Име на Рембранд. години в творчеството на Рембранд
Създаване Рембранд Харменсън ван Рейн (1606-1669) бележи най-високия разцвет на холандското изкуство през 17 век и една от върховете на световното изкуство като цяло. Демократичен и истински хуманен, пропит с гореща вяра в триумфа на справедливите житейски принципи, той въплъщава най-напредналите и утвърждаващи живота идеи на своето време. Художникът издигна изобразителното изкуство на ново ниво, обогатявайки го с безпрецедентна жизненост и психологическа дълбочина. Рембранд създаде нов изобразителен език, в който главната роля изиграха фино проектирани техники на светлосенки и богато, емоционално интензивно оцветяване. Духовният живот на човека вече е достъпен за изобразяване чрез реалистично изкуство.
Рембранд е новатор в много жанрове. Като художник на портрети, той е създател на особен жанр на портретна биография, където дълъг живот човекът и неговият вътрешен свят се разкриха в цялата им сложност и противоречия. Като исторически художник той трансформира далечните древни и библейски легенди в история за истински земни хора, затоплени от високия хуманизъм. човешки чувства и взаимоотношения.
Средата на 1630-те е времето на най-близката близост на Рембранд до общоевропейския бароков стил, буен и шумен, наситен с театрален патос и бурно движение, контрасти на светлина и сянка, противоречиво съседство на натуралистични и декоративни моменти, чувственост и жестокост.
IN бароков период написан "Слизане от кръста" (1634). Картината илюстрира евангелската легенда за това как Йосиф от Ариматея, Никодим и други ученици и роднини на Христос, след като са получили разрешението на Пилат, през нощта са премахнали тялото на Христос, увили го в богата плащаница и го погребали.
Легендата е разказана от Рембранд с невероятна житейска истина. Трагичната смърт на учителя и сина потопи участниците в събитието в дълбока скръб. Художникът се взира в лица, опитвайки се да проникне в душите на хората, да прочете реакцията на всички към случващото се. Той развълнувано предава припадъка на Мария, майката на Христос, плача и стененето на жените, страданието и мъката на мъжете, страха и любопитството на юношите.В тази работа Рембранд тръгва от известната картина на Рубенс със същото име, използвайки отделни композиционни мотиви на великия фламандец и стремейки се да го надмине в изразяването на духовните движения на героите.
Друго важно постижение на тази картина, заедно с индивидуализацията на чувствата на героите, е използването на светлина за постигане на целостта на многофигурната композиция. Трите основни момента на легендата - свалянето от кръста, припадането на Мария и разстилането на плащаницата - са осветени от три различни светлинни източника, чиято интензивност намалява в съответствие с намаляването на стойността на сцената.
Началото на нов период в живота и творческата дейност на майстора бе белязано от две важни събития, които се случиха през 1642 г .: преждевременната смърт на Саския, любимата му съпруга, която му остави едногодишен син, и създаване на картината "Нощна стража" - голям групов портрет на стрелците от Амстердам, най-известните творби на майстора. Семейна трагедия и изпълнението на отговорна поръчка поставят Рембранд пред трудни проблеми на личния и творчески живот... Художникът излиза от тази криза зрял и мъдър. Неговото изкуство става по-сериозно, по-събрано и по-дълбоко и най-важното - интересът към вътрешния живот на човека, към случващото се в душата му се появява все по-ясно в него.
В тясна връзка с развитието на творчеството на Рембранд през 1640-те години, трябва да се разгледа едно от най-важните произведения на художника - "Даная" въпреки че картината е датирана 1636. Рембранд е вдъхновен от първата си любов Саския, за да създаде образа на Даная, легендарната гръцка принцеса, затворена от баща си, за да избегне смъртта, предсказана му от ръката на внука му. Но десет години по-късно, както показват последните изследвания, художникът, недоволен от първоначалното решение, преработва значително образа на главния герой. Моделът за финалната версия на картината очевидно беше Гертие Диеркс, млада вдовица, която се установи в къщата на Рембранд след смъртта на Саския, първо като бавачка на едногодишния Тит, а след това и като пълна любовница. По този начин главата, дясната ръка и до голяма степен тялото на Даная, чакащи в подземието за своя любим (според легендата, Зевс, който се влюбил в Даная, проникнал до нея под формата на златен дъжд ), както и фигурата на стара слугиня, се оказа изрисувана наново, по смел, широк начин в средата и втората половина на 1640-те. Почти всички други детайли на картината остават същите, както са рисувани през 1636 г., характерни за предходния период с изчистен, рисуващ удар с четка.
Оцветяването на картината също е претърпяло значителни промени. В оригиналната версия доминираха студените тонове, характерни за средата на 1630-те. Заменяйки златния душ на първата версия със златна светлина, сякаш предвещавайки появата на влюбен бог, Рембранд сега изпълнява централна част картини в топъл тон със златна охра и червена цинобра като доминанти. Във втората версия, тоест през 1646-1647 г., Даная получава задълбочена информация психологическа характеристика, благодарение на което се разкри най-вътрешният вътрешен свят на жената, целият сложен и противоречив диапазон от нейните чувства и преживявания. По този начин „Данае“ е ясен конкретен пример за формирането на известния психологизъм на Рембранд.
Работата на Рембранд през 1650-те е белязана предимно от постижения в областта на портрета. Външно портретите от този период обикновено се отличават с големи размери и монументални форми. спокойни пози. Моделите обикновено седят на наклонени столове с ръце на колене и обърнати директно към зрителя. Лицето и ръцете са подчертани със светлина. Това са винаги възрастни хора, мъдри от дългогодишен жизнен опит - възрастни хора и стари жени с отпечатък от мрачни мисли на лицата и упорита работа на ръцете. Подобни модели даде на художника блестящи възможности да покаже не само външните признаци на старостта, но и духовния облик на човек. В колекцията на Ермитажа тези творби са добре представени от не поръчани портрети:
"Старецът в червено", "Портрет на възрастна жена" и "Портрет на стар човек-евреин".
Не знаем името на човека, който е служил като модел за портрета. Старецът в червено. Рембранд го рисува два пъти: на портрет от 1652 г. (Национална галерия, Лондон) той е изобразен седнал на стол с подлакътници, потънал в мисли, сведел глава на дясната си ръка; версията „Ермитаж“ третира същата тема - човек сам с мислите си. Този път художникът използва строго симетрична композиция, изобразяваща старец, седнал неподвижно пред него. Но по-забележимо е движението на мисълта, фина промяна в изражението на лицето: тя изглежда ту груба, ту по-мека, ту уморена, ту внезапно озарена от прилив на вътрешна сила и енергия. Същото се случва и с ръцете: те изглеждат конвулсивно стиснати, след което лежат изтощени. Художникът постига това преди всичко благодарение на брилянтното умение на светлината на светлината на светлината на светлината, което в зависимост от неговата сила и контраст внася елегична релаксация или драматично напрежение в образа. Начинът, по който се нанася боя върху платното, също играе огромна роля. Набръчканото лице на стареца и възлите, изморени ръце придобиват художествена изразителност благодарение на вискозна смес от цветове, в които преплитащи се мазни удари предават структурата на формата, а фините глазури й придават движение и живот.
Неназован старец в червено с подчертано достойнство, сила на духа и благородство се превърна в израз на новата етична позиция на художника, който откри, че стойността на личността не зависи от официалната позиция на човека в обществото.
Към средата на 60-те години Рембранд завършва най-сърдечната си работа - Завръщането на блудния син. Може да се разглежда като завещанието на Рембранд човека и Рембранд художник. Именно тук идеята за всепрощаващата любов към човека, към унизените и страдащите - идеята, на която Рембранд служи през целия си живот - намира своето най-висше, най-съвършено въплъщение. И именно в тази работа се срещаме с цялото богатство и разнообразие от живописни и технически техники, които художникът е развил през дългите десетилетия на творчество.
Откъснат, изтощен и болен, пропилял късмета си и изоставен от приятели, синът се появява на прага на бащината къща и тук, в обятията на баща си, намира прошка и утеха. Огромната лека радост на тези двама - старец, който е загубил всички надежди да срещне сина си, и син, обхванат от срам и покаяние, скрил лицето си върху гърдите на баща си - е основното емоционално съдържание на творбата. Мълчаливо, шокирани, неволните свидетели на тази сцена замръзнаха. Художникът се ограничава до най-висок цвят. Картината е доминирана от златисто-охра, киноварно-червени и черно-кафяви тонове с безкрайно богатство на най-фините преходи в този оскъден диапазон. Четка, шпатула и дръжка на четката участват в нанасянето на бои върху платното; но дори това изглежда недостатъчно за Рембранд - той нанася бои върху платното директно с пръст (така е написана например петата на левия крак на блудния син). Благодарение на разнообразни техники се постига повишена вибрация на повърхността на боята - боите или изгарят, след това искрят, след това тъмно тлеят, след това сякаш светят отвътре, и нито един детайл, нито един ъгъл на платното , дори и най-незначителното, оставя зрителя безразличен.
Само мъдър от огромния житейски опит човек и велик художник, изминал дълъг път, би могъл да създаде тази гениална и проста работа.
Повечето женски изображения върху платната на Рембранд от 1934-1942 г., рисувани от любимата съпруга на художника Саския ван Айленбюрх. В образа на древната богиня на пролетта Флора, майсторът изобразява Саския три пъти - портретът, който разглеждаме, е създаден в годината на тяхната сватба - с просто око можете да видите, че Рембранд идолизира жена си, възхищава й се и поставя всичко нежността му към картината.
