XVII век показа на света две училища по изкуствата – холандски и фламандски... И двамата са наследници на художествените традиции на Холандия, европейска държава, на чиято територия по това време се е образувала католическа Фландрия, кръстена на най-значимата провинция (днес това е територията на Белгия и Франция). Други провинции, защитавайки своята привързаност към идеите на Реформацията, се обединяват и стават известни като Холандска република или просто Холандия. През 17-ти век в Холандия около три четвърти от населението е било градско, като средната класа се счита за основна класа. Реформираната църква изостави великолепието на декора, нямаше короновани клиенти и клановата аристокрация, което означава, че представителите на буржоазията станаха основните потребители на изкуството. Пространството, запазено за боядисване, беше ограничено до бюргерски къщи и обществени сгради.

Размерите на картините по правило не бяха големи (в сравнение с дворцовата живопис или олтарните композиции за църкви), а сюжетите бяха камерни, изобразяващи сцени от частен, ежедневен живот. Основното постижение на холандското изкуство през 17 век. - в станковата живопис. Човекът и природата са били обект на наблюдение и изобразяване от холандските художници. Трудолюбие, трудолюбие, любов към реда и чистотата са отразени в картините, изобразяващи холандския начин на живот. Ето защо холандските майстори от 17 век (с изключение на Рембранд и Халс) са наречени "малък холандец" (огромен кръг от холандски художници от 17 век. възниква във връзка с камерния характер на тяхната работа, малкия размер на картините им (пейзаж, интериор, битови сюжети). Малката холандска живопис се характеризира с изтънчеността на писането, изразителността на малките детайли, красотата на светлината и цветовите нюанси, общото усещане за комфорт, близост и единство на героите в пейзаж или интериорна среда. Сред най-видните представители са Ян Вермер, братята Остаде (Адриан ван О. и Исак ван О.), Джерард Терборх, Ян Стин, Габриел Мецу).

Повечето художници намират теми за своите картини в родната си страна, следвайки съвета на Рембранд: „Научи се преди всичко да следваш богатата природа и да отразяваш преди всичко това, което намираш в нея. Небето, земята, морето, животните, добрите и лошите хора - всички служат за нашето упражнение. Равнините, хълмовете, потоците и дърветата осигуряват достатъчно работа на художника. Градовете, пазарите, църквите и хилядите природни ресурси викат към нас и казват: жадни за знание, съзерцавайте ни и ни възпроизвеждайте." Производителността на художниците достигна невероятни размери, в резултат на това възникна конкуренция между художниците, което от своя страна доведе до специализацията на майсторите. И може би поради това имаше разнообразна диференциация по жанр. Появиха се художници, които работеха само в жанра на морския пейзаж или в жанра на градските гледки, или изобразяваха интериора на помещения (стаи, храмове). В историята на живописта е имало примери за натюрморти и пейзажи, но никога досега тези жанрове не са постигали такъв масов характер и самодостатъчност, както в Холандия през 17 век.

Холандците искаха да видят целия разнообразен свят в своите картини. Оттук и широкият обхват на живописта на този век, "тясна специализация" в определени видове сюжети: портрет и пейзаж, натюрморт и анималистичен жанр. В Холандия нямаше връзки с Италия и класическото изкуство не играе същата роля като във Фландрия. Овладяването на реалистичните тенденции, добавянето на определен кръг от теми и разделянето на жанровете като единен процес са завършени до 20-те години на 17 век.

Историята на холандската живопис от 17 век. перфектно демонстрира еволюцията на творчеството на един от най-големите портретисти в Холандия Франс Халс(1580-1666) Дейността му е почти изцяло в Харлем. Тук, още около 1616 г., той е издигнат като най-голям художник-портретист и запазва ролята си в тази област до края на живота си. С появата на Халс, строго реалистичният и трогателно индивидуален холандски портрет достига зрялост. Всичко плахо, дребнаво, натуралистично, което отличава неговите предшественици, е преодоляно.

Първоначалната фаза на изкуството на Халса не е изяснена. Веднага виждаме майстора да решава най-трудния проблем на груповия портрет. Той рисува един след друг стрелците от корпорацията на Св. Адриан и Св. Джордж (Хаарлем, Музей на Франс Халс), където с неподражаема лекота се предават жизнеността на многолюдна среща и яркостта на типовете на всеки един от присъстващите. Изобразителното майсторство и композиционната находчивост на групировките вървят ръка за ръка в тези портрети с изключителна острота на характеристиките. Халс не е психолог: умственият живот на моделите му обикновено минава покрай него. И той пише за по-голямата част от хората, чийто целият живот протича в условия на интензивна, енергична дейност, но които не се задълбочават в въпроси от психологическо естество. Но Халс, като никой друг, улавя външния вид на тези хора, е в състояние да схване най-мимолетното, но в същото време най-характерното в изражението на лицето, в позата, в жестикулацията. Весел по природа, той се стреми да улови всеки образ в момент на възраждане, радост и никой не предава смеха с такава тънкост и разнообразие като него. Портрет на офицер (1624, Лондон, колекция Уолъс), люлеещ се на стол „Gaitgeisen” (края на 1630-те, Брюксел, художествена галерия), „Циганка” (края на 1620-те, Лувър), или т.нар. Вещицата от Харлем - Мал Бобе(Берлин) могат да бъдат цитирани като типични примери за неговото трогателно и често закачливо изкуство. Мъжете, жените, децата са изобразени от него със същото усещане за жив образ (“ Портрет на млад мъж с ръкавица", ДОБРЕ. 1650, Ермитаж). Впечатлението за жизнерадост се улеснява и от самата техника на Халс, необичайно свободна и нарастваща с годините в своята широта. Декоративният блясък на ранните творби впоследствие се темперира, колоритът става сребрист, свободата на използване на черно-бели тонове говори за умение, което може да си позволи и най-смелите живописни дръзки.

