• Генератор на зарове - онлайн зарове
• Някои събития е невъзможно да се предвидят
• Историята на заровете направи нивото ви най-доброто
• Основен мащаб. основните триади на фрета. Малък мащаб Различия между мажор и минор
• Мултимедийният проект "игра" стартира в музея на животното. Изложбена игра в музея през работното време
• Графика на JAG художествена галерия
• Основни художници, скулптори, графични художници по целия свят
• Основни музикални жанрове Музикални жанрове накратко
• Как да вляза в Театралния институт на името на
• Вечна младост: страници от историята на Централния детски дом на творчеството на Двореца на пионерите

Графичното изкуство е разнообразно. Включва политически плакати и рисунки на вестници и списания, илюстрации на книги и карикатури, индустриална приложна графика и филмова реклама. Голяма част от него се състои от стативни графики - рисунки и гравюри, изпълнени самостоятелно, извън специални практически цели. Наречен е така по аналогия със стативната живопис, творбите на която художникът създава на специална машина - статив; думата "графика" идва от гръцкото grapho (grapho) - пиша, рисувам. Разбира се, стативните графики изобщо не са безцелни. Вземайки четка, молив или нож за гравьор, художникът винаги има определена цел. Той се стреми да предаде на хората своите мисли и чувства, своето разбиране за живота, да утвърди достойните в него и да накаже негативното, да покаже удивителната, скрита красота на света, който само той е виждал. Но в същото време авторът на статив или рисунка не винаги преследва агитационна или обвинителна цел с работата си, като майстор на плакат и карикатура, не изпълнява рекламни или утилитарни задачи, като художници на плакати и индустриална графика, неговите изображения, накрая, не са свързани с литературни герои и ситуации, както в произведенията на илюстраторите.

По същия начин майсторите на станкова живопис и скулптура, за разлика от монументалните живописци и декоратори, създават независими произведения, които не са свързани с нито един артистичен ансамбъл - сграда, стая, площад, парк и т.н.

Станкова графика има много общо с мотивационната живопис. Въпреки че техните водещи художествени средства са различни, и двата вида изкуства имат големи и в много отношения сходни възможности за изобразяване на природата, хората, цялото богатство на материалния свят. Различни аспекти от живота на човек, който винаги е бил в центъра на вниманието на изкуството, са предизвикали добавянето на различни негови жанрове в него - портрет, пейзаж, битова или битова композиция, натюрморт и др. Тези жанрове съществуват както в съветската живопис, така и в съветската графика. Светът на човешката душа е показан с особена дълбочина в множество произведения на станкова живопис, скулптура и графика. За тази психология, за многостранен и голям разговор с публиката за даден човек, ние особено ценим станковото изкуство.

Притежаването на много общи неща с рисуването, стативната графика, в същото време, по начина на изпълнение - главно на хартия - чрез техниките на рисуване и гравиране е близо до всички останали видове графики. Тя, както и цялото семейство графични изкуства, се отличава със сравнителната скорост на изпълнение на нещата, както и с добри възможности за тяхното възпроизвеждане. Благодарение на това, първо, графиката разполага с големи данни, за да бъде актуално изкуство, бързо реагиращо на събития от обществения живот, изкуство, живеещо в ритъма на модерността. Тези възможности, присъщи на графика, както ще видим по-късно, са използвани перфектно от нейните майстори повече от веднъж. На второ място, тъй като графичният лист се изпълнява като цяло по-бързо от живопис или скулптура (въпреки че не се изисква по-малко умствена сила, талант и умения от графичния художник), той запазва специална непосредственост на комуникацията с природата, възможността да я изживее фиксирана. Ако добавим към това, че техниката на изпълнение на графични произведения е много разнообразна, идейното и естетическо богатство на този вид изкуство става очевидно.

Много интересни неща очакват внимателния зрител на графични произведения. Не веднага, постепенно, му се разкрива оригиналността и красотата на всяка графична техника - сребристата яснота на рисунката с графитен молив и кадифената чернота на италиански молив, прецизната плавност на рисунките с писалка с мастило или мастило, нежността на пастелите и сангвиника. Постепенно се научаваме да оценяваме богатата гама от сиво-черни тонове, налични за рисуване с въглен, сос, черни акварели или мастило, прозрачната лекота на цветните акварели и по-тежкия, материален език на гваш. Ние сме очаровани от разнообразния и гъвкав език на дърворезбите, обобщени и лаконични форми на линогравюра, изразителност на светлосенка и дълбочина на цвета в офорта, безплатно рисуване с литографски молив, богат на цветови нюанси, меко моделиране.

Често художниците работят и със смесена техника, комбинирайки в своите произведения, например въглен, креда и някакъв вид молив или акварел и пастел, акварел и гваш и т.н.

Както в литографията, така и в техниките за гравиране, зрителят вижда крайния резултат от работата на художника - щампа или отпечатък, в противен случай - щампа. Много такива отпечатъци могат да бъдат получени от една дъска или камък и всички те са еднакво оригинални произведения на изкуството. Тази характеристика на отпечатъците - техният доста голям тираж, като същевременно запазват всички художествени качества - е особено ценна за нас.

Все по-широки кръгове от съветски хора сега се включват в изкуството. Те намират в гравюрата цялата пълнота на мислите и естетическите преживявания, които истинското велико изкуство доставя, и в същото време графиката не е далечно музейно произведение, което виждаме само от време на време, а нещо, с което красотата навлиза в дома ни, в ежедневието.

Съветската станкова графика е обширна област от нашето изкуство, чиято все още неписана история включва прекрасни страници с големи художествени търсения и постижения. Той има свои блестящи традиции както в руското изкуство, така и в редица други национални училища по изкуства. Почти всички най-велики художници от миналото са били и големи майстори на рисуването и акварелите. Акварели от Александър Иванов и К. Брюлов, многобройни рисунки и акварели от Репин, графики от В. Серов и Врубел са шедьоври на нашето изкуство, изпълнени с вечен чар. Литографията се появява в Русия в началото на 19 век като демократично изкуство, донасяйки образите и мислите на художниците до хората. Тя обича Кипренски, Орловски, Венецианов, по-късно Перов, Шишкин, Вл. Маковски, Левитан и други художници. През четиридесетте години на XIX век Щедровски в албума "Ето нашите" показва на зрителя търговски, занаятчийски хора, народни типове. Това беше първият опит в създаването на цветна литография в руското изкуство. Водещи художници от миналия век оценяват изкуството на гравирането заради относително по-голямата му достъпност до хората, поради факта, че то доближава техните творения до публиката на популярната публика. Класикът на украинската поезия и художник Т. Г. Шевченко, който е работил в офорта, пише през 1857 г.: „От всички изящни изкуства сега най-много харесвам гравюрата. И не без основание. Да бъдеш добър гравьор означава да бъдеш разпространител на красивото и поучително в общество. " Шишкин също е бил ентусиаст на офорта. Иля Репин многократно се обръща към различни техники за гравиране. Цялото разнообразие от жанрове - ежедневие, исторически сцени, портрет и пейзаж - се развива в литографията, офорта и рисуването от миналия век.

В графиките от началото на 20-ти век, както и във всяко изкуство, има сложно преплитане на понякога противоположни тенденции. Събитията от революцията от 1905 г. улавят списания с особена сила, но намират отзвук и в стативи - офорти от С. Иванов, в пастели от В. Серов, шокиран свидетел на царските репресии срещу работниците. В тези произведения, както и в изображенията на Касаткин на миньори, работници, студенти, в рисунките на С. Коровин, изобразяващи войници, на страниците на Сергей Иванов, посветени на бедните мигранти, има интерес към работния човек, характерен за напредналото руско изкуство, и неговото състрадание към трудното и често трагична съдба. Но в графика на тези десетилетия също има тенденция да се избягват сложностите и противоречията на социалната реалност. В някои случаи тази тенденция налага печат на един вид пасивно съзерцание върху произведенията на художниците, в други отвежда художниците в тяхната работа до дворцови зали и паркове, които са далеч и чужди на широката публика. Пейзажът е почти водещият жанр в дореволюционната графика. В него работят такива големи майстори като А. Остроумова-Лебедева, В. Фалилеев, К. Юон, И. Нивински, И. Павлов, Е. Лансере и др. Те фино виждат красотата на многостранната природа, нейните различни състояния, поезията на архитектурата в нейната връзка с пейзажа. Това възхищение от красотата на света е основното вечно съдържание на техните произведения, което ни вълнува и до днес. Но понякога в техните чаршафи се усеща оттенък на съзерцание.

В дореволюционната гравюра, илюстрации на списания и книги, повече отколкото в други видове изкуство, се усеща влиянието на обществото „Светът на изкуството“, може би защото много от членовете му са графични художници с високо професионално ниво. От тези художници това общество включваше Остроумова-Лебедева и Лансерей. Всички най-добри аспекти от тяхната работа обаче се оформят въпреки естетическите нагласи на теоретиците от Света на изкуството, които се застъпваха за далеч от живота „чисто изкуство“. Картини, акварели и рисунки на основните фигури на „Света на изкуството“ А. Беноа, К. Сомов и други, възкресили галантния и нежив свят на придворния живот от минали епохи, са били изтънчена и научена игра на историята. Така в дореволюционния график се създават произведения, които са наситени с цялата драма на социалните противоречия, появява се маса камерни лирични пейзажи и в същото време процъфтява ретроспективизмът, тоест отклонение от модерността, естетиката на света на изкуството.

През първите години след революцията външният вид на стативната графика се промени малко. Тези сурови години бяха времето на гръмогласното бойно изкуство на плаката, агитационната монументална скулптура, новото изкуство за украса на официалните празници. На фона на бързото развитие на тези видове изкуство стативната графика отначало изглежда особено традиционна. По принцип тук работят същите майстори, както в дореволюционните години и тяхната работа, до голяма степен вече определена, не претърпява веднага и бързо сложни промени, свързани с влиянията на новата реалност. Пейзажът и портретът стават водещи жанрове на стативната графика. Художниците изобразяват с любов древните кътчета на градовете, забележителните архитектурни паметници, вечната красота на природата, неподвластни на социалните бури. В техните творби има много завладяващо умение, спокойно възхищение от красотата на света. Но този затворен свят на ретроспективен пейзаж, превърнат в миналото, изглежда е ограден от невидима стена от събитията, които се случват в страната.

Произведенията от всекидневния жанр, от които са създадени малко, изобразяват един и същ тих и скромен живот, недокоснат от всякакви социални сътресения, проста домашна работа.

Графиката от тези години е доминирана от гравюри и литографии; рисуването и акварелите са рядкост. Пейзажите и портретите често се публикуват в албуми с гравюри и това са нискотиражни и скъпи издания за няколко ценители.

Камерността отличава портретните творби. Моделите на портретни художници обикновено са художници, писатели, актьори, тоест доста тесен кръг от хора, духовно близки до автора. Техният вътрешен свят се разкрива фино и внимателно, но все още не на нивото на големи обобщения, които ще бъдат достъпни за съветското изкуство по-късно.

И само в портретите, изпълнявани от Н. Андреев, в частност в неговите образи на В. И. Ленин, портретният жанр в графиката веднага придобива нови качества, обобщаваща сила, публично звучене. Тези рисунки с право са включени сред най-добрите постижения на съветското изкуство, те все още ни се възхищават и днес, те участват в живота ни. Но в годините на тяхното създаване, тези листове бяха блестящо изключение, което само потвърждаваше правилото - т.е. С рисунките на Андреев, сякаш изпреварили времето, ще започнем нашето запознаване със съветската станкова графика.

За Н. Андреев (1873 - 1932), известен скулптор, автор на московските паметници на Гогол, Островски, паметника на свободата, рисуването е било не само необходим подготвителен етап на работа, но и независимо поле на творчество. В началото на 20-те години той изпълнява голям брой графични портрети - Дзержински, Луначарски, Горки, Станиславски, художници на Художествения театър и други.

Човек с цялата цялост на характера си - това беше, което интересуваше Андреев като художник на портрети. В неговите листове вътрешният свят на модела е очертан ясно, уверено, в детайли, но без полутонове и богатство от нюанси. Запознавайки се с портретите на Андреев, ние сякаш получаваме сумата от много точни, проверени знания за хората, изобразени на тях. Точно яснотата на това знание е своеобразен патос на творчеството на Андреев и начинът, по който се правят портрети, му се подчинява.

Много по този начин идва от скулптурната визия на формата на художника. Това е подчертаната пластичност на шарката, задължителното търсене на изразителна силуетна линия, но също така и твърдостта на цвета, липсата на усещане за въздушната среда. Но основното тук беше позитивното, което даде скулптурния талант на Андреев - способността да се види моделът като цяло, основното в очертанията на главата, да се види характерният външен вид, изчистен от произволни линии и завои. Тази цялост на силуета, съчетана с най-детайлната обработка на лицето, особено на очите, представлява особения маниер на художника. Тя беше добре поднесена в ръцете на Андреев сангвиник, пастели, цветни моливи, както и въглен или италиански молив, които очертаха основните томове.

По същия начин Андреев изпълнява няколко портрета на В. И. Ленин, които са част от известната му Лениниана - голям цикъл от скици, рисунки, скици и скулптури, създаването на които е основният бизнес в живота на Андреев през годините на съветската власт. Портретите на Ленин на Андреев са не само неща на талантлив художник за нас, но и скъпоценно разкритие на очевидец, човек, който многократно е наблюдавал Ленин на конгреси и конгреси и в офиса си в Кремъл. В процеса на тази работа Андреев направи много бегли скици, но има само три завършени портрета за рисуване; художникът добре осъзнаваше сложността и специфичността на задачите им при привидно възможната скорост на изпълнение.

В един от тези портрети леко присвиване на очите на Ленин, едва забележима усмивка вдъхна живот на образа, създаде образ, изпълнен с човешка топлина. В същото време в портрета живее чувство за социалната значимост на образа на лидера и затова този лист е толкова нов по съдържание за изкуството на графичния портрет от онези години (ил. 1).

Темата за Ленин - водачът на масите с още по-голяма сила и изразителност - е разработена от Андреев в профилния портрет на В. И. Ленин, често датиращ от началото на 20-те години. Импулсът и енергията на този вдъхновен образ, неговият възвишен героизъм, завладяват сърцата. В същото време разбирането за историческата роля на В. И. Ленин тук се отличава с такава зрялост, че тази работа на Андреев изглежда много по-напред от изкуството от началото на 20-те години. С цялото богатство и постижения на изкуството от тези години, ние няма да открием в него такова усещане за мащаба на делата на Ленин, обхвата на мисълта на Ленин, такова историческо разбиране за неговия образ. И неотдавнашното предположение на изследователя на „Лениниана“ Л. Трифонова изглежда справедливо, че портретът, станал известен едва през 30-те години, е създаден не в началото на 20-те години, а по-късно. Лаконичният език и вътрешната смисленост придават на този лист истинска монументалност. Не напразно този портрет сега е познат на широката публика не само от много репродукции: той е направен в мозайка, нарисуван е в H: t панел, когато украсява празници. Уголемен до огромен размер, рисунката не губи нищо в своята лаконична изразителност,

Г. С. Верейски (роден през 1886 г.) също работи в областта на портретирането от ранните години на формирането на съветската графика. Моментът за оценка на социалната значимост на човек впоследствие ще заеме важно място в неговите неща, но пътят на художника към това и особено естеството на първите му творби е различен от този на Андреев. Г. С. Верейски получава първите си умения в изкуството в частно студио в Харков, учи в университета, участва в студентски революционен кръг и революционни събития през 1905 г., във връзка с този затвор, а след това и няколко години емиграция - това са някои моменти от биографията на художника. От 1918 г. в продължение на няколко години Верейски работи в отдела за гравюри в Ермитажа. Той дойде там, вече притежаващ значителна информация от историята на световното изкуство, докато дългогодишната му работа в Ермитажа го обогати още повече в това отношение. Не книга, а живо познание за шедьоврите на световното изкуство остави своя отпечатък върху творческия образ на художника; велика култура, благородство, простота, зад която се крие взискателност, отличават многобройните му творби. Верейски започва с портрети, направени с литография, и въпреки че сега го познаваме като отличен чертожник и офорт, той е направил най-вече в областта на литографията.

Още в самото начало на работата си Верейски се отличава с лоялност към природата и наблюдение. Следователно, може би дългото пътуване на този художник в изкуството на пръв поглед изглежда равномерно и спокойно. Всъщност той е белязан от постоянни търсения, подобряване на уменията,

Първият албум на Берейски „Руски художници“ излиза през 1922 година. Тук виждаме напълно представена група художници от Обществото на света на изкуството, от основателите до второто му поколение. Верейски познава перфектно моделите си и точно улавя емоционалното настроение, характера на всеки от художниците - мрачната сериозност и неудобната самота на Беноа, безрадостната концентрация на Сомов, бодливото изражение, напрежението във вътрешния живот на Митрохин и т.н. можем да научим много за хората, изобразени тук, но в портретите на Верейски няма момент за оценка на хората, така да се каже, от разстояние, характеристиката е дадена в камерен, интимно-лиричен план, а въпросът за социалното значение на тяхната дейност все още не е повдигнат. В следващите албуми от 1927-1928 г. Верейски вече по-точно намира естествената и спокойна поза на модела, рисува по-уверено и по-свободно. Успешни са портретите на художниците Головин, Замираилр, архитект Шуко, критикът Яремич, Нотгафт. Верейски е успял добре да предаде вътрешната култура, жизненост на ума, очарованието на великото образование, присъщо на хората, изобразени от него.

През 30-те години Верейски работи много по портрети на пилоти, възхищавайки се на тяхната смелост и смелост, опитвайки се да подчертае именно тези качества в тяхната характеристика. И когато в началото на Великата отечествена война той създава портрети на смелите участници в битките при Фисанович, Мещерски, Осипов и други, те изглеждат като продължение на историята на художника за смелите съветски войници, започнала с творби от 30-те години на миналия век.

Но основното постижение на Верейски през този период и по-нататък се превръщат в портрети на културни дейци. По време на военните години художникът с особена яснота усеща, че темата на неговите портрети е творчеството, ценната и неотменима способност на човек на изкуството да работи с творческо вдъхновение дори в момент на тежки трудности. В тези листове великите технически умения на Верейски изглеждаха осветени за първи път с дълбоко емоционално вълнение, а винаги правилните и точни портрети придобиха оживена емоционалност. Директор на Ермитажа, ориенталист И. А. Орбели и поет N, Тихонов са рисувани от него по време на обсадата на Ленинград; Неговите затруднения са оставили своя отпечатък върху външния вид на тези хора, но въпреки условията, в които работят и тяхната творческа дълбочина се предава осезаемо и ясно. Същата поезия на вдъхновени търсения се среща и в портретите на художника Е. Е. Лансере, диригента Е. А. Мравински, художника Т. Н. Яблонская (ил. 2). За пореден път тук са представени културни дейци от различни професии, но как се е променил техният вътрешен свят, пламенната им отдаденост на изкуството е осветена с нов смисъл. Предишната близост на творбите на Верейски изчезва и въпросът за социалната роля на изкуството звучи с пълна сила в неговите портрети от 1940-1950. Методите на неговото психологическо писане не стават различни, а само по-точни, но от обичайната съвестна правдивост на неговите характеристики, очертанията на голямата вътрешна близост на хората, които той изобразява, близостта в главното - в разбирането на смисъла на неговата работа, изглежда самите те.

