• Детски абонаменти за филхармонията
• Как работи: Детска филхармония
• Изложби „Арт съкровища на Русия
• Приказен куест за деца „Алиса
• Алиса в страната на чудесата забавление
• Приказна къща. Приказна къща Приказна къща
• Какво трябва да знаете за вокалите
• Новогодишни представления за деца на 3 години
• Интересни факти за детските писатели
• Извънкласна дейност, посветена на изкуството на микроминиатюрата

Днешният брой е посветен на италианската народна музика - песните и танците на тази страна, както и музикалните инструменти.

Тези, които навремето наричахме италианци, са наследници на културата на големите и малките народи, живеещи дълго време в различни части на Апенинския полуостров. Гърци и етруски, италици (римляни) и гали са оставили своя отпечатък върху италианската народна музика.

Наситена със събития история и буйна природа, селскостопанска работа и весели карнавали, искреност и емоционалност, красив език и музикален вкус, богат мелодичен произход и разнообразие от ритми, висока певческа култура и умението на инструменталните ансамбли - всичко това се проявява в музиката на италианците . И всичко това спечели сърцата на други народи извън полуострова.

Народни песни на Италия

Както се казва, във всяка шега има зрънце шега: ироничната забележка на италианците за себе си като майстори на композирането и пеенето на песни се потвърждава от световната слава. Следователно народната музика на Италия е представена предимно от песни. Разбира се, ние знаем малко за устната песенна култура, тъй като първите примери за нея са записани през късното Средновековие.

Появата на италиански народни песни в началото на 13 век е свързана с прехода към Ренесанса. Тогава има интерес към светския живот, жителите на града по време на празниците слушат с удоволствие мениджъри и жонгльори, които пеят за любовта, разказват семейни и ежедневни истории. И самите жители на села и градове не са против да пеят и танцуват под обикновен акомпанимент.

По-късно се формират основните жанрове на песента. Фротола (в превод „народна песен, художествена литература“) е известна от края на 15 век в Северна Италия. то лирична песен за 3-4 гласа с елементи на имитация на полифония и ярки метрични акценти.

Вече от XVI век ярка, танцуваща, с мелодия в три гласа виланела (в превод „селска песен“) е широко разпространена в цяла Италия, но всеки град я нарича по различен начин: венецианска, неаполитанска, падаванска, романска, тосканска и други.

Тя е заменена канцонета (в превод означава „песен“) - малка песен, изпълнена с един или повече гласове. Именно тя стана прародител на бъдещия известен жанр ария. И танцуемостта на виланела се премести в жанра балет, - песни, които са по-леки по състав и характер, подходящи за танци.

Най-разпознаваемият жанр на италианските народни песни днес е неаполитанска песен (южноиталиански регион Кампания). Пееща, весела или тъжна мелодия беше придружена от мандолина, китара или неаполитанска лютня. Който не е чувал химна на любовта "O sole mio" или химн на живота "Санта Лусия", или химн на фуникуляра "Funiculi Funicula"което пренася влюбените до върха на Везувий? Тяхната простота е само очевидна: по време на изпълнението ще се разкрие не само нивото на уменията на певеца, но и богатството на душата му.

Златната епоха на жанра започва в средата 19 век... И днес в Неапол - музикалната столица на Италия, се провежда фестивалът-конкурс на лиричната песен Piedigrotta (Festa di Piedigrotta).

Друга разпознаваема марка принадлежи на северния регион Венето. Венециански песен на водата или баркарол (barca се превежда като „лодка“), изпълнява се в спокойно темпо. 6/8 и текстурата на акомпанимента обикновено предават люлеене на вълните, а красивото изпълнение на мелодията се отразява от ударите на греблата, които лесно влизат във водата.

Народни танци на Италия

Танцовата култура на Италия се развива в жанровете на ежедневието, сценичен танц и морески (морискос). Морески били танцувани от арабите (които били наречени така - в превод тази дума означава „малки маври“), приели християнството и се заселили на Апенините след депортация от Испания. Танците се наричаха сценични танци, които бяха специално поставени за празниците. И най-широко разпространен беше жанрът на ежедневните или социалните танци.

Произходът на жанровете се приписва на Средновековието, а техният дизайн - на 15 век, началото на Ренесанса. Тази епоха внесе грация и грация в грубите и весели италиански народни танци. Бързи, прости и ритмични движения с преходи към леки скокове, повдигания от пълни крака до пръсти (като символ на духовно развитие от земно към божествено), весел характер музикален съпровод - тук черти на характера тези танци.

Весела енергична галиард изпълнявани от двойки или отделни танцьори. В речника на танца - основното движение от пет стъпки, много скокове, скокове. С течение на времето темпото на танца става по-бавно.

Друг танц, подобен по дух на галиарда - салтарела - е роден в централна Италия (региони Абруцо, Молизе и Лацио). Името му е дадено от глагола saltare - „да скачаш“. Този танц по двойки беше придружен от 6/8 метрова музика. Извършваше се на пищни тържества - сватби или в края на жътвата. Речникът на танца включва поредица от двойни стъпки и лъкове, с преход към каданс. Танцува се на съвременни карнавали.

Родина на друг стар танц бергамаска(Bargamasca) се намира в град и провинция Бергамо (Ломбардия, северна Италия). Този селски танц е бил обичан от жителите на Германия, Франция, Англия. Весела жива и ритмична музика с четири тактни, енергични движения завладя хората от всички класове. Танцът е споменат от У. Шекспир в комедията „Сън в лятна нощ“.

Тарантела- най-известният от народните танци. Особено го харесваха в южните италиански региони Калабрия и Сицилия. А името идва от град Таранто (област Апулия). Градът даде името си и на отровни паяци - тарантули, от действието на ухапването на които се предполага, че е спасило дълго, до изчерпване, екзекуция на тарантелата.

Един прост повтарящ се мотив за акомпанимент на тризнаци, оживен характер на музиката и специален модел на движения с рязка промяна в посоката отличават този танц, изпълняван от двойки, по-рядко соло. Страстта към танците надделя над преследването срещу него: кардинал Барберини му позволи да го направи в двора.

Някои от народните танци бързо завладяха цяла Европа и дори попаднаха в двора на европейските монарси. Например, Галиард беше обожаван от владетеля на Англия Елизабет I и през целия си живот тя танцуваше за удоволствие. Бергамаска повдигна духа на Луи XIII и придворните му.

Жанровете и мелодиите на много танци продължават живота си в инструментална музика.

Музикални инструменти

За акомпанимент използваха гайди, флейти, уста и обикновени акордеони, струнни скубани инструменти - китари, цигулки и мандолини.

В писмени сведения мандолата се споменава от 12 век, може би е направена като по-опростена версия на лютнята (от гръцки се превежда като „малка лютня“). Наричан е още мандора, мандола, пандурина, бандурина, а малка мандола се нарича мандолина. Този инструмент с овално тяло имаше четири двойни жични струни, настроени в унисон, а не октава.

Цигулката, от друга страна, се превърна в един от най-обичаните сред другите италиански народни музикални инструменти. И е усъвършенстван от италиански майстори от фамилиите Амати, Гуарнери и Страдивари през 17 - първата четвърт на 18 век.

През 17 век скитащите артисти, за да не се притесняват да свирят музика, започват да използват цевта орган - механичен духов инструмент, който възпроизвежда 6-8 записани любими парчета. Оставаше само да завъртите дръжката и да я транспортирате или носите по улиците. Първоначално цевният орган е изобретен от италианския Barbieri за обучение на пойни птици, но с течение на времето той започва да радва ушите на гражданите извън Италия.

Танцьорите често си помагаха да победят ясен ритъм на тарантела с помощта на тамбура, вид тамбура, дошъл на Апенините от Прованс. Често изпълнителите използваха флейтата заедно с тамбурата.

Подобен жанр, както и мелодично разнообразие, талант и музикално богатство на италианския народ осигуряват не само възхода на академичната, особено оперната и поп музиката в Италия, но също така е заимстван успешно от композитори от други страни.

Най-добрата оценка на народното изкуство беше дадена от руския композитор М.И. Глинка, който веднъж каза, че истинският създател на музиката са хората, а композиторът играе ролята на аранжор.

Произходът на италианската музика се връща към музикалната култура на Древен Рим (вж. Древна римска музика). Музика, изпълнявана от същества. роля в обществото., държава. живот на Римската империя, в ежедневието разл. слоеве от населението; богата и разнообразна беше музите. инструменти. Образци от древна римска музика не са достигнали до нас, но деп. неговите елементи са запазени през средния век. Христос. химни и легла. музи. традиции. През 4 век, когато християнството е обявено за държава. религия, Рим, заедно с Византия, се превръщат в един от центровете на развитието на литургиката. пеене, първо. чиято основа е псалмодий с произход от Сирия и Палестина. Архиепископ Амвросий Милански затвърди практиката на антифонично пеене на химни (вж. Антифони), приближавайки техните мелодии до Нар. произход. С неговото име се свързва специална традиция на Западен Христос. църква. пеене, наречено Амброзианско песнопение (виж Амброзианско пеене) В края. 6 в., При папа Григорий I се развиват твърди форми на Христос. литургия и нареди нейните музи. страна. Певицата твори по същото време в Рим. училище ("schola cantorum") се превърна в своеобразна академия за църковни певци. иск и най-висшият законодател. тяло в тази област. На Григорий I се приписваше обединението и фиксирането на основното. литургични песнопения. Въпреки това, по-късни проучвания са установили, че мелодичен. стил и форма на т.нар. Григорианското пеене окончателно се оформя едва през 8 и 9 век. Католик. църквата, стремяща се към еднаквост на поклонението, внуши този стил на еднокраки. хор. пеене сред всички народи, обърнати към Христос. вяра. Този процес беше завършен до края. 11 век, когато григорианската литургия със съответния песнопение. разпоредби, одобрени в страните от Близкия, Запад. и Юж. Европа. В същото време по-нататъшното развитие на григорианското пеене, замръзнало в непропускливост, също спира. форми.

От края. 1-во хилядолетие от н.е. в резултат на чести набези на врага на територията на Италия, както и засиленото потисничество на папството, което възпрепятства свободното изразяване на творчество. инициатива, в И. м. идва. стагнация, тя престава да играе забележима роля в общите музи. развитие на Европа. държави. Най-важните промени, настъпили в Европа. музиката в началото на 1-во и 2-то хилядолетие, намират слабо и често закъсняло отражение в имперската музика. и северозапад. Европа вече през 9 век. даде обосновка за ранните форми на многогласие, най-видния италианец. музи. средновековният теоретик Гуидо д "Арецо (XI в.) обръща основно внимание на едностранното григорианско пеене, само за кратко докосвайки органума. През 12 век полифоничното пеене е включено в литургичната практика на някои италиански църкви, но малкото известни примери го правят не свидетелстват за независимия принос на Италия за развитието на полифонични жанрове от онази епоха.Нов възход в музикалното изкуство в края на 13-14 век е свързан с Ранния Ренесанс, който отразява нарастването на хуманистичните тенденции, начинаещият освобождаване на човешката личност от потискането на религиозните догми, по-свободно и по-пряко възприемане на света през периода на отслабване на властта на феодалните господари и формиране на ранните капиталистически отношения. определението за Ars nova, прието в историята на музиката. Основните центрове на това движение бяха градовете на Централна и Северна Италия - Флоренция, Венеция, Падуа - по-напреднали в своята социална структура и култура от южните региони, в които феодалните отношения все още бяха здраво запазени. Тези градове привличаха най-талантливите композитори и музи кант-изпълнители. Тук се появиха нови жанрове и стилистични тенденции.

Желанието за повишен израз се проявява в лириката. химни на свободно тълкуваните религии. тема - laudah, to-ry пее в ежедневието и по време на религии. шествия. Вече в края. 12 век възникват „братства на лаудистите“, чийто брой се увеличава през 13 и особено 14 век. Хваленето се култивира сред монасите от францисканския орден, опозиция на офицерите. Римската църква, понякога те отразяват мотивите на социалния протест. Melody laud се свързва с нар. източници, различен ритъм. яснота, яснота на структурата, преобладаващ основен цвят. Някои от тях са близки по характер до танци. песни.