В портретите от късния период (50-60-те години) изчезват безгрижната доблест, енергията и напрежението. В мъжкия портрет на Ермитажа, при цялата внушителна фигура, може да се проследи умора и тъга. Тези характеристики са допълнително засилени в брилянтно изрисувания портрет на мъж с широкопола шапка (музей в Касел). Khals в тези години престава да бъде популярен, защото никога не ласкае и се оказва чужд на изродените вкусове на богатите клиенти, които са загубили демократичния си дух. Но именно в късния период на творчеството Халс достига върха на умението и създава най-дълбокото произведение. В някои произведения се очертават импресионистични методи на цветови решения. Халс рисува безброй индивидуални портрети до последните години от живота си, но отново се връща към груповите портрети. Рисува 2 портрета – регентите и регента на убежището за възрастни хора, в единия от които самият намира подслон в края на живота си. В портрета на регентите няма другарство от предишните композиции, моделите са разединени, безсилни, имат мътен поглед, по лицата им е изписано опустошение. Розово-червено петно ​​на коляното на един от регентите внася особено напрежение в мрачния колорит (черно, сиво и бяло). Така на 9-годишна възраст един болен, самотен и обеднял художник създава своите най-драматични и най-изящни произведения на изкуството.

Изкуството на Халс е от голямо значение за времето си, то е повлияло на развитието не само на портрета, но и на жанра, пейзажа, натюрморта.

Пейзаж жанрХоландия 17 век особено интересно. Това не е природа като цяло, някаква обща картина на Вселената, а национална, а именно холандският пейзаж, който разпознаваме в съвременна Холандия: известните вятърни мелници, пустинни дюни. Сивото небе заема голямо място в композициите. Така е представена Холандия Ян Ван Гойен (1596-1656) и Саломон Ван Руисдал (1600-1670).

Зората на пейзажната живопис в холандското училище принадлежи към средата. 17-ти век Най-великият майстор на реалистичния пейзаж беше Якоб ван Руисдал (1628-1682), художник на неизчерпаемата фантазия. Творбите му обикновено са изпълнени с дълбока драматичност, било то горски гъсталаци („Горско блато“), пейзажи с водопади („Водопад“) или романтичен пейзаж с гробище („Еврейско гробище“). Природата на Руисдал се проявява в динамика, във вечно обновление. Дори и най-сложните мотиви на природата придобиват монументален характер под четката на художника. Ruisdael е склонен да комбинира внимателно писане с голяма почтеност, със синтетичността на изображението.

Той е роден в Харлем през 1628 или 1629 г. Първото му оцеляло произведение, датирано от 1646 г., изглежда като работа на зрял майстор - и тогава той е само на 18 години. Със сигурност може да се каже, че през 1648 г. Руисдал става член на Гилдията на художниците в Харлем.

В младостта си Руисдал пътува доста в търсене на природата - без обаче да напуска повече от сто мили от родния Харлем. В средата на 1650-те години художникът се премества от Харлем в Амстердам, където живее до края на дните си.

Митрополит Амстердам по времето на Руисдал беше поразително различен от провинциалния Харлем (въпреки че разстоянието между тези градове дори тогава беше преодоляно за два часа). Руисдал рисува картините си не по частни поръчки, а за свободна продажба. Около 1670 г. той се премества в самия център на града, на площад Дам, където наема апартамент точно над магазина на Йероним Свертс, търговец на картини и книги .

Мейндерт Хобема(1638, Амстердам - ​​7 декември 1709) - най-значимият майстор на холандския пейзаж след своя наставник Якоб ван Руисдал.

Известно е, че Хобема и Руисдал са пътували заедно и са правили скици от природата. През ноември 1668 г. Хобема се жени за готвача на амстердамския бургомайстор и чрез нея получава длъжността да проверява качеството на вносните вина. Дълго време се смяташе, че това е краят на неговата картина.

Може да е прекарал по-малко време в рисуване от преди, но най-добрата му работа, Алеята в Миделхарнис, е от 1689 г., а друга лондонска картина, Руините на замъка Бредерод, е от 1671 г. Тези по-късни неща принадлежат към най-успешните постижения на холандската пейзажна живопис и всъщност текат линия в нейното развитие.

Художникът умира в бедност, но още през 18-ти век му се подражава много, а произведенията му стават обект на съперничество между колекционерите. За разлика от Руисдал, който предпочиташе да улавя дивата природа, Хобему беше привлечен от тихи селски сцени с гледки към осветени от слънцето села, смесени с гроздове от дървета тук-там. В тези селски идилии всичко е написано с голямо внимание и особено зеленината.

Тясно свързана с холандския пейзаж е анималистичен жанр... Много представители на пейзажната живопис имат интерес към пренасянето на животни. Последните много често се оказват еквивалентни на чисто пейзажни елементи и понякога пейзажът им служи не повече от фон. Способността да се идентифицира породата на животно, неговата структура, цвят, характерни движения е едно от поразителните свойства на холандците. В комбинация с това умение, финесът на предаване на атмосферата и светлината достига изключително съвършенство сред някои анималисти. Това се доказва от множество произведения Паулус Потър(1625-1654) и Албърт Кейп(1620-1691). И двамата, наред с картини, изобразяващи животни, пасящи или почиващи на открито (Фермата на грънчарите, Ермитаж, 1649 г.), рисуваха и отделни близки планове. В допълнение към общите планове, Потър обича да изобразява едно или повече животни в близък план на фона на пейзаж („Куче на верига“). Любимият мотив на Кейп е крави на водопой ("Залез на реката", "Крави на брега на поток"). Картина "Пейзаж със стадо, конник и селяни."
Спокойната селска сцена се къпе в златния блясък на залеза. Топла светлина прониква във всеки детайл от композицията, създавайки светещ ефект. Това поразително отличава цвета на Cape от студените сини и зелени на неговите съвременници, като напр. Мейндерт Хобема... Привидната случайност на местоположението на животните всъщност е внимателно обмислена, за да покаже играта на светлината и сянката.

Освен това Кейп принадлежи на едно от първите места сред представителите на чистия пейзаж. Неговите картини се отличават с изключителното умение за пренасяне на златисто, слънчева светлина, изключително разнообразни са като мотиви и включват множество яхтени (морски гледки).

Само до морския пейзаж(Марина) беше сгодена Иън Порселис(1584-1632). Марина играе много важна роля в холандското изкуство от 17-ти век и възпитава редица първокласни специалисти. Общият ход на развитие на яхтеното пристанище изглежда е равен на този, който обикновено се наблюдава в историята на холандския пейзаж. В началото композициите са прости. Художникът вижда целта си постигната, ако с най-голяма вероятност предаде широчината на морето, корабите, които се люлеят върху него, и самата вода. Така пише Иън Порселис. В следващото поколение естеството на трансфера на морски видове се променя към по-голяма динамика. Все пак, вярно, се създават картини, изобразяващи спокойствието на водната стихия, но това сега не е достатъчно; бурите започват да хвърлят кораби по скалите, гигантски вълни ги заплашват със смърт и карат моряците да се укрият в пристанището. И в двата случая няма затруднения за Бакгайзен (1631-1709). Неговата четка с еднаква виртуозност предава спокойствието на небесата, циклоните, пръските, скалите и следите от развалини.

