Рембранд - всичко, което трябва да знаете за известния холандски художник. Биография на Рембранд
Рембранд Харменс ван Рейн е роден на 15 юли 1606 г. в Лайден, един от най-големите холандски градове. Баща му, Хармен, беше богат мелничар. Фамилията на художника "ван Рейн" означава "от Рейн", тоест от реката, на която са се намирали семейните воденици. Майката на Рембранд, Корнелия, беше дъщеря на пекар. Те се женят за Хармен през 1589 г., когато и двамата са на 21 години. Семейството има десет деца, предпоследното от тях - Рембранд. Родителите на художника водят спокоен живот, пълен с творби – баща му умира през 1630 г., а майка му през 1640 г.
От оцелелите братя Рембранд трима продължават семейната традиция, ставайки мелничари и пекари. Бъдещият художник се оказа единственото дете в семейството, което е обучавано в Латинското училище в Лайден.
През май 1620 г., на 13-годишна възраст, той постъпва в едно от най-старите образователни институции в Европа – Лайденския университет. Такива млади студенти не изненадаха никого тогава. Въпреки това, мненията на изследователите се различават по отношение на изучаването на Рембранд в университета. Може би той дори не я е започнал и той се нуждаеше от титлата студент само за да получи отсрочка от военната служба. Приблизително по същото време Рембранд започва да овладява занаята на художника.
Основният източник на информация за първите години от живота му са книгите на Йоханес Орлерс, тогава кмет на Лайден. Във второто издание на неговия вид справочник, публикуван през 1641 г., Орлерс поставя кратка биографична бележка за Рембранд. От тази справка можете да научите, че първоначално Рембранд е учил при местния художник Якоб ван Сва-Ненбюрх. Той прекарва три години в ателието си, а след това, през 1624 г., се премества в Амстердам за шест месеца - при известния майстор на историческата живопис Питър Ластман.
През 1625 или 1626 г. Рембранд се завръща в Лайден. Тук той се сприятелява с друг прохождащ художник (също ученик на Ластман), Ян Ливенс - в продължение на няколко години те често пишеха заедно и понякога творбите им бяха толкова сходни едно на друго, че изглеждаше почти безнадеждно за установяване на авторството на един от художниците.
По-късно, в края на 1631 или началото на 1632 г., Рембранд се премества от Лайден в Амстердам (тогава столица на Холандия). Амстердам по това време пред очите ни се превръщаше в един от най-големите центрове на световната търговия. За тридесет години (от 1610 до 1640 г.) населението му се е утроило – от 50 000 на 150 000 жители. Рембранд реши, че ще бъде много по-лесно да направи истинска артистична кариера в такъв град.
В Лайден Рембранд най-често рисува малки сюжетни картини (това са интерпретации на религиозни сюжети, портрети и автопортрети, характерни сцени). Сега той започна да работи по поръчка, което му позволи бързо да постигне успех. Почти две години художникът живее в къщата на Хендрик ван Айленбюрх, голям търговец на произведения на изкуството, с когото се сприятелява малко след преместването си в столицата.
През юни 1633 г. Рембранд се сгодява за братовчедката на Айленбюрх Саския, а година по-късно се жени за нея. Родителите на Саския починаха, когато тя беше дете и оставиха значително наследство на дъщеря си. Рембранд също не беше беден човек, който вече се беше утвърдил сред водещите холандски художници на своето време. Но това не беше брак по сметка. Рембранд и Саския се обичаха страстно. Отначало младите хора живееха в къщата на Хендрик ван Айленбюрх, а малко по-късно си купиха собствена къща.
Между 1635 и 1640 г. Саския ражда три деца, но всички те умират, след като живеят на света само няколко седмици. През 1641 г. тя ражда своето четвърто (и последно) дете. Родителите кръстиха сина си Титус. Тит оцеля, но самата Саския скоро умира. Тя беше на 29 години.
В годината на смъртта на Саския художникът завършва „Нощната стража“, най-голямата и известна картина. Но животът на Рембранд вече се е счупил. Изключително натъжен от смъртта на любимата си съпруга, художникът не може да се накара да се съсредоточи върху обичайната си работа - поръчани портрети - и бързо губи богатите си клиенти.
Той с ентусиазъм пише и други платна – тяхната тема е библейската история. През трудните периоди от живота си Рембранд винаги намираше утеха в религията, но сега трябваше да мисли и за малкия си син. Художникът наел бавачка за него, вдовицата Гертие Диеркс, която станала любовница на Рембранд. Няколко години по-късно тя е заменена от друга млада жена, Хендрике Стофелс. Отначало тя също беше бавачка на Тит. Гертие заведе дело срещу Рембранд, обвинявайки го в нарушаване на брачната конспирация. Последваха няколко спорни процеса, в резултат на които Гертие беше намерен неправилно и настанен в поправителен дом за пет години. Тя е освободена през 1655 г. и умира на следващата година. Междувременно Хендрике ражда сина на Рембранд (той умира в ранна детска възраст) и дъщеря Корнелия. Корнелия - единствената от всички деца на Рембранд - оцелява баща си.
Междувременно финансовото състояние на Рембранд бързо се влошава. Но въпреки липсата на доходоносни поръчки за портрети, Рембранд продължава да харчи много пари за колекцията си. Колекцията беше много интересна. В него могат да се намерят платна на италиански ренесансови майстори, оръжия, бюстове на римски императори, стари костюми, ориенталски чудеса, стотици рисунки и щампи.
През 1652-54 г. Холандия води война с Великобритания, която опустошава държавната хазна. Търговският оборот намаля, което се отрази в цените на арт продуктите. Нещата тръгнаха толкова зле, че Рембранд продаде част от колекцията си, събрана с любов. Но това не помогна, той едва свърза двата края.
През 1656 г. художникът не успява да плати на кредиторите си и почти се озовава в дългов затвор. Той успя да избегне най-лошото с легална операция, наречена cessio bonorum (което означава прехвърляне на дълг). Според него длъжникът не е бил вкаран в затвора, ако е успял да докаже в съда, че тежкото му положение е породено от обективни причини. След като продаде цялото си имущество, Рембранд дори получи разрешение да остане в къщата, която му е принадлежала преди. Той живее тук до 1660 г., когато новият собственик на къщата отменя това разрешение.
Оттогава Рембранд живее в скромни апартаменти в бедните квартали на града. По това време Тит беше пораснал. През 1660 г. Тит и Хендрике, за да предпазят Рембранд от материални грижи, доколкото е възможно, основават фирма за продажба на произведения на изкуството. Художникът обаче не се разплати с някои от кредиторите си до края на живота си.
Това не му попречи да остане в очите на съгражданите достоен човек и уважаван майстор. През 1661-62 г. той получава две от най-големите си и престижни поръчки: картината „Заговорът на Юлий Цивилис“ за новото кметство на Амстердам и груповия портрет „Синдика“ за сградата на гилдията на производителите на платове.
Упадъкът на художника, въпреки изключителния му творчески подем, беше тъжен. През 1663 г. неговият верен спътник Хендрике умира. По-късно Рембранд погребва сина си, последван от снаха си. През есента на 1669 г. идва неговият ред - на 4 октомври най-големият майстор на холандската живопис тихо и неусетно напуска този свят.
