Най-известните японски художници и техните картини. Появата на европейски стилове
Здравейте скъпи читатели - търсачи на знания и истина!
Японските художници се отличават с уникалния си стил, усъвършенстван от поколения художници. Днес ще ви разкажем за най-изявените представители на японската живопис и техните картини, от древни времена до модерни времена.
Е, нека се потопим в изкуството на Страната на изгряващото слънце.
Раждането на изкуството
Древното изкуство на живописта в Япония е свързано преди всичко с особеностите на писането и поради това е изградено върху основите на калиграфията. Първите образци включват фрагменти от бронзови камбани, съдове и предмети от бита, намерени при разкопки. Много от тях са боядисани с естествени багрила, а изследванията сочат, че продуктите са направени по-рано от 300 г. пр. Н. Е.
Нов кръг в развитието на изкуството започна с пристигането в Япония. На емакимоно - специални свитъци от хартия - бяха приложени изображения на божествата от пантеона на будизма, сюжети от живота на Учителя и неговите последователи.
Преобладаването на религиозните теми в живописта може да се проследи в средновековна Япония, а именно от 10 до 15 век. Уви, имената на художниците от онази епоха не са оцелели и до днес.
В периода от 15 до 18 век започва нова ера, характеризираща се с появата на художници с развит индивидуален стил. Те определиха вектора по-нататъчно развитие визуални изкуства.
Ярки представители на миналото
Напрегнат Шубун (началото на 15 век)
За да стане изтъкнат майстор, Сюбун изучава техниката на писане на китайските изпълнители на песни и тяхното творчество. Впоследствие той става един от основателите на живописта в Япония и създател на sumi-e.
Sumi-e - художествен стил, който се основава на рисунка с мастило, което означава един цвят.
Шубун направи много нов стил пусна корени в артистичните среди. Преподаваше изкуство на други таланти, включително бъдещи известни художници, например Sesshu.
Най-популярната картина на Шубун се нарича Четене в бамбуковата горичка.
„Четене в бамбуковата горичка“ от Напрегнатия Шубун
Хасегава Тохаку (1539-1610)
Той става основател на училище, наречено на негово име - Хасегава. Отначало той се опитва да следва каноните на школата в Кано, но постепенно индивидуалният му „почерк“ започва да се проследява в неговите произведения. Тохаку се ръководеше от графиките на Сешу.
Основата на работата е съставена от прости, лаконични, но реалистични пейзажи с неусложнени имена:
- "Борове";
- "Клен";
- „Борове и цъфтящи растения“.
"Боровете", Хасегава Тохаку
Братя Огата Корин (1658-1716) и Огата Кензан (1663-1743)
Братята бяха отлични майстори от 18 век. Най-големият, Огата Корин, се посвещава изцяло на живописта и основава жанра римп. Той избягва стереотипните образи, предпочитайки импресионистичния жанр.
Огата Корин рисува природата като цяло и цветята като яркост на абстракциите в частност. Неговите четки принадлежат към картините:
- „Сливов цвят червен и бял“;
- „Вълни на Мацушима“;
- „Хризантеми“.
„Вълните на Мацушима“ от Огата Корин
По-малкият брат - Огата Кензан - имаше много псевдоними. Въпреки че се занимаваше с живопис, той беше по-известен като прекрасен керамик.
Огата Кензан е владеел много техники за създаване на керамика. Той се отличаваше с нестандартен подход, например, той създаде плочи под формата на квадрат.
Собствената му живопис не се отличаваше с разкош - това беше и неговата черта. Той обичаше да прилага калиграфия върху продукти като свитък или откъси от поезия. Понякога са работили заедно с брат си.
Кацушика Хокусай (1760-1849)
Работил е в стила ukiyo-e - вид дърворезба, с други думи, гравиране. За цялото време на творчество той смени около 30 имена. Най-известната творба - "Голямата вълна от Канагава", благодарение на която той стана известен извън родината си.
Голямата вълна край Канагава от Хокусай Кацушика
Хокусай започна да работи особено усилено след 60 години, което донесе добри резултати. Ван Гог, Моне, Реноар бяха запознати с неговата работа и до известна степен това повлия на творбите на европейските майстори.
Андо Хирошиге (1791-1858)
Един от най-великите художници 19 век. Роден, живял, работил в Едо, продължил делото на Хокусай, бил вдъхновен от неговите творби. Начинът, по който той изобразява природата, е почти толкова поразителен, колкото броят на самите творби.
Едо е предишното име на Токио.
Ето някои фигури за неговата работа, които са представени от цикъл от картини:
- 5,5 хиляди - броят на всички гравюри;
- „100 гледки на Едо;
- „36 гледки на Фуджи“;
- „69 станции на Кисокайдо“;
- "53 станции на Токайдо".
Картина от Андо Хирошиге
Интересното е, че изключителният Ван Гог нарисува няколко копия от своите отпечатъци.
Съвременност
Такаши Мураками
Художник, скулптор, моден дизайнер, той си спечели име още в края на 20-ти век. В работата си тя се придържа към модните тенденции с елементи на класика и черпи вдъхновение от аниме и манга карикатури.