По време на брака си Саския е била на 22 години, на 17 години е осиротяла. Шансът я доведе при бъдещия й съпруг - тя дойде в Амстердам, за да посети братовчед си, съпругата на проповедника Йохан Корнелис Силвиус, който беше запознат с Рембранд. Сватбата се състоя на 10 юни 1634 година. През 1942 г. - само година след раждането на дългоочаквания син Тит - Саския почина.
Flora-Saskia е олицетворение на младостта, свежестта и целомъдрието, във външния й вид има толкова очарователна срамежливост и момичешка свежест. Рембранд умело съчетава пасторален и исторически портрет в тази картина. От трите Флорес, рисувани със съпругата му (другите две картини са създадени през 1935 и 1941 г.), първата най-вече се отнася до античността, а останалите два портрета намекват за мита само с фини детайли.
2. "Даная" (1633-1647). Ермитаж, Санкт Петербург
Дори да не знаете нищо за Рембранд и изобщо не се интересувате от рисуване, тази картина определено ви е позната. Платното, съхранявано в Ермитажа в Санкт Петербург, е почти безвъзвратно изгубено през 1985 г. поради вандал, който го изсипва със сярна киселина и след това изрязва платното с нож.
Картината, която изобразява голо момиче, лежащо на легло в лъчите на неземна светлина, е написана от Рембранд за дома му - сюжетът е избран от известния древногръцки мит за красивата Даная, бъдещата майка на победителката в Медуза Персей и Зевс гръмотевицата. Самият външен вид на Даная даде на изследователите загадка, която те успяха да разгадаят съвсем наскоро: известно е, че съпругата му Саския ван Ейленбюрх е била модел на Рембранд, но Даная, която е дошла при нас, съвсем не прилича на съпругата на художника. Рентгеново изследване на платното показа, че Рембранд частично пренаписва лицето на Даная след смъртта на съпругата му - и го прави да изглежда като лицето на втория му любовник, бавачката на сина му Тит Гертие Диркс. Купидонът, надвиснал над Даная, също първоначално изглеждаше различно - крилатият бог се смееше, а в окончателната версия страданието беше замръзнало по лицето му.
След нападението върху картината през 1985 г. тя е реставрирана в продължение на 12 години. Загубата на живопис е 27%, работи се по възстановяването на шедьовъра на Рембранд най-добрите майстори - обаче нямаше гаранции за успех. За щастие платното все още беше спасено; сега картината е надеждно защитена с бронирано стъкло.
3. "Нощна стража", (1642). Rijksmuseum - Национален музей Амстердам 
Колосалното, почти четириметрово платно стана наистина фатално в кариерата на създателя му. Правилното заглавие на картината е „Реч от пушката на капитан Франс Банинг Кок и лейтенант Вилем ван Райтенбюрг“. Става „Нощна стража“, след като е открита от изкуствоведите, забравена в продължение на два века. Решено беше картината да изобразява мускетарите по време на нощната служба - и едва след реставрацията се оказа, че под слоя сажди се крие съвсем различен оригинален цвят - сенките красноречиво говорят за това - действието върху платното се развива около 14 часа.
Работата е поръчана на Рембранд от Стрелковото общество - отряд на цивилното опълчение на Холандия. Групов портрет на шест компании трябваше да украси новата сграда на обществото - Рембранд беше помолен да нарисува пушката на капитан Франс Банинг Кок. Художникът очакваше традиционен церемониален портрет - всички герои подред - но той реши да изобрази мускетарите в движение. Дръзка композиция, при която всяка фигура е възможно най-динамична, не намери разбиране от страна на клиента - недоволството беше породено от факта, че някои от изобразените бяха ясно видими, а някой беше на заден план. „Нощна стража“ буквално сломи кариерата на Рембранд - след тази снимка редовните богати клиенти загърбиха художника и начинът му на писане се промени коренно.
Между другото, съдбата на тази картина е не по-малко трагична от тази на "Даная". Като начало през 18 век той беше изцяло варварски изрязан, за да се впише в новата зала на Стрелковото дружество. Така мускетарите Яков Дирксен де Рой и Ян Бригман изчезнаха от снимката. За щастие е оцеляло копие на оригиналната картина. „Нощната стража“ оцелява при нападението на вандали три пъти: първият път е изрязано голямо парче платно, втори път картината е намушкана 10 пъти, а третият път е облита със сярна киселина.
Сега платното се съхранява в Rijksmuseum - Национален музей Амстердам. Можете да гледате тази снимка в продължение на много часове - всички герои са написани с толкова подробности на огромно платно, както „по поръчка“ (всъщност мускетарите - има 18 такива), така и добавени от Рембранд по негова преценка (16 фигури, най-загадъчното е малко момиче на мястото на картините "златен разрез")
4. "Блуден син в таверна" (1635 (1635). Дрезденска галерия 
Този автопортрет на художника с любимата му съпруга Саския на колене се съхранява в Галерията на старите майстори в Дрезден (известна още като Дрезденската галерия). Няма съмнение, че художникът е нарисувал тази картина, като е абсолютно щастлив. През този период от живота си Рембранд работи много и ползотворно, е популярен, получава високи хонорари за работата си, сред клиентите му са известни и богати хора. Учителят преработил сюжета от Евангелието на Лука в духа на времето - блуден син облечен в камизола и широкопола шапка с перо, блудницата на колене също е облечена по модата на времето. Между другото, това е единствената живопис-автопортрет на художника заедно със съпругата му - друго изображение на себе си и Саския в едно живописно пространство Рембранд, направен с помощта на техниката на гравиране през 1638 година. Въпреки общия жизнерадостен тон на картината, авторът не пропусна да напомни, че рано или късно ще трябва да платите за всичко в този живот - това е красноречиво посочено от дъсчицата на фона, където съвсем скоро гуляите ще бъдат фактурирани. Можеше ли Рембранд да предположи колко голяма би била собствената му възвръщаемост за таланта?
5. „Завръщането на блудния син“ (1666-1669). Държавен Ермитаж, Санкт Петербург 
Това е най-голямата картина на Рембранд на религиозна тема. Семантичният център на картината е силно изместен встрани, основните фигури са подчертани със светлина, останалите герои са покрити със сянка, което прави невъзможно грешките при четене на изобразеното. Между другото, всички платна на Рембранд са обединени от едно важна подробност - с общата яснота на основния сюжет, всяка картина съдържа загадки, които изкуствоведите не могат да разгадаят. Подобно на момичето на Нощната стража, Завръщането на блудния син има герои, обвити в мистерия. Те са четири - някой условно ги нарича „братя и сестри“ на главния герой. Някои изследователи интерпретират женската фигура зад стълба като втория, послушен син - въпреки че традиционно тази роля се възлага на мъжа на преден план. Този мъж, брадат, с тояга в ръце, не се обажда по-малко въпроси - в Евангелието от Лука деканът дотича да се срещне с блудния роднина точно от полето и тук е изобразен доста благороден скитник, може би дори Вечният евреин. Между другото, възможно е Рембранд да се е изобразил по този начин - автопортрети, както знаете, не са необичайни в картините му.
На 15 юли 1606 г. се ражда най-великият холандски художник Рембранд Харменсун ван Рейн.
Бъдещият реформатор на визуалните изкуства е роден в семейството на богат мелничар в Лайден. От ранно детство момчето проявява интерес към рисуването, така че на 13-годишна възраст е чиракувано от лайденския художник Якоб ван Суаненбюрх. По-късно Рембранд учи при амстердамския художник Питър Ластман, който се специализира в исторически, митологични и библейски теми.
Още през 1627 г. Рембранд успява заедно с приятеля си Ян Ливенс да отвори собствена работилница - млад художник, който е едва на 20 години, започва сам да набира студенти.
Вече в ранни творби Рембранд, специален живописен стил, който започва да се оформя, е ясно видим - художникът се стреми да изписва своите герои възможно най-емоционално, буквално всеки сантиметър от платното е изпълнен с драма. В самото начало на пътя бъдещият ненадминат майстор на работата със светлосенки осъзна силата на тази техника за предаване на емоции.
През 1631 г. Рембранд се премества в Амстердам, където е посрещнат изключително ентусиазирано, ценителите на изкуството сравняват маниера на младия художник с произведенията на самия Рубенс - между другото Рембранд е щастлив, че се ръководи от много от естетиката на този художник .
Периодът на работа в холандската столица стана значителен за жанра портрет в творчеството на Рембранд - именно тук майсторът пише много изследвания на женски и мъжки глави, като внимателно разработва всеки детайл, разбирайки всички тънкости на мимиките човешко лице... Художникът рисува богати граждани - славата му се разпространява бързо и се превръща в ключ към търговския успех - а също така работи много върху автопортрети.
Съдбата на Рембранд, както лична, така и творческа, не беше лесна. Рано предпочитан от слава и успех, талантлив художник точно както за една нощ той загуби своите богати клиенти, които не успяха да осъзнаят революционната смелост на работата му. Наследството на Рембранд е оценено истински само два века по-късно - през 19 век художниците реалисти са вдъхновени именно от платната на този майстор, един от най-ярките представители на златната ера на холандската живопис.
Автопортрет на 54 години - Рембранд. 1660. Масло върху платно. 80.3x67.3. Музей Метрополитън
Автопортрет от Рембранд, 1661. Масло върху платно, 114x91.
Kenwood House, Лондон, английско наследство.