Във Флоренция се появяват нови жанрове на светската полифония. уок. музика, предназначена за домашно любителско изпълнение: мадригал, качча, балата. Те бяха 2 или 3 гола. строфа. песни с мелодични заглавия. горен глас, ритъм различен ритъм. мобилност, изобилие от цветни пасажи. Мадригал е аристократ. жанр, характеризиращ се с изтънченост на поетиката и музите. сграда. В него доминираше фината еротика. теми, също въплътени сатирични. мотиви, понякога политически натоварени. Съдържанието на какчиите първоначално бяха ловни картини (откъдето идва и самото име: caccia - лов), но след това темата му се разширява и обхваща разнообразни жанрови сцени. Най-популярният от светските жанрове, Ars nova, е балата (танцова песен, подобна по съдържание на мадригал).

Широко разпространено развитие в Италия през 14 век. получава инстр. музика. Основна инструментите от онова време са лютня, арфа, фидел, флейта, гобой, тръба, органи, декомп. тип (позитиви, преносими). Те са били използвани за съпровод на пеене и за соло или ансамбъл.

Итал процъфтява. Арс нова пада в средата. 14 век През 40-те. творческото се разгръща. дейността на най-видните му майстори - Джовани от Флоренция и Якопо от Болоня. Слепият виртуозен органист и комп. Ф. Ландино е много талантлив човек, поет, музикант и учен, който беше уважаван в италианските среди. хуманисти. В неговата работа се засили връзката с койката. произход, мелодията е придобила по-голяма свобода на изразяване, понякога усъвършенствана изтънченост, цветист и ритъм. разнообразие.

В епохата Висок Ренесанс (16 век) И. м. Заема водеща позиция сред Европа. музи. култури. В атмосфера на общ подем в изкуствата. културата интензивно се развива музиканството в различни. слоеве на обществото. Нейните огнища бяха заедно с църквата. параклиси на занаятите. еснафски сдружения, кръгове на просветени любители на литературата и изкуството, които понякога са се наричали след античността. по образец на академиите. В мн. градовете създават училища, които се правят независими. принос за развитието на И. м. Най-големите и влиятелни сред тях са римската и венецианската школи. В центъра на католицизма, Рим, новите форми на изкуството, породени от Ренесансовото движение, често срещат противопоставяне от страна на църквата. властите. Но, въпреки забраните и доносите, през 15-ти век. на римокатолическа. поклонението беше твърдо установено многоъгълно. пеене. Това беше улеснено от дейностите на представители на френско-фламандската школа на Г. Дюфай, Хоскин Депрес и други композитори, които служеха по различно време в папския параклис. В Сикстинската капела (основана през 1473 г.) и хорът. параклис Св. Петър концентрира най-добрите майстори на църквата. пеене не само от Италия, но и от други страни. Църковни въпроси. пеенето се даваше на промоции. внимание към Трентския събор (1545-63), в решенията на който е осъден прекомерният ентусиазъм за „фигуративното“ многогласие. музика, което затруднява разбирането на „свещените думи“ и беше изтъкнато искането за простота и яснота; въвеждането на светски мелодии в литургията беше забранено. музика. Но, противно на стремежите на църквата. властите да изгонят всички нововъведения от култовото пеене и, ако е възможно, да го върнат към традициите на григорианското песнопение, композиторите от римската школа създават силно развита полифонична песен. изкуство, в което са реализирани и преосмислени най-добрите постижения на френско-фламандската полифония в духа на естетиката на Ренесанса. В производство композиторите на това училище са сложни имитации. техниката се комбинира с акорд-хармоника. склад, много глави. текстурата придобива характер на хармонична еуфония, мелодичният принцип става по-независим, горният глас често се подчертава. Най-големият представител на римската школа е Палестрина. Неговото идеално балансирано, просветлено по настроение, хармонично изкуство понякога се сравнява с работата на Рафаел. Като върхът на припева. полифония на строг стил, музиката на Палестрина съдържа едновременно развити елементи на хомофонично мислене. Стремежът към баланс на хоризонтални и вертикални принципи беше характерен и за други композитори от същото училище: К. Феста, Г. Анимучи (оглавяващ параклиса на Свети Петър през 1555-71 г.), Клеменс-не-Папа, ученици и последователи на Палестрина - Дж. Нанино, Ф. Анерио и др. Испанците също се присъединяват към римската школа. композитори, работили в папския параклис: К. Моралес, Б. Ескобедо, Т. Л. де Виктория (с прякор „Испанска Палестрина“).

Откривателят венецианско училище е А. Уиларт (холандски по произход), то-ри през 1527 г. оглавява параклиса на катедралата Св. Марк и беше негов лидер в продължение на 35 години. Негови наследници са К. де Попе и испанецът К. Меруло. Това училище достига своя най-висок връх в работата на А. Габриели и неговия племенник Й. Габриели. За разлика от строгия и сдържан начин на писане на Палестрина и други композитори от римската школа, изкуството на венецианците се характеризира с великолепието на звуковата палитра, изобилието от ярки цветове. ефекти. Принципът на полихорни беше от особено значение за тях. Противопоставяне на два хорове, разположени. в различни части на църквата, послужили като основа за динамиката. и цветни контрасти. Постоянно променящият се брой гласове за Г. Габриели достигна 20. Хор за контрасти. звуковете бяха допълнени от промяна на инструментите. тембри, а инструментите не само дублираха гласовете на хорото, но и изпълниха самостоятелно във входа. и свързващи епизоди. Хармонично. езикът беше наситен с многобройни, често смели за онова време хроматизми, които му придаваха черти на повишен израз.

Творчеството на майсторите от венецианската школа изигра важна роля за развитието на нови форми на инструментариум. музика. През 16 век. самият състав на инструментите е значително обогатен и тяхното изражение се е разширило. възможности. Значението на носовите инструменти с мелодичния им топъл звук нарасна. През този период се формира класиката. вид виола; цигулка, преобладаваща по-ранна преим. в народния живот, става проф. музи. инструмент. Лютната и органът продължават да доминират като солови инструменти. През 1507-09 издателят O. Petrucci publ. 3 колекции от парчета за лютня, все още запазени. признаци на пристрастяване към уок. полифония тип мотет. В бъдеще тази зависимост отслабва, специално разработени инструменти. методи на представяне. Типично за 16 век. жанрове на соло инстру. Музика - Richercar, Fantasy, Canzona, Capriccio. През 1549 г. орг. Richercars на Villart. След него този жанр е разработен от J. Gabrieli, някои богати автомобили от които се представят във фугата. В орг. Токата на венецианските майстори отразява виртуозно начало и склонност към свободно въображение. През 1551 г. във Венеция е публикуван сб. танцуват клавирни парчета. характер.

Появата на първата се свързва с имената А. и Й. Габриели. образци от камерен ансамбъл и орк. музика. Техните композиции за различни инструменти. влакове (от 3 до 22 страни) бяха комбинирани в сб. „Canzons and Sonatas“ („Canzoni e sonate ...“, публикуван през 1615 г. след смъртта на композиторите). Тези пиеси се основават на принципа на контрастно декомпилиране. инстр. групи (и еднородни - поклонени, дървени, месингови и смесени), получени след това. превъплъщение в жанра на концерт.

Най-пълният и ярък израз на ренесансовите идеи в музиката е мадригалът, който процъфтява отново през 16 век. Този най-важен жанр на светското музициране през Ренесанса беше обърнат на внимание от мнозина. композитори. Мадригалите са написани от венецианците А. Виларт, К. де Попа, А. Габриели, майсторите на римската школа К. Фест и Палестрина. Мадригалистки училища съществували в Милано, Флоренция, Ферара, Болоня, Неапол. Мадригал 16 век се различаваше от мадригала от периода Ars nova по по-голямото богатство и усъвършенстване на поезията. съдържание, но основно. сферата му остава любовна лирика, често пасторална, съчетана с възторжена възхвала за красотите на природата. Поезията на Ф. Петрарка оказва голямо влияние върху развитието на мадригала (много от стиховете му са музицирани от различни автори). Композиторите на мадригалисти се насочват към творбите на Л. Ариосто, Т. Тасо и други големи поети от Ренесанса. В мадригалите от 16 век. Преобладаваха 4- или 5 гола. склад, който съчетава елементи на полифония и хомофония. Водещ мелодичен. гласът се отличаваше с изтънчен израз. нюанси, гъвкав трансфер на детайли поетичен. текст. Цялостната композиция беше безплатна и не се подчиняваше на строфата. принцип. Сред мадригалските майстори от 16 век. уважаван холандец Й. Аркаделт, работил в Рим и Флоренция. Неговите мадригали, публикувани през 1538-44 г. (6 книги), са препечатвани много пъти и възпроизвеждани през дек. печатни и ръкописи. срещи. Най-високият разцвет на този жанр е свързан с творчеството. дейности на L. Marenzio, C. Monteverdi и C. Gesualdo di Venosa в края. 16 - рано. 17-ти век Ако Marenzio се характеризира със сфера на тънкост. лиричен. образи, след това в Джезуалдо ди Веноса и Монтеверди мадригалът е драматизиран, надарен с задълбочена психология. израз, те използваха нови, необичайни средства за хармоничност. език, изострена интонация. изразителност на уок. мелодии. Дъските легла са богат слой от I. m. песни и танци, отличаващи се с мелодичността на мелодиите, жизнеността, запалителните ритми. За ital. танците се характеризират с размер 6/8, 12/8 и бързо, често стремително темпо: saltarello (запазени са записи от 13-14 век), свързани с него заложна къща (танц на Ломбардия) и forlana (венециански , Фриулски танц), тарантела (южноиталиански танц, който стана национален). Заедно с тарантелата е популярна сицилиана (размерът е същият, но темпото е умерено, характерът на мелодията е различен - пасторален). Сицилийците са близо до баркарола (песента на венецианските гондолиери) и тосканското ризето (хвалебна песен, признание за любов). Широко известни са оплакващите песни - ламенто (вид оплаквания). Пластичността и мелодичността на мелодията, яркият лиризъм и често подчертаната чувствителност са типични за неаполитанските песни, широко разпространени в Италия.

Нар. музиката повлия на проф. музи. творение. Най-голямата простота и близост до леглата. Жанровете на фротола и виланела се различават от техния произход.

Ренесансът дава тласък за развитието на музикално-теоретичната. мисли в Италия. В основата на модерното. доктрината за хармонията е положена от Ж. Царлино. Ср. Век. той се противопостави на доктрината за ладовете с нова тонална система с 2 основни. режими - мажор и минор. В своите преценки Царлино разчита преди всичко на прякото слухово възприятие, а не на абстрактни схоластични изчисления и числени операции.

Най-голямото събитие в империализма в края на 16 и 17 век. е появата на операта. Появявайки се още в края на Ренесанса, операта е изцяло свързана с нейните идеи и култура. Операта като самостоятелна. жанрът израства, от една страна, от театъра. представления от 16-ти век, придружени от музика, от друга - от мадригала. Музиката за t-ra е създадена от мнозина. известни композитори от 16 век Така А. Габриели пише хорове за трагедията на Софокъл „Едип“ (1585, Виченца). Един от предшествениците на операта е „Легендата за Орфей” на А. Полизиано (1480 г., Мантуа). В мадригала средствата за гъвкавост, изразяване. превъплъщения на поезията. текст в музика. Честа практика да се изпълняват мадригали от един певец с инструменти. Рез. ги приближи до типа уок. монодия, която стана основата на първия итал. опера. В края. 16 век възниква жанрът на мадригалската комедия, в мимически разрез. актьорската игра беше придружена от уок. епизоди в стил мадригал. Типичен пример за този жанр е „Амфипарнас“ на О. Века (1594).

През 1581 г. се появи полемика. Трактат на В. Галилей „Dialogo della musica antica et délia moderna“ („Dialogo della musica antica et délia moderna“), в който пее уок. декламацията (по образец на древната) се противопоставяше на „варварството“ от Средновековието. полифония. Откъсът от Божествената комедия на Данте, който той вложи в музика, трябваше да служи като илюстрация на този уок. стил. Мислите на Галилей бяха подкрепени от група поети, музиканти и учени-хуманисти, които се обединиха през 1580 г. по инициатива на просветения флорентински граф Г. Барди (т.нар. Флорентинска камерата). Членовете на този кръг създават първите опери - „Дафна“ (1597-98) и „Евридика“ (1600) от Ж. Пери по текста на О. Ринучини. Соло уок. части от тези опери с рез. басо континуо са издържани в рецитацията. начин, складът на мадригала е запазен в хоровете.

Няколко години по-късно музиката за „Евридика“ е написана независимо от певицата и комп. J. Caccini, to-ry също е автор на сборника. солови камерни песни със соп. "Нова музика" ("Le nuove musiche", 1601), главна. по същия стилистичен. принципи. Този стил на писане беше наречен „нов стил“ (Stile nuovo) или „живописен стил“ (Stile rappresentativo).

