Най-известните композитори в света. V
1. Кратка история на английската музика
2. Слушайте музика
3. Изключителни представители на английската музика
4. За автора на тази статия
Кратка история на английската музика
Произход
  Произход английска музика- v музикална култураКелти (народ, живял през първото хилядолетие на територията на съвременна Англия и Франция), чиито носители по-специално са били бардовете (певци-разказвачи на древните келтски племена). Сред инструменталните жанрове са танци: gigue, country dance, hornpipe.
6-7 век
& nbsp В края на 6 век. - началото на 7 век. Развива се църковна хорова музика, която се свързва с формирането на професионалното изкуство.
11-14 век
& nbsp През 11-14 век. Разпространи се музикално-поетическото изкуство на менестрелите. Менестрел - през Средновековието, професионален музикант и поет, понякога разказвач, служил с феодал. През 2-ра половина на 14 век. Развива се светското музикално изкуство, създават се вокални и инструментални придворни параклиси. През първата половина на 15 век. е номинирана английската школа за полифонисти, водена от Джон Дънстабъл
16 век
& nbsp Композитори от 16 век
К. Тай
Д. Тавернер
Т. Талис
D. Дауланд
D. Bull
Кралският двор става център на светската музика.
17-ти век
& nbsp Създава се английски музикален театър, който започва с Мистериите (музикален и драматичен жанр на Средновековието).
18-19 век
& nbsp 18-19 век - криза в английската национална музика.
В националната музикална култура проникват чужди влияния, италианската опера завладява английската публика.
В Англия са работили изтъкнати чуждестранни музиканти: G.F. Handel, J.K.Bach, J. Haydn (посетен 2 пъти).
& nbsp През 19 век Лондон става един от центровете на европейския музикален живот. Тук обикалят: Ф. Шопен, Ф. Лист, Н. Паганини, Г. Берлиоз, Г. Вагнер, Г. Верди, А. Дворжак, П. Чайковски, А. К. Глазунов и др. -Градина“ (1732 г.), Кралска академия на музиката (1822), Академия за ранна музика (1770, първото концертно дружество в Лондон)
Преходът на 19-20 век.
& nbsp Появява се така нареченият английски музикално възраждане, тоест движение за възраждане на националните музикални традиции, изразено в призив към английския музикален фолклор и постиженията на майсторите от 17 век. Тези тенденции характеризират работата на новата английска композиционна школа; нейни изтъкнати представители са композиторите Е. Елгар, Х. Пари, Ф. Дилиус, Г. Холст, Р. Воан-Уилямс, Дж. Айрланд, Ф. Бридж.
Можете да слушате музика
1. Пърсел (Gigue)2. Пърсел (Прелюдия)
3. Пърсел (ария на Дидона)
4. Rolling Stones "Rolling Stones" (Kerol)
5. Бийтълс Бийтълс вчера
Изключителни представители на английската музика
Г. Пърсел (1659-1695)& nbsp Г. Пърсел - най-големият композитор на седемнадесети век.
& nbsp На 11-годишна възраст Пърсел написва първата ода, посветена на Чарлз II. От 1675 г. на различни английски музикални колекцииВокалните произведения на Пърсел бяха публикувани редовно. 
& nbsp От края на 1670 г. Пърсел е придворният музикант на Стюарт. 1680-те години - разцветът на творчеството на Пърсел. Той работи еднакво добре във всички жанрове: фентъзи за струни, музика за театър, оди - добре дошли песни, колекция от песни на Пърсел "Британски Орфей". Много мелодии от песните му, близки до народните мелодии, добиват популярност и се пеят още приживе на Пърсел.
& nbsp През 1683 и 1687 г. излизат сборници от триа – сонати за цигулки и бас. Прибягването до композиции за цигулка беше иновация, която обогати английската инструментална музика.
& nbsp Върхът в творчеството на Пърсел е операта Дидона и Еней (1689), първата национална английска опера (по Енеида на Вергилий). Това е най-голямото явление в историята на английската музика. Сюжетът й е преработен в духа на английската народна поезия – операта се отличава с тясното единство на музика и текст. Богатият свят на образи и чувства на Пърсел намира най-различни изрази - от психологически задълбочени до грубо напрегнати, от трагични до хумористични. Въпреки това доминиращото настроение в неговата музика е душевният лиризъм.
Повечето от неговите творения скоро са забравени, а писанията на Пърсел придобиват слава едва през последната трета на 19 век. През 1876г. беше организирано дружеството Пърсел. Интересът към творчеството му се засилва във Великобритания благодарение на дейността на Б. Бритън.
B.E.Britten (1913 - 1976)
& nbsp Един от най-големите майстори на английската музика на 20-ти век - Бенджамин Бритън - композитор, пианист и диригент. Започва да композира музика на 8-годишна възраст. От 1929 г. учи в Кралския музикален колеж в Лондон. Още в младежките му творби се проявява оригиналната му мелодична дарба, фантазия, хумор. V ранните годинисолови вокални и хорови композиции заемат важно място в творчеството на Бритън. Индивидуалният стил на Бритън се свързва с националната английска традиция (изучаването на творческото наследство на Пърсел и други английски композитори от 16-17 век). Между най-добрите композицииБритън, който получи признание в Англия и други страни, притежава оперите "Питър Граймс", "Сън в лятна нощ" и др. В тях Бритън се изявява като тънък музикален драматург – новатор. "Военен реквием" (1962) - трагично и смело произведение, посветено на острите съвременни проблеми, осъждайки милитаризма и призовавайки за мир. Бритън обикаля СССР през 1963, 1964, 1971 г.
Музикални групи на 20 век
Търкалящи се камъни
& nbsp През пролетта на 1962 г. китаристът Брайън Джоунс сформира група, наречена Rolling Stones. Ролинг Стоунс включва Мик Джагър (вокал), 
Брайън Джоунс и Кийт Ричардс (китари), Бил Уайман (бас) и Чарли Уотс (барабани).
& nbsp Тази група внесе твърда и енергична музика, агресивен стил на изпълнение и спокойно поведение на британската сцена. Те пренебрегваха сценичните костюми, носеха дълги прически.
& nbsp За разлика от Бийтълс (които предизвикаха симпатия), Rolling Stones се превърна в олицетворение на враговете на обществото, което направи възможно придобиването на трайна популярност сред младите хора.
Бийтълс
& nbsp През 1956 г. в Ливърпул е създаден вокално-инструментален квартет. Групата включва Джон Ленън, Пол Маккартни, Джордж Харисън (китари), Ринго Стар (барабани).
& nbsp Групата добива неистова популярност, като изпълнява песни в стил "big - beat", а от средата на 60-те години песните на Бийтълс стават по-сложни. 
& nbsp За тях беше чест да се представят в двореца пред кралицата.