Илюстрация от сайта http://rembr.ru/
Рембранд, Харменц ван Рейн (1606-1669), холандски художник, чертожник и ецър, един от най-големите майстори западноевропейско изкуство... Роден в Лайден на 15 юли 1606 г., син на богат мелничар. През 1620 г. постъпва в Лайденския университет, но не остава дълго там и скоро става ученик на местния художник Якоб Исаакс Сваненбюрх. Около 1623 г. той се премества в Амстердам, където влиза в работилницата на Ян Пейнас, учи при майстора историческа живопис Питър Ластман. Последният запозна Рембранд с произведенията на майсторите италианско изкуство... От 1625 до 1631 г. Рембранд поддържа собствена работилница в Лайден, като понякога работи с художника и график Ян Ливенс. От учениците на Рембранд Джерард Доу е най-известният.
През 1631 г. или в края на 1632 г. Рембранд се завръща в Амстердам. На 22 юни 1635 г. той се жени за Саския ван Айленбурх, дъщеря на богат бургомистър от Лайварден. През 1642 г. успехът в творчеството и личния живот отстъпва място на поредица нещастия. В края на 1630-те години едно след друго му се раждат четири деца, но всички умират в ранна детска възраст, а след това на 14 юни 1642 г. любимата му съпруга изведнъж умира. Художникът остана с едногодишния си син Тит. Картината „Нощна стража“ (1642, Амстердам, Rijksmuseum), завършена малко след смъртта на Саския, бележи началото на новото му творческо търсене.
В края на 40-те години Хендрике Стофелс става неофициална съпруга на Рембранд (според завещанието на Саския той не може да се ожени втори път). През 1654 г. те имат дъщеря Корнелия. Сега обаче художникът беше преследван от финансови затруднения. През юли 1656 г. той е принуден да подаде молба за несъстоятелност, а през следващите две години забележителната му колекция е разпродадена. В желанието си да помогнат на Рембранд, в края на 1658 г. Тит и Хендрике се включват в търговията с живопис.
Последните години от живота на художника бяха помрачени от смъртта на близките. Хендрике умира на 24 юли 1663 г. Тит се жени през февруари 1668 г. и умира шест месеца по-късно. Сега Рембранд остана сам с младата Корнелия. Рембранд умира на 4 октомври 1669 година.
Рембранд създава около 600 картини, почти 300 офорта и над 1400 рисунки. По-долу е даден хронологичен преглед на неговата работа.
Ранен период Работата на Рембранд трябва да се разглежда в контекста на влиянието на италианското изкуство върху холандската живопис. От италианските майстори, холандците бяха особено привлечени от Караваджо, в чиито произведения смелият натурализъм и контрастното моделиране на светлина и сенки изглеждаха предизвикателство за класическото изкуство. Художници като Джерард Тербруген и учителят на Рембранд Питър Ластман са работили в стила на Караваджо, постепенно въвеждайки каравагизма в арсенала на художествените средства на холандската живопис. Картините на Рембранд от Лайденския период (1625-1631) също принадлежат към тази тенденция. В картините Changer (1627, Берлин) и The Scientist в неговото изследване (1629, Лондон, Национална галерия) се проявява интересът на художника към трансфера на светлинни ефекти. Първият от тях изобразява старец с очила на работа, в ъгъл, осеян с книги за броене. Набръчканото му лице е осветено от полумрака на една свещ, която той покрива с ръка. Във втората снимка Рембранд се опита да предаде атмосферата на изпълнен с въздух интериор. Основният обект на изображението е самата стая с висок таван, залят с мека, жива светлина.
По време на кариерата си художникът се насочва към сюжети, в които дълбока житейска драма е съчетана с елементи на фин психологизъм. Картината Вечеря в Емаус (около 1630 г., Париж, музей Jacquemart-André) показва особеностите на картината на Рембранд от този период. Рембранд представи този епизод като театрален мизансцен. Силуетът на Христос се откроява на фона на ослепителна светлина, по-голямата част от платното е потопено в сянка.
Преместването в Амстердам и големите художествени успехи, които последваха, откриха нов период в творчеството на Рембранд; това десетилетие, през което са създадени произведения, пропити с драматизъм и същевременно не лишени от материална чувствителност, отчасти сродни по дух на произведенията на фламандския Питър Пол Рубенс. Първата голяма поръчка, получена от Рембранд в Амстердам, е картината „Анатомия на д-р Тулп“ (1632, Хага, Маурицуис). Това е образ на известен амстердамски лекар и негови колеги от градската гилдия на хирурзите.
Сред картините на исторически сюжети, направени от Рембранд през 1630-те години, „Ослепяването на Самсон“ (1636 г., Франкфурт на Майн, Художествен институт „Щеделев“) е особено драматично. Отражения на светлина, динамични диагонали и живи цветове се използват за повишаване на интензивността на сюжета; картината е изпълнена с рязко бързащо движение.
Хедонизмът и техническата виртуозност, характеризиращи картината на Рембранд през тези години, може би са най-поразително въплътени в Автопортрета със Саския (ок. 1635, Дрезден, Картинна галерия). Тук художникът се изобразява в романтичен костюм на кавалер; с едната ръка вдига чаша бира, а с другата прегръща Саския, която седи в скута му. Яркостта на цветовете и свободата на четката напълно съответстват на настроението на сцената.
Автопортрет със Саския в скута. 1635 g.
До началото на 40-те години животът и артистичната дейност на Рембранд придобиха стабилност и редовност. Автопортрет 1640 (Лондон, Национална галерия), повлиян от произведенията на Рафаел и Тициан, изобразява самоуверен, разумен мъж, облечен в съответствие с италианската мода от 16-ти век, облегнат на балюстрада; раменете му са леко обърнати, погледът му е насочен към зрителя.
Един от най известни картини този период - Нощна стража (1642, Амстердам, Rijksmuseum). Истинското име на произведението е дружината на капитан Франс Банинг Кок и лейтенант Вилем ван Райтенбург. Написано е по повод посещението в Амстердам от френската кралица Мария де Медичи и церемониалното излизане на градските милиции, уредени по този повод. Преобладаващият тъмен фон в картината ви позволява да подчертаете по-добре фигурите на героите. Ето защо през 18 век. картината погрешно е наречена Нощна стража. Подобно на Анатомия на д-р Тулип, тази картина надхвърля традиционния групов портрет. Той изобразява 29 знака, от които 16 са реални исторически фигури; техните движения и местоположение на картината са подчинени на едно общо действие, което се развива пред очите на зрителя. Поляци, банери и мускети стърчат в различни посоки, правейки композицията по-свободна и динамична; усещането се засилва от играта на светлина и сянка.
Нощната стража. 1642 g.
През 1640-те години религиозната живопис на Рембранд става по-малко риторична, смирена и дълбока вътрешна сила, характерна за късната работа на майстора. След Ренесанса събитията от Писанието обикновено се тълкуват по героичен начин и техните герои са надарени с физическа красота. Визията на Рембранд беше в пълен контраст с тази концепция; Христос в своите творби изглежда смирен и кротък, унизен и невидим сред хората.
Стоте гулд листа, гравюра, кръстена на цената, на която е продадена на един от първите търгове, е посветена на темата за християнското смирение. Фигурата на Христос не се откроява от тълпата нито с дрехи, нито със специална позиция, но вниманието на зрителя се насочва към центъра на композицията - лицето на Спасителя с най-фините лъчи божествена светлина, излъчващи се от него. От лявата Му ръка са тези, сломени от слабостта на духа и плътта, богати и бедни, обединени от страдание. Вдясно са фарисеите, невярващите и потопени в безкрайни спорове. Малки деца падат в нозете на Христос. В гравирането на Лист на сто гулдена, при липса на видимо действие, Рембранд съвършено успя да предаде чудото на Божественото присъствие в света на хората.
От началото на 1650-те години портретите на Рембранд стават дълбоко лични, композиции - строги и геометрични в конструкцията, а цветовата гама - огромен спектър от нюанси от три или четири цвята. Изкуството на Рембранд вече не отразява художествените пристрастия на обществеността; художникът вече е зает с изследване на свойствата на технологията живопис с маслени бои... Светогледът на майстора, въплътен в по-късните му творби, толкова високо ценен днес, остава непонятен за съвременниците му.
Рембранд. „Даная“. 1636.
Живопис на човек в позлатен шлем (1651, Берлин - Далем) от работилницата на Рембранд демонстрира черти на характера късен майсторски стил. Лицето на сивокосия войн е потопено в дълбока мека сянка, а отраженията на светлината върху шлема се предават в свободни широки дебели удари. За Рембранд необичаен сюжет понякога може да се превърне в причина за смели артистични експерименти. Пример тук е картината Обелен бик от мърша (1655, Париж, Лувър). Четката възстановява живота на мъртвата плът и красотата на грозотата. Рембранд винаги е избягвал класическата идеализация в изобразяването на човешкото тяло. В картината на Вирсавия (1654, Париж, Лувър) жената, която цар Давид видял да се къпе и се влюбил в необикновената си красота, не е изобразена по време на къпането, толкова често избрана от художниците да разказва тази история, а не изобщо красива. Потънала е в дълбоки мисли и сякаш предвижда смъртта на съпруга си.
В неговия късно творчество Рембранд все повече се обръща към тълкуването на събитията от християнската история. Картината Спускане от кръста (около 1655 г., Вашингтон, Национална галерия) е посветена не само на смъртта на Христос, но и на скръбта на онези, които Го оплакват.
