е д., тези връзки все повече отслабват.

Македония има голямо значение в обществения и политически живот на античния свят. Точно както войната с персите промени и преосмисли културата на Гърция в началото на 5 век. пр.н.е NS След победоносните походи на Александър Велики и неговото завладяване на гръцките градове-държави, а след това и на обширните територии на Азия, които стават част от македонската държава, започва нов етап в развитието на древното общество - периодът на елинизма. Преходният период от късната класика към елинистичния период се отличава със своите особености.

Лизип е последният велик майстор на късната класика. Творчеството му се развива през 40-те и 30-те години. V век пр.н.е д., по време на управлението на Александър Велики. В изкуството на Лизип, както и в творчеството на неговите велики предшественици, е решена задачата за разкриване на човешките преживявания. Той започна да въвежда по-ясно изразени черти на възраст, професия. Ново в творчеството на Лизип е интересът му към характерно изразителното в човека, както и разширяването на изобразителните възможности на скулптурата.

Лизип въплъти разбирането си за образа на човек в скулптурата на млад мъж, почистващ от себе си стъргал пясък след състезанието - "Апоксиомен", който изобразява не в момент на усилие, а в състояние на умора. Стройната фигура на спортиста е показана в сложно разстилане, което принуждава зрителя да обикаля около скулптурата. Движението е свободно разположено в пространството. Лицето изразява умора, дълбоко поставени, засенчени очи гледат в далечината.

Лизип умело предава прехода от състояние на покой към действие и обратно. Това е образът на Хермес в покой.

Работата на Лизип е от голямо значение за развитието на портрета. В създадените от него портрети на Александър Велики има дълбок интерес към разкриването на духовния свят на героя. Най-забележителна е мраморната глава на Александър, която предава неговата сложна, противоречива природа.

Изкуството на Лисип заема гранична зона на границата на класическата и елинистическата епоха. Той все още е верен на класическите концепции, но вече ги подкопава отвътре, създавайки основата за прехода към нещо различно, по-спокойно и по-прозаично. В този смисъл показателна е главата на юмручен боец, която не принадлежи на Лизип, а вероятно на брат му Лизистрат, който също е бил скулптор и, както се казва, е първият, който използва маски, свалени от модела лице за портрети (което е било широко разпространено в Древен Египет, но гръцкото изкуство е напълно чуждо). Възможно е с помощта на маската да е направена и главата на юмручния боец; далеч е от канона, далеч от идеалните идеи за физическо съвършенство, които гърците въплъщават в образа на спортист. Този победител в юмручния бой ни най-малко не прилича на полубог, а просто забавник на безделната тълпа. Лицето му е грубо, носът му е сплескан, ушите му са подути. Този тип „натуралистични“ образи по-късно става широко разпространен в елинизма; Още по-грозен юмручен боец е изваян от атическия скулптор Аполоний още през I век пр.н.е. NS

Класическият период на древногръцката скулптура се пада на V - IV в. пр. н. е. (ранна класика или "строг стил" - 500/490 - 460/450 г. пр. н. е.; висок - 450 - 430/420 г. пр. н. е.; "богат стил" - 420 - 400/390 г. пр. н. е.; късна класика - 400/390 г. - ДОБРЕ. 320 г. пр. н. е пр.н.е NS.). На границата на две епохи - архаична и класическа - има скулптурна украса на храма на Атина Афая на остров Егина . Скулптурите на западния фронтон датират от времето на основаването на храма (510 - 500 г. пр. н. е пр.н.е пр.н.е.), скулптури на втория източен, заменящи предишните, - до ранното класическо време (490 - 480 г. пр. н. е.). Централният паметник на древногръцката скулптура на ранната класика са фронтоните и метопите на храма на Зевс в Олимпия (около 468 г. 456 г. пр.н.е пр.н.е NS.). Друго значимо произведение на ранната класика е така наречения "трон на Лудовизи", украсена с релефи. От това време произлизат и редица бронзови оригинали - "Делфийски колесничар", статуя на Посейдон от нос Артемизиум, бронз от Риаче . Най-големите скулптори на ранната класика - Питагор Региан, Каламид и Майрон . Ние съдим за творчеството на известните гръцки скулптори основно от литературни свидетелства и по-късни копия на техните произведения. Високата класика е представена от имената Фидий и Поликлет . Неговият краткотраен цъфтеж се свързва с работите върху Атинския акропол, тоест със скулптурната украса на Партенона (оцелели фронтони, метопи и зофори, 447 - 432 г. пр. н. е.). Върхът на древногръцката скулптура очевидно е бил хризоелефантин статуи на Атина Партенос и Зевс Олимпийски от Фидий (и двамата не са оцелели). „Богат стил” е характерен за творбите на Калимах, Алкамен, Агоракрита и други скулптори от края на V век пр.н.е Характерните му паметници са балюстрадните релефи на малкия храм на Ника Аптерос на Атинския акропол (около 410 г. пр. н. е.) и редица надгробни стели, сред които най-известната е стелата Гегезо . Най-важните произведения на древногръцката скулптура на късната класика - украса на храма на Асклепий в Епидавър (около 400 - 375 г. пр. н. е.), храм на Атина Алей в Тегея (около 370 - 350 г. пр. н. е.), храмът на Артемида в Ефес (около 355 - 330 г. пр. н. е.) и мавзолеят в Халикарнас (ок. 350 г. пр. н. е.), върху чиято скулптурна украса са работили Скопас, Бриаксид, Тимотей и Леохар . Последното се приписва и на статуите на Аполон Белведере и Даяна от Версай . Има и редица бронзови оригинали от 4 век. пр.н.е NS Най-големите скулптори на късната класика са Праксител, Скопас и Лисип, в много отношения изпревари последвалата ера на елинизма.

Гръцката скулптура е частично запазена в отломки и фрагменти. Повечето от статуите са ни познати от римски копия, които са изпълнени в голям брой, но не предават красотата на оригиналите. Римските преписвачи ги загрубявали и изсушили и, превръщайки бронзовите предмети в мрамор, ги обезобразили с тромави подпори. Големите фигури на Атина, Афродита, Хермес, Сатир, които сега виждаме в залите на Ермитажа, са само бледи преразкази на гръцки шедьоври. Подминаваш ги почти безучастно и изведнъж спираш пред някаква глава със счупен нос, с повредено око: това е гръцки оригинал! И удивителната сила на живота внезапно ще издуха от този фрагмент; самият мрамор е различен от този в римските статуи – не смъртоносно бял, а жълтеникав, прозрачен, светещ (гърците все още го търкат с восък, което придава на мрамора топъл тон). Толкова нежни са топещите се преходи на светлината и сянката, толкова благородно е мекото извайване на лицето, че човек неволно си припомня удоволствията на гръцките поети: тези скулптури наистина дишат, наистина са живи * * Дмитриева, Акимова. Антично изкуство. Есета. - М., 1988. С. 52.