Живопис от Такаши Мураками
Произведенията на Такаши Мураками се считат за субкултура, но в същото време са изключително популярни. Например през 2008 г. едно от произведенията му е закупено на търг за повече от 15 милиона долара. По мое време съвременен създател работи съвместно с модните къщи "Marc Jacobs" и "Louis Vuitton".
Тихо Асима
Придружител на предишния художник, тя създава модерни сюрреалистични картини. Те изобразяват гледки към градове, улици на мегаполиси и същества, сякаш от друга вселена - призраци, зли духове, извънземни момичета. На фона на картините често можете да видите девствената, понякога дори плашеща природа.
Нейните картини достигат големи размери и рядко се ограничават до хартиени носители. Те се прехвърлят върху кожени, пластмасови материали.
През 2006 г., като част от изложба в британската столица, жена създаде около 20 сводести структури, които отразяват красотата на провинцията и града, денем и нощем. Един от тях украсяваше метростанцията.
Хей Аракава
Младежът не може да бъде наречен просто художник в класическия смисъл на думата - той създава инсталации, които са толкова популярни в изкуството на 21 век. Темите на изложбите му са наистина японски и засягат приятелски отношения, както и работата на целия екип.
Хей Аракава често участва в различни биеналета, например във Венеция, е изложен в музей съвременно изкуство у дома, заслужено получава различни видове награди.
Икенага Ясунари
Съвременният художник Икенага Ясунари успя да съчетае две на пръв поглед несъвместими неща: живота на днешните момичета в портретна форма и традиционните техники на Япония от древността. В работата си художникът използва специални четки, естествени пигментирани бои, мастило, въглен. Вместо обичайното бельо - ленена тъкан.
Живопис от Икенага Ясунари
Подобна контрастна техника на изобразената епоха и външен вид героините създават впечатлението, че са се върнали при нас от миналото.
Популярни в отскоро в интернет общността поредица от картини за сложността на живота на крокодила е създадена и от японския карикатурист Кейго.
Заключение
Така, японска живопис възниква около 3 век пр. н. е. и се е променил много оттогава. Първите изображения са приложени върху керамика, след това будистките мотиви започват да преобладават в изкуствата, но имената на авторите не са оцелели и до днес.
В ерата на модерните времена майсторите на четката придобиват все повече и повече индивидуалност, създават различни посоки, училища. Днешното изобразително изкуство не се ограничава до традиционната живопис - използват се инсталации, анимационни филми, художествени скулптури и специални конструкции.
Благодаря ви много за вниманието, скъпи читатели! Надяваме се, че нашата статия ви е била полезна и историите за живота и работата на най-ярките представители на изкуството ви позволиха да ги опознаете по-добре.
Разбира се, в една статия е трудно да се разкаже за всички художници от древността до наши дни. Затова нека това бъде първата стъпка към познаването на японската живопис.
И се присъединете към нас - абонирайте се за блога - нека заедно изучаваме будизма и културата на Изтока!
Която обхваща много техники и стилове. През цялата история на своето съществуване той е претърпял голям брой промени. Добавени са нови традиции и жанрове, а оригиналните японски принципи остават. Заедно с невероятна история Японската живопис също е готова да представи много уникални и интересни факти.
Древна Япония
Първите стилове се появяват в най-древните исторически период страни, дори пр.н.е. д. Тогава изкуството беше доста примитивно. Първо, през 300 г. пр. Н. Е. д., различни геометрични фигури, които се извършвали върху керамика с пръчки. Подобна находка на археолозите като украшение върху бронзови камбани датира от по-късно време.
Малко по-късно, вече през 300 г. сл. Н. Е. д. се появяват пещерни рисунки, които са много по-разнообразни от геометричния орнамент. Това са вече пълноценни изображения с изображения. Те бяха открити в криптите и вероятно хората, които са рисувани върху тях, бяха погребани в тези гробища.
През 7 век от н.е. д. Япония приема писмеността, която идва от Китай. Приблизително по същото време оттам дойдоха първите снимки. Тогава рисуването се появява като отделна област на изкуството.
Едо
Едо далеч не е първата и не последната картина, но именно тя донесе много нови неща в културата. Първо, това са яркостта и цветът, които бяха добавени към обичайната техника, изпълнени в черни и сиви тонове. Най-видният художник на този стил е Сотасу. Той създава класически картини, но героите му са много цветни. По-късно той премина към природата и повечето пейзажи бяха изпълнени на фона на позлата.
На второ място, през периода на Едо се появява екзотиката, жанрът намбан. В него са използвани съвременни европейски и китайски техники, които са били преплетени с традиционните японски стилове.
И трето, появява се училището Нанг. В него художниците първо напълно имитират или дори копират произведенията на китайски майстори. Тогава се появява нов клон, който се нарича бънджи.
Период на модернизация
Периодът Едо е заменен от Мейджи, а сега японската живопис е принудена да навлезе в нов етап на развитие. През това време жанрове като уестърн и други подобни стават популярни по целия свят, така че модернизирането на изкуството се превръща в общо състояние на нещата. Въпреки това, в Япония, страна, в която всички хора уважават традициите, в даденото време състоянието на нещата се различава значително от това, което се е случило в други страни. Тук конкуренцията между европейски и местни техници рязко пламва.