Един от най известни творби религиозна живопис от Рембранд от този период - картина Отричането на Петър (около 1660 г., Амстердам, Рийксмузей). В центъра има млад слуга, който се обръща към Петър и той с жест на протегнатата ръка потвърждава думите му за отказване от Христос. Зоната на преден план е осветена от една свещ, която прислужницата покрива с ръка, техника, която беше много популярна сред караваджистите в началото на века. Меката светлина на свещите симулира формите на фигурите и предметите на преден план. Те са нарисувани с леки щрихи, в кафеникаво-жълтеникава цветова схема с няколко червени акцента. Понякога формите сякаш се разтварят в светлината или се пълнят с нея, като ръката на слуга, блокираща свещ. По лицето на Петър има дълбока тъга. Тук, както в по-късните портрети и автопортрети на художника, Рембранд с ненадминато умение изобразява старостта, с натрупаната през годините мъдрост, слабостта на плътта и силата на духа.
Портретите на Рембранд също стават дълбоко лични с годините. В портрета на поета Ян Сикс (1654, Амстердам, колекция от семейство Шест), изобразеният човек е изобразен в едва видим ъгъл отдолу нагоре; с изключение на фино моделирано лице, портретът се рисува бързо и свободно, с широки щрихи. Цветовата схема е доминирана от искрящо червеното на носа и златото на копчетата на костюма, контрастиращи с различни нюанси на зелено и сиво.
В портрета на Хендрике Стофелс (около 1656 г., Берлин - Далем) фигурата е вписана в рамката на отвора на прозореца и поради големия мащаб, избран от художника, изглежда, че стои много близо до равнината на картината. Погледът на Хендрике е насочен към зрителя, позата й е свободна, главата й е наклонена встрани, а ръцете й лежат много естествено. Цветова гама картината е комбинация от златисти, бели, червени и черни тонове.
Един от най-добрите групови портрети на Рембранд - Синдика (1661-1662, Амстердам, Rijksmuseum). Комисарите на портрета бяха представители на работилницата за плат в Амстердам (синдика). Те са изобразени около маса, върху която лежи книга за броене. Художникът прави зрителя участник в случващото се на картината. Изглежда, че току-що сме прекъснали синдикатите, заети със своите изчисления, и следователно всички те, сякаш се откъсват за момент от работата си, гледат зрителя. В картината преобладават прави линии, но обръщането на масата и сложната игра на светлина омекотяват строгостта на композицията. Петна светлина са разпръснати из платното, оживявайки живописната му повърхност. Тази картина е забележителна както като психологическо изследване, чиято цел е да изобрази хора с различни характери, така и като исторически документ.
Около 1661 г. на Рембранд е наредена една от осемте исторически картини, която трябваше да украси кметството на Амстердам. Огромното платно (първоначални размери 5´5 м) „Конспирацията на Юлий Цивилис“, според различни версии, или никога не е било окачено в кметството, или е заемало отреденото за него място за не повече от две години и след това е заменено с картина от Фурни за същия сюжет. Оцелял е само фрагмент от това произведение на Рембранд, което се намира в Националния музей в Стокхолм. Рембранд изобрази събитието, описано в „Аналите“ на римския историк Тацит (1 век): водачите на племето Батави се кълнат в меч, за да се борят за освобождение от римската власт. За мащаба на това произведение в оригиналния му вид може да се съди по композиционната скица, намираща се в Мюнхен. Това показва, че първоначално масата и хората, събрани около нея, са били показани в пространството на огромна зала, чиято дълбочина е предадена чрез играта на светлината и сянката.
През 17 век. чертежът обикновено служи като предварителна скица за разработване на голяма композиция, скица на отделни детайли на бъдеща картина или се нанася върху картон и след това се пренася върху повърхност, предназначена за рисуване. Много рядко една рисунка се смяташе за цялостно произведение на изкуството; чертежите често се изхвърляха след приключване на проекта. Всяка рисунка на Рембранд е изследване на същността на явленията и опит за улавяне на същността на даден момент или обект. Когато художникът прави скици от произведенията на стари майстори, той не създава копия, а вариации на същата тема, докато решава собствените си художествени проблеми. През 1630-те - 1640-те той рисува, съчетавайки линии с различна дебелина с най-финото засенчване. Понякога неговите рисунки изглеждат бързи скици, където нервната линия почти никога не остава непрекъсната.
Рембранд е първият, който разпознава богатите възможности за офорт в сравнение с гравирането на метал. Такова гравиране се създава чрез надраскване на шаблон върху метална плоча; след това плочата е покрита с боя, която запълва вдлъбнатините, оставени от фрезата, и от нея се отпечатват отпечатъци върху хартия с помощта на преса. Фрезата изисква силен натиск и голямо внимание. Работата по офорт, от друга страна, не изисква много физическа сила, а линиите са по-свободни и по-гъвкави. Вместо да надраска метала с длето, художникът покрива плочата с киселинно устойчив лак и рисува върху нея с игла, след което потапя плочата в киселина и металът се гравира на места, свободни от лак. Офортът дава на художника много повече свобода и той може да рисува с игла като писалка върху хартия. В офортите на Рембранд линиите са толкова свободни и подвижни, колкото в скици на писалки. За да постигне нови изразителни ефекти, той често комбинира различни техники: понякога реже с длето върху дъска, вече гравирана с киселина, понякога гравира със „суха игла“ - инструмент с диамант в края, който оставя канали по метал с прорези, които придават мекота и кадифе на хода на отпечатъка. Например в „Лист от сто гулдена“ художникът е използвал всички тези техники (работата върху тази дъска е отнела няколко години).
Листът „Евангелизиране на овчарите“ (1634) е истинско бароково театрално представление. Рисунката е изпълнена с плътно нанесени кръстосани щрихи, които създават контрасти на светли и тъмни тонове. Пет години по-късно, в Успението на Дева Мария, господството на гъсто засенчени тъмни зони е заменено с преобладаване на светли области и тънки паралелни засенчвания. В офортните три дървета (1643) контрастът на плътно засенчени фрагменти от изображението и бяла хартия е доведен до краен предел; косите успоредни линии срещу небето перфектно предават усещането за лятна гръмотевична буря. Най-драматичното от офортите на Рембранд е листът Трите кръста (около 1650 г.).
Завръщането на блудния син. 1669 г.
Използвани са материалите на енциклопедията „Светът около нас“.
Литература:
Ровински Д. Пълна колекция гравюри на Рембранд, т. 1–4. SPb, 1890
Рембранд. Художествена култура Западна Европа XVII век SPb, М., 1970
Егорова К.С. Рембранд Гарменс ван Рейн. Картини на художника в музеите съветски съюз [Албум]. Л., 1971
Егорова К.С. Портрет в творбата на Рембранд. М., 1975
Прочетете на:
Ирина Ненарокомова. Рембранд... (Детски римски вестник).
Художници (биографична справка).
Прочетете повече в мрежата:
Уебсайт http://rembr.ru/ - относно холандски художник Рембранд Ван Рейн. Галерия с картини, биография на художника, книги и изследвания за живота на Рембранд.
Великият холандец Рембранд Харменсун ван Рейн е роден през 1606 г. в град Лайден. След като учи като чирак, на 19-годишна възраст започва да работи като независим художник.
В първите му библейски композиции се забелязва влиянието на италианския барок: в острите контрасти на светлината на светлината и динамиката на композицията. Но скоро Рембранд намира свой собствен стил в използването на светлината на света, за да изразява емоции в портрети.
През 1632 г. художникът се премества в Амстердам и се жени за богата жена патриций. През този период той беше особено успешен, известен и щастлив. А неговите творби са наситени с наситени цветове и дишат радост. Рисува големи религиозни композиции, много портрети и автопортрети с любимата си съпруга.
Особено Рембранд се прочу като портретен художник, след като през кариерата си е нарисувал над сто портрета и десетки автопортрети. Именно в изобразяването на себе си художникът смело експериментира в търсене на специална изразителност на лицето.
Рембранд е първият, който решава проблема със скучните групови портрети, като комбинира изобразените хора с общо действие, което придава на лицата и фигурите естествена лекота.
Художникът прослави груповия портрет, озаглавен „Урокът по анатомия на доктор Тулпа“ (1632), който изобразява дори редове помпозни лица, а героите на завладяваща история, сякаш уловени от художника в разгара на действието.
Изследователите вярват, че короната на таланта на Рембранд като художник на портрети е "Нощна стража" (1642) - персонализиран портрет на стрелковото общество. Клиентите обаче не приеха картината, отхвърляйки иновативната идея, където вместо подредени стрелци беше изобразена героична композиция на тема освободителната борба. За стрелците, сред които имаше благородници, тези изображения изглеждаха чужди и политически ненавременни.
Това отхвърляне е първият трагичен акорд в живота на художника. И когато любимата му съпруга почина, работата на Рембранд загуби радостните си нотки. 1640-те години се превръщат в период на спокойни библейски мотиви, където художникът все по-фино разкрива нюансите на емоционалните преживявания на героите. В неговите графики светлината на светлината на светлината играе още по-грациозно, създавайки драматична атмосфера.
В Даная (1647) художникът разкрива естетическите си възгледи за женската красота, предизвиквайки Ренесанса. Голата му Даная очевидно е далеч от класическите идеали, но чувствена и топла, като жива жена.
Периодът на творческа зрялост на Рембранд пада през 1650-те - време на трудни житейски изпитания. Имуществото му е продадено на търг за дългове, но художникът на практика не изпълнява поръчки. Рисува портрети на близки, обикновените хора и стари хора. С помощта на петна от разсеяна светлина, специално внимание на художника беше насочено към лица с богати, но фини емоции и преуморени ръце.
Рембранд тълкува библейските образи по свой собствен начин, ясно „основавайки“ религиозните легенди, лишавайки ги от отвъдното. Често лицата на светците той придаваше черти конкретни хоракойто позира за своите картини.