В скулптурата от първата половина на века, когато е имало войни с персите, преобладава смел, строг стил. Тогава се създава статутна група от тираноубийци: зрял съпруг и млад мъж, застанали един до друг, правят стремително движение напред, по-младият носи меча, по-възрастният го прикрива с наметало. Това е паметник на исторически личности – Хармодий и Аристогитон, които няколко десетилетия по-рано убиха атинския тиранин Хипарх – първият политически паметник в гръцкото изкуство. В същото време той изразява героичния дух на съпротива и любов към свободата, които пламнаха в ерата на гръко-персийските войни. „Те не са роби на смъртните, не са подчинени на никого“, казват атиняните в трагедията на Есхил „Персите“.

Битки, битки, подвизи на герои... Изкуството на ранната класика е пълно с тези войнствени сюжети. На фронтоните на храма на Атина в Егина - борбата на гърците срещу троянците. На западния фронтон на храма на Зевс в Олимпия - борбата на лапитите с кентаврите, на метопите - всичките дванадесет труда на Херкулес. Друг любим набор от мотиви са гимнастическите състезания; в онези далечни времена физическата годност и овладяването на движенията на тялото бяха от решаващо значение за изхода на битките, така че атлетичните игри далеч не бяха просто забавление. От 8 век пр.н.е. NS в Олимпия гимнастическите състезания се провеждат на всеки четири години (началото им по-късно се счита за начало на гръцката хронология), а през 5 век те се празнуват с особена тържественост, а сега на тях присъстват поети, които рецитират поезия. Храмът на Зевс Олимпийски - класическият дорийски периптер - беше в центъра на свещената област, където се провеждаха състезанията, те започнаха с жертвоприношение на Зевс. На източния фронтон на храма скулптурната композиция изобразява тържествен момент преди началото на конните стадиони: в центъра - фигурата на Зевс, от двете му страни - статуите на митологичните герои Пелопе и Еномай, главните участници в предстоящото състезание, в ъглите – техните колесници, впрегнати от четири коня. Според мита победител е Пелоп, в чиято чест са създадени Олимпийските игри, възобновени по-късно, както казва легендата, от самия Херкулес.

Темите за ръкопашен бой, състезания по конен спорт, състезания по бягане и хвърляне на диск научиха скулпторите да изобразяват човешкото тяло в динамика. Преодоляна е архаичната скованост на фигурите. Сега те действат, движат се; появяват се сложни пози, смели ъгли на камерата, грандиозни жестове. Най-яркият новатор беше атическият скулптор Мирон. Основната задача на Майрън беше да изрази движението възможно най-пълно и силно. Металът не позволява толкова прецизна и деликатна работа като мрамора и може би затова се е обърнал към намирането на ритъма на движението. (Името на ритъма означава пълната хармония на движението на всички части на тялото.) Наистина, ритъмът беше перфектно уловен от Майрън. В статуите на спортисти той предаваше не само движение, но и прехода от един етап на движение към друг, сякаш спираше момента. Това е прочутият му "Дискобол". Спортистът се наведе и замахна, преди да хвърли, секунда - и дискът ще лети, атлетът ще се изправи. Но за тази секунда тялото му замръзна в много трудна позиция, но визуално балансирано.

Балансът, величественият "етос", е запазен в класическата скулптура в строгия стил. Движението на фигурите не е нито хаотично, нито прекалено развълнувано, нито прекалено устремено. Дори в динамичните мотиви на битката, бягането, падането не се губи усещането за „олимпийско спокойствие“, интегрална пластична завършеност и самоизолация. Ето една бронзова статуя на Колесницата, намерена в Делфи, един от малкото добре запазени гръцки оригинали. Принадлежи към ранния период на строгия стил – около 470 г. пр. н. е. д .. Този млад мъж стои много изправен (той стоеше на колесница и управляваше квадрига от коне), босите му крака, гънките на дълга туника напомнят за дълбоките флейти на дорийските колони, главата му е плътно покрита със сребърен превръзка, инкрустираните му очи изглеждат като живи. Той е сдържан, спокоен и в същото време пълен с енергия и воля. Само тази бронзова фигура, със своята здрава, лята пластмаса, може да почувства цялата мярка на човешкото достойнство, както са я разбирали древните гърци.

Изкуството им на този етап е доминирано от смели образи, но, за щастие, красив релеф с изображението на Афродита, изплуваща от морето, така нареченият „трон на Лудовизи”, е скулптурен триптих, чиято горна част е била отблъснати. В централната му част от вълните се издига богинята на красотата и любовта, "родена на пяна", поддържана от две нимфи, които целомъдрено я закриват с лек воал. Вижда се до кръста. Тялото й и телата на нимфи блестят през прозрачни туники, гънките на дрехите се изливат в каскада, поток, като водни струи, като музика. В страничните части на триптиха има две женски фигури: едната гола, свиреща на флейта; другият, увит в воал, пали жертвена свещ. Първата е хетеросексуална, втората е съпруга, пазителка на огнището, като две лица на женствеността, и двете под патронажа на Афродита.

Търсенето на оцелели гръцки оригинали продължава и днес; от време на време се намират щастливи находки ту в земята, ту на дъното на морето: например през 1928 г. в морето, близо до остров Евбея, те откриват отлично запазена бронзова статуя на Посейдон.

Но общата картина на гръцкото изкуство от разцвета трябва да бъде мислено реконструирана и завършена, познаваме само случайно запазени, разпръснати скулптури. И те съществуваха в ансамбъла.

Сред известните майстори името Фидий засенчва цялата скулптура на следващите поколения. Блестящ представител на епохата на Перикъл, той каза последната дума в пластичната техника и досега никой не смееше да се сравнява с него, въпреки че го познаваме само по намеци. Родом от Атина, той е роден няколко години преди битката при Маратон и следователно става съвременник на празнуването на победите над Изтока. Хайде първи лтой като художник и след това премина към скулптурата. Сградите на Перикъл са издигнати по чертежи на Фидий и негови чертежи, под негов личен надзор. Изпълнявайки ред след поръчка, той създава прекрасни статуи на богове, олицетворяващи абстрактните идеали на божествата в мрамор, злато и кости. Образът на божеството е разработен от него не само в съответствие с неговите качества, но и във връзка с целта на почитането. Той беше дълбоко пропит с идеята, че този идол олицетворява, и го извая с цялата сила и мощ на гений.