Когато произнасяме името на Г. С. Верейски, ние често веднага си припомняме произведенията на М. С. Родионов (1885 - 1956), художник, чието изкуство беше в много отношения близко до Г. С. Верейски. И основните области на работа - портрет и пейзаж (които Верейски също направи много), както и стриктната красота на маниера и внимателността в изучаването на природата бяха често срещани сред тези художници. Изпълнена от М.С. което е очертано и от трудовете на Г. С. Верейски.

Творбите на Верейски и Родионов ни отнеха далеч от първите следреволюционни години. Връщайки се към тях, трябва да допълним гамата от вече познати ни портретни творби с творбите на Б. М. Кустодиев (1878 - 1927). Основен художник, Кустодиев работи много в графиката. Интересен е портретът на Ф. И. Шаляпин, изпълнен от него през 1921 г. с акварел и молив. Ако в първата версия на този портрет отпечатъкът от ежедневието сякаш гаси вътрешната светлина в лицето на Шаляпин, тогава художникът създава сложен и в същото време убедителен образ; може да се усети талант, широта, елегантност и някаква тайна медитация (ил. 3).

Вторият широко разпространен жанр през графика от 20-те години е пейзажът. Един от най-големите му майстори е А. П. Остроумова-Лебедева (1871 - 1955). Рано пробуденият интерес към изкуството я отвежда в Школата за техническо рисуване в Щиглиц, където учи под ръководството на отличен учител и гравьор В. В. Мате, голям майстор на гравирането на репродуктивни тонове. Творческият профил на Остроумова не беше определен веднага. След като се премества в Художествената академия, тя учи там при различни учители и по-късно е приета за една от студентките на И. Е. Репин. Това беше събитие, което остави своя отпечатък върху всички по-нататъшни дейности на художника. „В дълбините, в основата на нашето изкуство, всеки крайъгълен камък е енергичният, свеж и вечно жив реализъм на Репин“, пише по-късно Остроумова. Постепенно интересът на художника към гравюрата, и по-специално към цветната гравюра на дърво, става все по-решителен. Тя изучава изящни примери за това изкуство в различни колекции по време на пътуването си до Париж. От всички техники за гравиране, дърворезбата в Русия в началото на 20-ти век е имала най-малко независима художествена стойност и е съществувала главно като начин за възпроизвеждане на картини. Цветният дърворез беше напълно забравен. Следователно, когато Остроумова-Лебедева представи редица свои гравюри на Академията за състезанието, включително цветна ксилография от фламандския художник Рубенс Персей и Андромеда, този лист първоначално беше отхвърлен от журито, като го сбърка с акварел.

През целия си дълъг творчески живот Остроумова-Лебедева се ангажира с дърворезби и акварели. Самата художничка пише за първата от тях с любов и поезия:

"Оценявам в това изкуство невероятната лаконичност и краткост на представянето му, лаконичността му и благодарение на това, особено остротата и изразителността. Оценявам при гравирането на дърво безмилостната категоричност и яснота на линиите му ... Самата техника не позволява промени и следователно няма място за съмнения и колебания в гравирането на дърво ...

И колко прекрасно е движението на инструмента върху твърда дървесина! Дъската е толкова полирана, че изглежда кадифена, а по тази лъскава златиста повърхност рязкото длето се движи бързо и цялата работа на художника е да я задържи в границите на волята си!

Има един прекрасен момент, когато след трудна и бавна работа, свързана с непрекъснато интензивно внимание - да не сбъркате - търкаляте боята с валяк, а всички редове, които сте оставили на дъската, започват да блестят с черна боя и изведнъж на дъската се появява рисунка.

Винаги съм съжалявал, че след такъв блестящ разцвет на гравюрата, който беше през 16 и 17 век, това изкуство започна да се влошава, то се превърна в услуга, занаят! И винаги съм мечтал да му дам свобода! "

Дори в дореволюционните години Остроумова създава много прекрасни творби - гледки към Санкт Петербург и околностите му, пейзажи, рисувани по време на пътувания в Италия, Испания, Франция,

Холандия. Постоянната точност и лоялност към природата вече са съчетани в тях с голям дар за обобщение. Художникът Санкт Петербург рисува особено искрено и поетично. Градът се появява в своите чаршафи величествен, пълен с хармония и красота. Стройността на композицията, линейната яснота, чистотата на цвета отличават нейните творби.

След революцията, която причинява на художника при спомените си изблик на творческа енергия и радостен ентусиазъм, Остроумова все още работи най-вече в жанра на архитектурния пейзаж. В нейните чаршафи, както и преди, градът не е оживена, кипяща оживена тълпа от улици, а преди всичко царството на красивата архитектура, нейната трайна красота.

В същото време пред художничката се разкриват нови черти в облика на града, а сдържаната емоционалност на нейните чаршафи понякога се заменя с по-бурно, стремително чувство. В рамките на един жанр пейзаж Остроумова създава неща, които са много разнообразни и винаги вътрешно цялостни. Нека си припомним например нейния акварел от 1918 г. "Петроград. Марсово поле". Този чаршаф с бързото движение на облаците във високото небе, просторността на площада и стройната, гледаща напред фигура на паметника на Суворов е пълен със скрито напрежение и патос. Възприемането на света на художника е смело, енергично, ритмите на живота, чути от нея, са ясни, като марш и като марш, музикални. Остроумова рисува с леки удари, обобщени по форма, използвайки детайли с мъдра умереност. Изглежда, че този лист е съвсем просто нарисуван, но зад неговата простота се крие умение и страхотен артистичен вкус. Също така се проявява в благородството на скромната и красива палитра на това нещо.

Ксилографията "Смолни" е проникната с бурна емоционалност, необичайна за Остроумова. Дъхът на революция сякаш обхваща този пейзаж и изграждането на спокойни класически форми изглежда отново живее, както в кипенето от октомври 1917 г. Сблъсъкът на черно и бяло удвоява силата на всеки от тези цветове. Колоните на Пропилеите, маркиращи входа на Смолни, заплашително почерняват, земята блести с ярка белота, удари се вихрят в бързо движение, очертавайки пътя към сградата в дълбините, дърво се огъва под поривист вятър, а наклонени падащи линии едва очертават небето над Смолни. Създава се образ, изпълнен с импулс, движение, романтична емоция. Освен това, колко красива и живописна е тази черна дърворезба, колко големи са нейните чисто декоративни достойнства.

Цикълът от малки дърворезби, изобразяващи Павловск, също се отличава със своята декоративност. Художникът видял декоративността в очертанията на буца дървета, силуетът на статуя или решетка, бил наблюдаван в живота и следователно убедителен.

Класически пример за великото умение на Остроумова-Лебедева е пейзажът "Лятна градина в мраз" (1929; ил. 4).

Спокойствието на пустинната градина ви поглъща, докато гледате тази гравюра; изглежда се озовавате в алеята му - така композиторът на листа се разширява от автора. Зашиването на отпечатъци в дълбокия сняг и ритъмът на покритата със сняг черна решетка очертават движението в дълбочината на листа и там е леко заоблено от светлия силует на мост. Движението и далечните фигури на хората оживяват целия лист, но не нарушават снежния му чар. Именно в съчетанието на удивителен мир, тишина с усещането за живота на голям град, течащ някъде много близо, се ражда специалният чар на тази гравюра. Поезията на зимата, нейните мъгляви цветове, мразовит въздух, духащ над короните на дърветата в крехка розова слана, е перфектно предадена тук от художника.

По време на Великата отечествена война Остроумова-Лебедева, която вече беше на повече от седемдесет години, не напусна Ленинград. Тя сподели с всички жители невероятните трудности на блокадата и не спря да работи възможно най-добре. Страниците на нейните мемоари, свързани с тези години, са не само хроника на трудностите и психическите тревоги, но и свидетелство за вечно творческо изгаряне, неуморно желание за работа. Такава любов към изкуството, голямата отдаденост към него все още е пример за млади художници, а постиженията на Остроумова-Лебедева в гравирането и по-специално нейното възраждане на художествената цветна дърворезба, остава като непоклатим принос на голям майстор към нашето изкуство.

Творбите на В. Д. Фалилеев (1879 - 1948) в много отношения са близки до творбите на Остроумова-Лебедева по отношение на мирогледа и стилистика. Той също така беше майстор на черни и цветни дърворезби и се насочи към офорта и гравирането на линолеум в непрекъснато търсене на нови технически възможности на своите произведения, по-специално колористични. Пейзажите на Фалилеев, както изобразяващи родната му страна, така и чуждестранните, ни привличат със същата завършеност на чувствата, способността да виждаме красотата в обикновените мотиви на природата, както произведенията на Остроумова-Лебедева, но хармонията и класическата чистота на линиите са по-рядко срещани в гравюрите му, начинът на рисуването му е по-свободен и някак по-неспокоен, цветът е по-горещ и живописен. В същото време способността да се обобщават впечатленията, да се създаде просторен художествен образ с минимум средства прави Фалилеев сроден на Остроумова-Лебедева. В този смисъл, например, е характерен албумът на Фалилеев с цветни гравюри на линолеум „Италия“, където художникът, след като е посветил само един лист на един или друг град, в изключително лаконични композиции, понякога изобразяващи само фрагмент от сграда, като че ли, концентрира най-характерното във външния вид на италианските градове.

Художникът също се интересува от бурна природа, той създава поредица от офорти "Дъждове", в редица листове той варира, изучавайки променливия външен вид на морето, очертанията на бурна морска вълна. В пейзажи с мотиви на бури и дъжд някои изследователи виждат един вид графичен отговор на революционна буря, но подобна конвергенция все още изглежда твърде ясна. И с Фалилеев няма да смеем да установим подобна връзка между неговите истории и социални събития. Но в съвкупността от неговите творби, в особеното напрежение на тяхната вътрешна структура, наистина се усеща сложността на социалния свят и то е по-отчетливо в неговите пейзажни листове, отколкото например в линогравюрата "Войски", тъй като Фалилеев преди всичко е бил пейзажист.

И. Н. Павлов (1872 - 1951) също е представител на пейзажния жанр в графиката. В негово лице Москва имаше поет, толкова отдаден и никога не уморен да пее нейните похвали, както Ленинград в лицето на Остроумова-Лебедева. Павлов беше почти на същата възраст като Остроумова, но пътят му в изкуството започва в други, по-трудни условия на живот. Син на затворнически фелдшер, по-късно пазач в катедралата "Христос Спасител" в Москва, той трябваше да "влезе в хората" рано, след като се записа като чирак в гравираща занаятчийска работилница. Репродуктивни гравюри от картини на В. Маковски са първите творби, които му донасят успех. Впоследствие Павлов учи в училището по техническо рисуване „Штиглиц“ и в работилницата „Мате“, както и в училището на Обществото за насърчаване на изкуствата, но не за дълго заради необходимостта от работа. При възпроизвеждането на картини художникът постига голямо умение, а гравюрите му се публикуват в популярни списания от онези години, запознавайки читателите с творбите на най-големите художници - от Репин до В. Маковски. Фотомеханиката обаче допълнително замества този начин на възпроизвеждане. В творбите на Павлов се появява основната тема на неговото творчество - древните кътчета на Москва и провинциалните градове, пейзажът на Русия, отстъпващ в миналото.

Преходът към създаването на оригинални гравюри не беше лесен за художника, но упоритата му работа и любовта към неговата тема направиха много. От 1914 г. започват да излизат албуми с пейзажни гравюри на И. Н. Павлов. Пейзажите му се основават на впечатления от природата край Москва, от пътувания по Волга и Ока. Интимното възприемане на природата, търсенето на един вид интимност в нея, отличаваха тези първи творби. "Стремях се да подбирам ъгли и възнамерявах да видя отпечатъците си като истински пейзажи на настроението. В голям мащаб, в панорамното изображение ми се струваше, че интимността и композиционната яснота, които се опитвах да постигна, могат напълно да изчезнат", спомня си по-късно художникът. Започвайки с голяма поредица от московски пейзажи, Павлов и тук търси преди всичко камерни лирически мотиви и улавя античността. "Търсех най-редките стари сгради, дворове, задънени улици, вековни дървени къщи, църкви със стара архитектура; не пренебрегнах много забележителни паметници от древността ... Понякога старите се редуваха с новите, за да се подчертае типичността на взетото парче от града", - четем в мемоарите му.

От година на година се натрупват московските гравюри на И. Н. Павлов, които съставят многобройните му албуми. Много се е променило за относително кратко време в Москва, тихите ъгли, нарисувани от И. Н. Павлов, са станали неузнаваеми в огромния съвременен град. И ние сме благодарни на художника, който запази за нас скромния комфорт на тихите алеи, приветливостта на малките къщи (ил. 5). А в други руски градове - Кострома, Углич, Рязан, Торжок - Павлова е привлечена от древната архитектура. Той много добре усети нейната изразителност и оригиналност. Но като цяло творбите на Павлов съдържат несравнимо по-малко артистичност и пластична красота, отколкото например в пейзажите на Остроумова-Лебедева или Фалилеев. Документалната точност на работата му често се превръща във фотоизъм.

5. И. Н. Павлов. Лист от албума "Стара Москва". На Варварка. 1924 г.

Цикълът на съвременните пейзажи на Павлов се попълва през 1920 - 1930 г., когато, като се присъедини към Асоциацията на художниците на Революционна Русия, той, подобно на много майстори на изкуството, заминава за творчески командировки в индустриалните центрове на страната. В номера бяха включени цветна линогравюра "Астрахан" с тъмно ято кораби и светлините на голяма сграда на Народния комисариат по водите на брега, пейзаж "На Волга" с остри черни силуети на ветроходни кораби и леко трепереща вода, "Баку", "Балахна" и някои други листове, изпълнени през тези години най-добрите произведения на художника. Листът "Звенигород. Периферия", създаден през 1949 г. от 78-годишния майстор, също завладява с радостно, леко настроение.

Неподходящата критика на творбите на Павлов в края на 40-те и началото на 50-те години прикрива недостатъците на неговите творби и, парадоксално, затруднява разкриването на истинските им достойнства. Днес често се среща пълен отказ от работата му. Но ние оценяваме страхотната работа на художника и богатия му опит, който той щедро сподели с много майстори на съветската графика в началото на кариерата им.

Заслугата на Павлов - заедно с В. Д. Фалилеев - е въвеждането на линогравюри в ежедневието на съветските художници и изобретяването на нов начин за отпечатване на отпечатъци с акварели - акватипия.

Сред учениците на И. Н. Павлов той ползотворно работи като художник и учител М. В. Маторин - майстор на цветна дърворезба, пейзажист.

В обръщението си към архитектурния пейзаж, към паметниците на античността, И. Н. Павлов не е сам през 20-те години. Vl. Ив. Соколов, ученик на Левитан, когото същият И. Н. Павлов успява да заинтересува от гравиращите техници, пуска през 1917-1925 г. няколко албума, посветени на Сергиев Посад, стара Москва, Ростов. Всичко това са добри примери за стария пейзаж. В албумите на литографиите на Юон и Кустодиев през 20-те години на миналия век може да се видят и Сергиев Посад, руски пейзажи, снимки на непокътнат стар провинциален живот. Класическите сгради на Санкт Петербург стоят в преследваните линии на дърворезби от П. А. Шилинговски, чийто албум с пейзажи, публикуван през 1923 г., макар и наречен "Санкт Петербург. Руини и Ренесанс", но в повечето случаи съдържа само ужасни снимки на руини - разрушенията, причинени на Петроград от военни разрушения. По-късно в Армения вето-лицето на Шилинг отново вижда само чертите на древността, публикувайки през 1927 г. албума на офортите "Old Erivan". Така древният пейзаж в графиката от първото десетилетие не е случайно хоби на отделни майстори, а цяло явление.

Едва към около 1927 г. интересът към него пресъхва и същият този Шилингсовски, голям ревност на архитектурната древност, през следващата 1928 г. създава албума „Нова Армения“, сякаш отбелязва в творчеството си характерен поврат в графиката.

Новото, разбира се, расте в дълбините на старото и произведения, посветени на съвременния пейзаж, се появиха в графиката, така да се каже, в нейните дълбини, сред вече познатите ни неща. Те са създадени от художници, които вчера са отдали своето творчество на съзерцаването на вечните красоти на архитектурата и природата. Например, II Нивински (1881-1933), най-големият майстор на съветското офорт, в албума „Крим“, публикуван през 1925 г., артистично и лесно, макар и с оттенък на съзерцание, предава ежедневната празненство на красивата южна природа. До 10-ата годишнина на октомври по заповед на Съвета на народните комисари Нивински създава няколко големи офорта „Загес“, където, изобразявайки електроцентрала в Грузия, не само въвежда нова тема в своите пейзажи, но и активно търси нови форми на изразяване за нея.

Успешен е офортът "Паметник на В. И. Ленин в Загес" с внимателното му рисуване и естествено доминиращ в индустриалния ландшафтен паметник на В. И. Ленин - творението на скулптора И. Д. Шадр (ил. 6). Красотата на този паметник, неговият величествено ефективен силует, се превръща в основния компонент на пейзажното изображение тук. Сега художникът мисли за природата не само като обект на възхищение от съзерцанието, но и като поле на голяма човешка дейност. За първи път в графичния пейзаж звучат отчетливо нотки на активно отношение към живота.

Нови мотиви се появяват през втората половина на 20-те години в творбите на художника И. А. Соколов (роден 1890 г.). Ученик и голям почитател на В. Д. Фалилеев И. А. Соколов от самото начало на своята работа по гравюра изобразява сцени на труда. Отначало това е тежката и обезпокоителна домашна работа на една жена в домакинството, занаятчийската работа е тесен и ограничен свят, показан с топлина и любов. Обущар, наведен над работа, перачка, баба с внуците си в тясна, невзрачна стая вечер, тънък силует на дантела на фона на лека тъкан със сложен десен, очевидно свързан с нея - това са първите произведения на Соколов (ил. 7).

По своята същност те са много близки до произведенията на И. Павлов, Вл. Соколов и други художници, които ни показаха непринудените кътчета на големите градове, тяхната недокосната древност. "Така че изглежда, че животът, отразен в гравюрите на И. А. Соколов, тече извън стените на онези малки къщи, които аз, Н. Павлов изобразявах", - правилно пише биографът И. А. Соколова М. З. Холодовская.

