Dom > Čula > Japanski slikari 18. stoljeća. Japanski slikari - od davnina do danas


Japanski slikari 18. stoljeća. Japanski slikari - od davnina do danas




Volite li japansko slikarstvo? Koliko znate o poznatim japanskim umjetnicima? Pogledajmo s vama u ovom članku najpoznatije japanske umjetnike koji su svoja djela stvarali ukiyo-e (浮世 絵) stilu. Ovaj stil slikanja razvio se od razdoblja Edo. Hijeroglifi kojima je ovaj stil napisan 絵 絵 doslovno znače "slike (slike) svijeta koji se mijenja", možete pročitati više o ovom smjeru slikanja

Hisikawa Moronobu (菱 川 師 宣, 1618.-1694.). Smatra se utemeljiteljem žanra ukiyo-e, iako je zapravo samo prvi majstor o čijem su životu sačuvani biografski podaci. Moronobu je rođen u obitelji majstora za bojanje tkanina i vezova zlatnim i srebrnim nitima i već se dulje bavi obiteljskim zanatom, pa je prepoznatljiva osobina njegovog rada lijepo uređena odjeća ljepotica, koja daje prekrasan umjetnički efekt.

Nakon preseljenja u Edo, prvo je samostalno proučavao slikarske tehnike, a potom je umjetnik Kambun nastavio studij.

Većina Moronobuovih albuma došla je do nas, u kojima prikazuje povijesne i književne radnje i knjige s uzorcima uzoraka za kimono. Majstor je također radio u žanru šunga, a među pojedinačnim djelima nekoliko ih je preživjelo s likom lijepih žena.

(鳥 居 清 長, 1752-1815). Prepoznat krajem 18. stoljeća, majstor Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) nosio je pseudonim Torii Kiyonaga, koji je uzeo kad je naslijedio školu Ukiyo-e Torii od Torii Kiyomitsu nakon njegove smrti.

Kiyonaga je rođen u obitelji prodavača knjiga Shirakoya Ishibei. Žanr bidzinga donio mu je najveću slavu, premda je započeo s yakusha-e. Predmeti za gravure u žanru bidzinga preuzeti su iz svakodnevnog života: šetnje, svečane povorke, izlasci u prirodu. Među brojnim umjetnikovim radovima ističu se serija "Natjecanja modnih ljepotica iz vesele četvrti", koja prikazuje Minami, jednu od "veselih četvrti" na jugu Eda, "12 portreta južnih ljepotica", "10 vrsta čajanki". Karakteristična značajka majstora bila je detaljna studija pozadine i uporaba tehnika koje su sa Zapada došle za prikaz svjetlosti i prostora.

Početnu slavu Kiyonaga je stekao obnovom 1782. godine serije "Modeli mode: modeli novi kao proljetno lišće", koju je Koryusai započeo 1770-ih za izdavača Nishimurai Yohachi.

(喜 多 川 歌 麿, 1753-1806). Na ovog uglednog majstora ukiyo-e značajno su utjecali Torii Kiyonaga i izdavač Tsutaya Juzaburo. Kao rezultat dugotrajne suradnje s njima objavljeni su mnogi albumi, knjige s ilustracijama i serije grafika.

Unatoč činjenici da je Utamaro uzimao zavjere iz života običnih obrtnika i nastojao prikazati prirodu ("Knjiga o insektima"), slava mu je došla kao umjetniku djela posvećenih gejšama iz četvrti Yoshiwara ("Godišnjak zelenih kuća Yoshiwara").

Utamaro je postigao visoku razinu izražavanja stanja uma na papiru. Po prvi put u japanskom drvorezu počeo je koristiti skladbe poprsja.

Utamarovo je djelo utjecalo na francuske impresioniste i pridonijelo europskom interesu za japanske grafike.

(葛 飾 北 斎, 1760.-1849.). Pravo ime Hokusaija je Tokitaro. Vjerojatno najpoznatiji majstor ukiyo-e širom svijeta. Tijekom svog rada koristio je preko trideset pseudonima. Povjesničari se često koriste pseudonimima kako bi periodizirali njegovo djelo.

Isprva je Hokusai radio kao rezbar, čiji je rad bio ograničen na umjetnikovu namjeru. Ta je činjenica težila Hokusaiu i on je sebe počeo tražiti kao neovisnog umjetnika.

1778. postao je šegrt u studiju Katsukawa Shunsh, specijalizirao se za gravure yakusha-e. Hokusai je bio i nadaren i vrlo marljiv učenik koji je uvijek pokazivao poštovanje prema učitelju, pa je stoga uživao posebnu naklonost Shunshoa. Dakle, prva samostalna djela Hokusaia bila su u žanru yakusha-e u obliku diptih i triptiha, a popularnost učenika jednaka je popularnosti učitelja. U to je vrijeme mladi majstor već toliko razvio svoj talent da se osjećao skučeno u okviru jedne škole, a nakon smrti učitelja, Hokusai je napustio studio i proučavao upute drugih škola: Kano, Sotatsu (inače - Koetsu), Rimpa, Tosa.

U tom razdoblju umjetnik ima značajne financijske poteškoće. Ali istodobno, formira se kao gospodar koji odbija poznatu sliku koju je društvo tražilo i traži svoj stil.

1795. objavljene su ilustracije za pjesnički zbornik "Kaka Edo Murasaki". Tada je Hokusai naslikao slike surimona, koje su odmah počele uživati \u200b\u200bu popularnosti, a mnogi su ih umjetnici počeli oponašati.

Od tog razdoblja Tokitaro počinje svoja djela potpisivati \u200b\u200bimenom Hokusai, iako su neka njegova djela objavljena pod pseudonimima Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.

1800. godine majstor se počeo nazivati \u200b\u200bGakejin Hokusai, što znači "Slikati ludi Hokusai".

Značajne serije ilustracija uključuju 36 pogleda na planinu Fuji, od kojih je Vjetar pobjede najistaknutiji. Vedri dan “ili„ Crveni Fuji “i„ Veliki val s Kanagawe “,„ 100 pogleda na planinu Fuji “, objavljeni u tri albuma„ Manga Hokusai “(北 斎 漫画), koji se naziva„ enciklopedijom japanskog naroda “. Umjetnik je u "Mangu" stavio sve svoje poglede na kreativnost, filozofiju. Manga je najvažniji izvor za proučavanje života Japana u to vrijeme, jer uključuje mnoge kulturne aspekte. Ukupno je tijekom života umjetnika objavljeno dvanaest brojeva, a nakon njegove smrti - još tri:

* 1815. - II., III

* 1817. - VI, VII

* 1849. - XIII. (Nakon smrti umjetnika)

Hokusaijeva umjetnost utjecala je na europske trendove poput secesije i francuskog impresionizma.