Атина, която той направи по поръчка на Платея и която струва много скъпо на този град, затвърди славата на младия скулптор. За Акропола му е поръчана колосална статуя на покровителката на Атина. Тя достигна 60 фута височина и надхвърли всички околни сгради; отдалече, от морето, тя сияеше със златна звезда и царува над целия град. Не беше акролит (композит), като Платеята, но целият беше отлят от бронз. Друга статуя на Акропола, Дева Атина, направена за Партенона, се състоеше от злато и слонова кост. Атина е изобразена в боен костюм, в златен шлем с високорелефен сфинкс и лешояди отстрани. В едната ръка тя държеше копие, а в другата фигура на победата. В краката й се изви змия – пазителката на Акропола. Тази статуя се смята за най-добрата гаранция за Фидий след неговия Зевс. Той е служил като оригинал за безброй копия.

Но висота на съвършенството на всички произведения на Фидий се счита за неговия олимпийски Зевс. Това беше най-великата работа в живота му: самите гърци му дадоха палмата. Той направи неустоимо впечатление на своите съвременници.

Зевс е изобразен на трона. В едната си ръка той държеше скиптър, а в другата - образ на победата. Тялото беше от слонова кост, косата беше златна, мантията беше златна, емайлирана. Тронът включваше абанос, кости и скъпоценни камъни. Стените между краката са изрисувани от братовчед на Фидий, Панен; подножието на трона беше чудо на скулптурата. Общото впечатление беше, както правилно каза един немски учен, наистина демонично: в продължение на няколко поколения идолът изглеждаше истински бог; един поглед към него беше достатъчен, за да потуши всяка мъка и страдание. Тези, които умряха, без да го видят, се смятаха за нещастни * * П. П. Гнедич Световна история на изкуството. - М., 2000. С. 97 ...

Статуята загина, не се знае как и кога: вероятно е изгоряла заедно с олимпийския храм. Но чарът й трябва да е бил голям, ако Калигула настояваше на всяка цена да я транспортират до Рим, което обаче се оказа невъзможно.

Възхищението на гърците от красотата и мъдрото устройство на живо тяло беше толкова голямо, че те естетически го мислеха само в статутната пълнота и завършеност, което позволяваше да се оцени величието на стойката, хармонията на движенията на тялото. Да се разтвори човек в безформена, слята тълпа, да се покаже в произволен аспект, да се отдалечи дълбоко в дълбините, да се потопи в сянка - би противоречило на естетическото кредо на елинските майстори и те никога не са правили това, въпреки че основите на перспективата им бяха ясни. И скулптори, и художници показаха човек с изключителна пластична яснота, в близък план (една фигура или група от няколко фигури), опитвайки се да постави действието на преден план, сякаш на тясна сцена, успоредна на равнината на фона. Езикът на тялото беше и езикът на душата. Понякога се казва, че гръцкото изкуство е било чуждо на психологията или не е узряло в нея. Това не е напълно вярно; може би изкуството на архаичното все още е било екстрапсихологично, но не и изкуството на класиците. Всъщност то не познаваше онзи щателен анализ на характерите, онзи култ към личността, който възниква в съвремието. Неслучайно портретът в Древна Гърция е бил сравнително слабо развит. Но гърците владееха изкуството да пренасят, ако мога така да се изразя, типична психология – те изразяват богата гама от умствени движения на базата на обобщени човешки типове. Отвличайки вниманието от нюансите на личните герои, елинските художници не пренебрегват нюансите на емоциите и успяват да въплъщават сложна структура на чувствата. В крайна сметка те са били съвременници и съграждани на Софокъл, Еврипид, Платон.

Но все пак изразителността беше не толкова в израженията на лицата, колкото в движенията на тялото. Гледайки мистериозно спокойните мойри на Партенона, бързата, пъргава Ника, развързваща сандала, почти забравяме, че главите им са отбити - толкова красноречива е пластичността на фигурите им.

Всеки чисто пластичен мотив - независимо дали става дума за грациозно равновесие на всички членове на тялото, опора на двата крака или на единия, прехвърляне на центъра на тежестта към външна опора, глава наведена към рамото или захвърлена назад - е мислен от гръцките майстори като аналог на духовния живот. Тялото и психиката бяха реализирани в неразделност. Описвайки класическия идеал в „Лекции по естетика“, Хегел казва, че в „класическата форма на изкуството човешкото тяло в неговите форми вече не се признава само като чувствено съществуване, а се признава само като съществуване и естествен вид на духа“.

Наистина телата на гръцките статуи са необичайно одухотворени. Френският скулптор Роден каза за един от тях: „Този младежки торс без глава се усмихва щастливо на светлината и пролетта, отколкото очите и устните могат да направят” * * Дмитриева, Акимова. Антично изкуство. Есета. - М., 1988. С. 76.

Движението и стойката в повечето случаи са прости, естествени и не е задължително свързани с нещо възвишено. Ника развързва сандала, момчето вади треска от петата, младият бегач се готви да бяга на старта, дискохвърлячът Мирон хвърля диск. По-младият съвременник на Майрон, прочутият Поликлет, за разлика от Мирон, никога не е изобразявал бързи движения и мигновени състояния; бронзовите му статуи на млади атлети са в спокойни пози на светлина, отмерено движение, вълнообразно прекарване на фигурата. Лявото рамо е леко изпънато, дясното е отвлечено, лявото бедро е изтеглено назад, дясното е повдигнато, десният крак е здраво стъпил на земята, лявото е леко отзад и леко свито в коляното. Това движение или няма никакъв "сюжет" предлог, или предлогът е незначителен - той е ценен сам по себе си. Това е пластичен химн на яснотата, разума, мъдрия баланс. Такъв е Дорифорът (копиеносец) на Поликлет, познат ни от мраморни римски копия. Изглежда, че ходи и в същото време поддържа състояние на покой; позициите на ръцете, краката и торса са перфектно балансирани. Поликлет е автор на трактата "Канон" (който не е стигнал до нас, за него се знае от препратките на древни писатели), където теоретично установява законите за пропорциите на човешкото тяло.