Натюрмортът постига блестящо развитие. Холандският натюрморт е, за разлика от фламандския, картини от интимен характер, скромни по размер и мотиви. Питър Клас (1597-1661), Вилем Хед(1594-1680) най-често изобразява т.нар. закуски: ястия с шунка или пай на сравнително скромно сервирана маса. В умело подреждане предметите са показани по такъв начин, че човек се чувства сякаш вътрешният живот на нещата (не напразно холандците нарекоха натюрморта „still leven“ - „тих живот“, а не „nature morte " - "мъртва природа"). Цветът е сдържан и изискан (Хеда "Закуска с омар", 1658 г.; клас "Натюрморт със свещи", 1627 г.)

Вилем Хеда работи в Харлем и е повлиян от Питър Клас. Скромните натюрморти - "закуски" от Khed, изобразяващи, като правило, малък набор от домакински прибори и ястия, се характеризират с изящно умение в предаването на текстурата на нещата, сдържан сребристо-зелен или сребристо-кафяв цвят ("Закуска с къпинов пай", 1631, Художествена галерия, Дрезден; "Шунка и сребърни изделия", 1649, Държавен музей на изящните изкуства, Москва).

С промяната в живота на холандската общност през 2-та пол. 17 век, с постепенното нарастване на желанието на буржоазията за аристократизация и загубата на предишната й демокрация, се променя и естеството на натюрмортите. Главите "закуски" се заменят с луксозни "десерти" Вилем Калф (1619-1693).Простите прибори се заменят с мраморни маси, покривки за килими, сребърни чаши, съдове от седефени черупки и кристални чаши. Kalf постига невероятна виртуозност в предаването на текстурата на праскови, грозде, кристални повърхности. Еднородният тон на натюрмортите от предишния период се заменя с богата градация на най-изящните цветни нюанси.

Холандски художник. През 1640-1645 г. работи във Франция, от 1653 г. - в Амстердам. По-късно Вилем Калф живее и работи главно в Амстердам. Този художник-натюрморт би могъл да дължи дълбоките, наситени цветове на картините си на влиянието на творчеството на своя съвременник Ян Вермеер. Един от най-големите майстори на холандската школа за натюрморти, Калф рисува както скромно мотивирани картини, изобразяващи бедни кухни и задни дворове ("Дворът на селска къща", Държавен Ермитаж, Санкт Петербург), така и ефектни композиции със скъпоценни прибори и екзотика южни плодове („Закуска”, Държавен музей, Амстердам; „Натюрморт”, Държавен Ермитаж, Санкт Петербург). Виртуозността на художника на натюрморта Калфа се проявява в класическото усъвършенстване на пространствените конструкции, тънкото усещане за оригиналността и присъщата стойност на всяко нещо, изтънчеността и богатството на светлината и сянката и цветните взаимоотношения, грандиозния контраст на различни текстури и материали.

„Натюрморт с омар, рог за вино и чаши“.Колекция от екзотични и луксозни предмети, подредени на маса, боядисани с брилянтна изработка и дълбоко усещане за цвят. Омар, рог за вино с искрящ филигранно сребърен декор, прозрачни чаши, лимон и турски килим са предадени с толкова невероятна грижа, че се създава илюзията, че са истински и могат да бъдат докосвани с ръка. Мястото за всеки артикул е избрано с такава грижа, че групата като цяло формира хармония на цвят, форма и текстура. Топлата светлина, която обгръща предметите, им придава достойнството на скъпоценни бижута, а тяхната рядкост, блясък и причудливост отразяват изтънчените вкусове на холандските колекционери през 17 век – времето, когато натюрмортите са били изключително популярни.

Холандски натюрморт- една от художествените трансформации на най-важната тема на холандското изкуство - темата за личния живот на обикновения човек. Тази тема е изцяло въплътена в една жанрова картина. През 20-30-те години. 17-ти век холандците създават специален вид дребнофигурна живопис. 40-60-те години - разцветът на живописта, прославящ спокойния бюргерски живот на Холандия, премерено ежедневие. Дори в кръга на Халс, където се оформя и Адриан Брауер, фламандски художник, се формира отчетлив интерес към теми от селския живот. Адриан ван Остаде(1610-1685) - е най-голямата по своите изобразителни достойнства в изобразяването на селския живот. Той обикновено изобразява сенчестите му страни („Борба“) Подобно на другите му представители, той обикновено подхожда към темите си изцяло в духа на идеологията на управляващата класа и или идеализира реалността, или вижда в селяните само забавни създания, чийто морал поражда смях и шеги... („В селска кръчма“ 1660 г.).

В по-късен период изкуството му придобива чертите на лиризма, а предишните сюжети са заменени от изображения на спокойна почивка на прага на хижа или в двора на селска механа, както и интериори със сцени на тих семеен уют ( Селски концерт, 1655 г., Ермитаж). В допълнение към подобни картини с малки фигури, Остаде често рисува в по-голям план строго реалистични полуфигури на представители на различни занаяти. По право за шедьовър на живописта на Остаде се смята неговият „Художник в ателието“ (1663), в който художникът прославя човешкия труд, без да прибягва нито до декларация, нито до патос.

Но основната тема на „малките холандци“ все още не беше селянският, а бюргерският начин на живот. Обикновено това са изображения без завладяващ сюжет. В снимките от този жанр сякаш нищо не се случва. Жената чете писмото, господинът и дамата пускат музика. Или току-що са се срещнали и им се ражда първото чувство, но това е само очертано, на зрителя се дава право да спекулира сам. Най-забавният разказвач в този вид картини беше Ян Стан(1626-1679). За Стен, за разлика от повечето негови съвременници, сюжетната страна не е безразлична. Той отрежда значителна роля на повествованието в картините си и обича да изобразява определени забавни сцени от ежедневието на дребната буржоазия. В тях майсторът открива проницателна наблюдателност, удачно характеризира типовете и с тънък весел хумор разказва избраните от него епизоди. Показателна за него е картината "Болният и лекарят" (ок. 1660, Ермитаж). В по-късния период от дейността на Стен тези черти губят своята острота и, следвайки общата тенденция, той тръгва по пътя на изкуството, по-елегантен и посветен на проблемите на чисто визуалното възприятие на реалния свят.