Относно автора на тази статия
В работата си използвах следната литература:
- Музикален енциклопедичен речник. гл. изд. Р. В. Келдиш. 1990 г
- Списание "Студентски меридиан", 1991 г. Специален брой
- Музикална енциклопедия, гл. Изд. Ю. В. Келдиш. 1978 г
- Съвременна енциклопедия "Аванта плюс" и "Музика на нашите дни", 2002 г. гл. изд. В. Володин.
BONONSCINI -семейство италиански музиканти:
Джовани Мария (1642 - 1648) -композитор, цигулар, теоретик. Оп. 9 колекции от сонати, танцови пиеси. Той притежава трактат за контрапункт. През последните години е написал камерна опера, редица мадригали и солови кантати.
Джовани Батиста (1670 - 1747) -негов син, композитор и виолончелист. Наследството му включва 40 опери, над 250 солови кантати, около 90 симфонии, концерти, трио сонати. Успехът на някои от оперите му в Лондон надмина успеха на главния му съперник Хендел.
Антонио Мария (1677 - 1726) -композитор и виолончелист. Автор на произведения за музикален театър и църква. По отношение на текстура и хармония, музиката му беше по-изтънчена от тази на по-големия му брат, но никога не се радваше на същия успех.
Джовани Мария Млади (1678 - 1753) -полубрат, виолончелист, после цигулар в Рим, автор на вокални произведения.
ВИВАЛДИ АНТОНИО (1678 - 1741)
Най-високите постижения принадлежат към жанра на инструменталния концерт. Вокалната музика заема значително място в наследството. Стреми се към успех в оп. жанр и пътува много, като режисира постановките си. Работил е в оп. театри във Виченца, Венеция, Мантуа, Рим, Прага, Виена, Ферара, Амстердам. Оп. ДОБРЕ. 50 опери(20 оцелели), вкл. Тит Манлий, Джъстин, Яростният Роланд, Верната нимфа, Гризелда, Баязет. ДОБРЕ. 40 солови кантати, оратория „Триумфираща Юдит“).
Джордани Джузепе (около 1753 - 1798)
ДУНИ ЕГИДИО (1708 - 1775)
Учи в Неапол при Дуранте. Автор на 10 оперни сериала по текстове Метастази, около 20 оп. във френския жанр комична опера.В него въведе ариета и речитатив в италиански стил. Този жанр получи името комедия с Ариета.опера:„Нерон“, „Демофонт“, „Художник, влюбен в своя модел“ (комикс оп.).
ДУРАНТЕ ФРАНЧЕСКО (1684 - 1755)
италиански композитор. Учи в Неапол, след което става първият диригент на няколко неаполски консерватории. Смятан е за най-добрия учител по композиция в Неапол. Сред учениците му са Дюни, Перголези, Пичини, Паизиело. За разлика от другите. композиторите не са писали опери. Най-ценната част от наследството му е духовната музика. Интересни са и инструменталните произведения - 12 сонати за клавесин, 8 концерта за квартет, парчета от педагогическия репертоар.
КАВАЛИ ФРАНЧЕСКО (1602 - 1676)
Имаше прякора Бруни. Бил е хорист и органист на катедралата Св. Марк във Венеция. Започва да пише опери, които се поставят в оперни театри в Италия. След Париж, където е поставена неговата опера "Херкулес Любовникът", с песните и танците, написани за това представление от младия Люли, целият по-нататъшни дейностиКавали е свързан със Св. Марка. Автор е на около 30 опери. Благодарение на него Венеция от 17 век. се превърна в негов център. оперно изкуство. Подобно на късната оп. Монтеверди, оп. Cavalli са богати на контрасти и психологически нюанси; патетични, дори трагични кулминации в тях често се заменят с епизоди от комично-битовия план.
Опера: "Любовта на Аполон и Дафне", "Дидо", "Орминдо", "Джейсън", "Калисто", "Ксеркс", "Херкулес Любовникът"
Духовна музика: Литургия, 3 Вечерни, 2 Магнификата, Реквием
Светска музика: арии за кантата.
КАЛДАРА АНТОНИО (1670 - 1736)
Свири на виола, виолончело, клавир. Композира почти изключително вокална музика - оратории, кантати, опери-серии. Служи като църковен и театрален капелмайстор. По-късно композира редица произведения за виенския карнавал и придворните фестивали, както и за Залцбург. Общо той е написал 3000 вокални композиции. Той беше първият, който сложи на музика много от либретата на Метастазио.
КАРИСИМИ ХАКОМО (1605 - 1674)
Бил е хорист, органист, капелмайстор на йезуитския колеж-Германико и е ръкоположен. Най-значимата част от наследството са ораториите в повествователен и речитативен стил. Отделни фрагменти по естество на писмото са близки до арийците. Важна роля играят хоровите сцени. Сред учениците му са А. Онор, А. Скарлати, М.-А. Шарпантие.
Цит.: 4 меси, около 100 мотета, 14 оратории Wh. Валтасар, Иевфи, Йона, около 100 светски кантати.
CACCINI GIULIO (1545 - 1618)
Имал Провидение - Роман. Композитор, певец, лютнист. Той е покровителстван от херцог Козимо I де Медичи, който го отвежда във Флоренция, където посещава събранията на Камерата и развива нов стил на пеене - stile recitativo. Издаде сборника "Нова музика", където най-пълно отразява новаторските стремежи. Колекцията включва мадригали и строфи арии за глас и бас континуо. Повечето популярна песенколекция - Amarilli. През 1614 г. излиза вторият сборник на композитора „Нова музика и нов начин на писането им“. Името на Качини, изключителен композитор и певец-новатор, не е забравено през целия 17 век. Много композитори са създали колекции от вокални пиеси по негов модел. Двете дъщери на Качини, Франческа и Сетимия, станаха известни като певици и композираха музика.
МАРТИНИ (1741 - 1816)
Псевдоним Il Tedesco („италиански немски“, истинското име на Шварцендорф Йохан Пол Егидиус). немски композитор. Преди да се премести в Париж (1764 г.) е на служба при херцога на Лотарингия. Преподава в Парижката консерватория, ръководи придворния оркестър.Автор на 13 опери, вокални миниатюри (включително популярната песен "Plaisir d'amour".
МАРЧЕЛО АЛЕСАНДРО (1669 - 1747)
Брат Б. Марчело. Любител музикант, той организира концерти във венецианския си дом. Композира солови кантати, арии, канцонети, сонати за цигулка и концерти. Концертите за обой и струнни (общо 6) принадлежат към най-новите образци на венецианското бароково разнообразие на жанра. Концерт за обой и струни в ре минор (около 1717 г.) е известен в аранжимента на JS Бах за клавир.
