Dom > Varajuća žena > Žanr opere u djelima skladatelja 19. stoljeća. Opera strip Opera izvođači: operni pjevači i pjevači


Žanr opere u djelima skladatelja 19. stoljeća. Opera strip Opera izvođači: operni pjevači i pjevači




Opera (Talijanska opera - posao, rad, rad; od lat. Opera - rad, proizvod, djelo) - žanr glazbene i dramske umjetnosti, u kojem se sadržaj utjelovljuje pomoću glazbene drame, uglavnom kroz vokalnu glazbu. Književna osnova opere je libreto.

Povijest žanra

Opera se pojavila u Italiji, u misterijama, odnosno duhovnim predstavama u kojima je epizodno uvedena glazba bila na niskoj razini. Duhovna komedija: Obraćenje sv. Pavao ”(1480.), Beverini, već je ozbiljnije djelo u kojem je glazba pratila radnju od početka do kraja. Sredinom 16. stoljeća pastorale ili pastoralne igre, u kojima je glazba bila ograničena na zborove, u liku moteta ili madrigala, bile su vrlo popularne. U Amfiparnassu, Orazija Vecchija, zborsko pjevanje iza pozornice, u obliku petglasnog madrigala, poslužilo je pratnji glumaca na sceni. Ova je "Commedia armonica" prvi put dana na dvoru Modene 1597. godine.

Krajem 16. stoljeća pokušaji uvođenja monofonskog pjevanja (monody) u takve skladbe usmjerili su operu na put kojim je njezin razvoj brzo tekao. Autori tih pokušaja svoja su glazbena i dramska djela nazivali drama u muzici ili drama per musica; naziv "opera" primijenjen je na njih u prvoj polovici 17. stoljeća. Kasnije su se neki operni skladatelji, na primjer Richard Wagner, opet vratili nazivu "glazbena drama".

Prva operna kuća za javne izvedbe otvorena je 1637. u Veneciji; ranije je opera bila samo za dvorsku zabavu. Prvom velikom operom Jacopo Peri može se smatrati Daphne, izvedenom 1597. Opera se ubrzo proširila u Italiji, a zatim i u ostatku Europe. U Veneciji se od otvaranja javnih emisija u 65 godina pojavilo 7 kazališta; Za njih su različiti skladatelji napisali 357 opera (do 40). Pioniri opere bili su: u Njemačkoj - Heinrich Schütz ("Daphne", 1627), u Francuskoj - Cambert ("La pastorale", 1647), u Engleskoj - Purcell; u Španjolskoj su se prve opere pojavile početkom 18. stoljeća; u Rusiji je Araya prva napisala operu ("Kefal i Prokrida") o neovisnom ruskom tekstu (1755). Prva ruska opera, napisana u ruskim običajima, je Tanyusha, odnosno Sretni susret, glazba FG Volkova (1756).

Sorte opere

Određeni oblici operne glazbe razvili su se povijesno. U prisutnosti nekih općih zakona operne drame, sve se njezine sastavnice, ovisno o vrsti opere, različito tumače.

velika opera (opera seria - talijanski, trag "edie lyrique, kasnije grand-op" doba - francuski),

polukomična (polumjera),

komična opera (opera-buffa - talijanski, op "era-comique - francuski, Spieloper - njemački),

romantična opera, na romantičnoj radnji.

U komičnoj operi, njemačkoj i francuskoj, dijalog je dopušten između glazbenih brojeva. Postoje i ozbiljne opere u koje se na primjer umeće dijalog. Beethovenov Fidelio, Cherubinijeva Medeja, Weberov čarobni strijelac.

Opere za dječje izvedbe (na primjer, opere Benjamina Brittena - "Mali dimnjačar", "Noina barka", opere Leva Konova - "Kralj Matt Prvi", "Asgard", "Ružno pače", "Kokinvakasu" ").

Elementi opere

Opera je sintetički žanr koji kombinira različite vrste umjetnosti u jednoj kazališnoj radnji: dramu, glazbu, vizualne umjetnosti (scenografije, kostimi), koreografiju (balet).

Operni kolektiv uključuje: solista, refren, orkestar, vojni orkestar, orgulje. Operni glasovi: (ženski: sopran, mezzosopran, kontralto; muški: kontratenor, tenor, bariton, bas).

Operno djelo podijeljeno je na činove, slike, scene, brojeve. Prije činova postoji prolog, na kraju opere - epilog.

Dijelovi opernog djela - recitativi, ariozosi, pjesme, arije, dueti, trii, kvarteti, ansambli itd. Od simfonijskih oblika - uvertira, uvod, zastoji, pantomima, melodrama, povorke, baletna glazba.

Likovi junaka najpotpunije su otkriveni u solo brojevima (aria, arioso, arietta, cavatina, monolog, balada, pjesma). Recitativ ima razne funkcije u operi - glazbena intonacija i ritmička reprodukcija ljudskog govora. Nerijetko povezuje (u radnji i glazbeno) odvojene cjelovite brojeve; često je učinkovit čimbenik u glazbenoj drami. U nekim žanrovima opere, uglavnom komediji, umjesto recitativa koristi se razgovorni govor, obično u dijalozima.

Glazbeni sastav (duet, trio, kvartet, kvintet itd.) Čija specifičnost omogućuje stvaranje konfliktnih situacija, pokazuje ne samo razvoj radnje, već i sukob likova i ideja, odgovara sceni dijalog, poprište dramske izvedbe u operi. Stoga se ansambli često pojavljuju u vrhuncu ili u posljednjim trenucima operne izvedbe.

Refren u operi tumači se na različite načine. To može biti pozadina koja nije povezana s glavnom pričom; ponekad svojevrsni komentator onoga što se događa; njegove umjetničke mogućnosti omogućuju prikazivanje monumentalnih slika narodnog života, otkrivanje odnosa između junaka i masa (na primjer, uloga refrena u narodnim glazbenim dramama M. P. Musorgskog "Boris Godunov" i "Khovanshchina").

U glazbenoj drami opere važna uloga dodjeljuje se orkestru, simfonijska izražajna sredstva služe cjelovitijem otkrivanju slika. Opera također uključuje neovisne orkestralne epizode - uvertiru, prekid (uvod u pojedinačne činove). Sljedeća komponenta operne izvedbe su balet, koreografske scene gdje se plastične slike kombiniraju s glazbenim.


| |

Opera je vrsta glazbene drame
djela temeljena
o sintezi riječi,
scenska radnja i
glazba, muzika. U kontrastu
iz dramskog kazališta,
gdje glazba izvodi
uslužne funkcije, u operi
ona je glavna
nositelj radnje.
Književna osnova opere
je libreto,
original ili
utemeljen na književnoj
raditi.

Opera u XIX

Početkom 19. stoljeća. čak
ozbiljna opera je prestala
biti umjetnost za
odaberi publiku,
postajući vlasništvo
razne socijalne
krugovi. U prvoj četvrtini
XIX stoljeće. u Francuskoj
veliki (ili
velika lirika) opera
sa svojim uzbudljivim
priče, šarene
orkestar i raspoređen
zborske scene.

Talijanska opera

Italija-domovina
talijanska opera iz
Najpoznatiji.
Specifične osobine
Talijanski romantik
opera - njena težnja za
osoba. U središtu pozornosti
autori - ljudske radosti,
tuga, osjećaji. Uvijek je
čovjek od života i akcije.
Talijanska opera nije znala
"Svjetska tuga" svojstvena
Njemačka opera
romantizam. Nije posjedovala
dubina, filozofski
ljestvica misli i visoka
intelektualizam. Ovo je opera
žive strasti, umjetnost je jasna
i zdrava.

Francuska opera

Francuska opera prve polovice 19
stoljeća predstavljaju dva glavna
žanrovi. Prvo, to je strip
opera. Strip opera, porijeklom iz
u 18. stoljeću, nije postao svijetli odraz
novi, romantični trendovi. kako
utjecaj romantizma u njemu može biti
napomenuti samo jačanje lirike
početak.
Živopisni odraz francuskog
glazbeni romantizam postao je novi
žanr koji se u Francuskoj razvio 30-ih godina
godine: velika francuska opera.
Velika opera je opera monumentalnog,
dekorativni stil povezan s
povijesne radnje, s prikazom
neobičan sjaj izvedbi i
učinkovita upotreba masivnih
scene.

Skladatelj Bizet

Bizet Georges (1838.-1875.),
Francuski skladatelj.
Rođen 25. listopada 1838. u Parizu u
obitelj učitelja pjevanja. Primijetivši mjuzikl
sinov talent, otac mu je dao da studira u
Pariški konzervatorij. Bizet sjajno
diplomirao 1857. Po završetku studija
Konzervatorij Bizet primio je Rimu
nagradu koja je dala pravo na
dugo putovanje o javnom trošku u
Italiju kako bi poboljšali svoje vještine.
U Italiji je skladao svoju prvu operu
Don Procopio (1859).
Vrativši se u domovinu, Bizet je debitirao
na pariškoj pozornici s operom Tragači
biseri "(1863.). Uskoro je uspostavljen
sljedeća opera - "Perth Beauty"
(1866) prema romanu W. Scotta.
Unatoč svom glazbenom
dostojanstvo, uspjeh opere nije donio, a u
1867. Bizet se ponovno okrenuo žanru
operete ("Malbrook ide u pohod"),
1871. stvorio je novu operu - "Jamile"
po pjesmi A. Musseta "Namuna".

Skladatelj Verdi

Verdi Giuseppe (1813. - 1901.),
Talijanski skladatelj.
Rođen 1. listopada 1813. u Roncoleu
(provincija Parma) u seoskoj obitelji
gostioničar.
Kao skladatelj Verdi najviše od svega
privukao operu. Stvorio je 26
radi u ovom žanru. Slava i
Opera je "Nabukodonozor" donijela slavu autoru
(1841): napisano na biblijsku temu,
prožeta je idejama vezanim za borbu
Italija za neovisnost. Ista tema herojskog pokreta za oslobođenje zvuči u operama
"Langobardi u prvom križarskom ratu"
(1842.), "Jeanne d'Arc" (1845.), "Atila"
(1846), "Bitka kod Legnana" (1849). Verdi
postao nacionalni heroj u Italiji. Tražim
nove radnje, okrenuo se kreativnosti
sjajni dramatičari: prema drami V. Huga
napisao je operu "Ernani" (1844), temeljenu na tragediji
W. Shakespeare - Macbeth (1847), temeljen na drami
"Izdajstvo i ljubav" F. Schillera - "Louise
Miller "(1849).
Preminuo 27. siječnja 1901. u Milanu.