През живота си Рембранд прави около осемдесет автопортрета - картини, щампи и рисунки. Ранният период на творчество, сюжети на Стария и Новия завет, "Нощна стража" като образ на републиканската Холандия. Зрял период на творчество. Светото семейство.
Работата на Рембранд
1. Автопортрети
През живота си Рембранд прави около осемдесет автопортрета - картини, щампи и рисунки. За него това беше един вид автобиография, дори ако по-късно портретите бяха продадени. Един от първите - "Автопортрет" от Амстердамския Rijksmuseum, където разрошен двадесет и две годишен художник наднича в лицето му, опитвайки се с помощта на светлотенце да предаде първото събудено съзнание за себе си като художник.
Ориз. 1. „Автопортрет” около 1628г
В автопортрета от 1629 г. ярък лъч осветява безбрадото запитващо лице, засенчено от дантелена яка. Но автопортретът от същата година, съхраняван в Хага, е по-официален. В малката картина „Художникът в неговата работилница“ (1629), която отдавна се приписва на Герит Дау, работилницата на Рембранд в Лайден се отваря за очите ни, с маса, статив, палитра и хаванче за смилане на бои. Художникът се изобрази необичайно далеч от картината, сякаш искаше да даде на зрителя усещане за това как самият той вижда и разбира живописта.
В по-зрелите портрети понякога се изразява душата на художника, а понякога облеклото му е внимателно изписано. „Автопортрет“ от 1640 г., картина, необичайно изтънчена и хармонична, улавя тридесет и четири годишния Рембранд, който заема силна позиция в Амстердам. Ориентир за художника бяха „Портретът на благородник“ на Тициан, който сега се съхранява в Лондон, а по това време в колекцията на приятеля на Рембранд, португалския евреин Алфонсо Лопес, и „Портретът на Балдасар Кастильоне“ от Рафаел. В сближаването с италианските майстори се усеща предизвикателството от Рембранд, сякаш подчертавайки духовната си близост с великите си предшественици с необичайно облекло от 16-ти век. Рисува се в костюми, според обичая на работилницата му, където се съхраняват най-разнообразните тоалети за модели, изброени в инвентарите – „Автопортрет” през 1658 г. от колекцията на Фрик в Ню Йорк. Но също така обича да се изобразява в облеклото на амстердамски търговец с верижки, висулки и кожени гарнитури или художник, осъзнаващ ролята и позицията си в обществото, като в "Автопортрет на статив" (1660) или в друг автопортрет с палитра и пискюли от лондонския Kenwood House, - скромни дрехи, обикновена бяла барета на главата, волево, интелигентно изражение на набръчканото му лице. А погледът е властен, горд и много уморен през последните години, засенчен от материални трудности и семейни неволи.
Ориз. 2. "Автопортрет" 1660г
Необичайният автопортрет на Кьолн, нарисуван около 1665 г., изразителен и безпристрастен, показва, че Рембранд все още може да се усмихва. Последните два автопортрета от 1669 г., съхранявани в Лондон и Хага, единият със скръстени ръце, другият с многоцветен тюрбан върху дълга сива коса, предават огорчението и разочарованието на човек, който беше изтласкан на заден план от своите бивш студент, мъж, през 1641 г. се слави като "един от най-забележителните художници на своето време".
2. Ранен период на творчество
Рембранд започва своето пътуване в Лайдан – първите му самостоятелни творби датират от средата на 20-те години на 20 век; от 1632 г. до края на живота си Рембранд работи в Амстердам - главният художествен център на страната. Втората половина на 20-те и 30-те години е времето на търсене на собствен път и творчески метод на Рембранд.
Рембранд изучава реалността, стреми се да овладее различните й аспекти (както свидетелстват неговите рисунки), но основният му интерес е индивидуалният човешки характер и разнообразието от прояви на духовния живот.
Вниманието към вътрешния живот на човек определя оригиналността на първите сюжетни картини на Рембранд (Тобиас и съпругата му, 1625 - 1626, апостол Павел в затвора, 1627). Акцентът върху психологическото преживяване на събитието, което Рембранд иска да види през очите на участниците в него, е особено силно изразен в Христос в Емаус (ок. 1629). Художникът показва реакцията на героите - вълнение, страх, шок. Но, както в ранните автопортрети, емоционалните афекти са все още недвусмислени и принудени, позите и жестовете са твърде демонстративни.
В творбите от края на 20-те - началото на 30-те години вече е разкрита ролята на светлината като средство за засилване на емоционалната изразителност на дадена сцена. В Апостол Павел осветлението подчертава настроението на героя. В Христос в Емаус противопоставянето на светлина и сянка предава внезапността и силата на чувството, обзело апостолите.
Историческата живопис, заедно с портрета, се превърна в основната област на творчеството на Рембранд. Сюжетите на Стария и Новия завет дадоха възможност на съдържанието на произведението да се придаде образен мащаб, а значението му - обобщаващ характер. Обръщането към религиозни и митологични теми не означава за Рембранд отхвърляне на житейската достоверност на образа – напротив, той се стреми да съчетае истинското, земното, конкретното с онзи възвишен дух и универсално значимо значение, което се съдържа в легендата. .
В същото време изобразителният стил на ранния период е спорен. Рембранд не винаги успява да съчетае органично възвишеност и надеждност, величието на чувствата и грубата истина на реалността. И така, в „Христос в Емаус” контрастът между баналното (простонародната външност на героите и ежедневието на антуража) и чудотворното събитие е твърде остър.
Отхвърляйки наклонената условност и идеализация, Рембранд обезличава персонажите на религиозни и митологични легенди, но с всичко това преувеличава прозеизма на природата и долните страсти (Сватбата на Самсон, 1635). От друга страна, възвишеното все още се отъждествява за Рембранд с външното извисяване на сцената, с неговата патетика и бурна динамика – в произведенията от средата и втората половина на 30-те години неслучайно влиянието на италианците и е отразен фламандският барок („Жертвата на Авраам“, 1634 г.; „Ослепяването на Самсон“).
Копнежът на Рембранд за грандиозен блясък и драматични колизии – както и неговата бравада, желание да развенчае обичайните художествени норми и идеали – до голяма степен се свързват с желанието да се измъкне от прозаизма и бюргерските ограничения на установения начин на буржоазен живот. От света на ежедневието той е привлечен от света на героизма и фантазията. През 30-те години той често рисува себе си и близките си в "исторически" костюми, във великолепни, фантастични облекла ("Саския във формата на Флора", 1634; автопортрети от Petit Palais, от Берлин и Лувъра, 1634) . Тези, както ги наричат, въображаеми портрети сякаш въплъщаваха известна мечта на красив човек, на образ, издигнат над ежедневната реалност.
През този период Рембранд не само търси своя идеал за живота и човека – той създава и произведения, които предвещават бъдещия му път. Слизането от кръста (между 1633 и 1639) е написана под влиянието на известната композиция на Рубенс, но сюжетът е интерпретиран от Рембранд като камерна сцена: това позволява на зрителя да се почувства като нещо лично свързано с него, лично наричащо пред него човешка трагедия - смъртта на един измъчен Христос и скръбта на близките му. Светлината, прорязваща тъмнината, поражда усещане за интензивна тишина, интензивност на чувствата, величие на драматизма.