МАРЧЕЛО БЕНЕДЕТО (1686 - 1739)
Композитор, музикален писател, адвокат, брат на А. Марчело. Заемаше високи държавни постове във Венеция. Колекцията от псалми за 1 - 4 гласа с цифров бас (общо 50) донесе широка популярност. Притежава и други композиции за църквата, оратория, опера, над 400 солови кантати, дуети, както и сонати и концерти, белязани от влиянието на Вивалди. В неговата музика полифоничното умение е съчетано с отворен ум. галантен стил.Интересен трактат на Марчело е сатира върху оперната серия.
ПАЙЗЕЛО ДЖОВАНИ (1740 - 1816)
Учи в Неапол при Дуранте. Спечелил е репутация на един от водещите майстори на опера-буфа жанра. Служи като капелмайстер в двора на Екатерина II в Санкт Петербург. Сред този период, op. Севилският бръснар. След завръщането си в Неапол той започва да пише опери-седем серии(полусериозен) - "Нина, или Луд от любов." Той за кратко служи в Париж като личен диригент на Наполеон I. Качеството на оперите на Паизиело повлия на Моцарт – изкуството на музите. очертания на характера, умение за оркестрово писане, мелодична изобретателност. опера:„Дон Кихот“, „Слугинята“, „Крал Теодор във Венеция“, „Милърът“, „Прозерпина“, „Питагорейци“ и още поне 75 опери.
Перголези Джовани Батиста (1710 - 1736)
Учи в Неапол, същевременно работи като цигулар в оркестър. Пише сценични произведения в жанра свещена драма.Умира от туберкулоза на 26-годишна възраст. Той влезе в историята като основоположник на жанра опера буфа.Шедьовърът на този жанр беше оп. — Прислужницата. Пише произведения за църквата: „Stabat mater” за сопран, контралто и оркестър, 2 меси, вечерня, 2 „Salve Regina”, 2 мотета.
ПЕРИ ЯКОПО (1561 - 1633)
Композитор и певец, свещеник. Служи като композитор и хорист в двора Медичи... Той беше известен и като изпълнител на китароне -(струнен щипков инструмент, вид бас лютня, дълга до 2 м, се използваше предимно за акомпанимент на соло пеене). Присъствали на срещи Камерата... Композира в нов речитативен стил, имитирайки древната практика на соло пеене с акомпанимент. Написа оперите " Дафне“, „Евридика“. Той също така композира колекция от вокални пиеси, съдържаща няколко образци от речитативния стил.
ПИЧИНИ НИКОЛО (1728 - 1800)
Учи в Неапол при Дуранте. Той не само композира опери, но и преподава пеене, беше диригент и органист. След като се установява в Париж, той написва редица сериозни и комични френски. опера. Сериозната конкуренция от страна на Глук не попречи на успеха му. лирически трагедииРоланд, Ифигения в Таврида, Дидона. Операта Чекина, или Добрата дъщеря (1760) му носи международна слава.
САРИ ДОМЕНИКО (1679 - 1744)
Учи в Неапол, където служи като придворен капелмайстор. Ранните опери, оратории, серенати са издържани по същия бароков начин като вокалната музика на А. Скарлати. В същото време работата му допринесе за формирането на по-опростен и мелодичен неаполитански стил.
СКАРЛАТИ АЛЕСАНДРО (1660 - 1725)
Капелмайстор на театрите, Кралската капела и Консерваторията в Неапол, където преподава. Сред учениците - Д. Скарлати, Ф. Дуранте, И. А. Хасе. Един от основателите и най-големият представител неаполитанска оперна школа.При него възникват форми като ария да капо, италианската увертюра, речитатив с инструментален съпровод. Оп. повече от 125 оперна поредица , вкл. „Любовните капризи или Розаура”, „Коринтският овчар”, „Великият Тамерлан”, „Митридат Евпатор”, „Телемак” и др. Над 700 кантати, 33 серенати, 8 мадригала.
Скарлати Доменико (1685 - 1757)
Син на А. Скарлати. Пише опери, свещена и светска музика, но придобива слава като виртуозен клавесинист. Основно място в творчеството му заемат едночастни клавирни композиции, които той нарича "упражнения". Иноватор в областта на клавирната техника. Оп. повече от 550 клавирни сонати, 12 опери, 70 кантати, 3 меси, Stabat Mater, Te Deum
Страдела Алесандро (1644 - 1682)
Италиански композитор, композирал музика по поръчка на кралица Кристина. Сред неговите съчинения от римския период преобладават пролозите и интермецата, вкл. към оперите на Кавали и Хонор. Животът му беше пълен със скандали и шум любовни истории... През 1677 г. той бяга в Генуа. Сред няколкото опери, поставени в Генуа, се откроява комиксът „Пазител на Тресполо”. Страдела е убит за отмъщение от наемниците на семейство Ломелини.
Един от най-талантливите и многостранни композитори на своето време. Общо той композира около 30 сценични произведения, около 200 кантати. Запазени 27 инструментални композиции.
ПОЧТИ АНТОНИО (1623 - 1669)
Истинското име на този францискански монах е Пиетро. Като тийнейджър той служи като църковен хор в Арецо, след което става послушник във флорентинския манастир Санта Кроче. Органист на катедралата, след това диригент във Волтер, където е покровителстван от семейството си Медичи.Кариерата на честта като оперен композиторзапочва през 1649 г., когато операта му „Оронтея“ е успешно представена във Венеция. През 1652 г. става придворен музикант на ерцхерцог Фердинанд Карл в Инсбрук и е лишен от сана. От 1665 г. служи във Виенския императорски двор. За краткото време, прекарано във Виена, създава много опери, вкл. грандиозно Златна ябълка" , чиято постановка е насрочена да съвпадне със сватбата на Леополд I. Малко преди смъртта си той е назначен за капелмайстър в тосканския двор във Флоренция.
Терминът „композитор“ се появява за първи път през 16 век в Италия и оттогава се използва за обозначаване на човек, който се занимава с композиране на музика.
Композитори от 19 век
През 19 век виенската музикална школа е представена от следното изключителен композиторкато Франц Петер Шуберт. Той продължи традициите на романтизма и повлия на цяло поколение композитори. Шуберт е създал над 600 немски романса, извеждайки този жанр на ново ниво.
Франц Петер Шуберт
Друг австриец Йохан Щраус се прочу със своите оперети и лек мюзикълформи на танцов характер. Именно той е правил най-много валса популярен танцвъв Виена, където все още се провеждат балове. Освен това наследството му включва полки, кадрили, балети и оперети.
Йохан Щраус
Виден представител на модернизма в музиката от края на 19 век е германецът Рихард Вагнер. Неговите опери не са загубили своята актуалност и популярност и до днес.
Джузепе Верди
Можете да се противопоставите на Вагнер с величествена фигура италиански композиторДжузепе Верди, който остана верен на оперната традиция и даде нов дъх на италианската опера.
Петър Илич Чайковски
Сред руските композитори от 19 век се откроява името на Пьотър Илич Чайковски. Той се характеризира с уникален стил, който съчетава европейските симфонични традиции с руското наследство на Глинка.