Pošaljite svoje dobro djelo u bazu znanja jednostavno. Koristite donji obrazac

Studenti, diplomirani studenti, mladi znanstvenici koji koriste bazu znanja u svojim studijima i radu bit će vam vrlo zahvalni.

Objavljeno dana http://www.allbest.ru/

Ministarstvo obrazovanja Ruske Federacije

Magnitogorsk State University

Fakultet za predškolski odgoj i obrazovanje

Test

u disciplini "Glazbena umjetnost"

Opera kao žanr glazbene umjetnosti

Izvedena:

Manannikova Yu.A.

Magnitogorsk 2002

1. PORIJEKLO ŽANRA

Opera kao glazbeni žanr nastala je spajanjem dviju velikih i drevnih umjetnosti - kazališta i glazbe.

"... Opera je umjetnost rođena iz uzajamne ljubavi između glazbe i kazališta", piše jedan od izvrsnih opernih redatelja našeg doba, B.A. Pokrovsky. - Slično je kazalištu koje izražava glazba. "

Iako se glazba u kazalištu koristi od davnina, opera se kao samostalni žanr pojavila tek na prijelazu iz 16. u 17. stoljeće. Sam naziv žanra - opera - nastao je oko 1605. godine i brzo je zamijenio prethodna imena ovog žanra: "drama kroz glazbu", "tragedija kroz glazbu", "melodrama", "tragikomedija" i drugi.

U ovom povijesnom trenutku pojavili su se posebni uvjeti koji su operi dali život. Prije svega, to je bila životna atmosfera renesanse.

Firenca, u kojoj su kultura i umjetnost renesanse cvjetale prvo na Apeninima, gdje su Dante, Michelangelo i Benvenuto Cellini započeli svoje putovanje, postala je rodno mjesto opere.

Pojava novog žanra izravno je povezana s preporodom u doslovnom smislu starogrčke drame. Nije slučajno što su se prva operna djela nazivala glazbenim dramama.

Kad se krajem 16. stoljeća oko prosvijetljenog filantropa grofa Bardija stvorio krug nadarenih pjesnika, glumaca, znanstvenika i glazbenika, nitko od njih nije razmišljao ni o kakvom otkriću u umjetnosti, a još više u glazbi. Glavni cilj koji su si firentinski entuzijasti postavili bio je oživjeti drame Eshila, Euripida i Sofokla. Međutim, za postavljanje djela drevnih grčkih dramatičara bila je potrebna glazbena pratnja, a uzorci takve glazbe nisu sačuvani. Tada je odlučeno sastaviti vlastitu glazbu, koja odgovara (kako je autor zamišljao) duhu starogrčke drame. Tako su, pokušavajući ponovno stvoriti drevnu umjetnost, otkrili novi glazbeni žanr koji je trebao igrati presudnu ulogu u povijesti umjetnosti - operu.

Prvi korak koji su poduzeli Firentinci bio je prepisivanje malih dramskih odlomaka u glazbu. Kao rezultat, elegija(bilo koja zvučna melodija zasnovana na jednoglasnom polju glazbene kulture), čiji je jedan od stvaratelja bio Vincenzo Galilei, fini poznavatelj drevne grčke kulture, skladatelj, svirač lutnje i matematičar, otac briljantnog astronoma Galilea Galileija .

Čak i prve Firentinčeve pokušaje karakteriziralo je oživljavanje interesa za osobna iskustva heroja. Stoga je umjesto polifonije u njihovim djelima počeo prevladavati homofonsko-harmonični stil u kojem je glavni nosač glazbene slike melodija koja se razvija u jedan glas i popraćena je harmoničnom (akordnom) pratnjom.

Sasvim je karakteristično da su među prvim primjerima opere koje su stvorili razni skladatelji tri napisana na istoj radnji: temeljila se na grčkom mitu o Orfeju i Euridiki. Prve dvije opere (obje nazvane Euridika) skladatelji su Peri i Caccini. Međutim, pokazalo se da su obje ove glazbene drame vrlo skromni eksperimenti u usporedbi s operom Orpheus, koja se pojavila u Mantovi 1607. godine, Claudia Monteverdija. Suvremenik Rubensa i Caravaggia, Shakespearea i Tassa, Monteverdi je stvorio djelo koje zapravo započinje povijest opere.

Mnogo od onoga što su Firentinci samo planirali, Monteverdi je učinio cjelovitim, kreativno uvjerljivim i održivim. To je bio slučaj, na primjer, s recitativom, koji je prvi uveo Peri. Ova posebna glazbena ekspresija likova trebala bi, prema tvorcu, biti što bliža razgovornom govoru. Međutim, tek su u Monteverdiju recitativi stekli psihološku snagu, živopisne slike i počeli doista nalikovati živom ljudskom govoru.

Monteverdi je stvorio tip arije - lamento -(žalosna pjesma), čiji je sjajan primjer bila žalba napuštene Ariadne iz istoimene opere. "Ariadnin prigovor" jedini je fragment koji se iz našeg cijelog djela doveo do našeg vremena.

„Ariadna je dirnula jer je bila žena, Orfej jer je bio jednostavan čovjek ... Ariadna je u meni probudila istinsku patnju, zajedno s Orfejem molila sam za sažaljenje ...“ Ovim je riječima Monteverdi izrazio ne samo svoj kreativni credo, već također je prenio suštinu tih otkrića koja je napravio u glazbenoj umjetnosti. Kao što je s pravom naglasio sam autor "Orfeja", prije njega su skladatelji pokušavali skladati glazbu "meku", "umjerenu"; Pokušao je stvoriti, prije svega, "uznemirenu" glazbu. Stoga je glavnom zadaćom smatrao maksimalno širenje maštovite sfere i izražajnih mogućnosti glazbe.

Novi žanr - opera - tek se trebao uspostaviti. Ali od sada će razvoj glazbe, vokalni i instrumentalni, biti neraskidivo povezan s postignućima operne kuće.

2. OPERA ŽANR: OPERA SERIJA I OPERA BUFFA

Nastala u talijanskom plemićkom miljeu, opera se ubrzo proširila u svim glavnim europskim zemljama. Postala je sastavni dio dvorskih svečanosti i omiljena zabava na dvorima francuskog kralja, austrijskog cara, njemačkih birača, drugih monarha i njihovih plemića.

Svijetli spektakl, posebna fešta operne predstave, impresivan zbog kombinacije praktički svih umjetnosti koje su u to vrijeme postojale u operi, savršeno su se uklopili u složeni ceremonijalni i svakodnevni život dvora i vrha društva.

I premda je tijekom 18. stoljeća opera postajala sve demokratskijom umjetnošću i u velikim su gradovima, uz dvorjane, otvorene i javne operne kuće za širu javnost, ukusi aristokracije bili su ti koji su određivali sadržaj opernih djela više od jednog stoljeću.

Blagdanski život dvora i aristokracije natjerao je skladatelje na vrlo intenzivan rad: svako slavlje, a ponekad i samo još jedan prijem uvaženih gostiju, zasigurno je bila popraćena opernom premijerom. "U Italiji", svjedoči povjesničar glazbe Charles Bernie, "opera koja se već čula promatra se kao u prošlogodišnjem kalendaru." U takvim su se uvjetima opere "pekle" jedna za drugom i obično su se pokazale slične, barem u smislu radnje.

Primjerice, talijanski skladatelj Alessandro Scarlatti napisao je oko 200 opera. Međutim, zasluga ovog glazbenika, naravno, nije u broju stvorenih djela, već prvenstveno u činjenici da su se u njegovom radu konačno iskristalizirali vodeći žanr i oblici operne umjetnosti 17. - početka 18. stoljeća - ozbiljna opera (operna serija).

Značenje imena operna serija To postaje lako razumjeti ako zamislimo uobičajenu talijansku operu ovog razdoblja. Bila je to pompozna, izvanredno raskošna izvedba s raznim impresivnim efektima. Prizor je prikazivao "stvarne" scene bitki, prirodne katastrofe ili izvanredne preobrazbe mitskih heroja. A sami junaci - bogovi, carevi, zapovjednici - ponašali su se tako da je cijela predstava publici ostavljala osjećaj važnih, svečanih, vrlo ozbiljnih događaja. Likovi opere izvodili su izvanredne podvige, slamali neprijatelje u smrtnim bitkama, zadivljeni njihovom izvanrednom hrabrošću, dostojanstvom i veličinom. Istodobno, alegorijska usporedba glavnog junaka opere, tako povoljno predstavljenog na sceni, s visokim plemićem, po čijem je nalogu opera napisana, bila je toliko očita da se svaka izvedba pretvarala u panegirik u plemeniti kupac.

Često su se isti predmeti koristili u raznim operama. Primjerice, samo na teme iz dva djela - "Bijesni Roland" Ariosta i "Oslobođeni Jeruzalem" Tassa - stvoreni su deseci opera.

Popularni književni izvori bili su spisi Homera i Vergilija.

Tijekom procvata opera-serije formiran je poseban način vokalnog izvođenja - bel canto, zasnovan na ljepoti zvuka i virtuoznoj kontroli glasa. Međutim, beživotnost radnji tih opera, umjetnost ponašanja junaka izazvala je brojne pritužbe među ljubiteljima glazbe.

Ovaj je operni žanr bio posebno osjetljiv na statičku strukturu izvedbe, lišen dramske radnje. Stoga je publika slušala arije u kojima su pjevači s velikim zadovoljstvom i zanimanjem demonstrirali ljepotu svojih glasova, virtuozne vještine. Na njezin zahtjev, arije koje su im se svidjele opetovano su ponavljane "na bis", dok recitativi, doživljavani kao "teret", nisu toliko zanimali slušatelje da su tijekom nastupa recitativa počeli glasno govoriti. Izumljeni su i drugi načini ubijanja vremena. Jedan od "prosvijetljenih" ljubitelja glazbe iz 18. stoljeća savjetovao je: "Šah je vrlo pogodan za popunjavanje praznine dugih recitativa."

Opera je prolazila kroz prvu krizu u svojoj povijesti. Ali u ovom se trenutku pojavio novi operni žanr koji je trebao postati ne manje (ako ne i više!) Voljen od opere-serije. Ovo je komična opera (opera - buffa).