Правителството на този етап дава предпочитание на млади художници, които показват големи надежди за подобряване на своите умения в западни стилове. Затова ги изпращат в училища в Европа и Америка.
Но това беше само в началото на периода. Факт е, че известни критици по-скоро силно критикувано западното изкуство. За да се избегне много вълнение по този въпрос, европейските стилове и техники започнаха да бъдат забранени по време на изложби, показването им спря, както и популярността.
Появата на европейски стилове
Следва периодът на Тайшо. По това време младите художници, напуснали да учат в чуждестранни училища, се връщат в родината си. Естествено те носят със себе си нови стилове на японската живопис, които много приличат на европейските. Появяват се импресионизмът и постимпресионизмът.
На този етап се формират много училища, в които древните японски стилове се възраждат. Но не е възможно напълно да се отървем от западните тенденции. Затова трябва да комбинирате няколко техники, за да зарадвате както любителите на класиката, така и феновете на съвременната европейска живопис.
Някои училища се финансират от държавата, което помага да се запазят много от националните традиции. Частните търговци са принудени да следват примера на потребителите, които са искали нещо ново, уморени са от класиката.
Живопис от Втората световна война
След настъпването на военното време японската живопис остава известно време встрани. Развива се отделно и независимо. Но това не може да продължи вечно.
С течение на времето, когато политическата ситуация в страната се влошава, високи и уважавани фигури привличат много художници. Някои от тях в началото на войната започват да творят в патриотични стилове. Останалите започват този процес само по заповед на властите.
Съответно японското изобразително изкуство не беше в състояние да се развива особено по време на Втората световна война. Следователно, за боядисване може да се нарече застой.
Вечна суибокуга
Японската живопис sumi-e или suibokuga, в превод означава „рисуване с мастило“. Това определя стила и техниката. от това изкуство... Идва от Китай, но японците решават да го нарекат по свой начин. И първоначално техниката нямаше никаква естетическа страна. Използвана е от монаси за самоусъвършенстване по време на изучаване на дзен. Освен това първоначално рисували картини, а по-късно тренирали концентрацията си, докато ги разглеждали. Монасите вярвали, че строги линии, неясни тонове и сенки - всичко, което се нарича монохромно - помагат за култивирането.
Японската живопис с мастило, въпреки голямото разнообразие от картини и техники, не е толкова сложна, колкото може да изглежда на пръв поглед. Той се основава само на 4 парцела:
- Хризантема.
- Орхидея.
- Клон от слива.
- Бамбук.
Малък брой парцели не прави овладяването на техниката бързо. Някои майстори вярват, че ученето продължава цял живот.
Въпреки факта, че sumi-e се появи отдавна, той винаги е в търсенето. Освен това днес можете да срещнете майсторите на това училище не само в Япония, то е широко разпространено и далеч извън неговите граници.
Модерен период
След края на Втората световна война изкуството в Япония процъфтява едва през големи градове, селяните и селяните имаха достатъчно грижи. В по-голямата си част художниците се опитват да се отвърнат от загубите от военните времена и да изобразят съвременния градски живот с всичките му украшения и характеристики на платна. Европейските и американските идеи бяха успешно приети, но това състояние на нещата не продължи дълго. Много майстори започнаха постепенно да се отдалечават от тях към японски училища.
Традиционният стил винаги е оставал модерен. Следователно съвременната японска живопис може да се различава само по техниката на изпълнение или използваните в процеса материали. Но повечето художници не приемат добре различни иновации.
На мода съвременни субкултурикато аниме и подобни стилове. Много художници се опитват да размият границата между класиката и това, което се търси днес. В по-голямата си част това състояние на нещата се дължи на търговията. Класика и традиционни жанрове всъщност те не купуват, съответно е нерентабилно да работиш като художник в любимия си жанр, трябва да се адаптираш към модата.
Заключение
Несъмнено японската живопис е съкровищница на изящното изкуство. Може би въпросната държава беше единствената, която не последва примера на западните тенденции, не започна да се адаптира към модата. Въпреки многото удари по времето на пристигането на новите техники, японските художници все още успяват да защитят националните традиции в много жанрове. Това вероятно е причината в днешно време картините, направени в класически стилове, да бъдат високо ценени на изложбите.
Хокусай, японски художник от 18-ти век, създава шеметна сума произведения на изкуството... Хокусай работи до дълбока старост, неизменно твърдейки, че „всичко, което е правил преди 70-годишна възраст, не си струва и не си заслужава внимание“.
Може би най-известният японски художник в света, той винаги се е отличавал от своите съвременници с интереса си към ежедневието. Вместо да изобразява бляскави гейши и героични самураи, Хокусай рисува работници, рибари, градски жанрови сцени, които все още не са обект на интерес за японско изкуство... Той също така възприе европейски подход към композицията.
Тук кратък списък ключови термини, които ще ви помогнат да се ориентирате малко в работата на Хокусай.
1 Ukiyo-e - Графики и рисунки, популярни в Япония от 1600-те до 1800-те. Посока към изящни изкуства Япония, която се е развила от периода на Едо. Този термин идва от думата "ukiyo", което означава "променящият се свят". Uikie е намек за хедонистичните радости на процъфтяващата търговска класа. В тази посока Хокусай е най-известният художник.