Главите на гръцките статуи по правило са безлични, тоест малко индивидуализирани, сведени до няколко вариации на общия тип, но този общ тип има висок духовен капацитет. В гръцкия тип лице идеята за "човешко" триумфира в идеалната си форма. Лицето е разделено на три равни по дължина части: чело, нос и долна част. Правилен, нежен овал. Правата линия на носа продължава линията на челото и образува перпендикуляр на линията, начертана от началото на носа до отвора на ухото (десен лицев ъгъл). Продълговата част от доста дълбоко седнали очи. Малка уста, пълни изпъкнали устни, горната устна е по-тънка от долната и има красив, плавен, подобен на купидон разрез на лук. Брадичката е голяма и кръгла. Вълнообразната коса меко и плътно обгръща главата, без да пречи на виждането на заоблената форма на черепа.

Тази класическа красота може да изглежда монотонна, но като изразителен "естествен вид на духа", тя се поддава на вариации и е способна да въплъщава различни видове античен идеал. Малко повече енергия в устните, в брадичката, издадена напред - пред нас е строга девствена Атина. Повече мекота в очертанията на бузите, устните са леко полуотворени, очните орбити са засенчени - пред нас е чувственото лице на Афродита. Овалът на лицето е по-близо до квадрата, шията е по-дебела, устните са по-големи - това вече е образът на млад спортист. И основата все още е същият строго пропорционален класически вид.

В него обаче няма място за нещо, от наша гледна точка, много важно: очарованието на уникално индивидуалното, красотата на грешното, триумфа на духовното начало над телесното несъвършенство. Древните гърци не можеха да дадат това, за това първоначалният монизъм на духа и тялото трябваше да бъде разбит, а естетическото съзнание трябваше да влезе в етапа на тяхното разделяне – дуализъм – което се случи много по-късно. Но гръцкото изкуство също постепенно еволюира към индивидуализация и открита емоционалност, конкретност на преживяванията и конкретност, които стават очевидни още в епохата на късната класика, през 4 век пр.н.е. NS

В края на 5 век пр.н.е. NS политическата мощ на Атина е разклатена, подкопана от дългата Пелопонеска война. Начело на противниците на Атина беше Спарта; той е подкрепен от други държави на Пелопонес и финансова помощ е предоставена от Персия. Атина загуби войната и беше принудена да сключи неизгоден мир; те запазват своята независимост, но Атинският морски съюз се разпада, финансовите резерви пресъхват и вътрешните противоречия на полиса се засилват. Атинската демокрация успява да устои, но демократичните идеали са опетнени, свободното волеизявление започва да се потиска с жестоки мерки, пример за което е процесът срещу Сократ (през 399 г. пр. н. е.), който осъжда философа на смърт. Духът на сплотено гражданство отслабва, личните интереси и преживявания са изолирани от социалните, нестабилността на битието се усеща по-тревожно. Критичните настроения нарастват. Човек, според завета на Сократ, започва да се стреми да „опознава себе си” – себе си като личност, а не само като част от социално цяло. Творчеството на великия драматург Еврипид е насочено към познаване на човешката природа и характери, чийто принцип на личността е много по-изтъкнат от този на по-стария му съвременник Софокъл. Според дефиницията на Аристотел, Софокъл „представлява хората такива, каквито трябва да бъдат, а Еврипид такива, каквито са в действителност“.

В пластичните изкуства все още преобладават обобщените образи. Но духовната сила и енергична енергия, които диша изкуството на ранната и зряла класика, постепенно отстъпва място на драматичния патос на Скопас или на лиричното, с нотка на меланхолия, съзерцание на Праксител. Скопас, Праксител и Лизип – тези имена се свързват според нас не толкова с определени артистични личности (биографиите им са неясни, а оригиналните им творби почти не са оцелели), колкото с основните течения на късната класика. Точно както Мирон, Поликлет и Фидий въплъщават чертите на зрялата класика.

И отново индикаторите за промени в перспективите са пластични мотиви. Характерната поза на изправената фигура се променя. В архаичната епоха статуите стоят напълно прави, челно. Възрастните класики ги анимират и оживяват с балансирани, плавни движения, поддържайки баланс и стабилност. И статуите на Праксител - почиващият Сатир, Аполон Сауроктон - с лениво изящество се облягат на стълбовете, без тях ще трябва да паднат.

Бедрото е много силно извито от едната страна, а рамото е сведено към бедрото - Роден сравнява тази позиция на тялото с хармоника, когато духалът е притиснат от едната страна, а от другата - раздалечен. За баланс е необходима външна подкрепа. Това е мечтана поза за почивка. Праксител следва традициите на Поликлет, използва мотивите на откритите от него движения, но ги развива така, че в тях да прозира различно вътрешно съдържание. „Ранената амазонка“ Поликлетей също се обляга на полуколона, но би могла да устои и без нея, нейното силно, енергично тяло, дори страдащо от рана, стои здраво на земята. Аполон Праксител не е поразен от стрела, той самият се цели в гущер, бягащ по ствола на дърво - действието, изглежда, изисква волево хладнокръвие, въпреки това тялото му е нестабилно, като осцилиращо стъбло. И това не е случайна особеност, не е прищявка на скулптора, а един вид нов канон, в който се изразява промененият възглед за света.

Но не само характерът на движенията и позите се променя в скулптурата от 4 век пр.н.е. NS Праксител има различен кръг от любими теми, той се отдалечава от героичните сюжети в "светлия свят на Афродита и Ерос". Той извая прочутата статуя на Афродита от Книд.

Праксител и художниците от неговия кръг не обичаха да изобразяват мускулестите торсове на спортистите, те бяха привлечени от деликатната красота на женското тяло с мек поток от обеми. Предпочитаха типа юноши – отличаващи се с „първата младежка красота, женствена”. Праксител беше известен със своята особена мекота на скулптура и майсторство в обработката на материалите, способността да предава топлината на живо тяло в студен мрамор2.

Единственият оцелял оригинал на Праксител се счита за мраморната статуя "Хермес с Дионис", намерена в Олимпия. Голият Хермес, облегнат на ствола на дърво, където небрежно е хвърлен наметалото му, държи в едната си наведена ръка малък Дионис, а в другата - чепка грозде, към която посяга дете (ръката, която държи гроздето, се губи) . Цялото очарование на живописната обработка на мрамора е в тази статуя, особено в главата на Хермес: преходите на светлина и сянка, най-финото "сфумато" (мъгла), което много векове по-късно е постигнато в картината на Леонардо да Винчи .