Композитори от 20 век
Сергей Василиевич Рахманинов
Сергей Василиевич Рахманинов с право се смята за един от най-ярките композитори от края на 19 - началото на 20 век. Неговите музикален стилсе основава на традициите на романтизма и съществува паралелно с авангардните движения. Именно заради неговата индивидуалност и липсата на аналози работата му беше високо оценена от критиците по целия свят.
Игор Федорович Стравински
Вторият най-известен композитор на 20-ти век е Игор Федорович Стравински. Руснак по произход, той емигрира във Франция, а след това и в САЩ, където проявява таланта си с пълна сила. Стравински е новатор, не се страхува да експериментира с ритми и стилове. В творчеството му се проследява влиянието на руските традиции, елементи от различни авангардни движения и уникален индивидуален стил, за което е наречен „Пикасо в музиката“.
Въведете вашето изрязано съдържание тук.
В. КОННОВ. Холандски композитори от 15-16 век. Избрани глави от книгата.
ВЪВЕДЕНИЕ
ПОЛИФОНИСТИ ОТ ХОЛАНДИЯ: КОИ СА ТЕ?
Този въпрос възниква пред много слушатели, посещаващи концерти на ранна музика. Творчеството на Жоскин Депрес, Орландо Ласо, както и други представители на тази отдалечена от нас композиторска школа в древни времена, днес е престанала да бъде собственост на историците на фотьойли, тя привлича вниманието не само на професионални музиканти, но и на също и музикални аматьори. Има доста оправдан интерес към създателите на това високо изкуство, към музикалната поетика и стилистика на техните произведения. Този интерес е още по-логичен, защото популярността и достъпността на холандската музика и сега все още не достига нивото на световноизвестната живописна школа на т. нар. „стари холандци”. Всеки образован човекзнае поне имената на Ян ван Ейк, Рогиер ван дер Вейден, Люк Лайден, Йероним Бош, Питер Брьогел Стари; техните творения запазват силата на художествено въздействие и до днес. Имената и музикалното наследство на техните съвременници, композитори, продължават да бъдат известни на сравнително малко хора.
Полезно е да припомним, че творчеството на холандските полифонисти сега тепърва започва да се възражда към нов активен живот след повече от два века трайна забрава. Старите холандци споделят тази съдба с Монтеверди и Шютц; заедно с тях за доста дълго време - около век - работата на Бах е забравена. И сега, когато музиката на холандските полифонисти започна да се връща към публиката, възниква въпросът: не е ли загубила художественото си значение?
И съпоставими ли са откритията на музиката с постиженията на живописта, скулптурата и литературата от този период? По тези въпроси има специална литература, която съществува както на руски, така и на чужди езици, предлага понякога най-противоречивите преценки. И въпросът е не само, че музиката от онази епоха не е стигнала до нас напълно, че са оцелели малко факти от живота на нейните създатели. От древни времена и до нашето време дейността на холандските полифонисти предизвиква най-разнообразни оценки. Свят на изкуствотоосновател Холандско училищеДж. Окегем днес често се оценява като проява на късната готика, като мистично ентусиазирано пречупване на религиозните чувства. Съвременниците го сравняват с Донатело, един от най-последователните борци за светския хуманизъм на Ренесанса, един от предшествениците на Микеланджело. Творчеството предизвика взаимно изключващи се оценки централна фигурахоландската композиторска школа на Josquin Despres. Glarean, водещият теоретик и идеолог на холандската полифонична школа, смята работата на Josquin за най-висшата, класически израз ars perfecta – „съвършено изкуство“, което намира своя израз в полифонична маса и мотет – жанрове, които обобщават цялата история на развитието на европейската култова полифония. Според мисълта на Glarean нищо не може да се промени в това изкуство, без то да изпадне в деградация. От тази гледна точка други привърженици на ars perfecta осъдиха създателите на операта, включително великия Монтеверди.
Съвременниците на Жоскин обаче вече виждат съвсем различни естетически качества в творчеството му: той е признат за създател на ново изкуство, което се основава не на готското разтваряне на личността във Вселената, Бог, а на ренесансовия израз на вътрешното изкуство. свят на човека (никой друг освен самият Глариан упрекна Жоскин за неуважително отношение към средновековните лабиринти - фундаментална основамузикалният език на "съвършеното изкуство"). През 16-ти век Жоскин е еднакво ценен от фигури на такива непримиримо враждебни идеологии като папството и Реформацията на Лутер.
Преценките на съвременните учени също са много противоречиви. Характеризирайки холандската полифонична школа, В. Д. Конен пише: „Това беше епоха, когато светската мисъл процъфтява във всички области на умствената дейност и най-високите прояви в музиката бяха дълбоко подчинени на религиозната структура на чувствата. Напротив, авторът на известния учебник по история на чуждата музика К. К. Розеншилд отбелязва в холандската музика от онова време „особената тържественост на светския, светски план“; той също така посочва, че дори на границата на 19-ти и 20-ти век големият руски композитор С. И. Танеев правилно подчертава дълбоко народен произходтворчеството на холандските композитори.
Тази непоследователност на решенията може да се обясни с две причини. На първо място - сложният, противоречив характер на самото музикално творчество от онази епоха. Тази особеност на творчеството на композиторите на холандската полифонична школа ще бъде разкрита в следващата презентация. За съвременния масов слушател обаче съществуват и специфични езикови трудности. Във визуалните изкуства от Ренесанса до началото на 20-ти век не е имало толкова големи стилистични промени, които да доведат до толкова значителна „интонационна бариера“ като тази, възникнала между музиката на Средновековието, Ренесанса и 17 век, от една страна, и музиката на 19 и XX век - от друга.
Започвайки от втория половината на XVIIIвек в европейска музикаодобрена е мажор-минорна звукова система, която и до днес служи за основа на европейското музикално съзнание (формирането на други звукови системи в професионалното композиторско творчество на 20-ти век все още не може напълно да разклати доминиращата позиция на мажор-минор в обществото музикално съзнание). Формирането на мажор-минорни ладове отвори пътя за колосалния напредък на музикалната култура, свързан с раждането на операта, симфонията, класическата музика.
соната, камерна, инструментална и вокална музика (пиано миниатюра, романс). В историята обаче често се случва значителни придобивки в научния и културния живот на обществото да водят до определени загуби. Те са особено забележими в музиката в началото на средата на 18 век. Окончателното одобрение на мажор-минор доведе до дълго забравяне на целия предишен слой на музикалната култура: произведенията на Бах и Шуц, Монтеверди и Пърсел, да не говорим за холандските, италианските и френските майстори от 15-16 век, за много години, десетилетия и дори векове изчезнаха от концертния репертоар.