През целия си живот Хокусай е използвал поне тридесет псевдонима. Въпреки факта, че използването на псевдоними е често срещана практика сред японските художници от онова време, той значително надминава другите големи автори по брой псевдоними. Псевдонимите на Хокусай често се използват за периодизиране на етапите от работата му.
2 Периодът Едо е времето между 1603 и 1868 г. в японската история, когато се отбелязва икономически растеж и нов интерес към изкуството и културата.
3 Shunrō е първият от псевдонимите на Hokusai.
4 Shunga буквално означава „картина на пролетта“, а „пролетта“ е японски жаргон за секс. По този начин това са гравюри от еротичен характер. Те са създадени от най-уважаваните художници, включително Хокусай.
5 Суримоно. Последните „суримоно“ - както бяха наречени тези отпечатъци по поръчка - постигнаха огромен успех. За разлика от отпечатъците ukiyo-e, предназначени за широката публика, суримоно рядко се продава на широката публика.
6 Планината Фуджи е симетрична планина, която се оказва най-високата в Япония. През годините тя вдъхновява много художници и поети, включително Хокусай, който продуцира поредицата ukiyo-e „Тридесет и шест гледки на планината Фуджи“. Тази поредица включва най-известните щампи на Хокусай.
7 Японизъм - трайното влияние, което Хокусай е оказал върху следващите поколения западни художници... Японизмът е стил, вдъхновен от живите цветове на отпечатъците ukiyo-e, липсата на перспектива и експериментите с композицията.
Обичате ли японската живопис? Колко знаете за известните японски художници? Нека разгледаме с вас в тази статия най-много известни художници Япония, която създава своите произведения в стила ukiyo-e (浮世 絵). Този стил на рисуване се е развил от периода на Едо. Йероглифите, с които е написан този стил 絵 絵 буквално означават „снимки (изображения) на променящ се свят“, можете да прочетете повече за тази посока на рисуване
Хисикава Моронобу (菱 川 師 宣, 1618-1694). Той се смята за основател на жанра ukiyo-e, въпреки че всъщност той е само първият майстор, чийто живот е съхранил биографична информация. Моронобу е роден в семейството на майстор на боядисване и бродиране на тъкани със златни и сребърни конци и от дълго време се занимава със семейния занаят, следователно отличителна черта на неговата работа са красиво декорираните дрехи на красавици, които дават прекрасен артистичен ефект.
След като се премества в Едо, първо изучава техники за рисуване самостоятелно, а след това художникът Камбун продължава обучението си.
Повечето албуми на Моронобу са стигнали до нас, в които той изобразява исторически и литературни сюжети и книги с мостри на шарки за кимоно. Майсторът е работил и в жанра шунга, а сред отделните творби няколко са оцелели с образа на красиви жени. 
(鳥 居 清 長, 1752-1815). Признат в края на 18-ти век, майсторът Секи (Секигучи) Шинсуке (Ишибей) носи псевдонима Торий Кийонага, който взема, когато наследява училището Укийо-е Тории от Торий Кийомицу след смъртта на последния.
Кийонага е роден в семейството на продавача на книги Ширакоя Ишибей. Жанрът на бидзинг му донесе най-голямата слава, въпреки че той започна с yakusha-e. Темите за гравюрите в жанра бидзинг са взети от ежедневието: разходки, празнични шествия, излизане сред природата. Сред многото творби на художника, поредицата "Състезания на модни красавици от весели квартали", изобразяващи Минами, една от "веселите квартири" в южната част на Едо, "12 портрета на южните красавици", "10 вида магазини за чай " Да изпъкнеш. Отличителна черта майсторът беше подробно проучване на фоновия изглед и използването на техники, дошли от Запада за изобразяване на светлина и пространство.
Кийонага придобива първоначалната си слава с възобновяването през 1782 г. на поредицата „Модели на модата: Модели нови като пролетна зеленина“, започната от Корюсай през 1770 г. за издателя Нишимурай Йохачи.
(喜 多 川 歌 麿, 1753-1806). По този изключителен майстор ukiyo-e е повлиян от Torii Kiyonaga и издателя Tsutaya Juzaburo. В резултат на дългосрочното сътрудничество с последната бяха публикувани много албуми, книги с илюстрации и серии отпечатъци.
Въпреки факта, че Утамаро взема сюжети от живота на обикновените занаятчии и се опитва да изобрази природата („Книга за насекомите“), славата му дойде като художник на произведения, посветени на гейши от квартал Йошивара („Годишник на зелените къщи на Йошивара“) ).
Утамаро достигна високо ниво на изразяване състояния на ума на хартия. За първи път в японския дърворез започва да използва композиции за бюст.
Работата на Утамаро повлия френски импресионисти и допринесе за интереса на европейците към японските щампи.
(葛 飾 北 斎, 1760-1849). Истинското име на Хокусай е Токитаро. Вероятно най-известният майстор на укийо-е по света. По време на работата си той използва над тридесет псевдонима. Историците често използват псевдоними, за да периодизират работата му.
Отначало Хокусай работи като резбар, чиято работа се ограничава до намерението на художника. Този факт тежеше на Хокусай и той започна да търси себе си като независим художник.