Прод. Флорентинците до известна степен рационални, тяхната стойност в основното. експериментален. Музите на гения вдъхнаха истинския живот на операта. драматург, художник на мощния трагичен талант К. Монтеверди. Той се обръща към оперния жанр в зряла възраст, като вече е автор на много. духовна оп. и светски мадригали. Първите му опери "Орфей" (1607) и "Ариадна" (1608) са пост. в Мантуа. След дълго прекъсване Монтеверди отново се изявява като оперен композитор във Венеция. Върхът на оперното му творчество е „Коронацията на Попая“ (1642), продукция. наистина шекспирова сила, отличаваща се с дълбочината на драмата. изрази, умело извайване на характери, острота и напрежение на конфликтни ситуации.

Във Венеция операта излезе извън тесния аристократичен. кръг от ценители и се превърна в публичен спектакъл. През 1637 г. тук е открит първият публичен оперен театър "Сан Касиано" (през 1637-1800 г. са създадени не по-малко от 16 такива театъра). По-демократичен. съставът на публиката също повлия на естеството на произведенията. Митологични. Темата отстъпи на доминиращото място на историците. истории с реални действия. лица, драм. и юнашки. началото беше преплетено с комедия и понякога дори грубо фарсично. Уок. мелодията придоби голяма мелодичност; епизоди от ариозен тип. Тези черти, характерни за късните опери на Монтеверди, са доразвити в работата на Ф. Кавали, авторът на 42 опери, сред които най-популярна е операта Джейсън (1649).

Операта в Рим придобива особен колорит под влиянието на доминиращия тук католик. тенденции. Заедно с античния. митологични. сюжети („Смъртта на Орфей“ - „La morte d„ Orfeo “от С. Ланди, 1619;„ Веригата на Адонис “-„ La Caténa d „Adone“ от Д. Мацоки, 1626) религията влиза в операта. теми, интерпретирани в Христос. морализиращ план. Повечето средства. произв. Римска школа - операта "Св. Алексей" Ланди (1632), отличаваща се със своята мелодичност. богатството и драматичността на музиката, изобилието на припева, разработен в текстура. епизоди. Първите примери за комикса се появяват в Рим. оперен жанр: „Страдание, нека се надява“ („Che soffre, speri“, 1639) В. Мацочи и М. Марацоли и „Dal male il bene“, 1653) А. М. Абатини и Марацоли.

K ser. 17-ти век операта почти напълно се отклони от принципите на ренесансовата естетика, защитена от флорентинската Камерата. Това се доказва от работата на М. А. Чест, свързана с венецианската оперна школа. В съчиненията си развълнувана драма. речитативът се противопоставя на мека мелодична мелодия, ролята на заоблените вокове се е увеличила. числа (често в ущърб на драматичното. Обосновка на действието). Почетната опера "Златната ябълка" ("Il porno d" oro ", 1667), помпозно поставена във Виена по повод сватбата на император Леополд I, стана прототип на тържествените парадни представления, които оттогава станаха широко разпространени в Европа, тя вече не е чисто италианска опера, - пише Р. Роланд, - тя е вид международна съдебна опера ".

От края. 17-ти век водеща роля в развитието на итал. опера премина в Неапол. Първият голям представител на неаполитанската оперна школа е Ф. Провансале, но истинският й ръководител е А. Скарлати. Автор на множество оперни произведения (над 100), той одобрява типичната италианска структура. опера-серия, запазена без същества. промени до края. 18-ти век Централно управление място в този тип опера принадлежи на арията, обикновено 3-частният da capo; на речитатив се възлага служебна роля, значението на хоровете и ансамблите е сведено до минимум. Но ярка мелодична. подарък на Скарлати, полифонично умение. писма, несъмнен драматург. интуицията позволява на композитора, въпреки всички ограничения, да постигне силно, впечатляващо въздействие. Скарлати разработи и обогати както вокал, така и инструментал. форми на операта. Той разработи типична италианска структура. оперна увертюра (или симфония, според приетата по това време терминология) с бързи екстремни раздели и бавен среден епизод, който се превръща в прототип на симфонията в този й вид. конц. върши работа.

В тясна връзка с операта се развива нов жанр на извънлитературна музика. религия isk-va - оратория. Произхождащи от религии. четения, придружени от пеене на полигол. похвала, тя си направи своя. завършен. форма в творбите на Й. Карисими. В ораториите, писани предимно на библейски теми, той обогатява оперните форми, които са се развили до средата. 17 век, постижения на припева. конц. стил. Сред композиторите, разработили този жанр след Карисими, се откроява А. Страдела (личността му става легендарна заради авантюристичната му биография). Той въведе елементи от драми в ораторията. патетика и характеристики. Почти всички композитори от неаполитанската школа обърнаха внимание на жанра на ораторията, въпреки че в сравнение с операта ораторията заемаше второ място в тяхната работа.

Жанр, свързан с ораторията, е камерна кантата за един, понякога 2 или 3 гласа със сопр. басо континуо. За разлика от ораторията, в него преобладават светски текстове. Най-изявените майстори от този жанр са Карисими и Л. Роси (един от представителите на римската оперна школа). Подобно на ораторията, кантатата изигра значението. роля в производството на уок. форми, станали типични за неаполитанската опера.

В областта на култовата музика през 17 век. доминиран от желанието за външно, показно величие, постигнато от гл. обр. поради количества. ефект. Принципът на полихора, разработен от майсторите на венецианската школа, придоби хиперболичен характер. мащаб. В някои продукции. използвани до дванадесет 4-гола. хорове. Гигантски хор. композиции бяха допълнени от многобройни. и различни групи инструменти. Този пищен бароков стил е особено развит в Рим, замествайки строгия, сдържан стил на Палестрина и неговите последователи. Най-изявените представители на късната римска школа са Г. Алегри (автор на прочутия Мизерере, записан на слух от В. А. Моцарт), П. Агостини, А. М. Абабатини, О. Беневоли. В същото време т.нар. „концертен стил“, близък до ариозно-речитативното пеене на ранния италианец. опери, примери за които са свещените концерти на А. Банциери (1595) и Л. Виадана (1602). (Виадана беше призната, както се оказа по-късно, без достатъчно основания, изобретяването на дигиталния бас.) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi и други композитори, които ги доведоха в църквата, пише по същия начин. музикални елементи на опера или камерна кантата.

Интензивно търсене на нови форми и средства на музи. изразителност, продиктувана от желанието да се въплъти богатият и многостранен хуманистичен. съдържание, са проведени в областта на инстр. музика. Един от най-големите майстори на орг. и клавирна музика от периода преди Бах е Г. Фрескобалди - брилянтен творчески композитор. индивидуалност, брилянтен виртуоз по орган и клавесин, който стана известен у дома и в друга Европа. държави. Той го въведе в традицията. richercar форми, фантазии, токата, характеристики на интензивна изразителност и свобода на чувствата, обогатиха мелодиката. и хармонично. език, развит полифоничен. текстура. В неговата продукция. кристализирана класика. тип фуга с ясно идентифицирани тонални връзки и пълнота общ план... Работата на Фрескобалди е върхът на итала. орг. съдебен процес. Неговите иновативни завоевания не намериха изключителни последователи в самата Италия; те бяха продължени и разработени от композитори от други страни. В итал. инстр. музика от 2-рия етаж. 17-ти век водещата роля преминаваше на поклонени инструменти и най-вече на цигулка. Това се дължи на процъфтяването на изпълнителите на цигулка и подобряването на самия инструмент. През 17 и 18 век. в Италия, династии на известни цигулари (семейства на Амати, Страдивари, Гуарнери), чиито инструменти все още са ненадминати. Изключителни виртуози на цигулката в по-голямата си част са и композитори, в тяхната работа са фиксирани нови техники на соло изпълнение на цигулка, разработени са нови музи. форми.

В края на 16 и 17 век. във Венеция се формира жанрът на трио соната - многосерийна продукция. за 2 солови инструмента (по-често цигулки, но те биха могли да бъдат заменени с други инструменти на съответната теситура) и бас. Имаше 2 разновидности на този жанр (и двата принадлежаха към областта на светското камерно музициране): „църковна соната“ („sonata da chiesa“) - цикъл от 4 части, в който се редуваха бавни и бързи части, и „камерен sonata "(" sonata da camera "), състояща се от няколко. танцови парчета. характер близо до апартамента. По-нататъшното развитие на тези жанрове е особено важно. ролята беше изиграна от школата в Болоня, която представи блестяща плеяда майстори на цигулка. Сред неговите висши представители са М. Кацати, Дж. Витали, Дж. Басани. Епоха в историята на музиката на цигулката и камерния ансамбъл е дело на А. Корели (ученикът на Басани). Зрелият период на неговата дейност е свързан с Рим, където той създава собствена школа, представена от такива имена като П. Локатели, Ф. Джеминиани, Й. Сомис. В работата на Корели е завършено формирането на тройната соната. Той разшири и обогати представянето. възможностите на поклонени инструменти. Той също принадлежи към цикъла на сонатите за соло цигулка с рес. клавесин. Този нов жанр, който се появи в кон. 17 век, бележи дипломирането. изявлението е монодично. принцип в инстр. музика. Корели, заедно със съвременника си Г. Торели, създават концерт гросо - най-важната форма на камерно оркестрово музикално правене до средата на 18 век.

До края. 17 - ранен. 18-ти век увеличен международен. славата и авторитета на И. м. Мн. чуждестранен музикантите бяха привлечени в Италия, за да завършат образованието си и да получат одобрение, което гарантира признание в родината им. Като учител той беше особено известен с музиканта с голяма ерудиция, комп. и теоретикът JB Martini (известен като Padre Martini). К. В. Глюк, В. А. Моцарт, А. Гретри се възползваха от неговите съвети. Благодарение на него, Болонската филхармония. академията се превърна в един от най-големите музикални центрове в Европа. образование.

Итал. композитори от 18 век основен беше обърнато внимание на операта. Малко от тях се държаха настрана опера т-ракоето привлече широка публика от всички сфери на живота. Оперната постановка от този век, гигантска по обем, е създадена от композитори от различен тип. скала на таланта, сред които имаше много талантливи художници. Популярността на операта се насърчава от високото ниво на вокални изпълнители. култура. Певците подготвяха гл. обр. в оранжерии - сиропиталища, възникнали през 16 век. В Неапол и Венеция - основните центрове на италианския. оперен живот през 18 век. имаше 4 зимни градини, в които музи. образованието се ръководеше от най-големите композитори. Певец и комп. Ф. Пистоки, основан в Болоня (около 1700 г.) специален. хорист. училище. Изключителен уок. учител е Н. Порпора, един от най-плодовитите оперни композитори на неаполитанската школа. Сред известните майстори на изкуството на бел канто през 18 век. - изпълнители на основния съпруг. певците-кастрати А. Бернаки, Кафарели, Ф. Бернарди (с прякор Сенесино), Фаринели, Г. Кресцентини, които имаха виртуозен уок, играеха роли в оперната серия. техника, съчетана с мек и лек тембър на гласа; певци Ф. Бордони, Ф. Куцони, К. Габриели, В. Тези.

Итал. операта се радваше на привилегии. позиция в повечето Европа. главни букви. Тя ще бъде привлечена. сила се проявяваше и в това, че мн. композитори от други страни създават опери на италиански. текстове в духа и традициите на неаполитанската школа. Към него се присъединиха испанците Д. Перес и Д. Тераделас, германецът И. А. Хасе, чехът Й. Мисливечек. В масовото течение на същото училище течеше. част от дейностите на GF Handel и KV Gluck. За ital. оперните сцени са написани от руски. композитори - М. С. Березовски, П. А. Скоков, Д. С. Бортнянски.

Обаче още приживе на ръководителя на неаполитанската оперна школа А. Скарлати, създателят на оперната серия, бяха разкрити изкуствата, присъщи на нея. противоречия, то-ръжът послужи като причина за остра критика. речи срещу нея. В началото. 20-те 18-ти век се появи сатирикът. музики от памфлети. теоретик Б. Марчело, в който се подиграва на абсурдните конвенции на оперните либри, пренебрегването на композиторите на драми. смисъла на действието, арогантното невежество на примадоните и кастрираните певци. За липсата на дълбока етика. съдържание и злоупотреба с външни фактори критикувани sovr. аз съм италианска опера. просветител Ф. Алгароти в „Есе за операта“ („Saggio sopra l„ orera in musica ... “, 1754) и учен енциклопедист Е. Артеага в съчинението„ Революция на италианския музикален театър"(„ Le rivoluzioni del teatro musicale italiano dalla sua origine fino al presente ", ст. 1-3, 1783-86).

