• Zemfira
• Biografija Mihaila Galustjana
• Semjonu Slepakovu potrebna je psihološka pomoć
• Dmitrij Malikov: biografija, osobni život, obitelj, supruga, djeca - fotografija
• Biografija, osobni život, djeca, muževi i muškarci Marine Kravets
• Anastasia Chernobrovina: biografija, osobni život, obitelj, muž, djeca - fotografija Anastasia Chernobrovina gdje se trenutno nalazi
• Armen Dzhigarkhanyan: filmografija, biografija, osobni život Osobni život Dzhigarkhanyan s Tatyanom Vlasovom
• Smiješne milijarde Maslyakov
• Pjevač Vitas: biografija, osobni život, obitelj, supruga, djeca - fotografija
• Karijera i osobni život TV voditeljice Marije Sittel Osobni život Marije Sittel

Rim je bio središte razvoja nove barokne umjetnosti na prijelazu XVI-XVII stoljeća. Arhitektura ovaj grad u 17. stoljeću. čini se tipičnom za doba baroka.

Barokni arhitekti ne uključuju samo pojedinačne zgrade i trgove, već i ulice u cjelovitu graditeljsku cjelinu. Početak i kraj ulica svakako su obilježeni nekim arhitektonskim (trgovi) ili skulpturalnim (spomenici) akcentima. Po prvi put u povijesti urbanog planiranja Domenico Fontana koristi ulični sustav s tri grede. Obelisci i fontane, postavljeni na mjestima spuštanja zračnih avenija i na njihovim krajevima, stvaraju gotovo teatralni efekt perspektive koja se povlači u daljinu. Fontanino načelo bilo je od velike važnosti za svo kasnije europsko urbanističko planiranje.

U doba ranog baroka nisu nastajali toliko novi tipovi palača, vila, crkava, koliko je ojačan dekorativni element. Interijer mnogih renesansnih palazza pretvorio se u skup veličanstvenih odaja, dekor portala postao je složeniji.

Arhitektura vila s bogatom vrtno-parkovnom cjelinom dosegla je poseban domet. Središnji pristupni put, glavna dvorana vile i glavna aleja parka s druge strane pročelja protežu se po istoj osi.

Tijekom zrelog baroka, od druge trećine 17. stoljeća, arhitektonski dekor postaje veličanstveniji. Ukrašena je ne samo glavna fasada, već i zidovi sa strane vrta.

U kultnoj arhitekturi zrelog baroka pojačana je plastična ekspresivnost i dinamičnost. Ravne ravnine ustupaju mjesto zakrivljenim, a izmjena zakrivljenih i konkavnih ravnina također pojačava učinak plastike.

Najtješnje vezano uz arhitekturu skulptura... Umjetnik koji je spojio talent oba, bio je Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680). Ponajviše zahvaljujući crkvama izgrađenim po njegovom projektu, katolička prijestolnica je dobila barokni karakter ( Crkva Sant Andrea al Quirinale, 1658-1678).

Posjeduje najtipičniju kreaciju baroka - baldahinu u katedrali sv. Petar (1657-1666).

Ali glavna Berninijeva kreacija je grandiozna kolonada katedrale sv. Petra i ukras divovskog trga u blizini ove katedrale (1656.-1667.).

Bernini je bio jednako poznat kipar. Ali njegova slika Davida, na primjer, zvuči drugačije od Donatella, Verrocchia ili Michelangela. Tanke su mu usne tvrdoglavo stisnute, malene oči ljutito sužene, lik je izrazito dinamičan, tijelo je gotovo okrenuto oko svoje osi.

U njegovim oltarnim slikama, nastalim s istim dekorativnim sjajem kao i ostala kiparska djela, jezikom barokne plastike (iluzorno prenošenje teksture predmeta, ljubav prema kombiniranju različitih materijala ne samo u teksturi, već i u boji, teatralizacija radnje , opća "slikovitost" skulpture ) određena religiozna ideja uvijek je jasno izražena ("Ekstaza sv. Tereze" u crkvi Santa Maria della Vittoria u Rimu).

V slika Italija na prijelazu iz XVI-XVII stoljeća. postoje dva glavna umjetnička smjera: jedan je povezan s radom braće Carracci i dobio je naziv "bolonjski akademizam", drugi - s umjetnošću jednog od najvećih talijanskih umjetnika 17. stoljeća. Caravaggio.

Annibale i Agostino Carracci i njihov rođak Lodovico 1585. godine u Bologni osnivaju "Akademiju pravih putova" u kojoj su se umjetnici školovali po određenom programu. Načela Bolonjske akademije, koja je bila prototip svih europskih akademija budućnosti, mogu se pratiti u djelu najtalentiranije braće - Annibalea Carraccija (1560.-1609.). Carracci je pažljivo proučavao i proučavao prirodu. Smatrao je da je priroda nesavršena i da je treba preobraziti, oplemeniti kako bi postala dostojan predmet prikazivanja u skladu s klasičnim normama. Annibale Carracci bio je i tvorac takozvanog herojskog krajolika, odnosno idealiziranog, izmišljenog krajolika. Carraccijeve ideje razvijao je niz njegovih učenika (Guido Reni, Domeni-kino i dr.), u čijem su djelovanju načela akademizma gotovo kanonizirana i raširena po Europi.

Michelangelo Merisi, nadimak Caravaggio (1573.-1610.), umjetnik je koji je dao ime snažnom realističkom pokretu u umjetnosti, koji je stekao sljedbenike diljem Zapadne Europe. Caravaggiova metoda bila je suprotna akademizmu, a sam se umjetnik pobunio protiv njega, tvrdeći vlastita načela. Otuda i privlačnost (ne bez osporavanja prihvaćenih normi) neobičnim likovima poput kockara, varalica, gatara, svakojakih avanturista, čije su slike Caravaggio postavile temelj svakodnevnom slikarstvu duboko realističkog duha, kombinirajući promatranje nizozemski žanr s jasnoćom i preciznošću forme talijanske škole.

No glavna za majstora ostaju religiozne teme - oltarne slike - koje Caravaggio utjelovljuje istinski inovativnom hrabrošću kao vitalno pouzdane. U Evanđelistu Mateju s anđelom apostol izgleda kao seljak.

Caravaggio ima jaku plastičnu oblikovanost forme, nanosi boju u velikim, širokim ravninama, izvlačeći svjetlom iz mraka najvažnije dijelove kompozicije. Ovaj oštar chiaroscuro, kontrast mrlja u boji, krupni plan, dinamična kompozicija stvaraju atmosferu unutarnje napetosti, dramatičnosti. Zrelo stvaralaštvo majstora karakterizira monumentalnost, veličanstvenost kompozicija, skulpturalni oblik, klasična jasnoća crteža. Pritom gradacije svjetla i sjene postaju mekše, nijanse boja - tanje, prostor - prozračniji ("Uspenje Marijino", 1606.).