През 1778 г. той става чирак в студиото на Katsukawa Shunshс, специализиран в отпечатъци на yakusha-e. Хокусай беше едновременно талантлив и много усърден ученик, който винаги показваше уважение към учителя и затова се радваше на специалното благоволение на Шуншо. По този начин, първата самостоятелна работа Хокусай бяха в жанра якуша-е под формата на диптихи и триптихи и популярността на ученика се равняваше на тази на учителя. По това време младият майстор вече беше развил таланта си толкова много, че се чувстваше тесен в рамките на едно училище, а след смъртта на учителя си Хокусай напусна студиото и изучи указанията на други училища: Кано, Сотацу (иначе - Koetsu), Rimpa, Tosa.
През този период художникът изпитва значителни финансови затруднения. Но в същото време той се оформя като господар, който отказва познатия образ, който обществото е изисквало, и търси своя собствен стил.
През 1795 г. са публикувани илюстрации към поетичната антология „Кака Едо Мурасаки“. Тогава Хокусай рисува картини от суримоно, които веднага стават популярни и много художници започват да ги имитират.
От този период Токитаро започва да подписва творбите си с името Хокусай, въпреки че някои от неговите творби са публикувани под псевдонимите Тацумаса, Токитаро, Како, Соробеку.
През 1800 г. майсторът започва да се нарича Гакеджин Хокусай, което означава „Рисуване на луд хокусай“.
Забележителните серии от илюстрации включват 36 гледки към планината Фуджи, от които вятърът на победата е най-виден. Ясен ден “или„ Червеният Фуджи “и„ Голямата вълна от Канагава “,„ 100 гледки към планината Фуджи “, издадени в три албума„ Манга Хокусай “(北 斎 漫画), която се нарича„ енциклопедията на японския народ “ ”. Художникът влага всички свои възгледи за творчеството и философията в „Манга“. Манга е най-важният източник за изучаване на живота на Япония по това време, тъй като включва много културни аспекти. Общо по време на живота на художника са публикувани дванадесет броя, а след смъртта му - още три:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI, VII
* 1849 - XIII (след смъртта на художника)
Изкуството на Хокусай е повлияло на европейските тенденции като ар нуво и френския импресионизъм.
(河 鍋 暁 斎, 1831 -1889). Той използва псевдонимите Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Doujin, учи в училището в Кано.
За разлика от Хокусай, Киосай беше доста нахален, което го накара да се раздели с художника Цубояма Тозан. След училище той става независим майстор, въпреки че понякога го посещава още пет години. По това време той рисува кьога, така наречените „луди снимки“.
Сред изключителните гравюри се отличава „Стоте снимки на Киосай“. Като илюстратор, Kyosai създава образи за романи и романи в сътрудничество с други художници.
В края на 19 век европейците често посещават Япония. Художникът е бил запознат с някои от тях и няколко от творбите му сега се намират в Британския музей.
(歌 川 広 重, 1797-1858). Работил е под псевдонима Андо Хирошиге (安藤 広 重) и е известен със своето фино представяне на природни мотиви и природни явления. Първата картина „Планината Фуджи в снега“, която сега се съхранява в музея „Сунтори“ в Токио, той рисува на десетгодишна възраст. Сюжетите на ранните творби са базирани на реални събитиясе провежда по улиците. Неговите известни цикли: "100 гледки на Едо", "36 гледки на планината Фуджи", "53 станции на Токайдо", "69 станции на Кимокайдо", "100 известни гледки на Едо". Моне и руският художник Билибин бяха силно повлияни от 53 станции на пътя Токайдо, рисувани след пътуване по Източния морски път, както и 100 гледки на Едо. От поредицата в жанра katyo-ga от 25 гравюри най-известен е листът „Врабчета над камелия, покрита със сняг“.
(歌 川 国 貞, известен също като Utagawa Toyokuni III (三代 歌 川 豊 国)). Един от най изключителни художници ukiyo-e.
Обърнах специално внимание на актьорите кабуки и самия театър - това е около 60% от всички произведения. Известни са също произведения в жанра наддаване и портрети на сумисти. Известно е, че той е създал от 20 до 25 хиляди парцела, които включват 35-40 хиляди листа. Рядко се обръщаше към пейзажи и воини. Утагава Кунийоши (歌 川 国 芳, 1798 - 1861). Роден в семейството на копринено бояджия. Кунийоши започва да учи рисуване на десетгодишна възраст, докато живее с художника Кунинао в семейството им. След това продължава обучението си при Кацукава Шуней, а на 13 години влиза в работилницата в Токуйони. Първите години на млад художник нещата не вървят добре. Но след като получи поръчка от издателя Kagaya Kitibei за пет разпечатки за серията 108 Suikoden Heroes, нещата тръгнаха нагоре. Той създава останалите герои от тази поредица и след това пристъпва към други различни произведения и след петнадесет години става наравно с Утагава Хирошиге и Утагава Кунисада.
След забраната от 1842 г. за изображения театрални сцени, актьори, гейши и куртизанки, Кунийоши пише своята поредица "котка", прави гравюри от образователна поредица за домакини и деца, изобразява национални герои от поредицата "Традиция, морал и благоприличие", а до края на 40-те години - началото от 1850-те след отслабване на забраните, художникът се връща към темата за кабуки.