До средата на 1650-те години художникът се е превърнал в истински майстор, умело завладяващ светлината и цвета за емоционалната изразителност на образите. Но той изживя живота си в бедност и самота, след като погреба втората си съпруга и син. Последните творби на художника са посветени на размишляването върху сблъсъка през човешка душа злото с доброто. Финалният акорд е главният шедьовър на майстора - Завръщането на блудния син, написан през 1669 г., годината на смъртта на художника. Разкаял се син на колене изрази цялата трагедия житейски път човек, а в образа на баща можете да видите самата любов и безкрайна прошка.
Приписването на картините на Рембранд е залепено според последното изследване на група от реномирани учени върху неговата работа и се актуализира в хода на изследванията, които се провеждат в момента. " Изследователски проект Рембранд "е основана през 1968 г. и си е поставила за цел да провери автентичността и собствеността на четката на майстора въз основа на подробно проучване на всяка с използване на най-новата история на изкуството и технически постижения в тази област.
Оформление на албума и превод - Константин (koschey)
Биография:
Роден в холандския град Лайден през 1606 г. на 15 юли. Бащата на Рембранд беше заможен мелничар, майка му се печеше добре, беше дъщеря на пекар. Фамилията "ван Рейн" буквално означава "от Рейн", тоест от река Рейн, където прадедите на Рембранд са имали мелници. От 10-те деца в семейството, Рембранд е най-малкият. Други деца тръгнаха по стъпките на родителите си, а Рембранд избра различен път - артистичен и получи образование в латинско училище.
На 13-годишна възраст Рембранд започва да учи рисуване и също постъпва в градския университет. Тогава възрастта не притесняваше никого, основното по онова време беше знанието на ниво. Много учени предполагат, че Рембранд е постъпил в университета не за да учи, а за да получи отсрочка от армията.
Първият учител на Рембранд е Якоб ван Суаненбюрх... Бъдещият художник прекара около три години в ателието си, след което се премести в Амстердам, за да учи при Питър Ластман. От 1625 до 1626г Рембранд се завръща в родния си град и се запознава с художници и някои от учениците на Ластман.
Въпреки това, след дълги размишления, Рембранд реши, че кариерата на художник трябва да се направи в столицата на Холандия, и отново се премести в Амстердам.
През 1634 г. Рембранд се жени за Саския... По време на брака всички са били в добро състояние (Рембранд е рисувал картини, а родителите на Саския са оставили впечатляващо наследство). Така че това не беше брак по удобство. Те наистина се обичаха скъпо и страстно.
През 1635 - 1640-те. Съпругата на Рембранд роди три деца, но всички те починаха като новородени. През 1641 г. Саския ражда син на име Тит. Детето оцеля, но за съжаление самата майка почина на 29-годишна възраст.
След смъртта на съпругата му Рембранд не беше себе си, не знаеше какво да прави и намираше утеха в рисуването. През годината, когато жена му почина, той завърши рисуването на „Нощната стража“. Младият баща не можел да се справи с Тит и затова наел детегледачка за детето - Гертие Диркс, която му станала любовница. Минаха около 2 години и бавачката в къщата се промени. Тя стана младо момиче Hendrickje Stoffels... Какво се случи с Гертие Диеркс? Тя съди Рембранд, вярвайки, че той е нарушил предбрачното споразумение, но тя губи спора и е изпратена в поправителен дом, където прекарва 5 години. Освободена, тя умира година по-късно.
Новата бавачка Хендрике Стофелс роди две деца на Рембранд. Първото им дете, момче, почина в ранна детска възраст, а дъщеря им Карнелия, единствената, оцеляла след баща си.
Малко хора знаят това Рембранд имаше много особена колекция, която включваше картини на италиански художници, различни рисунки, щампи, различни бюстове и дори оръжия.
Залезът на живота на Рембранд
Нещата вървяха зле за Рембранд. Нямаше достатъчно пари, броят на поръчките намаля. Затова художникът продаде част от колекцията си, но и това не го спаси. Той беше на път да влезе в затвора, но съдът беше в негова полза, така че му беше позволено да продаде цялото си имущество и да изплати дълговете си. Дори известно време живеел в къща, която вече не му принадлежала.
Междувременно Тит и майка му създават фирма, която търгува с предмети на изкуството, за да помогне по някакъв начин на Рембранд. В действителност, до края на живота си художникът никога не е платил на мнозина, но това не разваля репутацията на Рембранд, той остава достоен човек в очите на хората.
Смъртта на Рембранд беше много тъжна. През 1663 г. умира любимецът на художника Хендрике. Известно време по-късно Рембранд погребва сина си Тит и булката си. През 1669 г., на 4 октомври, самият той напуска този свят, но оставя своя отпечатък завинаги в сърцата на хората, които го обичат.
Завръщане на блудния син, 1669 г. Масло върху платно, 262х206.
Може би никоя друга картина на Рембранд не вдъхновява такива възвишени чувства като тази картина. Сюжетът е взет от Новия Завет. Исус разказва притчата за син, който получава своя дял от имуществото си от баща си и го разпръсква от другата страна, живеейки разпуснато. Когато, събирайки смелост, се връща у дома, баща му веднага му прощава и приема с радост. Религиозният смисъл на притчата е следният: без значение как човек съгрешава, покаянието винаги ще бъде възнаградено с радостно прощение. Тук Рембранд очевидно се е ангажирал да изследва универсалното човешко значение на притчата. Късо подстриганата коса на главата на блудния син и изтърканите дрехи говорят сами за себе си, а яката запазва нотка за бивш лукс. Обувките му бяха износени, той пусна една, коленичи пред баща си. Бащата притиска сина си до гърдите му, прощавайки му. Характерно е, че Рембранд избягва конфликта на притчата: той говори за ревността на послушен син, въпреки че, може би, той стои в сянка зад баща си.
Свето семейство и ангели, 1645 г. Масло върху платно, 117x91.
Държавен Ермитаж, Санкт Петербург
Тази картина, пропита с удивителна нежност, потвърждава дарбата на Рембранд да смеси божественото и земното до такава степен, че вече не е възможно да се направи граница между тях. Богородица прекъсна четенето, за да оправи завесата на Бебето или може би да покрие лицето Му от ярката светлина, предназначена да подчертае Неговото величие. Изпълнена с нежност, Мария се наведе над Исус, с истинска майчина грижа, за пореден път провери дали всичко е наред с детето. Бебето спи спокойно в плетена люлка, без да знае какво се случва наоколо. На заден план съпругът на Мери Джоузеф е дърводелец. Майка, дете, дори люлка - чисто холандски видове от 17 век. Това може би е всяко обикновено семейство, ако не и ангелите-деца, летящи от небето.
Завръщането на блудния син. Подробности, 1669.
Масло върху платно, 262x206. Държавен Ермитаж, Санкт Петербург
Отвличането на Ганимед, 1635 г. Маслени бои върху платно, 171x130.
Дрезден Художествена галерия, Дрезден
Софониба взема купа с отрова, 1634.
Масло върху платно, 142x152. Музей Прадо, Мадрид, Испания
Величествената фигура на тази снимка много напомня на Саския, въпреки че историята на Софониба не съвсем пасва на младата съпруга. Софониба, дъщеря на картагенския командир Хасдрубал, живее по времето, когато Картаген води ожесточена война с Рим. За да затвърди съюза с нумидианците, Хасдрубал оженил дъщеря си за краля на Сифакс, но това било победено от съюзника на римляните Масиниса, който веднага искал да вземе кралицата за своя съпруга. Когато римляните му забраняват този брак, той спасява Софониба от по-нататъшно унижение, като изпраща купа с отрова, която кралицата изпива без колебание. Рембранд може да не е приел това сериозно романтична история, но картината наистина изобразява решаващ момент и умишлено действие, като в някои отношения е сравнима с по-известната и по-малко театрална "Вирсавия"
Вирсавия, 1654. Маслени бои върху платно, 142х142.
Лувър, Париж, Франция
Написано, когато художникът беше в разцвета си. Много експерти смятат, че тази картина е най-великото от всички творения на Рембранд. Счита се за изобразената красавица Вирсавия, която цар Давид видя и пожела. Тя му се отдаде и зачена. Последвалите усложнения завършиха с убийството на съпруга на Вирсавия, когото Давид изпрати на сигурна смърт. Историята е неприятна и коментаторите изразяват по различен начин чувствата на Вирсавия. Но, както често се случва с картините на Рембранд, вероятно е грешка да навлизаме в тънкостите на интерпретацията. Може би е достатъчно да се каже, че Вирсавия траурно съзерцава съдбата си. Композицията до голяма степен повтаря античния релеф, който изобразява булка, подготвяща се за сватбата. Рембранд рисува Вирсавия гол и придава на картината подчертана емоционалност. Моделът за Батшеба вероятно е била приятелката на Рембранд Хендрике Стофелс.
Симеон в храма, 1669 г. Масло върху платно, 98x79.
Стокхолм, Национален музей
Въпреки че тази поръчана работа започва през 1661 г., тя лежи недовършена в работилницата на Рембранд до смъртта му през 1669 г. Картината е написана върху сюжета на сбъднато пророчество. На старейшина Симеон било предсказано, че „няма да види смърт, докато не види Христос. За Господа. " И най-накрая го срещна, когато Мария и Йосиф доведоха Исус в храма. Рембранд вече е създал великолепна персонализирана версия по тази тема (1631). Там действието се развива под високите сводове на храма, а самата работа се извършва по подробен начин, типичен за периода на младостта, успеха и славата. Тук свободният начин на писане през последните години е особено забележим, тъй като работата не е завършена, макар че това едва ли е съществено: всичко е съсредоточено върху момента, в който полуслепият старец разклаща повитото бебе в ръцете си - сцена пълна на безкрайна нежност.