До началото на 17 век в европейската професионална музика доминират почти изключително мелодичните ладове на седемстепенната диатоника (т.нар. средновековни ладове), които са в основата на народната песенна традиция на най-стария слой, възникнал приблизително през 14-15 век. „Интонационният речник“ на епохата, който не познава съвременния мажор и минор с присъщата им хармонична функционалност, се различава също толкова значително от съвременния, както литературните завои на древния Омиров епос се различават от стилистиката на шекспировите драми, като наивно ъгловата (на пръв поглед) живопис на антични средновековни икони – от реалистичната живопис на Рембранд. Пробуждането за нов живот на тази огромна и освен това разнородна по стил прослойка от ранна музика започва през 19-ти век от нейната, така да се каже, "периферия" - от наследството на 18-ти век. Той лесно навлиза в слуховото съзнание на съвременниците, защото представлява комбинация от стилистични черти на старата предкласическа епоха, обобщена от великия Бах, и новата, „класическа“, в някои черти, предвидени от Бах, но първо издигнати до недостижима художествена висота от майсторите на Виенската класическа школа – Хайдн, Моцарт и Бетовен. И не е случайно, че именно възраждането на Бах от романтичните композитори от 19-ти век постави началото на дълъг процес на реабилитация на художествените ценности от предкласическата епоха, процес, който днес е достигнал един вид възраждане на най-музикален
Ренесанс. Освен това отделни изпълнителски групи успешно започват да популяризират ценностите на музикалната култура на Средновековието, като се придвижват още по-далеч в дълбините на вековете.
Епохата от XV-XVI век не познава светски публични форми на концертен живот. Характеризира се с три разновидности на музикални форми, характерни за цялата култура на Средновековието и отговарящи на социалните нужди на три слоя на феодалното общество: светски феодали, духовенство и третото съсловие (включва както селяни, така и занаятчии и богати бюргери от средновековните градове). Говорим за светска професионална музика, култова музика и народно творчество. Народното изкуство (фолклор, т.е. песни и танци от устната традиция) в онази епоха е основната демократична форма на светското музициране. Много е важно, че Холандия е била известна с богатата си народна песенна култура. Хората в Холандия бяха много музикални. Има свидетелство от италианеца Гуичардини, който пише за Холандия през 1556 г., че „народът, без да се научи да пее заедно, пее изключително красиво и хармонично правилно“. Има и доказателства, че през XV-XVI век музиката в Холандия е била обичана повече от живописта и скулптурата.
Именно в песенния фолклор се появяват преди всичко ярки, реалистично-светски образи, чийто основен носител е сочна мелодия; по-късно холандските композитори залагат на него.
Много от тези песни звучаха в полифоничните маси на холандските композитори: не само непроменени, като цитати, но и като основен принцип на отделния мелодичен език.
Разцветът на фолклора е изключително важен за разбирането на процесите на обновление, протичащи в музиката на Холандия. Съществуването на фолклора е свързано не само с музицирането на селяните, но и с новата бюргерска култура на холандските градове. За това свидетелства наличието на сдружения на фолклорни музиканти - менестрели, както и т. нар. "реторични камари" - вид литературни
занаятчийски работилници, в които музицирането е подчинено на най-строгата и най-сложна формална регулация. Кодексите на правилата на подобни асоциации могат да се представят от известния „бекмесеризъм“, осмиван от Вагнер в операта „Нюрнбергските майстерзингери“. Въпреки това народното изкуство на Холандия беше буквално в разгара си. Това беше плодородната почва, върху която процъфтяват най-ценните образци на професионално музициране.
Преминавайки към професионалните жанрове, отбелязваме, че трудността при възприемането на холандската полифония за съвременните слушатели е, че тя въплъщава нова структура на чувствата в днешните остарели форми на възпроизвеждане на музика. Музикалният живот на Холандия през разглеждания период съдържа значителни следи от Средновековието, които почти напълно изчезват от историческата сцена в средата на 18 век.
Това важи особено за светската професионална музика, която е съществувала главно в параклисите на влиятелните светски феодали и преди всичко на бургундските херцози.
Светската аристокрация, представлявана от бургундските херцози и техния двор, не се интересуваше от възраждането на античната ученост и усъвършенстването на морала, както беше в Италия, а за връщането на престижа на някогашната рицарска доблест. Основната задача на техните параклиси е да украсяват тържествените ритуали на княжеските дворове.<…>Ролята [на музиката] беше ограничена главно до развлекателни функции. Това доведе до лекота, повърхностност, намаляване на етическото и естетическо ниво.<…>Ето защо в историческите условия на разглеждания период светските професионални жанрове в творчеството на холандските композитори не достигат висините, достъпни за култовата музика.
Ясно е, че при тези условия най-големите композиторски сили се втурнаха към църквата.<…>Култовите жанрове имаха две големи предимства. Първата е възможността за значително задълбочаване на идеологическото и етическото съдържание. Не бива да се забравя, че през Средновековието катедралите и манастирите са били най-големите образователни центрове. Манастирите са имали големи библиотеки, в които са се съхранявали и ръкописи на музикални произведения. Най-високите чинове на духовенството, по един или друг начин, трябваше да се справят с развитието на проблемите на теологията, която по това време беше неразривно свързана с философията. Извън развитието на богословските проблеми беше немислимо да се изгради нито нова хуманистична философия, нито нова научна картинаСветът.<…>Второ: именно за музикантите работата по поръчката на църквата по това време е изключително плодотворна, тъй като в историческите условия на Средновековието единствено църквата предоставя възможност за широко публично изпълнение на професионална музика.<…>
Такъв разнороден музикален живот издига жанрове, които като цяло са далеч от съвременната музикална култура, но вярно отразяват „многоструктурната” култура на 15-16 век. Към края на първата четвърт на 15 век се характеризират три основни жанра - "голям", "малък" и "междинен" (те са отделени от влиятелния музикален теоретик И. Тинкторис през 1475 г.): маса, песен(шансон) и мотет.
Специфична особеност на музиката от онова време е чисто вокалният характер на тези жанрове. Това, разбира се, не означава, че е имало музикални инструментии инструментална музика. Инструменталната музика обаче беше изцяло зависима от вокалната музика по отношение на теми, принципи на мислене, форми и образи. Най-разпространено беше ансамбловото инструментално музициране: то се основаваше на хорови произведения. Друг начин за проникване на инструментацията във вокално-хоровата култура беше възможността за запълване на липсващия глас с инструмент или, очевидно, широко практикуваното дублиране на вокални гласове с инструменти, главно духови инструменти. Така беше в жанровете на професионалната музика. В музиката на устната традиция зачатъците на специално инструментална музика под формата на домакински танци, импровизации върху любимото домакинство струнен инструмент- лютня, както и на орган или др клавиатурни инструменти... Но едва в началото на 17-ти век тези издънки на инструменталната музика започват да се приравняват с вокалната музика. Интересуващият ни период на музикална култура в Холандия е показателен за доминирането на вокалните жанрове.