Caravaggiova umjetnost također je iznjedrila prave sljedbenike njegove umjetničke metode, nazvane "caravaggizam". Među njegovim najozbiljnijim sljedbenicima u Italiji su Crespi, Gentilleschi, svi venecijanski "tenebristi"; u Nizozemskoj – Terbruggen i općenito cijela takozvana „utrechtska škola kavaradžista“. Caravaggiov utjecaj doživio je mladi Rembrandt, u Španjolskoj - Velazquez, Ribera, Zurbaran.

Dvadesetih i tridesetih godina prošlog stoljeća u Italiji počinje formiranje baroknog stila koji se temelji na akademskom sustavu Bolognese. Monumentalno i dekorativno slikarstvo Guercina s njegovim realističkim tipovima i karavaškim chiaroscurom, Pietro di Cortona, Luca Giordano, štafelajno slikarstvo Bernarda Strozzija, najbližeg Caravaggiu, divnog kolorista Domenica Fetija, na kojeg je snažno utjecao Rubens (kao i Strozzi) ; Nešto kasnije, sredinom stoljeća, pojavile su se sjajne po svojim kolorističkim zaslugama sumorne romantične kompozicije Salvatora Rose.

U posljednjoj trećini 17.st. u umjetnosti talijanskog baroka ocrtavaju se određene promjene. U kompozicijama, kako monumentalnim i dekorativnim, tako i štafelajnim, sve više pobjeđuju hladnoća, retorika i lažni patos.

U likovnoj umjetnosti, kao i u arhitekturi Italije, u 17. stoljeću barokni stil postaje dominantan. Nastaje kao reakcija na "manirizam", čijim se izmišljenim i složenim oblicima suprotstavlja, prije svega, velikoj jednostavnosti slika, izučenih iz stvaralaštva majstora visoke renesanse, i zbog samostalnog proučavanja prirode. . Budno zavirujući u klasičnu baštinu, često iz nje posuđujući pojedine elemente, novi smjer teži što većoj izražajnosti oblika u njihovoj burnoj dinamici. Nove umjetničke tehnike također odgovaraju novoj potrazi za umjetnošću: mirnoću i jasnoću kompozicije zamjenjuje njihova sloboda i, takoreći, slučajnost. Likovi su pomaknuti iz svog središnjeg položaja i građeni su u skupinama uglavnom duž dijagonalnih linija. Ova je konstrukcija od velike važnosti za barok. Pojačava dojam kretanja i potiče novi prijenos prostora. Umjesto da se dijeli na zasebne slojeve, uobičajeno za umjetnost renesanse, hvata se jednim pogledom, stvarajući dojam nasumične fragmente ogromne cjeline. Ovo novo shvaćanje prostora spada u najvrjednija dostignuća baroka, koja su odigrala određenu ulogu u daljnjem razvoju realističke umjetnosti. Težnja za ekspresivnošću i dinamikom oblika rađa još jedno obilježje, ništa manje tipično za barok, - korištenje svih vrsta kontrasta: kontrasta slika, pokreta, suprotnosti osvijetljenih i sjenčanih planova, kontrasta boja. Sve to nadopunjuje izražena žudnja za dekorativnošću. Istodobno se mijenja i slikovna faktura koja od linearno-plastične interpretacije oblika prelazi na sve širu slikovitu viziju.
Zapažene značajke novog stila s vremenom su dobivale sve određenija obilježja. To opravdava podjelu talijanske umjetnosti 17. stoljeća na tri neravnomjerno trajne faze: "rani", "zreli" ili "visoki" i "kasniji" barok, čija je dominacija trajala mnogo dulje od ostalih. Ove značajke, kao i kronološke granice, bit će navedene u nastavku.
Barokna umjetnost Italije služi uglavnom dominantnoj i uspostavljenoj nakon tridentske katedrale Katoličke crkve, kneževskim dvorovima i brojnom plemstvu. Zadaci koji su se postavljali pred umjetnike bili su koliko ideološkog toliko i dekorativnog karaktera. Dekoracija crkava, kao i palača plemstva, monumentalno slikarstvo kupola, plafona, zidova u tehnici freska dobiva neviđeni razvoj. Ova vrsta slikarstva postaje specijalnost talijanskih umjetnika koji su djelovali kako u domovini tako i u Njemačkoj, Španjolskoj, Francuskoj i Engleskoj. Zadržali su neosporan prioritet na ovom području stvaralaštva sve do kraja 18. stoljeća. Teme crkvenih murala su veličanstveni prizori veličanja religije, njezinih dogmi ili svetaca i njihovih djela. Na plafonima palača dominiraju alegorijski i mitološki zapleti koji služe za veličanje vladarskih obitelji i njihovih predstavnika.
Velike oltarne slike su još uvijek iznimno česte. U njima su, uz svečano veličanstvene slike Krista i Bogorodice, posebno česte slike koje su najsnažnije djelovale na gledatelja. To su prizori pogubljenja i muka svetaca, kao i njihova stanja ekstaze.
Svjetovno štafelajno slikarstvo najradije je preuzimalo teme iz Biblije, mitologije i antike. Pejzaž, žanr bitke, mrtva priroda razvijaju se kao samostalne vrste.

U 17. stoljeću Italija više nije bila napredna zemlja kao u doba renesanse. Zemlja je bila rascjepkana na male kneževine, zahvaćena stalnim građanskim sukobima, zahvaćena stranom dominacijom. Ostavljena kao rezultat velikih geografskih otkrića daleko od glavnih gospodarskih središta, Italija u 17. stoljeću proživljava duboku krizu. Međutim, razina, moglo bi se reći stupanj, umjetničkog života, intenzivnog duhovnog rada nacije, ton kulture ne ovise uvijek o stupnju gospodarskog i političkog razvoja. Često, na neki neobjašnjiv način, u okrutnim, najnepovoljnijim uvjetima, na kamenitom, najnepovoljnijem tlu, procvjeta prekrasan cvijet visoke kulture i umjetnosti ogromne visine. To se dogodilo u Italiji krajem 16. - početkom 17. stoljeća, kada je Rim, oslanjajući se na stoljetnu kulturnu tradiciju, 30-40 godina ranije od ostalih europskih zemalja reagirao na promjene u povijesnoj eri, na nove probleme koji su nova era postavila je europskoj kulturi. Za kratko vrijeme Italija oživljava svoj utjecaj na umjetnički život kontinenta i tu se pojavljuju prva djela novog baroknog stila. Ovdje se formira njegov karakter i duh. Barok u Italiji bio je logičan nastavak umjetničkih dostignuća iz prethodnih razdoblja, na primjer, kasno Michelangelovo djelo ili talijanska arhitektura zadnje četvrtine 16. stoljeća. Načela barokne umjetnosti najprije su nastala u arhitekturi Rima, koji je na prijelazu stoljeća bio središte razvoja arhitektonske misli i privukao ogroman broj majstora iz različitih zemalja.