Давид и Урия, 1665 г. Масло върху платно, 127х117.
Държавен Ермитаж, Санкт Петербург
Нито датата на писане, нито сюжетът на тази красива картина, пропита с настроение, не са известни точно, което стана причина за различни предположения. Според една от версиите тази работа е свързана с „Артаксеркс, Аман и Естер“. Смята се, че това изобразява отстраняването на Хаман от бизнеса или момента, в който той получава разрешение от царя да унищожи всички евреи. Този аргумент се подкрепя от доказателства, че и двете картини са сцени от пиеса, поставена през 1659 г., а не базирани директно на библейски източник. Тук със сигурност има нещо театрално, но освен несъответствията в детайлите, предполагаемите сюжети не съответстват на настроението на скрита тъга, което вдъхновява картината. Следователно е легитимно да се върнете към старата версия. В този случай фигурата в червено е съпругът на прелъстената Вирсавия Урия, когото Давид, разтревожен от разкаяние, изпраща на сигурна смърт.
Слизане от кръста. 1634. Масло върху платно, 158х117.
Държавен Ермитаж, Санкт Петербург
Слизането от кръста е често срещан сюжет в европейска живопис... Според преданието сред присъстващите са изобразени Богородица, няколко ученици на Исус и Йосиф от Ариматея. През 30-те години Рембранд рисува редица картини на тема Страстите Господни, включително „Въздвижението на кръста“ и „Слизане от кръста“ за щатхолдера на Холандия от Фредерик Хендрик. Размерите на тази картина са по-големи, тоновете са по-богати. Написана е няколко месеца по-късно и се съхранява от самия художник до 1656 г., когато фалира. Счупената фигура на Христос е залята от ярка светлина, Богородица е загубила сетивата си, на земята са разположени луксозни чаршафи, в които Той ще лежи, докато не възкръсне.
Жертвата на Авраам, 1635.
Маслени бои върху платно, 193х133. Държавен Ермитаж, Санкт Петербург
Това е един от най-драматичните моменти в Стария Завет. По заповед отгоре Авраам е готов да принесе единствения си син Исаак в жертва на Бог и вече е вдигнал нож над него, обвързан, за да го намушка за всеизгаряне. На картината Исак лежи на олтара на върха на дървото. В Свещеното писание ангелът Господен извиква Авраам, който е преминал изпитанието за послушание към Бога, и му казва да спре. Рембранд засилва драмата на случващото се: на снимката ангел хваща Абрахам за четката и ножът пада. Сцената печели с убедителност и защото голямата ръка на Авраам покрива лицето на сина му, главата на Исак е отхвърлена назад и изглежда, че нож е на път да потъне в гърлото му. Друга версия на тази тема се съхранява в Мюнхен, но може да е принадлежала на четката на Рембранд само частично.
Празникът на Валтасар. 1635. Масло върху платно, 168х209.
Лондон национална галерия
Големи платна с театрални ефекти са били популярни в Холандия по време на живота на Рембранд. Празникът на Белсазар демонстрира майсторската интерпретация на художника на подобни теми. Вавилонският цар Валтасар е описан в старозаветната книга на пророк Даниил. На многолюден празник той заповяда да донесе златни и сребърни ястия, които баща му Навуходоносор взе от светилището на Йерусалимския храм. Царят заповядал да напълни съдовете с вино за своите благородници, съпруги и наложници. Когато това богохулство се случи, внезапно се появи мистериозна ръка и написа на стената странни думи: „Мене, Мене, Текел, Упарсин“. Даниил казал на царя, че имали предвид неговата гибел; прогнозата се сбъдна същата нощ. В картината на Рембранд се изучават удивлението и страхът, засилени от виното, изливащо се от свещените съдове, което също е символично. Изненадващ е надписът, направен на иврит, чиято специална подредба на буквите ни кара да си припомним съседа на Рембранд, евреина Манасе бен Израел, с когото, както знаете, художникът поддържа връзки.
Сузана и старейшините, 1647 г. Махагон, масло, 77х93.
Музей Staatlich, Берлин, Германия
Историята на Сузана се връща към апокрифите, колекция от библейски писания, чиято автентичност отдавна е поставена под съмнение. Това обаче не попречи на художниците - католици и протестанти - да създават картини на тази тема, пълни с драматизъм и еротичен чар. Когато Сузана отиде до басейна в градината си, двама старейшини излизат от скривалището и започват да я убеждават да съгреши, заплашвайки, че ако тя не споделя леглото с тях, те ще свидетелстват фалшиво, че е извършила прелюбодеяние с друг човек. Сузана отказва и старейшините получават заповед да я вземат под стража, но намесата на пророк Даниил спасява добродетелната красота. Рембранд започва тази картина в средата на 30-те години, но тя е продадена едва през 1647 година. Сузана, напразно опитваща се да прикрие голотата си, е повече ядосана, отколкото уплашена, но старейшината, откъсвайки воала от нея, изумява с точността на наблюдението. Изхвърлените на брега сандали изглежда са красноречиви еротични символи на холандски изкуство XVII век.
Свети Матей и ангелът, 1661.
Масло върху платно, 96x81. Лувър, Париж
Един от поредицата портрети на апостолите, рисувани в началото на 60-те години. За разлика от други, еднофигурни портрети тук, зад апостола е изобразен ангел, вдъхновяващ Матей да напише Евангелието. Ангелът много напомня на Тит, който може да е бил модел за него, но очевидно апостолът не е Рембранд на външен вид. В допълнение към религиозното значение, картината забележително предава контраста между младостта и старостта, въпреки че ролите са противоположни в дизайна. Ангелски младеж, спокоен, самоуверен, утешава Матей, като поставя ръка на рамото на стареца. Свети Матей е потънал в мисли, ръката му с подути вени дърпа брадата му. Книгата едва ли е точно възпроизвеждане на древен ръкопис, но е майсторски написана.
Архангел напуска семейство Тобиас, 1637.
Дърво, масло, 66x52. Лувър, Париж
Христос и жената, осъдени за прелюбодейство, 1644 г.
Масло върху дърво, 84x66. Национална галерия в Лондон
Тази грандиозна творба създава впечатление за декорация и вероятно е написана по искане на богат клиент. Централната група е изобразена с перфектна завършеност, подробно, от която Рембранд постепенно се отклонява през 40-те години. Пищната червена и златна украса наподобява бароков дворец в блясъка си, въпреки че в действителност това е Йерусалимски храм. Книжниците и фарисеите доведоха при Исус жена, която беше взета в прелюбодейство. Надявайки се да хванат Исус, те попитали дали такъв камък трябва да се камъне, както е предписано в закона на Мойсей. Исус отговори: „Който е без грях, нека пръв хвърли камък по нея“. Срамните обвинители се оттеглиха и Исус каза на жената да отиде и да не съгрешава повече. Картината е изградена върху драматични контрасти: Исус и учениците му, облечени в прости кафяви одежди, очарователен, засрамен грешник, книжници и фарисеи в луксозни дрехи.
Самсон и Далила, 1628 г. Дъб, масло, 61х50.
Музей Staatlich, Берлин
Христос в Емаус, 1648 г.
Масло върху платно, 42х60. Лувър, Париж
Един от любимите теми на Рембранд, базиран на епизод от Евангелието на Лука. След като Исус бил разпнат, двама от учениците му отишли \u200b\u200bв Емаус, село близо до Йерусалим. Един непознат се приближи до тях, отиде с тях, изложи Писанията докрай и сподели с тях храна в къщата, където бяха дошли. Когато той счупи хляба и им ги даде, очите им се отвориха и те разпознаха Исус, който беше възкръснал от мъртвите, но Той веднага стана невидим за тях. В ранна версия на тази картина (около 1629 г.) Рембранд изобразява драматично момента на откровението: силуетът на Исус и учениците, сякаш ударен от мълния. Той също така подчертава естествеността, хуманността на случващото се: само слаб ореол над главата на Исус и ентусиазиран поглед нагоре показват Неговата божественост, която, очевидно, момчето-слуга не забелязва.
Неверието на апостол Тома, 1634 г. Масло върху дърво, 53x51.
Музей на изящните изкуства на името на Пушкин, Москва
Свети Тома, един от дванадесетте ученици на Христос, се споменава няколко пъти в Новия Завет. Рембранд изобрази известен епизод от Евангелието на Йоан. След като бил свален от кръста, Исус се явил на учениците и показал раните си. Тома не беше там и когато другите ученици му разказаха за това, което са видели, Томас отказа да им повярва, казвайки: „Ако не видя раните Му от нокти на ръцете си и не сложа пръста си в раните от ноктите, и сложих ръката си в ребрата Му, няма да повярвам. " Осем дни по-късно, според Йоан, Исус отново се явил на учениците и казал на Тома да докосне раните му. Неубеденият Тома разпозна в Исус Господ Бог. Рембранд изобрази нощна сцена: сиянието, излъчвано от Исус, изглежда е единственият източник на светлина, от който вярващият Тома се отдалечава смутено.
Моисей със скрижалите на закона, 1659.
Маслени бои върху платно, 169х137. Музей Staatlich, Берлин
Законодателят Мойсей току-що беше слязъл от планината Синай с две каменни плочи, „върху които беше написано от Божия пръст“ Десетте заповеди. Това несъмнено е тържествено събитие, но е трудно да бъдем сигурни дали това е момент на триумф или гняв, когато Моисей, виждайки, че децата на Израел се покланят на златното теле, хвърля плочите от ръцете му и ги счупва под планината. Тази картина може да е поръчана за ръководител на някаква гилдия и е предназначена да украси камината в кметството на Амстердам.