Постигна страхотно умение Джерард Терборх(1617-1681). Започва с най-демократичните разкази („Милачът”). Той се отличаваше с най-голямо умение в образа на коприна и сатен, прозрачността на стъклените чаши, повърхността на всяко нещо. Фигурите много често се характеризират с добре познатия аристократичен външен вид на Терборх, което се обяснява с избора му на модели от средите на благородството. Изтънчеността на изкуството на Терборх се дължи до голяма степен на цвета му, в който доминират изящни сребърни тонове. Някои от най-добрите картини на художника включват "Чаша лимонада" (Ермитаж) и "Концерт" (Берлин, Далем).

Интериорът е особено поетичен сред малките холандци. Животът на холандците протичаше главно в къщата. Истинският певец на тази тема беше Питър де Хуч(1629-1689). Илюзорният характер на прехвърлянето на нещата отстъпва на заден план за този майстор и интересът е насочен към развитието на пространствените отношения, по-специално върху изобразяването на интериори, както и дворове и улици, които се отварят зад тях („Домакиня с прислужница", Ермитаж, около 1660 г.). стаите му с полуотворен прозорец с неволно хвърлени обувки или оставена метла по правило се изобразяват без човешка фигура, но тук невидимо присъстват хора, винаги има връзка между интериора и хората. Когато изобразява хората, той нарочно подчертава замръзналия ритъм, изобразява живота сякаш замръзнал, неподвижно като самите неща („Двор“).

Забавеният ритъм на живот, редовността на ежедневието, някаква монотонност на съществуването перфектно предава Габриел Мецу(1629-1667; "Закуска"). По общия характер на своите жанрови образи той е близък до Терборх, но по-живи цветове.

Нов етап в жанровата живопис започва през 50-те години и се свързва с т.нар. Делфтско училище, с името на художници като напр Карел Фабрициус, Еманюел де Вит и Ян Вермер(1632-1675), известен в историята на изкуството като Вермеер от Делфт (наречен на мястото на работа). Изкуството на Вермеер от Делфт принадлежи към късния период от развитието на Холандия. Поколението героични, но груби борци за независимост и трезвомислещи бизнесмени - организатори на капиталистическата икономика - принадлежаха на миналото. На историческата арена излязоха техните внуци, които спокойно можеха да използват придобитите придобивки. При тези условия се оформя едно живо, радостно изкуство от последния етап от разцвета на холандската република.

Този период включва зрялото, сърдечно и в същото време ясно и просто, въпреки цялата изтънченост на технологиите, изкуството на Вермеер от Делфт. Има малко оригинални творби на Вермеер, само няколко музея притежават малки и винаги ценни картини на майстора на Делфт. Темата на Вермеер е повече или по-малко традиционна; млади жени, които четат писма, бродират, в компанията на кавалер, художник пред статив, момиче, просто мечтаещо на прозореца („Момиче с писмо“, Дрезден; „Кавалер и дама на шпинета“ и т.н. .) - с една дума, всичко, което вече е изобразявано от холандски художници повече от веднъж. По тематика, в тесния смисъл на думата, Вермеер няма нищо оригинално. Само в редки случаи той се обръща към забавни сюжети и внася елемент на действие в композицията (При сводника, 1656, Дрезден). Въпреки това всички негови образи имат напълно индивидуален характер. Във всички персонажи, които изобразява, има някаква лека и лека поезия и наред с тази поезия и мекота във всички негови творби е запечатано особено усещане за сурова простота, нещо наистина класическо.

Вермеер несъмнено е един от най-големите колористи в историята на западноевропейското изкуство. Не само неговият деликатен вкус в избора на цветове, но и способността да намират връзката си един с друг правят Вермеер един от най-изящните майстори на цвета. С най-голямо чувство за пропорция и такт, той комбинира лимоненожълто, синьо, виолетово с голямо разнообразие от нюанси, алени и бледозелени цветове в една звучна тонална гама. Именно в работата на Вермеер Делфт проблемът със светлината, традиционен за холандското изкуство, получава своето най-съвършено решение. Преливащата перлена светлина е една от най-характерните черти на картините на майстора на Делфт. Няма съмнение също, че Вермер от Делфт е бил един от най-завършените техници на своето време. Малкото му картини са рисувани в богата и разнообразна текстура. Неговият метод за наслагване на боя, предопределящ по-късната техника на импресионистите, дава възможност на самия Вермеер да изобрази светлите обгръщащи обекти в цялата им живописна конкретност. Светлината в картините на Вермеер е не просто прозрачна среда, а въздух, богат на най-фините преходи на сребристи тонове.

Вермеер прави това, което никой не е правил през 17 век: рисува пейзажи от природата („Малката улица“, „Изглед към Делфт“). Те могат да се нарекат първите образци на пленерна живопис. Зрялото, класическо в своята простота изкуство на Вермеер е от голямо значение за бъдещите епохи.

Върхът на холандския реализъм, резултат от изобразителните постижения на холандската култура през 17 век. е дело на Рембранд. Но значението на Р., като всеки гениален художник, надхвърля границите само на холандското изкуство и холандската школа. Заемайки централно място в холандската школа от нейния разцвет, Рембранд все още се откроява сред многото художници на родината си. Широчината на спектъра на художествените интереси на Рембранд и дълбокият психологизъм на творчеството му остават чужди за тях.

Harmenszoon van Rijn Rembrandtе роден през 1606 г. в Лайден и е син на заможен собственик на мелница за брашно. Рано открива страстта си към рисуването и след кратък престой в Лайденския университет се отдава изцяло на изкуството. В края на обичайния тригодишен период на обучение при незначителния местен художник Джейкъб Сваненбърх, Рембранд отива да се усъвършенства в Амстердам, където става ученик на Ластман. Ластман, изкусен занаятчия, учил в Италия, запозна Рембранд с ефекта на светлотения, който се използва за предаване на обема и разкриване на драмата на действието. Тази техника ще стане основна в творчеството на художника. През следващите години Рембранд работи в Лайден, спечелвайки репутация на майстор на библейски и митологични сцени. Затова обикновено се наричат ​​годините 1625-1632. Лайденски период на неговото творчество.