Slika crkve Il-Gesu pokazala se toliko relevantnom, bliskom duhu tog doba i odražavajući nove značajke svjetonazora, da je postala prototip za mnoge katoličke crkve u Italiji, kao i diljem Europe.

Crkva Il-Jezu

Primjer je crkva u Santa Susanni koju je na samom prijelazu stoljeća sagradio arhitekt Carl Moderna. Njegovo je pročelje nešto kompaktnije nego u Il-Jezuu, sve oblike i detalje objedinjuje zajednički prema gore usmjeren ritam, koji nije prekinut antablaturom koja dijeli slojeve. Naprotiv, čini se da se pročelje prvog kata ponavlja u energičnom uzlijetanju glavnog zabata. Ritam koji počinje u podnožju stupova prvog reda aktivno se preuzima ritmom pilastra na drugom katu. Ovo ujedinjenje cjelokupnog pročelja u jedinstvenom energetskom ritmu naglašeno je ponavljanjem elemenata reda u različitim razmjerima, kao i dvjema volutama koje su postale ikonski detalji tog doba. Bogatstvo pročelja pojačano je aktivnom plastikom korintskih kapitela rascvjetanih bujnim listovima i cvjetovima akantusa. Zahvaljujući volumetrijskim kartušama i reljefima, kao i zahvaljujući kipovima postavljenim u nišama pročelja, plastika je poboljšana.

Santa Susanna

Svi ovi detalji, njihova složena dinamička interakcija, napetost površina i kontrasti svjetla i sjene pojačavaju dekorativnu ekspresivnost pročelja. Zid se pretvara u jedinstvenu arhitektonsku masu obdarenu plastikom i dinamikom, i kao da je podređena zakonima organskog života. Nije slučajno što se sada tako detaljno zadržavamo na analizi arhitekture ovih spomenika barokne arhitekture. U njima se već u cijelosti iskristaliziraju karakteristična obilježja, detalji koji će se razviti u europskoj arhitekturi 17. stoljeća, očitujući se u većoj ili manjoj mjeri u različitim nacionalnim školama. Ključni spomenik ovoga doba, s jedne strane, koji sažima rezultate dosadašnjeg razvoja, a s druge strane otvara početak nove postrenesansne etape, je crkva Il-Jezu, izgrađena prema Vignolinom projektu god. 1568.Najupečatljiviji dio crkve - pročelje je završeno 10 godina kasnije prema projektu arhitekta Jacoma della Porta (sl. 1). Bazilični tlocrt crkve je neznatno izmijenjen u skladu s potrebama i zahtjevima katoličkog bogoslužja. Središnja lađa s polukupolnim prostorom koji dominira i naglašenim oltarnim dijelom sa strane je uokvirena malim kapelicama u koje su pretvoreni bočni brodovi. Takva se podjela unutarnjeg prostora ni na koji način ne odražava na vanjštinu hrama, na organizaciju njegova pročelja, na kojem su koncentrirana sva sredstva arhitektonskog oblikovanja i dekoracije. Dvije razine pročelja objedinjuju ogromne volute, jedan od omiljenih elemenata barokne arhitekture. Red na pročelju nije odraz unutarnje podjele interijera. Dapače, on jednostavno ritmički organizira zid - zasićen njegovim ritmovima i unutarnjom energijom. Tu suzdržanu, zasićenu energiju daje i polukružni zabat iznad središnjeg portala, koji svojim obrisima podsjeća na zakrivljeni luk koji se priprema za pucanje, ispravljanje, a također i polukrugovi uokvireni prozorima.

Karakterističnu plastičnost, aktivnost, dinamiku pročelja razmatranog kod nas u hramu vidjet ćemo u još izraženijoj verziji u drugim djelima talijanske barokne hramske arhitekture 17. stoljeća, na primjer, u crkvi Sant'Ignazio, sagrađenoj sredinom 17. stoljeća arhitekta Allegradi, u crkvi Sant'Agnese sredinom stoljeća i crkvama Santa Maria in Compitelli arhitekata Carla Rainaldija i Borrominija. Posebno bih istaknuo prostornu aktivnost barokne arhitekture i njezinu povezanost s okolnim prostorom trga, ulice, grada.

Santa Maria in Compitelli

Osim ekspresivnosti plastike samog pročelja, važnu ulogu u komunikaciji građevine s okolišem ima i stubište, kao što je stubište na istočnom pročelju crkve Santa Maria Maggiore, koju je 1673. godine sagradio sv. već spomenuti arhitekt Carlo Rainaldi. Ovo poznato stubište, s tri izbočine koje se uzdižu do zidova hrama, kao da nastavljaju polukružno izbočenje istočne apside prema van, povezuje građevinu s okolnim prostorom.

Santa Maria Maggiore

Detaljne polukružne, zakrivljene, elastične forme voljela je barokna arhitektura, bliska svojoj aktivnoj eksploataciji prema van, kao, na primjer, u crkvi Santa Maria della Pace, sredinom 17. stoljeća arhitekta Pietra de Cortone, gdje je donji sloj pročelja elastičnim se lukom uvija u vanjski prostor ulice, trijem poprima polukružni obris.

Santa Maria de la Pace.

Taj se energetski luk ponavlja kako u velikom središnjem prozoru na drugom katu, tako i u polukružnom zabatu, upisanom u zabat, trokutasti krunište zgrade. Još jedno poznato stubište u baroknoj arhitekturi je kraljevsko stubište, odnosno tzv. "rock of reggia" koji je izgradio Lorenzo Bernini 1663.-1666., povezuje katedralu sv. Petra i Vatikanske palače. U ovoj konstrukciji Bernini pribjegava obećavajućem triku, igri općenito karakteristične barokne arhitekture. Kako se udaljavate od donjeg odmorišta, stubište se sužava, a stupovi postavljeni na njegove stepenice približavaju se i smanjuju visinu. Same stepenice su dobile različite visine. Sve to stvara poseban efekt. Čini se da je stubište puno više nego što stvarno jest.

Stvara dojam golemog razmjera i velike duljine, što zauzvrat čini izgled pape posebno učinkovitim, njegov nastup u katedrali za vrijeme bogosluženja.