Очевидно, тъй като художникът винаги е бил близо до картини на труда, именно той е един от първите, който разширява тесните рамки на своята тема и започва да изобразява новия свят на индустриалния труд - работа в голям металургичен завод. Към 1925 г. принадлежат първите му листове, изобразяващи московския завод „Серп и чук“. По това време художникът вече е усвоил техниката на цветното гравиране на многоплатови линолеуми, а видовете работилници, преплитането на мощни стоманени ферми, сложното осветяване на сцени с ослепителен нажежен до червено метал са възпроизведени от него точно и подробно. По-късно, вече зрял майстор, Соколов отново идва в позната фабрика и през 1949 г. създава серия от гравюри, посветени на него. Този път той въвежда и портретни листове в поредицата; един от тях, изобразяващ производителя на стомана Ф. И. Свешников, беше особено успешен за художника. Под прикритието на Свешников, внимателно наблюдавайки топенето, той успя да предаде скромността, простотата, очарованието на човек с голям жизнен и трудов опит. Но дори и първите „фабрични“ листове на Соколов запазват значението си за нас; в тях съвестна точност на първите стъпки по непознатия от автора и други художници път.

През целия си живот И. Соколов е работил много в областта на пейзажа. Неговите пейзажи от 1920-1930 г. са станали широко известни; студената свежест на ранната пролет и огнената роба на есента са уловени в тях с ясен, точен модел, ясни, чисти цветове. Подобрявайки техниката на цветно гравиране на линолеум, постигайки безплатен трансфер на богата гама от цветове, художникът използва голям брой дъски и понякога търкаля върху дъската не един, както обикновено, а няколко цвята. Известната му гравюра „Кузминки, есен“, пленяваща с горещи живописни цветя, например е изпълнена на седем дъски в девет цвята.

Събитията от войната са отразени от художника в голямата поредица „Москва през 1942 г.“ и „Какво е съсипал врагът“. В първата от тях, рисувайки танкове, заминаващи за фронта по улиците на Москва, стада, изгонени отзад, зеленчукови градини в дворове и т.н., художникът насища своите листове с жанрови мотиви, но въпреки това остава преди всичко пейзажист при решаването на композицията като цяло. Във втората серия - пейзаж, документалната задача е умишлено подчертана, но тъгата също оцветява тези листове, изобразявайки болезненото унищожаване на красивите ансамбли в предградията на Ленинград. Същата документална задача се изправя пред художника в неговата поредица от следвоенни години, в които той усърдно и задълбочено възпроизвежда паметните места, свързани с живота и творчеството на В. И. Ленин и А. М. Горки.

Първите творби за новия живот, като чаршафите на Нивински или Соколов, бяха малко. Броят им обаче постепенно се увеличава. През годините на първия петгодишен план бяха организирани командировки на художници и графични художници до най-важните нови сгради, индустриални гиганти, до първите колективни ферми. Художниците бяха ентусиазирани от тези нови задачи. И въпреки че сред произведенията, създадени в резултат на тези пътувания, все още имаше няколко неща с високи художествени заслуги, с това произведение в графиката влиза нов свеж поток, дъхът на великия живот на страната.

Сложността на тази работа се състои както в недостатъчното познаване на художниците от ежедневието на социалистическото строителство, така и в противоречивия характер на много въпроси от художествената форма, характерни за тези години. Многобройни художествени групи често излизат с противоположни теоретични платформи и в споровете, възникнали по това време, понякога се поставя под въпрос самото право на съществуване на статив. Не трябва да се забравя, че тези години бяха период на противоречиви търсения в областта на художественото образование. Често неправилното обучение на художници в университетите ги лишаваше от солидните основи на професионални умения и младият график трябваше да навакса много по-късно. Вярно е, че произведенията на редица отлични майстори от по-старото поколение, както и съветите, които те даваха на младите хора, често извън официалните стени на университета, бяха много поучителни за тях. Имаше и такива ателиета, като например ателието на Кардовски, в което художниците преминаха плодотворна школа за реалистична рисунка и композиция. И все пак условията за работа на художниците бяха предизвикателни. Те се подобриха само с ликвидирането на художествени групи в началото на 30-те години и обединяването на всички здрави творчески сили на една реалистична платформа.

При привличането към съвременни теми бързо се развиват няколко основни насоки в работата на художниците. Едно от тях беше, както видяхме в гравюрите на И. Соколов, чрез точно, донякъде описателно, почти документално възпроизвеждане на видяното, главно, на индустриалната работна среда. В произведения от този тип имаше много изобретателно и честно желание на авторите да разкажат на зрителя възможно най-точно и пълно за новите сгради и фабрики. Не е за нищо, че художниците често не се ограничават до един лист, но в редица от тях изобразяват гледки към фабрика, конструкция и т.н.

Втората посока може да се нарече тази, затоплена от лирично чувство, лаконична, запазваща жизнеността на скицата, но и липсата на съгласие, изкуството на индустриалния пейзаж, създадено в края на 20-те - началото на 30-те години от Н. Н. Купреянов (1894 - 1933), ученик на толкова различни художници Подобно на Кардовски, Петров-Водкин, Остроумова-Лебедева, Купреянов следва кратък, но труден път в изкуството, пълен с постоянни търсения. Работил е интересно не само в стативната графика, но и в илюстрацията на книги. Един от първите Купреянов посвещава нещата си на революцията, а дърворезбите му "Бронирана кола" (1918 г.) и "Крейсер" Аврора "(1923 г.), донякъде съзнателни в подчертаната си ъгловатост или бързо движение на линиите, носят частица искрен ентусиазъм, оживен отговор на събитията от октомври. Скоро напускайки дърворезбата, Купреянов работи главно по начина на свободен, пълен със светлина и загадъчни черно-бели преходи на мастило и акварели. Камерни пейзажи и сцени от „поредицата Селищенски“, които имат както топлината, така и тясната изолация на семейния свят формират една от страните на творчеството му. Но изкуството на Купреянов рано се появява в необятността на необятната страна. В поредицата "Железопътни линии" (1927) бързата му четка запълва лист по лист с бумното движение на влаковете и в забързан ритъм се чува ехото на бизнес живота на страната. цикли "Балтика", който започва да се създава през 1931 г., и "Риболов на Каспийско море", възникнал в резултат на пътуванията на художника там - същата лекота е външно небрежна о, схематичен начин на рисуване. Зад него се усеща търсенето на образи на съвремието, което далеч не е завършено, съчетаващо изражението на мимолетното и обемното съдържание на характеристиката.

Ранната смърт е прекъсната в разгара на творчеството на художника.

Третата посока в работата на графичните художници по съвременни теми се появява с ранната тенденция на романтично издигнато изобразяване на сюжета. Тя превръща индустриалните мотиви във величествен, понякога фееричен спектакъл. Изглежда, че такива произведения имат най-креативния, емоционален подход към природата. Всъщност сред тях често има значими и много красиви неща в изпълнение. Но романтичното им приповдигане е най-често от някакъв абстрактен и субективен характер, подобно на описателната точност на други произведения, е резултат само от първия контакт на художника с темата. Нищо чудно, увлечени от общи видове строителство, цехове на заводи и т.н., авторите на всички ранни индустриални произведения все още отделят много скромно място в тях на хората. Пример за романтични произведения е листът на НИ Дормидонтов "Днепрострой" (1931; ил. 8). Дормидонтов (роден през 1898 г.) е и един от първите съвременни графични художници. Още в средата на 20-те години се появяват неговите работни листове, посветени на работата - отначало ограничено точни и сухи, после по-свободни и намерени по композиция. В рисунката "Днепрострой" художникът е очарован от огромния мащаб на структурата, очарователната картина на нощната работа, осветена от суровата светлина на многобройните лампи. В неговата рисунка произведението се превръща в удивителен спектакъл, загадъчен, грандиозен и леко фантастичен.

Подобна интерпретация на труда може да се види в поредица от гравюри на А. И. Кравченко (1889 - 1940), също посветени на строежа на Днепрогес (1931). Той е създаден от художника още в зрелия му период на творчество и неговото зрелищно умение ясно се проявява в него,

В гравюрите от този цикъл огромни структури на язовира се трупат нагоре, стрелите на крановете се издигат плътно около тях, високото небе се вихри в облаци и слънцето изпраща ослепителните си лъчи нагоре. Контрастите на черно и бяло пораждат ярък, неспокоен набор от гравюри. Спектакълът от строежа в Кравченко е грандиозен и впечатляващ. А хората, които създават нов индустриален гигант при трудни условия, се представят само като ритмично повтарящи се групи от идентични силуетни фигури, като абстрактни носители на движение. Въпреки това много художници по това време са привлечени предимно от общата панорамна изразителност на строителната площадка, работилницата и т.н. И в гравюрите на Кравченко това е изразено само най-талантливо.

Като цяло работата на Кравченко е ярка и оригинална страница в историята на нашата графика. Майстор на гравюри на дърво, офорт и рисуване, много чувствителен към темите на острото социално оцветяване в стативи, писател на научна фантастика и магьосник в илюстрации, Кравченко бързо придоби широка популярност у нас и в чужбина. Произхождащ от селско семейство, той получава образование в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура. Негови учители са известните руски художници С. Иванов, В. Серов, К. Коровин, А. Архипов. Кравченко започва кариерата си като художник, но в областта на рисуването и гравирането, към която се е обърнал през годините на съветската власт, работата му е особено интересна. Многобройните пътувания до Индия, Франция, Италия, Америка и Съветския съюз завършиха художественото образование на Кравченко и разшириха кръгозора му. Кравченко работи много. Той създава в книжната илюстрация странен свят от образи, които съчетават фантазия и гротеска, треперещи магия на чувствата и енергия на обсебване. Непрекъснато работи в областта на пейзажа, различните му листове улавят хармонията, красотата и скромната природа на Московския регион и известните европейски градове. Той е един от първите графични художници, които създават поредици от истории, отговарящи на обществени теми. Цикъл от гравюри, посветен на погребението на В. И. Ленин, изпълнен през същата 1924 г., беше тъжно свидетелско свидетелство и сега придоби значението на историческо произведение. Впоследствие художникът отново се връща към ленинската тема, след като през 1933 г. изпълнява строга и тържествена гравюра "Мавзолей". Той също така прави цикъл от гравюри "Живот на жена в миналото и настоящето" за съветския павилион на Международното изложение в Париж. В контрастни картини художникът възпроизвежда съдбата на жена-майка в царска и съветска Русия; той се появи тук като разказвач на истории, чиято реч е емоционална и жива, но в образите му нямаше голяма вътрешна и пластична изразителност. След поредицата "Днепрострой" Кравченко не напуска индустриалната тема и през 1938 г., въз основа на материалите за творческо пътуване, създава рисунки и офорт, посветени на завода "Азовстал".

В офорта, изобразяващ разливането на стомана (ил. 9), художникът все още е очарован от силата на огромни технически конструкции, величието на картината на труда. Той свободно композира сложна сцена, ефективно я осветява с потоци светлина и искри. Освен това тук се появява истински трудов ритъм, а с него и целесъобразността на всичко, което се случва, вместо донякъде абстрактния патос на Днепроетрой. Освен грандиозно забавление, листът придобива и страхотно съдържание.

Това монументално офорт е извършено от Кравченко за Всесъюзната изложба „Индустрия на социализма“. Тази изложба в съветското изкуство е свързана с масовия призив на художниците към модерността. Работи за него са създадени в продължение на няколко години, започвайки през 1936 година. Малко преди началото на тази работа, 1500 шокови работници от една от най-големите фабрики написаха на страниците на „Правда“, обръщайки се към художниците:

"Очакваме страхотни платна от вас. Искаме те да бъдат не просто прости снимки. Искаме да се вложи страст в тях. Искаме те да вълнуват нас и нашите деца. Искаме да ни внушат радостта от борбата. и жажда за нови победи. Искаме да покажете на хората на нашата страна - герои и обикновени участници в нашия строителен проект. "

Тези горещи думи не само добре формулираха задачите на нашето изкуство, но също така отразяваха онази атмосфера на взискателната любов на хората към изкуството, онзи възвишен интерес към него от работещ човек, който помагаше на художниците в работата им. Организирана по инициатива на Серго Орджоникидзе и открита по време на 18-ия конгрес на партията, изложбата широко обхваща живота на Съветския съюз. Тук бяха изложени над 1000 творби, от които около 340 бяха в графичния отдел (с изключение на сатиричните). Малко сред тези листове са произведения с голямо умение, малко от тях са оцелели и до днес. Но новите теми, донесени от тях, видяни от художниците в живота - в горите на нови сгради, в работилниците на завода - бяха голямо завоевание за графичното изкуство. Днепрострой и работата в поташните мини в Соликамск, изграждането на метрото и развитието на Арктика, добива на злато в тайгата и работата на миньор - колко различни са тези теми от омагьосания кръг от жизнени явления, които по-рано са ограничили света на стативната графика, колко малко придържане към античността е останало в него, фундаментално ретроспективна! Тук все още имаше много индустриални пейзажи. Но освен тях се появяват и сцени на труда; и човек, който за първи път работи във фабрика, на поле, в лаборатория, в мина, става герой на графични произведения. Художниците все още не познават добре вътрешния му свят, в началото те се чувстват само добре и са способни да предадат неговия уверен маниер в работата, пластичността на професионалните движения. Следователно жестовият жест в рисунките е по-убедителен от изражението на лицето и някои добри творби са развалени от външната грубост на героите.

Художникът А. Самохвалов (р. 1894), например, в поредица акварели добре показва енергията и оптимизма на Метрострой момичета, но също така подчертава тяхната грубост. Такъв акцент, като че ли, ограничава познанията ни за героините на Самохвалов и обеднява работата му, въпреки че в самия й тон, в нейната атмосфера има черти, които се виждат правилно в живота. По-обмислена характеристика на човека на труда в акварели С. М. Шор (р. 1897) "Козловщица" от поредицата "Стари и нови квалификации на Донбас" (1936; ил., 10). Тук е създаден образът на интелигентна и енергична жена, чувствително се отгатват нейният духовен грим и морална сила. Не без основание по-късно С. Шор става майстор на графичния портрет, изпълняван най-често от нея в техниката на офорт.

В предвоенните години има работни листове, посветени на И. А. Лукомски (роден 1906 г.). В неговата сепийна рисунка „Работникът“ (1941; ил. 11) ударението от индивидуалната характеристика се прехвърля върху типичното, представено с акцент, като че ли в близък план. Вътрешната свобода, гордостта от работата си се чете в лицето на работника.

Важно събитие за графиката е през 30-те години на миналия век подготовката на изложба с илюстрации за историята на партията. Тя фокусира интереса на много художници върху исторически теми, накара ги да преосмислят изминатия път от нашата държава. Историческата и революционна тема започва своя живот в графиката още в началото на 20-те години. Тогава обаче това бяха само отделни творби, главно гравюри, в които абстрактната декоративност и схематизъм често се смятаха за неразделна част от техниката на гравиране. По-късно, през 1927 г., като пълна противоположност на тези творби, под длето на украинския художник В. И. Касиян се появява образът на героя на Перекопските битки, разпален от революционен патос. В. И. Касиян (р. 1896) - родом от Западна Украйна, образование в Пражката академия за изящни изкуства - художник, търсещ душа, ярък темпераментен маниер. Листът му е ярък, емоционален, но той остава самотен в графика на тези години.

Повечето произведения, създадени за споменатата изложба, са придобили повече статив, отколкото илюстрационен характер. Отворена през 1941 г., преди войната, тя се нарича „Изложба на нови произведения на съветската графика“ и включва редица добри творби. Много от тях принадлежаха на майсторите на книжната графика. Илюстраторите внесоха в сферата на статива рисувайки психологическата природа на изображенията и точността на историческата обстановка, които тогава бяха скорошни и поразителни постижения на тяхното изкуство. Това бяха листовете на групата художници Кукриникси - „На барикадите”, „Чкалов на остров Уд”, „Политически лидери”, Кибрик - „Халтурин и Обнорски”, Шмаринов „Погребението на Бауман” и др.

През 20-те и 30-те години графичните художници се интересуват и от исторически теми в друг аспект, свързан с литературата.

Вдъхновяващи образи на Пушкин и Лермонтов привличат творческото внимание на художниците в продължение на много години. Н. П. Улянов (1875 - 1949) влага много работа в своята серия Пушкин. Един от големите съветски художници от по-старото поколение, близък ученик на В. А. Серов, Улянов е бил майстор на историческата живопис и портрета, както и театрален художник.

Рисунките на Улянов разказват за различни периоди от живота на великия поет - от лицейните дни до последните трагични месеци; те са завършени в различна степен - някои са повече, други изглеждат като скици, като страници с интензивни и незавършени търсения, но във всички тях основното за художника е огненият живот на душата на Пушкин. Един от най-добрите е рисунката, изпълнена във връзка с картината „Пушкин със съпругата си пред огледалото на съдебната топка“. Гордият, красив външен вид на Пушкин се появява тук в лаконичните линии на вдъхновена от Серов рисунка.

Темата за Пушкин получава друга интерпретация в графиката - в пейзажа на запомнящи се места. Художникът Л. С. Хижински (роден през 1896 г.) действа в този жанр. В бижутата си, с голямо умение в дърворезбите, изобразяващи сцените на Пушкин и Лермонтов, той постига трудна комбинация от документална прецизност и емоционално поетично начало. Без тази комбинация успехът на мемориалния пейзаж е невъзможен, винаги изграден върху фин подтекст, отделни асоциации.

През 30-те години на миналия век новите моменти в развитието на графиката се усещат много силно. Те се състоят не само от нови насоки в работата на художниците, които, както видяхме, - подкрепени от изложбена дейност! - придобиват все по-голям обхват, но и в новото съдържание на традиционните жанрове на портрета и пейзажа, както и в появата на значими творби на художници от Съюзните републики. И така, вече споменатият по-горе В. И. Касиян създава през тези години гравюри, пълни със сериозни мисли, посветени на Шевченко. Художникът също влага много духовен огън в по-късната си работа за великия кобзар, изобразявайки непрекъснат ядосан Шевченко на фона на епизоди от народната борба (ил. 12).