Всички останали произведения на майстора са известни само от препратки към древни автори и по-късни копия. Но духът на изкуството на Праксител духа през 4 век пр.н.е. д., и най-доброто от всичко може да се усети не в римски копия, а в малки гръцки скулптури, в танагерски глинени фигурки. Произвеждат се в големи количества в края на века, това е вид масово производство с основен център в Танагра. (Много добра колекция от тях се съхранява в Ленинградския Ермитаж.) Някои фигурки възпроизвеждат добре познати големи статуи, други просто дават различни безплатни вариации на драпирана женска фигура. Живата грация на тези фигури, замечтани, замислени, игриви, е ехо от изкуството на Праксител.

Почти толкова малко е останало от оригиналните произведения на резача Скопас, по-стар съвременник и антагонист на Праксител. Останки от развалини. Но останките говорят много. Зад тях стои образът на страстен, пламенен, жалък художник.

Той беше не само скулптор, но и архитект. Като архитект Скопас създава храма на Атина в Тегея и ръководи скулптурната му украса. Самият храм е бил разрушен преди много време, от готите; при разкопки са открити фрагменти от скулптури, сред които забележителна глава на ранен воин. Не е имало други като нея в изкуството от V век пр.н.е. д., нямаше толкова драматичен израз в завъртането на главата, такова страдание в лицето, в погледа, такова психическо напрежение. В негово име е нарушен хармоничният канон, възприет в гръцката скулптура: очите са поставени твърде дълбоко и счупването на дъгите на веждите е в противоречие с очертанията на клепачите.

Частично запазени релефи върху фриза на мавзолея на Халикарнас, уникална структура, класирана в древността като едно от седемте чудеса на света: периптерът е издигнат на висок цокъл и увенчан с пирамидален покрив. Фризът изобразява битката на гърците с амазонките – мъже воини с жени воини. Скопас не работи сам по него, заедно с трима скулптори, а водени от указанията на Плиний, който описва мавзолея, и стиловия анализ, изследователите определят кои части от фриза са изработени в работилницата на Скопас. Повече от други те предават опиянения бойен плам, „екстаз в битката“, когато и мъжете, и жените му се предават с еднаква страст. Движенията на фигурите са стремителни и почти губят равновесие, насочени не само успоредно на равнината, но и навътре, в дълбочината: Скопас въвежда ново усещане за пространство.

"Менада" се радваше на голяма слава сред съвременниците. Скопас изобразява буря от дионисиев танц, напрягаща цялото тяло на Менада, конвулсивно извивайки торса й, отхвърляйки главата й назад. Статуята на Маенада не е предназначена за фронтален изглед, трябва да се гледа от различни ъгли, всяка гледна точка разкрива нещо ново: или тялото се оприличава от свода си на опънат лък, или изглежда извито в спирала, като огнен език. Човек неволно си мисли: Дионисиевите оргии трябва да са били сериозни, не просто забавления, а наистина „луди игри“. Мистериите на Дионис били разрешени да се провеждат само веднъж на две години и то само на Парнас, но по това време неистовите вакханки отхвърлили всякакви условности и забрани. Под ритъма на дайрета, под звуците на тимпаните те се втурваха и се въртеха в екстаз, изпадайки в лудост, разпускайки косите си, късайки дрехите си. Менада Скопаса държеше нож в ръката си, а на рамото й хлапе, което беше разкъсала на парчета 3.

Дионисиевите празненства бяха много древен обичай, като самия култ към Дионис, но в изкуството дионисиевият елемент никога не е пробивал с такава сила, с такава откритост, както в статуята на Скопас, и това очевидно е симптом на времето. . Сега над Елада се събираха облаци и рационалната яснота на духа беше нарушена от желанието да забрави, да хвърли оковите на ограниченията. Изкуството, като чувствителна мембрана, реагира на промените в обществената атмосфера и трансформира своите сигнали в свои звуци, свои собствени ритми. Меланхоличната изтощение на творенията на Праксител и драматичните импулси на Скопас са просто различни реакции на общия дух на времето.

Кръгът на Скопас, а вероятно и самият той, притежава мраморна надгробна плоча на млад мъж. Отдясно на младежа стои старият му баща с израз на дълбока замислена, усеща се, че се чуди: защо синът му си отиде в разцвета на младостта си, а той, старецът, остана да живее? Синът гледа пред себе си и сякаш вече не забелязва баща си; той е далеч оттук, в безгрижните Шанз Елизе – обителта на блажените.

Кучето в краката му е един от символите на отвъдния живот.

Тук е уместно да се каже за гръцките надгробни паметници като цяло. Сравнително много от тях са оцелели, от 5-ти и главно от 4-ти век пр.н.е. NS.; техните създатели обикновено са неизвестни. Понякога релефът на надгробната стела изобразява само една фигура - починалият, но по-често до него са изобразени негови близки, един или двама, които се сбогуват с него. В тези сцени на сбогуване и раздяла никога не се изразява силна скръб и скръб, а само тихи; тъжна мечта. Смъртта е мир; гърците я олицетворяват не в страшен скелет, а във фигурата на момче - Танатос, близнакът на Хипнос - сън. Спящото бебе е изобразено и на надгробната плоча на младежа, в ъгъла в краката му. Оцелелите роднини гледат починалия, като искат да уловят чертите му в паметта, понякога хващат ръката му; самият той (или тя) не ги гледа, а във фигурата му се усеща отпускане, откъснатост. В прочутата надгробна плоча на Гегезо (края на 5 в. пр. н. е.) стоящ слуга дава на господарката си, която седи в фотьойл, кутия със скъпоценни камъни, Гегезо взема огърлица от нея с познато автоматично движение, но тя изглежда отсъстваща и увиснал.

Истински надгробен камък от 4-ти век пр.н.е NS творбите на атическия майстор могат да се видят в Държавния музей на изящните изкуства. КАТО. Пушкин. Това е надгробната плоча на воин – той държи копие в ръката си, до него е конят му. Но позата не е никак войнствена, крайниците са отпуснати, главата е надолу. От другата страна на коня стои сбогом; той е тъжен, но не може да се сбърка коя от двете фигури изобразява починалия и коя от живите, въпреки че изглеждат подобни и еднотипни; Гръцките майстори знаеха как да накарат починалия да почувства прехода към долината на сенките.