Karakteristično je da je nastao upravo u Napulju, u domovini operne serije, štoviše, zapravo se pojavio u dubinama najozbiljnije opere. Njegovo su podrijetlo komične međuigre odigrane u intervalima između činova izvedbe. Često su ovi komični međuprodukti bili parodije na događaje u operi.

Formalno, rođenje operne bife dogodilo se 1733. godine, kada je opera Gijevanni Battista Pergolesi "Sluškinja-dama" prvi put izvedena u Napulju.

Opera buffa naslijedila je sva glavna izražajna sredstva iz operne serije. Od "ozbiljne" opere razlikovala se po tome što su umjesto legendarnih, neprirodnih junaka na opernu scenu izlazili likovi čiji su prototipi postojali u stvarnom životu - pohlepni trgovci, koketne sluškinje, hrabre, snalažljive vojnice itd. Zato je opera buffa je s divljenjem primila najšira demokratska javnost u svim dijelovima Europe. Štoviše, novi žanr ni na koji način nije imao paralizirajući učinak na rusku umjetnost poput operske serije. Naprotiv, oživio je svojevrsnu nacionalnu komičnu operu koja se temelji na ruskim tradicijama. U Francuskoj je to bila komična opera, u Engleskoj balada, u Njemačkoj i Austriji singspiel (doslovno: "igranje s pjevanjem").

Svaka od ovih nacionalnih škola iznjedrila je izvanredne predstavnike opernog žanra: Pergolesi i Piccini u Italiji, Gretri i Rousseau u Francuskoj, Haydn i Dittersdorf u Austriji.

Ovdje se posebno treba prisjetiti Wolfganga Amadeusa Mozarta. Već je njegov prvi pjevački sklad "Bastien et Bastienne", a još više "Otmica iz Seraglia" pokazao da je briljantni skladatelj, svladavajući lako tehnike operne bufe, stvorio uzorke uistinu nacionalne austrijske glazbene drame. Otmica iz Seraglia smatra se prvom klasičnom austrijskom operom.

Vrlo posebno mjesto u povijesti operne umjetnosti zauzimaju Mozartove zrele opere Brak Figara i Don Giovannija, napisane u talijanskim tekstovima. Svjetlina, izražajnost glazbe, koja nije inferiorna u odnosu na najviše primjere talijanske glazbe, kombiniraju se u njima s dubinom ideja i drame, što operna kuća prije nije poznavala.

U Le Nozze di Figaro Mozart je glazbenim sredstvima uspio stvoriti individualne i vrlo živahne likove junaka, prenijeti raznolikost i složenost njihovih mentalnih stanja. I sve to, čini se, ne prelazeći žanr komedije. Skladatelj je otišao još dalje u operi Don Juan. Koristeći staru španjolsku legendu za libreto, Mozart stvara djelo u kojem su komični elementi neraskidivo isprepleteni sa značajkama ozbiljne opere.

Briljantni uspjeh komične opere, koja je trijumfalno marširala europskim prijestolnicama, i, što je najvažnije, Mozartove kreacije pokazale su da opera može i treba biti umjetnost koja je organski povezana sa stvarnošću, da je sposobna istinito prikazati sasvim stvarne likove i situacije , rekreirajući ih ne samo u stripu, već i u ozbiljnom aspektu.

Naravno, vodeći umjetnici iz različitih zemalja, prvenstveno skladatelji i dramatičari, sanjali su o obnovi herojske opere. Sanjali su o stvaranju djela koja će, prvo, odražavati težnju epohe za visokim moralnim ciljevima, a drugo, uspostaviti organsku fuziju glazbe i dramske akcije na sceni. Taj je težak problem u herojskom žanru uspješno riješio Mozartov sunarodnjak Christoph Gluck. Njegova je reforma postala prava revolucija u svijetu opere, čije je konačno značenje postalo jasno nakon postavljanja njegovih opera u Parizu Alcesta, Iphigenia u Aulisu i Iphigenia u Taurisu.

"Počevši stvarati glazbu za" Alceste ", napisao je skladatelj, objašnjavajući suštinu svoje reforme," postavio sam si cilj dovesti glazbu do njenog istinskog cilja, a to je da poeziji damo novu izražajnu snagu, da odvojeni trenutci zapleti su zbunjujući, bez prekida radnje ili prigušivanja nepotrebnim ukrasima. "

Za razliku od Mozarta, koji nije postavio određeni cilj za reformu opere, Gluck je namjerno došao do vlastite reforme opere. Štoviše, svu svoju pozornost koncentrira na otkrivanje unutarnjeg svijeta heroja. Skladatelj nije pravio nikakve kompromise s aristokratskom umjetnošću. To se dogodilo u vrijeme kad je rivalstvo između ozbiljne i komične opere doseglo vrhunac i bilo je jasno da operna bufa pobjeđuje.

Kritički promišljajući i sažimajući najbolje žanrove ozbiljne opere, lirske tragedije Lully i Rameau, Gluck stvara žanr glazbene tragedije.

Povijesni značaj Gluckove reforme opere bio je golem. No, pokazalo se da su njegove opere također anakronizam kad je započelo turbulentno 19. stoljeće, jedno od najplodnijih razdoblja u svijetu opere.

3. ZAPADNO EUROPSKA OPERA XIX. STOLJEĆA

Ratovi, revolucije, promjene u društvenim odnosima - svi ti ključni problemi 19. stoljeća ogledaju se u opernoj temi.

Skladatelji koji rade u žanru opere pokušavaju još dublje prodrijeti u unutarnji svijet svojih junaka, ponovno stvoriti na opernoj sceni takve odnose među likovima koji bi u potpunosti zadovoljili složene, višestrane životne kolizije.

Takav figurativni i tematski opseg neizbježno je doveo do sljedećih reformi u opernoj umjetnosti. Žanrovi opere razvijeni u 18. stoljeću položili su ispit za modernost. Serija opere gotovo je nestala do 19. stoljeća. Što se tiče komične opere, i dalje je uživala u nepokolebljivom uspjehu.

Vitalnost ovog žanra sjajno je potvrdio Gioacchino Rossini. Njegov je seviljski brijač postao pravo remek-djelo komične umjetnosti 19. stoljeća.

Svijetla melodija, prirodnost i živost likova koje je ocrtao skladatelj, jednostavnost i sklad radnje - sve je to osiguralo pravi trijumf operi, čineći njezina autora dugo vremena "glazbenim diktatorom Europe". Kao autor operne bufe, Rossini na svoj način postavlja naglaske u Seviljskom brijaču. Njega je mnogo manje zanimalo suštinsko značenje sadržaja od, primjerice, Mozarta. A Rossini je bio vrlo daleko od Glucka, koji je vjerovao da je glavna svrha glazbe u operi otkriti dramatičnu ideju djela.

Uz svaku ariju, svaku frazu u Seviljskom brijaču, skladatelj nas podsjeća da glazba postoji radi radosti, uživanja u ljepoti i da je u njoj najcjenjenija šarmantna melodija.

Unatoč tome, "draga Europe, Orfej", kako je Puškin zvao Rossinija, smatrao je da su događaji u svijetu, a prije svega borba za neovisnost koju je vodila njegova domovina - Italija (potlačena od Španjolske, Francuske i Austrije), od njega tražili obratiti se ozbiljnoj temi. Tako je rođena ideja opere "Wilhelm Tell" - jednog od prvih djela opernog žanra na herojsko-domoljubnu temu (prema radnji švicarski seljaci ustaju protiv svojih ugnjetača - Austrijanaca) .

Živopisna, realistična karakterizacija glavnih likova, impresivne scene mase, slikanje ljudi uz pomoć zbora i ansambala, i što je najvažnije, neobično izražajna glazba stekla je slavu "William Tell" kao jedno od najboljih djela operne drame 19. stoljeća .

Popularnost "Welhelm Tell" objasnila je, između ostalih prednosti, činjenicom da je opera napisana na povijesnoj radnji. Povijesne opere postale su tada raširene na europskoj opernoj sceni. Tako je šest godina nakon premijere Williama Tella, produkcija opere Hugenoti Giacoma Meyer-ber-a, koja govori o borbi između katolika i hugenota krajem 16. stoljeća, postala senzacija.

Još jedno područje koje je osvojila operna umjetnost 19. stoljeća bile su bajne i legendarne radnje. Posebno su popularni u djelima njemačkih skladatelja. Nakon Mozartove opere iz bajke Čarobna frula, Karl Maria Weber stvara opere Slobodni strijelac, Euryanthe i Oberon. Prvo od njih bilo je najznačajnije djelo, zapravo prva njemačka narodna opera. Međutim, najcjelovitije i najveće utjelovljenje legendarne teme, narodna epika pronađena je u djelu jednog od najvećih opernih skladatelja - Richarda Wagnera.

Wagner je cijela era u glazbenoj umjetnosti. Opera je za njega postala jedini žanr s kojim je skladatelj razgovarao sa svijetom. Wagner je bio vjeran, a književni izvor koji mu je davao zaplete za opere pokazao se starim njemačkim epom. Ovi legendarni, svijetli, reljefni likovi postali su junaci prvih Wagnerovih opera "Mornar lutalica", "Tannhäuser" i "Lohengrin".

Richard Wagner - sanjao je da u operski žanr utjelovi ne pojedine radnje, već čitav ep posvećen glavnim problemima čovječanstva. Skladatelj je to pokušao odraziti u grandioznom konceptu Der Ring des Nibelungen, ciklusu od četiri opere. Ova je tetralogija također izgrađena na legendama iz starog germanskog epa.

Takva neobična i grandiozna ideja (skladatelj je proveo dvadesetak godina svog života na njezinoj provedbi), prirodno, morala se riješiti posebnim, novim sredstvima. A Wagner, nastojeći slijediti zakone prirodnog ljudskog govora, odbija takve nužne elemente opernog djela kao što su arija, duet, recitativ, refren, ansambl. Stvara jedinstvenu glazbenu radnju-pripovijest koju ne prekidaju granice brojeva, a koju vode pjevači i orkestar.

Reforma Wagnera kao opernog skladatelja ogledala se i u nečem drugom: njegove su opere izgrađene na sustavu lajtmotiva - živih melodija-slika koje odgovaraju određenim likovima ili njihovim odnosima. A svaka njegova glazbena drama - i baš poput Monteverdija i Glucka, nazvao je svoje opere - nije ništa drugo nego razvoj i interakcija brojnih lajtmotiva.