През 1632 г. се премества в Амстердам, където веднага печели слава, написвайки „Урокът по анатомия на д-р Тулпа“. 30-те години - времето на най-високата слава, пътят към kt е отворен за художника от тази картина, kt се счита за групов портрет и има друго име "Урок по анатомия". На това платно хората са обединени от m/u чрез действие, всички са представени в естествени пози, вниманието им е привлечено от главния герой - д-р Тулпа, който демонстрира структурата на мускулите в труп. Той живее с търговеца на произведения на изкуството Хендрик ван Айленборх, който го покровителства, урежда поръчки за портрети, което създава репутацията на младия художник като модерен и успешен майстор. През 1634 г. Рембранд успешно се жени за племенницата на Хендрик Саския и до 1639 г. заедно със съпругата си придобива великолепна къща в столицата. До началото на 1640 г. той се радва на голям успех с клиентите, това е времето на личното му благополучие. В известния шедьовър от този период - "Автопортрет със Саския на колене" (около 1635 г., Художествена галерия, Дрезден), Рембранд се изобразява с младата си съпруга на празнична трапеза. Деликатна игра на златни тонове, струи светлина, проникващи в картината, предават радостното настроение на млад и успял художник и съпругата му, изпълнени с надежди и мечти.

Целият този период е покрит с романтика. Художникът сякаш умишлено се стреми да се измъкне от скучното бюргерско ежедневие в творчеството си. Пише себе си и Саския в луксозни тоалети, във фантастични тоалети и шапки, създавайки ефектни композиции, във всичко, в пози, в движения надделява общото – радостта от битието. (Саския като Флора). Бароковият език е най-близък до израза на това приповдигнато настроение. Рембранд през този период е до голяма степен повлиян от италианския барок.

Героите на картината "Жертвата на Авраам" (1635) се появяват в сложни ъгли. Картината проследява душевното състояние на Авраам, който не е имал време да изпита нито радостта да се отърве от ужасната жертва, нито благодарността, когато ангелът се появи внезапно, но изпитва само умора и недоумение.

Рембранд винаги обръща голямо внимание на офорт (гравиране) и рисунка и скоро става най-големият майстор на графичната техника в Европа. Изпълнените от него портрети и пейзажи в техниката на офорт, както и битови и религиозни сцени се отличаваха с новостта на художествените техники, дълбок психологизъм на образите, богат светлинен цвят, изразителност и лаконични линии. До нас са достигнали около две хиляди рисунки на Рембранд. Сред тях са подготвителни скици, скици за картини, скици на сцени от ежедневието и идеи, които се раждат във въображението му.

В началото на ранния период на творчеството се появява една от най-известните му картини "Нощен страж" - групов портрет на гилдия за пушки. Но груповият портиер е официалното име на произведението, произтичащо от желанията на клиентите. В „Нощната стража“ Рембранд решава по нов начин традиционния за холандското изкуство жанр групов портрет. Картината (1642, Rijks Museum, Амстердам) е групов портрет на членовете на гилдията за стрелба на капитан Банинг Кок и е представена от художника като истинска улична сцена. Рембранд изоставя статичното подреждане на всички участници, което беше прието по това време, създавайки сцена, пълна с движение. Контрастите на светлина и сянка, емоционалността на рисуването предават емоцията на събитието. Картината придобива исторически характер, разказвайки за смели хора, които са готови да защитават свободата и националната независимост на своята родина с оръжие в ръце. Клиентите не разбраха намерението на художника и започвайки от тази картина конфликтът с доминиращата среда ще се засили, но няма да намали енергията на майстора, а Рембранд ще продължи да създава реалистични платна, забележителни по силата на емоционалното въздействие . Ефектната, несъмнено донякъде театрална, свободна композиция, както вече споменахме, нямаше за цел да представи всеки един от клиентите. Много лица са просто лошо "четими" в остър светлинен цвят, в контрастите на дебели сенки и ярка слънчева светлина, отряд излиза към kt (през 19 век картината потъмнява толкова много, че се смята за изображение на нощна сцена, оттук и неправилното име.капитан върху светлите дрехи на лейтенанта, доказва, че това не е нощ, а ден). Появата на непознати в тази сцена, особено на малко момиченце в златисто-жълта рокля, изглеждаше неразбираемо и нелепо за зрителя. Всичко тук предизвика недоумение и дразнене на публиката и можем да кажем, че с тази картина започва конфликт между художника и обществото. Със смъртта на Саския през същата година Рембранд естествено скъсва с чуждите за него бюргерски кръгове.

С годините реалистичното умение на Рембранд се задълбочава. Той отказва излишни детайли и декоративни ефекти в полза на по-голяма дълбочина и емоционална интензивност на художествения образ. Много важно място в творчеството на художника започва да заема камерен портрет. Рембранд разкрива духовния живот на човек, сякаш траен във времето и пространството. Това е един вид портрет-биография. Такива са например „Портрет на стара жена“, „Хендрике на прозореца“, „Четене на Тит“, портрети на приятелите на художника Н. Брайнинг, Дж. Сикс, множество автопортрети (повече от сто маслени бои). и въглища).

40-50-те години - това е времето за творческа зрялост.Това е времето на добавяне на неговата творческа система, от която много ще отидат в миналото и която ще придобие нови, безценни качества. През този период той често се обръща към предишни произведения, за да ги преправи по нов начин. Такъв беше случаят с „Даная“, която той пише през далечната 1636 г. Позовавайки се на картината през 40-те години, художникът засилва емоционалното си състояние. Той пренаписа централната част с героинята и прислужницата. Давайки на Даная нов жест на вдигната ръка, той я информира за голяма емоция, израз на радост, надежда, призив. Светлината играе огромна роля: светлинният поток сякаш обгръща фигурата на Даная, цялата тя блести от любов и щастие, тази светлина се възприема като израз на човешки чувства.

В началото на 50-те години художникът създава един шедьовър след друг. Вече беше излязло от мода, но богатите клиенти не превеждаха.

През тези години той избира за интерпретация най-лиричните, поетични страни на човешкото съществуване, човешкото, което е вечно и всечовешко: майчината любов, състраданието. Най-голям материал му дава Свещеното писание, а от него – сцени от живота на светото семейство. Религиозна по своята същност, но чисто жанрова в своята интерпретация на сюжета, ермитажната картина „Свето семейство“ (1645) е изключително характерна за това време.