(河 鍋 暁 斎, 1831.-1889.). Koristio je pseudonime Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Doujin, studirao u školi Kano.

Za razliku od Hokusaija, Kyosai je bio prilično drzak, zbog čega je prekinuo vezu s umjetnikom Tsuboyama Tozanom. Nakon škole postao je samostalni majstor, iako ga je ponekad pohađao i po pet godina. U to je vrijeme slikao kyogu, takozvane "lude slike".

Među izvanrednim gravurama razlikuje se stotinu Kyosaijevih slika. Kao ilustrator, Kyosai stvara slike za kratke priče i romane u suradnji s drugim umjetnicima.

Krajem 19. stoljeća Europljani su često posjećivali Japan. Umjetnik je bio upoznat s nekima od njih, a nekoliko njegovih djela sada se nalazi u Britanskom muzeju.

(歌 川 広 重, 1797.-1858.). Radio je pod pseudonimom Ando Hiroshige (安藤 広 重) i poznat je po suptilnom prikazivanju prirodnih motiva i prirodnih fenomena. Prvu sliku "Planina Fuji u snijegu", koja se danas čuva u muzeju Suntory u Tokiju, naslikao je u dobi od deset godina. Radnje ranih radova temeljile su se na stvarnim događajima koji su se odvijali na ulicama. Njegovi poznati ciklusi: "100 pogleda na Edo", "36 pogleda na planinu Fuji", "53 stanice Tokaido", "69 stanica Kimokaido", "100 poznatih pogleda Eda". Na Moneta i ruskog umjetnika Bilibina snažno su utjecale 53 postaje ceste Tokaido, naslikane nakon putovanja duž Istočne primorske ceste, kao i 100 pogleda na Edo. Iz serije u žanru katyo-ga od 25 gravura, najpoznatiji je list "Vrapci nad kamelijom prekrivenom snijegom"

(歌 川 国 貞, također poznat kao Utagawa Toyokuni III (三代 歌 川 豊 国)). Jedan od najistaknutijih umjetnika ukiyo-e.

Posebnu sam pažnju posvetio kabuki glumcima i samom kazalištu - to je oko 60% svih djela. Također su poznata djela u žanru nadmetanja i portreti sumo hrvača. Poznato je da je stvorio od 20 do 25 tisuća parcela, koje su uključivale 35-40 tisuća listova. Rijetko se obraćao krajolicima i ratnicima. Utagawa Kuniyoshi (歌 川 国 芳, 1798. - 1861.). Rođen u obitelji farbara svile. Kuniyoshi je počeo učiti crtanje u dobi od deset godina dok je živio s umjetnikom Kuninaom u njihovoj obitelji. Potom je nastavio studije kod Katsukawe Shunyei, a s 13 godina ulazi u radionicu Tokuyoni. Prve godine mladog umjetnika ne idu dobro. No, nakon što je od izdavača Kagaya Kitibei dobio narudžbu za pet gravura za seriju 108 Suikoden Heroes, stvari su krenule mahom. Stvara ostatak likova u ovoj seriji, a zatim nastavlja s drugim raznim djelima, a nakon petnaest godina postaje ravan Utagawi Hiroshige i Utagawa Kunisadi.

Nakon zabrane 1842. prikazivanja kazališnih scena, glumaca, gejša i kurtizana, Kuniyoshi je napisao svoju seriju "mačaka", napravio gravure iz obrazovne serije za domaćice i djecu, prikazao nacionalne heroje u seriji "Tradicija, moral i pristojnost", a do kraja 1840. - x - ranih 1850-ih, nakon ublažavanja zabrana, umjetnik se vratio temi kabuki.

(渓 斎 英 泉, 1790.-1848.). Poznat po svojim radovima u žanru licitiranja. Njegova najbolja djela uključuju portrete poput okubi-e ("velike glave"), koji se smatraju primjerima umjetnosti iz doba Bunseija (1818.-1830.), Kada je žanr ukiyo-e propadao. Umjetnik je naslikao mnogo lirskog i erotskog surimona, kao i ciklus krajolika "Šezdeset devet stanica Kisokaido", koji nije mogao dovršiti, a dovršio ga je Hiroshige.

Novost u prikazu Bijinge bila je senzualnost koju drugi umjetnici ranije nisu imali. Iz njegovih djela možemo razumjeti modu toga doba. Također je objavio biografije o Četrdeset sedam Ronina i napisao je nekoliko drugih knjiga, uključujući Povijest otisaka Ukiyo-e (Ukiyo-e Ruiko), koja sadrži biografije umjetnika. A u Bilješkama bezimenog starca opisao se kao razvratni pijanac i bivši vlasnik bordela u Nedzuu koji je izgorio 1830-ih.

Suzuki Harunobu (鈴木 春 信, 1724-1770). Pravo umjetnikovo ime je Hodzumi Jirobei. Otkrivač je ukiyo-e polikromnog tiska. Studirao je u školi Kano i studirao slikarstvo. Tada su pod utjecajem Shigenage Nishimure i Torii Kiyomitsu drvorezi postali njegov hobi. Gravire u dvije ili tri boje izrađivale su se od početka 18. stoljeća, a Harunobu je počeo slikati u deset boja, koristeći tri ploče i kombinirajući tri boje - žutu, plavu i crvenu.

Istakao se slikom uličnih scena i slikama u žanru šunga. A od 1760-ih bio je jedan od prvih koji je počeo portretirati glumce kazališta kabuki. Njegov je rad utjecao na E. Maneta i E. Degasa.

(小 原 古邨, 1877. - 1945.). Njegovo pravo ime je Matao Ohara. Prikazivao je scene iz rusko-japanskog i kinesko-japanskog rata. Međutim, nakon pojave fotografije, njegov se rad slabo prodavao te je počeo zarađivati \u200b\u200bza život predavanjem na Školi likovnih umjetnosti u Tokiju. 1926. Ernest Felloza, kustos japanskog umjetničkog odjela u bostonskom muzeju, nagovorio je Oharu da se vrati slikarstvu, a umjetnik je počeo prikazivati \u200b\u200bptice i cvijeće, a njegovo se djelo dobro prodalo u inozemstvu.

(伊藤 若 冲, 1716. - 1800.). Među ostalim umjetnicima istakao se svojom ekscentričnošću i životnim stilom, koji se sastoji u prijateljstvu s mnogim kulturnim i vjerskim ličnostima toga doba. Životinje, cvijeće i ptice prikazivao je na vrlo egzotičan način. Bio je vrlo poznat i primao je narudžbe za oslikavanje paravana i hramovnih slika.