Ne manje važan bio je još jedan pravac, koji se zvao "lirsko kazalište". Rodno mjesto "lirskog kazališta" bila je Francuska. Skladatelji koji su komponirali ovaj smjer - Gounod, Thoma, Delibes, Massenet, Bizet - također su pribjegli nevjerovatno egzotičnim zapletima i svakodnevnom životu; ali ovo im nije bilo glavno. Svaki od ovih skladatelja na svoj je način nastojao prikazati svoje junake tako da budu prirodni, vitalni, obdareni svojstvima svojstvenim njihovim suvremenicima.

Carmen Georgesa Bizeta, temeljena na noveli Prospera Mériméea, sjajan je primjer ovog opernog pokreta.

Skladatelj je uspio pronaći osebujnu metodu karakteriziranja junaka, što se najjasnije vidi upravo na primjeru slike Carmen. Bizet otkriva unutarnji svijet svoje junakinje ne u ariji, kao što je to bio običaj, već u pjesmi i plesu.

Sudbina ove opere, koja je osvojila cijeli svijet, u početku je bila vrlo dramatična. Njegova premijera završila je neuspjehom. Jedan od glavnih razloga takvog odnosa prema Bizetovoj operi bio je taj što je na scenu kao heroje doveo obične ljude (Carmen je radnica u tvornici duhana, Jose je vojnik). Takve likove aristokratska pariška javnost nije mogla prihvatiti 1875. (tada se dogodila premijera "Carmen"). Odbio ju je realizam opere, koji se smatrao nespojivim sa "žanrovskim zakonima". U tada mjerodavnom Rječniku opere, Puzhen je rekao da Carmen treba preurediti, "slabeći realizam koji je za operu bio nedoličan". Naravno, to je bilo stajalište ljudi koji nisu razumjeli da je realistična umjetnost, ispunjena životnom istinom, prirodnim junacima, na operacijsku pozornicu došla sasvim prirodno, a ne po volji bilo kojeg skladatelja.

Giuseppe Verdi, jedan od najvećih skladatelja koji je ikad radio u žanru opere, prošao je upravo put realističnog.

Verdi je svoju dugu karijeru u operi započeo herojskim i domoljubnim operama. Langobardi, Ernani i Atila, stvoreni četrdesetih godina, u Italiji su shvaćeni kao poziv na nacionalno jedinstvo. Premijere njegovih opera pretvorile su se u masovne javne demonstracije.

Verdijeve opere napisane ranih 1950-ih imale su posve drugačiji odjek. Rigoletto, Troubadour i La Traviata tri su Verdijeva operna platna u kojima se njegov izvanredni melodijski dar sretno kombinira s darom genijalnog skladatelja-dramatičara.

Na temelju drame Viktora Huga "Kralj zabavnika", opera Rigoletto opisuje događaje iz 16. stoljeća. Mjesto radnje opere je dvorište vojvode od Mantove, za koje ljudsko dostojanstvo i čast nisu ništa u usporedbi s njegovim hirom, željom za beskrajnim užicima (Gilda, kći dvorskog zafrkanta Rigoletta, postaje njegova žrtva). Čini se da je to još jedna opera iz dvorskog života, kojih je bilo stotine. Ali Verdi stvara istinsku psihološku dramu, u kojoj je dubina glazbe u potpunosti odgovarala dubini i istinitosti osjećaja njezinih likova.

"Travijata" je izazvala pravi šok među suvremenicima. Venecijanska publika, kojoj je bila namijenjena premijera opere, izviždala ju je. Iznad smo govorili o neuspjehu Bizetove Carmen, ali La Traviata je premijerno izvedena gotovo četvrt stoljeća ranije (1853.), a razlog je bio isti: realizam prikazanog.

Verdija je jako uznemirio neuspjeh njegove opere. "Bio je to odlučujući fijasko", napisao je nakon premijere. "Više se nećemo sjećati La Traviate.

Čovjek neizmjerne vitalnosti, skladatelj s rijetkim kreativnim potencijalom, Verdi nije, poput Bizeta, bio slomljen činjenicom da javnost nije prihvatila njegovo djelo. Stvorit će još mnogo opera, koje kasnije čine riznicu operne umjetnosti. Među njima su takva remek-djela kao što su "Don Carlos", "Aida", "Falstaff". Jedno od najviših postignuća zrelog Verdija bila je opera Othello.

Grandiozna postignuća vodećih zemalja u operskoj umjetnosti - Italije, Njemačke, Austrije, Francuske - nadahnula su skladatelje iz drugih europskih zemalja - Češke, Poljske, Mađarske - da stvore vlastitu nacionalnu opernu umjetnost. Tako se rađaju „Šljunak“ poljskog skladatelja Stanislava Moniuszka, opere Čeha Berdjicha Smetane i Antonina Dvoržaka te Mađara Ferenca Erkela.

No, vodeće mjesto među mladim nacionalnim opernim školama s pravom zauzima Rusija u 19. stoljeću.

4. RUSKA OPERA

Na sceni Boljšoj teatra u Sankt Peterburgu 27. studenoga 1836. održala se premijera "Ivana Sušanina" Mihaila Ivanoviča Glinke, prve klasične ruske opere.

Da bismo jasnije shvatili mjesto ovog djela u povijesti glazbe, pokušajmo ukratko iznijeti situaciju koja se u tom trenutku razvila u zapadnoeuropskom i ruskom glazbenom kazalištu.

Wagner, Bizet, Verdi još nisu rekli svoju riječ. Uz rijetke iznimke (na primjer, uspjeh Meyerbeera u Parizu), tijekom europske operne umjetnosti, trendseteri - i u kreativnosti i u izvedbi - su Talijani. Glavni operni "diktator" je Rossini. Intenzivno se izvozi talijanska opera. Skladatelji iz Venecije, Napulja, Rima putuju u sve dijelove kontinenta i dugo rade u različitim zemljama. Donoseći zajedno sa svojom umjetnošću neprocjenjivo iskustvo akumulirano talijanskom operom, istodobno su potisnuli razvoj nacionalne opere.

Tako je bilo i u Rusiji. Posjetili su ga talijanski skladatelji kao što su Cimarosa, Paisiello, Galuppi, Francesco Araya, koji je prvi pokušao stvoriti operu na ruskom melodijskom materijalu s izvornim ruskim tekstom Sumarokova. Kasnije je zapažen trag u glazbenom životu Sankt Peterburga ostavila aktivnost rodom iz Venecije Katerino Cavos, koja je napisala operu pod istim naslovom kao Glinka - "Život za cara" ("Ivan Sušanin").

Ruski dvor i aristokracija, na čiji su poziv talijanski glazbenici stigli u Rusiju, podržavali su ih na svaki mogući način. Stoga se nekoliko generacija ruskih skladatelja, kritičara i drugih kulturnih ličnosti moralo boriti za vlastitu nacionalnu umjetnost.

Pokušaji stvaranja ruske opere sežu u 18. stoljeće. Talentirani glazbenici Fomin, Matinsky i Paškevič (potonja dvojica bili su koautori opere „Sankt Peterburški gostini dvor“), a kasnije i divni skladatelj Verstovsky (danas je nadaleko poznat njegov „Askoldov grob“) - svaki je pokušao ovaj problem na svoj način. Međutim, bio je potreban snažan talent, poput Glinkovskog, da bi se ova ideja ostvarila.

Izniman melodijski dar Glinke, bliskost njegove melodije s ruskom pjesmom, jednostavnost karakterizacije glavnih likova i najvažnije, privlačnost herojsko-domoljubne radnje omogućili su skladatelju da stvori djelo velike umjetničke istine i snage.

Genij Glinke na drugačiji je način otkriven u operi-bajci "Ruslan i Ljudmila". Ovdje skladatelj majstorski kombinira herojsko načelo (slika Ruslana), fantastiku (kraljevstvo Černomor) i strip (slika Farlafa). Tako su, zahvaljujući Glinki, po prvi puta na opernu scenu stupile slike koje je rodio Puškin.

Unatoč oduševljenoj ocjeni Glinkinog rada od strane vodećeg dijela ruskog društva, njegova inovacija i izuzetan doprinos povijesti ruske glazbe kod kuće nisu bili istinski cijenjeni. Car i njegova pratnja više su ga voljeli od talijanske glazbe. Posjeta Glinkinim operama postala je kazna za krive časnike, svojevrsnu stražarnicu. operni glazbeni vokalni libreto

Glinka je takav stav suda, novinara i vodstva kazališta prema njegovom radu gledao vrlo uzrujao. Ali bio je čvrsto svjestan da ruska nacionalna opera mora slijediti svoj put, hraniti se vlastitim narodnim glazbenim izvorima.

To je potvrdio cjelokupni daljnji razvoj ruske operne umjetnosti.

Prvi koji je podigao palicu Glinke bio je Aleksandar Dargomyzhsky. Prateći autora "Ivana Sušanina", nastavlja razvijati područje operne glazbe. Na njegov račun postoji nekoliko opera, a najsretnija sudbina pala je na plac "Sirena". Puškinovo djelo pokazalo se izvrsnim materijalom za operu. Priča o seljačkoj djevojčici Natasi, koju je princ prevario, sadrži vrlo dramatične događaje - samoubojstvo heroine, ludilo njezinog oca, mlinara. Sva najsloženija psihološka iskustva junaka skladatelj rješava uz pomoć arija i sastava napisanih ne u talijanskom stilu, već u duhu ruske pjesme i romantike.

Operno stvaralaštvo A. Serova, autora opera Judita, Rogneda i Moć neprijatelja, postiglo je velik uspjeh u drugoj polovici 19. stoljeća, od čega potonje (u tekstu drame A. Ostrovskog ) bio u skladu s razvojem ruske nacionalne umjetnosti.

Glinka je postao pravi ideološki vođa u borbi za nacionalnu rusku umjetnost skladatelja M. Balakireva, M. Musorgskog, A. Borodina, N. Rimskog-Korsakova i C. Cuija, ujedinjenih u krug Moćna gomila. U radu svih članova kruga, osim voditelja M. Balakireva, opera je zauzimala najvažnije mjesto.