През 30-те години на миналия век Рембранд е най-популярният художник в Амстердам. При него идват успех, слава, материално благополучие. Студентите се стичат в работилницата му.
По това време Рембранд изпълнява много поръчани портрети. Те са рисувани с голяма пластична сила, перфектно предават приликата, улавят характеристиката във външния вид, но Рембранд все още не е намерил своя път в портретната живопис. И все пак, може би не е случайно, че Рембранд, портретист с талант, именно в работата на този жанр - груповия портрет на корпорацията на амстердамските стрелци - успява да въплъти идеала за героизъм, без да изпада в крайности на театрална патетика и гротескно изостряне, за да се постигне органично сливане на поетическо извисяване, оцветено с нотка на фантазия и истинска жизненост („Нощна стража“, завършена през 1642 г.).
Идеята на художника беше необичайна: той добави измислени герои към портретите на осемнадесет клиенти и ги свърза със сюжетен мотив: представлението на компания, която излиза изпод арката и пресича моста над канала. Фигурите и лицата ту са прикрити от сянката, ту изтръгвани от ярката светлина на деня. В групата на стрелците виждаме да се тълпят в нея минувачи, включително момиче в златисто-жълта рокля, като ярка светлина, трептяща в тази енергична мъжка тълпа.
Комбинацията от портретни изображения с безименни фигури, динамиката на композицията му придадоха голяма жизнена убедителност. Но особеността на „Нощна стража“ е, че той е не само групов портрет, но и сцена на тълпата. Мотивът на движението, изпълненията на стрелците, величествената архитектура на фона, цветните разнообразни костюми, контрастите на светлина и сянка и накрая, огромните размери на картината създават впечатление за тържествено шествие, значимо публично събитие. „Нощен страж“ се превърна в монументална композиция, в която ясно се чува темата за патриотичния ентусиазъм, триумфа на гражданския дух. Рембранд го потвърждава, когато гражданският патос и демократичните идеали от холандската действителност и от холандското изкуство. Картината "Нощна стража" се превърна в образ на републиканската Холандия, груповият портрет придоби значението на историческа картина.
Ориз. 3. „Нощна стража“ през 1642г
3. Зрял период на творчество
Нощната стража завършва ранна фаза в творческото развитие на Рембранд. От 40-те години започва периодът на зрялост. Настъпва повратна точка в светоусещането. Бурна динамика, патос, сценичност – всичко, което се свързваше с противоречивото търсене на голям образ – напуска изкуството му. Нови творчески принципи се определят и постепенно се оформят в цялостна система. Този процес е завършен до 50-те години, които отварят последния етап от дейността на Рембранд.
През 40-те години на миналия век Рембранд преработва някои от произведенията си, написани през предходното десетилетие – красноречиво свидетелство за промяната в художествените стремежи на майстора. Първата версия на картината "Даная" е създадена през 1636 г. Митологичният сюжет беше представен в грандиозен, елегантен дизайн, но самата героиня беше поразителна със своята обикновеност. Фигурата на Даная, нарисувана по конкретен модел, е напълно индивидуална във физическия си състав, нейните форми и пропорции са много далеч от идеалните норми за красота. Утвърждаването на реалистична визия на реалността в изобразяването на голото тяло - тази "сфера" на художественото творчество, където класическият идеал преобладава много дълго време, придоби особено ярък, програмен характер
През 1646-1647 г. Рембранд пренаписва централната част на картината, която включва Даная и прислужницата. Художникът вече не се задоволяваше само с „външната” истина на живота – той се стремеше и към вътрешната истина. Изражението на лицето й, новият жест на дясната ръка, открит в тази версия, изненадващо точно и душевно предаде емоционалното състояние на героинята - вълнение и радост, очакване и надежда, нетърпение и привлекателност. В "истината на природата" Рембранд успява да различи духовната, морална красота: Даная е красива с искреност и щастие на любовта, с което изглежда блести външният й вид. Чудотворното, величественото става еквивалентно за Рембранд на одухотворено преживяване.
Стилът му на рисуване също се е променил. В недокоснатите части на картината формите са детайлно обработени, детайлите са внимателно предадени, текстурата е неутрална, колоритът е доминиран от студени тонове; в централната зона - широко, свободно писане, а колоритът е издържан в топли златисти и кафеникави тонове, които художникът е обичал в зрелия си период на творчество. Функциите на светлината станаха по-сложни - тя придобива сякаш самостоятелно, многоценно духовно значение. В „Данае” мекото излъчване на светлината започва да се възприема като излъчване на човешкото чувство.
В изкуството на Рембранд поезията и истината достигат до хармонично единство. Разкриването на поетическото, възвишено в реалното, обикновеното и, от друга страна, тълкуването на сюжета не като „евентуален” сблъсък, а като психологически сблъсък – в това той сега намира решение на проблема. Акцентът се пренася върху вътрешното, духовно съдържание на образа или събитието.
Рембранд въвежда поезия и духовност в своите портретни характеристики (Човекът със сокола, 1643; Портретът на Агата Бас, 1641). Оттук нататък автопортретите на художника вече не са скици на изразяване, а разкриване на вътрешния свят на човек на различни етапи от неговия жизнен път, неговата духовна еволюция.
В легендите на свещеното писание Рембранд се стреми да намери близък до всеки човешки „принцип“ – той вижда нравствено достойнство и красота в обикновения човек и в обикновените житейски явления. Неслучайно Рембранд е толкова привлечен от лирическата тема през 40-те години. Дълбочината на чувствата, нежността и интимната топлина на взаимоотношенията опоетизират живота на обикновените хора и дават усещане за неговата морална висота (Светото семейство, 1646; Тобиас и съпругата му, 1645).
Но лиричността на интерпретацията и конкретността в предаването на средата не придават на произведенията жанров характер – вътрешната значимост извежда съдържанието на картината извън рамките на определен епизод.
„Зърното“ на естетическите идеи на Рембранд е пресъздаване на материалната и емоционалната среда, заобикаляща човека, неразривно свързана с неговото същество, с неговия вътрешен свят, среда, която е не по-малка от самия образ и еднакво изразява настроението и смисъла на сцената.
В „Светото семейство“ (1645) сцената е потопена в прозрачен здрач, пронизан от трептяща златиста светлина, в който действието замръзва и спира, което сякаш поглъща емоционалните „гласове“ на картината. Нюансите на чувствата дават усещане за продължителността на преживяването и в същото време, сякаш, за потока на живота във времето.
Така през втората половина на 40-те години се утвърждава проблематиката на творчеството на зрелия и късен Рембранд; по същото време се формира и новата му изобразителна система. Светлотенцето е основният, творчески елемент на художествената структура. Излъчвайки сияние и топлина, светлината се превръща в материален еквивалент на едно лирично чувство – тя определя духовната атмосфера на сцената, тя е носител на нейния етичен смисъл. Светлината определя и съществуването на цвета в картината, нейната изразителна сила. В "Светото семейство" усещането за топлина и нежност на майчината любов е "подкрепено" от червените тонове, тлеещи в кафеникавия мрак. Светлината, сякаш се ражда заедно с телесната форма, му придава особена лекота, а пространството получава дълбочина и ефирност благодарение на светлинния цвят. Фигурите се сливат в едно цяло с пространството, което се възприема като емоционална среда, наситена с човешки чувства и преживявания.