Наред с библейските жанрови композиции, този период е пълен с нов тип изобразяване на реалността за Рембранд – пейзажи. Отдавайки почит на романтичните си наклонности в някои случаи, той създава, наред с този спиращ дъха, строг реализъм на подхода, снимки на неукрасено холандско село. Малък „Зимен изглед“ (1646 г., Касел), изобразяващ в светлината на ясен мразовит ден селски двор и няколко фигури на повърхността на замръзнал канал, по отношение на финеса на усещането и достоверността на визуалното възприятие, служи като един от най-съвършените примери за реалистичния пейзаж на холандците.

Въпреки необятността и художествената стойност на създаденото през този период, финансовото положение на Рембранд до средата на 1650-те се оказва изключително трудно. Поради спада в броя на поръчките, трудната продажба на картини и особено небрежността на майстора при воденето на делата си, Рембранд изпитва големи финансови затруднения. Дългът, свързан с придобиването на скъпа къща по време на живота на Саския, заплашваше тотална разруха. Опитите да се измъкне от дълга можеха само да отложат бедствието, но то все пак избухна. През лятото на 1656 г. Рембранд е обявен за неплатежоспособен и цялото му имущество е продадено на търг. Лишен от обичайния си подслон, той беше принуден да се премести със семейството си в бедния еврейски квартал на търговската столица и тук, в остър усещан недостиг, изтекоха последните му дни.

Тези несгоди, както и нещастията, сполетяли Рембранд - смъртта на Хендрик, смъртта на единствения син на Тит - бяха безсилни да спрат по-нататъшното израстване на неговия гений.

Краят на 1650-те и 1660-те години са най-трагичните години от живота на Р., но те са изпълнени с грандиозната творческа дейност на Рембранд. Представлява сякаш синтез на всичките му предишни психологически и изобразителни търсения. В тези снимки всичко е изчистено от преходното, случайно. Детайлите са сведени до минимум, жестовете, позите, накланянето на главата са внимателно обмислени и осмислени. Фигурите са увеличени, близо до предната равнина на платното. Дори малките произведения от тези години създават впечатление за изключително величие и истинска монументалност. Основните изразни средства са светлината и линиите. По-точно би било да се каже за покойния Р., че цветът му е „лъчист“, тъй като в неговите платна светлината и цветът са едно цяло, боите му сякаш излъчват светлина. Това сложно взаимодействие на цвят и светлина не е самоцел, то създава определена емоционална среда и психологически характеристики на образа.

В портретите Рембранд вече се оказва по-свободен в избора на модели и пише предимно лица с подчертана индивидуалност. Това са предимно възрастни жени и стари евреи. Но със същата острота той е в състояние да предаде очарованието на лицето на млада жена или очарованието на младежкия външен вид. Всичко дребно е по-ниско в тези портрети на обобщено, но в същото време необичайно рязко представяне на изображението. Това до голяма степен се улеснява от нарастващата широта на начина на техническо изпълнение.

Финалът в историята на груповия портрет беше образът на Рембранд на старейшините на платнената работилница - т.нар. „Синдики“ (1662, Амстердам). заслужено считан за един от върховете на творчеството на Рембранд). Остра психологическа характеристика, простота на конструкцията, прикриваща непогрешимостта на ритъма на линиите и масите, както и среден брой цветове, но наситен колорит, обобщават целия предишен път на Рембранд като портретист.

В годините на зрялост (50-те години) Рембранд създава най-добрите си офорти. Отличителната дълбочина на психологическия анализ на Рембранд, експресивният реализъм на образите и владеенето на художествената техника са отразени в дълга поредица от прекрасни листове, тематично дори по-разнообразни от живописта на майстора. Сред най-известните са "Христос изцеление на болните" (т.нар. "Лист от сто флорина", ок. 1649), "Три кръста" (1653), портрети на Лютма (1656), Харинг (1655), Шест (1647 г.), както и пейзажи, известни като „Три дървета (1643 г.) и „Имението на претеглянето на злато“ (1651 г.).

Рисунките заемат не по-малко значимо място в графичното наследство на Рембранд. Остротата и оригиналността на възприятието на Рембранд за света около него бяха отразени в тези многобройни и разнообразни листове с особена сила. Начинът на рисуване, подобно на живописния маниер на Рембранд, забележимо се развива по време на творческото развитие на майстора. Ако ранните рисунки на Рембранд са детайлно разработени и са доста сложни по композиция, то в по-зрял период той ги изпълнява по широк живописен начин, необичайно лаконичен и прост. Рембранд обикновено рисуваше с химикалка от гъска или тръстика и успяваше да постигне с помощта на най-простите техники изключителна сила на изразителност. Р. остави след себе си 2000 рисунки. Неговите рисунки, дори когато са дребни скици на някакъв ежедневен мотив, представляват цялостно цяло, предаващо изцяло цялото разнообразие на природата.

Епилог на творчеството на Р. може да се счита за грандиозната му картина „Завръщането на блудния син“ (около 1668-1669, Ермитаж), в която най-пълно се проявяват естетическата височина и изобразителното умение на художника. Художникът изпълва евангелската притча за млад мъж, който напуска дома си, пропилява богатството си и се завръща при баща си с дълбоко човешки смисъл. Благородната идея за любов към страдащия човек се разкрива тук в образи, които поразяват с житейската си убедителност. Лицето на стария полусляп баща и жестът на ръцете му изразяват безкрайна доброта, а фигурата на сина в мръсни парцали, прилепнал към баща си, е искрено и дълбоко разкаяние. Може би никоя друга картина на Рембранд не предизвиква толкова много дълбоки и състрадателни чувства. Рембранд учи публиката си на любовта и прошката. По-късно, през последните години и месеци, животът на Рембранд е външно спокоен. След като оцелява Хендрикие и Тит, той умира на 4 октомври 1669 г.

Р. оказва огромно влияние върху изкуството. Няма художник в Холандия, който да не е изпитвал влиянието на великия художник, от които най-известни стават Фердинанд Бол (1616-1680), Хербранд ван ден Екгут (1621-1674) и Арт дьо Гелдер (1645-1727). След като овладеха предмета, композиционните техники и видовете учители, те не надхвърлиха външната имитация на техниките на Рембранд в рисуването на фигури. Живото влияние на майстора, напротив, определено се отрази на многобройните пейзажисти, съседни на него - Филипс Конинк (1619-1688), Думър (1622-1700) и др. Но мнозинството го предаде, преминавайки към позицията на академичност и имитация на тогавашните модни фламандци, а след това и на французите.