Izgrađeni u svom najekstremnijem obliku, barokni principi utjelovljeni su u djelima arhitekta Francesca Borrominija. U djelima ovog majstora ekspresija oblika doseže svoju maksimalnu snagu, a plastičnost zida dobiva gotovo kiparsku aktivnost. Izvrsna ilustracija ovih riječi je pročelje crkve San Carlo alle Cuatro Fontane u Rimu, sagrađene 1634.–1667. Ovaj hram se nalazi na uglu dviju uličica koje se spajaju s trgom s četiri fontane, a u isto vrijeme Borromini glavno pročelje crkve ne odnosi na trg, već ga pretvara u jednu od uskih ulica.

San Carlo alle Cuatro Fontane

Ova tehnika stvara vrlo zanimljivu točku gledišta crkve, dijagonalno, sa strane, s pojačanom igrom chiaroscura. Osim toga, takav raspored pročelja u odnosu na unutarnji prostor zgrade potpuno zbunjuje gledatelja. Eksterijer ne govori ništa o interijeru, on postoji kao sam po sebi, bez obzira na organizaciju unutarnjeg prostora. Ovo je značajna promjena u arhitekturi 17. stoljeća. Za razliku od arhitekture renesanse, gdje se struktura zgrade uvijek jasno i jasno čitala. Red prestaje imati konstruktivnu ulogu u baroknoj arhitekturi. Ona postaje samo dekorativni detalj koji služi za izražavanje arhitektonskog izgleda građevine. To se jasno vidi na primjeru pročelja crkve San Carlo alle Cuatro Fontane, gdje red gubi logiku arhitektonike. I u prvom i u drugom sloju pročelja umjesto tradicionalnih pilastara na drugom katu vidimo okrugle stupove. Na ovoj fasadi zapravo ne vidimo zid, on je sav ispunjen raznim ukrasnim elementima. Zid se rastvara, kao da se cijela stvar igra valovima, čas strše u okruglim stupovima-izbočinama, čas se savijajući, kao da zalazi duboko unutra s polukružnim, pravokutnim nišama-prozorima. Entablature se savijaju prema unutra i prema van, podjele nisu dovršene, u sredini je razderana antablatura drugog kata, gdje je postavljena ovalna kartuša koju podupiru dva anđela koja lete. Komplicirana dinamika pročelja i intenzivna plastičnost eksterijera Borrominijevih crkava nastavljena je u interijerima njegovih crkava, primjerice u crkvi Sant Ivo 1642.–1660. U tlocrtu je to pravokutnik, gdje se između trokutastih izbočina zidova izmjenjuju niše raznih oblika. Čini se da je interijer lišen unutarnje logike, nije simetričan, poletan i usmjeren prema gore, gdje je okrunjen složenom kupolom u obliku zvijezde.

Kupole baroknih crkava obično su imale složen arhitektonski i dekorativni dizajn, kombinirajući kesone raznih oblika i veličina, skulpturalni ukras, koji je pojačavao dojam kretanja i uzlet oblika. Takvu sintezu umjetnosti, karakterističnu za barok, gdje arhitektura, kiparstvo i slikarstvo služe zajedničkoj svrsi izražajnosti djela, vidjet ćemo u najboljim djelima barokne arhitekture. Izvanredne spomenike svjetovne arhitekture - palazzo, palače plemstva, gradske i seoske rezidencije, vile stvorili su u Italiji barokni arhitekti.

Možda najupečatljiviji primjer takve građevine može biti Palazzo Barberini u Rimu 1625.-1663., u čijoj su gradnji sudjelovali najbolji arhitekti Italije 17. stoljeća Carlo Moderno, Lorenzo Bernini, Francesco Borromini, Pietro de Cortona. Vanjski i unutarnji raspored palače je u baroknom stilu. Sa strane ulice proširena krila tvore svečano dvorište ispred glavnog pročelja palazza, koje je oblikovano u najbolje rezerviranim tradicijama barokne arhitekture. U interijeru se, zahvaljujući enfiladnoj strukturi prostora, postupno otvara prema gledatelju, poput svečanih scena u kazališnoj predstavi.Barok nasljeđuje iz prethodnih razdoblja tipologiju ladanjske vile, rezidencije plemstva, koja se pretvara u čvrsta barokna cjelina s terasastim parkom na obronku povezanom stepenicama i rampama. Omiljena barokna dinamika izražena je i u učestalom korištenju tekućih vodenih površina u cjelinama - kaskadama, akumulacijama, špiljama, fontanama, u kombinaciji s malim skulpturalnim arhitektonskim oblicima, s prirodnim i ošišanim zelenilom. Na primjer, ovo je vila Aldobrandini u Foscattiju, arhitekti Giacoma della Porta i Carlo Moderno.

Villa Borghese

Vila Pamphilj koju je sredinom 17. stoljeća sagradio arhitekt Alegardi i Villa Borghese koju je u prvoj polovici 17. stoljeća sagradio arhitekt Vazanzio Freemi. Takav ansambl karaktera barokne arhitekture pokazao se vrlo traženim i potrebnim u 17. stoljeću, kada su se počeli obnavljati srednjovjekovni gradovi, kada su se pojavili projekti preuređenja pojedinih dijelova urbanih prostora. Primjerice, prema planu Domenica Fontana, glavni ulaz u Rim sa sjevera bio je povezan s najznačajnijim cjelinama grada. Tri ravne ulice odvajale su se radijalno od Piazze del Popollo, a područje trga spajale su dvije kupolaste crkve arhitekta Rainaldija, identične simetrično postavljene na uglovima, kao i obelisci i fontane. Detaljni sustav planiranja grada s tri snopa, koji se prvi put pojavio u Italiji, postat će popularan u Europi u 17. i 18. stoljeću. Njegovo utjelovljenje možemo vidjeti čak i u izgledu Sankt Peterburga.

Nije slučajno što je Trg sv. Petra u Rimu, koji je projektirao Lorenzo Bernini 1657.-1663., prepoznat kao najbolja arhitektonska cjelina Italije u 17. stoljeću.

Sv. Petra

U ovom projektu arhitekt je riješio nekoliko problema odjednom. Prvo, to je stvaranje svečanog prilaza katedrali - glavnom hramu katoličkog svijeta, kao i dizajn prostora ispred nje, namijenjenog vjerskim obredima i proslavama. Drugo, to je postizanje dojma kompozicijskog jedinstva katedrale, građevine koju su kroz dva stoljeća gradili različiti arhitekti različitih stilova. I Bernini se izvrsno nosi s oba zadatka. S pročelja, koje je početkom 17. stoljeća sagradio arhitekt Carlo Moderna, izlaze dvije galerije koje se potom pretvaraju u kolonadu, koja, po Berninijevim riječima, "kao raširenih ruku grli trg". Kolonada postaje kao nastavak moderne fasade, razvijajući njezine motive. U središtu golemog trga stoji obelisk, a fontane s obje njegove strane fiksiraju njegovu poprečnu os. Prolazeći trgom, gledatelj doživljava katedralu kao promjenjivi slijed pogleda i kutova u složenom kretanju i razvoju dojmova. Fasada, pak, izrasta pred gledateljem u trenutku izravnog približavanja njemu, kada se nađe ispred trapezastog trga ispred samog pročelja katedrale. Tako se zapanjujuća veličina katedrale priprema postupnim povećanjem dinamike kretanja pri kretanju trgom.