Сред най-важните произведения от тези години са пейзажи и портрети на арменския майстор М. Абегян, литографии, посветени на Молдова, украинеца Г. Пустовит, монументално офорт от грузинския художник Д. Кутателадзе, изобразяващ С. Орджоникидзе и С. М. Киров. През този период известният азербайджански художник А. Азимзаде - карикатурист, чертожник и художник на плакати - създава най-интересните неща в областта на стативната графика. Картините от миналото са възпроизведени в неговите листове по оригинален детайлен начин, с нотка на орнаментален дизайн. Какво е новото в портрета и пейзажа от 30-те години? Предишната близост на тези жанрове изчезва и техните господари излизат да срещат живота все по-смело, разпознавайки нови хора, разширявайки географския обхват на пейзажните творби. Последното се отнася не само за майсторите на индустриалния, но и за обикновения пейзаж. Ако по-рано само Е. Е. Лансере, който неуморно изучаваше природата и живота на народите на Кавказ, и Шилинговски, който рисува Армения, се отклониха от установената в пейзажа московско-ленинградска традиция, сега цяла плеяда майстори създава свои произведения извън тесните й граници. Художниците изобразяват природата на централна Русия, Север, Крим, Кавказ, Централна Азия. Пейзажът се превръща в област на блестящо използване на акварелни техники. Творбите на графичните художници Л. Бруни, А. Остроумова-Лебедева, художниците С. Герасимов, А. Дейнека, П. Кончаловски свидетелстват за истинския разцвет на акварелния пейзаж. Дейността на мирогледа на автора е нова характеристика на тези произведения. Може би с особена яснота се вижда в пейзажите на онези художници, които през тези години са имали възможност да посетят чужбина.

Острото виждане за контрастите на чуждата реалност е присъщо, например, на парижките и римските пейзажи на А. А, Дейнека (ил. 13). Художникът не може да се предаде на спокойния чар на величествената архитектура и статуи, както беше неведнъж в предреволюционната чуждестранна серия графики; на този красив фон окото му забелязва както фигурата на безработните, така и зловещите, самоуверени фигури на църковните служители. В кръга на такива произведения като листите на Дейнека се ражда журналистическа страст, политическа непримиримост, присъща на съветската графика.

Тези качества се проявяват с голяма сила в „Испанската поредица“ от рисунки на ленинградера Ю. Н. Петров (1904 - 1944). Поредицата „Петров“ е приносът на стативната графика в борбата с фашизма, който през онези години вече активно се преследва както от майстори на карикатури, така и от политически художници на плакати. Изкуството на Ю. Петров, чертожник и илюстратор, беше изкуството на голяма култура и дълбоки чувства. Петров беше участник в борбата срещу фашизма в Испания, той познаваше и обичаше тази страна, нейните хора, големите й писатели и художници от миналото, а рисунките му отразяваха тази любов и благоговение. Испания, нейните планински пейзажи, къщи, унищожени от бомби, нейните сдържани, горди и пламенни хора - войниците от Народната армия, жени и деца, загубили домовете си, са пленени в лаконични, леко тъжни и смели композиции. Други страници от поредицата на Петров изглежда са скици, но нежната рисунка с меко моделиране толкова точно очертава пластичността на формите и ландшафтните планове, такъв трептящ живот ги изпълва, че човек може да усети голямата замисленост на всеки лист. Тази поредица и до днес остава едно от най-опитните и искрени неща в нашия график. Впоследствие авторът му загива на боен пост по време на Великата отечествена война и неговото изкуство, което обещава много, не успява да достигне своя зенит.

Великата отечествена война, започнала през 1941 г., промени драстично характера и темповете на развитие на всички видове изкуство. Тя също така предизвика големи промени в стативната графика. Ефективността на графиката, сравнителната простота на нейните техники сега са станали особено ценни качества. Горещата нужда да си кажат думата в часа на националните изпитания, за да реагират по-бързо на горчивината и героизма на настъпилия ден, доведе много художници до рисуване, акварел и понякога гравиране. Заедно с признатите си майстори, някои художници, а също и много успешно, илюстраторите започват да работят в статична графика.

Още от първата година на войната, заедно с плакати и карикатури, стативната графика се превръща в един от най-активните форми на изкуство, които вълнуват дълбоко сърцата на зрителите. Майстори на рисуване и гравиране изпълниха много красиви неща, родени от гняв и вдъхновение. В тази поредица от творби има отделни върхове, които се отличават със своето специално пластично умение. Но общото ниво на военната графика също е високо. Художниците създават своите рисунки както в редиците на Червената армия, така и в обсадения Ленинград, в градовете, през които е преминала тежка вълна на отстъпление, в тила, където всичко е било подчинено на задачите на фронта, и извън границите на страната ни в последния период на битката срещу фашизма. Графиките ни показаха различни страни на войната, различни аспекти на живота през този решаващ период от историята на нашата Родина - от мимолетната замисленост на уморена медицинска сестра до панорамата на огромна битка. В същото време разликата в талантите, складът на въображаемото мислене на художниците, също беше ясно изразена. В произведенията на един войната се появява като дълги военни пътища, често неудобни и понякога толкова остро радващи окото с неочакваната красота на оцелелата гора. На страниците на друг той преминава през поредица от прости сцени от армейския живот, скицирани прибързано, но точно. В рисунките на третата тя е в специалния израз на очите на воин или партизан, който е срещал смъртта повече от веднъж. Смелостта и патриотизмът на съветския народ, така ясно проявени във военните години, бяха оценени от художниците в тези произведения от различно естество. Графичните произведения са пълни с онова специално усещане за красотата на нашия съветски живот, засилено от войната, с което се отличаваха най-добрите неща във всички видове изкуство.

Появата на голям брой скици се превърна в характерна черта на графиката. Художниците ги изпълняват понякога в най-трудната бойна ситуация, опитвайки се по-точно и пълно да разкажат на хората за войната, да събират материал за бъдещи композиции. В предговора към албума с рисунки „Преден дневник“ на московския график П. Я. Кирпичев, Героят на Съветския съюз С. Борзенко пише: „Една след друга картините, скицирани в свежите следи от войната, минават по начина, по който ги е виждал художникът в момента на събитията ... Никакви опасности и трудности не го спряха. Той си проправи път до избраните обекти сред минните полета и работеше там от сутрин до вечер, страхувайки се да не пропусне момента, страхувайки се, че пожарите ще изгаснат и трофейните екипи ще отнемат унищожените оръжия и танкове. " Това описание на фронтовата работа на художника е много характерно, тъй като, подобно на Кирпичев, много станкови графични художници са работили по време на войната. Скиците представляват ценен фонд на нашето изкуство, далеч не е публикуван изцяло. Техни автори са Н. А. Аввакумс, О. Г. Верейски, М. Г. Дерегус, У. М. Джапаридзе, Н. Н. Жуков, П. Я. Кирпичев, А. В. Кокорий, Д. К-Мочалски, Е. К. Окас, У. Тансикбаев, С. С. Уранова и други са създали цяла хроника на трудното военно ежедневие, стихотворение за човек във война, защитаващ родината си от фашизма.

Въпреки плавността, която отличава скиците, те вече показват особеностите на таланта на всеки художник - и не само неговия майстор на рисуването, но и определен набор от явления, които го докосват най-вече.

Така че, А. В. Кокорин (роден през 1908 г.), например, никога няма да мине покрай живописна сцена, неочаквано видяна от него, той ще скицира в графичния си дневник както окачените на пистолета седла, така и счупен камион, който стърчи изпод него от три страни ботушите на войниците, които го оправят, и войникът на конвоя, спокойно шиещ нещо на шевна машина точно в полето, и фигурата на свещеник с голяма раница, разговаряща със съветски войник. Общият характер на външния вид на хората е точно уловен от Кокорин и зад неговите прости сцени винаги чувствате лека усмивка, привързаност към героите му. Именно в тези скици се натрупва опитът на Кокорин като майстор на архитектурния пейзаж, който успява да очертае облика на града, основните контури на архитектурата му и живота на улицата - качества, развити в следвоенните индийски рисунки на художника.

Топлината и лиризмът отличават скици и рисунки на Д. К. Мочалски. Дори и в най-неподходящата среда за това, в суматохата на фронтовите пътища, водещи на последния етап от войната директно към Берлин, или вече в Берлин - цитаделата на фашизма, току-що превзета от нашите войски - топлината на живота, нейният радостен лъч, в деликатен външен вид със сигурност ще проблясват в листата на Мочалски момичета-контролери на движение, в погледа на боец, насочени към жена с детска количка.

Като художник-физиогномик, който може да види много в един човек, Н. Н. Жуков (роден през 1908 г.) се появява във военни скици. Непрекъснатият интерес към вътрешния свят на човека прави неговите, изглежда, плавни рисунки смислени. Пейзажи, скици на войници, жанрови сцени се редуват в неговите листове. Стилът на рисуване с молив на Жуков, лишен от какъвто и да е нюанс на външна ефектност, отразява тази заетост на художника с природата, внимателен подход към нея. Творбите на Жуков добиват известност още преди войната, когато той изпълнява поредица от илюстрации за биографията на К. Маркс. Впоследствие Жуков не остави работата си по тази отговорна тема. Той също така инвестира много работа в създаването на поредица от рисунки "В. И. Ленин". Най-успешните от нейните листове са решени под формата на лека скица, която улавя кратък момент във веригата на другите, под формата на своеобразен портрет. Но именно по време на създаването на военни скици способността на художника за наблюдение и неговото умение за бързо скициране бяха засилени, което му беше полезно и по-нататък - както в обширна поредица рисунки, посветени на децата, популярни сред зрителите, така и в портрети. Най-вече опитът от военновременната работа е отразен в илюстрациите към „Приказката за един истински мъж” на Б. Полевой, създадени от Жуков малко след войната.

Трябва да се каже, че опитът от военната работа изигра роля в илюстративната работа на други художници. Това преживяване помага на О. Г. Верейски да създаде рисунки за „Василий Теркин” от А. Твардовски, дълго време доближава А. В. Кокорин, по-късно илюстратор на „Севастополски приказки” Л. Н. Толстой, по-близо до военната тема. Логичен беше и пътят на Ливанов от поредицата „Партизани“, създадена от него малко след войната, до илюстрацията на „Чапаев“ от Д. А. Фурманов.

Друга характерна черта на графиките от военните години е прибягването на художниците до формата на поредицата, тоест поредица от листове, обединени от една концепция и начин на изпълнение. Можем да видим, че поредицата е създавана от художници и преди, но по време на войната те се превръщат във водещ феномен в графиката. Поредицата е добра само когато зрителят научи нещо ново с всяка от нейните страници, когато художникът насочва впечатленията си по определен начин, редувайки листове, тоест придавайки на серията ясен състав. Винаги се натъкваме на понятието „композиция“, когато анализираме отделно произведение на изкуството. Но в действителност има и композиция от цяла графична поредица като вътрешна закономерност на редуването на нейните листове, между които възникват различни връзки. Ясно изграждайки композицията на поредицата, художникът намира в нея ново средство за голяма изразителност. Авторът на поредицата по същество изпълнява многосрично, многостранно произведение, всяка страница от което трябва да звучи цялостно и силно и в същото време да бъде неразделна част от цялото, създадено сякаш от един дъх. Разбира се, това не е лесна задача. И доста често сборът от листове, наречени от художника серия, по същество не е така.

Съставът на поредицата е различен. Така че, серия може да бъде изградена върху контрастно сравнение на листове или, напротив, техния равномерен, идентичен звук. В друг случай авторът може да започне своя сериен разказ, като постепенно увеличава емоционалния си стрес, създавайки в един или няколко листа своеобразна кулминация на действие и чувства и затваряйки го с финал.

Така е съставен например голям цикъл от литографии на А. Ф. Пахомов „Ленинград в дните на обсадата и освобождението“, публикуван с текста на поета Н. С. Тихонов през 1946 г. Този цикъл е първият голям спектакъл в станкова графика на А. Ф. Пахомов (роден през 1900 г.), майстор на детски книги, известен със своите илюстрации към произведенията на Н. А. Некрасов и И. С. Тургенев. Литографиите на Пахомов са разкази на очевидци и те ни докосват с истината на това, което сме видели, със светлината на голямата човешка солидарност и смелост.

Поредицата се открива с лист "Провеждане на народната милиция", Той веднага ни пренася в атмосфера на тревога, объркване от нарушен щастлив живот. По-нататъшните събития се развиват бързо, животът на града се променя, обстрелите и бомбардировките стават неразделна част от него. Ленинградчани строят бункери по улиците, дежурят по време на аларма на покривите, спасявайки ранените от разрушени къщи. Всичко това е показано в литографии, които бързо се заменят една друга, подробни като история, но изпълнени с вътрешно напрежение. В тях времето е уплътнено и наситено, хората действат, без да губят нито минута, смело се борят с врага.

Следващата страница на албума - „На Нева за вода“ (ил. 14) ни изважда от бързия ритъм на тези епизоди. Тук времето минава бавно - това е тежката стъпка на студените и гладни дни на блокадата на Ленинград. Момиче с непоносимо тежка кофа бавно се придвижва нагоре по стълбите. Тази героиня на Пахомова е един от най-силните герои не само в поредицата, но и в цялата военна графика. Очите на зрителя се спират преди всичко върху лицето на момичето - така е изградена композицията на литографията, така диктува изключителната изразителност на това лице. Художникът разработи изражението на лицето си в детайли - тъмните очи, изразяващи дълбока умора, изглеждат особено големи на изтънено лице, набръчканите вежди се събират с рязко движение, безкръвните устни на полуотворена уста са толкова бледи, че почти не се открояват на лицето и художникът леко очертава очертанията им с линия. Изглежда, че образът на това момиче ще бъде въплъщение на умора и страдание. Но най-забележителното при него е комбинацията от тези черти на физическа умора и изтощение с психическа твърдост.

Постоянството и непокорството на героинята Пахомова е сложна сплав от много аспекти на нейния духовен живот, нейните вътрешни качества и в същото време това е нейното основно качество, преобладаващо над всички останали. Тук, заедно с обичайната простота и гениална яснота на образа на Пахомов, се раждат неговата гъвкавост и дълбочина. Пахомов винаги е особено близо до образите на деца. И в тази литография той успя да разкаже много, показвайки как едно момиче налива вода от чайник; за нея това е въпрос, в който тя е напълно погълната - и необходимост, и в същото време игра. В тази комбинация, болезнена болка, това е истински блокаден живот с нотки на остра трагедия сред ежедневието. Снежната простор на реката и смразяващият прозрачен зимен въздух са добре възпроизведени в литографията. Този лист, както и следващата рисунка „Към болницата“, е най-мощният, изпълнен с чувство. Те формират сякаш кулминацията на сериала. Освен това историята на художника се провежда по-спокойно и, в съответствие с тълпата от събития, неговите листове се правят по-ярки и по-радостни: „Покриви“, „Нова година“ и други. Поредицата логично завършва със снимка на салют на 27 януари 1944 г. в чест на пробива на блокадата на града от Съветската армия, салют, който толкова дълбоко и радостно вълнува хората, предизвиквайки цяла поредица от спомени и надежди. Под фойерверките хората се радват по различни начини: шумно, напълно се предават на светлия триумф на този момент и замислено, леко отстъпвайки в спомени и дълбоко, с цялото си сърце, чувстват безопасността на децата си. Вълнението и радостта ги обединяват, а близкият състав на листа, сякаш прави този монолитен външен вид видим.

Много произведения на други художници също са посветени на военния Ленинград. Нека назовем още една серия линогравюри на С. Б. Юдовин (1892 - 1954). Видяхме как в поредицата на Пахомов литографската техника позволява на художника да представи в детайли всяка замислена от него картина, вниквайки в детайлите, съчетавайки тяхната линейна тънкост с живописността на топящите се пространства на зимния пейзаж. Поредицата на Юдовин е изпълнена с линогравюра. Юдовин се характеризира с повишени чувства, трагичните ноти звучат властно в листите му. И цялата фигуративна структура на неговите листове и начинът на екзекуцията са подчинени на това усещане за трагичността на случващото се. Тежкият черен цвят и студеният блясък на снега царуват в отпечатъците му. В смразяващата тишина на града хората се скитат с мъка, огъвайки се под тежестта на товара, под тежестта на блокадни проблеми. Техните фигури, които обикновено се виждат сякаш отгоре, рязко се открояват на фона на заснежени улици. Ъглов модел, безмилостна светлина, която изтръгва сиена от тъмнината; ежедневието, станало рамка на трагедията - такива са отпечатъците на Юдовин. Напразно е да упрекваме художника за тяхната сурова правдивост, за липсата на оптимизъм. Естеството на таланта на Юдовин му позволи да изрази с особена чувствителност трагичните страни на борбата на ленинградците с врага.

Но графиките като цяло се характеризираха с по-ярък поглед към света, дори когато изобразяваха изпитанията, сполетели съветските хора. Вече можехме да видим това в поредицата на Пахомов и ще намерим ново потвърждение за това, след като се запознахме с поредицата рисунки на Д. А. Шмаринов "Няма да забравим, няма да простим!" Шмаринов (роден през 1907 г.) е един от онези художници, които постигнаха голям напредък в съветската илюстрация на книги през 30-те години на миналия век. Получава добра професионална подготовка в художествените ателиета на Прахов в Киев и Кардовски в Москва. Талантът на психолога и голямата вътрешна култура отличават неговите книжни произведения. През годините на войната Шмаринов създава плакати и стативни рисунки. Поредицата "Да не забравяме, няма да простим!" е екзекутиран от него през 1942 г. за кратко време, но планът му е формиран през цялата първа година на войната.

Не постепенно, историята на художника започва от самото начало - той веднага ни шокира с високата трагедия на картината „Стрелба“. Снимките на изпитанията и бедствията от войната се следват една след друга, но ярката тема за смелостта на съветския народ, излязла от първата страница на поредицата, печели дори на най-горчивите си страници. Един от най-добрите рисунки в този цикъл е листът „Връщане“ (ил. 15). Хиляди съветски колективни фермери в живота бяха запознати със ситуацията, в която е жената, изобразена от художника. Шмаринов я привлече в момента, когато гледката на опустошен, разрушен дом за пръв път й отвори очите, принуждавайки я да спре в някакво вцепенение на скръбна и възмутена медитация. Дълбокото й вълнение външно не показва почти нищо. Това е сдържаността на силен човек, който не си позволява експлозия от чувства, моменти на отчаяние. И колко много пейзажът говори на зрителя тук! Прозрачната чистота на въздуха, яркостта на слънчевите отблясъци и сенките, плъзгащи се по размразената земя - тази очарователна картина на ранната пролет носи радост в сложния подтекст на сцената. Лист започва да звучи като лирична история и това е много характерно за таланта на Шмаринов. Рисунките на Шмаринов, изпълнени с въглен и черни акварели, преминават през много етапи в процеса. Но те с удоволствие избягват суха външна завършеност, запазвайки треперещата живост на ударите, сякаш току-що поставени от художника.

Само на последните две страници от поредицата - „Завръщане“ и „Среща“ - няма образ на нацистите и въпреки че радостта е все още много далеч, атмосферата става по-ярка, героите дишат по-лесно. Суровият живот на първата година на войната, събитията от които художникът обобщава, му подсказва композицията на поредицата - безмилостното трагично напрежение на повечето от страниците й и ярките нотки на последните рисунки.