Йосиф, който улови съпругата на Потифар, 1655 г. Маслени бои върху платно, 106x98.
Национална художествена галерия, Вашингтон
Рембранд Харменсън ван Рейн. Портрет на старец в червено, 1654 г.
Маслени бои върху платно, 108x86. Ермитаж, Санкт Петербург
Портрет на Саския като Флора, 1634. Масло върху платно, 125x101. Ермитаж, Санкт Петербург
Този очарователен портрет на младата Саския е нарисуван в годината, в която се омъжва за Рембранд. Замисленото, но несъмнено щастливо лице на момичето съвсем съответства на чувствата на булката. Шапката и пръчката, преплетени с цветя, несъмнено показват Флора, древната римска богиня на пролетта. Облеклото на богинята е написано с невероятно умение, но истинското величие на таланта на Рембранд се проявява в израза на нежност, който художникът е дал на лицето си. Година по-късно той отново рисува Саския под формата на Флора - също известна творба, въпреки че рентгеновата снимка показва, че първоначално той възнамерява да я изобрази като библейската Джудит с отсечената глава на Олоферн, която тя държи в скута си .
Портрет възрастна жена, 1654. Масло върху платно, 109x84. Ермитаж, Санкт Петербург
Портрет на Ян Sixx, 1654. Маслени бои върху платно, 112x102. Амстердам, колекция Six
Вероятно най-доброто от портретите на Рембранд. Това е прекрасна комбинация от прецизност и проницателност. Някои от детайлите на портрета са изписани внимателно, докато други са смело маркирани, сякаш мимоходом. Бутоните на кафтана и златната бродерия на луксозното червено наметало заслужават внимание, но погледът неволно се спира на ръцете, нарисувани с енергични удари; Sixx бавно дърпа ръкавица - колко движение художникът внася в това! Лицето също привлича вниманието, особено погледът, потопен в себе си, което не съвсем съответства на светския облик на Шест. Клиентът спомена този портрет в своя дневник: „Имах такова лице, Ян Шест, който се покланяше на музи от детството си“. Сикс е писал поезия и е колекционирал изкуство, но е бил и богат, находчив търговец. До средата на 50-те години Рембранд изпълнява много поръчки за него.
Еврейска булка, 1665 г. Маслени бои върху платно, 122x164. Музей Рикс, Амстердам
Общото наименование „Еврейската булка“ се основава на стара, вече отхвърлена интерпретация, датираща от 19 век. С почти сигурност може да се каже, че жената в никакъв случай не е булка или евреин, освен че е изобразена във въображаем, псевдобиблейски стил, характерен за историческите картини на Рембранд. Художникът поддържа връзки с еврейската общност в Амстердам, често рисува портрети на евреи, което кара изследователите да правят редица необосновани предположения. Следните версии вече са популярни (общо бяха около 12): преди нас театрална сцена или епизод от Библията, а сюжетът е следният: Исак, живеещ с филистимците, публично нарича жена си Ревека сестра си и се осмелява да я прегърне само в моменти на усамотение. Това, което е наистина важно: тези две са свързани дълбока любов... Картината е един от шедьоврите от късния период на Рембранд, характеризиращ се с червени и златистокафяви тонове. Дрехите на места са боядисани с бързи щрихи, тоновете достигат светеща наситеност, изненадващо топъл цвят и в същото време не са самодостатъчни, което само засилва емоционалността на сцената.
Нощна стража, 1642. Масло върху платно, 363x437. Музей Рикс, Амстердам
Тази най-известна картина на Рембранд през последните два века е известна като „Нощна стража“. Съвременен анализ слоеве боя разкриха, че първоначално това е била дневна сцена, но името вече е станало познато и не може да бъде променено. На снимката гилдията на местните стрелци действа под ръководството на капитан Франс Банинг Кок (в черни дрехи). В продължение на няколко десетилетия преди, стрелците-охрана съставляваха значителен отряд доброволци, които помагаха в защитата на страната от заплахата от испанско нашествие, но през 40-те години много се промени: сега почтените заможни жители на града се обединиха в стрелкови общества. Художникът въвежда елемент на героизъм в изобразеното, сякаш съживява бившия патриотизъм. Предава се атмосферата на такива шествия с развяващи се знамена, барабани, зареждане на мускети. „Нощна стража“ - групов портрет, платен от всички изобразени стрелци, но Рембранд го е променил: той е въвел случайни наблюдатели, които не са му платили нищо; В резултат на това портретът се превърна в многоцветна сцена на улично събиране-тълпа с объркано движение и своеобразно осветление Картината е изрязана отстрани, особено вляво, което донякъде нарушава композицията
Семеен портрет, 1666-68 г. Масло върху платно, 126x167. Музей на херцог Антон Улрих, Брауншвайг
Портрет на синдика на работилницата на платнопроизводителите, 1662. Масло върху платно, 192х279. Музей Рикс, Амстердам
Картината е известна под имената: „Синдикс“, „Старейшини от магазина за платове“; и двете не са напълно точни и са свързани с институция под гилдията на производителите на платове, предназначена да взема проби от тъкани и да проверява тяхното качество. Това е последният групов портрет, създаден от Рембранд. Особено, изразено настроение се постига от факта, че служителите ни гледат директно отвисоко, а зрителят има чувството, че ще бъде разпитван и обвинен в нещо. Всъщност тази гледна точка вероятно е била одобрена от самия клиент, тъй като картината е трябвало да виси над камината в основната сграда на гилдията, заедно с по-ранните групови портрети. Традиционно те изобразяваха петима седнали служители и слуга, застанал отзад. Рембранд съживи композицията чрез промяна на традициите: един служител става от мястото си, сякаш дава знак, че срещата е приключила.
Автопортрет със Саския на колене, 1635 г.
Маслени бои върху платно, 161х131. Дрезденска галерия
Весел господин с момиче на колене държи чаша в ръка. На празничната трапеза има паун с паун. Празниците седяха с гръб към публиката, сега те обърнаха лица, за да пият за нашето здраве. Изненадващо, много малко се знае със сигурност за тази работа. Безспорно, по-специално, авторството на Рембранд, има информация, че той го е държал у дома, без да иска да продава, защото, може би, картината е била скъпа за него. Често я наричат \u200b\u200b„Автопортрет със Саския на колене“. Може би двойката организира маскарад за забавление, следвайки модата за сцени от съдебния живот или може би прославяйки богатството си. Има обаче и друга версия: на картината се предполага, че блудният син пропилява наследството. В този случай, гледайки смешната сцена, трудно можем да предположим как ще завърши тази история (вижте снимката за Завръщането на блудния син)
Портрет на Николас Ван Бамбек. 1641.
Масло върху платно, 106x84. Кралски музей Изобразително изкуство, Брюксел
Никълъс Ван Бамбек сам е бил художник, но както тъжно каза един от приятелите му, богато наследство притъпяваше амбицията му и в крайна сметка той не успя да очаква. Никълъс обаче покровителства Рембранд, закупува от него Научен спор и плаща, за да позира за неговия портрет. Ван Бамбек и неговият приятел, секретар на Държавния съвет, Мауриц Хагенс, очевидно поръчаха своите портрети на Рембранд в Хага. Приятели решиха: ако някой от тях умре, портретът му трябва да отиде при оцелелия и през 1641 г., след смъртта на Бамбек, картината е наследена от Хагенс. В портрет, изпълнен с доброта и състрадание, де Гейн изглежда като уверен, горд човек. Меката дифузна светлина благоприятно подчертава неговата фигура и текстура на бялата яка и ръкавите на роклята. Независимо от това, друг покровител на Рембранд, братът на Мауриц Константин Хагенс, пише най-малко осем стихотворни реда, в които се оплаква, че портретът няма нищо общо с оригинала.
Фредерик Ришел на кон, 1663.
Масло върху платно, 282x248. Лондонска национална галерия
Баня, 1654 г. Масло върху дърво, 62х47.
Национална галерия, Лондон
Сравнение с Вирсавия, което е написано по едно и също време и почти сигурно изобразява същия модел - Hendrickje Stoffels, неволно се внушава. Дори „Сузана“ се помни с асоциации с къпане, но този вид връзка може само да означава, че Рембранд е бил пристрастен към подобни теми и е намирал в тях претекст за изразяване на еротика. Въпреки че изобразената може, както и не може да бъде наречена библейски исторически персонаж, тя със сигурност не е от общия клас, съдейки по луксозната рокля, лежаща на брега. Очевидно това е скица. Беше нарисуван с прибързани, повърхностни щрихи, които се виждат дори в образа на краката, но преди всичко на ризата. Рембранд обаче трябва да се гордее с това произведение, тъй като е подписано и датирано.
Хендрике Стофелс на прозореца, 1656 г.
Масло върху платно, 86х65. Музей Щатлих, Берлин
Възрастен мъж с кожена шапка, 1630 г. Масло върху дърво, 22х18.
Национален тиролски музей Ferdinandeum, Инсбрук
Портрет на млада Саския, 1633 г.
Дъб, масло, 53х45. Национална галерия в Дрезден
Четене на Тит, син на художник, 1657 г.