Пластичната форма също получава особена духовност. Тялото на Витшеба (Bathsheba, 1654) Рембранд пише с такава сила и израз, че изглежда изненадващо живо, реално и изключително изразително, сякаш говори. Всяка форма, завой, огъване на тялото, неговото „дихане” в същата степен като лицето, наклона на главата, погледа, изразяват смирението и пасивността на Витсавея, размишляваща над писмото на Давид и над нейната съдба. Душевното й състояние е пресъздадено толкова дълбоко и пълно, че целият живот на Витшеба сякаш преминава пред погледа й и пред погледа на зрителя.
4. Късен период на творчество
Последните десетилетия от живота на художника са най-значимият етап в неговото изкуство. Съсредоточавайки се върху проблемите на духовното съдържание, Рембранд стига до големи обобщения на един философски и етичен ред. В областта на най-живописната форма той прави смели открития, гледайки далеч в бъдещето.
За Рембранд от 50-60-те години интерпретацията на сюжета е по същество разкриването на вътрешния свят на човек, чието духовно богатство, морални сблъсъци и съдба придобиват универсално значимо значение. В тази връзка можем да говорим за изключителната близост на тематичната картина и портрета в творчеството на покойния Рембранд.
В портретите от 50-60-те години Рембранд иска да предаде многостранността, гъвкавостта на човешкия характер, но преди всичко сложността на вътрешния живот на човек, неговото разнообразие и променливост, неуловимите нюанси на чувства и мисли, които се заменят един друг. , да покаже тяхното взаимопроникване и в приемственост, с други думи - във времето. За разлика от Халс, който улавя човек в определен момент, сякаш изтръгнат от времевия поток, Рембранд дава на портрета усещане за постепенното формиране на образа.
Рембранд цени в човешката личност не толкова нейната рационална и хармонична цялост, а дълбочината и финеса на собствените си интелектуални и емоционални реакции към околната среда. Но силата и значението, с които Рембранд предава духовния и душевния свят на определен човек, ни карат да видим общи човешки черти в индивидуалния образ.
Ян Шести (1654) е изобразен в момент на пълно потапяне в себе си: той спря, ръката, дърпайки ръкавицата, замръзна. В интелигентното, изразително лице на Сикс, в неговия поглед, който не забелязва нищо наоколо, се виждат тъга и някакво латентно недоволство, прозрение и повишена емоционална чувствителност.
Благородната красота на цвета - комбинацията от сива камизола, черна шапка, червеникава коса и червено наметало със златни дантели - е в съответствие с образа, създаден от Рембранд. В целия облик на Ян Шести има печат на духовна аристократичност, което сякаш оправдава сложната гама от чувства, които той изпитва сега. Голямото вътрешно достойнство говори за високо лично самосъзнание на човек.
Писмото на Рембранд е необичайно смел, широк свободен щрих, схематичен, "отворен" начин. Формите са меки, гъвкави, готови да откликнат на всеки емоционален импулс и са безупречно ясни, точни и категорични – образът е даден както в своята пълнота, така и в изменчивостта на вътрешния живот.
В портретите на Рембранд характерът на човек губи своя статичен характер - едно състояние, пресъздадено върху платното, е съставено от различни преживявания и емоционални усещания. В „Портрет на Николас Брейнинг“ (1652) потокът от мисли и последователните мисловни движения са чувствително предадени. Трудно е да се определи с думи какво изразява погледът му, слаба, леко уморена усмивка, която едва докосна устните му - духовна тънкост, доброта, мека снизходителност, подигравка и лека тъга, таяща се в нея. Плъзгането на сенките, играта на светлинните отражения, подвижността и неопределеността на контурите, движението на най-цветната маса дават усещане за вътрешна динамика, което се подчертава и от композицията на портрета, нестабилността на позата, и завъртането на главата.
Портретите на Рембранд сякаш поглъщат не само настоящето, но и миналото на човек - те се превръщат в история на цял живот, портрет-биография. В произведения като "Портрет на стара жена" (1654), "Портрет на старец в червено" (1652 - 1654) или автопортрет на Рембранд от Виенския музей (ок. 1655), житейският път на човек е отразено, преживяването на всички тревоги, скърби и разочарования, трудни морални изпитания и победи над себе си, е преживяване, в което героите на портретите на Рембранд никога не губят своята духовна чистота, но което добавя някаква духовна сила и способност да издържат на житейската борба , и води другите към смирение, към скръбна и мъдра откъсване.
Текстурата и светлината са средствата за психологическа характеристика. Неравномерните слоеве боя, които сега се натрупват или събират на бучки, или нанесени в лек слой, създават впечатление за кристализация, образуване на образ пред очите на зрителя. Светлината, сякаш идваща отвътре, от дълбините на битието на човека, се възприема като еманация на неговия духовен живот – трагичната тъга на старостта, нежността и топлината („Портрет на Хендрикие Стофелс”, 1658-1659), поет. чистота на младостта („Портрет на Тит“, ок. 1656 г.).
По нов начин, на психологическа основа, Рембранд решава и груповия портрет на Синдикс от магазина за изработка на платове (1662). Композицията е изградена така, че да се избегне монотонността на ритъма и да се постигне естественост в подредбата на фигурите. Рембранд изключително фино променя завоите, наклоните на главата, жестовете; Сдържани във външния си израз, те предават с най-голяма яснота различни нюанси на внимание и концентрация. Всеки се характеризира от художника точно и цялостно, с всичко това с най-скъпи средства; това са изразителни индивидуални портрети и в същото време разнообразни човешки типове. Но основното в творчеството на Рембранд е усещането за взаимно разбирателство между героите, тяхното духовно единство. Това следва от психологическата концентрация на героите върху общо, вълнуващо за всички събитие, поради което композицията създава впечатление за неразривна вътрешна връзка на изобразените хора.
„Синдиксите“ на Рембранд са върхът и последната дума в изкуството на холандския портрет.
Ориз. 4. „Синдики на работилницата на сукнари”. 1662 г.
Героите в портретите на Рембранд са уникални по природа, в духовния си облик, но Рембранд се стреми да разбере всеки, да го „приеме“ и да се доближи до него, дори ако този човек е чужд на мнозина. Жерар дьо Ларес, с обезобразено от сифилис лице, нещастен и страдащ, парадира със самочувствието си и умишлена, леко преувеличена елегантност; той се опитва да запази спокойствие, но в интелигентните му и тъжни очи се чете неизказана болка („Портрет на Х. дьо Ларес“, 1665).
Дълбоко проникващи в психологията на моделите, портретите на Рембранд са свързани от някакво вътрешно родство: те са обединени от духовността и емоционалната наситеност, присъща на всички, но преди всичко - това топло участие на художника, неговата доброжелателност, сякаш продиктувана чрез изострено чувство за справедливост, налагайки печат върху портретните му образи особена човечност и душевност. Във всеки човек Рембранд успя да намери нещо красиво, съответстващо на неговия висок морален идеал.
Изкуството на покойния Рембранд е изпълнено с голямо духовно значение и философска дълбочина.