Либретистките поети А. Зенон и П. Метастазио са разработили стабилна структура от исторически и митологичен характер. оперна поредица, в която характерът на драмите беше строго регламентиран. интриги, брой и взаимоотношения на актьори, видове солови вокове. стаи и тяхното местоположение в живописната. действие. Следвайки законите на класицистичната драма, те придават на операта единството и хармонията на композицията, освобождават я от смесване на трагично. елементи с комедиен и фарс. В същото време оперните текстове на тези драматурзи са белязани от чертите на аристократите. галантност, написана на изкуствен, маниерен изтънчен език. Opera seria, isp. рязане често беше планирано да дойде. тържества, трябваше да завърши със задължителен щастлив край, чувствата на нейните герои бяха условни и неправдоподобни.

Всички R. 18-ти век имаше тенденция към преодоляване на установените клишета на опера-серията и по-тясна връзка между музиката и драмата. действие. Това доведе до засилване на ролята на придружавания речитатив, до обогатяване на орка. цветове, разширяване и драматизация на припева. сцени. Тези новаторски тенденции са най-ярко изразени в творбите на Н. Джомели и Т. Траета, които частично подготвят оперната реформа на Глюк. В операта „Ифигения в Таврида“ Траета успява, според Г. Абърт, „да се приближи до самите порти на музикалната драма на Глюк“. Композиторите на т.нар. А. Сакини и А. Салиери бяха убедени привърженици и последователи на реформата на Глюк.

Най-силната опозиция е условно героична. опера-серията е съставена от нов демократ. жанр опера-бифа. На 17 и по-рано. 18-ти век комичен. операта беше представена само в изолирани мостри. Как стоят сами. жанр тя започва да се формира сред старшите майстори на неаполитанската школа Л. Винчи и Л. Лео. Първа класика. пример за оперната бифа е „Прислужницата“ на Перголеси (първоначално използвана като интермедия между действията на собствената му опера-поредица „Гордият затворник“, 1733 г.). Реализъм на образите, жизненост и острота на музите. характеристики допринесоха за най-широката популярност на интермедията JB Pergolesi в множествено число. страни, особено Франция, където нейният пост. през 1752 г. служи като тласък за появата на ожесточена естетика. полемика (вж. „Войната на буфоните“) и допринесе за формирането на французите. нат. комичен тип. опера.

Без да губите връзка с койката. корени, италиански. по-късно опера бифа развива по-развити форми. За разлика от оперната серия, соло вокът преобладаваше в разрез. началото, в комикса. Оперните състави придобиват голямо значение. Най-развитите ансамбли бяха поставени в оживени, бързо разгръщащи се финали, които бяха вид възел на комедийни интриги. Н. Логрошино се счита за създател на този тип ефективни финални ансамбли. К. Голдони, виден италианец, оказа плодотворно влияние върху развитието на оперната бифа. комик от 18-ти век, който отразява в творчеството си идеите на просветителския реализъм. Той е автор на редица оперни либри, повечето от които са композирани от един от изключителните италиански майстори. комичен. опера Венецианският Б. Галупи. През 60-те години. 18-ти век в операта се проявяват сентименталистките тенденции (например операта на Н. Пичини по текста на Голдони „Чекина или добрата дъщеря“, 1760, Рим). Opera buffa се доближава до типа „филистинска драма“ или „сълзлива комедия“, отразяваща морала. идеали на третото съсловие в навечерието на Великите французи. революция.

Работата на Н. Пичини, Г. Паисиело и Д. Чимароса е последният, най-високият етап в развитието на опера-бифа през 18 век. Техните постановки, свързващи комедийните елементи с чувствата. патетичен, мелодичен. богатство с разнообразни форми, жизненост, изящество и мобилност на музиката са запазени в оперния репертоар. В много отношения тези композитори се обърнаха към Моцарт и подготвиха творбата на един от най-великите италианци. оперни композитори от следващия век Г. Росини. Някои характеристики на опера-бифата бяха усвоени от по-късната опера-поредица, което доведе до по-голямата гъвкавост на нейните форми, простотата и спонтанността на мелодиката. изрази.

Означава. приносът е направен от ital. композитори от 18 век в развитие декомп. жанрове на инстр. музика. В областта на цигулковото изкуство най-големият майстор след Корели е Г. Тартини. Продължавайки, следвайки своите предшественици, да култивира жанровете соло соната за цигулка и трио соната, той ги изпълва с нова жива изразителност, обогатява техниките за изпълнение на цигулка, разширява обхвата на обичайното за това време звучене. Тартини създава собствено училище, наречено Падуа (по името на град Падуа, където прекарва по-голямата част от живота си). Негови ученици бяха П. Нардини, П. Алберги, Д. Ферари. На 2-ри етаж. 18-ти век разгърна като виртуозен изпълнител. и творчески. дейности на Г. Punyani, най-големият италианец. цигулар класически ера. Сред многото му. студенти, особено известни J. B. Viotti, в работата на които понякога се чувства вече романтично. тенденции.

Орк. концерт гросо като смел и оригинален. иновативният художник беше А. Вивалди. Той драматизира тази форма, въведена заедно с динамична. контрастиращи на големи и малки групи инструменти (tutti и concertino) тематични. контрасти в рамките на отдела. части, установили 3-частична структура на цикъла, която е запазена в класиката. инстр. концерт. (Концертите за цигулка на Вивалди бяха високо оценени от Дж. С. Бах, който транскрибира някои от тях за клавир и орган.)

В трио сонатите на Г. Б. Перголези се забелязват черти на предкласическата музика. "галантна" стил. Тяхната лека, прозрачна текстура е почти изцяло хомофонична, мелодията се отличава с мека мелодичност и изящество. Един от композиторите, подготвил директно цъфтежа на класиката. инстр. музика, е J. Sammartini (автор на 78 симфонии, много сонати и концерти за различни инструменти), по естество на творчеството, близко до представителите на Манхайм и ранните виенски школи. Л. Бокерини комбинира в работата си елементи на галантна чувствителност с предромантичен. развълнуван патос и близост до легла. източници. Ще забележите. виолончелист, той обогатява соло виолончелната литература, е един от основателите на класическата музика. като поклонен квартет.

Художникът е жизнен и богат творчески художник. фантазия, Д. Скарлати разширява и актуализира фигуративната структура и средствата за изразителност на клавирната музика. Неговите сонати за клавесин (авторът ги нарича „упражнения“ - „Essercizi per gravicembalo“), поразили разнообразие от характер и техники за представяне, са своеобразна енциклопедия на клавирното изкуство от онази епоха. В ясни и кратки сонати тематиката на Скарлати е изострена. контрасти, ясно очертани DOS. раздели от експозицията на соната. След Скарлати клавирната соната се развива в произведенията на Б. Галупи, Д. Алберти (чието име се свързва с определението за бас на Алберти), Г. Рутини, П. Парадизи, Д. Чимароса. М. Клементи, асимилирайки някои от страните на маниера на Д. Скарлати (което беше изразено, по-специално, при създаването му на 12 сонати „в стила на Скарлати“), след това се доближава до майсторите на развитата класическа . стил и понякога се доближава до произхода на романтиката. виртуозност.

Н. Паганини откри нова ера в историята на цигулковото изкуство. Като изпълнител и композитор, той е типично романтичен художник. склад. Играта му направи непреодолимо впечатление, като комбинира голяма виртуозност с огнена фантазия и страст. Mn. произв. Паганини („24 капризи“ за солова цигулка, концерти за цигулка и оркестър и др.) Все още остават ненадминати примери за виртуозна цигулкова литература. Те повлияха не само върху цялото последващо развитие на цигулковата музика през 19 век, но и върху работата на най-големите представители на романтиката. пианизъм - Ф. Шопен, Р. Шуман, Ф. Лист.

Паганини беше последният от великите италианци. майстори, работили в областта на инструментите. музика. През 19 век. вниманието на композиторите и публиката беше почти изцяло приковано към операта. В началото на 18-19 век. операта в Италия преживява период на добре известна стагнация. Традиции. типове опера-серия и опера-бифа по това време вече са изчерпали възможностите си и не са могли да се развият. Творчество на най-големия италианец. оперният композитор по това време Г. Спонтини продължава извън Италия (във Франция и Германия). Опитите на С. Майр (германец по националност) да подкрепи традициите на опера-серията (чрез присаждане на определени заети елементи) се оказаха еклектични. Ф. Паер, който гравитира към опера-бифа, не е въвел нищо съществено ново в този жанр в сравнение с произведенията на Паисиело и Чимароса. (В историята на музиката името на Паер се е запазило като автор на операта „Леонора“ или „Съпружеска любов“, базирана на текста на J. Bouilly, който служи като източник за библиотеките на Бетовен. Фиделио.)

Висок цъфтеж на италианеца. опери през 19 век. беше свързана с дейността на Г. Росини - композитор, надарен с неизчерпаема мелодика. изобретателност, жизнерадостен, кипящ нрав и несъмнен драматург. усет. Общият подем в италианския език се отразява в работата му. култура, причинена от нарастването на патриотичната. национално-освобождаване. стремежи. Дълбоко демократичен., Нар. по произхода си оперното творчество на Росини е привлечено широк спектър от слушатели. Той възроди нац. тип оперна бифа и му вдъхна нов живот, изостряйки и задълбочавайки характеристиките на действията. хора, като ги приближава до реалността. Неговото " Севилски бръснар"(1816) - върхът на италианската комична опера. Комичният принцип на Росини е съчетан със сатиричен, либре. Някои от оперите му съдържат директни намеци за социалната и политическа ситуация от онова време. В героично-драматичните опери той преодолява замръзналите печати на операта-серия, по-специално придавайки специално значение на припева. последна опера Росини "Вилхелм Тел" (1829) за национално освобождение. сюжет, интерпретиран в романтичен. план.

Романтикът получава ярък израз. тенденции в творбите на В. Белини и Г. Доницети, чиято дейност се развива през 30-те години. 19 век, когато движението на нац. възраждането (Risorgimento) в Италия навлезе в решаващ етап в борбата за единство и политически. независимост на страната. В операта на Белини „Норма“ (1831) и „Пуританите“ (1835) ясно се чува националното освобождение. мотиви, въпреки че основният акцент се прави от композитора върху личната драма на героите. Белини беше майстор в изразяването. романтичен. кантилена, което предизвика възхищението на М. И. Глинка и Ф. Шопен. Доницети има копнеж по силни драми. ефекти и трогателни позиции понякога се изсипват в мелодрама. Следователно, големият му романтик. оперите („Лукреция Борджия“, от В. Юго, 1833; „Лучади Ламермур“, от В. Скот, 1835) се оказаха по-малко жизнеспособни от постановките. комедиен жанр („Любовна отвара“, 1832; „Дон Паскуале“, 1843), в която традиция. тип ital. опера-бифа придоби нови черти: нараства значението на жанровия фон, мелодията се обогатява с интонации на ежедневната романтика и песен.

Творчеството на J.S.Mercadante, G. Pacini и някои други композитори от същия период не се различават сами по себе си. индивидуални черти, но отразява общата тенденция към драматизиране на оперната форма и обогатяване на музиката. финансови средства. В това отношение те бяха незабавни. предшественици на Г. Верди - един от най-великите оперни драматурзи не само в италианския, но и в света на музите. т-ра.

Ранни опери на Верди, които се появяват на сцената през 40-те. 19 век, все още не напълно независим стилистично („Набуко“, „Ламбарди в първия кръстоносен поход“, „Ернани“), предизвика пламенния ентусиазъм на публиката със своята патриотичност. патос, романтичен. възторг от чувства, дух на героизъм и свободолюбие. В производство 50-те („Риголето“, „Трубадур“, „Травиата“) той постигна страхотен психологически. дълбочина на образите, сила и правдивост на въплъщението на остри, интензивни духовни конфликти. Уок. Писмеността на Верди се освобождава от външната виртуозност, орнаментирането на пасажа, превръщайки се в органично неразделен елемент от мелодиката. линии, придобити експрес. стойност. В оперите от 60-70-те. ("Дон Карлос", "Аида") той се стреми да разкрие допълнително широки пластове драми. действия в музиката, засилване на ролята на оркестъра, обогатяване на музите. език. В една от последните си опери - „Отело“ (1886) Верди стига до създаването на края. музи. драми, в които музиката е неразривно свързана с действието и гъвкаво предава цялото си психологическо. сенки.