Kasnobarokna arhitektura u Italiji nije dala slične spomenike po svojoj umjetničkoj kvaliteti i visini stila jednake djelima ranog i zrelog baroka. Arhitekti posljednje trećine 17. stoljeća i početka 18. stoljeća u mnogim varijantama razlikuju tehnike barokne arhitekture, često preuveličavaju forme, preopterećuju, pretjerano kompliciraju plastičnost i ritmove. Jedan od najboljih primjera kasnobarokne arhitekture djelo je arhitekta Guarina Guarinija, koji je djelovao uglavnom u sjevernoj Italiji. Crkva San Lorenzo u Torinu, koja zadivljuje pretencioznošću i suvišnošću svojih oblika, jedno je od njegovih najtipičnijih djela.

Sant Lorenzo u Torinu.

Barokna arhitektura u Italiji stvorila je zadivljujuća djela koja su imala ogroman utjecaj na cjelokupnu europsku kulturu 17. stoljeća.

SLIKARSTVO ITALIJA

U Italiji, gdje je u 17. stoljeću konačno trijumfirala katolička reakcija, barokna umjetnost se vrlo rano formira, procvjeta i postaje dominantan trend.

Slikarstvo ovoga vremena obilježile su spektakularne dekorativne kompozicije, svečani portreti koji prikazuju arogantne plemiće i dame ponosnog držanja, koje se utapaju u raskošnoj odjeći i nakitu.

Umjesto crte, prednost je dat slikovitom mjestu, masi, crno-bijelim kontrastima, uz pomoć kojih se stvarala forma. Barok je prekršio načela podjele prostora na planove, načela izravne linearne perspektive za povećanje dubine, iluziju odlaska u beskonačnost.

Nastanak baroknog slikarstva u Italiji vezuje se uz rad braće Carracci, utemeljitelja jedne od prvih umjetničkih škola u Italiji – Akademije koja hoda pravim putem (1585.), tzv. Bolognske akademije – radionice u koji su se majstori početnici školovali po posebnom programu.

Annibale Carracci (1560.-1609.) bio je najtalentiraniji od trojice braće Carracci. U njegovom radu jasno su trasirani principi Bolonjske akademije, koja je kao svoju glavnu zadaću postavila oživljavanje monumentalne umjetnosti i tradicije renesansnog razdoblja njezinog procvata, koje su Carraccijevi suvremenici štovali kao primjer nedostižnog savršenstva i svojevrsnog umjetničkog "apsoluta". Stoga Carracci remek-djela svojih velikih prethodnika doživljava prije kao izvor iz kojeg će crpiti estetska rješenja koje su pronalazili titani renesanse, a ne kao polazište za vlastita kreativna traganja. Plastično lijepo, idealno za njega nije "najviši stupanj" stvarnoga, nego samo obvezna umjetnička norma - umjetnost je, dakle, suprotstavljena stvarnosti, u kojoj majstor ne nalazi novi temeljni ideal. Otuda konvencionalnost i apstraktnost njegovih slika i slikovnih rješenja.

Istodobno, umjetnost braće Carracci i bolonjski akademizam pokazali su se najprikladnijima da se stave u službu službene ideologije, nije bez razloga njihov rad brzo stekao priznanje u višim (državnim i katoličkim) ) kugle.

Najveće djelo Annibalea Carraccija na području monumentalnog slikarstva je slikanje galerije Palazzo Farnese u Rimu s freskama koje prikazuju život bogova - na temelju prizora iz "Metamorfoza" starog rimskog pjesnika Ovidija (1597.-1604., izvodio zajedno s bratom i pomoćnicima).

Slika se sastoji od pojedinačnih panela, gravitirajućih prema središnjoj velikoj kompoziciji s prikazom "Trijumfa Bacchusa i Arijadne", što unosi element dinamike u slikovitu cjelinu. Goli muški likovi, smješteni između ovih ploča, oponašaju skulpturu, a istovremeno su i protagonisti slika. Rezultat je bio impresivno veliko djelo, spektakularnog izgleda, ali nije ujedinjeno nekom značajnom idejom, bez koje su monumentalne cjeline renesanse bile nezamislive. U budućnosti će ti principi koje je utjelovio Carracci - želja za dinamičnom kompozicijom, iluzionističkim efektima i samodostatnom dekorativnošću - biti karakteristični za svo monumentalno slikarstvo 17. stoljeća.

Motive preuzete u umjetnosti renesanse, Annibale Carracci želi ispuniti živim, modernim sadržajem. Potiče proučavanje prirode, u ranom razdoblju stvaralaštva okreće se čak i žanrovskom slikarstvu. Ali, sa stajališta majstora, sama priroda je previše gruba i nesavršena, stoga bi je na platnu trebala biti prikazana već transformirana, oplemenjena u skladu s normama klasične umjetnosti. Stoga su specifični životni motivi u kompoziciji mogli postojati samo kao zaseban fragment, osmišljen da oživi scenu. Primjerice, na slici "Grožder graha" (1580-e) osjeća se umjetnikov ironičan stav prema onome što se događa: on naglašava duhovnu primitivnost seljaka koji pohlepno jede grah; slike likova i predmeta namjerno su pojednostavljene. Ostale žanrovske slike mladog slikara održane su u istom duhu: "Mesanica", "Autoportret s ocem", "Lov" (sve - 1580-e) - pribl., sl. 1.

Mnoge slike Annibale Carracci imaju vjersku temu. Ali hladno savršenstvo oblika u njima ostavlja malo mjesta za očitovanje osjećaja. Samo u rijetkim slučajevima umjetnik stvara djela drugačijeg plana. Ovo je Oplakivanje Krista (oko 1605.). Biblija govori kako su se sveti Kristovi štovatelji došli pokloniti njegovom grobu, ali su ga našli prazan. Od anđela koji je sjedio na rubu sarkofaga, saznali su za njegovo čudesno uskrsnuće i bili sretni i šokirani ovim čudom. Ali slikovitost i uzbuđenje antičkog teksta ne nailaze na poseban odjek kod Carraccija; mogao je samo suprotstaviti laganu, lepršavu odjeću anđela masivnim i statičnim likovima žena. Boja slike je također sasvim obična, ali se u isto vrijeme odlikuje snagom i intenzitetom.