Тематични композиции в живописта от края на 50-те и 60-те години често се основават на морален конфликт. Човешкият живот се разбира от Рембранд като труден път, предопределен от съдбата, пълен с изпитания, в който човек трябва да следва определени вътрешни, морални закони - законите на справедливостта, доброто, състраданието.
Сюжетът на композицията „Асур, Аман и Естер“ (1660) се интерпретира от Ребранд като сблъсък на човешки съдби. Еврейката Естер, съпругата на персийския цар Асур, разказала на царя за коварните планове на неговия приятел, везира Аман, който планирал да унищожи еврейския народ. Изобразени в неутрално тъмно пространство, героите на картината са външно разединени, отчуждени един от друг - всеки е затворен в себе си, погълнат от собствените си мисли и душевни терзания, но животът им е свързан с невидими нишки, по-нататъшната им съдба е решена до тази среща. Идеята и настроението на картината са преди всичко в езика на цветните и светли отношения: нюанси на червено, светещи в кафявия мрак, проникващи в него проблясъци на златисти тонове, сиянието на брокатената мантия на Естер и профилът на лицето й, изпълнен със светлина.
Героите на Рембранд никога не са едностранчиви персонажи и в това – и не само в обратите на съдбата – се крие и източникът на тяхното морално страдание.
Картината "Отрицанието на апостол Петър" (1660 г.) разкрива драмата на човек, който е предал убежденията си. В лицето на апостол Петър, неочаквано озарен в мрака на нощта от пламъка на свещ, държан от слуга, има сложна гама от противоречиви чувства, които го измъчват: страх и плаха молитва, покаяние и срам, съзнанието на неговата слабост и неумолима вина. Те са въплътени като че ли от нестабилната, нестабилна пластичност на лицето с неговите форми, ту разтварящи се в светлината, ту придобиващи сигурност.
В същото време в позата на Св. Петър, във величествения завой на фигурата, в нейния мащаб, в сиянието на бяло наметало, блещукащо със златни рефлекси - най-голямото и светло петно в картината - може да се отгатне ехото на други, благородни качества на неговата природа, който се оказа слаб в момент на изпитание, но от самата си способност да бъде толкова силни преживявания, до трагичен духовен конфликт, извисяващ се над техните врагове.
Един от върховете на изкуството на късния Рембранд е картината "Давид и Саул" (началото на 1660-те), библейска легенда разказва, че цар Саул, който се съмнявал в силата на трона си, бил измъчван от пристъпи на яростен гняв, които тласнали ума му към тъмното. Само пеенето и свиренето на арфа на момчето Давид можеше да облекчи страданието му; но в Давид Саул подозира своя наследник и под прикритието на малка овчарка съдбата му се явява на царя.
Рембранд изобразява момента, в който Саул, слушайки пиесата на Давид, преживява огромен шок: гневът му е утихнал, ръката, държаща пръчката, е отслабнала, той изтрива сълзите си със завеса. В този момент на духовен срив, вътрешно просветление се разкриват най-съкровените, тайни чувства на Саул, в които той, може би, не признава пред себе си: страх, отчаяние и самота.
Художникът смело, свободно нанася щрихи боя върху платното, използвайки различни четки, нож, дори търка боята с пръст - изглежда, че присъстваме в самия акт на създаване, когато се предава вдъхновението на емоционален импулс от художника до героите на картината, тази преливаща, като скъпоценни камъни, цветна "лава" се превръща във видимото въплъщение на елемента на чувствата, който притежава героите на картината.
В сюжетите на Евангелието и Библията Рембранд търси не само вечен смисъл и обобщаващи образи, но и онази драма, която кара човек да се разкрие в цялото противоречиво богатство на своята природа, онази степен на духовно напрежение, когато силата на опита разкрива най-добрите му качества в човек, когато неговите много високи емоционални импулси. Духовният, етичен идеал на Рембранд намира основата за своята реализация именно в нравствения драматичен сблъсък.
Етическата проблематика на изкуството на Рембранд получава своя окончателен израз в монументалната композиция „Блудният син“, написана малко преди смъртта му (1668-1669).
Сюжетът беше евангелската притча за млад мъж, който напуснал родителския си дом, който пропилял младостта и богатството си и след това се върнал в приюта на баща си в покаяние. Цялото пространство на картината е потопено в здрач, поглъщайки малкото детайли от фона и свидетели на събитието, за да се фокусира вниманието върху фигурите на бащата и сина. Те образуват затворена група: фигурата на млад мъж, дрипав и жалък, сгушен до баща си от срам и разкаяние, сякаш обгърнат в силуета на старец. Баща и син сякаш са се слели в едно същество и стоят неподвижни, на милостта на своите преживявания. Съчувственото, тъжно мълчание на присъстващите кара вътрешните гласове на героите, техния мълчалив диалог да се чуят по-ясно. Ръцете на баща - старец с мило и мъдро лице - са пуснати върху раменете на сина му - той го гали, насърчава, държи и прощава. Но в този час на среща и помирение те не изпитват радост и щастие - нито синът, нито бащата могат да се отрекат от всичко, което са преживели, а миналото им е сега с тях - лутане, бедност и унижение на единия, скръб и дълго тъжно очакване на друг.
В наситен златисто-кафяв тон, който доминира в композицията, червеното наметало, драпирано върху раменете на бащата, е подчертано като основен емоционален, драматичен акцент. Придава особена величественост на фигурата на стареца, а безбройните нюанси, игра, трептене, проблясъци и избледняване на червения цвят се възприемат като ехо от неговите преживявания.
Завладяващата човечност и невероятната сила, с която звучи в тази картина призивът за състрадание, щедрост и любов, с която е изразена вярата на художника в тяхната велика преобразяваща и издигаща сила, правят „Блудният син“ върхът на „трагичния хуманизъм“ на Рембранд. .
Фиг.5. "Завръщането на блудния син." 1668 - 1669
Краят на 50-те и 60-те години - времето на най-големите му творчески постижения - също са години на трудни лични изпитания: Рембранд фалира, смъртта отнема най-близките хора; той губи привърженици, учениците му го изневеряват. Художникът научава горчивината на старостта и самотата. Но в своите автопортрети, написани през тези години, Рембранд се появява като личност, която до последните дни е запазила достойнство и гордост, независимост и морална сила, които му дават щастието на творчеството, съзнанието за правилността на избрания път и величието на духа, което се изисква, за да върви по него до края (автопортрети в колекцията на Фрик в Ню Йорк, 1658; във Виенския музей, 1652; в Националните галерии на Вашингтон и Лондон, 1659, 1669).
5. Графика
Рембранд поставя в изкуството си проблема за етичната стойност на личността, моралния смисъл на човешкия живот. В руслото на този проблем художествените му търсения се осъществяват през 50-те - 60-те години - както в живописта, така и в графиката.