По време на военните години В. А. Фаворски (роден през 1886 г.), един от най-старите съветски художници, голям майстор на гравюрата на дърво, също се насочва към станкова графика. По време на кариерата си илюстрацията на книги привлича по-голямата част от вниманието му. И сега съветските и чуждестранните зрители се възхищават преди всичко на хармоничния епичен свят на гравюрите му за „Положението на кампанията на Игор“, на трагичния характер и дълбочина на илюстрациите за „Борис Годунов“, многосричен, пълен с философски обобщения и понякога сурови, понякога завладяващи нюанси на живота, поредица от към трагедиите на „Пушкин. Но вече в края на 20-те години Фаворски създава и красив портрет на Ф. М. Достоевски - напълно независимо нещо, макар, разбира се, тясно свързано с книгите на писателя. Светлината и сянката се съревновават в това обезпокоително листо; тревожно, силно изваял образа на човек, обхванат от вихъра на болезнени мисли. Тук влизаме в контакт с умствен живот с изключителна интензивност, предполагаме вътрешен свят, пълен с противоречия и борба. Има голямо умение в безплатното разнообразие от удари, в мъдрото използване на цвета.

През 40-те години Фаворски създава листовете „Минин и Пожарски“, „Кутузов“. Художникът не беше сам в творческия си призив към славните страници от историята на нашата Родина; те естествено привлякоха особено внимание на художниците и графичните художници през военните години. В поредицата от ритмично тънки линогравюри в Самарканд, изпълнявани едновременно, ходът на ежедневието е уловен с неприбързана грация и лаконизъм. Белият фон, който играе важна роля във всичките му листове, подчертава изяществото на силуетите, музикалността на прости, но обмислени композиции.

По-късно художникът неведнъж се обръща към станкова графика (лист „Летящи птици“, 1959; виж фронтиспис и др.), Но книжната илюстрация го заема в неизмеримо по-голяма степен.

Видно място във военния график принадлежат произведенията на Л. В. Сойфертис (роден 1911 г.). Преди това Сойфертис е работил в областта на сатиричната графика на списанието, а сега често се появява на страниците на списание "Крокодил". През годините на войната участва в битки в Севастопол, Новоросийск, Одеса. Сойфертис имаше много тежки времена във войната, неведнъж смъртта беше до него, но светлината и светлината му талант черпеха от това не жестоките сцени на битка, не трагедията и смъртта, а усмивката на живота, която остава сама и под бомбардировката. Особена острота, забавление отличават позициите, изобразени от него. Морякът бърза към фронтовата линия в обсадения Севастопол, а момчетата - за бързина заедно - усърдно полират обувките му. „Веднъж“ - това е името на този лист. Води се въздушна битка над града в слънчевото небе, жените го наблюдават, а старицата спокойно шие нещо, седнала точно там на един стол на портата. Моряци на прозорец на вестник четат последните новини, застанали в тясна група, настръхнали с щикове с пушки (ил. 16), моряк и фотограф са разположени в бомбен кратер - те се нуждаят от снимка за партиен документ. Всичко това, очевидно, може да се нарече всекидневни епизоди, но това е живот, установен на две крачки от фронтовата линия, а най-невзрачните, дори на пръв поглед, сцени тук са разпръснати с глътка голяма смелост и героизъм. Рисунките на Сойфертис са наистина изящни. И ако в „Самаркандската серия“ на Фаворски преследваните линии и силуети на линогравюри бяха елегантни, Сойфертис има грациозна и красива светлина, чуплива, сякаш небрежни линии на контурния чертеж и оживен, дишащ, леко оцветен прозрачен пълнеж с акварели.

Сойфертис остава художник на мимолетна усмивка и голямо съчувствие към хората в своите рисунки от 50-те години. Неговата серия Metro е поредица от жанрови сцени, забелязани в суматохата на московските подземни дворци, а рисунките и офортите, посветени на децата, все още са изненадващо ярко видени, все още осветени от взискателния интерес към човека. Или трогателни и забавни, сега подигравателни и дори леко гротескни, придобиващи острота в съпоставянето, тези листове винаги ни разкриват някои нови черти на живота, нови в обичайния поток от ежедневието.

Голямото количество материали, натрупани през годините на войната, не се вписват спокойно в архивите на художниците. Много от тях продължиха да работят по военни теми и след края на войната. Особено много рисунки и гравюри за войната бяха показани на изложбите през първите мирни години. В същото време работата на графичните художници естествено е следвала пътя на обобщаване на своите знания и визуални впечатления, по пътя от скица и скица до статив лист и цяла графична поредица. По този начин няколко серии от литографии, базирани на материалите от неговите военни скици, са изпълнени през 1946 - 1950 г. от художника В. В. Богаткин (роден 1922). По време на войната Богаткин едва започва творческата си работа. Много рисува; една от неговите рисунки, изобразяващи млад войник на брега на Тиса (1945), придобива значителна слава. Но основната област на неговата работа беше пейзажът. Тишината на безлюдните улици на обсадения Ленинград, затъмнената Москва, Берлин в дните на краха на фашизма, планини от счупено оборудване по улиците му, съветски танкове на Бранденбургската порта са уловени от Богаткин в неговите литографии. С течение на годините точността на това, което видяхме, съдържащо се в тези листове, създадени в горещо преследване на войната, все повече се оценява от нас.

В края на 40-те и началото на 50-те години картината на развитието на стативната графика беше сложна и до голяма степен противоречива. Художниците успяха да забележат и предадат някои много значими аспекти от нашия живот и най-вече да покажат на човек, преминал през война, радостта от завръщането му на работа, страстната жажда за творение. Това беше особено очевидно в някои трудове, посветени на колективния земеделски труд; красотата на мирните полета на нашата Родина се усещаше в тях като новопридобита, покорена собственост. В същото време в потока от рисунки, изобразяващи съветски хора и тяхното творчество, бяха ясно изразени чертите на илюстративността, бедността на мислите и чувствата. Прозовата документалност попречи на много художници в тези произведения да се издигнат до нивото на поетично обобщение на нашия живот. Появиха се много рисунки и гравюри на исторически и революционни теми, художниците отдадоха своята сила и талант на своето творение, но влиянието на култа към личността ги засегна особено силно. Това попречи на художниците да създават произведения с голяма идеологическа наситеност, доведе до някои произведения до неправилно отразяване на ролята на хората като създател на историята.

Графиката от тези години се развива едностранно в техническо отношение. Много графични техники почти никога не са били използвани; преобладават мастило, въглен и черна акварелна живопис. Само в областта на пейзажа истинската акварелна живопис и някои видове гравюри бяха доста разпространени. Но най-различни техники често съжителстват в пейзажа с вътрешната пасивност на нещата.

От друга страна, през тези години са създадени творби с големи художествени качества. Така през този период се формира оригиналният и силен талант на Б. И. Пророков, сега един от водещите майстори на съветската графика. Работата на Пророков е жизнено свързана с годините на войната, с това, което художникът е видял и преживял по това време. Но Пророците не само се връщаха през всичките тези години със спомена на сърцето си към война, той успя да каже със своето изкуство най-необходимите думи за мира.

Б. И. Пророков е роден през 1911 г. в Иваново-Вознесенск. Склонността му към рисуване се проявява рано, още в гимназията. Неговите училищни рисунки, изпратени на конкурса на вестник "Комсомолская правда", бяха отличени с първата награда. Това дава право на техния автор да получи билет за Висшия художествено-технически институт (Вутейн). Обаче ученето там дава малко на Пророка и продължава по-малко от две години. Само съветите на най-големия майстор на политическата графика Д. С. Мур, който преподаваше литография, бяха много ценни за Пропороков. Без да получи специално образование, Пропороков премина през добро училище - политическо и артистично - на работа в "Комсомолская правда" и впоследствие в списание "Крокодил". По задачите на вестника той пътува много из страната, като вестник се научи да прави голям набор от скици за бъдеща употреба, за да изпълни бързо всяка задача. Повечето предвоенни творби на Пророков са карикатури на вътрешни и международни теми. Отделни плакати, също изпълнени от него, и по-специално лист, разкриващ зверския антихуманистичен характер на фашизма, вече предвещаваха журналистическата интензивност, страст и острота на бъдещите му творби.

От първите месеци на войната Пророците работят във вестника на гарнизона на полуостров Ханко, който героично устоява на обсадата на врага.

„Понякога се срамуваме да говорим за подвига на човек на изкуството толкова силно, колкото за подвига на войник или командир, докато на писател или художник не се случи да замести убития командир в битка и да поведе защитата на височината“, пише участникът в защитата на Ханко, който разказва за това в разказа „Гангуците“ Вл. Рудни. - И не си представям твърда борба на моряците от Гангут * ( * Гангут е името на полуостров Ханко по времето на Петър I) през 1941 г., без пророчески смях и сатира, без ежедневните си живописни фейлетони, щампи, портрети, издълбани поради липсата на цинк за клишета върху линолеум, съблечен от подовете в къщи, разрушени от войната. "Художникът напуска Ханко с последните отряди на" моряците ". Кронщад и Ленинград в блокада, Малая земя край Новоросийск, Берлин и Порт Артур - това са етапите на военния му път. И навсякъде, дори и в най-трудните условия и точно на фронтовата линия, художникът рисува много.

Първата следвоенна поредица на Пророков - „В Гоминдан Китай“ е създадена от него въз основа на видяното в Далечния изток непосредствено след поражението на японските милитаристи. Малък по обем, той само очертава някои от характеристиките на живота на китайския народ, който все още е подложен на колониален гнет и се бори за националното си освобождение. Но страстта на отношението на автора към живота вече е напълно отразена тук. Със съчувствие художникът рисува китайски партизанин - прост, скромен и смел млад мъж, с омраза и насмешка - елегантни американци, организирали нечовешки състезания с рикша; той ни споделя, както ни се струва, безумието на неистовия оратор на ралито и тежката умора на рикшата, приклекнала под парещото слънце от кошчето. В следващите произведения на Пропороков ние, като че ли, ще усетим авторския му глас, винаги неговото пламенно възмущение или любов и затова неговите творби ще ни завладеят със специална сила.

В следващите цикли на рисунки "Ето го, Америка!" и "За мир!" гласът на Пророка-публицист стана по-силен. Животът на страниците му поглъща гневната сила на политическото излагане на империализма. В рисунката "Танкове на агресора до дъното" художникът във вълнуващ жалък образ показва волята на работниците за мир, силата на тяхната солидарност. Порив на възмущение отприщи силите, сплоти монолитна група хора, пускайки резервоар във водата. Листът е лаконичен по състав, пълен с патоса на борбата; тя издържа свободно на големи увеличения и неведнъж поддръжниците на мира извън страната ни го носеха като плакат на демонстрации. Сериалът "Ето го, Америка!" е изпълнен от Пророка като илюстрация за книгата с брошури и есета за Америка. Но тя по същество се превърна в стафелен цикъл - толкова независимо, разбираемо и без текст, съдържанието на нейните листове. По същия начин по-късните илюстрации на Пророков към книгата „Маяковски за Америка“ придобиват статични черти. Призивът към Маяковски беше дълбоко логичен в работата на Пропороков. Художникът е много близо до страстния натиск на стиховете на Маяковски и характерното им редуване на гняв и сарказъм и смели алегорични образи и задължителната политическа оценка на явленията.

Във всичките си произведения, изпълнявани след войната, Пророците се борят за мир, излагат на показ империализма, нечовечността на колониалната му политика, милитаристките му намерения. Но най-мощното изявление на художника за мир беше неговата поредица „Това не трябва да се повтори!“, В която за първи път след смъртоносните битки той докосна военните видения, които не бяха оставили сърцето му.

В неговата поредица са подчертани два листа с противоположно настроение: на единия - „Хирошима“ - обречено лице, което все още ни гледа от ада на атомната експлозия, на другия - млада майка, с ръце в ръце, защитаваща дете, защитаваща ярък живот на земята. Между тези два листа, като в рамка, има поредица от снимки на войната. В тях хората се борят със смъртта, която носи фашизмът; и в смъртния час те презират врага, както млада жена презира палачите, в чиито очи има кървава визия на Баби Яр (ил. 17). Няма подробности, разсейващи огромното напрежение, всеки лист е усещане, взето в най-висшия момент, това е болка, която все още не е предназначена да свърши. Остър силует и близък план са избрани тук като задължителни художествени техники. Само художник с голяма смелост и пламенна вяра в хората би могъл с такава огромна сила да ни повтори жестоката истина за миналата война. Листовете му, изпълнени с болка, гняв и страдание, не оставят никого безразличен. Заветът на чешкия комунист Й. Фучик "Хора, бъдете бдителни!" отново звучи за нас в тази поредица на съветския художник.

Сред творбите, посветени на В. И. Ленин, се открояват рисунките на най-великия майстор на илюстрацията на книги Е. А. Кибрик (роден 1906 г.). В отделни листове от поредицата художникът, който внимателно изучава материалите, свързани с дейността на Ленин в годината на революцията, не само усвоява първата истина за външното сходство, но и се придвижва по-далеч, до дълбините на вътрешните характеристики.

Листът "В. И. Ленин под земята" (ил. 18) възпроизвежда дните от юли 1917 г., когато Ленин, докато живее в Петроград, е принуден да се скрие от кучетата на временното правителство. Как самият художник си представяше сюжета на тази рисунка? Според него тук той е искал да покаже на Ленин теоретик, учен, мислител, който ежедневно се е появявал в онези дни със статии, които са въоръжавали партията в борбата й за диктатурата на пролетариата; конкретния момент, който трябва да бъде изобразен, художникът описва по следния начин: „... Ленин, както беше характерно за него, се разхождаше из стаята, размишлявайки върху огромния материал, който всеки ден носи живот и в който трябва да улови най-важното необходимо е да се насочи партията с друга статия в "Правда". След като намери това важно нещо, той бързо седна на масата, незабавно забравяйки за всичко на света и се хвърли в работа. " Характерно е, че Кибрик си представя изображение в движение и, нарисувайки един момент във веригата на другите, взема предвид предишния. Тишината на малка самотна стая е пълна с напрежението на голямата мъка. Художникът успя да предаде заетостта на Левин, загрижеността му за бизнеса с концентрирания израз на лицето му, позата му на бързо пишещ човек.

Рисунката "В. И. Ленин в Разлив" е различна по настроение: съдържа емоция, сдържан импулс. Потокът от мисли на Ленин е далеч от обкръжението и необятността на крайбрежния пейзаж също изглежда разширява обхвата на листа. В цитираната по-горе книга Кибрик излага подробно процеса на работата си по тези композиции и всеки, който е запознат с неговите рисунки, ще се интересува от четенето на тези страници.

Към средата на 50-те години в графиката има прекрасни неща за нашето съвремие. Художникът Ю. И. Пименов е художник, график и театрален декоратор, с голямата си поредица „Московска област“ ни откри един цял голям свят, изпълнен със светлата радост от живота. Пименов притежава рядък дар за поетично описание на ежедневието, способността да вижда красотата на ежедневието. А забелязаната в обикновеното красота винаги намира своите особено близки пътища до сърцето на зрителя. Нагрятият въздух от горещ ден в предградията и статуетката на момиче на крайбрежна алея, нахални работници при строежа на нови къщи и блясък на дъжда на площада на предградието на Москва - това са простите сюжети на рисунките и акварелите на Пименов. „За художника на жанра, струва ми се, - пише той, - най-ценните находки са онези истински парчета от живота, които е виждал, където голямата истина на страната се разкрива в обикновени, немислени, реални случаи на всеки ден. Бързият темп на работа на нашето време, неговата специална, енергична и делова красота живеят в творбите на художника (виж корицата). В дейността, дейността, може би, се крие основният чар на образите на Пименов и по-специално неговите постоянни героини - жени, работещи на строителна площадка, занимаващи се с ремонт на апартаменти, шиене и домакински задължения. Лекото, леко оцветяване на неговите акварели прави и най-привидно обикновените сцени и неща празнични. Художникът внася и голяма живописност в техниката на черни акварели и въглища. С градации на черно той знае как да предаде дълбочината на сенките, падащи върху водата от дърветата, и прозрачния студ на ранната пролет, и свежестта на дъжда на платформата на гарата, и смолистия комфорт на горския път. Пименов е много солиден художник. Неговият зрителен ъгъл, кръгът на любимите му теми остава същият в поредица от картини от 1940-1950-те години - жанрови сцени, натюрморти, толкова просто и поетично разказващи за съвременник, а в неговите графики и дори в проза - в книга за Московския регион с пламенен ентусиазъм, бързо, грациозно и лесно, с чисто артистична визия за живота в неговата наистина красива, разноцветна маска.

Животът в движение, нов и радостен, роден всеки ден, се втурва да улови Пименов в по-късната му поредица „Нови квартали“.

Посещавайки повече от веднъж в чужбина през 50-те години, Пименов изпълнява поредица от малки платна и скици въз основа на впечатленията от тези пътувания или директно по време на пътуванията си. И тук погледът му остава предимно поглед на човек, влюбен в красотата; журналистиката не е характерна за него. Но скръбните текстове на някои от чуждите му неща неволно звучат като контраст на звучното щастие на неговите листове, посветени на обикновените дни и дела на нашия живот.

Чуждестранните неща на Пименов не бяха сами в графика ни. През 50-те години на миналия век и след това, когато международните културни връзки на страната ни се разширяват и много художници пътуват до различни страни по света, се появява цяла група поредици, базирани на впечатленията от тези пътувания. Те обикновено съдържаха сцени от уличния живот, пейзажи, отделни портретни листове. Художниците разказваха за видяното, показвайки живописни кътчета на природата, известни паметници на архитектурата и скулптурата, ежедневни характеристики, хора, срещани на пътувания. Повечето от тези творби се характеризират с принудителна плавност. Но в резултат на пътуванията бяха създадени и пълни поредици, в които репортажът и скицизма бяха заменени от истинско художествено обобщение. От запознаване с такива цикли зрителят получи не само верига от ярки туристически впечатления, но и нови знания за определена страна и естетическо удоволствие.

Едно от тези неща е поредицата на Н. А. Пономарев (роден 1918 г.) „Северен Виетнам“, създадена през 1957г. Появата на тази страна, видяна от художника, е пълна с чар: сиво-синьо високо небе, простори на спокойни води, оризови полета и верига от люлякови скали на хоризонта, ту ясно видими, ту разтопени в перлена мъгла. Спокойната, леко съзерцателна поезия на ежедневието живее в тези листове. Хората са изобразени с дълбоко съчувствие - скромните, трудолюбиви хора на Виетнам - рибари, миньори, жени, отиващи на базара (ил. 19), в очакване на преминаването край залива. Деликатното и фино оцветяване придава изразителност на рисунките. Виетнамската поредица беше в много отношения повратна точка за своя автор. Художникът започва пътуването си с рисунки с въглен и черен гваш, посветени на миньорите на Донбас (1949-1950). Те имаха много добросъвестност и труд и по-малко творческо вдъхновение. Рисувайки Виетнам, художникът открива в работата си не само нови поетични нотки, но и способността на колорист, който знае как да види хармонията и декоративността на смесената техника на гваш и пастел.