Последователи на Верди, вкл. A. Ponchielli, авторът на популярната опера La Gioconda (1876), не успява да обогати своите оперни принципи с нови същества. постижения. В същото време работата на Верди среща опозиция от страна на привържениците на музикалните драми на Вагнер. реформи. Вагнерианството обаче няма дълбоки корени в Италия, влиянието на Вагнер се отразява в някои композитори не толкова в принципите на оперната драма, колкото в хармоничните техники. и орк. писма. Вагнерианските тенденции са отразени в операта „Мефистофел“ от Бойто (1868), която се отдалечава от крайностите на увлечението по Вагнер.

В края. 19 век веризмът стана широко разпространен в Италия. Огромният успех на оперите „Селска чест“ от Маскани (1890) и „Палячи“ от Леонкавало (1892) допринесе за установяването на тази тенденция като доминираща в италианския език. оперно творчество. У. Джордано (сред неговите творби най-известната опера „Андре Шение“, 1896 г.), Ф. Чилея се присъединява към веризма.

Работата на най-големия италианец също е свързана с тази тенденция. оперен композитор по Верди - Г. Пучини. Неговото производство. обикновено посветен. драмата на обикновените хора, показана на пъстър битов фон. В същото време оперите на Пучини са свободни от натурализма, присъщ на веризма. дявол, различават се в по-голяма финес психологическа. анализ, душевен лиризъм и изящество на писането. Верен на най-добрите италиански традиции. bel canto, Пучини изостри декламацията. изразителност на уок. мелодични, стремят се към по-подробно възпроизвеждане на речевите нюанси в пеенето. Цветно хармонично. и орк. езикът на оперите му съдържа определени елементи на импресионизма. В първите си зрели продукции. (La Bohème, 1896; Tosca, 1900) Пучини все още се свързва с италиански. оперната традиция от 19-ти век, по-късно стилът й се усложнява, изразните средства придобиват по-голяма острота и концентрация. Особено явление в италианския. оперно изкуство - дело на Е. Волф-Ферари, то-ри се опита да модернизира класиката. вид опера бифа, съчетаваща нейната традиция. форми със стилистични средства за късен романтизъм ("Любопитни жени", 1903; "Четири тирани", 1906, по сюжетите на Голдони). Р. Джандонай, вървейки главно по пътя на веризма, се приближи до някои от новите музи. течения от 20 век.

Високи постижения на итал. опера в 19 - ранен. 20-ти век бяха свързани с блестящия разцвет на уок-изпълнителите. култура. Италиански традиции. bel canto, формирани през 19 век, са доразвити в изкуството от няколко. поколения световноизвестни певци. В същото време изпълнението им придобива нови черти, става все по-лирично и драматично изразително. Последният изключителен представител на чисто виртуозен маниер, даряващ за драматургия. съдържание в името на красотата на звука и техническото. подвижността на гласа, беше А. Каталани. Сред италианските майстори. уок. училища 1-ви етаж. 19 век, формиран на основата на оперното творчество на Росини, Белини и Доницети - певците Джудита и Джулия Гризи, Г. Паста, певците Г. Марио, Ж. Б. Рубини. На 2-ри етаж. 19 век на преден план излиза плеяда от певци "Верди", на която певците А. Босио, Б. и К. Марчизио, А. Пати, певците М. Батистини, А. Мазини, Й. Анселми, Ф. Таманьо, Е Тамберлик и други принадлежаха през 20 век. слава ital. оперите бяха подкрепени от певците А. Барби, Г. Белиниони, А. Гали-Курчи, Т. Дал Монте, Е. и Л. Тетрацини, певците Г. Де Лука, Б. Джигли, Е. Карузо, Т. Скипа, Тита Руфо и д-р.

От края. 19 век значението на операта в творчеството на итал. композиторите отслабват и има тенденция да се измести центърът на внимание към сферата на инстр. жанрове. Възраждането на активното творчество. интерес към инструментите. музиката е популяризирана от дейността на J. Sgambati (спечелил признание в Европа като пианист и диригент) и G. Martucci. Но творчеството на двамата композитори, което се развива под влиянието на Ф. Лист и Р. Вагнер, не е достатъчно независимо.

Като предвестник на нова естетика. идеите и принципите на стила оказват голямо влияние върху развитието на цяла Европа. музика на 20 век предоставен Ф. Бузони - един от най-великите пианисти на своето време, голям композитор и теоретик на изкуството. Те бяха изложени на концепцията за "новия класицизъм", на който той се противопостави, от една страна, импресионистично. плавност на образите, неуловимост на нюансите, от друга - „анархия“ и „произвол“ на атонализма на Шьонберг. Вашият креатив. Принципите на Бузони са внедрени в такива произведения като "Контрапункт фантазия" (1921), "Импровизация върху баров хорал" за 2 fp. (1916), както и оперите "Арлекин, или Прозорец", "Турандот" (и двете след. 1917), в които той изоставя развития уок. стил на техния итал. предшественици и се стремяха да се доближат до типа древни легла. комедия или шамар.

В руслото на неокласицизма се оформи италианското творчество. композитори, понякога обединени под името. „групи от 1880-те.“ - И. Пицети, Й. Ф. Малипиеро, А. Казела. Те се стремяха да съживят традициите на великия нац. музи. минало, отнасящо се до форми и стилистични. приеми ital. Барокови и григориански песнопения. Пропагандист и изследовател на ранна музика, издателство Malipiero. колекция творби на К. Монтеверди, инстр. произв. А. Вивалди и забравеното наследство на мнозина. ital. композитори от 17-18 век В работата си той използва формите на старата барокова соната, богаташа и др. Неговата опера DOS. на експрес. уок. рецитации и оскъдни средства на орк. отг., отразяват идването през 20-те години. реакция срещу веризма. Неокласическите тенденции на Casella се проявяват в "Partita" за php. с оркестър (1925), сюита "Scarlattiana" (1926), някакъв музикален театър. произв. (например камерната опера „Легендата за Орфей“, 1932 г.). Той обаче се насочи към италианския. фолклор (рапсодия за оркестър „Италия“, 1909). Неговият пъстър орк. писмото е разработено до голяма степен под влиянието на руския. и френски. училища (оркестрацията на Исламей на Балакирев беше в знак на почит към страстта му към руската музика). Пицети въвежда религиозно-морализиращи елементи в оперите си и насища музите. език с интонации на григорианския песнопение, без да се нарушава едновременно с италианските традиции. оперна школа от 19 век. Няколко специално място в тази група композитори заема работата на О. Респиги, майстор на орка. звуково писане (формирането на работата му е повлияно от уроците на Н. А. Римски-Корсаков). В симф. стихове Респиги („Римски фонтани“, 1916; „Римски борове“, 1924) са дадени ярки снимки на двуетажни легла. живот и природа. Неокласическите тенденции се отразяват само частично в неговите късно творчество... Забележима роля в I. м. 1-ви етаж. 20-ти век изигран от Ф. Алфано, виден представител на веристкото движение (операта „Възкресение“ по романа на Лев Толстой, 1904 г.), който след това еволюира до импресионизъм; М. Кастелнуово-Тедеско и В. Риети, то-ръж в началото. 2-ра световна война 1939-45 от политически. мотиви напуснали родината си и се установили в САЩ.

В началото на 40-те. 20-ти век в I. м. настъпват забележими промени в стила. Тенденциите на неокласицизма се заменят с течения, които развиват под една или друга форма принципите на новата виенска школа. Показателно в това отношение е креативността. еволюцията на Г. Петраси, то-ри, след като е изпитал влиянието на А. Казела и И. Ф. Стравински, преминава първо към позицията на свободна атоналност, а след това към строга додекафония. Най-големият композитор от този период, И. М., е Л. Далапиккола, чието творчество привлича широко внимание след Втората световна война. В неговата продукция. 40-те и 50-те проявяват се чертите на експресионизъм и родство. към творчеството на А. Берг. Най-добрите от тях олицетворяват хуманистичното. протест срещу тиранията и жестокостта (хор. триптих "Песни на затворниците", 1938-1941; опера "Затворникът", 1944-48), което им придава определена антифашистка насоченост.

Сред композиторите от по-младото поколение, излезли на преден план след Втората световна война, слава добиват Л. Берио, С. Бусоти, Ф. Донатони, Н. Кастильони, Б. Мадерно, Р. Малипиеро и др. Творчеството им е свързано с различни. течения на авангардизма - поствеберийски сериализъм, сонористика (виж Сериална музика, соноризъм), алеаторика и е почит към формалното търсене на нови звукови средства. Берио и Мадерно ум. през 1954 г. в Милано „Студио по фонология“, което извършва експерименти в областта на електронната музика. В същото време някои от тези композитори се опитват да обединят т.нар. нови средства за изразителност на музите. авангард с жанрови форми и техники на музиката от 16-17 век.

Специално място в модерното. И. м. Принадлежи към комунистическия композитор Л. Ноно, активен борец за мир. Той се обръща в работата си към най-острите теми на нашето време, опитвайки се да въплъти идеите на международното. братство и солидарност на работниците, протест срещу империалистическия. потисничество и агресия. Но средствата за авангардно изкуство, които Ноно използва, често противоречат на желанието му за незабавно. бъркалка. въздействие върху широките маси на слушателите.

Освен авангардни тенденции е J.C.Menotti - италианец. композитор, живеещ и работещ в САЩ. В неговата работа, свързана главно с оперна т-рома, елементи на веризма придобиват определена експресионистична окраска, докато търсенето на правдива речева интонация го води до частично сближаване с М. П. Мусоргски.

В музи. животът на Италия продължава да играе важна роля в операта tr. Една от най-забележителните оперни групи в света е Teatro alla Scala в Милано, която съществува от 1778 г. Най-старите оперни групи в Италия също включват Сан Карло в Неапол (основана през 1737 г.), Фениче във Венеция (основана през 1792 г.) . Основни изкуства. Римската опера (открита през 1880 г. под името Театър Костанци, от 1946 г. - Римската опера) придобива значение. Сред най-изявените модерни. ital. оперни артисти - певци Г. Симионато, Р. Ското, А. Стела, Р. Тебалди, М. Френи; певци J. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, J. Di Stefano.

Голямо влияние върху развитието на операта и симфонията. културата в Италия е осигурена от А. Тосканини, един от най-великите диригенти на 20 век. Видни представители на музикалното изпълнение. произведения на изкуството се ръководят от П. Ардженто, В. Де Сабата, Г. Кантели, Т. Серафин, Р. Фасано, В. Фереро, К. Чеки; пианистът А. Бенедети Микеланджели; цигулар Й. Де Вито; виолончелист Е. Майнарди.

От началото. 20-ти век Интензивно развитие получи в Италия музикални изследвания. и критичен. мисля. Означава. принос към изследването на музите. наследство е донесено от музиколози Г. Барблан (президент на Италианското музикално общество), А. Бонавентура, Й. М. Гати, А. Дела Корте, Г. Панейн, Дж. Ради-Чоти, Л. Торки, Ф. Торефранка и други М Дзафред и М. Мила работят предимно. в областта на музите. критици. Редица музи се публикуват в Италия. списания, вкл. "Rivista Musicale italiana" (Торино, Милано, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d" oggi "(Милано, 1919-40, 1958-)," La Rassegna Musicale "(Торино, 1928-40 ; Рим, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Милано, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Торино, 1964-) и др.

Публикувани са редица енциклопедии, посветени на. музика и т-ру, вкл. "Enciclopedia della musica" (ст. 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (ст. 1-9, Roma, 1954-62).

Сред промоциите. музи. uch. най-големите институции са консерваториите: „Санта Чечилия“ в Рим (основана през 1876 г. като музикален лицей, от 1919 г. - консерватория); името на JB Martini в Болоня (от 1942 г .; основан през 1804 г. като музикален лицей, от 1914 г. получава статут на консерватория); тях. Бенедето Марчело във Венеция (от 1940 г., основан през 1877 г. като музикален лицей, от 1916 г. е приравнен на висше училище); Милано (основано през 1808 г., през 1901 г. на името на Г. Верди); тях. Л. Черубини във Флоренция (основана през 1849 г. като музикален институт, след това музикално училище, музикална академия, от 1912 г. - консерватория). Проф. музикантите също се обучават в историята на музиката в университетите, Папския Амброзиански институт за духовна музика и др. институции, както и в Института за изследване на наследството на Верди е музиколог. Работа. Във Венеция основава International. център на пропаганда итал. музика, то-ри ежегодно организира летни курсове („Музикални празници“) по изучаване на древен италиански. музика. Амброзианската библиотека, библиотеката на Миланската консерватория, разполага с богата колекция от нотни листове и книги за музика. Хранилищата на древни инструменти, ноти и книги са широко известни (съсредоточени в библиотеката на Болонската филхармонична академия, в библиотеката на Г. Б. Мартини и в архивите на параклиса „Сан Петронио“ в Болоня). Най-богатите материали за историята на италианския език. музика имат нац. библиотека на Марциана, библиотека на фондация Д. Чини и Музей на музите. инструменти в консерваторията във Венеция.