Графиката - рисунка, гравиране - беше напълно независима област от творческата дейност на Рембранд. Особено много работи в офорт - като гравьор Рембранд е несравним в световното изкуство. Той обогати техниката на офорт с нови техники, които й придават изключителна гъвкавост и безкрайно разширяват арсенала от нейните изразни възможности. Рембранд допълва офорт с така наречената „суха точка“ – тоест щрихи, начертани директно върху повърхността на печатната дъска; по ръбовете на жлебовете останаха частици надраскан метал, така наречените бодли, които задържаха боята. Нововъведение беше и фактът, че той постига различни изобразителни ефекти по време на самия процес на печата - в зависимост от това как е нанасял боята (дали само я е втривал във вдлъбнатините или я е оставил и върху гладки части на дъската и т.н.). В резултат на това Рембранд постига в ецването както особена острота на рисунката, така и постепенност на градациите на осветлението, и мекота, замъглени линии и изобилие от тонални контрасти. Понякога Рембранд правеше промени в вече завършена печатна дъска - всяко от състоянията му по същество беше независима работа.
Темата на офортите на Рембранд е много разнообразна - ежедневни сцени (жанр, към който майсторът не прилага в живописта), портрети, пейзажи, религиозни сюжети. Всяка тема получава свое собствено графично решение. В пейзажи с най-голям лаконизъм, използвайки само изразителността на щриха и незапълнените части на хартията, Рембранд създава впечатлението за безкрайните простори на равнината, светлината, която изпълва пространството, вибрациите на въздушната атмосфера („Поглед на Омвал", 1645 г.; "Мостът на шестте", 1645 г.; "Имението на везната за злато", 1651 г.) В офорта "Три дървета" (1643 г.) пейзажът е изграден върху контраста на масите от светлина и сянка. Борбата на слънчевите лъчи срещу облак, който е излял потоци вода върху земята, придава на пейзажа героична сила.
Също толкова монументален и широк в своето образно звучене е друг известен лист - многофигурната композиция "Христос изцелява болните" (края на 40-те години). Всеки по свой начин очаква чудото на изцелението – с вяра, нетърпение, смирение, със скрит страх или всепоглъщащо желание, което отменя всички съмнения. Тази тема за надежда и страстно очакване е подчертана от недоверието и подигравките на богатите и някаква вътрешна плахост на самия Христос, сякаш, точно както бедните хора, както цялото страдащо човечество, събрано около него, той чака и се надява на чудо, което той трябва да създаде любов и състрадание към тях.
Неговият демократизъм, неговата симпатия към света на хората в неравностойно положение са изразени с особена спонтанност в графиките на Рембранд.
Най-добрите, най-съвършените гравюри са създадени от Рембранд през 50-те години (след 1660 г. той вече не се занимава с гравиране). По това време Рембранд се обръща главно към темите на Стария и Новия завет. В тях той въплъщава своите разсъждения върху мистерията на човешкия живот и неговото предназначение, върху етичните проблеми на битието и неговите трагични конфликти. По силата на емоционалната експресия офортите от 50-те години не отстъпват на неговата живопис, а понякога дори я превъзхождат.
В „Слепият Тобиас“ (1651) леки щрихи проникват в пространството, разтваряйки границите на предметите и фигурите – всичко сякаш е изпълнено с трепереща плъзгаща се светлина, предаваща най-фините нюанси на чувствата на бащата, напрегнато и развълнувано очаквайки пристигането на неговия сине, всички нюанси на плаха, но неизкоренима надежда, която поддържа живота на един самотен и безпомощен старец, ограден от света със слепотата си.
Ориз. 6. „Слепият Тобиас”. 1651 г.
В „Проповедта на Христос“ (около 1656 г.), изплитане на щрихи, градации на светло и тъмно, е показана сложна полифония от различни настроения и емоционални реакции – съчувствие, презрение, безразличие, неразбиране, тъпа арогантност, снизхождение, човешко участие.
В гравюрата Рембранд остава същият неподражаем майстор на светотен, а както щрихите, така и градациите на светлината, животът на светлината в офортите от 50-те години става необичайно разнообразен по своите функции, по израза. В така наречения "Фауст" (ок. 1653 г.) две наситени, ярки светлинни петна - главата на алхимика и дискът на фона на прозореца - се превръщат в въплъщение на духовни способности, творчески усилия, които възнаграждават човек с разкриването на истината. В „Слизане от кръста“ (1654) сгъстяването на сенките, проблясъците и избледняването на светлината предават душевното състояние на героите, трагизма на събитието и неговия възвишен смисъл. В „Погребението“ (около 1659 г.) тъжното и треперещо сияние на светлината концентрира в себе си преживяванията на всички участници в сцената, драматичната тишина на хората, обвързани от общност на страданието. В „Довеждане до храма“ (ок. 1658 г.) призрачното трептене на светлината в тъмнината създава впечатлението за вълнуващо въведение в мистерията и напрегнато, трагично предчувствие за бъдещето.
Офортите отразяват и една от централните теми на творчеството на Рембранд от 50-те-60-те години - самотата на човек и призивът за духовна близост на хората. В гравюрата Три кръста (първите три състояния - 1653 г., четвъртото - 1660 г.) хаосът от петна от светлина и сянка създава представа за масата от хора, които се втурват в подножието на разпятието - в страх и отчаяние. Мистериозната светлина, изливаща се от небето, подчертава както тъмнината, в която смъртта на Христос потопи земята, така и прозрението на хората, които в трагедията на случилото се са намерили пътя един към друг. В тъжното единство на хората, които преживяната драма изведе от затворения им свят, в това братство на страданията намира своето разбиране може би смъртта на Христос, издигната над света и тълпата в мрака на нощта и вечната самота и оправдание.
1. „ВЪВЕДЕНИЕ в културологията” под редакцията на Е.В. Попова, Москва, 1995г
2. Гриненко Г.В. Четец за историята на световната култура. Москва, 1998г
3. Дмитриева Н.А. Кратка история на изкуството. Проблем 2.Москва, 1990г
4. История на изкуството на чуждите страни от XVII - XVIII в.: Учебник. Москва, 1988 г
5. Историята на изкуството в Западна Европа от Ренесанса до ХХ век. Москва, 1988 г
6. История на естетиката. Паметници на световната естетическа мисъл. Том 2.Москва, 1964г
7. Лазарев В.Н. Стари европейски майстори. Москва, 1974 г
8. Ротенберг Е.И. Западноевропейска живопис от 17 век. Москва, 1989г
9. Съветски енциклопедичен речник. Москва, 1982г
|
Да се изтегляне на работатрябва да се присъедините към нашата група безплатно Във връзка с... Просто кликнете върху бутона по-долу. Между другото, в нашата група помагаме с писането на учебни документи безплатно. Няколко секунди след като абонаментът бъде потвърден, ще се появи връзка за продължаване на изтеглянето на произведението.  |
|
| Безплатна оценка | |
| Да вдигна оригиналност на тази работа. Байпас срещу плагиатство. | |
|
REF-Майстор- уникална програма за самостоятелно писане на реферати, курсови, контролни и дипломни работи. С помощта на REF-Master можете лесно и бързо да направите оригинално есе, контролна или курсова работа на базата на готовата работа - Творчеството на Рембранд. |
|
Рембранд Харменсзон Ван РейнТой е един от най-известните художници в света. Роден на 15 юли 1606 г. в Лайден (Холандия, Южна Холандия). В продължение на няколко години той учи като чирак при лайденски художник, а след това изучава тънкостите на живописта при Питър Ластман в Амстердам, който от своя страна учи в Италия. Именно Ластман за първи път запозна Рембранд с изкуството на светотен, ефектите от предаването на обем, дълбочина и драматизъм на сюжета.