(鳥 居 清 信, 1664.-1729.). Jedan od najvažnijih predstavnika ranog razdoblja ukiyo-e. Unatoč velikom utjecaju svog učitelja Hisikawe Monorobua, postao je osnivač žanra yakusha-e na sliku plakata i plakata te je izumio vlastiti stil. Glumci su u posebnim pozama prikazani kao hrabri junaci i u njima su slikani
plemenite narančaste boje, a negativci su bili obojeni u plavo. Kako bi prikazao strast, umjetnik je izumio posebnu vrstu crtanja mimizugakija - to su zavojite linije s izmjeničnim tankim i debelim potezima i kombinacija s grotesknom slikom mišića udova.

Torii Kiyonobu osnivač je slikarske dinastije Torii. Njegovi su učenici bili Torii Kiyomasu, Torii Kiyosige I, Torii Kiyomitsu.

Tko je vaš omiljeni umjetnik ukiyo-e?

Japanski se jezik razlikuje od bilo kojeg europskog jezika po svojoj strukturi, što može prouzročiti određene poteškoće u učenju. Međutim, ne brinite! Posebno za vas razvili ste tečaj "" za koji se odmah možete prijaviti!

Hrvač Sumo Kagamiiva sa zapadne periferije

Slikar

Opis
Izraz ukiyo-e, u doslovnom prijevodu "slike svijeta koji se mijenja", označava smjer japanske vizualne umjetnosti koji se razvio tijekom razdoblja Eda (1600.-1868.). Kao što slijedi iz izraza "svijet koji se mijenja", čije podrijetlo leži u budističkom svjetonazoru prolaznosti života, otisci ukiyo-e odražavali su brzu dinamiku suvremenog urbanog života. Unatoč dostupnosti i usklađenosti s "jednostavnim" ukusima, ove gravure odlikovale su se nevjerojatnom profinjenošću umjetničkih i tehničkih detalja slike, čiji su predmet bili i portreti kurtizana i glumaca, i ilustracije za klasičnu književnost. Ova sumo-e (portreti sumo hrvača) gravura Utagawe Toyokunija II dio je serije Tamari-iri (Veliki hrvači sumoa koji čekaju natjecanje). Vertikalna gravura je u velikom oban formatu koji je bio standard za komercijalne grafike u 19. stoljeću. Izbliza hrvač naglašenih mišića i tjelesnih linija zauzima većinu gravure. Hrvanje Sumo postalo je profesionalni sport tijekom ranog razdoblja Edoa i bilo je popularna zabava među stanovnicima gradova zajedno s kazalištem kabuki. Razvoj žanra sumo-e podudarao se s porastom popularnosti sporta, koji je dosegao vrhunac oko 1780-1800.

Šarmantno sumo natjecanje

Slikar
Utamaro II (umro oko 1831.)
Opis
Izraz ukiyo-e, u doslovnom prijevodu "slike svijeta koji se mijenja", označava smjer japanske umjetnosti koji se razvio tijekom razdoblja Edo (1600.-1868.). Kao što slijedi iz izraza "svijet koji se mijenja", čije podrijetlo leži u budističkom svjetonazoru prolaznosti života, otisci ukiyo-e odražavali su brzu dinamiku suvremenog urbanog života. Unatoč dostupnosti i usklađenosti s "jednostavnim" ukusima, ove gravure odlikovale su se nevjerojatnom profinjenošću umjetničkih i tehničkih detalja slike, čiji su predmet bili i portreti kurtizana i glumaca, i ilustracije za klasičnu literaturu. Hrvanje Sumo postalo je profesionalni sport tijekom ranog razdoblja Edoa i bilo je popularna zabava među stanovnicima gradova zajedno s kazalištem kabuki. Razvoj žanra sumo-e (portreti hrvača sumo) podudarao se s porastom popularnosti sporta, koji je dostigao vrhunac oko 1780-1800. Dok su sumo-e gravure obično prikazivale poznate hrvače usred dvoboja, kako hodaju u krugu ili stoje na ulici, ova gravura prikazuje "šarmantno" zabavno natjecanje između dvoje djece.

Glumac kao Sato Norikiyo koji postaje Saigyo: Glumac kao Yoshinaka

Slikar
Utagawa, Kuniyoshi, 1798.-1861
Opis
Japanska umjetnost Ukiyo-e ("Slike plutajućeg [ili tužnog] svijeta") nastala je u gradu Edo (danas Tokio) tijekom razdoblja Tokugawa ili Edo (1600. - 1868.), u usporedno mirno vrijeme, kada su Japanom vladali tokugavski šoguni, koji su Edo je glavni grad. Tradicija drvenih blokova Ukiyo-e trajala je do 20. stoljeća. Ovaj diptih, datiran 1849. - 1852., Prikazuje Saigia okruženog muškarcima koji ga pokušavaju spriječiti da napusti dom i postane svećenik. Pjesnik Saigio (1118. - 90.) rođen je u aristokratskoj vojnoj obitelji, ali nije slijedio vojni put, već je u dobi od oko 22 godine uzeo dostojanstvo budističkog svećenika.

Glumac Nakamura Utaemon kao Kato Masakiyo
Opis
Japanska umjetnost Ukiyo-e ("Slike plutajućeg [ili tužnog] svijeta") nastala je u gradu Edo (danas Tokio) tijekom razdoblja Tokugawa ili Edo (1600. - 1868.), u usporedno mirno vrijeme, kada su Japanom vladali tokugavski šoguni, Edo je glavni grad. Tradicija drvenih blokova Ukiyo-e trajala je do 20. stoljeća. Ovaj otisak datiran 1818. - 1830. prikazuje glumca Nakamuru Utaemona u ratničkoj nošnji kao Kato Kiyomasa (Masakiyo), generala koji je vodio japansku vojsku u 16. stoljeću tijekom Sedmogodišnjeg rata (1592. - 1988.) protiv Koreje.

Slikar
Shunkosai, Hokushu (Razdoblje stvaralaštva 1810.-1850.)

Ratnica Asahina Kobayashi

Slikar
Utagawa, Toyokuni, 1786.-1865
Opis
Japanska umjetnost Ukiyo-e ("Slike plutajućeg [ili tužnog] svijeta") nastala je u gradu Edo (danas Tokio) tijekom razdoblja Tokugawa ili Edo (1600. - 1868.), u usporedno mirno vrijeme, kada su Japanom vladali tokugavski šoguni, koji su Edo je glavni grad. Tradicija drvoreza Ukiyo-e trajala je do 20. stoljeća. Ova reprodukcija (1862.) je dopojasni portret glumca u ogrtaču izvezenom pticama. Glumac igra ulogu Asahine. Reprodukcija pripada ciklusu "36 zvijezda našeg doba" ((Tōsei Mitate Sanjū Rokkasen). Asahina Kobayashi bio je ratnik razdoblja Kamakura (kraj XII. - početak XIV. Stoljeća), poznat po svojoj snazi \u200b\u200bi hrabrosti. Ali u ovoj produkciji kazališta Kabuki Asahina glumi šale.