Както често се случва в историята на изкуството, въпреки гениалния си талант, Рембранд умира в бедност и самота, забравен, безполезен майстор. Но колкото повече време минава, толкова по-ценно е в очите на човечеството наследството на художника. Без преувеличение може да се каже, че Рембранд е един от най-големите художници в историята на световното изкуство. Мнозина биха го нарекли ненадминат. Гробът на Рембранд е изгубен, но творбите му ще живеят векове.

През последната четвърт на 17 век. започва упадъкът на холандската живопис, загубата на националната й идентичност и от нач. 18-ти век великата ера на холандския реализъм е към своя край.

„Бургер“ барок в холандската живописXVII v. - образът на всекидневния живот (П. де Хуч, Вермеер). "Луксозни" натюрморти Калф. Групов портрет и неговите характеристики от Халс и Рембранд. Интерпретация на митологични и библейски сюжети от Рембранд.

Холандско изкуство от 17 век

През XVII век. Холандия се превърна в примерна капиталистическа страна. Тя провеждаше обширна колониална търговия, имаше мощен флот, а корабостроенето беше една от водещите индустрии. Протестантизмът (калвинизмът като най-тежката му форма), който напълно измести влиянието на католическата църква, доведе до факта, че духовенството в Холандия не оказва такова влияние върху изкуството, както във Фландрия, и още повече в Испания или Италия. В Холандия църквата не играе ролята на клиент на произведения на изкуството: храмовете не са украсени с олтарни изображения, тъй като калвинизмът отхвърля всякакъв намек за лукс; Протестантските църкви бяха прости като архитектура и не бяха украсени по никакъв начин отвътре.

Основното постижение на холандското изкуство през 18 век. - в станковата живопис. Човекът и природата са били обект на наблюдение и изобразяване от холандските художници. Домашната живопис се превръща в един от водещите жанрове, чиито създатели в историята са получили името "Малки холандци". Рисуването на евангелски и библейски сюжети е представено по същия начин, но не в същата степен, както в други страни. Холандия никога не е имала никакви връзки с Италия и класическото изкуство не играе същата роля като във Фландрия.

Овладяването на реалистичните тенденции, добавянето на определен кръг от теми, обособяването на жанровете като единен процес са завършени към 20-те години на 17 век. Историята на холандската живопис от 17 век. перфектно демонстрира еволюцията на творчеството на един от най-големите портретисти в Холандия, Франс Халс (около 1580-1666). През 10-те и 30-те години Хълс работи широко в жанра на груповите портрети. От платната на тези години гледат весели, енергични, предприемчиви хора, уверени в своите сили и в бъдещето („Стрелцовата гилдия на Св. Адриан“, 1627 и 1633 г.;

Стрелковата гилдия на Св. Георги“, 1627 г.).

Изследователите понякога наричат ​​отделни портрети на Халс жанр поради особената специфика на изображението. Ескизният маниер на Хълс, смелото му писане, когато щрихът извайва формата и обема и предава цвета.

В портретите на Халса от късния период (50-60-те години) изчезват безгрижната доблест, енергията, напрежението в характерите на изобразените лица. Но именно в късния период на творчеството Халс достига върха на умението и създава най-дълбоките произведения. Цветът на картините му става почти монохромен. Две години преди смъртта си, през 1664 г., Халс отново се връща към груповия портрет. Рисува два портрета – на регентите и на регента на убежището за възрастни хора, в единия от които намира подслон в края на живота си. В портрета на регентите няма другарство от предишните композиции, моделите са разединени, безсилни, имат мътен поглед, по лицата им е изписано опустошение.

Изкуството на Халса беше от голямо значение за времето си, то повлия на развитието не само на портрета, но и на жанра, пейзажа, натюрморта.

Особено интересен е пейзажният жанр на Холандия от 17 век. изобразява Холандия от Ян ван Гойен (1596-1656) и Саломон ван Руисдал (1600 / 1603-1670).

Разцветът на пейзажната живопис в холандската школа датира от средата на 17 век. Най-големият майстор на реалистичния пейзаж е Якоб ван Руисдал (1628 / 29-1682), Неговите произведения обикновено са пълни с дълбока драма, независимо дали изобразява гъсталаци („Горско блато“),

пейзажи с водопади ("Водопад") или романтичен пейзаж с гробище ("Еврейско гробище").

Природата на Руисдал се проявява в динамика, във вечно обновление.

Анималистичният жанр е тясно свързан с холандския пейзаж. Любимият мотив на Албърт Кейп е крави на водопой („Залез на реката“, „Крави на брега на поток“).

Натюрмортът постига блестящо развитие. Холандският натюрморт е, за разлика от фламандския, картини от интимен характер, скромни по размер и мотиви. Peter Claesz (около 1597-1661), Billm Head (1594-1680 / 82) най-често изобразява така наречените закуски: ястия с шунка или пай на сравнително скромно сервирана маса. „Закуските“ на Kheda се заменят с разкошните „десерти“ на Kalf. Простите прибори се заменят с мраморни маси, покривки за килими, сребърни чаши, съдове от седефени черупки и кристални чаши. Calf постига невероятна виртуозност в предаването на текстурата на праскови, грозде, кристални повърхности.

През 20-30-те години на XVII век. холандците създават специален вид дребнофигурна живопис. 40-60-те години - разцветът на живописта, прославящ спокойния бюргерски живот на Холандия, премерено ежедневие.

Адриан ван Остаде (1610-1685) изобразява отначало сенчестите страни на живота на селяните („Борбата“).

От 40-те години в творчеството му сатиричните нотки все повече се заменят с хумористични („В селска механа“, 1660).

Понякога тези малки картини са оцветени с голямо лирично чувство. По право за шедьовър на живописта на Остаде се смята неговият „Художник в ателието“ (1663), в който художникът прославя творческата работа.

Но основната тема на "малките холандци" все още не е селски, а бюргерски начин на живот. Обикновено това са изображения без завладяващ сюжет. Най-забавният разказвач в този вид картини е Ян Стан (1626-1679) (The Revelers, The Trick-Trick Game). Джерард Терборх (1617-1681) постига още по-голямо умение в това.