Лирическите сцени от последното сбогуване също бяха изобразени върху гробни урни, където те са по-лаконични, понякога само две фигури - мъж и жена, които се ръкуват един с друг.

Но дори и тук винаги можете да видите кой от тях принадлежи към царството на мъртвите.

В гръцките надгробни паметници има някакво особено целомъдрие на чувствата с тяхната благородна сдържаност в изразяването на тъга, нещо напълно противоположно на вакхичния екстаз. Надгробната плоча на младежа, приписвана на Скопас, не нарушава тази традиция; той се откроява от другите, освен с високите си пластични качества, само с философската дълбочина на образа на замисления старец.

При цялото противопоставяне на художествените натури на Скопас и Праксител, и двамата се характеризират с това, което може да се нарече увеличаване на изобразителността в пластиката - ефектите на светотен, благодарение на които мраморът изглежда жив, което се подчертава всеки път от гръцките епиграмматици. . И двамата майстори предпочитат мрамора пред бронза (докато бронзът преобладава в скулптурата на ранната класика) и постигат съвършенство в обработката на повърхността му. Силата на произведения отпечатък се улеснява от специалните качества на използваните от скулпторите видове мрамор: прозрачност и светимост. Парийски мрамор позволява на светлината да преминава през 3,5 сантиметра. Статуите, изработени от този благороден материал, изглеждаха едновременно човешки живи и божествено нетленни. В сравнение с произведенията на ранните и зрелите класици, късните класически скулптури губят нещо, липсва им простото величие на делфийските „Ауриги“, липсва монументалност на фидийските статуи, но придобиват жизненост.

Историята е запазила още много имена на изключителни скулптори от 4 век пр.н.е. NS Някои от тях, култивирайки подобието на живота, го довеждат до точката, отвъд която започват жанра и спецификата, изпреварвайки тенденциите на елинизма. Това отличи Деметрий от Алопека. Той придаваше малко значение на красотата и умишлено се стремеше да изобрази хората такива, каквито са, без да крие големи кореми и плешиви петна. Неговата специалност бяха портретите. Деметрий прави портрет на философа Антистен, полемично насочен срещу идеализиращите портрети от V век пр.н.е. д., - неговият Антистен е стар, отпуснат и беззъб. Скулпторът не можеше да вдъхне грозота, да я направи очарователна, такава задача беше неизпълнима в рамките на античната естетика. Грозотата се разбираше и изобразяваше просто като физически недостатък.

Други, напротив, се опитаха да подкрепят и култивират традициите на зрялата класика, обогатявайки ги с голяма грация и сложност на пластичните мотиви. По този път следва Леохар, който създава статуята на Аполон Белведере, която се превръща в еталон за красота за много поколения неокласици до края на ХХ век. Йохан Винкелман, авторът на първата научна История на изкуството на античността, пише: „Въображението не може да създаде нищо, което да превъзхожда Аполон на Ватикана с неговата повече от човешка пропорционалност на красиво божество“. Дълго време тази статуя се смяташе за върхът на древното изкуство, "идолът на Белведере" беше синоним на естетическо съвършенство. Както често се случва, прекомерната похвала с течение на времето предизвиква обратна реакция. Когато изучаването на древното изкуство напредна далеч напред и много от неговите паметници бяха открити, преувеличената оценка на статуята на Леохар беше заменена от занижена: те започнаха да я намират за помпозна и маниерна. Междувременно Apollo Belvedere е наистина изключителна творба по отношение на своите пластични качества; във фигурата и походката на владетеля на музите се съчетават сила и изящество, енергия и лекота, ходейки по земята, той също се извисява над земята. Освен това движението му, по думите на съветския изкуствовед Б. Р. Випър, „не е концентрирано в една посока, а сякаш лъчите се разминават в различни посоки“. За да се постигне този ефект, беше необходимо изящното умение на скулптора; единственият проблем е, че изчислението за ефекта е твърде очевидно. Аполон Леохара ви кани да се възхищавате на красотата му, докато красотата на най-добрите класически статуи не се разкрива на всички: те са красиви, но не се кичат. Дори Афродита от Книд Праксител иска да скрие, а не да демонстрира чувственото очарование на нейната голота, а по-ранните класически статуи са изпълнени със спокойно самодоволство, изключвайки всякакви демонстрации. Следователно трябва да се признае, че в статуята на Аполон Белведере античният идеал започва да се превръща в нещо външно, по-малко органично, въпреки че по своя начин тази скулптура е забележителна и бележи високо ниво на виртуозно умение.

Голяма крачка към "естественост" направи последният голям скулптор на гръцката класика - Лизип. Изследователите го приписват на школата в Аргос и твърдят, че той е имал съвсем различна посока, отколкото в атинската школа. Всъщност той беше пряк неин последовател, но след като възприе нейните традиции, отиде по-далеч. В младостта си художникът Евпомпус отговори на въпроса му: "Кой учител да избере?" - отговори, сочейки тълпата, тълпаща се в планината: "Ето единственият учител: природата."

Тези думи потънаха дълбоко в душата на гениалния младеж и той, без да се доверява на авторитета на Поликлетовия канон, се зае с точно изследване на природата. Преди него хората са били изваяни в съответствие с принципите на канона, тоест с пълна увереност, че истинската красота се крие в пропорционалността на всички форми и в пропорцията на хората със среден ръст. Лизип предпочиташе висока, стройна фигура. Крайниците му са станали по-леки, ръстът е по-висок.

За разлика от Скопас и Праксител, той работи изключително в бронз: крехкият мрамор изисква стабилен баланс, докато Лизип създава статуи и статуетни групи в състояния на динамичност, в сложни действия. Той беше неизчерпаемо разнообразен в изобретяването на пластични мотиви и беше много плодовит; казаха, че след края на всяка скулптура той поставял златна монета в касичката и общо по този начин имал хиляди и половина монети, тоест уж направил хиляда и половина статуи, някои от много големи размери, включително 20-метрова статуя на Зевс. Нито едно парче от неговата работа не е оцеляло, но доста голям брой копия и повторения, датиращи или от оригиналите на Лизип, или от неговата школа, дават приблизителна представа за стила на майстора. По отношение на сюжета той явно предпочиташе мъжки фигури, тъй като обичаше да изобразява трудните подвизи на техните съпрузи; любимият му герой беше Херкулес. В разбирането на пластичната форма, новаторското завоевание на Лизип е обръщането на фигурата в пространството, заобикалящо я от всички страни; с други думи, той не мислеше за статуята на фона на каквато и да е плоскост и не приемаше една, основната гледна точка, от която трябва да изглежда, а разчиташе да обиколи статуята. Видяхме, че "Менада" на Скопас вече е построена на същия принцип. Но това, което беше изключение сред бившите скулптори, стана правило за Лизип. Съответно той придава на фигурите си ефектни пози, сложни завои и ги обработва с еднаква грижа не само отпред, но и отзад.