Dan djevojaka

Slikar
Nishikawa, Sukenobu (1671-1751)
Opis
Japanska umjetnost Ukiyo-e ("Slike plutajućeg [ili tužnog] svijeta") nastala je u gradu Edo (danas Tokio) tijekom razdoblja Tokugawa ili Edo (1600. - 1868.), u usporedno mirno vrijeme, kada su Japanom vladali tokugavski šoguni, koji su Edo je glavni grad. Tradicija drvenih blokova Ukiyo-e trajala je do 20. stoljeća. Ova gravura je stranica iz ilustrirane knjige datirane 1716-1736. Prikazuje tri bogato odjevene žene ili djevojke za jelom, koje najvjerojatnije slave Hinu Matsuri (Dan djevojčica), za koju se održava lutkarska ceremonija, s lutkama koje su sjedile oko stola u pozadini.

Božur i kanarinac

Slikar

Opis
Japanska umjetnost Ukiyo-e ("Slike plutajućeg [ili tužnog] svijeta") nastala je u gradu Edo (danas Tokio) tijekom razdoblja Tokugawa ili Edo (1600.-1868.), U relativno mirnom vremenu, kada su Japanom vladali tokugavski šoguni, koji su Edo je glavni grad. Tradicija drvoreza Ukiyo-e trajala je do 20. stoljeća. Ovaj je otisak izrađen 1833. ili 1834. godine iz serije "Malo cvijeće" Katsushike Hokusaki (1760.-1849.). Odlikuje se neobičnom bojom i veličinom pozadine. Ostali primjeri ovog tiska u Britanskom muzeju i Nacionalnom muzeju u Tokiju imaju svijetloplavu pozadinu. Ovaj je otisak sličan onom iz kolekcije James A. Michner koji se održava na Umjetničkoj akademiji u Honoluluu i, poput otiska iz ove zbirke, nosi cenzorske i umjetničke marke.

Šibaura

Slikar
Katsushika, Hokusai (1760.-1849.)
Opis
Izraz ukiyo-e, u doslovnom prijevodu "slike svijeta koji se mijenja", označava smjer japanske vizualne umjetnosti koji se razvio tijekom razdoblja Eda (1600.-1868.). Kao što slijedi iz izraza "svijet koji se mijenja", čije podrijetlo leži u budističkom svjetonazoru prolaznosti života, otisci ukiyo-e odražavali su brzu dinamiku suvremenog urbanog života. Unatoč dostupnosti i usklađenosti s "jednostavnim" ukusima, ove gravure odlikovale su se nevjerojatnom sofisticiranošću umjetničkih i tehničkih detalja slike, čiji su predmet bili i portreti kurtizana i glumaca, i ilustracije za klasičnu literaturu. Katsushika Hokusai (1760. - 1849.) bio je plodan slikar i grafičar koji je, zajedno sa svojim suparnikom Utagawom Hiroshigeom, uzdigao krajolik ukiyo-e do vrhunca umjetničke izvrsnosti. Hokusaijevi krajolici bili su više imaginarni nego naturalistički, stvarajući dinamičnu sliku koja je otkrivala njegovu unutarnju osobnost i duboko poznavanje teme. Ova gravura, u rijetkom formatu tiskane omotnice, dio je serije Tōto Hyakkei (100 pogleda u istočnoj prijestolnici). Na gravuri su prikazani hodočasnici koji se odmaraju uz cestu i mutni obrisi planine Fuji u daljini.

Sunshu ejiri "Zaljev Ejiri u provinciji Sunshu"

Slikar
Katsushika, Hokusai (1760.-1849.)
Opis
Izraz ukiyo-e, u doslovnom prijevodu "slike svijeta koji se mijenja", označava smjer japanske umjetnosti koja se razvila tijekom razdoblja Edo (1600.-1868.). Kao što slijedi iz izraza "svijet koji se mijenja", čije podrijetlo leži u budističkom svjetonazoru prolaznosti života, otisci ukiyo-e odražavali su brzu dinamiku suvremenog urbanog života. Unatoč dostupnosti i usklađenosti s "jednostavnim" ukusima, ove gravure odlikovale su se nevjerojatnom sofisticiranošću umjetničkih i tehničkih detalja slike, čiji su predmet bili i portreti kurtizana i glumaca, i ilustracije za klasičnu literaturu. Katsushika Hokusai bio je slikar i grafičar koji je, zajedno sa svojim suparnikom Utagawom Hiroshigeom, sliku krajolika ukiyo-e podigao do vrhunca umjetničke vještine. Njegovi su krajolici bili više imaginarni, a ne naturalistički, prenoseći umjetnikov dinamični individualni stil i visoku profesionalnost u promatranju izloženih vrsta. Ovaj otisak, koji je dio serije Fugaku Sanjūrokkei (Trideset i šest pogleda na planinu Fuji), suprotstavlja veličanstvenu planinu snažnom udaru vjetra koji otpuhuje kaiishi (papir koji se može koristiti kao rupčić ili na njemu nažvrljati) i kape putnici koji se bore s vjetrom.

Planina Misaka iznad vodene površine u Koshuu

Slikar
Katsushika, Hokusai (1760.-1849.)
Opis
Izraz ukiyo-e, u doslovnom prijevodu "slike svijeta koji se mijenja", označava smjer japanske umjetnosti koja se razvila tijekom razdoblja Edo (1600.-1868.). Kao što slijedi iz fraze "svijet koji se mijenja", čije podrijetlo leži u budističkom svjetonazoru prolaznosti života, otisci ukiyo-e odražavali su brzu dinamiku suvremenog urbanog života. Unatoč dostupnosti i usklađenosti s "jednostavnim" ukusima, ove gravure odlikovale su se nevjerojatnom profinjenošću umjetničkih i tehničkih detalja slike, čiji su predmet bili i portreti kurtizana i glumaca, i ilustracije za klasičnu literaturu. Katsushika Hokusai bio je slikar i grafičar koji je, zajedno sa svojim suparnikom Utagawom Hiroshigeom, sliku krajolika ukiyo-e podigao do vrhunca umjetničke vještine. Njegovi su krajolici bili više imaginarni, a ne naturalistički, prenoseći umjetnikov dinamični individualni stil i visoku profesionalnost u promatranju izloženih vrsta. Ovaj je otisak dio serije Fugaku Sanjūrokkei (Trideset i šest pogleda na planinu Fuji) i duhovit je prikaz dviju godišnjih doba: iako pravi krajolik izgleda kao ljeto, planina Fuji, koja se ogleda u jezeru u prvom planu lijevo od otiska, prekrivena je snijegom. Uz to, panoramski pogled na planinski lanac ne odgovara odrazu planine Fuji, što se vidi iz pogleda s jezera.