Маслени бои върху платно, 71x64. Исторически кабинет на любопитствата, Виена
Тит, роден през 1641 г., е единственото дете на Рембранд и Саския, което не е умряло в ранна детска възраст. Тук той е на не повече от петнадесет години; всички портрети на Рембранд на сина му, изпълнени с нежна любов, показват приветливата кротка нагласа на момчето. Тит изиграва важна роля в живота на художника, като е наследник на богатството на Саския, с което Рембранд е трябвало да се разпорежда само временно, както и адвокат на баща си. През 1660 г. Тит и Хендрике създават компания, която включва Рембранд. Това беше направено, за да се предотврати попадането на приходите на художника в ръцете на кредитори. След смъртта на Хендрике Тит продължава да води делата на баща си. През 1665 г. той навърши пълнолетие и ако по закон той започна да се разпорежда с парите на Саския, то несъмнено той беше финансовата подкрепа в семейството. През февруари 1668 г. Тит се жени, но умира седем месеца по-късно на двадесет и шест години.
Портрет на Тит, син на Рембранд, 1657 г.
Масло върху платно, 69x57. Лондон, колекция Уолъс
Аристотел с бюст на Омир, 1653.
Маслени бои върху платно, 144х137. Музей на изкуствата Метрополитън, Ню Йорк
Мъж в златен шлем, 1650г.
Масло върху платно, 68х51. Музей Statlich, Берлин
Няма какво да се каже за този военен, но картината винаги е била популярна. Това, което отчасти обяснява нейния чар, е контрастът на полирания нагръдник на кирасата, великолепната работна каска (разбира се, церемониална, а не бойна) и мрачно-меланхоличното изражение на лицето й. Този контраст е често срещан в автопортретите на Рембранд; може би затова те започнаха да вярват, че тук е изобразен братът на художника. Всъщност много власти отказаха да признаят авторството на Рембранд; съмненията им бяха потвърдени от изследвания по Програмата за научни изследвания на Рембранд, финансирана от холандското правителство. „Старецът в каска“ е само една от „жертвите“ на Програмата, която приписва много от творбите на учениците и последователите на Рембранд.
Самоубийство на Лукреция, 1666 г. Масло върху платно, 105x93.
Институт по изкуствата, Минеаполис
Самоубийството на Лукреция се споменава в древноримската легенда за причините за падането на монархията и създаването на републиката. Позорна от сина на римския император Тарквиния, Лукреция разказва на съпруга си за срама си. Призовава за отмъщение и след това полага ръце върху себе си. Този сюжет често се използва от художници и писатели. В края на 16 век, преди да стане известен в театъра, Шекспир написва великото стихотворение „Обезчестената Аукреция“. Четките на Рембранд принадлежат към две картини на тази тема. В началото (1664) Лукреция държи нож, подготвяйки се да умре. Тук тя вече си е нанесла смъртна рана, както се вижда от разнасящото се петно \u200b\u200bот кръв върху тънка риза. Тя все още се държи изправена, за момент стиснала се, търсейки подкрепа, за лентата на камбаната - полезна находка, която позволява на модела да държи ръката й в повдигната позиция за дълго време, но смъртната бледност на лицето й показва че краят е близо.
Портрет на Хендрике Стофелс, 1659.
Масло върху платно, 68х80. Национална галерия в Лондон
Учител, 1631. Масло върху платно, 105x91.
Ермитаж, Санкт Петербург
Полски конник, 1655 г.
Масло върху платно, 115x135. Frick Collection, Ню Йорк
Мистериозната, романтична фигура на младия конник предизвика повече противоречия от която и да е друга картина на Рембранд, чието противоречиво авторство е само една от неяснотите, свързани с тази работа. Шапката и кафтанът с козина изглеждат източноевропейски, но може би това е просто поредната екскурзия в театралния маскарад. Ако е така, тогава картината е свързана с Полша не в сюжета, а само защото по-късно е придобита от поляците. От друга страна, интригуващ факт: през 1654 г. в Амстердам е отпечатана брошура, озаглавена „Полският конник“ в защита на радикалната социалистическа секта. Има достатъчно доказателства, че Рембранд понякога е бил съпричастен към сектантството. Друга загадка: много неубедителен кон. Тя може да бъде решена чрез приписване на авторството на картината на някой ученик на Рембранд, например Уилям Дрост. Така Комисията на програмата реши, но нейните изследвания предизвикаха критики и през 1993 г. програмата спря да работи.
Урок по анатомия от д-р Никола Тулпе, 1632.
Масло върху платно, 170x217. Морис Хаус, Хага
Рембранд тази картина, въз основа на лекция, която той изнесе през януари 1632 година години д-р Никола Лале. Въпреки че художникът се е преместил в Амстердам малко преди това, той вече е доказал, че може да се справи чудесно, нарисува няколко великолепни портрета, след което е поръчан за урок по анатомия. Може би решаващата роля е изиграна от покровителството на Хендрик ван Айленбюрх, при когото Рембранд е отседнал. В миналото Айленбюрх успешно търгува с картини, покровителствайки и създавайки име за млади художници. Рембранд става последният му протеже. Холандското училище се слави с групови портрети и това беше предназначено за подарък на д-р Тулпе, а колегите му очакваха да се появят на снимката в най-благоприятната светлина. Художникът се справи блестящо с тази задача: той предаде индивидуалността на всеки и комбинира композицията: Лале чете лекция, а публиката наднича с професионален интерес към трупа на екзекутирания престъпник. Благодарение на урока по анатомия Рембранд веднага стана известен.
Портрет на Саския в великолепна рокля, 1642 г.
Масло върху платно, 100х79. Касел, музей Staatlich
Автопортрет от Рембранд, 1661. Масло върху платно, 114x91.
Kenwood House, Лондон, английско наследство
Рембранд взе за правило да пише автопортрети, но рядко се изобразява на работа. Всъщност това е вторият от поредица автопортрети, на които той се появява с статив, четки и бормашина, използвани от художниците като опора за ръката му. Светлината във фонов режим е необичайна техника, необходима на зрителя, за да види извитите линии на стената зад портретираното лице. В това отношение са предложени много обяснения; В днешно време версията е популярна: тези редове са връзка с творчеството на такива легендарни художници като Апелес и Джото, които демонстрират своите умения, като нарисуват една безупречно правилна линия или кръг. Ако това обяснение е вярно, автопортретът отстоява правото на художника да бъде считан за истинския господар на своето време.
Автопортрет на художника на статива, 1660.
Маслени бои върху платно, 111x90. Лувър, Париж, Франция
Автопортрет от Рембранд, 1659. Масло върху платно, 85x66.
Национална художествена галерия, Вашингтон, САЩ
Автопортрет от Рембранд, 1669. Масло върху платно, 86х71.
Национална галерия в Лондон, Великобритания
Подобно на автопортрета в образа на Зевкис, и този е нарисуван през последната година от живота му. Вярно е, че този път изобщо няма черен хумор и няма открити намеци за наближаващата смърт. В нито един автопортрет Рембранд не изглежда толкова кротко покорен на съдбата. Възрастен художник, облечен в семпла рокля, стиснал ръце, ни гледа, без да иска нищо, без да се оплаква от нищо. Очевидно вече не е предопределено да се знае дали смъртта на Тит през септември 1668 г. е ускорила неговия край. Във всеки случай, тринадесет месеца по-късно, на 4 октомври 1669 г., той умира в дома си в Розенграхт и е само на 63 години. Четири дни по-късно е погребан в гробището в Амстердам във Вестеркерк. Гробът на Рембранд е загубен, но работата му ще продължи векове.
Автопортрет в образа на Зевксис, 1665 г. Масло върху платно, 83х65.
Музей Уолфраф Ричхарц, Кьолн, Германия
Рембранд се рисува от различни ъгли, във всякакви облици. Понякога той се оценяваше с трезвен поглед, забелязвайки признаците на старост по синьото му, отпуснато лице, но често обичаше да се появява в различни образи: обличаше се като войн с броня, след това внушителен цар, после апостол Павел . Тук се виждат особеностите на двата стила. Изобразен е крехък старец, времето е обезобразило лицето му почти неузнаваемо, много повече, отколкото на автопортрет от същата година. Очевидно е на прага на смъртта. Но не забравяйте, че това е и портрет на Зевксис, древногръцки художник. Той, както знаете, нарисува възрастна жена с набръчкано лице и образът й толкова го забавляваше, че той се смееше непрекъснато, докато умря. Свързващият елемент тук, разбира се, е смъртта и ако този автопортрет е шега, то той е пълен с черен хумор.
Автопортрет, 1629. Дърво, масло, 16х13.
Alta Pinakothek, Мюнхен
Автопортрет, 1659. Масло върху платно, 85x66.
Национална художествена галерия във Вашингтон
Автопортрет. 1658. Масло върху платно, 134x104.
Frick Collection, Ню Йорк
Автопортрет в рипсена барета, 1634.
Масло върху платно, 58х48. Музей Щатлих, Берлин. Германия
Към 1634 г. Рембранд вече е нарисувал няколко автопортрета и много други трябва да бъдат създадени. Никой друг художник не се е изучавал толкова любознателно през целия си живот, разсъждавайки върху старостта, натрупания опит, успехите и неуспехите. Тук изглежда, че акцентът е върху успеха. Облечен в черно кадифе и скъпа млада козина моден художник уверено поглежда зрителя. И все пак това едва ли е прославяне на богатството и самодоволството. Погледът на Рембранд вече се опитва да разбере тайната на битието. Двайсет и осемгодишният художник очевидно е същият човек като петдесет и петгодишния майстор, който изглежда с предизвикателство, както и шестдесет и три годишният мъж, който е преживял скърби и трудности, стоящ на ръб на смъртта (Автопортрет в облика на Зевкис). Духовното родство на автопортретите е особено впечатляващо, ако си спомним, че тук Рембранд все още не е достигнал върха на успеха и само ще се ожени, без да осъзнава какви изпитания го очакват в бъдеще. - Публикувано от |