Posebnu skupinu čine njegovi radovi na mitološke teme, u kojima se očitovala njegova strast prema majstorima venecijanske škole. Na tim slikama, veličajući ljubavnu radost, ljepotu nagog ženskog tijela, Annibale se očituje kao prekrasna koloristkinja, živahna i poetična umjetnica.

Među najboljim djelima Annibalea Carraccija su njegovi pejzažni radovi. Carracci i njegovi učenici stvorili su tip takozvanog klasičnog ili herojskog krajolika na temelju tradicije venecijanskog krajolika 16. stoljeća. Umjetnik je također preobrazio prirodu u umjetno uzvišenom duhu, ali bez vanjske patetike. Njegov rad postavio je temelj za jedan od najplodonosnijih pravaca u razvoju pejzažnog slikarstva ovoga doba ("Bjekstvo u Egipat", oko 1603.), koji je potom pronašao svoj nastavak i razvoj u stvaralaštvu majstora sljedećih generacija, u posebno u Poussin.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610). Najznačajniji talijanski slikar ovoga razdoblja bio je Michelangelo Caravaggio, koji se može svrstati među najveće majstore 17. stoljeća.

Ime umjetnika potječe od imena grada u sjevernoj Italiji u kojem je rođen. S jedanaest godina već je radio kao šegrt kod jednog od milanskih slikara, a 1590. odlazi u Rim, koji je krajem 17. stoljeća postao umjetničko središte cijele Europe. Tu je Caravaggio postigao svoj najznačajniji uspjeh i slavu.

Za razliku od većine svojih suvremenika, koji su percipirali samo manje-više poznati skup estetskih vrijednosti, Caravaggio je uspio napustiti tradiciju prošlosti i stvoriti vlastiti, duboko individualan stil. To je dijelom bila posljedica njegove negativne reakcije na tadašnje umjetničke klišeje.

Kako nikada nije pripadao određenoj umjetničkoj školi, već je u svojim ranim djelima suprotstavljao individualnu ekspresivnost modela, jednostavne svakodnevne motive idealizacije slika i alegorijsku interpretaciju radnje karakteristične za umjetnost manirizma i akademizma („Mali bolesni Bacchus", "Mladić s košarom voća", oboje - 1593.).

Iako se na prvi pogled može činiti da je odstupio od umjetničkih kanona renesanse, štoviše, podmetnuo ih, u stvarnosti je patos njegove realističke umjetnosti bio njihov unutarnji nastavak, koji je postavio temelje realizma u 17. stoljeću. O tome jasno svjedoče njegove vlastite izjave. “Svaka slika, bez obzira što prikazuje i tko god da je naslikana”, tvrdio je Caravaggio, “bezvrijedna je ako svi njezini dijelovi nisu izvedeni iz prirode; ovaj mentor se ne može dati prednost." U ovom Caravaggiovu iskazu, s njegovom inherentnom izravnošću i kategoričnošću, utjelovljuje se cjelokupni program njegove umjetnosti.

Umjetnik je dao veliki doprinos oblikovanju žanra svakodnevnog života ("Strijelci", 1596; "Dječak ugrizao gušter", 1594). Junaci većine Caravaggiovih djela su ljudi iz naroda. Pronašao ih je u šarolikoj uličnoj gužvi, u jeftinim konobama i na bučnim gradskim trgovima, donosio ih je u svoj atelje kao modele, preferirajući ovu metodu rada nego proučavanje antičkih kipova - o tome svjedoči prvi biograf umjetnika D. Bellory. Njegovi najdraži likovi su vojnici, kartaši, gatari, glazbenici („Vrača“, „Lutnja“ (oba – 1596.); „Glazbenici“, 1593. – pril., sl. 2. Oni su ti koji "nastanjuju" Caravaggiove žanrovske slike u kojima on potvrđuje ne samo pravo postojanja, već i umjetnički značaj privatnog svakodnevnog motiva. Ako je u njegovim ranim djelima Caravaggiovo slikarstvo, uz svu svoju plastičnost i sadržajnu uvjerljivost, još uvijek bilo pomalo grubo, onda se on u budućnosti riješi tog svog nedostatka. Zrela djela umjetnika su monumentalna platna iznimne dramske snage (Poziv apostola Mateja i Mučeništvo apostola Mateja (oba 1599.-1600.); Pogreb, Marijina smrt (oba oko 1605.-1606.)). Ova djela, iako stilski bliska njegovim ranim žanrovskim scenama, već su ispunjena posebnom unutarnjom dramatikom.

Slikovni stil Caravaggia u tom se razdoblju temelji na snažnim kontrastima svjetla i sjene, izražajnoj jednostavnosti gesta, energičnom oblikovanju volumena, zasićenosti boja - tehnikama koje stvaraju emocionalnu napetost, naglašavajući akutnu afektaciju osjećaja. Obično umjetnik prikazuje nekoliko figura, snimljenih u krupnom planu, blizu gledatelja i oslikanih svom plastičnošću, materijalnošću i vidljivom autentičnošću. Okoliš, interijer kućanstva i mrtva priroda počeli su igrati veliku ulogu u njegovim djelima. Tako, na primjer, na slici "Matejev poziv" majstor pokazuje očitovanje uzvišenog i duhovnog u svijetu "niske" svakodnevice.

Radnja djela temelji se na priči iz Evanđelja o tome kako je Krist pozvao carinika Mateja, prezrenog od svih, da postane njegov učenik i sljedbenik. Likovi su prikazani kako sjede za stolom u neudobnoj, praznoj prostoriji, a likovi su u prirodnoj veličini, odjeveni u moderne kostime. Odjednom su Krist i apostol Petar ušli u prostoriju i izazvali su raznoliku reakciju publike - od čuđenja do budnosti. Svjetlosni tok koji odozgo ulazi u mračnu prostoriju ritmički organizira ono što se događa, ističući i povezujući njegove glavne elemente (Matejevo lice, ruka i profil Krista). Izvlačeći figure iz mraka i oštro sudarajući jarku svjetlost i duboku sjenu, slikar daje osjećaj unutarnje napetosti i dramatičnog uzbuđenja. Element osjećaja i ljudskih strasti dominira scenom. Kako bi stvorio emocionalnu atmosferu, Caravaggio vješto koristi bogate boje. Nažalost, oštar Caravaggiov realizam nisu razumjeli mnogi njegovi suvremenici, pristaše "visoke umjetnosti". Uostalom, čak i stvarajući djela na mitološke i religiozne teme (najpoznatije od njih je "Odmor na bijegu u Egipat", 1597.), uvijek je ostao vjeran realističkim načelima svog svakodnevnog slikarstva, dakle i najtradicionalnijim biblijskim temama dobio od njega sasvim drugačiju intimnu psihološku interpretaciju različitu od tradicionalnog. A pozivanje na prirodu, koju je učinio izravnim predmetom prikaza svojih djela, i istinitost njezina tumačenja izazvali su mnoge napade na umjetnika od strane svećenstva i službenika.