От поредицата, базирана на чужди впечатления, интересни бяха и произведенията на О. Г. Верейски (роден 1915 г.). О. Верейски - сега виден илюстратор на книги от съветски писатели и график-статив - дължи първите си познания по изкуство на баща си Г. С. Верейски. Учил е и в Художествената академия в Ленинград. С еднаква свобода О. Верейски също има мек, живописен тонов рисунък с черна акварел или мастило и ярки контрасти на ясна, категорична техника на рисуване с писалка. Напоследък художникът се интересува от някои техники за гравиране и част от рисунките му, изпълнени в резултат на пътувания до Египет, Сирия и Ливан, се повтарят на щампи. Един от най-добрите сред тях е лист, наречен "Почивай на пътя. Сирия" (ил. 20). Той е красив на цвят и лаконична композиция, но основният му чар е в образа на жена. Изискана красота и лека тъга на лицето, сдържана нежност на жеста и естествена грация на жената се възпроизвеждат от художника с истинско естетическо удоволствие. Листовете от „Американски сериали“ на О. Верейски, който видя не само церемониалните, но и сенчестите, ежедневни черти на американския живот, също са пълни с точни наблюдения.

Знанията ни за тази страна също се допълват с изящните в нейните линейни скицирани рисунки с писалка от В. Горяев - художник с остър, донякъде саркастичен маниер, илюстратор Марк Твен, постоянен служител на списание „Крокодил“

Следвоенната графика се характеризира с големите успехи на художниците от съюзните републики. Сега най-мощните графични колективи се сформират в Украйна, Естония, Литва и Латвия. Както рисуването, така и акварелът имат свои собствени велики художници в тези републики и изкуството на графиката се развива тук и тогава, когато в края на 40-те и началото на 50-те години то е в упадък в РСФСР.

Като пример за украинска станкова графика може да се посочи поредицата „Украинска народна дума и песни“ от М. Дерегус. Широко замислен, включително листове с различни настроения и теми, този цикъл характеризира зрелостта на украинската графика, въпреки че в работата на самия Дерегус - пейзажист и илюстратор par excellence - стои донякъде отделно. Тъгата и надеждата на листа „Дума на Марус Богуславка“ и трагедията на самотата, измамената вяра в хората в листа „Дума на тримата братя Азови“ са заменени от смелата поезия на нашето време в композицията „Дума на партизаните“ с централния образ на Ковпак. Младите украински художници В. Панфилов, посветил гравюрите си на стоманодобивни производители, и И. Селиванов, създал листове на историческа и революционна тематика, успешно работят в графиката. Типичен жанр за украинската графика е индустриалният пейзаж, обикновено изпълнен в техники за гравиране. Негови майстори са В. Мироненко, А. Пашченко, Н. Родзин и др.

В балтийските републики пейзажната графика е много разнообразна. Тук е силен поток от камерен лиричен пейзаж, емоционален, притежаващ голям чар. Негови създатели са естонски художници, печатници Р. Кальо, А. Кееренд, Л. Еносаар, акварелист К. Бурман (младши), графични художници на Латвия - А. Юнкер, Литва - Н. Кузминскис и др. В техните произведения има лирични размисли и тясна комуникация с природата, която обогатява душата и всеки път красотата на родните им полета, живописния древен Талин и т.н. се разбира по нов начин.

В творбите на най-стария естонски чертожник Г. Райндорф пейзажните изображения придобиват по-философски колорит. Сега ни е трудно да си представим напълно дългия творчески път на този художник, тъй като почти всички негови предвоенни творби загиват по време на Великата отечествена война. Но следвоенният период на неговата дейност също е плодотворен. Райндорф е роден през 1889 г. в Санкт Петербург. След като успешно завършва Школата за техническо рисуване в Щиглиц, той получава право да пътува в чужбина и заминава за Франция. Краткият период на пенсиониране в чужбина е прекъснат от Първата световна война. Завръщайки се в родината си, Рейндорф работи в областта на приложната и пейзажна графика, занимава се с преподаване. Основните му творчески интереси през 1940-1950 г. са погълнати от пейзажа и отчасти книжната илюстрация. През тези години той изпълнява творбите си предимно под формата на рисунки; по-рано художникът също създава изразителни гравиращи листове. Стремежът на Райндорф към обективна точност на изображението понякога отива в ущърб на емоционалното богатство на неговите листове, но в най-добрите му творби тези два принципа се комбинират. Най-характерни в това отношение са неговите листове „В горещите дни на август“ (1955). Особена хармония обединява всичко живо в този селски пейзаж, а виртуозната техника на рисуване с графитен молив придава на листовете тонално богатство и специално филигранно изпълнение.

В графиките на Прибалтика има и линия от романтичен пейзаж, наситена с патоса на бурните неспокойни човешки чувства. В гравюрите на латвийските художници П. Упитис, О. Абелите, в отделни листове от М. Озолинс, изображенията на природата са оцветени с остра емоционалност, пълна с вътрешно напрежение.

В офортите на жителя на Рига Е. Андерсън пейзажът се превръща в среда, в която се разгръща величественото действие на труда.

Много балтийски художници действат и като художници на пейзажи, и като автори на тематични неща, а това само обогатява техните произведения. В многостранната работа на естонския художник Е. К. Окас (роден през 1915 г.) например могат да се намерят пейзажни листове, портрет и тематични предмети. Окас е роден в Талин в семейство на работническа класа и е учил там - първо в Държавното училище по индустриално изкуство, а след това и в Държавното висше училище по изкуства. По време на Великата отечествена война той работи като фронтови художник. Окас е едновременно художник и майстор на илюстрацията на книги. Но ако образите, които той е създал за страниците на книгите, понякога са отделени от нас в продължение на десетилетия и векове, героите на неговите стативи винаги живеят в съвременността, вдъхвайки в никакъв случай спокойна атмосфера. Усещането за сложността на съвременния свят с острите му социални противоречия изпълва например листовете от холандската и италианската поредица от скици за пътуване на Окас, изпълнени основно от него в различни техники за гравиране. Остро зрими и строго правдиви, тези отпечатъци звучат като истинска журналистика. Литовският художник В. Юркунас (роден през 1910 г.) също работи в книжната и станкова графика. Завършва Художественото училище в Каунас през 1935 г. и постоянно се занимава с преподаване. В неговите гравюри хората изглежда са особено тясно свързани с родната си природа, родната си земя. Такива са героите на възпроизведеното от него стихотворение на Майронис (1960; ил. 21), такава е малката колхозна жена, спечелила симпатиите на много зрители - образът на младежа, който се разхожда по красивата земя, гениално прост и весел, зашеметяващ с уникалната цялост на чувствата („Ще бъда доярка“, 1960). Техниката за гравиране на линолеум в листовете на В. Юркунас притежава както лаконизъм, така и гъвкавост, тя естествено служи за създаване на неговите леки, оптимистични образи.

Трафикът от Прибалтика работи с ентусиазъм в областта на портрета и ако сред произведенията на художници от РСФСР сега имаме, освен неизменно успешните, но вече редки изпълнения на Г. С. Верейски, само рязко характерни офортни портрети на М. Фейгин, в Прибалтика ще бъдем доволни от деликатното и разнообразно умение редица портретисти.

Естонският художник Е. Айнман (роден през 1913 г.) е постигнал много в този жанр. Той е получил образование в Държавното училище за приложни изкуства и във Висшето училище по изкуствата в Талин, творческият му път започва по време на Великата отечествена война. Сега, в дълга поредица от негови творби, чертите на таланта му са ясно видими. Замислено и внимателно отношение на художника към вътрешния свят на неговите модели. Уважението към човека е характерна черта на неговата работа. Винаги се проявява, независимо дали художникът рисува стар рибар или млад ученик от професионално училище, медицинска сестра или актриса. В същото време прекият опит на автора, оценката на модела, остава някъде настрана, главното е сдържана и обективна история за него. Портретите на Айнман пленяват с тънкостта на графичен маниер, който е чужд на външни ефекти. Тази тънкост отличава неговите листове, изпълнени с графит или италиански молив, и акварели, и литография.

Емоционално и лирично е портретната работа на естонския художник А. Бах-Лийманд, който особено успява в женски и детски образи. Портретите и автопортретите на литовския художник А. Макунайте, работещ в линогравюра, са пълни със сериозни мисли. Портретите с въглен, създадени от младия латвийски чертожник Ф. Паулук, са изразителни.

Графиката в Украйна и Прибалтика има дълга традиция и следователно успехът й в много отношения е естествен. Но дори и в такива републики като Киргизстан или Казахстан, където графичното изкуство е много младо, то вече постигна забележими успехи.

Водещият графичен художник в Киргизстан е Л. Илийна (родена през 1915 г.), ученичка на Московския полиграфически институт, която от много години работи във Фрунзе. Монументалност, големи форми, лаконична реч са характерните черти на нейните линогравюри. През последните години Илина, като се отдалечава от книжната илюстрация, изпълнява много стативни неща, и по-специално пейзажната поредица от дърворезби „Родни земи“ (1957) и голяма серия цветни линогравюри, посветени на жената от нейната република. Характеристиките на новото, което отличава живота ни, може би са особено забележими в съдбите на жените, показани от киргизката художничка. Трудът не огъва жените сега, а само придава величие и значение на позата. Свободна, лесна позиция отличава както момичето-производител на цвекло (1956), така и делегатите от далечния Тиен Шан, които внимателно слушаха оратора (1960). Линогравюрните гравюри на Л. Илийна са пластмасови, обемът е формован свободно в тях с оживен, груб щрих, големи цветни петна. В същото време винаги се запазва силуетната декоративност на листа (ил. 22).

В Азербайджан художникът М. Рахман-заде (роден през 1916 г.), който изобразява офшорните петролни полета в Каспийско море, интересно работи в областта на цветната литография. Тя знае как да въведе разнообразни мотиви в поредицата си, привидно сходни и в същото време да открива нещо ново всеки път в индустриалния пейзаж. Листът "Trestle" от нейните творби през 1957 г. се откроява наред с другите с хармонията на композицията, звучната комбинация от ярко жълтия тон на водата и черния ажур на конструкции. Това са част от постиженията на републиканските гравьори и чертожници.

Днешните графики са много различни от тези от първото следвоенно десетилетие. Какво ново, толкова за разлика от предишното, се появи в него? Ако по-рано само в отделни неща модерността е била уловена с истинско поетично обобщение, сега нейните живи черти са разпръснати в много графични произведения. Масивният завой на художниците към модерността дава резултати. Модерността се усвоява в своите не външни, дълбоки черти, пред художниците се разкрива ново лице на нашата страна, на съветския човек. В много отношения графиките от последните години имат нещо общо с живописта. Суровото и бурно лице на времето се вижда от художниците на тези изкуства, специална дейност на светоусещането прониква в техните творби. И жаждата за нови, все още не проверени художествени форми също е обща за тях. В графиката всичко това се отнася главно до графиката. Възходът му започва в средата на 50-те години и сега можем да говорим за истинския му разцвет. Този разцвет е свързан преди всичко с притока на нови млади сили в стативната гравюра. Но за това допринесоха и вече опитни художници. В пейзажите на А. Ведерников, например, Ленинград, обременен с много традиции на своето изобразяване, неочаквано се появява в такъв нов облик, искрящ с чисти цветове, че изглежда се вижда за първи път. Техниката на цветна литография на Ведерников не имитира нито цветна рисунка с молив, нито подробна акварелна живопис. Художникът оперира с обобщени форми, смели комбинации от няколко чисти тона. Търсенето му на декоративност в цветната литография е едно от многото, характерни за графиката.

Сред успеха на печата включваме дърворезбите на Ф. Д. Константинов за селския труд, и особено неговия пейзажен лист "Пролет в колективна ферма" (1957; ил. 23), и пейзажите на арменския художник М. М. Абегян - "Скалист бряг на Занги", „В планината Бжни” (1959) и много други творби на художници от по-старото и средното поколение.

Но новото, отличаващо съвременното тиражиране, се усеща особено ясно в нещата на младите. И. Голицин, А. Ушин, Г. Захаров, Я. Манухин, И. Сбросов, Л. Тукачев, К. Назаров, В. Попков, Д. Нодия, И. Некрасов, В. Волков - цяла плеяда млади хора, които говореха ярко в печат. Виждаме обикновени крайградски пейзажи в „Сюита за жиците” на А. Ушин (роден 1927), ученик на Ленинградското художествено-педагогическо училище (ил. 24). В чаршафите му не се случват никакви събития, само електрически влакове се втурват в мълчание и в същото време тук се случва много - стоманени ферми, които поддържат проводници, издигат се снопчета светлина от прозореца на влака, дебелата нощна тъмнина, бял мълния дъжд го пресича облаци се трупат в ослепителна купчина в черното небе - животът продължава, уникален, жив, усеща се много остро, в най-активното си, напрегнато състояние. Именно това остро, активно възприемане на живота в неговата постоянна динамика отличава много творби на младите хора. Той обединява техните произведения. Но освен това младите хора са много индивидуални в работата си. Всеки от тези художници вече има свое лице в изкуството, собствена преценка за живота, свое разбиране за езика на гравюрата.

Просторните пейзажи и лирични сцени на Г. Захаров с подчертания им ритъм на големи черно-бели щрихи и петна звучат уникално. Детайлизирани са замислените, леко иронични новели пейзажи от И. Голицин, където всяка къща е цяла история за живота на огромен град, а улично кръстовище ни се разкрива за миг и донякъде песимистична визия свитък от човешкото ежедневие. Гъвкавата техника на гравиране на сребро на Голицин е до голяма степен повлияна от Фаворски. Тънкостта на дърворезбите, нейното тонално богатство, толкова подчинено на Фаворски, сякаш разширява хоризонтите на Голицин, художник на по-голяма, по-смела техника на гравиране на линолеум (ил. 25).

Леко тежък, значим и в най-обикновените си прояви животът тече 24. А. А. У шин. Дъжд. 1960 г. на голям град в офорти от Ленинградер В. Волков. Освободени от суматохата на дреболии, неговите чаршафи монументализират реалността, сякаш разкривайки в потока на ежедневието нейния смел величествен ритъм. И хората са показани от художника в един, но съществен аспект - те са строги, лаконични хора на труда.

Грузинският художник Д. Нодия активно вижда динамиката на индустриалния пейзаж и сцените на труда. Прозрачният свят на младостта, прекрасното сливане на детската яснота на душата и възрастната тънкост на умствените движения е разкрит от Я. Манухин в крехкия образ на популярната му „Трева“.

Същият художник, в гравюра, посветена на борбата за мир, постига специален израз на образа, който олицетворява гнева и болката на Хирошима. В същото време Манухин научи много от близостта на статива си до изкуството на плаката (ил. 26).

В. Попков говори подробно, с ентусиазъм за работата на транспортните работници в поредица от гравюри и гваши (ил. 27), който се появи през последните години по интересен начин като художник. Във всички тези творби младите художници ни разкриват различни аспекти на нашата съвременност, видяни по свой собствен начин и много свежи.

Разбира се, не всичко в графиката е успешно само сега. Има и малко описание на ежедневието, илюстративност. Често се срещаме с тях в серии, посветени на труда, както и със скучния протокол в индустриалния пейзаж. Има и неща, чието цялостно значение се изчерпва от външната им декоративност. От друга страна, нещо ново, което се разкри през последните години в графиката, също се роди в рисуването, въпреки че тук не се появи толкова мощна група млади хора. Творческият път на В. Й. Цигал (роден 1916 г.) е показателен в това отношение. Започва през първите следвоенни години с поредица от рисунки с мастило и акварел, в които животът и делото на съветските хора са показани автентично и често лирично и топло, но все още без големи художествени открития. В същото време Цигал е бил частично възпрепятстван от прекомерната си активност, желанието да обхване с изкуството си твърде широк кръг от жизнени явления. Цигал работи бързо, големи серии от негови листове се появяват на почти всички големи изложби. Но истинска творческа концентрация му дойде едва когато започна да пътува и изучава живота на селяните в планинските села на Дагестан, за относително дълго време той беше увлечен от тази една тема, разбира се, доста благодарен за художника. Така се появява неговият сериал „Дагестан“ (1959 - 1961), който е голяма крачка напред за Цигал. В този цикъл има както неуравновесеното очарование на новостта от живота на планинците, разкрито на художника, така и някои много интимни ежедневни черти, забелязани от приятелски поглед, и особеното усещане за хармония между човека и природата. Листовете й са изградени върху фино съпоставяне на мотиви, характерни за Дагестан, но внезапно ярко разкриващи ни както спецификата на начина на живот, така и отношенията на хората, вечни и в същото време донякъде неуловимо модерни (ил. 28).

В настоящия възход на станкова графика сложното / фино изкуство на акварела е намерило своето място. Акварелите изискват особено верен външен вид и бърза, прецизна ръка. Почти невъзможно е да се коригира, а движението на четка с боя и вода е измамно лесно и изисква строга дисциплина от художника. Но колористическите възможности на акварела са богати, а полупрозрачността на хартията под прозрачен слой боя й придава уникална лекота и изящество. "Акварелът е живопис, която тайно бих искал да стана графика. Акварелът е графика, която се превръща в учтиво и деликатно рисуване, изграждайки своите постижения не върху убиваща хартия, а върху необикновеното разкритие на нейната еластична и нестабилна повърхност", пише веднъж А. А. Сидоров, най-големите експерти по съветска графика. Днес, както и през 30-те години на миналия век, ние сме преди всичко художници на пейзажи. Творбите на С. Боим, Н. Волков, Г. Храпак, С. Семенов, В. Алфеевски, Д. Генин, А. Могилевски и много други показват живота на един съвременен град, природата в богатството на нейните цветове, в нейното красиво разнообразие. И все по-малко пасивна описателност намира подслон в пейзажа.

Това са някои от характеристиките на съвременната съветска графика. Картината й обаче е толкова сложна и богата, че със сигурност заслужава отделно описание. Целта ни беше само да се запознаем с работата на най-известните майстори на станкова графика и отделни моменти от нейната история.

Художникът Ю. И. Пименов, чиито рисунки бяха обсъдени по-горе, пише: „Пътят на художника е пътят на очарователния живот и пътят на неговия израз, пълен с разочарования и неуспехи. след това ехо, някъде се приема и процъфтява вълна от това чувство. " В името на това „зърно от желаното“, заради реакционна вълна от чувство, абсолютно необходимо за художника, и се извършва цялата му трудна и радостна работа.