Kinko i Echizen

Slikar
Omori, Yoshikio
Opis
Izraz ukiyo-e, u doslovnom prijevodu "slike svijeta koji se mijenja", označava smjer japanske vizualne umjetnosti koji se razvio tijekom razdoblja Eda (1600.-1868.). Kao što slijedi iz fraze "svijet koji se mijenja", čije podrijetlo leži u budističkom svjetonazoru prolaznosti života, otisci ukiyo-e odražavali su brzu dinamiku suvremenog urbanog života. Unatoč dostupnosti i usklađenosti s "jednostavnim" ukusima, ove gravure odlikovale su se nevjerojatnom profinjenošću umjetničkih i tehničkih detalja slike, čiji su predmet bili i portreti kurtizana i glumaca, i ilustracije za klasičnu literaturu. Crno-bijeli sastavi poput ovog nazivaju se sumizuri-e (jednobojni), jer se prilikom kopiranja ili ispisa koristi samo jedna tinta. Ovaj otisak, koji je stvorio Omori Yoshikio oko 1700. godine i dio revidiranog izdanja ehona (slikovnice), prikazuje scenu u Shimabari, zabavljačkoj četvrti Kjota. Jedna kurtizana Echizen piše poeziju, dok druga Kinko četka kosu muškom zaštitniku koji se gleda u ogledalo. Poze likova identične su onima prikazanima u ranijem djelu Kurtizane koje se ogledaju u zrcalima, koje je potpisao Okumura Masanobu (oko 1686.-1764.). Masanobu je stvorio svoju gravuru iz djela Torija Kiyonobua I (oko 1664. - 1729.) iz 1700. godine.

Jednobojno slikarstvo u Japanu jedan je od jedinstvenih fenomena orijentalne umjetnosti. Mnogo je radova i istraživanja posvećeno tome, ali često se doživljava kao vrlo uvjetna stvar, a ponekad čak i kao ukrasna. To nije tako. Duhovni svijet japanskog umjetnika vrlo je bogat i ne brine toliko o estetskoj komponenti koliko o duhovnoj. Umjetnost Istoka sinteza je vanjskog i unutarnjeg, eksplicitnog i implicitnog.

U ovom postu želio bih obratiti pažnju ne na povijest jednobojnog slikarstva, već na njegovu suštinu. O tome će se raspravljati.

paravan "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Ono što vidimo na jednobojnim slikama rezultat je umjetnikove interakcije s borovom trijadom: papirom, četkom, tintom. Stoga, da bismo ispravno razumjeli djelo, moramo razumjeti samog umjetnika i njegov stav.

"Pejzaž" Sesshu, 1398.

Papir za japanskog majstora nije samo improvizirani materijal koji podređuje svom hiru, već upravo suprotno - to je "brat", pa se prema tome i odnos prema njoj razvio u skladu s tim. Papir je dio prirode koja ga okružuje, a prema kojem su se Japanci uvijek bojali i trudili se ne potčiniti se već mirno suživjeti s njim. Papir je u prošlosti bio drvo koje je neko vrijeme stajalo na određenom području, "vidjelo" je nešto oko sebe i ono sve to pohranjuje. Tako japanski umjetnik doživljava materijal. Često su majstori, prije početka rada, dugo gledali prazan list (zamišljali ga) i tek tada počeli slikati. I danas suvremeni japanski umjetnici koji se bave tehnikom Nihon-ga (tradicionalno japansko slikarstvo) pažljivo biraju papir. Kupuju ga po narudžbi u tvornicama papira. Za svakog umjetnika određene debljine, propusnosti i teksture vlage (mnogi umjetnici čak zaključe ugovor s vlasnikom tvornice da ovaj papir ne prodaju drugim umjetnicima) - stoga se svaka slika doživljava kao nešto jedinstveno i živo.

"Čitanje u bambusovom gaju" Syubun, 1446.

Govoreći o važnosti ovog materijala, vrijedi spomenuti takve poznate spomenike japanske književnosti kao što su "Bilješke uz uzglavlje" Seija Shonagon-a i "Genji Monogotari" Murasaki Shikibu-a: i u "Bilješkama" i u "Genjiju" možete pronaći priče kada dvorjani ili ljubavnici razmjenjuju poruke ... Papir na kojem su napisane ove poruke pripadao je odgovarajućoj sezoni, nijansi i način pisanja teksta odgovarao je njegovoj teksturi.

"Murasaki Shikibu u svetištu Ishiyama" autora Kyoshena

Četka - druga komponenta je nastavak ruke majstora (opet je ovo prirodni materijal). Stoga su se i četke izrađivale po narudžbi, ali najčešće sam umjetnik. Pokupio je dlake potrebne duljine, odabrao veličinu četke i najudobniju dršku. Majstor piše samo vlastitom četkom, a nikako drugom. (Iz osobnog iskustva: Bio sam na majstorskom tečaju kineskog umjetnika Jianga Shiluna, publika je zamoljena da pokaže što mogu njegovi studenti koji su bili prisutni na majstorskom tečaju, a svaki od njih, uzimajući majstorski kist, rekao je da to neće uspjeti ono što su očekivali , budući da četka nije njihova, na nju nisu navikli i ne znaju je pravilno koristiti).

Skica tinte "Fuji", Katsushika Hokusai

Maskara je treći važan element. Maskara je različitih vrsta: nakon sušenja može dati sjajni ili mat efekt, može se miješati sa srebrnim ili oker nijansama, tako da pravi odabir maskare također nije nevažan.

Yamamoto Baytsu, kraj 18. - 19. stoljeće.

Glavni su predmeti jednobojnog slikarstva pejzaži. Zašto u njima nema boje?

Dvostruki zaslon "Pines", Hasegawa Tohaku

Prvo, japanskog umjetnika ne zanima sam predmet, već njegova bit, određena komponenta koja je zajednička svim živim bićima i dovodi do sklada između čovjeka i prirode. Stoga je slika uvijek nagovještaj, upućena je našim osjetilima, a ne vidu. Potcjenjivanje je poticaj za dijalog, što znači povezanost. Linije i mrlje važne su na slici - čine umjetnički jezik. Ovo nije sloboda gospodara, koji je ostavio masni trag tamo gdje je želio, ali ga na drugom mjestu, naprotiv, nije naslikao - sve na slici ima svoje značenje i značenje i ne nosi slučajni karakter.

Drugo, boja uvijek nosi neku vrstu emocionalne obojenosti i različito je percipiraju različiti ljudi u različitim stanjima, stoga emocionalna neutralnost omogućava gledatelju da najadekvatnije stupi u dijalog, postavi ga za percepciju, promišljanje, razmišljanje.