Vrijeme kada je nastala "Moćna šačica" poklopilo se s izuzetno važnim događajima u povijesti Rusije. 1861. kmetstvo je ukinuto. Sljedeća su dva desetljeća rusku inteligenciju zanosile ideje populizma koji je pozivao na rušenje autokracije snagama seljačke revolucije. Književnike, umjetnike, skladatelje počinju posebno zanimati teme povezane s poviješću ruske države, a posebno s odnosom cara i naroda. Sve je to dovelo do teme većine opera koje su izašle iz pera "kučkista".

Zastupnik Musorgsky nazvao je svoju operu Borisa Godunova "Narodnom glazbenom dramom". Uistinu, iako je ljudska tragedija cara Borisa u središtu radnje opere, ljudi su postali pravi junak opere.

Musorgski je u biti bio samouki skladatelj. To je znatno otežavalo skladanje glazbe, ali istodobno ni na koji način nije ograničavalo glazbena pravila. Sve je u ovom procesu bilo podređeno glavnom geslu njegova djela, što je sam skladatelj izrazio kratkom rečenicom: "Želim istinu!"

Istinu u umjetnosti, krajnji realizam u svemu što se događa na sceni, Musorgski je tražio i u svojoj drugoj operi, Khovanshchina, koju nije uspio dovršiti. Dovršio ga je Rimsky-Korsakov, jedan od najvećih ruskih opernih skladatelja, kolega Musorgskog u Moćnoj šačici.

Opera čini osnovu stvaralačke baštine Rimsky-Korsakova. Poput Musorgskog otvorio je vidike ruske opere, ali njezinih potpuno različitih područja. Opernim sredstvima skladatelj je želio prenijeti čar ruske nevjerojatnosti, izvornost starih ruskih rituala. To se jasno vidi iz titlova koji navode žanr opere, a koji je skladatelj pružao svojim djelima. Nazvao je "Snježnu djevojku" "proljetnom bajkom", "Noć pred Božić" - "pravom kolendom", "Sadko" - "epskom operom"; opera-bajke su i "Priča o caru Saltanu", "Besmrtni Kašei", "Legenda o nevidljivom gradu Kitežu i djevici Fevroniji", "Zlatni pijetao". Epske i nevjerojatne opere Rimskog-Korsakova imaju jednu nevjerojatnu značajku: elementi nevjerojatnosti, fantazije kombiniraju se u njima sa živopisnim realizmom.

Taj realizam, koji se tako jasno osjeća u svakom djelu, Rimski-Korsakov je postigao izravnim i vrlo učinkovitim sredstvima: široko je razvio narodne melodije u svom operskom radu, vješto utkavši u tkivo djela izvorne drevne slavenske rituale, „duboke tradicije antike. "

Poput ostalih "kuchkista", Rimski-Korsakov se također okrenuo žanru povijesne opere, stvorivši dva izvanredna djela koja prikazuju doba Ivana Groznog - "žena iz Pskova" i "Careva nevjesta". Skladatelj majstorski slika tešku atmosferu ruskog života tog dalekog vremena, slike carske okrutne odmazde nad pskovskim slobodnjacima, kontradiktornu osobnost samog Groznog ("Pskovit") i ozračje sveopće despotizacije i ugnjetavanja ljudske ličnosti ("Careva nevjesta", "Zlatni pijetao");

Po savjetu V.V. Stasov, idejni nadahnitelj Moćne šačice, jedan od najdarovitijih članova ovog kruga - Borodin stvara operu iz života kneževske Rusije. Ovo je djelo bilo "Princ Igor".

"Princ Igor" postao je uzor ruske epske opere. Kao i u starom ruskom epu, i u operi se radnja odvija polako, smireno, što govori o ujedinjenju ruskih zemalja, raštrkanih kneževina za zajednički otpor neprijatelju - Polovcima. Borodinovo djelo nije toliko tragično kao Boris Godunov Musorgskog ili Žena Pskova Rimsky-Korsakova, ali radnja opere usredotočena je i na složenu sliku državnog vođe - princa Igora, koji doživljava svoj poraz, odlučujući pobjeći od zarobljeništvo i konačno skupljanje odreda za slamanje neprijatelja u ime njihove domovine.

Drugi je smjer ruske glazbene umjetnosti operno djelo Čajkovskog. Skladatelj je karijeru u operi započeo djelima na povijesnoj radnji.

Slijedeći Rimskog-Korsakova, Čajkovski se u Opričniku okreće eri Ivana Groznog. Povijesni događaji u Francuskoj, opisani u tragediji Schillera, poslužili su kao osnova za libreto Sluškinja Orleanska. Iz Puškinove "Poltave", koja opisuje doba Petra I, Čajkovski je zavjerovao za svoju operu Mazepa.

Skladatelj istovremeno stvara i lirsku i komičnu operu ("Kovač Vakula") i romantičnu ("Čarobnica").

Ali vrhunac opernog stvaralaštva - ne samo za samog Čajkovskog, već i za cijelu rusku operu 19. stoljeća - bile su njegove lirske opere Eugene Onegin i Pikova kraljica.

Čajkovski, odlučivši utjeloviti Puškinovo remek-djelo u opernom žanru, suočio se s ozbiljnim problemom: koji bi od raznolikih događaja "romana u stihu" mogao sastaviti libreto opere. Skladatelj se zaustavio na prikazivanju emotivne drame junaka Eugena Onjegina, koju je uspio prenijeti s rijetkom uvjerljivošću i impresivnom jednostavnošću.

Poput francuskog skladatelja Bizeta, Čajkovski je u Onjeginu nastojao pokazati svijet običnih ljudi, njihove veze. Rijedak melodični dar skladatelja, suptilna upotreba intonacija ruske romantike, karakteristična za svakodnevicu opisanu u Puškinovom djelu - sve je to Čajkovskom omogućilo da stvori djelo koje je bilo izuzetno dostupno i istodobno prikazuje složena psihološka stanja junaci.

U Pikovoj kraljici Čajkovski se pojavljuje ne samo kao genijalni dramatičar, sa oštrim osjećajem za zakone pozornice, već i kao veliki simfoničar, koji gradi akciju prema zakonima simfonijskog razvoja. Opera je vrlo svestrana. No njegova je psihološka složenost u potpunosti uravnotežena zadivljujućim arijama prožetim svijetlom melodijom, raznim ansamblima i zborovima.

Gotovo istodobno s ovom operom, Čajkovski je napisao bajkovitu operu Iolanta, iznenađujući svojim šarmom. Međutim, Pikova kraljica, zajedno s Eugenom Onjeginom, ostaju nenadmašne ruske opere-remek-djela 19. stoljeća.

5. SAVREMENA OPERA

Već je prvo desetljeće novog XX. Stoljeća pokazalo kakva se oštra promjena razdoblja dogodila u opernoj umjetnosti, koliko se različita opera prošloga i budućeg stoljeća.

Francuski skladatelj Claude Debussy predstavio je 1902. publici operu Pelléas et Mélisande (prema drami Maeterlincka). Ovaj je komad izvanredno nježan i profinjen. I baš u isto vrijeme, Giacomo Puccini napisao je svoju posljednju operu Madame Butterfly (premijera se održala dvije godine kasnije) u duhu najboljih talijanskih opera 19. stoljeća.

Tako završava jedno razdoblje u opernoj umjetnosti, a započinje drugo. Skladatelji koji predstavljaju operne škole koje su se razvile u gotovo svim većim europskim zemljama nastoje u svom radu kombinirati ideje i jezik nove ere s prethodno razvijenim nacionalnim tradicijama.

Nakon K. Debussyja i M. Ravela, autora sjajnih skladbi poput operne bufe "Španjolski sat" i fantastične opere "Dijete i magija", novi se glazbeni val pojavljuje u Francuskoj. Dvadesetih godina 20. stoljeća ovdje se pojavila skupina skladatelja, koja je ušla u povijest glazbe kao „ Šest". Uključivao je L. Dureyja, D. Millaua, A. Honeggera, J. Aurica, F. Poulenca i J. Tayfera. Sve je ove glazbenike ujedinio glavni kreativni princip: stvarati djela lišena lažne patetike, bliska svakodnevnom životu, ne uljepšavajući ga, već odražavajući ono što jest, sa svom prozom i svakodnevnim životom. Ovo kreativno načelo jasno je izrazio jedan od vodećih skladatelja šestorke, A. Honegger. "Glazba", rekao je, "mora promijeniti svoj karakter, postati istinita, jednostavna, glazba širokog koraka."

Kreativni suradnici, skladatelji šestorke, slijedili su različite putove. Štoviše, troje od njih - Honegger, Millau i Poulenc - plodno su radili u žanru opere.

Poulencova mono-opera "Ljudski glas" postala je neobična skladba, različita od grandioznih misterioznih opera. Komad, koji traje oko pola sata, razgovor je telefonom žene koju je ljubavnik napustio. Dakle, u operi je samo jedan lik. Jesu li operni autori prošlih stoljeća mogli zamisliti nešto slično!

Tridesetih godina 20. stoljeća rođena je američka nacionalna opera, primjer za to je "Porgy and Bess" D. Gershwina. Glavna značajka ove opere, kao i Gershwinova stila u cjelini, bila je široka upotreba elemenata crnačkog folklora, izražajnih sredstava jazza.

Ruski skladatelji također su napisali mnoge prekrasne stranice u povijesti svjetske opere.

Na primjer, Šostakovičeva opera Lady Macbeth iz okruga Mcensk (Katerina Izmailova), temeljena na istoimenoj priči N. Leskova, izazvala je žestoku raspravu. U operi nema "slatke" talijanske melodije, nema bujnih, spektakularnih cjelina i drugih boja poznatih operi prošlih stoljeća. Ali ako povijest svjetske operne umjetnosti smatramo borbom za realizam, za istinsko prikazivanje stvarnosti na sceni, onda je Katerina Izmailova nesumnjivo jedna od vrhunaca operne umjetnosti.

Domaće operno stvaralaštvo vrlo je raznoliko. Značajna djela stvorili su Yu. Shaporin (Decembristi), D. Kabalevsky (Cola Brunion, obitelj Taras), T. Khrennikov (U oluji, majka). Djelo S. Prokofjeva dalo je veliki doprinos svjetskoj opernoj umjetnosti.

Kao operni skladatelj, Prokofjev je debitirao davne 1916. godine operom Kockar (po Dostojevskom). Već u ovom ranom djelu jasno se osjetio njegov rukopis, kao u operi "Ljubav prema tri naranče", koja se pojavila nešto kasnije, a koja je imala velikog uspjeha.