Рембранд е истински и ненадминат майстор на библейски и митологични теми, портрет и предаване. След като се премества в Амстердам през 1631 (1632), скоро придобива истинска слава като талантлив художник. Картината "Урокът по анатомия на доктор Лале" му донесе слава и признание сред художниците и ценителите на живописта. В онези дни той беше модерен и успешен художник, който имаше много поръчки. Бизнесът му тръгва рязко и той става доста богат човек.
Въпреки това, въпреки благосъстоянието му като художник, много неприятности сполетяха Рембранд в личния му живот. Три от децата му умират в ранна детска възраст. Четвъртият син Тит оцелява, но година след раждането му съпругата му Саския умира. В тези трудни и критични години за всеки човек, Рембранд рисува картината "Нощна стража", която му донесе истинска слава и все още е една от най-ярките картини на цялото му творчество. Нощният страж е групов портрет на членовете на гилдията на пушките. Тогава той изоставя класическия начин за подреждане на лица в групов портрет и създава картина, в която има динамика и движение. Освен това необичайният контраст, начинът на наслагване на светлина и сянка, придаваше особен вълнуващ привкус на творбата. Клиентите, трябва да призная, не разбраха плана на Рембранд, тъй като искаха да получат нещо подобно на работата на други класически художници от онова време, тези, които бяха признати за стандарт в живописта.
През годините реалистично изкуство Рембранд Ван Рейнвсичко се подобрява и развива. Задълбава в творчеството си, все по-различно от своите съвременници. Дълбочината и емоционалността достигат върха на напрежението. Художествените образи на платната му сякаш живеят свой собствен живот и изобщо не са копие от оригинала или обикновен образ на човек. Именно новостта на художествените изследвания му позволи да се превърне в един от най-видните художници на всички времена и народи. Той никога не се уморява да изненадва хората през целия си живот. Дори когато Рембранд излезе от модата и продължи да рисува обикновени портрети по поръчка, неочаквано за всички, той нарисува грандиозната картина „Завръщането на блудния син“. И все пак, въпреки техните умения и заслуги, светът и обществото бяха жестоки дори в онези дни. Рембранд ван Рейн умира на 4 октомври 1669 г. в бедност и мизерия. Гробът му е изгубен, но голямо наследство е останало в паметта му за много векове.
Искате ли да изглеждате модерно и модерно? Предлагаме качествен печат върху тениски от Принт Салон. Тениски, надписи и изображения за всеки вкус.
Алегория на музиката
Андромеда
Аристотел с бюст на Омир
Полет до Египет
Благословията на Яков
Навесът на Христос по време на бурята
Човекът в златния шлем
Давид и Джонатан
Евангелист Матей и ангелът
еврейска булка
Фредерик Реал на кон
Жертва
Каменен мост
мелница
Натюрморт с паун
Нощната стража
Обвинението на Йосиф
Ослепителен Самсон
Отричане на апостол Петър
Валтасаровият празник
Отвличане на Ганимед
Портрет на Йеремия Декер
Портрет на Мария Трип
Портрет на стар воин
Портрет на стара жена
Портрет на Ян Шести
Портрет на Ян Утенбогарт
Рембранд Харменс ван Рейн (1606-1669), холандски художник.
След като постъпва в Лайденския университет през 1620 г., Рембранд скоро го напуска и започва да учи рисуване. В годините 1625-1631. той е работил в родния си град. Основните в творчеството му от ранния период са картини на религиозни теми, както и портрети.
1632 е щастлива година за Рембранд. Той се мести в Амстердам и се жени за богата градска жителка Саския ван Ойленбург, а картината "Урок по анатомия на д-р Тулп" донесе на младия художник всеобщо признание.
За майстора започва най-проспериращото десетилетие в живота му. Той имаше много ученици (училище Рембранд). През този период той написва шедьоври като "Автопортрет със Саския" (1635) и "Даная" (1636).
Изключително веселото изкуство на Рембранд от 30-те години. съчетава опита на ренесансовите и бароковите майстори и иновативен подход към класическите сюжети.
Периодът на успех свършва рязко през 1642 г.: великолепната творба "Нощна стража" - групов портрет на членовете на Амстердамската гилдия по стрелба - е отхвърлена от клиенти, които не оценяват иновациите на художника и го подлагат на остра критика.
Рембранд практически спря да получава заповеди, почти всички негови ученици го напуснаха. Саския умира през същата година.
От 40-те години. Рембранд изоставя театралните ефекти в творчеството си и мистичният, съзерцателен принцип се засилва в неговата живопис. Често художникът се обръща към образа на втората си съпруга - Хендрике Стофелс.
Картината "Светото семейство" (1645), поредица от автопортрети и най-добрите пейзажи са белязани с дълбочина, спокойствие и емоционално богатство. Но неуспехите продължават да преследват Рембранд: през 1656 г. той е обявен за неплатежоспособен длъжник, имотът е продаден на търг и семейството се премества в скромна къща в еврейския квартал на Амстердам.
Картината „Заговорът на Юлий Цивилис“ (1661), поръчана от кметството, споделя съдбата на „Нощната стража“. През 1663 г. художникът погребва съпругата и сина си.
Въпреки влошаването на зрението си, Рембранд продължава да рисува. Своеобразен резултат от работата му е платното "Завръщането на блудния син" (1668-1669).
Rembrandt Harmenszoon van Rijn е световно известен художник и график. Биографията на Рембранд е много интересна, така че не е изненадващо, че огромен брой художествени изследвания и научни монографии са посветени на изучаването на неговия живот и творчество.
ранните години
Художникът Рембранд, чиято биография е разгледана в тази статия, е роден в семейството на мелничаря Хармен Геритс през 1606 г. Името на майка му беше Neltje Willemsdochter van Rijn.
Поради факта, че нещата с баща ми по това време вървяха добре, бъдещият художник получи доста добро образование. Той беше назначен в латинско училище, но младежът не обичаше да учи там, така че успехът му остави много да се желае. В резултат на това бащата се подчини на исканията на сина си и му позволи да отиде да учи в художествената работилница на Якоб ван Сваненбюрх.
Биографията на Рембранд е интересна с това, че първият му наставник не е оказал силно влияние върху художествения стил на художника. Най-голямо влияние върху амбициозния художник оказва вторият му учител, към когото той преминава след три години работа в Сваненбюрх. Това беше Питър Ластман, когото Рембранд реши да последва, когато се премести да живее в Амстердам.
Творчество и биография на художника
Кратката биография на Рембранд ван Рейн не позволява подробно представяне на цялата му кариера и живот, но основните моменти все още са напълно възможни.
През 1623 г. художникът се завръща у дома в град Лайден, където до 1628 г. придобива свои собствени ученици. Информацията за най-ранните му известни произведения датира от 1627 г.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn вървеше стабилно и усърдно към творческия си успех - биографията на талантливия художник показва, че в ранните етапи на работата си той работи неуморно.
По това време рисува предимно семейството и приятелите си, както и сцени от живота на родния си град. Галерията на Касел съдържа портрет на мъж с двойна златна верига около врата, датиращ от този период от живота на художника, известен в целия свят като Рембранд. Още тогава биографията и работата на този художник започнаха да привличат внимание.