Освен това Лизип създава ново усещане за време в скулптурата. Старите класически статуи, дори ако позите им бяха динамични, изглеждаха незасегнати от течението на времето, те бяха извън него, бяха, бяха в покой. Героите на Лизипо живеят в същото реално време като живите хора, техните действия са включени във времето и преходни, представеният момент е готов да бъде заменен от друг. Разбира се, Лизип и тук имаше предшественици: можем да кажем, че той продължи традициите на Мирон. Но дори Discobolus на последния е толкова балансиран и ясен в силуета си, че изглежда „постоянен“ и статичен в сравнение с Херкулес Лизип, борещ се с лъв, или Хермес, който за минута (само за минута!) седеше. надолу, за да се отпусне на крайпътен камък, за да продължи да лети на своите крилати сандали.

Дали оригиналите на посочените скулптури са принадлежали на самия Лизип или на неговите ученици и помощници, не се установява със сигурност, но несъмнено самият той е изработил статуята на Апоксиомен, чието мраморно копие се намира във Ватиканския музей. Млад гол атлет с протегнати ръце изстъргва полепналия прах със скрепер. Беше уморен след борбата, леко отпуснат, дори като залиташе, разпери краката си за стабилност. Кичури коса, третирани много естествено, прилепнаха към потното чело. Скулпторът направи всичко възможно, за да даде максимална естественост в рамките на традиционния канон. Самият канон обаче е преработен. Ако сравним Apoxyomenos с Doriforos Polykleitos, може да се види, че пропорциите на тялото са се променили: главата е по-малка, краката са по-дълги. Дорифор е по-тежък и по-набит от гъвкавия и строен Апоксиомен.

Лизип е придворният художник на Александър Велики и рисува редица негови портрети. В тях няма ласкателство или изкуствено възвеличаване; Главата на Александър, запазена в елинистично копие, е изпълнена в традициите на Скопас, донякъде наподобяваща главата на ранен воин. Това е лицето на човек, който живее напрегнато и трудно, който не получава лесно своите победи. Устни полуотворени, сякаш дишащи тежко, на челото се появиха бръчки, въпреки младостта му. Въпреки това класическият тип лице с узаконени от традицията пропорции и черти е запазен.

Това, което предварително хвърли сенки върху ярката структура на елинския мироглед, идва в края на 4 век пр. н. е. д.: разлагане и смърт на демократичен полис. Това е инициирано от възхода на Македония, северната област на Гърция, и де факто завземането на всички гръцки държави от македонския цар Филип II. В битката при Херонея (през 338 г. пр. н. е.), където войските на гръцката антимакедонска коалиция са разбити, участва 18-годишният син на Филип Александър, бъдещият велик завоевател. Започвайки с победоносен поход срещу персите, Александър изтласква армията си по-на изток, превземайки градове и основавайки нови; в резултат на десетгодишна кампания се създава огромна монархия, простираща се от Дунав до Инд.

Александър Велики, в младостта си, опитал плодовете на най-високата гръцка култура. Негов учител е великият философ Аристотел, придворните художници са Лизип и Апел. Това не му попречи, след като завзе персийската държава и зае трона на египетските фараони, да се обяви за бог и да поиска на него и в Гърция да бъдат отдадени божествени почести. Несвикнали с източните обичаи, гърците, смеейки се, казаха: "Е, ако Александър иска да бъде бог - нека бъде" - и официално го признаха за син на Зевс. Ориентализирането, което Александър започна да насажда, обаче беше въпрос по-сериозен от прищявката на завоевателя, опиянен от победи. Това беше симптом на историческия обрат на древното общество от робовладелска демокрация към формата, която е съществувала от древни времена на Изток – към робовладелската монархия. След смъртта на Александър (и той умира млад), неговата колосална, но крехка държава се разпада, сферите на влияние са разделени помежду си от неговите военни водачи, така наречените диадохи - наследници. Нововъзникналите държави под тяхна власт вече не са гръцки, а гръцко-източни. Настъпи ерата на елинизма – обединението на елинската и източната култури под егидата на монархията.

Сред цялото разнообразие от шедьоври на културното наследство на Древна Гърция той заема специално място. В гръцките статуи идеалът на човека, красотата на човешкото тяло, е въплътен и прославен с помощта на изобразителни средства. Въпреки това, не само грацията и гладкостта на линиите отличават древногръцките скулптури - умението на техните автори е толкова голямо, че дори в студен камък те успяха да предадат цялата гама от човешки емоции и да придадат на фигурите специален, дълбок смисъл, сякаш вдъхвайки им живот и дарявайки всеки с онази непонятна мистерия, която все още привлича и не оставя безразличен наблюдателя.

Подобно на други култури, Древна Гърция преминава през различни периоди от своето развитие, всеки от които прави определени промени в процеса на формиране на всички видове, към които принадлежи скулптурата. Ето защо е възможно да се проследят етапите на формирането на този вид изкуство, като се опишат накратко особеностите на древногръцката скулптура на Древна Гърция в различни периоди от нейното историческо развитие.
АРХАИЧЕН ПЕРИОД (VIII-VI в. пр. н. е.).

Скулптурите от този период се характеризират с известна примитивност на самите фигури поради факта, че изображенията, които са били въплътени в тях, са твърде обобщени и не се различават по разнообразие (курос се наричат фигури на млади мъже, корами - момичета). Най-известната скулптура от няколко десетки, достигнали до нашето време, е мраморната статуя на Аполон от сенките (самият Аполон се появява пред нас като млад мъж със сведени ръце, пръсти, стиснати в юмруци и широко отворени очи, и неговите лицето отразява типична скулптура от онова време, архаична усмивка). Образите на момичета и жени се отличаваха с дълги дрехи, вълнообразна коса, но най-вече те бяха привлечени от гладкостта и елегантността на линиите - въплъщение на женската грация.