Treće, ovo je interakcija jina i janga, bilo koja monokromna slika skladna je u odnosu na omjer tinte i netaknutog područja papira.

Zašto je većina prostora za papir neiskorištena?

"Pejzaž" Syubun, sredina 15. stoljeća.

Prvo, prazan prostor uranja gledatelja u sliku; drugo, slika nastaje kao da je na trenutak isplivala na površinu i uskoro će nestati - to je zbog svjetonazora i svjetonazora; treće, u područjima gdje nema tinte, tekstura i sjena papira dolaze do izražaja (to nije uvijek vidljivo na reprodukcijama, ali zapravo je to uvijek interakcija dvaju materijala - papira i tinte).

Sesshu, 1446

Zašto krajolik?


"Razmatranje slapova" Geiamija, 1478

Prema japanskom svjetonazoru, priroda je savršenija od čovjeka, pa on iz nje mora učiti, paziti na sve moguće načine, a ne je uništavati ili podjarmljivati. Stoga na mnogim krajolicima možete vidjeti male slike ljudi, ali one su uvijek beznačajne, male u odnosu na sam krajolik ili slike koliba koje su upisane u okolni prostor, a nisu ni uvijek vidljive - sve su to simboli svjetonazora.

"Godišnja doba: jesen i zima" Sesshu. "Pejzaž" Sesshu, 1481

U zaključku želim reći da jednobojno japansko slikarstvo nije kaotično ispljunuto tintom, nije hir umjetnikova unutarnjeg ega - to je čitav sustav slika i simbola, ono je spremište filozofske misli, i što je najvažnije, način komunikacije i usklađivanja sebe i svijeta oko nas.

Mislim da su ovdje odgovori na glavna pitanja koja se pojavljuju kod gledatelja kada se suoči s jednobojnim japanskim slikarstvom. Nadam se da će vam pomoći da to ispravno shvatite i shvatite kad se sretnete.

Umjetnost i dizajn

2904

01.02.18 09:02

Današnja umjetnička scena u Japanu vrlo je raznolika i provokativna: gledajući rad majstora iz Zemlje izlazećeg sunca, mislite da ste na drugom planetu! Dom je inovatora koji su globalno promijenili krajolik industrije. Evo popisa 10 suvremenih japanskih umjetnika i njihovih kreacija, od nevjerojatnih bića Takashija Murakamija (koji danas slavi rođendan) do šarenog svemira Kusame.

Od futurističkih svjetova do točkastih zviježđa: suvremeni japanski umjetnici

Takashi Murakami: tradicionalist i klasik

Krenimo od junaka prilike! Takashi Murakami jedan je od najznačajnijih suvremenih japanskih umjetnika, koji radi na slikama, skulpturama velikih dimenzija i modnoj odjeći. Na Murakamijev stil utječu manga i anime. Osnivač je pokreta Superflat koji promiče japansku umjetničku tradiciju i poslijeratnu kulturu zemlje. Murakami je promovirao mnoge svoje suvremenike, od kojih ćemo neke danas i upoznati. "Subkulturna" djela Takashija Murakamija predstavljena su na umjetničkim tržištima mode i umjetnosti. Njegov provokativni My Lonesome Cowboy iz 1998. godine prodan je u New Yorku u Sotheby'su za rekordnih 15,2 milijuna dolara. Murakami je surađivao sa svjetski poznatim brendovima Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.

Tycho Asima i njezin nadrealni svemir

Članica tvrtke za umjetničku produkciju Kaikai Kiki i pokreta Superflat (oboje osnovao Takashi Murakami), Chiho Asima poznata je po svojim fantastičnim gradskim krajolicima i bizarnim pop bićima. Umjetnik stvara nadrealne snove u kojima žive demoni, duhovi, mlade ljepotice prikazane u pozadini neobične prirode. Njezini su radovi obično velikih razmjera i tiskani su na papiru, koži, plastici. 2006. ovaj suvremeni japanski umjetnik sudjelovao je u Art on the Underground u Londonu. Stvorila je 17 uzastopnih lukova za platformu - čarobni krajolik postupno se pretvarao iz dana u noć, iz urbanog u ruralni. Ovo čudo procvjetalo je na podzemnoj postaji Gloucester Road.

Chiharu Shima i beskrajne niti

Drugi umjetnik, Chiharu Shiota, radi na velikim vizualnim instalacijama za određene znamenitosti. Rođena je u Osaki, ali sada živi u Njemačkoj - u Berlinu. Središnje teme njezina rada su zaborav i sjećanje, snovi i stvarnost, prošlost i sadašnjost, kao i suočavanje s tjeskobom. Najpoznatija djela Chiharu Shiote su neprobojne mreže crnih niti koje obuhvaćaju razne svakodnevne i osobne predmete poput starih stolica, vjenčanice, spaljenog klavira. U ljeto 2014. godine Shiota je darovane cipele i čizme (kojih je bilo više od 300) povezao nitima crvene pređe i objesio ih na kuke. Prva Chiharuova izložba u glavnom gradu Njemačke održana je tijekom Berlinskog tjedna umjetnosti 2016. godine i izazvala senzaciju.

Hej Arakawa: svugdje, nigdje

Hej Arakawa nadahnut je stanjima promjena, razdobljima nestabilnosti, elementima rizika, a njegove instalacije često simboliziraju teme prijateljstva i timskog rada. Kredo suvremenog japanskog umjetnika definiran je performativnim neodređenim "svugdje, ali nigdje". Njegove kreacije isplivaju na neočekivana mjesta. Arakawa je 2013. godine bila izložena na Venecijanskom bijenalu i u izložbi japanske suvremene umjetnosti u Muzeju umjetnosti Mori (Tokio). Instalacija Hawaiian Presence (2014) bila je suradnja s njujorškom umjetnicom Karissom Rodriguez i sudjelovala je na Bijenalu u Whitneyu. Iste 2014. godine, Arakawa i njegov brat Tomu, nastupajući u duetu nazvanom "Ujedinjena braća", ponudili su posjetiteljima Frieze Londona svoje "djelo" "The This Soup Taste Ambivalent" s "radioaktivnim" korijenima dakusa Fukushima.

Koki Tanaka: međusobno povezivanje i ponavljanje

2015. godine Koki Tanaka proglašen je umjetnikom godine. Tanaka istražuje zajednička iskustva kreativnosti i mašte, potiče razmjenu između sudionika projekta i zagovara nova pravila za suradnju. Njegova instalacija u japanskom paviljonu na Venecijanskom bijenalu 2013. sastojala se od videozapisa predmeta koji prostor pretvaraju u platformu za umjetničku razmjenu. Instalacije Kokija Tanake (da ih ne treba zamijeniti s punim imenjakom) ilustriraju odnos između predmeta i radnji, na primjer, videozapis sadrži snimku jednostavnih gesta izvedenih običnim predmetima (nož koji reže povrće, pivo uliveno u čašu, otvaranje kišobrana). Ne događa se ništa značajno, ali opsesivno ponavljanje i pažnja do najsitnijih detalja čini da gledatelj cijeni svakodnevicu.