Интериорът придобива особена поезия сред „малките холандци”. Истинският певец на тази тема е Петер де Хуч (1629-1689). Стаите му, с полуотворен прозорец, с неволно хвърлени обувки или метла, често се изобразяват без човешка фигура.

Нов етап в жанровата живопис започва през 50-те години и се свързва с така наречената Делфтска школа, с имената на такива художници като Карел Фабрициус, Емануел де Вит и Ян Вермер, известен в историята на изкуството като Вермеер Делфт (1632-1675) . Картините на Вермеер не изглеждат по никакъв начин оригинални. Това са същите образи от живота на замръзнал бюргер: четене на писмо, джентълмен и дама, които говорят, слуги, ангажирани в прости домакинства, гледки към Амстердам или Делфт. Тези картини са прости в действие: "Момиче, което чете писмо",

"Кавалерът и дамата на спинета",

„Офицерът и смеещото се момиче“ и т.н. са пълни с духовна яснота, тишина и мир.

Основните заслуги на художника Вермеер са в предаването на светлина и въздух. Разтварянето на обекти в светло-въздушна среда, способността да се създаде тази илюзия, преди всичко определи признанието и славата на Вермеер именно през 19 век.

Вермеер прави това, което никой не е правил през 17 век: рисува пейзажи от природата („Малката улица“, „Изглед към Делфт“).

Те могат да се нарекат първите образци на пленерна живопис.

Върхът на холандския реализъм, резултат от изобразителните постижения на холандската култура от 17 век, е делото на Рембранд. Harmenszoon van Rijn Rembrandt (1606-1669) е роден в Лайден. През 1632 г. Рембранд заминава за Амстердам, център на холандската художествена култура, което естествено привлича младия художник. 30-те години - времето на най-високата слава, пътят към който е открит за художника от голяма поръчана картина през 1632 г. - групов портрет, известен още като "Анатомията на д-р Тулп", или "Урок по анатомия".

През 1634 г. Рембранд се жени за момиче от богато семейство - Саския ван Айленборх. Започва най-щастливият период от живота му. Той става известен и модерен художник.

Целият този период е покрит с романтика. Известният "Автопортрет със Саския на колене" (около 1636 г.) предава най-яркия от всички мироглед на Рембранд от тези години. Цялото платно е проникнато с откровена радост от живота, ликуване.

Бароковият език е най-близък до изразяването на високо настроение. И Рембранд през този период до голяма степен е повлиян от италианския барок.

Героите на картината от 1635 г. "Жертвата на Авраам" се появяват в сложни ракурси. Композицията е изключително динамична, изградена по всички правила на барока.

През същите 30-те години Рембранд за първи път сериозно започва да се занимава с графика, предимно ецване. Офортите на Рембранд са предимно библейски и евангелски сюжети, но в рисунката, като истински холандски художник, той често се позовава на жанра. На границата на ранния период от творчеството на художника и неговата творческа зрялост пред нас се появява една от най-известните му картини, известна като „Нощната стража“ (1642) – групов портрет на пушката рота на капитан Банинг Кок.

Той разшири обхвата на жанра, представяйки доста историческа картина: при сигнал за тревога отрядът на Банинг Кок тръгва на поход. Някои са спокойни, уверени, други са развълнувани в очакване на предстоящото, но във всичко се крие израз на обща енергия, патриотичен ентусиазъм и триумф на гражданския дух.

Груповият портрет под четката на Рембранд прерасна в героичен образ на епохата и обществото.

Картината вече беше толкова тъмна, че се смяташе за изображение на нощна сцена, откъдето идва и неправилното й име. Сянката на фигурата на капитана върху светлите дрехи на лейтенанта доказва, че това не е нощ, а ден.

Със смъртта на Саския през същата 1642 г. Рембранд естествено скъсва с чужди за него патрициански кръгове.

40-50-те години е времето на творческа зрялост. През този период той често се обръща към предишни произведения, за да ги преправи по нов начин. Такъв беше случаят например с „Даная“, която рисува през далечната 1636 г. Обръщайки се към картината през 40-те години на миналия век, художникът засилва емоционалното си състояние.

Той пренаписа централната част с героинята и прислужницата. Давайки на Даная нов жест на вдигната ръка, той я информира за голяма емоция, израз на радост, надежда, призив.

През 40-50-те години уменията на Рембранд нарастват постоянно. Той избира за интерпретация най-лиричните, поетични страни на човешкото съществуване, онова човешко, което е вечно, всечовешко: майчината любов, състраданието. Най-голям материал му дава Свещеното писание, а от него - сцени от живота на Светото семейство, Рембранд изобразява прост живот, обикновени хора, както в картината Светото семейство.

Последните 16 години са най-трагичните години от живота на Рембранд; разбит е, няма заповеди. Но тези години са изпълнени с удивително силна творческа дейност, в резултат на която живописните образи, изключителни по отношение на монументалността на персонажите и духовността, са дълбоко философски произведения. Дори малките по размер произведения на Рембранд от тези години създават впечатление за изключително величие и истинска монументалност. Цветът придобива звучност и интензивност. Цветовете му сякаш излъчват светлина. Портретите на покойния Рембранд са много различни от портретите от 30-те и дори 40-те години. Това са изключително прости (половина или поколенчески) образи на хора, които са близки на художника с вътрешната си структура. Рембранд постигна най-голямата финес на характеристиките в автопортретите, от които около сто са достигнали до нас. Последният в историята на груповия портрет беше образът на Рембранд на старейшините на работилницата за платове - така наречените "Синдики" (1662), където Рембранд създава живи и в същото време различни човешки типове с оскъдни средства, но най-важното е, че той успя да предаде усещане за духовен съюз, взаимно разбиране и взаимовръзка на хората.

В годините на зрялост (главно през 50-те години) Рембранд създава най-добрите си офорти. Като гравьор той не познава равен в световното изкуство. Във всички тях образите имат дълбоко философско значение; те разказват за мистериите на битието, за трагедията на човешкия живот.

Рисува много. Рембранд остави след себе си 2000 рисунки. Това са скици от природата, скици за картини и подготовка за офорти.

През последната четвърт на 17 век. започва упадъкът на холандската живописна школа, загубата на нейната национална идентичност, а от началото на 18 век започва краят на великата ера на холандския реализъм.