Ipak, među umjetnicima 17. stoljeća nije bilo, možda, niti jednog od ikakvog značaja koji, na ovaj ili onaj način, ne bi doživio silan utjecaj umjetnosti Caravaggia. Istina, većina majstorovih sljedbenika, koje su nazivali karavadžistima, marljivo je kopirala samo njegove vanjske tehnike, a prije svega - njegov poznati kontrastni chiaroscuro, intenzitet i materijalnost slikarstva.

Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Jusepe de Ribera, Rembrandt van Rijn, Georges de Latour i mnogi drugi poznati umjetnici prošli su fazu strasti za karavagizmom. Nemoguće je zamisliti daljnji razvoj realizma 17. stoljeća bez revolucije koju je Michelangelo Caravaggio napravio u europskom slikarstvu.

Alessandro Magnasco (1667.-1749.). Njegovo je djelo povezano s romantičnim smjerom u talijanskoj umjetnosti 17. stoljeća.

Budući umjetnik rođen je u Genovi. Studirao je najprije kod oca, a potom, nakon njegove smrti, u Milanu kod jednog od domaćih majstora, koji ga je podučavao tehnikama venecijanskog slikarstva i podučavao umijeću portreta. Kasnije je Magnasco radio dugi niz godina u Milanu, Genovi, Firenci, a tek u opadajućim godinama, 1735. godine konačno se vratio u svoj rodni grad.

Ovaj talentirani, ali vrlo kontroverzni umjetnik bio je obdaren iznimno svijetlom osobnošću. Magnascov rad prkosi svakoj klasifikaciji: čas duboko religiozan, čas bogohulan, u svojim se djelima pokazivao čas kao običan dekorater, čas kao slikar drhtave duše. Njegova umjetnost prožeta je pojačanom emocionalnošću, stoji na rubu misticizma i egzaltacije.

Karakter umjetnikovih ranih radova, nastalih tijekom njegova boravka u Milanu, određen je tradicijom genoveške slikarske škole koja je gravitirala pastorali. Ali već takva njegova djela kao što su nekoliko "Bacchanals", "Zaustavljanje razbojnika" (svi - 1710-ih) - koji prikazuju nemirne ljudske figure na pozadini veličanstvenih drevnih ruševina - nose potpuno drugačiji emocionalni naboj od spokojnih pastorala njegovih prethodnika. Izrađene su u tamnim bojama, naglim dinamičkim potezom kista, svjedočeći o percepciji svijeta u dramatičnom aspektu (pril., sl. 3).

Umjetnikovu pažnju privlači sve neobično - prizori inkvizicijskih sudova, mučenja koja je mogao promatrati u Milanu, pod španjolskom vlašću ("Torture Chamber"), propovijed u sinagogi ("Sinagoga", kasne 1710-1720-e) , nomadski život Cigana ("The Gypsies' Meal") itd.

Magnascove omiljene teme su razne epizode iz monaškog života ("Pogreb redovnika", "Gozba redovnica", obje iz 1720-ih), ćelije pustinjaka i alkemičara, ruševine zgrada i noćni pejzaži s likovima Cigana, prosjaka, lutajući glazbenici itd. Sasvim stvarni likovi njegovih djela - razbojnici, ribari, pustinjaci, cigani, komičari, vojnici, pralje (Pejzaž s praljama, 1720.) - djeluju u fantastičnom okruženju. Prikazani su na pozadini tmurnih ruševina, bijesnog mora, divlje šume i surovih klisura. Magnasco slika njihove figure pretjerano izdužene, kao da se migolje iu stalnom kontinuiranom pokretu; njihove izdužene, zakrivljene siluete prate živčani ritam poteza. Slike su prožete tragičnim osjećajem ljudske beznačajnosti pred slijepim silama prirode i strogošću društvene stvarnosti.

Ista uznemirujuća dinamika odlikuje i njegove pejzažne skice, s naglašenom subjektivnošću i emocionalnošću, zasjenjujući prijenos stvarnih slika prirode (Morski pejzaž, 1730-ih; Gorski krajolik, 1720-e). U nekim kasnijim majstorovim radovima primjetan je utjecaj pejzaža Talijana Salvatorea Rose, gravura francuskog slikara manirista Jacquesa Callota. Taj teško uočljiv aspekt stvarnosti i bizarni svijet koji stvara umjetnikova fantazija, akutno svjestan svih tragičnih i radosnih događaja okolne stvarnosti koji se događaju oko njega, uvijek će biti prisutan u njegovim djelima, dajući im karakter bilo prispodobe ili svakodnevne scene.

Magnascov ekspresivni slikarski stil donekle je anticipirao kreativna traženja umjetnika 18. stoljeća. Piše tečnim, brzim potezima, koristeći nemirni chiaroscuro, stvarajući nemirne svjetlosne efekte, što njegovim slikama daje namjernu skicnost, a ponekad čak i dekorativnost. U isto vrijeme, kolorit njegovih radova lišen je šarenih višebojnosti, obično je majstor ograničen na tmurni sivkasto-smeđi ili zelenkasti raspon, međutim, na svoj način, prilično profinjen i profinjen. Prepoznat za života i zaboravljen od potomaka, ovaj osebujni umjetnik ponovno je stekao popularnost tek početkom 20. stoljeća, kada su u njemu vidjeli preteču impresionizma, pa i ekspresionizma.

Giuseppe Maria Crespi (1665.-1747.), rodom iz Bologne, svoju je slikarsku karijeru započeo marljivim kopiranjem slika i freski poznatih majstora, među kojima su bili i njegovi sumještani, braća Carracci. Kasnije je otputovao u sjevernu Italiju, upoznajući se s radom majstora visoke renesanse, uglavnom venecijanskih (Tician i Veronese).

Do početka 18.st. Crespi je već prilično poznat, posebice po svojim oltarnim slikama. No, glavno djelo ranog razdoblja njegova stvaralaštva je monumentalno oslikavanje plafona palazza grofa Pepolija (1691.-1692.) u Bologni, čiji mitološki likovi (bogovi, junaci, nimfe) u njegovoj interpretaciji izgledaju izrazito zemaljsko, živo i uvjerljivo, za razliku od tradicionalnih apstraktnih slika baroka ...