В Италия има многобройни. музи. организация и изпълнение. колективи. Редовна симфония. концерти изнасят: оркестри т-дв "Ла Скала" и "Фениче", Нац. Академия "Санта Чечилия", Италия. радио и телевизия в Рим, оркестър о-ва "Следобедна музика" ("Rommerigi musicali"), който изпълнява преим. с испански модерен музика, камерни оркестри "Angelicum" и "Virtuosi of Rome", общество "Амброзианска полифония", пропагандираща музика от Средновековието, Ренесанса и Барока, както и оркестърът на Болонския театър "Comunale", Болоня камерен оркестър и други отбори.

В Италия се провеждат много. музи. фестивали и състезания: Междун. фестивал на модерната музика (от 1930 г., Венеция), "Флорентински музикален май" (от 1933 г.), "Фестивал на двата свята" в Сполето (от 1958 г., основан от J.C. Menotti), "Седмица нова музика"(от 1960 г., Палермо), състезание за пиано на Ф. Бузони в Болцано (от 1949 г., ежегодно), състезание за музика и танци на J. B. Viotti във Верчели (от 1950 г., ежегодно), състезание на А. Казела в Неапол (от 1952 г., на всеки 2 години , до 1960 г. участват пианисти, от 1962 г. - също композитори), конкурс за цигулка на Н. Паганини в Генуа (от 1954 г., ежегодно), конкурс за диригенти на оркове в Рим (от 1956 г., на всеки 3 години, създаден от Националната академия „Санта Сесилия "), състезанието на пианистите Е. Поцоли в Сереньо (от 1959 г. на всеки 2 години), състезанието на Г. Кантели за млади диригенти в Новара (от 1961 г. на всеки 2 години), вокално състезание„ Гласовете на Верди "в Бусето (от 1961 г., ежегодно), състезание на хорови групи, носещи името на Guido d "Arezzo в Арецо (основано през 1952 г. като национално, от 1953 г. - международно; ежегодно, известно още като" Polyphonico "), състезание за виолончело на име Г. Казадо във Флоренция (от 1969 г. на всеки 2 години).

Сред итал. музи. Общество - Корпорацията за нова музика (секция на Международното общество за съвременна музика; основано през 1917 г. като Национално музикално общество, през 1919 г. е преобразувано в Италианско дружество за съвременна музика, от 1923 г. - Корпорация), Асоциация на музите. библиотеки, Музикологично общество и др. Италианската работа върши голяма работа. музи. издателство и търговско дружество "Ricordi and Co." (основано през 1808 г.), което има клонове в пл. държави.

Литература: Иванов-Борецки М.В., Музикално-исторически четец, кн. 1-2, М., 1933-36; неговата, Материали и документи по история на музиката, т. 2, М., 1934; Кузнецов К. А., Музикални и исторически портрети, сер. 1, М., 1937; Ливанова Т., История на западноевропейската музика преди 1789 г., М. - Л., 1940; Грубер Р. И., Обща история на музиката, част първа, М., 1956, 1965; Хохловкина А., Западноевропейска опера. В края на 18 - първата половина на 19 век. Есета, М., 1962; Историята на европейската история на изкуството: от античността до края на 18 век, М., 1963; История на европейската история на изкуството. Първа половина на 19 век, М., 1965.

Много народи съжителстват по света, общувайки на различни езици. Но хората са говорили не само с думи през цялата история. В древни времена песните и танците са били използвани за одухотворяване на техните емоции и мисли.

Танцово изкуство на фона на културното развитие

Италианската култура е от голямо значение на фона на световните постижения. Началото на бързия му растеж съвпада с раждането на нова ера - Ренесанса. Всъщност Ренесансът възниква точно в Италия и за известно време се развива вътрешно, без да докосва други страни. Първите му успехи падат през XIV-XV век. По-късно от Италия се разпространяват в цяла Европа. Развитието на фолклора също започва през XIV век. Свежият дух на изкуството, различното отношение към света и обществото, промяна в ценностите бяха пряко отразени в народните танци.

Влияние на Ренесанса: нови пас и топки

През Средновековието италианските движения по музика се изпълняват поетапно, плавно, с люлеене. Ренесансът променя отношението към Бог, което е отразено във фолклора. Италианските танци придобиха енергия и оживени движения. Така че na "точка" символизира земния произход на човека, връзката му с даровете на природата. А движението „на пръсти” или „със скок” приравняваше стремежа на човека към Бога и неговото прославяне. На тях се основава италианското танцово наследство. Тяхната комбинация се нарича "бали" или "бало".

Ренесансови италиански народни музикални инструменти

Под съпровода бяха изпълнени фолклорни произведения. За това бяха използвани следните инструменти:

• Клавесин (италиански "Chembalo"). Първи споменавания: Италия, XIV век.
• Тамбурина (вид тамбура, прародителят на съвременния барабан). Танцьорите също го използваха по време на движения.
• Цигулка (поклонен инструмент, възникнал през 15 век). Италианският му сорт е виола.
• Лютня (скубан струнен инструмент.)
• Дудки, флейти и обои.

Танцово разнообразие

Музикалният свят на Италия стана разнообразен. Появата на нови инструменти и мелодии предизвика енергични движения в ритъма. Раждат се и се развиват национални италиански танци. Техните имена се формираха, често въз основа на териториалния принцип. Имаше много разновидности от тях. Основните италиански танци, познати днес, са бергамаска, галиарда, салтарела, павана, тарантела и пица.

Бергамаска: класическите точки

Бергамаска - популярен италианец фолклорен танц XVI-XVII век, които излязоха от мода след това, но оставиха съответно музикално наследство. Роден регион: Северна Италия, провинция Бергамо. Музиката в този танц е забавна, ритмична. Тикметърът е сложен четирибит. Движенията са прости, плавни, сдвоени, в процеса са възможни промени между двойки. Първоначално народният танц се влюбва в двора през Ренесанса.

Първото литературно споменаване за него е видяно в пиесата на Уилям Шекспир „Сън в лятна нощ“. В края на 18 век Бергамаска плавно се превръща от танцов фолклор в културно наследство... Много композитори са използвали този стил в процеса на писане на своите произведения: Марко Учелини, Соломон Роси, Джироламо Фрескобалди, Йохан Себастиан Бах.

В края на 19 век се появява различна интерпретация на бергамаската. Характеризираше се със сложен смесен метър музикален метър, по-бързо темпо (А. Пиати, К. Дебюси). Към днешна дата са оцелели отгласите на фолклора Бергамаск, който те успешно се опитват да въплътят в балет и театрални представления, използвайки подходящия стилистичен музикален съпровод.

Галиарда: весели танци

Галиарда е стар италиански танц, един от първите народни танци. Появява се през 15 век. В превод означава "смешно". Всъщност той е много весел, енергичен и ритмичен. Това е сложна комбинация от пет стъпки и скокове. Това е чифт народни танци, които са придобили популярност на аристократични балове в Италия, Франция, Англия, Испания, Германия.

През 15-16 век галиардът става модерен поради своята комична форма, весел, спонтанен ритъм. Изгубена популярност в резултат на еволюция и трансформация в стандартния танцов стил. В края на 17 век той напълно се превръща в музика.

Първичният галиард се характеризира с умерено темпо, дължината на метър е обикновен тритакт. IN по-късни периоди изпълнява се с подходящия ритъм. Този галиард се характеризира със сложната дължина на музикалния метър. Бележит съвременни творби в този стил те са по-бавни и по-спокойни. Композитори, използвали галиардна музика в своите произведения: В. Галилей, В. Брейк, Б. Донато, В. Бърд и др.

Saltarella: сватбено забавление

Салтарела (Saltarello) е най-старият италиански танц. Това е доста забавно и ритмично. Придружени от комбинация от стъпки, скокове, завои и поклони. Произход: от италианското saltare - „да скачаш“. Първите споменавания за тази форма на народно изкуство датират от 12 век. Първоначално това беше публичен танц с музикален съпровод в прост размер на два или три такта. От 18-ти век той плавно се преражда в солна салтарела под музика със сложни размери. Стилът е оцелял и до днес.

През XIX-XX век - той се превръща в масивен италиански сватбен танц, който се танцува по време на сватбени тържества. между другото, по това време те често са били планирани да съвпадат с реколтата. В XXI - изпълнява се на някои карнавали. Музиката в този стил е разработена в композициите на много автори: Ф. Менделсон, Г. Берлиоз, А. Кастелоно, Р. Барто, Б. Базуров.

Павана: грациозна тържественост

Pavana е стар италиански бален танц, изпълняван изключително на двора. Известно е и друго име - падована (от името Падова; от латинското pava - паун). Този танц е бавен, грациозен, тържествен, претенциозен. Комбинацията от движения се състои от прости и двойни стъпки, реверанси и периодични промени в позицията на партньорите един спрямо друг. Тя танцуваше не само на точки, но и в началото на шествия или церемонии.

Италианската павана, след като влезе в съдебните балове на други страни, се промени. Тя се превърна в своеобразен танцов „диалект“. По този начин испанското влияние доведе до появата на "паванилата", а френското - до "пасамецо". Музиката, към която бяха изпълнени стъпките, беше бавна, двубитна. подчертават ритъма и важните точки на композицията. Танцът постепенно излиза от мода, запазвайки се в произведенията на музикалното наследство (П. Атенян, И. Шейн, К. Сен-Санс, М. Равел).

Тарантела: олицетворение на италианския темперамент

Тарантела е италиански народен танц, който е оцелял и до днес. Той е страстен, енергичен, ритмичен, весел, неуморен. Италианският танц тарантела е запазената марка на местното население. Състои се от комбинация от скокове (включително встрани) с алтернативно хвърляне на крака напред и назад. Той е кръстен на град Таранто. Има и друга версия. Те казаха, че ухапаните хора са били изложени на болест - тарантизъм. Болестта беше много подобна на бяс, от който се опитваха да се излекуват в процеса на нон-стоп бързи движения.

Музиката се изпълнява в обикновен трибитов или сложен метър. Тя е бърза и забавна. Характеристики:

1. Комбиниране на основни инструменти (включително клавиатури) с допълнителни, които са в ръцете на танцьорите (тамбури и кастанети).
2. Липса на стандартна музика.
3. Импровизация на музикални инструменти в рамките на добре познат ритъм.

Ф. Шуберт, Ф. Шопен, Ф. Менделсон, П. Чайковски използваха ритъма, присъщ на движенията в техните композиции. Тарантела все още е колоритен народен танц, основите на който се владее от всеки патриот. И през 21-ви век те продължават да го танцуват масово по весели семейни празници и пищни сватби.

Pizzica: груб танцов бой

Pizzica е бърз италиански танц, получен от тарантелата. Е станал танцова посока Италианският фолклор поради появата на свои отличителни черти. Ако тарантелата е предимно масов танц, то пицата е станала изключително сдвоена. Още по-оживен и енергичен, той получи няколко войнствени ноти. Движенията на двамата танцьори наподобяват дуел, в който се бият забавни съперници.

Често се изпълнява от дами с няколко господа на свой ред. В същото време, изпълнявайки енергични движения, младата дама изрази своята оригиналност, независимост, бурен женски принцип, в резултат отхвърляйки всяко от тях. Господата се поддадоха на натиск, демонстрирайки възхищението си от жената. Този индивидуален специален характер е характерен само за пицата. В известен смисъл тя характеризира страстната италианска природа. Придобила популярност през 18 век, пицата не я е загубила и до днес. Продължава да се изпълнява на панаири и карнавали, семейни тържества и театрални и балетни представления.

Появата на нова доведе до създаването на подходящ музикален съпровод. Появи се „Pizzicato“ - начин за изпълнение на парчета върху поклонени ноти, не със самия лък, а с прищипване на пръстите. В резултат на това се появяват напълно различни звуци и мелодии.