(渓 斎 英 泉, 1790-1848). Известен със своите произведения в жанра наддаване. В неговия най-добри работи включва портрети като okubi-e ("големи глави"), които се считат за примери за уменията на ерата на Бунсей (1818-1830), когато жанрът ukiyo-e е в упадък. Художникът е написал много лирични и еротични суримоно, както и цикъла от пейзажи „Шестдесет и девет станции на Кисокайдо“, който не е могъл да завърши и той е завършен от Хирошиге.
Новостта в изобразяването на Bijinga беше чувственост, която другите художници не са имали преди. От неговите творби можем да разберем модата от онова време. Той също така публикува биографии на „Четиридесет и седем Ронин“ и пише още няколко книги, включително „История на отпечатъците на Укийо-е“ (Ukiyo-e Ruiko), която съдържа биографии на художници. А в „Бележки на безименния старец“ той се описва като развратен пияница и бивш собственик на публичен дом в Недзу, който е изгорял през 30-те години на 20 век.
Сузуки Харунобу (鈴木 春 信, 1724-1770). Истинското име на художника е Хозуми Джиробей. Той е откривателят на полихромния печат ukiyo-e. Учи в училището в Кано и учи живопис. След това под влиянието на Шигенага Нишимура и Торий Кийомицу дърворезбите се превръщат в негово хоби. От началото на 18 век се правят гравюри в два или три цвята и Харунобу започва да рисува в десет цвята, като използва три дъски и съчетава три цвята - жълт, син и червен.
Той се открояваше в образа на улични сцени и картини в жанра шунга. А от 1760-те той е един от първите, които започват да изобразяват актьорите на театър кабуки. Неговата работа повлиява Е. Мане и Е. Дега.
(小 原 古邨, 1877 - 1945). Истинското му име е Матао Охара. Той изобразява сцени от руско-японската и китайско-японската войни. След появата на фотографията обаче работата му се продава лошо и той започва да изкарва прехраната си с преподаване в училище. изящни изкуства в Токио. През 1926 г. Ърнест Фелоза, уредник на японския художествен отдел в Бостънския музей, убеждава Охара да се върне към живописта и художникът започва да изобразява птици и цветя, а произведенията му се продават добре в чужбина. 
(伊藤 若 冲, 1716 - 1800). Той се открояваше сред другите художници със своята ексцентричност и начин на живот, който се състои в приятелство с много културни и религиозни водачи това време. Той изобразява животни, цветя и птици по много екзотичен начин. Той беше много известен и приемаше поръчки за рисуване на паравани и храмови картини.
(鳥 居 清 信, 1664-1729). Един от най-важните представители на ранния период ukiyo-e. Въпреки голямото влияние на своя учител Хисикава Моноробу, той става основател на жанра якуша-е в образа на плакати и плакати и изобретява свой собствен стил. Актьорите бяха изобразени в специални пози като смели юнаци и са боядисани в 
благороден оранжев цвяти злодеите бяха привлечени сини цветя... За да изобрази страстта, художникът е изобретил специален вид рисунка на мимизугаки - това са криволичещи линии с редуващи се тънки и дебели удари и съчетаващи се с гротескно изображение на мускулите на крайниците.
Торий Кийонобу е основателят на династията на художниците Тории. Негови ученици бяха Торий Кийомасу, Торий Кийосиге I, Торий Кийомицу.
Кой е вашият любим художник ukiyo-e?
Японският език се различава от всеки европейски език по своята структура, което може да причини определени трудности при ученето. Не се притеснявайте обаче! Специално за вас разработихте курс "", за който можете да се регистрирате още сега!
Яйой Кусама едва ли ще може да отговори на това, което е в основата на кариерата й на художник. Тя е на 87 години, нейното изкуство е признато в цял свят. Скоро ще има големи изложби на нейните творби в САЩ и Япония, но тя все още не е разказала на света всичко. „Все още е на път. Ще създам това в бъдеще “, казва Кусама. Наричат \u200b\u200bя най-успешният художник в Япония. Освен това тя е най-скъпият жив художник: през 2014 г. нейната картина „Бяла No 28“ е продадена за 7,1 милиона долара.
Кусама живее в Токио и е бил доброволно в психиатрична болница от близо четиридесет години. Веднъж на ден тя оставя стените си, за да рисува. Тя става в три часа сутринта, не може да заспи и иска да прекарва полезно времето си на работа. „Вече съм стар, но все още ще създавам повече работа и най-добрите произведения. Повече, отколкото съм правил в миналото. Умът ми е пълен със снимки ”, казва тя.
(Общо 17 снимки)
Яйой Кусама на изложба с творби в Лондон през 1985 г. Снимка: NILS JORGENSEN / REX / Shutterstock
От девет до шест Кусама работи в триетажното си студио, без да излиза от инвалидна количка. Тя може да ходи, но е твърде слаба. Жена работи върху платно, разстлано на маси или фиксирано на пода. Ателието е пълно с нови картини, ярки творби, осеяни с малки петънца. Изпълнителката нарича това „самозаглушаване“ - безкрайно повторение, което заглушава шума в главата ѝ.