Преместване в Амстердам
През 1631 г. младежът се премества да живее в столицата - град Амстердам. Отсега нататък той се появява изключително рядко в родните си земи. Биографията на Рембранд на този етап от живота и работата му е пълна с доказателства, че той бързо печели слава и творчески успех в богатите кръгове на Амстердам.
Това е много плодотворен етап от живота на един художник. Рембранд, чиято кратка биография е изложена в нашата статия, работи много усилено, изпълнявайки много поръчки и в същото време не забравяйки постоянно да се подобрява. Художникът рисува от живота и гравира интересни персонажи, на които се натъква в еврейския квартал на града.
Тогава са нарисувани такива известни картини като "Урок по анатомия" (1632), "Портрет на Копенол" (1631) и много други.
Творчески и финансов успех
През 1634 г. Рембранд се жени за Саския ван Уленборх, дъщеря на успешен адвокат. В много отношения това бележи най-успешния период в живота и творчеството на художника. Има достатъчно пари и много поръчки, които изпълнява с желание.
Биографията на Рембранд от този период показва, че той много обичаше да рисува жена си, и то не само в портрети, но и често нейният образ може да се види в други картини на художника.
Най-известните картини, изобразяващи младата съпруга на художника, са:
- "Портрет на булката на Рембранд";
- "Портрет на Саския";
- "Рембранд със съпругата си".
Рембранд: кратка биография след смъртта на първата му съпруга
Щастливият брак на младия мъж не продължи много дълго. След седем години брак Саския умира внезапно през 1642 г. И от този момент нататък целият живот на художника започва да се променя към по-лошо.
Въпреки факта, че Рембранд се жени втори път, той вече няма същото щастие като в първия си брак. Бившата му прислужница Джендрики Джагерс стана негов партньор в живота.
През този житейски период художникът изпитва сериозни материални затруднения и то не поради липса на работа и поръчки, а поради собствената си пристрастеност към колекционирането на произведения на изкуството, за което харчи по-голямата част от приходите си.
Страстта му към колекционерството води до факта, че през 1656 г. той е обявен за длъжник, който не може да изплати дълговете си, а през 1658 г. трябва да се откаже от собствената си къща, за да плати дълговете. От този момент нататък художникът живее в хотел.
Влошаване на ситуацията
Хендрики и синът на Рембранд Титус основават търговско дружество за продажба на произведения на изкуството. Нещата обаче все още не вървяха много добре и след смъртта на Гендрикий през 1661 г. положението става още по-лошо. Седем години по-късно синът, който ръководеше бизнеса на компанията, също почина.
Финансовото положение на великия художник става просто ужасно, но бедността не е убила желанието му да твори. Той продължава упорито да рисува картини, които обаче вече не се радват на същия успех сред неговите съвременници, както преди, тъй като вкусовете на публиката се променят през годините.
Рембранд Харменс ван Рейн умира през октомври 1669 г., напълно сам и в крайна бедност.
Рембранд: биография, картини
За разлика от съвременниците на великия художник, следващите поколения оценяват високо не само ранното творчество на художника, но и по-късните творби и платна на Рембранд. Днес майсторът е олицетворение на холандската живопис и един от най-видните й представители.
Основният лайтмотив на цялото му творчество може да се нарече реализъм, който прониква във всички творби на автора. Дори изобразявайки митологични сюжети, Рембранд демонстрира древногръцките богове и богини под маската на днешните жители на Холандия. Ярък пример за това може да се нарече картината "Данае", която се съхранява в Държавния Ермитаж в Санкт Петербург.
Някои митологични картини обикновено имат полукарикатурно изображение на богове и богини. Това може да се проследи в творбата „Отвличането на Ганимед“ (второ име „Ганимед в ноктите на орел“), съхранявана в музея на Дрезден. Тук пропорциите на тялото на Ганимед не отговарят на реалността, което говори не за ниското ниво на умение на художника на картината, а за неговия целенасочен карикатурен подход към изобразяването на героя върху платното, тъй като в много картини Рембранд лесно изпълнява дори сложни елементи, изобразяващи части от човешката физиология и анатомия.
Портретите на художника като цяло се отличават с безпрецедентен реализъм и правдоподобност за времето си, което говори за невероятния талант на майстора и способността да пренесе това, което е видял в живота на платното, както и за доста дълбоките му познания по човешката анатомия и физиология .
Художникът се отнася много внимателно и прецизно към различни дребни неща и дребни аксесоари за този вид работа. Това се вижда ясно на снимките:
- Калиграф (Държавен Ермитаж);
- Урок по анатомия (Mauritshuis);
- "Гилдията на тъкачите" (Музей в Амстердам).
Творчески стил
За творбите на Рембранд е характерно, че всички важни елементи на картината винаги се извеждат на преден план от художника, независимо от композиционните особености. Художникът не винаги се стреми да покаже дали изобразените хора или предмети са правилни от гледна точка на реалността. Характеризира се с умишлено преувеличение.
Основната характеристика, която е преминала през всички негови творби, е липсата на ярки цветове и блясък. Нещо повече, това се вижда от най-ранните творби на художника. И това значително ги отличава от картините на италиански майстори или, например, от творчеството на фламандския художник Рубенс.
Рембранд набляга най-много на играта на цветовете със светлина и сянка. В това умението му е признато и ненадминато и до днес. Понякога играта на светлината и сенките на цветовете върху платната на художника е толкова силна, че експертите по изкуство все още спорят кое време на деня е изобразено на картината.
Един от най-ярките примери за картини на Рембранд с такава великолепна палитра е може би най-известната му картина "Нощна стража", дебатът за която продължава и днес.
"Нощната стража"
Тази картина носи официалното име „Реч на пушката рота на капитан Франс Банинг Кок и лейтенант Вилем ван Руутенбюрг“, но по целия свят обикновено се нарича просто „Нощна стража“.
Въпреки това, поради любовта на художника към описаната по-горе игра на светлинни сенки, споровете за това кое време на деня е изобразено на картината, ден или нощ, все още продължават и няма категоричен отговор.
Това платно е символ и най-ярката творба не само на самия Рембранд, но и на цялата холандска живописна школа. Счита се за собственост на Кралство Холандия и на световното изкуство като цяло.
Милиони туристи от цял свят идват в Амстердам всяка година, за да посетят Rijksmuseum и да се полюбуват на известната картина. Всеки вижда в него нещо свое, всеки има собствено впечатление и мнение за това платно. Но фактът винаги остава непроменен, че това великолепно произведение на известния създател не оставя абсолютно никого безразличен.
Заключение
Днес художникът и гравьор Рембранд, чиято кратка биография и творчество са описани в тази статия, е гордостта не само на родната си страна. Известен е в цял свят, а картините му се възхищават от ценители на изкуството и живописта по цялата планета. Картините на художника се купуват с нетърпение за страхотни пари на търгове, където се продават картини и произведения на изкуството, а името на Рембранд се чува от всеки, който има дори най-малката представа за изкуството.
Трудно е да се надцени творческият принос на този велик художник към живописта и културата на неговата страна и целия свят. Не напразно днес холандската живописна школа се свързва предимно с името на Рембранд Харменс ван Рейн.