Италиански танци в историята на световната хореография

Възникнали като народно изкуство, прониквайки в аристократични бални зали, танците се влюбват в обществото. Наложи се систематизирането и конкретизирането на па за целите на любителското и професионалното обучение. Първите теоретични хореографи са италианци: Доменико да Пиаченца (XIV-XV), Гулиелмо Ембрео, Фабрицио Карозо (XVI). Тези произведения, заедно с усъвършенстването на движенията и тяхната стилизация, послужиха като основа за световното развитие на балета.

Междувременно до източника стояха весели прости селяни и жители на града, танцуващи салтарела или тарантела. Темпераментът на италианците е страстен и жив. Епохата на Ренесанса е загадъчна и величествена. Това са характеристиките, които характеризират италианските танци. Тяхното наследство е основата за развитието на танцовото изкуство в света като цяло. Техните характеристики са отражение на историята, характера, емоциите и психологията на цял народ през много векове.

Мандолината е струнен скубан музикален инструмент. Появата му датира от 16-ти век, а колоритна Италия става негова родина. Мандолината е музикален инструмент, много подобен на външен вид на лютня, тъй като има и крушовидна форма. Различава се от лютнята по това, че има по-малко струни и по-къса шия.

По принцип мандолината винаги е имала четири сдвоени струни (известни като неаполитанска мандолина), а лютната, в зависимост от епохата, има шест или повече струни. В допълнение към този вид мандолина са известни и други видове:

• сицилиански - с плоска дънна сондажна дъска и четири тройни струни;
• милански - с шест струни, с една октава по-високо от китарата;
• генуезки - мандолина с пет струни;
• флорентински.

Как се играе на мандолина

Обикновено мандолината се играе с кирка или по-точно с плектрум. Въпреки това, случва се да играят с пръсти. Звукът на мандолината е уникален - бързото и многократно повтаряне на звука (тремоло) се обяснява с факта, че когато докоснете струните, звукът бързо се разпада, тоест се оказва кратък. Ето защо, за да се удължи звукът и да се получи уж продължителна нота, се използва тремоло.

Мандолината стана широко известна извън Италия в рамките на един век след нейното създаване. Този инструмент много обичаше и бързо придоби статута на народен инструмент. Досега тя обикаля планетата, пускайки все повече и повече в съвременната култура.

Дори е известно, че такива известен композитор подобно на Моцарт, в операта си „Дон Джовани“ той използва мандолина в серенада.

В допълнение, много от днешните групи, композитори и певци използват този музикален инструмент, за да придадат някакъв „вкус“ вашите композиции.

С помощта на мандолина можете перфектно да акомпанирате и да играете самостоятелни партии. Например известни са неаполитански оркестри, звуците в които се сливат от много мандолини с различни размери. Мандолината се използва и в симфонични и оперни оркестри. Заедно с банджото, мандолината се използва и в американската синя трева и народната музика.

Както вече споменахме, мандолината е много необичаен музикален инструмент и е обичан от мнозина именно защото нейният коз е тремоло, което вероятно не се среща в други музикални инструменти.

Мандолината е музикален инструмент, който е един от най-популярните в категорията на народните инструменти. Може би малко музикални инструменти могат да се похвалят с такава популярност. По-скоро мандолината традиционно се смята за народна, въпреки че много композитори са я използвали в своите произведения, придавайки им особен чар и уникалност. Въпреки че мандолината често се използва в оркестрите, тя звучи чудесно и като самостоятелна музикална част. По него се изпълняват различни етюди и пиеси, придружени от други инструменти.

Къде другаде мандолината стана известна?

Относително бързо мандолината мигрира от Италия в северната част на Съединените американски щати и се утвърждава стабилно в местната музика. В Европа този инструмент завладя скандинавския народ, който придаде на мандолината специална строга звучност.

Мандолината има относителни инструменти. Това са мандола, бузуки и октавна мандолина. Хармонията на рокендрола от съвремието много прилича на същата мандолина.

Известно е, че членовете на групата Led Zeppelin много са обичали звука на мандолината и са го използвали в своите мелодии. Дори Джими Пейдж, член на групата, допълни мандолината с мандола и китарен врат. Пол Макартни също предпочете този труден музикален инструмент.

В допълнение към отличното си звучене, мандолината има редица неоспорими предимства:

• хармонична структура;
• компактност;
• комбинация с други мандолини или изобщо с други музикални инструменти - китара, блок флейта.

Настройката на мандолините напомня донякъде на настройката на цигулката:

• първата двойка струни е настроена д на 2-ра октава;
• втората двойка - в А от 1-ва октава,
• re на 1-ва октава;
• четвъртата двойка струни е G на минорната октава.

Популярността на мандолината нараства все повече и повече. Например, член на групата "Ария" Вадимир Холстинин използва мандолина в музикалната композиция "Изгубеният рай". Използва се и в метъл операта на групата Epidemia (песента „Walk Your Way“) и от Сергей Маврин („Makadash“).

И известна песен „Изгубване на моята религия“ от R.E.M. с уникален мандолинов звук? Изглежда, че тя е известна в почти всички страни по света.

Мандолината е доста загадъчен музикален инструмент. Нейната тайна на успеха все още не е разкрита напълно. Дори да са изминали повече от четиристотин години от появата му, той абсолютно не губи своята популярност, а, напротив, набира все повече фенове. В съвремието се използва все по-често в голямо разнообразие от музикални жанрове.

Поразително е, че мандолината е в състояние перфектно да се впише във всяка композиция, да включи или подчертае звука на почти всеки инструмент. Чувайки звуците на този донякъде магически инструмент, вие сякаш се потапяте в древната ера на смели рицари, прекрасни дами и горди крале.

Видео: Как звучи мандолина

Културно пачуърк Италия даде на света ненадминати майстори в областта на изкуството. Но самите италиански брилянтни творци бяха повлияни от народна култура, вкл. мелодични италиански песни. Почти всички от тях имат автори, което обаче не им пречи да бъдат наричани народни.

Това вероятно се дължи на естествената любов на италианците към правенето на музика. Това твърдение се отнася за всички региони на Италия от южния Неапол до северната Венеция, както се вижда от многобройните фестивали на песните, провеждани в цялата страна. Италианската песен е известна и обичана по целия свят: родителите ни все още помнят „Бела Чао“ и „На път“ - италиански народни песни, изпяти от Мюсюлман Магомаев, признати най-добър изпълнител песни на тази страна.

Италиански народни песни от незапомнени времена

Ако италианският език се формира до X век, тогава изследователите отнасят появата на италиански народни песни в самото начало на XIII век. Това бяха песни, изпяти от странстващи жонгльори и менестрели по площадите на града по време на празниците. Темата за тях беше любовта или семейната история. Стилът им бил донякъде груб, което е съвсем естествено за Средновековието.

Най-известната песен, дошла до нас, се нарича "Contrasto" ("Любовен спор") от сицилианския Chullo d'Alcamo. Става дума за диалога между момиче и момче, влюбено в нея. Освен това са известни подобни диалогови песни: „Спор между душата и тялото“, „Спорът между брюнетката и блондинката“, „Спорът между несериозните и мъдрите“, „Спорът между зимата и лятото“.

По време на Ренесанса модата за ежедневно правене на музика се разпространява сред жителите на Италия. Обикновените жители на града се събират в кръгове на меломаните, където свирят на различни инструменти, съставят думи и мелодии. Оттогава песните са широко разпространени сред всички слоеве от населението и звучат навсякъде в Италия.

Музикални инструменти и италиански народни песни

Говорейки за фолклора, не може да не се споменат инструментите, в съпровод на които са били изпълнени. Ето някои от тях:

• Цигулката, която получи своята модерна външен вид през 15 век. Този инструмент от народен произход е много обичан от италианците.
• Лютната и нейната пиренейска версия vihuela. Изскубените инструменти се разпространяват в цяла Италия през 14 век.
• Тамбурина. Един вид тамбура, влязла в Италия от Прованс. Танцьорът ги придружаваше при себе си по време на изпълнението на тарантелата.
• Флейта. Печалби разпределение през XI век. Много често се използва от изпълнителя заедно с тамбура.
• Органът на цевта, механичен духов инструмент, станал популярен в Италия през 17 век. Тя беше особено обичана сред пътуващи музиканти, спомнете си папа Карло.

Италианска народна песен „Санта Лусия“ - раждането на неаполитанска музика

Неапол е столицата на региона Кампания, най-много известен град в Южна Италия и дом на зашеметяващо лиричната неаполитанска народна песен, красивата Санта Лусия.

Необичайна по своята красота природа, мек климат и удобно разположение на брега на едноименния залив направиха този град и околностите необичайно привлекателни за многобройни завоеватели и обикновени заселници. В продължение на повече от 2500 години този град е възприел и преосмислил много култури, които не са могли да не отразяват музикалните традиции на региона.

Раждането на неаполитанската народна песен се счита за началото на 13 век, когато песента „Слънцето изгрява“ е много популярна. Това е зората на италианския Ренесанс. Времето на бързото развитие на италианските градове и началото на появата на човешкото съзнание от тъмни векове... Към този период хората престават да смятат танците и песните за греховни, започват да си позволяват да се наслаждават на живота.

През XIV-XV век. хумористични куплети бяха популярни сред хората, които бяха съставени по темата на деня. През втората половина на 15 век в Неапол се ражда Виланела (италианска селска песен) - куплети, изпълнявани на няколко гласа под акомпанимента на лютня.

Разцветът на известната неаполитанска народна песен обаче се пада на 19 век. През този период е публикувана известната италианска песен на Теодоро Котрау „Санта Лусия“. Написана е в жанра barcarole (от думата barque), което означава „песен на лодкаря“ или „песен по водата“. Песента е изпълнена на неаполитански диалект и е посветена на красотата на крайбрежния град Санта Лусия. Това е първото неаполитанско произведение, преведено от диалект на италиански. Изпълнена е от Енрико Карузо, Елвис Пресли, Робертино Лорети и много други световноизвестни артисти.

Оригинален неаполитански текст

Comme se fr? Cceca la luna chiena ...
езда на кобила, ll'aria? Серена ...
Vuje che facite 'mmiez'a la via?
Санта Лусия! Санта Лусия!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v? 'Spassarse j? Nno pe' mare ...
E 'pronta e lesta la varca mia ... Санта Лусия!
Санта Лусия! III La t? Nna? поща пе ’е? на цена ...
e quanno stace la panza chiena, non c '? la m? няма меланкония!

Санта Лусия! Санта Лусия!
P? Zzo accostare la varca mia?
Санта Лусия!
Санта Лусия! ...

Класически италиански текст (Енрико Косович, 1849)

Sul mare luccica l'astro d'argento.

Sul mare luccica l'astro d'argento.
Пласида? l’onda, просперо? il vento.

Санта Лусия! Venite all'agile barchetta mia, Санта Лусия! Санта Лусия!

Con questo zeffiro, защото? soave, Oh, com '? bello star sulla nave!
Su passegieri, venite via!
Санта Лусия!
Санта Лусия!

Su passegieri, venite via!
Санта Лусия!
Санта Лусия!

Във връзка с търга, bandir la cena In una sera cos? Серена,

Санта Лусия!
Санта Лусия!
Chi non dimanda, chi non desia.
Санта Лусия!
Санта Лусия!


Mare s? placida, vento s? Каро,
Scordar fa i triboli al marinaro,
E va gridando con allegria,
Санта Лусия! Санта Лусия!

E va gridando con allegria,
Санта Лусия! Санта Лусия!


O dolce Napoli, o suol beato,
Ove sorridere volle il creato,
Tu sei l'impero dell'armonia,
Санта Лусия! Санта Лусия!

Tu sei l'impero dell'armonia,
Санта Лусия! Санта Лусия!


Или че тардат? Бела? la sera.
Spira un'auretta fresca e leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Санта Лусия!
Санта Лусия!

Venite all'agile barchetta mia, Санта Лусия!
Санта Лусия!

Руски текст

Морето едва диша
В сънна почивка
Шепотът на сърфа се чува отдалеч.
Големи звезди светнаха в небето, Санта Лусия, Санта Лусия!
О, каква вечер - Звездите и морето!
От подножието духа слаб вятър.

Той хвърля златни мечти,
Санта Лусия, Санта Лусия!
Лодката е като лебед
Отплава в далечината
Звезди на небето
Засияйте ярко.

Чудна песен
Чувам през нощта
Санта Лусия,
Санта Лусия!
Вечер над морето
Пълна с отпадналост
Тихо отекваме
Песента е позната.

О, Неапол
Дадено от роднини,
Санта Лусия,
Санта Лусия!
На лунната светлина
Морето блести.

Благоприятен вятър
Платно се надига.
Моята лодка е лека
Веслата са големи ...
Санта Лусия,
Санта Лусия!