Светската вокална полифония беше представена от полифоничен шансон (песен). Това име обобщава редица специфични разновидности на светски вокални текстове, които се основават главно на любовни истории. Старият полифоничен шансон в произведенията на холандските композитори е претърпял значителни промени, за които ще стане дума по-късно; сега е необходимо да се посочи произходът на този жанр - полифонични рондели, le, virale, балади. Тези жанрове със сложни и разнообразни системи от римуван текст и повторения („рефрени“) на музикален материал се раждат в музикалното и поетическо творчество на френските трубадури и трувери през 13 век. Въпреки това, времето на раждане на полифоничната песен е XIV век. В произведенията на известните френски поети композитор Г. дьо Машо (1300-1377), „словесната“ лирика вече е въплътена в много гласове: до пеенето
Муся, горният глас се добавя с един, два или три гласа, свирени от инструменти. Тук обаче не може да се говори за солова песен със съпровод: всички гласове на такава полифония, независимо дали се пеят или изпълняват на инструменти, имат една и съща - вокална - природа; можем да говорим само за по-индивидуализиран характер на мелодичния модел на горния (пеещ) глас. Разбира се, не може да се говори за повече или по-малко самостоятелна роля на „инструменталния акомпанимент“: има почти два века преди раждането на съвременната камерна вокална лирика. Въпреки това, дори в рамките на тези скромни възможности, Машо, а след него и представителите на ранната култура на полифоничната песен Дюфай и Беншуа, успяха да постигнат фини експресивни ефекти, преодолявайки маниеризма, претенциозността на аристократичното изкуство, основано на демократичното писане на песни. .
Друга група жанрове, характерни за творчеството на холандските композитори, са месата и мотета. Меса е жанр на култовото музициране (изпълнява се по време на църковната служба), мотети са писани както на светски, така и на духовни теми. Въпреки това има много общо между тези жанрове. В хода на историческото развитие на холандската школа светските мотети са изместени от полифонични полифонични песни; от друга страна, като се започне от Машо, многочастната полифонична меса започва да се тълкува като своеобразен цикъл от мотети за литургичния текст. За разлика от шансона, в който по правило една и съща мелодия се повтаря с различни строфи от текста (както в съвременна строфа или стихотворна песен), мотетът като цяло е свободна, нерегламентирана композиция, състояща се от няколко части контрастен по материал. Редуването, последователността на тези раздели, тяхната изразителност се определят от значението на текста, стоящ в основата на мотета.
Вътрешната структура на всяка от частите на мотета в ранните и късните етапи от развитието на холандската полифонична школа е различна, но съществена обща черта, което след това разграничава мотета от песента: песента е базирана на оригиналната тема
ском материал, мотет - на заем. Такъв заимстван материал се нарича cantus firmus. Контрастните горни гласове бяха „наслоени“ („надградени“) върху canthus firmus. През Средновековието (XIII-XIV век) този контраст се задълбочава от факта, че различни текстове се пеят едновременно с различни гласове. Стигна се до любопитни случаи, когато гласът, изпълняващ cantus firmus, се основаваше на религиозно песнопение, докато в друг глас текстът беше излияние на любов, а в третия - сатира върху пияни монаси! Всичко това прозвуча едновременно поради сходния ритъм на текстовете.
В по-нататъшната история на мотета композиторите търсят по-органични поетични и музикални връзки между гласовете на полифоничния мотет. Сред холандците мотетът се превръща в един от най-концептуално развитите жанрове. Неговото съществуване в интересната за нас епоха ще бъде проследено чрез примери за творчество видни представителиХоландско училище. Тук е необходимо само предварително да се каже за произхода на тематичния материал на мотета - canthus firmus. В това си качество, според почитана от времето традиция, се утвърждава григорианското песнопение - едногласни хорови песнопения върху литургичния текст, систематизирани, според легендата, от папа Григорий Велики (ум. 604).
Григорианското песнопение е по същество доста разнообразна колекция от песнопения за хора (оттук и името chorale): Сред тях се открояват два вида. Псалмодията е премерено рецитиране, такова интониране на текста на Свещеното писание, предимно на една звукова височина, на която
има една нота на мелодията за една сричка от текста; юбилейни химни - свободни песнопения на сричките на думата "алелуя", олицетворяващи наслада на вярващите. По отношение на функцията си в музикалната култура на Средновековието, григорианското песнопение е пълна противоположност народна песен... Ако народната песен отразява истинско, на живо човешки чувства, пряко усещане за реалността, григорианският песнопение е предназначен да измести земните мисли от съзнанието на човека, да насочи мислите и чувствата му към божествените идеи.
Григорианското песнопение имаше мощен и отличителен ефект върху енориашите. Неговите собствена историябеше последователен компромис, в резултат на който вместо „конфронтация” с народната песен, самият григориански песнопение (предимно „алелуя” и други химни) беше наситен с народнопесенни обрати. Църковните власти били принудени да разрешат в богослуженията да се изпълняват химни, базирани на мелодии от народнопесенен произход, така наречените поредици. Редица такива поредици - включително Dies irae, който стана известен в по-нататъшната история на музикалната култура - са високи, трайни образци на изкуството, които са запазили напълно своето художествено въздействие до нашето време.
Първоначално мотетите са написани главно в григорианския cantus firmus. Въпреки това, продължавайки очертаната през Средновековието тенденция за преодоляване на абстрактността, мистичната откъснатост на литургичното музициране, композиторите на холандската полифонична школа постепенно започват да насищат мелодичните гласове на мотета със светски фолклорен песенен материал, използвайки го понякога като cantus firmus, или като основа за „свободните“ гласове на композицията.
Преди това трябва да се кажат няколко думи за литургия. За да се разбере ролята на този жанр в холандската музикална култура, трябва да се вземе предвид предишната му история. Първоначално (преди XIV век) литургията е като цяло монофонична; песнопенията, които въплъщават нейния текст, се вписват в легализираните рамки на григорианските песнопения. Но вече григорианските песнопения, звучащи в литургията, бяха доста разнообразни. Първо, те бяха подразделени на псалмодични и химнологични. Второ, имаше два вида музикални „цикли“ на григорианската литургия: „специалната литургия“ (Missa proprium), чийто състав се променяше в зависимост от празника, по повод на който се провежда службата, и „ обикновена меса" (Missa ordinarium), в състава, който включваше пет постоянни части: 1) Kyrie eleison - "Господи, помилуй", 2) Gloria in excelsis Deo - "Слава на Бога във висините", 3) Credo - " Вярвам“, 4) Sanctus et Benedictus – „Свят“ и „Благословен“, и накрая 5) Agnus Dei – „Агнец Божи“.