Mariko Mori i pojednostavljeni oblici

Još jedna suvremena japanska umjetnica, Mariko Mori, "dočarava" multimedijske objekte, kombinirajući videozapise, fotografije, predmete. Ima minimalističku futurističku viziju i elegantne nadrealne oblike. Ponavljajuća tema u Morijevom djelu je uspoređivanje zapadne legende sa zapadnom kulturom. Mariko je 2010. godine osnovala zakladu Fau, obrazovnu kulturnu neprofitnu organizaciju za koju je proizvela niz svojih umjetničkih instalacija u čast šest naseljenih kontinenata. U novije vrijeme, trajna instalacija Zaklade, Prsten: Jedno s prirodom, postavljena je nad slikovitim vodopadom u Resendeu blizu Rio de Janeira.

Ryoji Ikeda: sinteza zvukova i video zapisa

Ryoji Ikeda novi je medijski umjetnik i skladatelj čiji se rad fokusira prvenstveno na zvuk u raznim "sirovim" stanjima, od sinusoidnih zvukova do zvukova koji koriste frekvencije na rubu ljudskog sluha. Njegove uzbudljive instalacije uključuju računalno generirane zvukove koji se vizualno pretvaraju u video projekcije ili digitalne predloške. Ikedini audiovizualni umjetnički predmeti koriste ljestvicu, svjetlost, sjenu, glasnoću, elektroničke zvukove i ritam. Umjetnikov poznati testni objekt sastoji se od pet projektora koji osvjetljavaju područje dugo 28 i široko 8 metara. Instalacija pretvara podatke (tekst, zvukove, fotografije i filmove) u crtični kod i binarne uzorke nula i jedinica.

Tatsuo Miyajima i LED brojači

Suvremeni japanski kipar i umjetnik instalacija Tatsuo Miyajima u svojoj umjetnosti koristi električne sklopove, videozapise, računala i druge uređaje. Osnovni koncepti Miyajime nadahnuti su humanističkim idejama i budističkim učenjima. LED brojači u njegovoj postavci neprekidno trepere u ponavljanju od 1 do 9, simbolizirajući put od života do smrti, ali izbjegavajući konačnost koja je predstavljena s 0 (nula se nikada ne pojavljuje u Tatsuovim djelima). Sveprisutni brojevi u mrežama, kulama i dijagramima izražavaju Miyajinin interes za ideje kontinuiteta, vječnosti, povezanosti i protoka vremena i prostora. Nedavno je Miyajimova strelica vremena prikazana na nastupnoj izložbi Nepotpune misli vidljive u New Yorku.

Nara Yoshimoto i bijesna djeca

Nara Yoshimoto stvara slike, skulpture i crteže djece i pasa - predmeta koji odražavaju dječji osjećaj dosade i frustracije i žestoku neovisnost koja je prirodna za malu djecu. Estetika Yoshimotovog djela podsjeća na tradicionalne ilustracije knjiga, mješavinu nemirne napetosti i umjetnikove ljubavi prema punk rocku. 2011. godine u Muzeju azijskog društva u New Yorku održana je prva Yoshimotova samostalna izložba Yoshitomo Nara: Nobody's Fool koja pokriva 20-godišnju karijeru suvremenog japanskog umjetnika. i prosvjeduju.

Yayoi Kusama i prostor koji se širi u neobične oblike

Upečatljiva kreativna biografija Yayoi Kusame traje sedam desetljeća. Za to je vrijeme nevjerojatna Japanka uspjela proučiti područja slikarstva, grafike, kolaža, skulpture, kina, graviranja, zaštite okoliša, instalacije, kao i književnosti, mode i dizajna odjeće. Kusama je razvila vrlo prepoznatljiv stil točke umjetnosti, koji je postao njezin zaštitni znak. Iluzorne vizije prikazane u djelima 88-godišnje Kusame (kada se čini da je svijet prekriven neobičnim oblicima koji se šire) rezultat su halucinacija koje je proživjela od djetinjstva. Prepoznatljive su sobe sa šarenim točkama i "beskrajnim" zrcalima koja odražavaju njihove nakupine, ne mogu se zamijeniti ni s čim drugim.

Pozdrav dragi čitatelji - tragači za znanjem i istinom!

Japanski umjetnici odlikuju se svojim jedinstvenim stilom, koji bruse generacije umjetnika. Danas ćemo razgovarati o najistaknutijim predstavnicima japanskog slikarstva i njihovih slika, od antičkih vremena do modernih vremena.

Pa, zaronimo u umjetnost Zemlje izlazećeg sunca.

Podrijetlo umjetnosti

Drevna umjetnost japanskog slikarstva prvenstveno je povezana s osobitostima pisanja i stoga se temelji na temeljima kaligrafije. Prvi uzorci uključuju ulomke brončanih zvona, posuđa i predmeta za kućanstvo pronađene tijekom iskapanja. Mnogi od njih bili su oslikani prirodnim bojama, a istraživanja sugeriraju da su proizvodi izrađeni prije 300. pr.

Nova runda u razvoju umjetnosti započela je dolaskom u Japan. Na emakimono - posebne svitke izrađene od papira - primijenjene su slike božanstava panteona budizma, zapleti iz života Učitelja i njegovih sljedbenika.

Prevladavanje vjerskih tema u slikarstvu može se pratiti u srednjovjekovnom Japanu, naime, od 10. do 15. stoljeća. Imena umjetnika iz tog doba, nažalost, nisu preživjela do danas.

U razdoblju od 15. do 18. stoljeća započinje novo doba, koje karakterizira pojava umjetnika s razvijenim individualnim stilom. Označili su vektor za daljnji razvoj likovne umjetnosti.

Svijetli predstavnici prošlosti

Napeti Shubun (početak 15. stoljeća)

Da bi postao istaknuti majstor, Xiubun je proučavao tehniku \u200b\u200bpisanja kineskih umjetnika Song-a i njihova djela. Poslije je postao jedan od utemeljitelja slikarstva u Japanu i tvorac sumi-ea.

Sumi-e je umjetnički stil zasnovan na slikanju tintom, što znači jednu boju.

Shubun je puno učinio kako bi novi stil zaživio u umjetničkim krugovima.Učio je umjetnost drugim talentima, uključujući buduće poznate slikare, poput Sesshu-a.

Shubunova najpopularnija slika zove se Čitanje u gaju bambusa.