Зад завесите
Лодки уединени
Може да се избегне
Нескромни очи.
Как да седиш заключен
През нощта като тази?

Санта Лусия,
Санта Лусия!
Неапол мой прекрасен,
О, прекрасна земя
Къде се усмихва
Ние сме сводът на небето.

Наслада в душата
Налива неземно ...
Санта Лусия,
Санта Лусия!
Ние сме леки блатове
Да се \u200b\u200bвтурнем в далечината
И ще се реем над водата като чайка.

А, не губете
Златен часовник ...
Санта Лусия,
Санта Лусия!

Морето е спокойно
Възхищава се на всички
И мъка моряци
Те незабавно забравят
Те само пеят
Песните са елегантни.

Санта Лусия,
Санта Лусия
Какво още чакате?
Тихо на морето.
Луната свети
В синьото пространство
Моята лодка е лека
Веслата са големи ...

Санта Лусия,
Санта Лусия!
***

Чуйте италианската народна песен Санта Лучия в изпълнение на Анастасия Кожухова:

В допълнение, друга неаполитанска песен „Dicitencello vuie" също е известна у нас; тук тя е по-известна като „Кажи момиче на приятелката си". Песента е написана през 1930 г. от композитора Родолфо Фалво и текст на Енцо Фуско. Версията на руски език беше изпълнена от повечето руски художници, от Сергей Лемешев до Валери Леонтиев. Освен руски, тази песен е преведена на много други езици.

Неаполитанските песни са безпрецедентно известни и обичани по целия свят. Това се доказва от инцидент, станал на Олимпийските игри в Антверпен през 1920 година. По време на церемонията по награждаването на италианския отбор се оказа, че белгийският оркестър не разполага с нотите на италианския химн. И тогава оркестърът избухна "О, слънце мое" ("'O sole mio). Още при първите звуци на мелодията публиката на стадиона започна да пее заедно с думите на песента.

Говорейки за песенните традиции на Неапол и околностите, не може да не споменем фестивала Piedigrotta, който се провежда ежегодно в началото на септември. Пиедигрота е пещера, разположена близо до Неапол, някога е служила като езическо светилище. През 1200 г., за да освети това място, тук е издигната църквата "Света Мария", която става известна като Пиедигрота, което означава "в подножието на пещерата".

С течение на времето религиозното поклонение на Дева Мария и тържествата в нейна чест се трансформираха в конкурс-фестивал за песни. По време на този музикален фестивал се състезават най-добрите народни поети и певци от Неапол. Понякога се случва две песни да получават еднакъв брой точки. И тогава публиката е разделена на два лагера, всеки от които е готов да защити мелодията, която харесва, с юмруци. Ако и двете песни са наистина добри, приятелството печели и целият град тананика тези любими мелодии.

Италианска народна песен "Честита"

Творбата принадлежи на любовна лирикаобаче думите на текста забелязват коварството и лекомислието на младостта. Историята е разказана от гледна точка на момиче, което сякаш се обръща към приятеля си, питайки: знае ли какво се крие зад флиртуващите погледи на момичетата на баловете? Самата девойка все още не е влюбена в никого и затова се смята за най-щастливата и „най-очарователната от всички кралици“. Млада италианка се разхожда сред маргаритки и теменужки, слуша чуруликането на птици и им пее колко е щастлива и че иска да обича само тях завинаги.

Всъщност точно се забелязва, че докато любовта ви към друг човек се превърне в болезнена привързаност, има време да се наслаждавате на живота, природата и всички около вас. Къде е всичко това, което да забележите, когато пламнете от ревност и безпокойство.

Чуйте италианската народна песен „Happy“ на руски в изпълнение на Анастасия Теплякова:

Хумор в италиански народни песни: пеене за "макарони"

Лекият и весел италиански характер допринесе за широкото разпространение на закачливи песни. Сред такива произведения заслужава да се отбележи песента „Макарони“, посветена на това наистина италианско ястие. Пеейки тази песен, сираци и деца от бедни семейства си изкарвали прехраната, като молели за милостиня от минувачите. В зависимост от пола на изпълнителя има текстове за мъже и жени. Песента е създадена в ритъма на тарантела.

Тарантела е народен танц, изпълняван от 15 век. По правило тарантелата се основава на един ритмично повтарящ се мотив. Интересното е, че танцуването на тази мелодия се смяташе за лечебно средство за хора, ухапани от тарантула. Дълго време музиканти се скитаха по пътищата на Италия, изпълнявайки тази мелодия специално за пациенти с „тарантизъм“.

Паста (мъжка версия) Превод от М. Улицки

1. Живея сред руините.
По-често весел, отколкото тъжен.
Живея сред руините.
По-често весел, отколкото тъжен.

Легло на маса и къща с балкон биха били използвани с желание за тестени изделия.

2. Това вкусно ястие е добър приятел на обикновените хора.
Това изящно ястие е добър приятел на обикновените хора.

Но ВИП персоните се хранят и със сос от паста.

3. Искате ли да знаете как умиращият червен клоун е оцелял?
Искате ли да знаете как умиращият червен клоун е оцелял?

Шутовская свали короната си и размени за тестени изделия.

4. Пее се нашата тарантела, с кого да отида на вечеря?
Пее се нашата тарантела, с кого да отида на вечеря?

Просто извикайте: "Паста!" - Придружителите се появяват веднага.

Паста (женска версия)

По-черен съм от маслина
Бродя сам без покрив
И под звука на тамбура
Готов съм да танцувам по цял ден
Ще танцувам Tarantella за теб,
Просто бъдете в подкрепа
Дайте солдо и купете
Паста, тестени изделия.

Моят приятел Пулчинело
Бях ранен в сърцето от стрела
Само че не исках Пулчинело да стане съпруга.
Почти се застреля
Почти се хвърлих от балкона
Но той беше излекуван от страст,
Просто поглъщане на тестени изделия.

Събрах брат си на поход,
Възлюбени останаха след него,
Как да направим войниците
Всички ли са невредими?
За да не стрелят оръжията
Трябва да извадите всички патрони,
Вместо куршуми да летят
Паста, тестени изделия.

Ако се чувствате малко тъжни
Ако болестите ви потискат,
Или понякога стомахът е празен
Пастата е полезна за вас!
Сбогом синьорити,
Добро пътуване, синьора дона,
Трябва да сте много добре нахранени
И пастата ме чака!

Макерони

1. Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.

Venderei i miei canzoni per un sol piatto da maccheroni.

2. Pulcinella mezzo provedo vole a fare il testimento.
Pulcinella mezzo provedo vole a fare il testimento.

Purche avesse dai padroni un grosso piatto di maccheroni.

3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.

Le spalline pe'galloni per un sol piatto di maccheroni.

4. Tarantella si e cantata,
дължимо carlini si e pagata.
Tarantella si e cantata,
дължимо carlini si e pagata.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de 'maccheroni.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de 'maccheroni.
***

Чуйте италианската народна песен „Макарони“ на руски в изпълнение на Анна Жихаленко:

Венециански песни на водата

В допълнение към южния Неапол, Венеция, северната перла на Италия, се отличава с великолепни и невероятни песенни традиции. Тук става дума преди всичко за песните на гондолиерите. Тези любовни мотиви принадлежат към жанра barcarole. Те са много мелодични и не бързат.

Силният и красив глас на гондолиера сякаш отразява бавните удари на греблата по водата. Странно, но до 18 век баркаролата не получава вниманието, което заслужава от професионалните музиканти. През следващия век обаче този пропуск беше повече от компенсиран. Чайковски, Менделсон, Шопен, Глинка - това е само малък брой музикални гении, които бяха покорени от венецианската народна песен и включиха нейните мотиви в безсмъртните си произведения.

За съжаление, модерността влияе негативно на венецианските традиции, включително баркаролата. Така например, по искане на туристи, гондолиерите често пеят неаполитанската песен „O Sole Mio“, въпреки че Асоциацията на гондолиерите е против, тъй като не е венецианска.

Песента на италианските партизани "Бела Чао"

Известната партизанска песен "Бела Чао" ("Сбогом на красотата") също се радва на безпрецедентна популярност. Пееше се от членовете на Съпротивата по време на Втората световна война. Вярно е, че не е бил разпространен в цяла Италия, а само в северната част на страната, на Апенините.

Смята се, че текстовете на песента са написани от фелдшер или лекар. А мелодията явно е взета от старата детска песен „Sleeping Potion“. Въпреки че според Лучано Граноци, професор по съвременна история в Университета в Катания, до 1945 г. Бела Чао е изпълнявана само от няколко партизански групи в околностите на Болоня.

E picchia picchia
la porticella
E picchia picchia

E picchia picchia
la porticella dicendo: "Oi bella, mi vieni a aprir."
Con una mano apr?
la porta e con la bocca
la gli d? un bacin.
La gh'ha dato un bacio cos? танто форте че
la suoi mamma la l'ha изпратен?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
che tutto il mondo parla mal di te?
Ma lascia pure che
il mondo 'l diga: io voglio amare chi mi ama me.
Io voglio amare quel giovanotto ch'l'ha
fatt stal'anni di prigion за мен.
L'ha fatt adju'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion per me.
E la prigione
аз? танто скура,
ми фа паура,
la mi fa morir

Bella ciao (една от опциите)

Тази сутрин ме събудиха

Тази сутрин ме събудиха
И видях врага през прозореца!
О, партизани ме вземете
О, бела чао, бела чао, бела чао, чао, чао!
О, партизани, вземете ме
Усещам, че смъртта ми е близо!
Ако ми е отредено да умра в битка
О, бела чао, бела чао, бела чао, чао, чао!
Ако ми е отредено да умра в битка - Погребете ме.
Погребете високо в планината
О, бела чао, бела чао, бела чао, чао, чао!
Погребете високо в планината
На сянка на червено цвете!

О, бела чао, бела чао, бела чао, чао, чао!
Ще мине минувач, ще види цвете
"Красиво - ще каже - цвете!"
Това ще бъде споменът на партизана
О, бела чао, бела чао, бела чао, чао, чао!
Това ще бъде споменът на партизана
Каква свобода падна смело!
***

Чуйте песента на италианските партизани "Бела, чао" в изпълнение на хор "Пятницки":

Любимата на всички партизанска песен беше „Fischia il vento“ („Вятърът духа“), носеше подчертан комунистически характер. Ето защо, след края на войната, за идеологически цели, италианското правителство започва да популяризира песента „Бела Чао“. За което човек трябва само да му благодари. Във всеки случай песента получи световна слава в края на четиридесетте, след 1-ви Международен фестивал младежи и студенти, което се проведе в Прага през лятото на 1947г. След това много пъти беше отразен от видни и не особено певци по света.

Темата за италианската народна музика е толкова обемна, че е невъзможно да се предаде в рамките на една статия. Това се дължи на факта, че цялата история на Италия е намерила своето отражение в народните песни. Невероятно мелодичен език, луксозен характер и бурна история на развитието на страната са дали на света такъв културен феномен като италианската народна песен.

← ← Искате ли да чуете приятелите си да казват благодарности, че споделяте интересен и ценен материал с тях? След това натиснете един от бутоните на социалните медии вляво в момента!
Абонирайте се за RSS или получавайте нови статии по пощата си.

• Героят на Киса Воробянинов в романа "Дванадесет стола": биография и интересни факти
• Шишарка като символ
• Как почина Айседора Дънкан?
• Биография на Айседора Дънкан Успешна в кариерата си и нещастна в личния си живот
• Най-необичайните завещания в света
• Настройка на седем струнни китари 7 Тунинг на струнна китара
• Всичко за електрическите китари и тяхната структура и свойства
• Регулиране на отклонението на врата и настройка на фермата Къде да завъртите фермата на акустична китара
• Покойникът оживя в ковчега на историята
• Руската художничка добавя своята дебела джинджифилова котка към известни картини Джинджифиловата котка се превърна в знаменитост

• Влиянието на картината върху емоционалното настроение на човек Картини, изразяващи чувства
• Ужасите на крематориума: истина и измислица Колко тежи прахът на човек
• Хронология - Николай Василиевич Гогол
• Анотирана библиография
• Легенди за произхода на човечеството
• Мистика и Сталин: загадки за съдбата на Михаил Булгаков & nbsp
• Намерете колекционерство в спящи кучета: окончателно издание
• Първи април: идеи за шеги и практически шеги Как можете да изиграете шега на семейството си на 1 април
• Мумията на малко момиченце се отваря и затваря очи
• Деца за цирка - детска презентация