Преди наградите за изкуство Praemium Imperiale за 2006 г. в Токио. Снимка: Sutton-Hibbert / REX / Shutterstock
От другата страна на пътя ще се отвори скоро нова галерияа друг музей на нейното изкуство се изгражда на север от Токио. Освен това се откриват две големи изложби на нейното творчество. Yayoi Kusama: Infinite Mirrors, ретроспекция на нейната 65-годишна кариера, открита в музея Hirschhorn във Вашингтон на 23 февруари и продължава до 14 май, след което ще пътува до Сиатъл, Лос Анджелис, Торонто и Кливланд. Изложбата включва 60 картини на Кусама.
Грахът й покрива всичко - от рокли на Louis Vuitton до автобуси в родния й град. Произведенията на Кусама се продават редовно за милиони долари и се намират по целия свят - от Ню Йорк до Амстердам. Изложбите на произведенията на японския художник са толкова популярни, че се изискват мерки за предотвратяване на тълпи и безредици. Например в Хиршхорн билетите за изложбата се продават за определено време, за да се регулира по някакъв начин потокът от посетители.
Презентация през 2012 г. на съвместния дизайн на Louis Vuitton и Yayoi Kusama в Ню Йорк. Снимка: Били Фарел агенция / REX / Shutterstock
Но Кусама все още се нуждае от външно одобрение. На въпрос в интервю за това дали е постигнала целта си, като е станала богата и известна преди десетилетия, тя изненадана каза: „Когато бях малка, ми беше много трудно да убедя майка си, че искам да стана художник. Наистина ли е вярно, че съм богат и известен? "
Кусама е роден в Мацумото, в планините на Централна Япония, през 1929 г. в заможно и консервативно семейство, което търгува с разсад. Но това не беше щастлив дом. Майка й презираше изневеряващия си съпруг и изпрати малката Кусама да го шпионира. Момичето видя баща си с други жени и това предизвика у нея отвращение през целия живот към секса.
Витрина на Louis Vuitton, проектирана от Кусама през 2012 г. Снимка: Джо Шилдхорн / BFA / REX / Shutterstock
Като дете тя започва да изпитва зрителни и слухови халюцинации. Първият път, когато видя тиквата, тя си представи, че говори с нея. Бъдещата художничка се справи с виденията, като създава повтарящи се модели, за да заглуши мислите в главата си. Дори на толкова млада възраст изкуството се превърна в един вид терапия за нея, която по-късно тя ще нарече „арт медицина“.
Работата на Яйой Кусама, изложена в Музея за съвременно изкуство Уитни през 2012 г. Снимка: Били Фарел агенция / REX / Shutterstock
Майката на Кусама беше остро против желанието на дъщеря си да стане художник и настоя момичето да следва традиционния път. „Тя не ми позволи да рисувам. Тя искаше да се оженя - каза художникът в интервю. - Тя изхвърли моите произведения. Исках да се хвърля под влака. Всеки ден се биех с майка си и поради това умът ми беше увреден. "
През 1948 г., след края на войната, Кусама заминава за Киото, за да изучава традиционната японска живопис на нихонга със строги правила. Тя мразеше тази форма на изкуство.
Един от експонатите на изложбата на Яйой Кусама в Музея за съвременно изкуство Уитни през 2012 г. Снимка: Били Фарел агенция / REX / Shutterstock
Когато Кусама живееше в Мацумото, тя намери книга на Джорджия О'Кийф и беше изумена от нейните картини. Момичето отиде до американското посолство в Токио, за да намери статия за О'Кийф в указателя и да разбере адреса й. Кусама й написа писмо и изпрати няколко рисунки и за нейно учудване американски художник отговори й.
„Не можех да повярвам на късмета си! Тя беше толкова мила, че отговори на внезапното избухване на смирение японско момичекогото никога не е срещала и дори не е чувала за нея през живота си “, пише художникът в автобиографията си Infinity Net.
Яйой Кусама в бутика на Louis Vuitton, който тя проектира в Ню Йорк през 2012 г. Снимка: Nils Jorgensen / REX / Shutterstock
Въпреки предупрежденията на О'Кийф, че младите художници в Съединените щати имат много трудно време, да не говорим за млади самотни момичета от Япония, Кусама беше неудържим. През 1957 г. тя успява да получи паспорт и виза. Тя зашива долари в роклите си, за да заобиколи стриктния следвоенни обменен контрол.
Първата спирка беше Сиатъл, където тя проведе изложба в малка галерия. Тогава Кусама замина за Ню Йорк, където беше горчиво разочарована. „За разлика от следвоенното Мацумото, Ню Йорк беше във всяко отношение зло и жестоко място. Оказа се прекалено стресиращо за мен и скоро потънах в невроза. " За да влоши нещата, Кусама се оказа в пълна бедност. Стара врата й служи като легло и тя изважда рибни глави и изгнили зеленчуци от кофите за боклук, за да приготви супа с тях.
Инсталация Infinity Mirror Room - Love Forever. Снимка: Тони Кириаку / REX / Shutterstock
Това тежко състояние накара Кусама да се потопи още повече в работата си. Тя започва да създава първите си картини от поредицата „Мрежата на безкрайността“, покривайки огромни платна (едно от тях достига 10 метра височина) с хипнотизиращи вълни от малки бримки, които сякаш никога не свършват. Самата художничка ги описа по следния начин: „Бели мрежи, обгръщащи черните точки на тихата смърт на фона на безнадеждната тъмнина на нищото“.
