У дома > Изневеряващ съпруг > Известни оперни композитори. Арията на Аида от операта „Аида” от Верди


Известни оперни композитори. Арията на Аида от операта „Аида” от Верди




Хабанера от операта „Кармен“ от Бизе. Елена Образцова пее.

Кармен е момиче с, честно казано, не особено строг морал, което работи в тютюнева фабрика и се бърка с войници и контрабандисти. Но любовта й, дори и да продължи няколко дни, е най-добрата награда за всеки мъж. Не на последно място, защото френският композитор Жорж Бизе е написал нейните фантастично красиви арии, в които страст отеква във всяка нота.

Арията на Тореадор Ескамило от операта "Кармен" на Бизе. Изпята от Клаудио Сгура

Бикоборецът Ескамило, убиецът на бикове, любимец на жените, възхвалява собствената си храброст, кръв и пясък. Мъжка версияпеещ секс, накратко.

Ария на Кралицата на нощта (Die Hölle Rache) от операта Die Zauberflöte от Моцарт. Даяна Домрау пее.

Много странна масонска пиеса, поставена на брилянтна музика от Волфганг Амадеус Моцарт. Най-красивата и най-трудната ария в света за сопрано. Тук не може да се добави нищо, човек може да изпита само свещен страхопочитание. Филмът на Форман "Амадеус" много красиво показва как Моцарт е композирал тази ария по време на разговор със свекърва си с повишени тонове, но дали това наистина е така - не знаем.

Nessun dorma, ария от операта „Турандот” от Пучини. Изпята от Лучано Павароти.

Най-добрата опера е италианска, най-добрият тенор - е, хм, тук всичко е ясно, най-добрата и може би най-известната оперна ария в света е тази.

Арията на Ленски от операта „Евгений Онегин“ от Чайковски.

Най-вероятно е основният номер на руската опера. Пушкин написа почти пародийно стихотворение за Ленски (всъщност размислите на 18-годишен поет за неотменно заминала младеж могат да бъдат само пародийни), а Чайковски направи истинска трагедия от това. И тук го изпълнява един от най-големите руски тенори – Иван Козловски.

Арията на Херман от „Пиковата дама“ на Чайковски. Михаил Дидик пее.

Чайковски пише опери по текстове на Пушкин и никой не е правил нищо по-добро в руската музика. „Нека неудачникът плаче, проклинвайки съдбата си.“

Ария на графинята от „Пиковата дама“ на Чайковски. Ева Подлес пее.

Една от най-обичаните ни арии всъщност не е написана от Чайковски. Всъщност е от операта "Ричард Лъвското сърце" на френския композитор Анри Гретри. Чайковски го използва, за да покаже, че графинята е старомодна старица, с копнеж си спомняща младостта си. Магическа меланхолия, накратко.

Половецки танци от операта "Княз Игор" от Бородин. Пее хорът на Метрополитън опера.

Е, добре, това не е ария, това е припев, по формални причини не трябваше да го включваме тук, но е фантастично красив. Руски ливадни жени забавляват половецките войници. На теория трябва да има степи, палатки и мъже със саби и мустаци, но в тази нюйоркска постановка на Дмитрий Черняков танцьорите просто кръжат сред маковете.

Хор на пленените евреи от операта "Набуко" от Верди.

Е, за да не става два пъти, веднага втория голям хор. Пленените роби също, но поне не толкова обезпокоителни.

Арията на Фигаро от "Гражданския бръснар" на Росини. Пее Питър Матеи.

Невероятно оптимистична песен на човек, който има време навсякъде от една от най-популярните опери в света. Фигаро е тук, Фигаро е там, просто трябва да се отпуснете за секунда, тъй като името е точно там. Нещо, което ни напомня за...

Ария на Дюк от операта на Риголето Верди. Пее Марио Ланца.

Един от най-великите, наред с Карузо, тенори на 20-ти век в този прекрасен запис пее легендарната клевета на женския пол: „Сърцето на една красавица е склонно към предателство“.

Каста Дива, ария от операта Норма от Белини. Изпята от Рене Флеминг.

Ultraclassic, една от най-популярните оперни арии. Пее се от Рене Флеминг, най-аристократичният оперен певец.

Стихове на Мефистофел от операта „Фауст“ от Гуно. Пее се от Руджеро Раймонди.

Хората умират за метъл, Сатаната управлява шоуто там – в превод на руски звучи още по-впечатляващо.

Песен на юродата от операта Борис Годунов от Мусоргски. Пее Иван Козловски.

Песен, в която светият луд плаче за Родината си и й предрича враг, кръв и гибел, в която ще бъде виновен цар-Ирод. Най-странната и смущаваща музика от голямата руска опера

Пиене, дует от операта Травиата от Верди. Пее се от Пласидо Доминго и Анджела Георгиу.

В една доста тъжна опера за проститутка, умираща от консумация, има невероятно оптимистичен валс за насладите на алкохолното опиянение, който се превърна в истински хит и много обичан от всички най-добри тенори на нашето време.

Ария - сбогом на Травиата. Пее Анна Нетребко.

Но всичко завършва доста тъжно - в тази ария героинята се сбогува с миналото си, болестта е в последния етап. И Нетребка е абсолютно невероятна тук.

Плачът на Дидона от операта на Пърсел „Дидона и Еней“. Изпята от Джеси Норман.