Crespi je radio u raznim žanrovima. Slikao je slike na mitološke, vjerske i svakodnevne teme, stvarao portrete i mrtve prirode, a u svaki od tih tradicionalnih žanrova unio je novu i iskrenu viziju svijeta svoga vremena. Umjetnikova privrženost prirodi, točnom odrazu okolne stvarnosti došla je u nepomirljivu suprotnost s oronulim tradicijama bolonjskog akademizma, koji je do tada postao kočnica razvoja umjetnosti. Stoga se kroz cijelo njegovo stvaralaštvo crvenom niti provlači neprestana borba protiv konvencija akademskog slikarstva za trijumf realističke umjetnosti.

Početkom 1700-ih. Crespi prelazi s mitoloških prizora na prikaze iz seljačkog života, tumačeći ih prvo u duhu pastorale, a potom im dajući sve uvjerljiviji karakter svakodnevnog slikarstva. Jedan od prvih među majstorima 18. stoljeća, počeo je prikazivati ​​život običnih ljudi - pralja, perilica suđa, kuhara, kao i epizode iz seljačkog života.

Želja da svoje slike učini autentičnijim tjera ga da se okrene recepciji Caravaggiova "podrumskog" svjetla - oštrom osvjetljenju dijela mračnog unutarnjeg prostora, zbog čega likovi dobivaju plastičnu jasnoću. Jednostavnost i iskrenost pripovijesti nadopunjuju predmeti narodne uporabe uvedeni u sliku interijera, koje Crespi uvijek s velikom likovnom vještinom slika ("Prizor u podrumu"; "Seljačka obitelj").

Najveći domet tadašnjeg svakodnevnog slikarstva bila su njegova platna "Sajam u Poggio a Cayanu" (oko 1708.) i "Sajam" (oko 1709.) na kojima su prikazane prepune narodne scene.

Oni su pokazali umjetnikovo zanimanje za grafiku Jacquesa Callota, kao i njegovo blisko poznavanje rada nizozemskih majstora žanrovskog slikarstva 17. stoljeća. No, slike seljaka u Crespiju lišene su Callotove ironije i on ne zna tako vješto opisati okolinu kao nizozemski žanrovski slikari. Likovi i objekti prednjeg plana nacrtani su detaljnije od ostalih - to podsjeća na Magnascovu maniru. Međutim, djela genoveškog slikara, izvedena na bravurozni način, uvijek sadrže element fantazije. Crespi je, s druge strane, težio za detaljnim i točnim prikazom šarolike i vesele scene. Jasnom raspodjelom svjetla i sjene svojim likovima daje životne specifičnosti, postupno nadilazeći tradicije pastoralnog žanra.

Najznačajnije djelo zrelog majstora bio je niz od sedam platna "Sedam sakramenata" (1710.) - najviše dostignuće baroknog slikarstva ranog 18. stoljeća (prilog, sl. 4). Riječ je o posve novim po duhu djelima u kojima je došlo do odstupanja od tradicionalne apstraktne interpretacije religioznih prizora.

Sve slike ("Ispovijed", "Krštenje", "Vjenčanje", "Pričest", "Svećeništvo", "Krizma", "Pomazanje") naslikane su Rembrandtovim toplim crvenkasto-smeđim tonom. Tehnika oštre rasvjete unosi određenu emotivnu notu sakramentalnom pripovijedanju. Umjetnikova paleta boja prilično je jednobojna, ali je istovremeno iznenađujuće bogata raznim nijansama i nijansama boja, ujedinjenih mekim, ponekad kao da svijetli iznutra, chiaroscurom. To svim prikazanim epizodama daje nijansu tajanstvene intimnosti onoga što se događa i istovremeno naglašava Crespijev plan, koji nastoji ispričati o fazama života koje su najvažnije za svaku osobu tog vremena, a koje su prikazane u oblik prizora iz stvarnosti, poprimajući karakter svojevrsne prispodobe. Štoviše, ovu priču ne odlikuje didaktika karakteristična za barok, nego svjetovna izgradnja.

Gotovo sve što je majstor napisao nakon toga predstavlja sliku postupnog blijeđenja njegovog talenta. Sve češće u svojim slikama koristi poznate klišeje, kompozicijske sheme, akademske poze, koje je prije izbjegavao. Nije iznenađujuće da je ubrzo nakon njegove smrti Crespijevo djelo brzo zaboravljeno.

Kao bistar i originalan majstor, otkriven je tek u dvadesetom stoljeću. No, po kvaliteti, dubini i emocionalnoj zasićenosti, Crespijeva slika, koja upotpunjuje umjetnost 17. stoljeća, u svojim je najboljim manifestacijama možda druga iza Caravaggia, čijim je radom tako briljantno i inovativno započela talijanska umjetnost ovoga doba. .

• Tko su tegljači ukratko
• Dan svetih Ćirila i Metoda: Dan slavenske pismenosti i kulture
• Rusija će biti domaćin 19. Svjetskog festivala mladih i studenata
• Žive i mrtve duše u pjesmi N
• Vi ste ovdje: Zhuravleva A.I., Makeev M.S. "Oluja". O čemu razmišlja predstava Grmljavina. Ostrovsky Što vas tjera na razmišljanje o grmljavini
• Rodovod Lev Nikolajevič Tolstoj
• Prezentacija "Ruske kronike" Preuzmite prezentaciju o književnosti 16. stoljeća
• Test prema priči Lava Tolstoja "Poslije bala". Koji je događaj opisan u priči Lava Tolstoja "Poslije bala"? Označite kako je završila junakova ljubavna priča
• Prezentacija „Tradicije kubanskih kozaka
• Napiši naziv bajke u kojoj se nalaze poslovice

• Faze razvoja starogrčke skulpture: Faze razvoja starogrčke skulpture Ukratko Značajke kiparstva antičke Grčke
• Tehnologije: ICT (prezentacija)
• Iskander „Trinaesti Herkulov podvig
• Savjeti kako napraviti dobru prezentaciju ili prezentaciju projekta
• Portfelj certifikata glazbenog ravnatelja
• Yanao autohtoni narodni festivali i tradicija
• Suvremena umjetnost Prezentacija na temu umjetnosti u suvremenom svijetu
• "Lisica. Navike lisica. Slika lisice u ruskim narodnim pričama." Narodne priče o životinjama: popis i imena. Ruske narodne priče o životinjama Trebam pomoć u učenju teme
• Romantizam u europskom slikarstvu-prezentacija mhc
• Prezentacija "Umjetnička kultura renesanse. Prezentacija o kulturalističkim kulturama renesanse