В епохата на ранното средновековие (до 9 век) „обикновената меса“ се отличава от „специалната“ не само по състава на частите, но и по участието на цялата общност от вярващи в нейната производителност. Енориашите (в преобладаващото мнозинство - представители на демократичните слоеве на населението) внасят животворната топлина на народните песенни интонации в строгия, аскетичен стил на григорианската монофония и тези фолклорни влияния са внимателно издълбани от църквата до степен възможен. Въпреки това, в по-нататъшната история на литургиите, само петте части от „обикновената литургия“, изброени по-горе, които първо са извършени от всички енориаши, се оказват жизнеспособни.<…>
ПРИ ПОРЪЧИТЕ НА СЪВРЕМЕННОТО МУЗИКАЛНО МИСЛЕНЕ
Най-голямото постижение на холандската композиционна школа, което й осигури почетно място в историята на световната музикална култура, е формирането на принципите на модерното музикално мислене... Тяхното формиране отвори огромни перспективи за нарастване на съдържанието на музиката, предостави на музикалното изкуство възможността да отговори със собствени средства на най-сложните философски и социални проблеми... Какви черти на съвременното музикално мислене са изготвили от представителите на холандската композиционна школа? А какво точно е това „музикално мислене“, ще ни попита читателят?
Разсъждавайки върху силно развитата класика музикални жанровесвързан с художествено въплъщениезначими и смислени понятия, дори човек без опит в музикалната теория може да каже, че основните музикални идеи и тяхното развитие в толкова широк известни произведения, как се свързват сонати и симфонии от Моцарт, Бетовен, Чайковски, Шостакович музикални теми, с уникалната си изразителност, а драматизма, концепцията, общата идея са изградени от цялата сума от изменения, трансформации и сблъсъци на различните теми на творбата.
Ако обаче се запознаем с творчеството на холандски композитори, очаквайки да чуем в тях подобни теми и същото тематично развитие като в творбите на Бетовен, ще останем разочаровани. С редки изключения, няма да намерим там широки, ясно проектирани
запомнящи се мелодии. Често цялата тематика се свежда до дребномащабни мотиви или до кратки декламационни обрати, породени от експресивното произношение на текста. Особено архаично звучи една специфична за онова време разновидност на тематизъм - cantus firmus, въпреки че още от времето на Дюфае поглъща материала на обикновените народни песни. По правило Kantus firmus се поставя в един от „средните“ гласове на хоровия комплекс в tessiture и не влиза в активната зона на слухово възприятие, образувана от „екстремните“ гласове - високи и бас. Възможно е желанието на композиторите да „скрият от любопитното око” светското музикален материал, което не отговаряше на темата за литургическите жанрове. Но самият материал на canthus firmus беше представен в изключително разширени, по-дълги в сравнение с останалите гласове, ритмични продължителности, което пречеше на възприемането му като цялостна формация.
И все пак холандците направиха решителна крачка напред в развитието на тематично и тематично развитие. Припомнете си, че в григорианското песнопение - официалната форма на култовата музика от онова време - всичко беше насочено към изразително и ясно произношение на текста на свещеното писание. Григорианското песнопение беше съвършено и следователно затворена художествена система. Затова в своите новаторски стилови търсения композиторите можеха да разчитат само на народните песни.
В народните песни се разграничават няколко пласта. Най-старите - това са песни, свързани с езически идеи, те се характеризират с остатъци от магическа функция. Музикалният им език се състои от повторение на три-шест звучаща мелодия, т. нар. формула. Друг важен пласт е свързан с формирането на лирически образи. В тази връзка пътищата на развитие на различни национални народнопесенни култури се сближават. Обща представа за особеностите на структурата на лирическата народна песен може да се получи въз основа на преобладаващия руски материал. Същността на постиженията на лирическата песен е следната:
музиката му вече не се ограничава само до повторение – „въртене“ на оригиналната песен (формула). Напротив, мотивът, който отваря песента, действа като своеобразно „тематично семе“, от което, израствайки във варианта на цъфтеж на мелодични издънки, възниква неразделен музикален организъм.
Холандските композитори заимстват тези „микротеми” – мотивни формули и тяхното вариантно развитие – „покълване” от най-богатата народна песенна култура на Холандия като основа на мелодичното мислене, като значително ги обогатяват в творчеството си. Основното им постижение обаче беше развитието на професионалната полифония на тази основа.
Многоголосието в народното песенно творчество възниква спонтанно, най-често в резултат на едновременното изпълнение на различни варианти на една и съща мелодия. В произведенията на холандските композитори един от основните видове полифония, полифонията, получи цялостно развитие.
Във всяка полифония, във всеки даден момент, слуховото възприятие подчертава основен глас, носител на най-релефния по смисъл материал – тематичен, останалите гласове по един или друг начин играят ролята на фон на тематичния релеф. Ако носителят на темата е единственият горен глас, а останалите гласове са изравнени в изразителното си значение, обединявайки се в акордови комплекси, тогава този тип полифония се нарича хомофония. Ако някой от гласовете на полифонията във всеки един момент може да овладее тематичната инициатива, ако освен това гласовете, придружаващи тази тема, не загубят своята индивидуалност, тогава имаме работа с полифония. Цялостното развитие на принципите на полифоничното развитие формира основата на иновациите на холандските композитори.
Завладяването на методите на полифоничното мислене беше събитие от изключителна важност, сравнимо е с прехода от плоско изображение в живописта към многостранно. Полифонията е едно от най-характерните завоевания на епохата, чието философско и естетическо мото е търсенето на единство в многообразието от все нови научни
и артистични събития, отварящи се към умовете на европейците. Вярно е, че музиката по това време все още не е имала възможност да характеризира променливостта на течащия поток на реалността със собствени средства - това дойде в музикалното изкуство много по-късно, в ерата на класицизма. Ренесансът е развил и други изразни средства, позволяващ да се отрази в музиката сложността, хетерогенността, вътрешните противоречия на природата (макрокосмос) и човешката душа (микрокосмос). „Еднократният контраст“ на паралелно развиващите се самостоятелни мелодични линии (терминът принадлежи на съветския музиколог Т. Н. Ливанова) е едно от основните постижения на холандските полифонисти. Оттук нататък музиката, въпреки че продължава да остава в съюз със словото, вече има свои собствени независими закони на развитие, тя се освободи от подчинение.
Независимостта на музикалното мислене е отразена в разработването на нова система за нотации - менсурал. До XIII-XIV век. имаше така наречената хорова нотация, която позволяваше да се фиксира само височината на отделните звуци на мелодията. Нямаше методи за обозначаване на продължителността на музикалните звуци: нямаше нужда от тях, тъй като ритъмът на песнопенията на григорианските песнопения изцяло зависи от поетичните измерения на текста.
Освобождаването на елемента на свободното мелодично развитие, както и необходимостта от прецизна координация на едновременното звучене на мелодичните реплики в полифоничната полифония, изискваха прецизно записване на продължителността на музикалните звуци, независимо от метричната структура на словесния текст. Ситуацията се усложнява от факта, че тогавашните композитори, като в същото време са лидери на представлението, не написват партитурите и веднага фиксират своите творения под формата на хорови монофонични части.