Međutim, izvanredan talent Prokofjeva kao opernog dramatičara u potpunosti je otkriven u operama "Semyon Kotko", napisanim nakon priče V. Kataeva "Sin sam radnog naroda", a posebno u "Radu i miru", radnji od kojih je bio istoimeni ep L. Tolstoja ...

Nakon toga Prokofjev će napisati još dva operna djela - "Priču o stvarnom čovjeku" (prema priči B. Polevoya) i šarmantnu komičnu operu "Zaruke u samostanu" u duhu opere-zaljubljenika iz 18. stoljeća.

Većina Prokofjevljevih djela imala je tešku sudbinu. Svijetla originalnost glazbenog jezika u mnogim je slučajevima otežala njihovo odmah procjenjivanje u stvarnoj vrijednosti. Priznanje je došlo s odgodom. Tako je bilo i s klavirom, kao i s nekim njegovim orkestralnim skladbama. Slična je sudbina čekala operu Rat i mir. Istinski se cijenilo tek nakon autorove smrti. No, što je više godina prošlo od nastanka ovog djela, to su dublji otkriveni opseg i veličina ovog izvanrednog stvaralaštva svijeta opere.

Posljednjih desetljeća najpopularnije su rock opere temeljene na suvremenoj instrumentalnoj glazbi. Među njima su "Junona i Avos" N. Rybnikov, "Isus Krist, superzvijezda."

U posljednje dvije ili tri godine stvorene su tako izvrsne rock-opere poput katedrale Notre Dame Luca Rlamonta i Richarda Cauchintea, opredijeljene za besmrtno djelo Victora Huga. Ova je opera već primila mnoge nagrade na polju glazbene umjetnosti i prevedena je na engleski jezik. Ljetos se premijera ove opere održala u Moskvi na ruskom jeziku. Opera je također kombinirala nevjerojatno lijepu karakterističnu glazbu, baletne izvedbe i zborsko pjevanje.

Po mom mišljenju, ova me opera natjerala da ponovno pogledam opernu umjetnost.

6. STRUKTURA OPERA RADA

Koncept je polazna točka u stvaranju bilo kojeg umjetničkog djela. Ali u slučaju opere, rođenje koncepta ima posebno značenje. Prvo, to unaprijed određuje žanr opere; drugo, sugerira ono što može poslužiti kao književno platno za buduću operu.

Primarni izvor od kojeg skladatelj polazi obično je književno djelo.

Istodobno postoje opere, poput Verdijevog Trubadura, koje nemaju određene književne izvore.

No, u oba slučaja rad na operi započinje skladanjem libreto.

Nije lagan zadatak stvoriti operni libreto tako da je uistinu učinkovit, udovoljava scenskim zakonima i što je najvažnije, omogućuje skladatelju da izvodi izvedbu onako kako je interno čuje i da "ukalupljuje" svaki operni lik.

Od početka opere, pjesnici su autori libreta gotovo dva stoljeća. To uopće nije značilo da je tekst opernog libreta predstavljen u stihovima. Ovdje je važno još jedno: libreto bi trebao biti poetičan i već bi u tekstu - književna osnova arija, recitativa, ansambala - trebala zvučati buduća glazba.

U 19. stoljeću skladatelji, autori budućih opera, često su sami skladali libreto. Najupečatljiviji je primjer Richard Wagner. Za njega, umjetnika reformatora koji je stvorio svoja grandiozna platna - glazbene drame, riječ i zvuk bili su nerazdvojni. Wagnerova maštarija iznjedrila je scenske slike koje su u procesu kreativnosti "obrasle" književnim i glazbenim tijelom.

Pa čak i ako se u onim slučajevima kada se i sam skladatelj pokazao libretistom, libreto u literarnom smislu izgubio, ali autor ni u čemu nije odstupao od vlastite općenite ideje, svoje ideje o djelu u cjelini.

Dakle, imajući na raspolaganju libreto, skladatelj može zamisliti buduću operu u cjelini. Zatim dolazi sljedeća faza: autor odlučuje koje bi operativne forme trebao koristiti za ostvarenje određenih zaokreta u radnji opere.

Emocionalni doživljaji junaka, njihovi osjećaji, razmišljanja - sve se to stavlja u formu arije... U trenutku kada arija počinje zvučati u operi, čini se da se radnja zamrzava, a sama arija postaje svojevrsna "trenutna fotografija" herojeve države, njegovog priznanja.

Slična se svrha - prijenos unutarnjeg stanja opernog lika - može izvesti u operi balada, romantika ili ariozo... Međutim, arioso kao da zauzima srednje mjesto između arije i drugog najvažnijeg opernog oblika - recitativ.

Okrenimo se Rousseauovom "Glazbenom rječniku". "Recitativ", tvrdio je veliki francuski mislilac, "trebao bi služiti samo povezivanju položaja drame, dijeljenju i isticanju značenja arije, sprječavanju umora sluha ..."

U 19. stoljeću, naporima različitih skladatelja, težeći jedinstvu, cjelovitosti operne izvedbe, recitativ praktički nestaje, ustupajući mjesto velikim melodijskim epizodama, koje su po svojoj namjeni slične recitativima, ali u svom glazbenom utjelovljenju približavaju se arijama.

Kao što smo gore rekli, počevši od Wagnera, skladatelji napuštaju podjelu opere na arije i recitative, stvarajući jedinstveni, cjeloviti glazbeni govor.

Uz arije i recitative, važnu konstruktivnu ulogu u operi imaju i ansambli... Pojavljuju se tijekom radnje, obično na onim mjestima kada junaci opere počnu aktivno komunicirati. Oni igraju posebno važnu ulogu u onim fragmentima u kojima se događaju konfliktne, čvorne situacije.

Skladatelj se često koristi kao važno izražajno sredstvo i refren - u završnim scenama ili, ako radnja to zahtijeva, prikazati narodne scene.

Dakle, arije, recitativi, ansambli, zborske, a u nekim slučajevima i baletne epizode najvažniji su elementi operne izvedbe. Ali obično započinje sa uvertire.

Uvertira mobilizira publiku, uključuje je u orbitu glazbenih slika, likova koji će glumiti na pozornici. Često se uvertira temelji na temama koje se zatim igraju u operi.

I sad, napokon, iza nas stoji ogromno djelo - skladatelj je stvorio operu, ili bolje rečeno, napravio njen partitur ili klavir. Ali postoji ogromna udaljenost između popravljanja glazbe u notama i njenog izvođenja. Da bi opera - čak i ako je to izvanredno glazbeno djelo - postala zanimljiva izvedba, svijetla, uzbudljiva, potreban je rad ogromnog tima.

Produkcijom opere ravna dirigent uz pomoć redatelja. Iako se dogodilo da su veliki ravnatelji dramskog kazališta postavili operu, a dirigenti su im pomogli. Sve što je povezano s glazbenom interpretacijom - čitanje partiture orkestra, rad s pjevačima - područje je dirigiranja. Režiserska je nadležnost provesti scensko rješenje predstave - graditi mizanscene, rješavati svaku ulogu glumca.

Mnogo uspjeha produkcije ovisi o umjetniku koji skicira scenografiju i kostime. Dodajte tome rad horovođe, koreografa i, naravno, pjevača, i shvatit ćete koliko je teško, objedinjujući kreativni rad mnogih desetaka ljudi, postavljajući operu na sceni, koliko truda, kreativne mašte, ustrajnosti i talent treba primijeniti za stvaranje ovog najvećeg festivala glazbe, festivala kazališta, festivala umjetnosti, koji se naziva opera.

POPIS LITERATURE

1. Zilberkvit M.A. Svijet glazbe: Esej. - M., 1988.

2. Povijest glazbene kulture. Svezak 1. - M., 1968.

3. Kremlev Yu.A. O mjestu glazbe među umjetnostima. - M., 1966.

4. Enciklopedija za djecu. Svezak 7. čl. 3. dio Glazba, muzika. Kazalište. Kino / Pogl. izd. V.A. Volodin. - M.: Avanta +, 2000 (monografija).

Objavljeno na Allbest.ru

...

Slični dokumenti

    Karakteristike društvenog značaja opernog žanra. Proučavanje povijesti opere u Njemačkoj: preduvjeti za nastanak nacionalne romantične opere, uloga austrijskog i njemačkog singspiela u njezinu nastanku. Glazbena analiza Weberove opere "Vukova dolina".

    seminarski rad, dodan 28.04.2010

    P.I. Čajkovski kao skladatelj opere "Mazepa", kratki pregled njegovog života, stvaralačkog razvoja. Povijest pisanja ovog djela. V. Burenin kao autor libreta za operu. Glavni likovi, rasponi zborskih dijelova, poteškoće u dirigiranju.

    kreativni rad, dodano 25.11.2013

    Mjesto komornih opera u djelu N.A. Rimski-Korsakov. "Mozart i Salieri": književni izvor kao operni libreto. Glazbena drama i jezik opere. "Pskovite" i "Boyaryn Vera Sheloga": predstava L.A. Svibnja i libreto N.A. Rimski-Korsakov.

    teza, dodana 26.09.2013

    Kultura Purcella u Londonu: Glazba i kazalište u Engleskoj. Povijesni aspekt produkcije opere "Didona i Eneja". Tradicija i inovacije u njemu. Naum Tateovo tumačenje Eneide. Jedinstvenost drame i specifičnost glazbenog jezika opere "Didona i Eneja".

    seminarski rad, dodan 12.02.2008

    Važnost A. Puškina u formiranju ruske glazbene umjetnosti. Opis glavnih likova i ključnih događaja u tragediji A. Puškina "Mozart i Salieri". Značajke opere "Mozart i Salieri" N. Rimsky-Korsakov, njegov pažljiv stav prema tekstu.

    seminarski rad dodan 24.09.2013

    Gaetano Donizetti je talijanski skladatelj razdoblja Bel canta. Povijest nastanka i sažetak opere "Don Pasquale". Glazbena analiza Norine kavatine, značajke njezinih vokalnih i tehničkih izvedbi te glazbenih i izražajnih sredstava.

    sažetak dodan 13.07.2015

    Analiza opere R. Ščedrina "Mrtve duše", Ščedrinova interpretacija Gogoljevih likova. R. Shchedrin kao operni skladatelj. Karakteristike značajki glazbenog utjelovljenja slike Manilova i Nozdrjova. Razmatranje vokalnog dijela Čičikova, njezina intonacija.

    izvještaj dodan 22.05.2012

    Biografija N.A. Rimsky-Korsakov - skladatelj, učitelj, dirigent, javna osoba, glazbeni kritičar, član Moćne šačice. Rimsky-Korsakov utemeljitelj je žanra operne bajke. Zahtjevi carske cenzure za operu "Zlatni pijetao".

    prezentacija dodana 15.03.2015

    Kratka biografska bilješka iz života Čajkovskog. Stvaranje opere "Eugene Onegin" 1878. Opera kao "skromno djelo, napisano iz unutarnje strasti". Prvo izvođenje opere u travnju 1883., Onjegin, na carskoj pozornici.

    prezentacija dodana 29.01.2012

    Proučavanje povijesti žanra romantike u ruskoj glazbenoj kulturi. Odnos općih obilježja umjetničkog žanra i obilježja glazbenog žanra. Usporedna analiza žanra romantike u djelima N.A. Rimsky-Korsakov i P.I. Čajkovski.