КЛАСИЧЕСКИ ПЕРИОД (V-IV в. пр. н. е.).
Една от забележителните фигури сред скулпторите от този период може да се нарече Питагор от Регия (480 -450). Именно той оживи творенията си и ги направи по-реалистични, въпреки че някои от творбите му се смятаха за новаторски и прекалено смели (например статуя, наречена Момчето, което изважда треска). Изключителен талант и жизненост на ума му позволяват да се занимава с изследване на значението на хармонията, използвайки алгебрични методи за изчисление, които извършва въз основа на философско-математическата школа, която самият той основа. Използвайки такива методи, Питагор изследва хармонията от различно естество: музикална хармония, хармония на човешкото тяло или архитектурна структура. Питагорейската школа е съществувала според принципа на числото, който се е считал за основа на целия свят.

В допълнение към Питагор, класическият период даде на световната култура такива изтъкнати майстори като Мирон, Поликлет и Фидий, чиито творения бяха обединени от един принцип: показване на хармонична комбинация от идеално тяло и еднакво красива душа, съдържаща се в него. Именно този принцип е в основата на създаването на скулптури от онова време.
Творчеството на Мирон оказва голямо влияние върху просветното изкуство на 5 век в Атина (достатъчно е да споменем известния му бронзов Дискобол).

В творенията на Поликлет, чието умение се състоеше в способността да се балансира фигурата на мъж, стоящ на един крак с вдигната нагоре ръка, е въплътена (пример е статуята на Дорифор, младежът-копиеносец). В своите творби Поликлет се стреми да съчетае идеалните физически данни с красотата и духовността. Това желание го вдъхнови да напише и публикува свой собствен трактат „Канон“, който, за съжаление, не е оцелял до днес. Фидий с право може да се нарече великият създател на скулптурата от 5-ти век, защото успя да овладее перфектно изкуството на леене от бронз. 13 скулптурни фигури, изляти от Фидий, украсяват Делфийския храм на Аполон. Сред неговите произведения е и двадесетметрова статуя на Атина Дева в Партенона, изработена от чисто злато и слонова кост (тази техника на изпълнение на статуи се наричала хризо-елефантина). Истинската слава идва на Фидий, след като създава статуя на Зевс за храма в Олимпия (височината му е 13 метра).

ПЕРИОД НА ЕЛИНИЗМА. (IV-I в. пр. н. е.).
Скулптурата в този период на развитие на древногръцката държава все още има основната си цел да украсява архитектурни структури, въпреки че отразява промените, настъпили в управлението. В допълнение, много школи и тенденции са се зародили в скулптурата като една от водещите форми на изкуство.
Скопас става видна фигура сред скулпторите от този период. Неговото умение е въплътено в елинистическата статуя на Нике от Самотраки, т. нар., в памет на победата на флота на Родос през 306 г. пр. н. е. и монтирана на пиедестал, който по дизайн наподобява корабен лък. Класическите изображения станаха примери за творенията на скулптори от тази епоха.

В скулптурата на елинизма ясно се вижда така наречената гигантомания (желанието да се въплъти желаното изображение в статуя с огромни размери): ярък пример за това е позлатената бронзова статуя на бог Хелиос, която се издига на 32 метра в входа на пристанището на Родос. В продължение на дванадесет години ученикът на Лисипос Харес работи неуморно върху тази скулптура. Това произведение на изкуството с право заема почетно място в списъка на чудесата на света. След превземането на Древна Гърция от римските завоеватели, много произведения на изкуството (включително многотомните колекции на императорските библиотеки, шедьоври на живописта и скулптурата) са извадени от нейните граници, освен това много представители от областта на науката и образованието бяха заловени. Така елементи от гръцката култура се преплитат в културата на Древен Рим и оказват значително влияние върху по-нататъшното й развитие.

Различните периоди от развитието на Древна Гърция, разбира се, внасят свои собствени корекции в процеса на формирането на този вид изобразително изкуство,

„Изкуството на Древна Гърция” – Гиматий. Хитон. Хидрия. Декорации. Орнаменти. Чернофигурна живопис. Дамски шапки. амфора. Кратери. Chlamyda. Изкуството на Древна Гърция. Селяните носели в по-голямата си част къс, широк вълнен хитон с една каишка през дясното рамо - Exomis Robes се задоволявали с една набедрена превръзка.

"Антична вазопис" - Антични вази. Стилове на рисуване. Подготовка на скица. Косата. гръцка керамика. Предметна живопис. Същността на древногръцкото изкуство. амфора. Пелика. Килик. Проучване на орнамента. Лекит. Пиксида. Skyphos. Питам. Стил на килим. Орнаментална живопис. Атина. Дрехи на древните гърци. Разцветът на чернофигурната вазопис.

„Гръцки театър“ – гръцки театър. Един от най-известните комедийни писатели е Аристофан, Мир. Създатели - Есхил, трагедията "Перси" и Еврипид, трагедията "Медея". Сюжет - митове, легенди и важни исторически събития. Теми за дискусия. Какво е комедия. Появата на театрални представления. Какво е трагедия. Актьорите бяха само мъже.

„Архитектура на Древна Гърция“ – Фидий. Колони на храма на Артемида в Ефес. Майрън. Атина и Марсий. Статуя на Атина Партенос. гръцки ордени. Статуя на гръмовержеца Зевс. Майрън "Дискобола". Поликлет. Дорифор. Храмът на Посейдон в Пестум. Страхотна зора. Светилището на Атина Пронай в Делфи. Архитектура и скулптура на Древна Гърция. Храмът на Хефест в Атина.

„История на театъра на Древна Гърция” – На открито. Котурни. Структурата на парчето. Почетни гости. Рожден ден на театъра. Тестови въпроси. Дитирамби. Всеки полис е имал собствен театър. Жанр. сатир. Актьорите бяха само мъже. Попълнете загубената информация. История. Комедия. Съвременен театър. Писмото на билета. театър. Театър на Древна Гърция.

"Изкуството на Гърция" - Скулптура. Мислите от различни епохи и посоки се сближават във висока оценка на древната цивилизация. Древните гърци развиват писмеността си въз основа на финикийската. Посейдон. Литературата и изкуството на Древна Гърция дадоха тласък на развитието на европейската култура. Афродита. Демостен /384-322 пр.н.е./. От гръцката произлиза и славянската азбука.

Има общо 19 презентации

Категории

Избор на редакторите

Търсене

Абонамент

Популярни публикации

Последните бележки