Колко са различни от съвременните нотни записи! Тяхното декодиране е подчинено на редица вече забравени правила и преди всичко на познаването на съотношението на нотите, съседни в редица продължителности; тези съотношения бяха четири вида и се наричаха "везни". Оттук идва и името на новата нотация mensural (за разлика от choral).
Мензурната нотация формира основата на съвременната музикална нотация. Подобрението му се основава на въвеждането на по-кратки продължителности (по-специално ноти под „ребрата“ и с „знамена“), което направи възможно ритмичният модел на мелодията да стане по-визуален.
Съвременните издания на хоровите партитури на класиката на ренесансовата полифония, като правило, пропорционално съкращават няколко пъти всички продължителности, в резултат на което пред нас се появява лесно видима звукова картина.
Преди да пристъпим към по-нататъшната характеристика на представителите на холандската полифонична школа, е необходимо да кажем няколко думи за техния непосредствен предшественик - английски композиторДжон Дънстабъл (1370 или 1380-1453), който работи дълго време на континента, който е в музикални центровеХоландия.
В музикалната култура на Северна Европа Дънстейбъл беше като че ли първата лястовица на „пролетта на Ренесанса“. В творчеството му можете да уловите първите проблясъци на ренесансовото „ведро свободомислие“ – доказателство за това е неговата полифонична адаптация на италианската песен „О красива роза“ („O rosa bella“) с нейните деликатни, причудливи хармонии, пропити от "северна меланхолия". Разбира се, тези проблясъци много скоро ще се удавят в лъчите на изгряващите светила на холандската композиторска школа ... Но в една област от работата на Дънстейбъл - формирането на развита хорова полифония - неговата иновация се оказа решаваща.
Работата на Дънстейбъл е толкова важна връзка между „музикалната готика“ и ренесансовата полифония, че от 16 век легендата за него като „откривател“ на полифонията е утвърдена. Всъщност произходът на полифоничния принцип на мислене се корени в народното музициране, а пренасянето му в областта на професионалната музика започва през Средновековието и отнема няколко века. Още през XIV век във Флоренция, в родината на ars nova - италианското „пред-
Публ.: Конов В. Холандски композитори от XV-XVI век. Л.: Музика, 1984.
Сюита за клавесин No.5 в ре минор
Основна информация
Изпълнение на музикант музикални произведениякакто на клавесина, така и на неговите разновидности се нарича клавесинист.
Произход
Най-ранното споменаване на инструмент тип клавесин се появява в източник от 1397 г. от Падуа (Италия), най-ранното известно изображение е на олтара в Минден (1425 г.). Клавесинът е използван като соло инструмент до края на 18 век. Малко по-дълго се използва за изпълнение на цифров бас, за акомпанимент на речитативи в опери. Около 1810 г. той практически излязъл от употреба. Възраждането на културата на свирене на клавесин започва в началото на 19-ти и 20-ти век.
Клавесините от 15 век не са оцелели. Съдейки по изображенията, това бяха къси инструменти с тежък корпус. Повечето от оцелелите клавесини от 16-ти век са произведени в Италия, където Венеция е основният производствен център.
Имаха 8` регистър (по-рядко два регистъра 8` и 4`), различаваха се по елегантност. Корпусите им най-често били от кипарис. Атаката върху тези клавесини беше по-отчетлива и звукът по-рязък от по-късните фламандски инструменти.
Най-важният център за производство на клавесини в Северна Европа е Антверпен, където представители на семейство Рукерс работят от 1579 г. Техните клавесини имат по-дълги струни и по-тежко тяло от италианските инструменти. От 1590-те години в Антверпен се произвеждат клавесини с две наръчници. Френски, английски, немски клавесини от 17-ти век съчетават чертите на фламандския и холандския модел.
Някои френски двуръчни клавесини с орехови тела са оцелели. От 1690-те години във Франция се произвеждат клавесини от същия тип като инструментите на Rukers. Сред френските майстори на клавесина се откроява династията Бланше. През 1766 г. Таскин наследява работилницата на Бланше.
Най-значимите английски производители на клавесини през 18-ти век са Шуди и семейство Киркман. Техните инструменти имаха дъбови тела с лице от шперплат и се отличаваха със силен звук с богат тембър. През 18-ти век в Германия Хамбург е бил основният център за производство на клавесини; сред произведените в този град инструменти с 2` и 16` регистри, както и с 3 наръчника. Необичайно дългият модел на клавесин е проектиран от J.D. Dülken, водещ холандски майстор през 18-ти век.
През втората половина на 18 век клавесинът започва да се измества от пианото. Около 1809 г. фирмата Киркман произвежда последния им клавесин. Възраждането на инструмента е инициирано от А. Долмеч. Той построява първия си клавесин през 1896 г. в Лондон и скоро открива работилници в Бостън, Париж, Хайслмер.
Производството на клавесини също е създадено от парижките фирми Pleyel и Erar. Pleyel започва да произвежда модел на клавесин с метална рамка, носеща дебели, опънати струни; Ванда Ландовска е обучила цяло поколение клавесинисти на инструменти от този тип. Бостънските майстори Франк Хъбард и Уилям Дауд са първите, които копират старинни клавесини.
устройство
Има формата на продълговат триъгълник. Струните му са хоризонтални, успоредни на клавишите.
В края на всеки ключ има тласък (или джъмпер). В горния край на тласкача има лангета, в която е фиксиран плектр от пера (език) (на много съвременни инструменти - изработен от пластмаса), точно над плектра има демпфер от филц или мека кожа. При натискане на клавиш тласкачът се издига, плектърът скубе струната. Когато ключът бъде освободен, механизмът за освобождаване ще позволи на плектра да се върне на мястото си под струната, без да скубе струната отново. Вибрацията на струната се гаси от амортисьор.
За регистрация, т.е. промени в силата и тембъра на звука, използват се ръчни и крачни превключватели. Не е възможно плавно увеличаване и намаляване на силата на звука на клавесина. През 15 век обхватът на клавесина е бил 3 октави (някои хроматични нотки липсват в долната октава); през 16 век се разширява до 4 октави (C - c "`), през 18 век до 5 октави (F` - f "`).
Типичен немски или холандски клавесин от 18-ти век има 2 наръчника (клавиатури), 2 комплекта от 8` струни и един комплект от 4` струни (звучащи с октава по-високо), които могат да се използват поотделно или заедно, както и механизъм за копулиране ръководства. Крачните и колянните превключватели са въведени в края на 1750-те години. Повечето от инструментите имат т.нар. лютен регистър с характерен назален тембър (за да се получи, струните са леко заглушени с помощта на специален механизъм с удари от кожа или филц).