Opera je žanr vokalne glazbene i dramske umjetnosti. Njegova je književna i dramska osnova libreto (verbalni tekst). Sve do sredine 18. stoljeća. u kompoziciji libreta prevladavala je određena shema, zbog ujednačenosti glazbenih i dramskih zadataka. Stoga su se isti libreto često koristili mnogi skladatelji. Kasnije je libreto počeo stvarati libretist u suradnji s skladateljem, što potpunije osigurava jedinstvo radnje, riječi i glazbe. Od 19. stoljeća. neki su skladatelji sami stvarali librete za svoje opere (G. Berlioz, R. Wagner, M. P. Musorgski, u 20. stoljeću S. Prokofjev, K. Orff i drugi).

Opera je sintetički žanr koji kombinira različite vrste umjetnosti u jednoj kazališnoj akciji: glazbu, dramu, koreografiju (balet), vizualne umjetnosti (scenografije, kostimi).

Razvoj opere usko je povezan s poviješću kulture ljudskog društva. Odražavali su akutne probleme našeg doba - društvenu nejednakost, borbu za nacionalnu neovisnost, domoljublje.

Opera se kao posebna umjetnička forma pojavila krajem 16. stoljeća. u Italiji pod utjecajem humanističkih ideja talijanske renesanse. Prvom se smatra opera "Euridika" skladatelja J. Perija, postavljena 6. listopada 1600. u firentinskoj palači Pitti.

Podrijetlo i razvoj različitih vrsta opere povezani su s talijanskom nacionalnom kulturom. Ovo je opera-serija (ozbiljna opera), napisana na herojsko-mitološkoj ili legendarno-povijesnoj radnji s prevladavanjem solo brojeva, bez refrena i baleta. A. Scarlatti stvorio je klasične primjere takve opere. Žanr opera-buffa (komična opera) nastao je u 18. stoljeću. zasnovan na realističnim komedijama i narodnim pjesmama kao vrsta demokratske umjetnosti. Opera buffa značajno je obogatila vokalne forme u operama, pojavile su se razne vrste arija i ansambala, recitatorske, proširene završnice. Tvorac ovog žanra bio je J. B. Pergolesi ("Sluškinja", 1733).

Njemačka komična opera, singspiel, povezana je s razvojem njemačkog nacionalnog glazbenog kazališta, u kojem se pjevanje i ples izmjenjuju s govornim dijalozima. Bečki Singspiel odlikovao se složenošću glazbenih oblika. Klasičan primjer pjevačkog singla je opera WA Mozarta Otmica iz Seraglia (1782.).

Francusko glazbeno kazalište dalo je svijet krajem 20-ih. XIX stoljeće. takozvana "velika opera" - monumentalna živopisna koja kombinira povijesni zaplet, patetiku, dramu s vanjskom dekorativnošću i scenskim efektima. Dvije tradicionalne grane francuske opere - lirska komedija i komična opera - bile su prožete idejama borbe protiv tiranije, odanosti visokoj dužnosti i idejama Velike francuske revolucije 1789. - 1794. U ovom je trenutku za francusko kazalište karakterističan žanr "opera-balet", gdje su baletne scene ekvivalentne vokalnim. U ruskoj glazbi primjer takve izvedbe je "Mlada" N. A. Rimskog-Korsakova (1892.).

Djela R. Wagnera, G. Verdija, G. Puccinija imala su velik utjecaj na razvoj operne umjetnosti (vidi zapadnoeuropsku glazbu 17.-20. Stoljeća).

Prve opere pojavile su se u Rusiji 70-ih godina. XVIII stoljeće. pod utjecajem ideja izraženih u želji da se istinito prikaže život ljudi. Opere su bile komadi s glazbenim epizodama. 1790. izvedba pod naslovom "Olegova početna uprava" izvedena je s glazbom K. Canobbioa, J. Sartija i V. A. Paškeviča. Do neke mjere, ova se izvedba može smatrati prvim primjerom glazbeno-povijesnog žanra, koji je bio toliko raširen u budućnosti. Opera u Rusiji formirala se kao demokratski žanr, u glazbi su u velikoj mjeri koristili svakodnevne intonacije, narodne pjesme. Riječ je o operama "Mlinar - čarobnjak, varalica i svat" M. M. Sokolovskog, "Gostionica u Sankt Peterburgu" M. A. Matinskog i V. A. Paškeviča, "Kočijaši na setu" E. I. Fomina, "Škrtac" , "Nesreću iz kočije" (jedna od prvih ruskih opera u kojima se dotiču problemi socijalne nejednakosti) Paškeviča, "Sokol" DS Bortnjanskog itd. (Vidi rusku glazbu 18. - početka 20. stoljeća).

Od 30-ih godina. XIX stoljeće. Ruska opera ulazi u svoje klasično razdoblje. Mihail Glinka, utemeljitelj ruskih opernih klasika, stvorio je narodno-domoljubnu operu Ivan Sušanin (1836.) i epsko-bajkoviti Ruslan i Ljudmila (1842.), postavljajući tako temelje za dva glavna pravca u ruskom glazbenom kazalištu: povijesnu operu i magiju ep. A. Dargomyzhsky stvorio je prvu u Rusiji socijalnu i svakodnevnu operu "Rusalka" (1855).

Doba 60-ih. izazvao je daljnji uspon ruske opere, što je bilo povezano s radom skladatelja Moćne šačice, PI Čajkovskog, koji je napisao 11 opera.

Kao rezultat oslobodilačkog pokreta u istočnoj Europi u XIX. formirane su nacionalne operne škole. Pojavljuju se i među nizom naroda predrevolucionarne Rusije. Predstavnici tih škola bili su: u Ukrajini - S. Gulak-Artemovsky ("Zaporozhets onkraj Dunava", 1863.), N. V. Lysenko ("Natalka Poltavka", 1889.), u Gruziji - M. A. Balanchivadze ("Darejan podmukli" 1897., u Azerbejdžan - U. Hajibeyov ("Leyli i Med-zhnun", 1908), u Armeniji - AT Tigranyan ("Anush", 1912). Razvoj nacionalnih škola odvijao se pod blagotvornim utjecajem estetskih principa ruskih opernih klasika.

Najbolji skladatelji svih zemalja uvijek su branili demokratske temelje i realne principe operskog stvaralaštva u borbi protiv reakcionarnih trendova. Bili su im tuđ i šematizam u radu skladatelja-epigona, naturalizam i nedostatak ideologije.

Posebno mjesto u povijesti razvoja opere pripada sovjetskoj opernoj umjetnosti, koja se oblikovala nakon Velike oktobarske socijalističke revolucije. S obzirom na svoj ideološki sadržaj, teme i slike, sovjetska je opera kvalitativno nova pojava u povijesti svjetskog glazbenog kazališta. Istodobno, ona nastavlja razvijati klasične tradicije operske umjetnosti prošlosti. U svojim djelima sovjetski skladatelji nastoje pokazati istinu života, otkriti ljepotu i bogatstvo duhovnog svijeta čovjeka, vjerno i raznoliko utjeloviti velike teme našeg vremena i povijesne prošlosti. Sovjetsko glazbeno kazalište oblikovalo se kao multinacionalno.

U 30-ima. pojavljuje se takozvani smjer "pjesma". To su "Tihi Don" II Dzeržinskog, "U oluji" TN Hrennikova i drugi. Izvanredna postignuća sovjetske opere uključuju "Semjona Kotka" (1939) i "Rat i mir" (1943, novo izdanje - 1952) SS Prokofjev, „Lady Macbeth iz okruga Mcensk“ (1932., novo izdanje - „Katerina Izmailova“, 1962.) DD Shostakovich-a. Stvoreni su živopisni primjeri nacionalnih klasika: "Daisi" Z. P. Paliashvilija (1923), "Almast" AA Spendiarova (1928), "Kor-ogly" Hajibeyova (1937).

Junačka borba sovjetskog naroda tijekom Velikog domovinskog rata 1941.-1945. Ogledala se u sovjetskoj operi: "Obitelj Taras" DB Kabalevskog (1947., 2. izd. - 1950.), "Mlada garda" Yu.S. Meitus (1947., 2. izd. - 1950.), "Priča o stvarnom čovjeku" Prokofjeva (1948.) itd.

Značajan doprinos sovjetskoj operi dali su skladatelji R. M. Glier, V. Ya-Shebalin, V. I. Muradeli, A. N. Kholminov, K. V. Molchanov, S. M. Slonimsky, Yu A. Shaporin, R. K. Shchedrin, OV Taktakishvili, EA Kapp, NG Zhiganov, TT Tulebaev i drugi.

Opera kao višestruko djelo uključuje razne izvedbene komponente - orkestralne epizode, scene publike, zborove, arije, recitative itd. Aria je glazbeni broj dovršen u strukturi i obliku u operi ili u glavnom vokalnom i instrumentalnom djelu - oratorij, kantata , misa itd. Njena uloga u glazbenom kazalištu slična je ulozi * i monologu u dramskoj izvedbi, ali arije, posebno u operi, čuju se mnogo češće, većina likova u operi ima individualnu ariju, dok za glavne likove skladatelj često sklada nekoliko njih.