Инсталация от Яйой Кусама при откриването на новата сграда на Музея за съвременно изкуство „Гараж“ в Централния парк за култура и свободно време на Горки в Москва през 2015 г. Снимка: Дейвид Х Прутинг / BFA.com / REX / Shutterstock
Това обсесивно-компулсивно повторение помогна да се предотврати неврозата, но не винаги помогна. Кусама постоянно страдаше от пристъпи на психоза и се озова в болница в Ню Йорк. Амбициозна и амбициозна и с щастие, превзела ролята на екзотична азиатка в кимоно, тя се присъедини към тълпа от влиятелни хора в изкуството и общува с известни художници като Марк Ротко и Анди Уорхол. По-късно Кусама каза, че Уорхол имитира нейната работа.
Скоро Кусама придоби известна степен на слава и беше изложен в претъпкани галерии. Освен това славата на художника стана скандална.
През 60-те години на миналия век, когато Кусама е обсебен от точки на полка, тя започва да прави хепънинг в Ню Йорк: тя провокира хората да се събличат на места като Централен парк и Бруклинския мост и рисува телата им с полка.
Предпрожекция в Art Basel в Хонг Конг през 2013 г. Снимка: Billy Farrell / BFA / REX / Shutterstock
Десетилетия преди да се появи движението „Окупирай Уолстрийт“, Кусама се случи във финансовия квартал на Ню Йорк, като заяви, че иска да „унищожи мъжете от Уолстрийт с точки на полка“. Някъде по това време тя започна да покрива различни предмети - стол, лодка, карета - фалически издутини. „Започнах да създавам пениси, за да излекувам чувствата си на отвращение към секса“, пише художникът, описвайки как това творчески процес постепенно превърна ужасното в нещо познато.
Инсталация Минаваща зима в галерия Тейт в Лондон. Снимка: Джеймс Гърли / REX / Shutterstock
Кусама никога не е била омъжена, въпреки че е имала брачна връзка с художника Джоузеф Корнел в продължение на десет години, когато е живяла в Ню Йорк. „Не ми харесваше сексът, а той беше импотентен, така че си паснахме много добре“, каза тя в интервю за Art Magazine.
Кусама става все по-известна със своите лудории: тя предлага да спи с американския президент Ричард Никсън, ако той прекрати войната във Виетнам. „Да се \u200b\u200bрисуваме помежду си с точки на полка“, пише му тя в писмо. Интересът към нейното изкуство избледня, тя изпадна в немилост и проблемите с парите започнаха отново.
Яйой Кусама по време на ретроспекция на работата си в Музея за съвременно изкуство Уитни в Ню Йорк през 2012 г. Снимка: Стив Айхнер / Penske Media / REX / Shutterstock
Новините за ескападите на Кусама стигнаха до Япония. Тя стана известна като „национално бедствие“, а майка й каза, че би било по-добре дъщеря й да умре от болест в детството. В началото на 70-те години обеднялият и фиаско Кусама се завръща в Япония. Тя е регистрирана в психиатрична болница, където живее и до днес, и потъва в артистична неизвестност.
През 1989 г. Центърът за съвременно изкуство в Ню Йорк е домакин на ретроспектива на нейната работа. Това беше началото на бавно, макар и бавно, съживяване на интереса към изкуството на Кусама. Тя напълни огледалната стая с тикви за инсталация, която беше представена на Биенале във Венеция през 1993 г., а през 1998 г. се проведе голяма изложба в Музея за модерно изкуство MoMa в Ню Йорк. Тук тя веднъж уреди хепънинг.
Изложен в My Eternal Soul в Националния център за изкуство в Токио, февруари 2017 г. Снимка: Masatoshi Okauchi / REX / Shutterstock
През последните няколко години Яйой Кусама се превърна в международен феномен. Съвременната галерия „Тейт“ в Лондон и музеят „Уитни“ в Ню Йорк проведоха големи ретроспективи, които привлякоха огромни тълпи от посетители, а емблематичният му модел на полка стана много разпознаваем.
Изложен в My Eternal Soul в Националния център за изкуство в Токио, февруари 2017 г. Снимка: Masatoshi Okauchi / REX / Shutterstock
Художникът няма да спре работата си, но започна да мисли за смъртността си. „Не знам колко дълго мога да оцелея дори след смъртта. Има бъдещо поколение, което следва моите стъпки. За мен ще бъде чест, ако хората се радват да гледат работата ми и ако са трогнати от моето изкуство. "
Изложен в My Eternal Soul в Националния център за изкуство в Токио, февруари 2017 г. Снимка: Masatoshi Okauchi / REX / Shutterstock
Въпреки комерсиализацията на своето изкуство, Кусама мисли за гроба в Мацумото - не в семейната крипта, която вече е наследила от родителите си - и как да не го превърне в светиня. „Но още не умирам. Мисля, че ще живея още 20 години “, казва тя.
Изложен в My Eternal Soul в Националния център за изкуство в Токио, февруари 2017 г. Снимка: Masatoshi Okauchi / REX / Shutterstock