"Čitanje u bambusovom gaju" napete Shubun

Hasegawa Tohaku (1539.-1610.)

Postao je osnivač škole nazvane po sebi - Hasegawa. Isprva je pokušavao slijediti kanone škole Kano, ali postupno se u njegovim djelima počeo pratiti njegov individualni "rukopis". Tohaku se vodio Sesshuovom grafikom.

Temelj radova činili su jednostavni, lakonski, ali realistični krajolici s nekompliciranim imenima:

  • "Borovi";
  • "Javor";
  • "Borovi i cvjetnice".


"Pines", Hasegawa Tohaku

Braća Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)

Braća su bila vrsni obrtnici 18. stoljeća. Najstariji, Ogata Korin, u potpunosti se posvetio slikarstvu i osnovao žanr rimp. Izbjegavao je stereotipne slike, više je volio impresionistički žanr.

Ogata Korin slikao je prirodu općenito, a posebno cvijeće u obliku svjetline apstrakcija. Njegovi kistovi pripadaju slikama:

  • "Cvjetnica šljive crveno-bijela";
  • "Valovi Matsushime";
  • "Krizanteme".


"Valovi Matsushime" Ogate Korin

Mlađi brat, Ogata Kenzan, imao je mnogo pseudonima. Iako se bavio slikarstvom, bio je poznatiji kao divan keramičar.

Ogata Kenzan bio je vješt u mnogim lončarskim tehnikama. Odlikovao se nestandardnim pristupom, na primjer, stvorio je ploče u obliku kvadrata.

Vlastito slikarstvo nije se odlikovalo sjajem - to je ujedno bila i njegova značajka. Volio je primjenjivati \u200b\u200bkaligrafiju na proizvode poput svitka ili ulomaka iz poezije. Ponekad su radili zajedno s bratom.

Katsushika Hokusai (1760.-1849.)

Radio je u stilu ukiyo-e - vrsta drvoreza, drugim riječima, gravura. Za cijelo vrijeme kreativnosti promijenio je 30-ak imena. Najpoznatije djelo - "Veliki val u Kanagawi", zahvaljujući kojem je postao poznat izvan svoje domovine.


Veliki val kod Kanagawe, Hokusai Katsushika

Hokusai je počeo posebno marljivo raditi nakon 60 godina, što je urodilo dobrim rezultatima. Van Gogh, Monet, Renoir bili su upoznati s njegovim djelom i u određenoj je mjeri utjecao na djela europskih majstora.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Jedan od najvećih umjetnika 19. stoljeća. Rođen, živio, radio u Edu, nastavio je djelo Hokusaija, nadahnut je njegovim djelima. Način na koji je prikazao prirodu gotovo je jednako nevjerojatan kao i broj samih djela.

Edo je nekadašnje ime Tokija.

Evo nekoliko podataka o njegovom radu koji su predstavljeni ciklusom slika:

  • 5,5 tisuća - broj svih gravura;
  • „100 pogleda na Edu;
  • "36 pogleda na Fuji";
  • "69 stanica Kisokaido";
  • "53 stanice Tokaida".


Slikarstvo Ando Hiroshige

Zanimljivo je da je izvanredni Van Gogh naslikao nekoliko primjeraka svojih grafika.

Modernost

Takashi Murakami

Slikar, kipar, modni dizajner, ime je stekao već krajem 20. stoljeća. U svom radu drži se modnih trendova s \u200b\u200belementima klasike, a inspiraciju crpi iz anime i manga crtića.


Slika Takashi Murakami

Radovi Takashija Murakamija klasificirani su kao supkultura, ali su nevjerojatno popularni. Na primjer, 2008. njegovo je djelo kupljeno na aukciji za više od 15 milijuna dolara. Svojedobno je suvremeni kreator radio zajedno s modnim kućama Marc Jacobs i Louis Vuitton.

Tycho Asima

Pratitelj prethodne umjetnice, ona stvara moderne nadrealne slike. Prikazuju poglede na gradove, ulice megalopolisa i bića kao iz drugog svemira - duhovi, zli duhovi, vanzemaljske djevojke. U pozadini slika često možete vidjeti netaknutu, ponekad čak i zastrašujuću prirodu.

Njezine slike dosežu velike veličine i rijetko su ograničene na papirnate medije. Prenose se na kožu, plastične materijale.

2006. godine, u sklopu izložbe u britanskoj prijestolnici, žena je stvorila 20-ak zasvedenih građevina koje su danju i noću odražavale ljepotu sela i grada. Jedan od njih krasio je metro stanicu.

Hej Arakawa

Mladića ne možemo nazvati jednostavno umjetnikom u klasičnom smislu te riječi - on stvara instalacije koje su toliko popularne u umjetnosti 21. stoljeća. Teme njegovih izložbi uistinu su japanske i dotiču se prijateljskih odnosa, kao i rada cijelog tima.

Hej Arakawa često sudjeluje na raznim bijenalima, na primjer u Veneciji, izlaže se u muzeju moderne umjetnosti u svojoj domovini i zasluženo prima razne vrste nagrada.

Ikenaga Yasunari

Suvremeni slikar Ikenaga Yasunari uspio je kombinirati dvije naizgled nespojive stvari: život današnjih djevojaka u portretnom obliku i tradicionalne japanske tehnike iz antike. U svom radu slikar koristi posebne četke, prirodne pigmentirane boje, tintu i ugljen. Umjesto uobičajene posteljine - platnene tkanine.


Slika Ikenaga Yasunarija

Ova tehnika kontrasta između prikazanog doba i izgleda heroina stvara dojam da su nam se vratile iz prošlosti.

Seriju slika o složenosti života krokodila, koja je nedavno popularna u internetskoj zajednici, stvorio je i japanski crtač Keigo.

Zaključak

Dakle, japansko je slikarstvo započelo oko 3. stoljeća prije Krista i od tada se dosta promijenilo. Prve slike primijenjene su na keramiku, tada su u umjetnosti počeli prevladavati budistički motivi, ali imena autora nisu preživjela do danas.

U doba modernog doba, majstori četke stekli su sve više i više individualnosti, stvorili su različite smjerove, škole. Današnja likovna umjetnost nije ograničena na tradicionalno slikarstvo - koriste se instalacije, karikature, umjetničke skulpture i posebne strukture.

Najljepša hvala na pažnji, dragi čitatelji! Nadamo se da vam je naš članak bio koristan, a priče o životu i radu najsjajnijih predstavnika umjetnosti omogućile su vam da ih bolje upoznate.

Naravno, teško je u jednom članku reći o svim umjetnicima od antike do danas. Stoga, neka ovo bude prvi korak ka poznavanju japanskog slikarstva.

I pridružite nam se - pretplatite se na blog - proučavajmo zajedno budizam i kulturu Istoka!