Postoje sljedeće vrste arija. Jedna od njih - arietta prvi se put pojavila u francuskoj komičnoj operi, a zatim je postala raširena i zvuči u većini opera. Arietta se razlikuje jednostavnošću i pjesničkim karakterom melodije. Arioso karakterizira slobodan oblik prezentacije i deklamatorski pjesnički karakter. Cavatinu najčešće karakterizira lirsko-narativni karakter. Kavatine su različitog oblika: uz jednostavne, poput Berendeyeve kavatine iz Snježne djevojke, postoje i složenije, na primjer, Ljudmilina kavatina iz Ruslana i Ljudmile.

Cabaletta je vrsta lagane arije. Javlja se u djelima V. Bellinija, G. Rossinija, Verdija. Sadrži ritmički obrazac koji se stalno ponavlja, ritmičnu figuru.

Instrumentalni komad s melodijom ponekad se naziva i aria.

Recitativ je osebujan način pjevanja, blizak melodičnoj melodijskoj recitaciji. Gradi se na porastu i padu glasova, na temelju govornih intonacija, akcenta, stanki. Počinje načinom na koji narodni pjevači izvode epska, pjesnička djela. Pojava i aktivna upotreba recitativa povezana je s razvojem opere (XVI-XVII stoljeće). Recitativna melodija gradi se slobodno i uvelike ovisi o tekstu. U procesu razvoja opere, posebno talijanske, definirane su dvije vrste recitativa: suhi recitativ i pratnja. Prvi recitativ izvodi se uz "razgovor", u slobodnom ritmu, a podupiru ga zasebni izdržani akordi u orkestru. Ovaj se recitativ obično koristi u dijalozima. Pratili recitativ je melodičniji i izvodi se u jasnom ritmu. Orkestralna pratnja prilično je razvijena. Ovaj recitativ obično prethodi ariji. Izražajnost recitativa naširoko se koristi u klasičnim i modernim glazbenim žanrovima - operi, opereti, kantati, oratoriju, romansi.

Tannhäuser: Draga osobna računala, nemojte se uzrujati pretjeranim obiljem postova posljednjih dana ... Uskoro ćete imati prekrasnu priliku da se odmorite od njih ...) Tri tjedna ... Danas sam uključio ovu stranicu o operi u mom Dnevniku. Postoji tekst, slike uvećane ... Ostaje odabrati nekoliko videozapisa s opernim fragmentima. Nadam se da ćete uživati \u200b\u200bu svemu. Pa, razgovor o operi, naravno, tu ne završava. Iako broj sjajnih djela je ograničen ...)

Ovo je zanimljiva scenska izvedba sa specifičnom radnjom koja se odvija uz glazbu. Ogromno djelo skladatelja koji je napisao operu ne može se podcijeniti. Ali ne manje važna je izvedbena vještina koja pomaže prenijeti glavnu ideju djela, nadahnjuje publiku i donosi glazbu u srca ljudi.

Postoje imena koja su postala sastavni dio izvedbenih umjetnosti u operi. Masivni bas Fyodora Chaliapina zauvijek je utonuo u duše ljubitelja opernog pjevanja. Jednom sanjao da postane nogometaš, Luciano Pavarotti postao je prava operna super zvijezda. Enrico Caruso iz djetinjstva je govorio o tome da nije imao ni sluha ni glasa. Sve dok se pjevač nije proslavio svojim jedinstvenim bel cantom.

Opera zaplet

Može se temeljiti na povijesnoj činjenici i mitologiji, bajci ili dramskom djelu. Da biste razumjeli što ćete čuti u operi, stvara se libreto tekst. No, da bi se upoznao s operom, libreto nije dovoljan: uostalom, sadržaj se putem umjetničkih slika prenosi glazbenim izražajnim sredstvima. Poseban ritam, svijetla i osebujna melodija, složena orkestracija, kao i glazbene forme koje je skladatelj odabrao za pojedine scene - sve to stvara masivan žanr operne umjetnosti.

Opere se razlikuju po strukturi od kraja do kraja i brojevima. Ako govorimo o brojevnoj strukturi, onda je ovdje glazbena cjelovitost jasno izražena, a solo brojevi imaju imena: arioso, aria, arietta, romance, cavatina i drugi. Dovršena vokalna djela pomažu u potpunosti otkriti karakter junaka. Annette Dasch, njemačka pjevačica, izvodila je uloge poput Antonije iz Offenbachovih "Priča o Hoffmannu", Rosalind iz "Šišmiša" Straussa, Pamin iz "Čarobne frule" Mozarta. Višestruki talent pjevača mogla je uživati \u200b\u200bpublika Metropolitanske opere, Kazališta na Jelisejskim poljima, kao i Tokijske opere.

Uz vokalne "zaobljene" brojeve u operama koriste se glazbenom deklamacijom - recitativom. Ovo je izvrsna poveznica između različitih vokalnih tema - arija, zborova i ansambala. Komičnu operu odlikuje odsustvo recitativa, ali zamjenjuje njihov izgovoreni tekst.

Balske scene u operi smatraju se ubačenim neosnovnim elementima. Često ih se može bezbolno eliminirati iz opće radnje, ali postoje opere u kojima se plesni jezik ne može osloboditi da bi se glazbeno djelo dovršilo.

Operna izvedba

Opera kombinira vokal, instrumentalnu glazbu i ples. Uloga orkestralne pratnje je značajna: uostalom, to nije samo pratnja pjevanju, već i njegovo dodavanje i obogaćivanje. Orkestralni dijelovi mogu biti i neovisni brojevi: prekidi u glumima, uvođenja arija, zborova i uvertira. Mario Del Monaco postao je poznat zahvaljujući izvedbi dijela Radamesa iz opere "Aida" Giuseppea Verdija.

Govoreći o opernom kolektivu, treba imenovati soliste, zbor, orkestar, pa čak i orgulje. Glasovi opernih izvođača dijele se na muške i ženske. Ženski operni glasovi - sopran, mezzosopran, kontralto. Mužjak - kontratenor, tenor, bariton i bas. Tko bi mogao pomisliti da će Benjamino Gigli, koji je odrastao u siromašnoj obitelji, godinama kasnije, otpjevati ulogu Fausta iz Mefistofela.

Vrste i oblici opere

Određeni oblici opere razvili su se povijesno. Najklasičnija verzija može se nazvati velikom operom: ovaj stil uključuje djela Rossinijeva Wilhelma Tell-a, Verdijevu sicilijansku večernju, Berliozove Trojane.

Uz to, opere su komične i polukomične. Značajke svojstvene komičnoj operi očitovale su se u djelima Mozarta "Don Giovanni", "Figarova ženidba" i "Otmica iz Seraglia". Opere zasnovane na romantičnoj radnji nazivaju se romantičnim: Wagnerova djela "Lohengrin", "Tannhäuser" i "Wanderer Sailor" mogu se pripisati ovoj sorti.

Timbar glasa opernog izvođača je od posebne važnosti. Sumi Yo je vlasnik najrjeđeg timbra - koloraturnog soprana , čiji se prvijenac dogodio na sceni kazališta Verdi: pjevačica je otpjevala ulogu Gilde iz Rigoletta, kao i Joan Elston Sutherland, koja je četvrt stoljeća pjevala dio Lucije iz Donizettijeve opere Lucia di Lammermoor.

Opera balade pojavila se u Engleskoj i više podsjeća na izmjenu scena razgovora s folklornim elementima pjesama i plesova. Pepush s "Opera prosjaka" postao je pionir balade opere.

Operni izvođači: operni pjevači i pjevači

Budući da je svijet glazbe prilično raznolik, o operi treba govoriti na posebnom jeziku koji je razumljiv istinskim ljubiteljima klasične umjetnosti. O najboljim izvođačima na svjetskim prostorima možete saznati na našoj web stranici pod naslovom „Izvođači » .

Iskusni ljubitelji glazbe zasigurno će rado čitati o najboljim izvođačima klasičnih opera. Glazbenici kao što je Andrea Bocelli postali su dostojna zamjena najtalentiranijim vokalistima formiranja operne umjetnosti. , čiji je idol bio Franco Corelli. Kao rezultat toga, Andrea je pronašla priliku da upozna svog idola i čak je postala njegov student!

Giuseppe Di Stefano čudom nije ušao u vojsku, zahvaljujući svom nevjerojatnom ritmu glasa. Titto Gobbi namjeravao je postati odvjetnik i posvetio je život operi. O tim i drugim izvođačima - opernim pjevačima možete puno saznati u odjeljku "Muški glasovi".

Kad smo već kod opernih diva, ne možemo se ne prisjetiti tako sjajnih glasova kao Annick Massis, koja je debitirala na pozornici opere u Toulouseu dijelom iz Mozartove opere "Zamišljeni vrtlar".

Daniel De Niz s pravom se smatra jednim od najljepših vokalista, koji je tijekom svoje karijere izvodio solo dionice u operama Donizettija, Puccinija, Delibesa i Pergolesija.

Montserrat Caballe. Puno je rečeno o ovoj nevjerojatnoj ženi: malo je izvođača moglo zaraditi titulu "Diva svijeta". Unatoč činjenici da je pjevačica u godinama, publiku nastavlja oduševljavati svojim veličanstvenim pjevanjem.

Mnogi su nadareni operni izvođači učinili prve korake na domaćim otvorenim prostorima: Victoria Ivanova, Ekaterina Shcherbachenko, Olga Borodina, Nadezhda Obukhova i drugi.

Amalia Rodrigues je portugalska pjevačica fada, a Patricia Ciofi, talijanska operna diva, prvi se put prijavila na glazbeno natjecanje kada je imala tri godine! Ova i druga velika imena najljepših predstavnika opernog žanra - opernih pjevačica - mogu se naći u odjeljku "Ženski glasovi".

Opera i kazalište

Duh opere doslovno se infiltrira u kazalište, prodire na pozornicu, a pozornice na kojima su nastupali legendarni izvođači postaju kultne i značajne. Kako se ne prisjetiti najvećih opera La Scala, Metropolitan Opera, Bolshoi Theatre, Mariinsky Theatre, Berlinska državna opera i druge. Na primjer, Covent Garden (Kraljevska opera) preživio je katastrofalne požare 1808. i 1857. godine, ali većina elemenata sadašnjeg kompleksa je obnovljena. O ovim i drugim poznatim scenama možete pročitati u odjeljku "Mjesta".

U davna vremena vjerovalo se da se glazba rađa sa svijetom. Štoviše, glazba uklanja mentalna iskustva i blagotvorno djeluje na duhovnost pojedinca. Pogotovo što se tiče operske umjetnosti ...