Известни художници, скулптори, графици

Айвазовски Иван Константинович(1817-1900) - руски художник, майстор на морския пейзаж („Деветата вълна“, „Черно море“).

Боровиковски Владимир Лукич(1757–1825) - руски и украински портретист, сантименталист (портрети на М. И. Лопухина, А. Б. Куракин).

Bosch (Boss van Aken) Hieronymus (Hieronymus)(около 1460-1516) - холандски художник, един от най-големите майстори на Северния Ренесанс.

Ботичели Сандро (Алесандро ди Мариано ди Вани Филипепи)(1445-1510) - най-големият италиански художник от ранното Възраждане.

Брейгел Старият Петър („Селянинът“)(около 1525-1569) - фламандски художник и график, майстор на пейзаж и жанрови сцени.

Брюлов Карл Павлович(1799-1852) - руски художник, чертожник, майстор на интензивни драматични картини („Последният ден на Помпей“) и церемониални портрети („Конница“).

Ван Гог Винсент(1853–1890) - холандски художник, представител на постимпресионизма. Контрастите на цветовете, стремителният ритъм са характерни за картините му. Той създава трагични образи по болезнено напрегнат, изключително експресивен начин, изграден върху контрастите на цветовете, стремителния ритъм, върху свободната динамика на пастообразна мазка („Нощно кафене“, „Пейзаж в Оверс след дъжда“).

Ван Дейк Антъни (1599-1641) -фламандски художник, виртуоз по живопис, ученик на Рубенс. Творбите му са белязани с благородна духовност („Автопортрет“).

УангЕйк Ян(около 1385 или 1390-1441) - фламандски художник от ранния Ренесанс, майстор на портрета, автор на над 100 композиции на религиозна тематика, един от първите художници, овладял техниката на рисуване с маслени бои.

Васнецов Виктор Михайлович(1848–1926) - руски пътуващ художник. Създава платна на теми от руски епоси и приказки („Alyonushka“, „Три героя“).

Вато Антоан(1684-1721) - френски художник, майстор на жанровата живопис.

Веласкес Диего (Веласкес Родригес де Силва)(1599-1660) - испански художник. Платната на Веласкес („Закуска“, „Доставяне на Бреда“) се отличават с чувство за хармония, финес и богатство на цветовете.

Алексей Венецианов(1780-1847) - руски художник. Повечето му творби са на теми за селския живот, написани от живота.

Верешчагин Василий Василиевич(1842-1904) - руски бояджия. В своите творби той показва ужасите на войната („Апотеозът на войната“). Убит при експлозията на линейния кораб "Петропавловск" в Порт Артур.

Вермеер Делфт януари(1632-1675) - холандски художник, отличаващ се с поетичното си възприемане на ежедневието („Момиче, което чете писмо“).

Веронезе (Каляри) Паоло(1528-1588) - италиански художник от Възраждането. Картините, които той създава, са празнични и изискани.

Врубел Михаил Александрович(1856-1910) - руски художник от Сребърната ера. Той гравитира към философско обобщение, трагедия, символично разбиране на сюжета („Принцеса на мечтите“, „Демон“).

Вучетич Евгений Викторович(1908–1974) - руски съветски скулптор (фигурата на Родината на Мамаев курган във Волгоград).

Ге Николай Николаевич(1831–1894) - известният руски художник, майстор на портрети, исторически и религиозни картини („Тайната вечеря“, „Петър I разпитва царевич Алексей Петрович в Петерхоф“, „Какво е истината?“).

Гейнсбъро Томас(1727–1788) - английски художник, график, портретист и пейзажист.

Гоген Йожен Анри Пол(1848–1903) - френски художник, керамичен скулптор и график. Заедно с Сезан и Ван Гог, той се смята за най-големия представител на пост-импресионизма.

Гоя Франциско Хосе де(1746–1828) - испански художник и график, смел новатор във формата. Сред неговите творби са фрески, картини (Maja Nude), поредица от щампи (Caprichos).

Греко (El Greco)(Доменикос Богородичен) (1541-1614 ) - испански художник от гръцки произход, чиито творби се характеризират с мистична екзалтация („Портрет на инквизитора“).

Дейвид Жак Луи(1748–1825) - френски художник, поддръжник на класическата школа по живопис („Клетвата на хоратиите“).

Дали Салвадор(1904–1989) - испански художник, един от най-видните представители на сюрреализма. В картините си той придава видимо доверие на неестествени ситуации и комбинации от предмети.

Дега Едгар (1834–1917) - френски художник импресионист, майстор на пастели ("Сини танцьори").

Delacroix Eugene (1798–1863) - френски художник и график, ръководител на френския романтизъм („Свободата, водеща хората“).

Джорджоне(1477–1510) - италиански художник, един от основоположниците на изкуството от Високия ренесанс („Спящата Венера“, „Джудит“).

Джото ди Бондоне(1266–1337) - италиански художник, основоположник на съвременната живопис („Плачът на Христос“).

Донатело (Donato di Niccolo di Betto Bardi) (1386–1466) - италиански скулптор, един от "бащите" на Ренесанса.

Дюрер Албрехт(1471-1528) - немски художник и график от епохата на Ренесанса, теоретик на изкуството (автопортрети, "Мадона и дете", гравюри).

Кандински Василий Василиевич(1866-1944) - руски художник и график, авангард, един от основателите на абстрактното изкуство.

Канова Антонио(1757-1822) - италиански скулптор, най-значимият представител на класицизма в европейската скулптура.

Караваджо Микеланджело да (Микеланджело Мериси Караваджо)(1571-1610) - италиански художник, реформатор на европейската живопис от 17 век, един от най-големите майстори на барока.

Кипренски Орест Адамович(1782–1836) - руски художник и чертожник, представител на романтизма (портрети на Александър Пушкин).

Клодт Петр Карлович(1805-1867) - руски скулптор, представител на класицизма, живописец (коне на моста Аничков в Санкт Петербург).

Коровин Константин Алексеевич(1861–1939) - руски художник и театрален художник, изящен майстор на пленер, близо до импресионизма.

Крамской Иван Николаевич(1837-1887) - руски художник, пътуващ, учител И. Е. Репин („Майска нощ“). Майстор на психологически портрет, разкриващ сложни умствени движения („Непознатият“).

Кранах Лукас Стари(1472-1553) - немски художник и график, който съчетава художествените принципи на Ренесанса с готическата традиция, блестящ портретист.

Куинджи Архип Иванович(1841-1910) - руски пейзажист, пътуващ. Произведенията на Куинджи демонстрират декоративна звучност на цвета, илюзорни ефекти от осветление близо до природата („Нощ на Днепър“).

Ларионов Михаил Федорович(1881-1964) - руски художник, авангардист, абстракционист, създател на т. Нар. Районност.

Левитан Исак Илич(1860-1900) - руски пътуващ художник, пейзажист, създател на „пейзажа на настроението“, разкриващ фините нюанси на природните състояния („Над вечния мир“).

Левицки Дмитрий Григориевич(1735–1822) - руски портретист от 18-ти век, майстор на церемониални портрети.

Леонардо да Винчи(1452-1519) - италиански художник, скулптор, архитект и учен. Той въплъти идеала за женска красота в световноизвестната картина "La Gioconda" ("Mona Lisa").

Лизип(IV век пр. Н. Е.) - древногръцки скулптор, придворен художник на Александър Велики.

Масачо (Томазо ди Джовани ди Симоне Касай)(1401-1428) - италиански художник, в своите творби се стреми да въплъти идеята за човешкото съвършенство.

Малевич Казимир Северинович(1878-1935) - руски абстрактен художник („Черен квадрат“), основател на супрематизма.

Мане Едуард(1832-1883) - френски художник, един от най-ярките представители на импресионизма. Неговите творби се отличават със свежест и острота на възприемане на реалността („Концерт в Тюйлери“).

Анри Матис(1869-1954) - френски художник, график, одобрил орнаменталния стил в витражи, гравюри, литографии, основател на фовизма.

Микеланджело Буонароти(1475-1564) - италиански художник, скулптор и архитект („Давид“, живопис на Сикстинската капела в Рим).

Мирон от Елевтера(5 век пр. Н. Е.) - гръцки скулптор от епохата, непосредствено предшестваща най-високия разцвет на гръцкото изкуство (края на 6 - началото на 5 век). Най-известната творба на Мирон е "Дискоболус".

Модиляни Амедео(1884-1920) - италиански художник. Творбите на Модиляни се характеризират с музикална изтънченост на силуета и цвета, лаконична композиция.

Моне Оскар Клод(1840-1926) - френски художник, един от основателите на импресионизма.

Мунк Едуард(1863-1944) - норвежки живописец и график, един от основателите на експресионизма („Писъкът“).

Мухина Вера Игнатиевна(1889-1953) - съветски монументален скулптор („Работница и колхозна жена“).

Перов Василий Григориевич (Криденер)(1834–1882) - руски художник, един от членовете-основатели на „Асоциацията на пътуващите художествени изложби“ („Тройка“, „Портрет на Ф. М. Достоевски“, „Ловци в покой“).

Петров-Водкин Кузма Сергеевич(1878-1939) - руски съветски художник ("Къпане на червения кон"), символист, романтик.

Пикасо Пабло Руис(1881-1973) - френски художник, работи в няколко направления - кубизъм, реализъм и др. Създава творби, пълни с болка и протест („Герника“), автор на известната „Гълъб на мира“.

Пиросмани Нико(1862-1918) - грузински примитивистки художник. Рисува групови портрети, знаци, рязко предавайки усещане за пълнота и радост от живота.

Праксител(IV век пр. Н. Е.) - древногръцки скулптор, роден в Атина ок. 390 пр.н.е. д. Автор на известните композиции "Хермес с бебето Дионис", "Аполон убива гущер". Повечето творби на Праксител са известни от римски копия или от описания на древни автори.

Пусен Никола(1594-1665) - френски художник, представител на школата на класицизма („Пейзаж с Полифем“).

Рафаел Санти(1483-1520) - италиански художник и архитект, чиито платна се отличават с класическа яснота и величествена духовност. Той прослави земното съществуване на човека, хармонията на неговите умствени и физически сили („Сикстинска Мадона“).

Рейнолдс Джошуа(1723-1792) - английски художник и теоретик на изкуството. Виртуозен портретист ("J. O. Heathfield"), той също пише на исторически и митологични теми.

Рембранд Харменсън ван Рейн(1606-1669) - холандски художник, чертожник, ецър. Рисува сцени със сложна психологическа структура, портрети („Нощна стража“, „Даная“).

Реноар Огюст(1841-1919) - френски художник, график и скулптор, близък до импресионистите. Той пееше чувствената красота и радостта от битието.

Репин Иля Ефимович(1844-1930) - руски и украински художник. Той разкри духовната красота на хората, любовта им към свободата („Казаците пишат писмо до турския султан“, „Баржи на Волга“, „Те не очакваха“).

Рьорих Николас Константинович(1874-1947) - руски художник, от 20-те години на миналия век живее в Индия, чиято философия оказва огромно влияние върху творчеството му.

Роден Огюст(1840-1917) - френски скулптор, новатор във формата (Мислителят, граждани на Кале).

Рокотов Федор Степанович(1735-1808) - изключителен руски художник. Сред творбите на художника има тънки в живописта, поетични портрети, пропити с осъзнаване на духовната и физическа красота на човек.

Рубенс Питър Пол(1577-1640) - фламандски художник. Пейзажите му са пропити с усещане за мощни природни сили. Сцените на селския живот (Завръщането на жътварите) са пропити с демократичен дух.

Рубльов Андрей(около 1360-ок. 1430) - великият руски художник, иконописец, най-големият майстор на московската живописна школа. Творбите на Рубльов са пропити с дълбока хуманност и възвишена духовност („Троица“, картини на много катедрали, икони).

Саврасов Алексей Кондратиевич(1830-1897) - руски пейзажист, пътуващ. Той предаде поетичната красота и значението на ежедневните мотиви („Пристигнали са топовете“).

Сарян Мартирос Сергеевич(1880-1972) - арменски художник. Майстор на жизнеутвърждаващ, емоционален пейзаж, ярък и декоративно обобщен по стил („Долината на Арарат“, „Армения“), остър психологически портрет и натюрморт празничен в цвят.

Сезан Пол(1839-1906) - френски художник, пост-импресионист („Банките на Марна“, „Праскови и круши“).

Серов Валентин Александрович(1865-1911) - руски художник и график, пътуващ. Ранните творби („Момиче с праскови“) се отличават със своята свежест и богатство на цветовете.

Снайдърс Франция(1579-1657) - фламандски художник, майстор на натюрморти и анималистични композиции в бароков стил („Бой с петли“, „Търговец на плодове“).

Суриков Василий Иванович(1848-1916) - руски художник-пътуващ, много платна са посветени на повратни моменти в руската история („Боярина Морозова“ и др.). Портрет майстор.

Тинторето (Робусти) Якопо(1518-1594) - италиански художник, един от най-великите художници на венецианската школа от късния Ренесанс.

Тициан (Тициан Вечелио)(1476-1576) - италиански художник, ръководител на венецианската школа. Неговите творби се отличават със своята жизнерадост, многостранност на възприемането на живота (Венера и Адонис, Даная), а в по-късните творби - интензивна драма.

Торвалдсен Бертел(1768-1844) - датски скулптор, представител на класицизма. Скулптурите на Торвалдсен се характеризират с пластична завършеност, сдържаност и идеализация на образите („Джейсън“).

Тропинин Василий Андреевич(1776-1857) - руски художник, майстор на романтичния портрет.

Тулуза-Лотрек Анри де(1864-1901) - френски график и художник, пост-импресионист.

Фидий(5 век пр. Н. Е.) - древногръцки скулптор от високите класики. Работата на Фидий се счита за едно от най-високите постижения на древното изкуство (статуи на Атина, Олимпийски Зевс).

Хокусай Кацушика(1760-1849) - японски художник и чертожник, майстор на цветен дърворез.

Челини Бенвенуто(1500-1571) - италиански скулптор, архитект и писател. Един от най-известните представители на маниеризма.

Шагал Марк(1887-1985) - френски художник, последовател на сюрреализма. Повечето от неговите образи са вдъхновени от руски и еврейски народни мотиви.

Шишкин Иван Иванович(1832–1898), руски художник, един от най-големите майстори на реалистичната пейзажна живопис. Академик (1865), професор (1873), ръководител на ландшафтната работилница (1894–1895) на Художествената академия. Член-основател на Асоциацията на пътуващите художествени изложби.

Ашер Морис Корнелис(1898-1972) - холандски график. Той е най-известен със своите концептуални литографии, гравюри на дърво и метални гравюри, в които майсторски изследва пластичните аспекти на концепциите за безкрайност и симетрия, както и особеностите на психологическото възприемане на сложни триизмерни обекти.

Ярошенко Николай Александрович(1846-1898) - руски художник-пътешественик. Портретите, пейзажите, жанровите сцени („Пожарникар“, „Стари и млади“) се отличават със своята драматичност.

Този текст е уводен фрагмент.

По-долу ще бъдат представени художници, които са известни по целия свят благодарение на способността им да рисуват с обикновен молив от шисти. Всеки от тях има свой собствен стил, индивидуалност, както и любими теми за творчество. Освен това името на всеки автор е и линк към личната онлайн галерия на художника, където можете да изучавате по-подробно и подробно рисунките с молив и биографията на всеки от тях.
Докато разглеждате изображенията, ще забележите някои интересни черти във всяка от картините. Някои се отличават с меки линии, плавни преходи на светлина и сянка и рационализирани форми. Други, напротив, прилагат твърди линии и ясни щрихи в своето изкуство, които създават драматичен ефект.
По-рано на нашия сайт вече публикувахме изображения на някои майстори. Ето списък със статии, където можете да видите също толкова атрактивни рисунки с молив.

• Албум с невероятни илюстрации на Матиас Адолфсон;

JD Hillberry

JD Hillberry имаше естествени способности и силно желание да насочи вниманието към работата си като дете. Страстта и талантът направиха художника един от най-добрите художници за рисуване с молив в света. Още докато учи в Уайоминг, той започва да развива собствена техника, смесвайки въглен и графит, за да постигне фотореалистичен ефект в своите рисунки. JD използва едноцветна светлина, за да привлече вниманието на зрителя към играта на засенчване и текстура. По време на кариерата си той се опитва да надхвърли реализма и изражението. След като се премества в Колорадо през 1989 г., Hillberry започва да експериментира с трик рисунки. Традиционно този вид работа се извършва в масло, но успешно предава реализма на сюжета с помощта на молив. Зрителят, гледайки такива изображения, се заблуждава, като мисли, че обектът е в рамка или в прозорец, въпреки че всъщност всички тези елементи са нарисувани. Работейки от студиото си в Уестминстър, Колорадо, JD Hillberry продължава да разширява общественото възприятие със своите рисунки.

Брайън Дуей

Брайън е един от най-удивителните художници за рисуване с молив, който работи чудесно с молив, за да създава вдъхновяващи произведения на изкуството. Ето какво казва самият той за работата си и за себе си:
"Казвам се Брайън Дуей. Роден съм и съм израснал в Гранд Рапидс, Мичиган. Посещавах държавно училище в малко селце, наречено Гранвил, където за първи път се запознах с изкуството. Никога не съм мислил за сериозността на страстта си, но открих силно желание за рисуване. молив на 20. Седях сам в къщата си и от скука реших да взема молив в ръце и да започна да рисувам. Веднага се влюбих в рисуването и исках да го правя непрекъснато. С всяка рисунка ставах все по-добър и по-добър. моята собствена техника и оригинални трикове, докато работя. Стремя се да създавам реалистични рисунки и да добавям свои собствени концептуални идеи. Често ме питат какво ме вдъхновява и къде съм се научил да рисувам. Мога открито да заявя, че съм самоук.
Илюстрациите ми са публикувани в книги и поздравителни картички, на корици на компактдискове и в различни списания. Занимавам се с търговска работа от 2005 г. и през това време имам клиенти по целия свят. Повечето ми поръчки идват от САЩ, Великобритания и Канада, но работя и с клиенти в Ирландия. Моите картини са показвани в галерии в САЩ. През 2007 г. бях помолен да нарисувам портрет на Бритни Спиърс, който беше включен в художествена галерия в Холивуд, Калифорния. Това събитие беше отразено по MTV и спечелих световна слава. Няма да спра дотук и да продължа да работя. Имам нови идеи и планове. Една от бъдещите ми цели е да публикувам урок за рисуване.

Т. С. Абе

Въпреки че не намерихме много от творбите на Ейб, от нейните илюстрации става ясно, че това е майстор от висок клас. Художникът се справя отлично с молив и умело изобразява сложни идеи, използвайки свои собствени методи. Картините на Абе са хармонични и балансирани, сложни и в същото време лесни за възприемане. Тя е една от най-талантливите художници за рисуване с молив на нашето време.

Сезар Дел Вале

Художникът използва специална уникална техника на рисуване с молив в своите творби. Илюстрациите на Цезар не само показват таланта му, но и отразяват финото възприятие на автора за околната среда.

Хенрик

Работата на Хенрик е представена в художествената галерия Deviant. Неговите рисунки са интересен пример за изкуство с молив. Майсторът по чудо използва черно-бели тонове, за да предаде оригинални образи и необичайни идеи.

Графиката е най-древният вид визуално изкуство. Първите графични произведения се считат за скални рисунки на първобитен човек, отразяващи неговия възглед за света около него. Папирусните книги на древните египтяни съдържали графични символи (йероглифи) и илюстрации. От древни времена до нас са стигнали фини примери на графики под формата на картини върху вази и керамични съдове.

Дълго време само писането и калиграфията се считаха за графика. През Средновековието книжните графики стават широко разпространени: ръкописните книги са украсени с великолепни рисунки и миниатюри, а създаването на шрифтове се превръща в хотелска област на изкуството.

Изтъкнати графични художници и техните известни творби

Най-големият майстор на западноевропейския Ренесанс Албрехт Дюрер е един от основателите на гравюрата. Най-известните му медни произведения са „Рицарят, смъртта и дяволът“ (1513), Св. Йероним в килията си “и„ Меланхолия “(1514).

Великият италиански художник и учен от Ренесанса Леонардо да Винчи беше неподражаем чертожник. Неговото огромно графично наследство включва: подготвителни рисунки за картини, изображения на животни и растения, илюстрации за технически разработки, рисунки за трактати.

Техника и видове графика

Рисуването е в основата на всички видове графично изкуство. Обикновено графика се рисува върху лист хартия, който играе ролята на пространство. За да създаде своите творби, художникът може да използва цял арсенал от инструменти: молив, химикалка, въглища, мастило, мастило, сангвиник (червено-кафяви моливи, направени от каолин и железни оксиди), цветен креда, сос (един от сортовете пастели), акварел гваш.

Основният инструмент на европейската рисунка през късната готика и епохата на Ренесанса е писалката. В края на 17 век те започват да използват графитни моливи, за да създават рисунки, рисунки, скици. В графиката платното практически не се използва, тъй като акварелите и гвашът не се вписват добре върху него. Цветът в графичните изображения се използва много по-малко, отколкото в картините. Основните графични графични средства са линия, петно, светлосенка, щрих и точка.

Графиката има същото голямо разнообразие от жанрове като живописта. Но тук жанрът портрет и пейзаж е по-често срещан, в по-малка степен - натюрморт, исторически, ежедневен и други. Графиките традиционно се разделят на монументални (плакати, стенни графики), статив (рисуване и печат), книги (илюстрации, пощенски картички), както и компютърна графика, която обаче стои настрана, тъй като не използва традиционни материали.

Графичното изкуство се отличава с голямо разнообразие от техники, които художникът използва в чист вид или в различни комбинации. Има два вида графики по техника: рисуване и печатна графика (печат). Чертежът се създава само в едно копие. В древни времена художниците са използвали папирус, пергамент, а от 14 век започват да рисуват върху хартия.

Напротив, печатните графики съществуват в много екземпляри. За репликация се използва гравиране - рисунка върху твърд материал, който се покрива с боя и след това се отпечатва върху лист хартия. В зависимост от материала има различни видове и техники на гравиране: дърворез (дърворез), линогравюра (рисунка, издълбана върху линолеум), офорт (гравюра върху метал), литография (гравюра върху камък). С появата на гравюрата се появи печатаната книга и книжните графики започнаха да се развиват. Днес развитието на графиката не спира, появяват се нови жанрове и техники, но както в древни времена графиката остава важен компонент на изобразителното изкуство в живота ни.

Изкуство - образно разбиране на реалността; процесът или резултатът от изразяването на вътрешния или външния (по отношение на създателя) свят в художествен образ; творчество, насочено по такъв начин, че да отразява интересите не само на самия автор, но и на други хора.

Днес ще ви разкажем накратко за най-големите художници и скулптори от цял \u200b\u200bсвят и ще започнем с руските художници.

Айвазовски Иван Константинович (1817-1900), морски художник. Член на академиите в Санкт Петербург, Амстердам, Рим, Флорентина и Щутгарт. Създал около 6 хиляди картини. Най-известните: "Деветата вълна", "Чесменската битка".

Иван Айвазовски "Деветата вълна"

Антропов Алексей Петрович (1716-1795), портретист. Той става широко известен с декоративните картини на дворци в Санкт Петербург и предградията му.

Антропов Алексей Петрович - автопортрет

Аргунов Иван Петрович (1729-1802), портретист. Рисува церемониални портрети, които се отличават с прецизен и ясен рисунък, сдържан цвят. Автор на „Портрет на неизвестна селянка в руска носия“ и др.

Аргунов Иван - Портрет на неизвестна селянка в руска носия

Архипов Абрам Ефимович (1862-1930), майстор на пленерна живопис, скици и жанрови картини. Работи много по портрети, главно на селянки, създава животоутвърждаващи образи на своите съвременници.

Борисов-Мусатов Виктор Елпидифорович (1870-1905), новаторски художник. Снимки: "Момиче на балкона", "До резервоара".

Борисов-Мусатов Виктор Елпидифорович - картина "До резервоара"

Боровиковски Владимир Лукич (1757-1825), портретист. Той е поръчан от портрети на най-възрастните лица от онова време, членове на императорското семейство. Най-известни са портретите на Арсеньева, Лопухина, Куракино.

Боровиковски Владимир Лукич - Портрет на А. и В. Гагарин 1802

Бруни Федор (Фиделио) Антонович (1799-1875). Снимки: „Смъртта на Камила, сестра на Хораций“, „Медната змия“ и други, картини на катедралата „Свети Исаак“ в Санкт Петербург.

Брюлов Карл Павлович (1799-1852). Рисува скици и картини на исторически и митологични теми, но печели слава повече като портретист. Снимки: „Конница“, „Ю. П. Самойлов с малкия араптон ”,„ Вирсавия ”,„ Италианско пладне ”и др. Един от най-добрите е портретът на Й. П. Самойлова с дъщеря си.

Най-известната картина на Брюлов - Ю. П. Самойлов с дъщеря му

Васнецов Виктор Михайлович (1848-1926), пътуващ, автор на картини на исторически и приказни теми. Най-известните платна "След избиването на Игор Святославович с половци", "Alyonushka". Най-амбициозната работа е картината „Heroes“.

Васнецов Виктор Михайлович - картина "Герои"

Алексей Венецианов (1780-1847), един от основателите на жанровия жанр в руската живопис. Рисува много портрети на селяни и сцени от селския живот. Снимки: „Гумно“, „Спящо овчарче“, „На обработваема земя. Пролет ”,„ Главата на стар селянин ”.

Картина "Спящо овчарче" - Алексей Венецианов

Верешчагин Василий Василиевич (1842-1904), майстор на бойния жанр. Той е написал цикъл от картини на религиозна тематика. Снимки: „Апотеозът на войната“, „На Шипка всичко е спокойно“.

"Апотеозът на войната" - картина на руския художник Василий Верещагин

Врубел Михаил Александрович (1856-1910). Занимавал се със статив, монументална живопис на църкви. Снимки: „Демон седи“, „Гадател“, „Пан“, „Люляк“, „Демон победен“ и др.

Врубел Михаил Александрович - Демон победен 1902

Ге Николай Николаевич (1831-1894), един от основателите на Асоциацията на пътуващите, пейзажист, портретист. Картината „Савел при Ендоса на Ендор“, „Тайната среща“, „Петър I разпитва царевич Алексей Петрович в Петерхоф“.

Крамской Иван Николаевич (1837-1887), един от основателите на Асоциацията на пътуващите. Снимки: "Неизвестен", "Мина Моисеев", "Удсман", "Съзерцател".

Нестеров Михаил Василиевич (1862-1942), портретист, майстор на монументалната живопис и лирически пейзаж. Най-известните картини: "Жертва на приятели", "Експерт", "Пред суверенните молители", "Отшелник".

Нестеров Михаил Василиевич - картина "Жертвата на приятели"

Репин Иля Ефимович (1844-1930). Портрети на съвременници (Стасов, Писемски, Толстой, Делвиг). Картините: „Те не очакваха“, „Баржови превозвачи на Волга“, „Запорожски казаци, пишат писмо до турския султан“, „Иван Грозни и неговият син Иван“ получиха голяма слава.

Репин Иля Ефимович - картина "Казаците пишат писмо до турския султан"

Суриков Василий Иванович (1848-1916), майстор на историческата живопис. Снимки: "Боярина Морозова", "Утро на екзекуцията в Стрелци", "Преминаването на Суворов през Алпите", "Степан Разин".

Суриков Василий Иванович - картина "Утрото на екзекуцията на Стрелец"

Шагал Марк (1887-1985), художник и график. Той създава сюрреалистични творби, често на фолклорни и библейски теми („Имаме нужда от град“), витражи и илюстрации.

Шишкин Иван Иванович (1832-1898), пейзажист. Снимки: „Пладне. В околностите на Москва ”,„ Ръж ”,„ Горски доли ”,„ Сред равнинната долина ”,„ Утро в борова гора ”.

Шишкин Иван Иванович - "Корабена горичка"

Чуждестранни художници

Бош (Шеф ван Акен) Йероним (около 1460-1516), холандска живопис. Най-известният: „Изкушението на Св. Антонио ”, триптихи„ Превоз на сено ”и„ Градина на насладите ”.

Ботичели Сандро (1445-1510), италиански художник, майстор на флорентинската школа. Композиции на религиозна и библейска тематика: „Алегория на властта“, „Завръщане на Юдит“, „Мадона и дете с ангели“. Митологични композиции: „Пролет“, „Раждането на Венера“.

Сандро Ботичели "Мадона и дете с ангели"

Bruegel Peter (между 1525 и 1535-1569), холандски художник. Снимки: „Битката при Масленица и Великият пост“, „Лудата Грета“, „Селянски танц“.

Ван Гог Винсент (1853-1890), холандски художник, представител на постимпресионизма. Картини: "Селянка", "Похапвачи на картофи", "Хълмовете на Монмартър", "Пейзаж в Овер след дъжда".

Винсент ван Гог - "Пейзаж в Оверс след дъжда"

Ван Дейк Антъни (1599-1641), фламандски художник. Церемониални аристократични и интимни портрети („Карл I на лов“), религиозни и митологични композиции в духа на барока.

Веласкес (Родригес де Силва Веласкес) Диего (1599-1660), испански художник. Снимки: „Закуска“, „Закуска на двама младежи“, „Христос в къщата на Марта и Мария“. Портрети на особено кралска къща: Инфанта Мария Тереза, Инфанта Маргарита.

Веронезе Паоло (1528-1588), италиански ренесансов художник, представител на венецианската школа. Завърши стенописите на Вила Барбара-Волпи в Мазер. Най-известната картина е „Бракът в Кана“.

Гоген Пол (1848-1903), френски художник, представител на постимпресионизма. Снимки: "Две таитянки", "Ах, ревнуваш ли?", "Жената на царя", Откъде идваме? Кои сме ние? Къде отиваме? ".

Пол Гоген - Таитянски жени 1891.

Гоя Франциско (1746-1828), испански художник. Рисува картини на ежедневни и исторически, митологични и религиозни теми, портрети, прави стенни рисунки (стенописи). Картини: "Чадър", "Продавач на съдове", Серия офорти "Капричос".

Холбейн Ханс-младият (1497 или 1498-1543), немски художник и график, представител на Ренесанса. Творби: „Мъртъв Христос“ и „Морет“.

Дали Салвадор (1904-1989), испански художник, представител на сюрреализма. Най-известните картини-фантасмагория "Горящият жираф" и "Постоянството на паметта".

Дали Салвадор - картина "Мечта"

Домие Оноре (1808-1879), френски график, художник и скулптор, майстор на сатиричната рисунка и литография. Карикатурите на управляващия елит и буржоазията (серия „Улица Транснонен“ „Добри буржоа“) придобиха слава.

Дюрер Албрехт (1471-1528), немски художник, представител на германския Ренесанс. Снимки: "Къща край езерото", "Изглед към Инсбрук", "Портрет на Освалд Крел".

Констебъл Джон (1776-1837), английски пейзажист, представител на импресионизма. Картини; „Мелницата в Флатфорд“, „Катедралата в Солсбъри от епископската градина“, „Хлебното поле“.

Леонардо да Винчи (1452-1519), италиански художник. По отношение на универсалността на своите таланти той надмина всички свои предшественици и учители. Снимки: "Тайната вечеря", "La Gioconda", "Madonna Litta", "Дама с хермелин", "Мадона в пещерата" и много други.

Леонардо да Винчи (1452-1519) - "Тайната вечеря"

Масачо (1401-1428), италиански художник, представител на флорентинската школа, един от основателите на изкуството на Ренесанса. Той създава стенописите на параклиса Бранкачи в църквата Санта Мария дел Кармине във Флоренция.

Мане Едуард (1832-1883), френски художник и график, основател на импресионизма. Снимки: "Закуска на трева", Олимпия "," Барът в Folies Bergeres.

Модиляни Амадео (1840-1920), френски художник от италиански произход. Картини: "Пабло Пикасо", "Мадам Помпадур", "Дама с черна вратовръзка", "Гола" и др.

Моне Клод Оскар (1840-1926), основателят на френския импресионизъм. Снимки: „Закуска на трева“, „Люляк на слънце“, „Впечатление. Изгрев ”,„ Gare Saint-Lazare ”.

Мурильо Бартоломе Естебан (1618-1682), испански художник, представител на бароковата живопис. Картини: "Светото семейство с птица", "Полет към Египет", Поколението на овчарите "," Мадона и дете "и др.

Пикасо Пабло (1881-1973), един от най-великите художници на 20 век. Картини: "Арлекин", "Портрет на съпруга", "Жаклин с черен шал", "Стар китарист", "Вечеря на слепите", "Момиче на топка", Трима музиканти "и други.

Пусен Никола (1594-1665), френски художник, представител на класицизма. Картини: „Танкред и Херминия“, „Аркадни овчари“.

Рафаел Санти (1483-1665), италиански художник, един от най-големите майстори на флорентино-римския висок ренесанс. Централното място в работата му е темата за Мадоната: Мадона Конестабиле, Мадона Сули, Мадона Теранова, Мадона в зеленина, Сикстинска Мадона. и т.н.

Рафаел Санти - Свети Йероним, подкрепящ двамата екзекутирани

Рембранд Харменсън ван Рейн (1606-1669), холандски художник. Картини; „Анатомия на доктор Тулпа“, „Даная“, „Нощна стража“, „Свето семейство“, „Момиче на прозореца“.

Рембранд - "Даная".

Реноар Пиер Августин (1841-1919), френски художник, представител на импресионизма. Снимки: "Портрет на Алфред Сисли със съпругата му", "Къпане в Сена", "Пътека във високата трева", "Край на закуската", Първа вечер в операта ", Портрет на актрисата Самари".

Сарян Мартирос Сергеевич (1880-1972), арменски художник. Снимки: „Армения“, „Долината на Арарат“, „Есенен натюрморт“.

Сезан Пол (1839-1906), френски художник, представител на постимпресионизма. Картини: "Момичето на пианото", Пътят към Понтоаз "," Букет цветя във ваза "," Пиеро и Арлекин "," Дамата в синьо "и др.

Зурбаран Франциско (1598-1664), испански художник. представител на училището в Севиля. Цикълът му от картини от живота на Св. Бонавентура.

Търнър Джоузеф Мелорд Уилям (1775-1851), английски художник, представител на импресионизма, майстор на романтичния пейзаж. Неговите платна отразяват митологични и исторически сюжети („Ханибал пресича Алпите в виелица“, „Улис и Полифем“). Картини: "Вечерна звезда", "Дъжд, пара и скорост", "Харесвам и Кале".

Тинторето Якопо (1518-1594), италиански художник, представител на венецианската школа. Известен е с големите си двойкови композиции „Тайната вечеря". Картината „Чудото на Свети Марко" донесе популярност. В цикъла на библейските сцени най-значимите платна са: „Създаването на животни“, „Сътворението на Адам и Ева“, Соломон и Савската царица “и др.

Тициан Вечелио (около 1476/77 или 1489/90 - 1576), италиански художник, майстор на венецианската школа на Ренесанса. Снимки: "Флора", "Земна и небесна любов", "Мадона с череши", "Оплакване на Христос", "Изнасилването на Европа".

Тулуза-Лотрек Анри Мари Реймънд де (1864-1901), френски художник, представител на постимпресионизма. Картини: „Графинята от Тулуза-Лотрек на закуска в Малром“, „Перачка“, „В едно кафене“, танц в Мулен Руж “и др.

Халс Франц (1581 или 85-1666), холандски художник, основен реформатор на еврейското портретиране. Снимки: "Пеещо момче-флейтист", "Деца с халба", "Циганин", "Усмихнат господин", "Весела компания за пиене".

Ел Греко Доменико (1541-1614), испански художник от гръцки произход.

Ингрес Жан Огюст Доминик (1780-1867), френски художник, един от най-добрите портретисти на 19 век, привърженик на традициите на класицизма.

Основни художници, скулптори, графични художници по целия свят актуализирано: 18 февруари 2017 г. от автора: уебсайт

• Поканени сте от музея на бита и старите технологии на Беларус Историята на модата е интересна наука
• Къде да отидете с детето си през последния уикенд преди училище
• Коледни елхи за деца с подаръци
• Първият театър за деца
• Резюме "ударни инструменти на симфоничен оркестър"
• Толстой остана без рано
• Кен Кейси: биография, личен живот, творчество, рецензии
• Статия от писарев базаров резюме на глава накратко
• Юда Головлев Вижте какво е „Юда Головлев“ в други речници
• Страданията на Расколников. Расколников. Образът на Родион Расколников в романа "Престъпление и наказание. Въпрос за дискусия

• Хронистът Пимен в трагедията Борис Годунов есе за пушкин за монах
• Исторически фигури в „война и мир“ в оценката на Андрей Болконски
• Фьодор Достоевски: Страници от живота на писателя Личен живот на Фьодор Достоевски
• Характеристики на буфер в комедията "Горко от остроумие"
• Характеристика на Ноздрев в поемата „Мъртви души“: описание на външния вид и характера в кавички
• Горки "Отдолу": описание, герои, анализ на пиесата
• Образование Обломов и Щолц
• Chernyshevsky "Какво да правя?
• Автори на реализма в руската литература от 19 век
• Моите впечатления от историята след бала