Това не е толкова популярен хит като "Стихове на Мефистофел" или "Пиене", въпреки че също се изпълнява доста често. Дидона моли Еней да я помни, когато я поставят във влажната земя, да не забравя. А Джеси Норман в тази роля и в този фантастичен тоалет най-много прилича на извънземен оперен певец от „Петият елемент“. И да, тя е най-красивата оперна певица, която не вярва, че е наш личен враг.

Арията на Керубино от операта "Сватбата на Фигаро" от Моцарт. Ринат Шахам пее.

Керубино е влюбеният паж на граф Алмавива, който винаги се пее от жена, мецосопран. Пред нас е израелската певица Ринат Шахам, която не само пее безупречно, но и играе, изживява тази роля, опитва се да изобрази заекващо, много нервно момче. Изглежда фантастично, честно.

Арията на Аида от операта „Аида” от Верди. Изпята Инес Салазар

Аида, поръчана от Джузепе Верди за откриването на Суецкия канал и се превръща в най-мощната и легендарна разбивка на крайния срок в историята на цивилизацията, операта е невероятно трудна и винаги има късмет за цветни представления. В тази ария Аида, робинята и любовницата на египетския принц, скърби за това: нейната любима отиде на война срещу народа на баща си и братята си и тя не знае за кого да „более“.

Арията на Фигаро от „Сватбата на Фигаро“ от Моцарт. Брин Терфел пее.

Фигаро, бръснар и измамник, който е много по-красив в Моцарт, отколкото в Росини, разказва на младия паж Керубино (онзи, ще припомним, който винаги пее жена) за насладите на влюбените пеперуди и ужасите военна служба... Тролове, ако според нас. И в този случай тя е изпята от безупречния, смел и техничен Брин Терфел.



Феновете на класическата музика със сигурност се интересуват от въпроса какви най-известните опери в света съществуват днес. Трудно е да се откроят най-популярните сред огромния брой шедьоври, създадени от композитори в продължение на няколко века. Въпреки това, от всички, е възможно да се идентифицират безспорните лидери, които попаднаха в челната десетка по-долу. Тези опери са преведени на няколко езика и редовно се изпълняват на сцените на най-добрите театри в света.

10 Норм. Винченцо Белини

Норма (Винченцо Белини) открива списъка с най-популярните опери в света. Това е лирическа трагедия в две действия, която е заснета по произведението на А. Соум "Норма, или Детоубийство". Операта е изпълнена за първи път в Милано и почти веднага придоби широка популярност сред любителите на операта. Заглавната част се смята за една от най-трудните в репертоара на сопраното. "Норма" е написана от композитора през 31-ва година на 19-ти век и все още е популярна в цял свят.

9 Евгений Онегин. П. И. Чайковски

„Евгений Онегин“ (П. И. Чайковски) е най-известната опера на световноизвестния руски композитор. Произведението е създадено по едноименния роман на Александър Сергеевич Пушкин и е базирано на либретото на Константин Шиловски. Операта беше представена на широката публика в Московския Мали театър. Преди да напише своя шедьовър, Чайковски прекарва дълго време в търсене на оперен сюжет, който да представлява силна драма. Сюжетът по стечение на обстоятелствата е вдъхновен от композитора певица Лавровская.

8 Сватбата на Фигаро. W. A. ​​Моцарт

Сватбата на Фигаро (W. A. ​​Mozart) е популярна опера на австрийски композитор-виртуоз, придобила световна слава. По едноименната пиеса на Бомарше. Моцарт започва да пише музикално произведение през 86-та година на 18-ти век. Създаването на партитурата отне пет месеца. След като го представи за първи път пред публика, той не спечели голяма популярност. Слава и лаври дойдоха след поставянето на операта в Прага. За първи път операта е преведена на руски от Пьотър Илич Чуковски. Операта включва общо четири действия. Сюжетът на творбата е свързан с подготовката за сватбата на прислужницата и камериера на Сузана Фигаро.

7 Вълшебната флейта. W. A. ​​Моцарт

Вълшебната флейта (W. A. ​​Mozart) е една от най-добрите опери в света, написана от композитора в две действия. За първи път е представен на публиката през 1791 г. във Виена. В центъра на сюжета е принц Тамино, който ще трябва да премине през много трудности и изпитания, за да бъде достоен да бъде близо до своята любима – дъщерята на кралицата на нощта. Гьоте е толкова възхитен от това произведение, че прави опити да напише продължение на това либрето.

6 Севилският бръснар. Джоакино Росини

« Севилски бръснар”(Джоакино Росини) е една от най-добрите опери, придобила световна популярност. Включва две действия, базирани на едноименната комедия на Пиер Борамше. В началото либретото носеше такова заглавие като „Алмавива, или суетна предпазливост“. Действието на музикалното произведение се развива в Севиля през 18 век. Операта започва с появата на граф Алмавива, който е под прозорците на своята любима. За нея той изпълнява малка оперна ария „Скоро Изток ще блесне ярко със златна зора“. Настойникът на любимия не й позволява да отиде на балкона, така че опитите на Алвамива са напразни.

5 Бохемия. Джакомо Пучини

La Boheme (Джакомо Пучини) е един от световните музикални шедьоври, представен на публиката през далечната 1896 година. Операта включва четири действия. Той е базиран на „Сцени от живота на Бохемия“ на Анри Мюргер. Действията в либретото се развиват в Париж през 30-те години на 19 век. Първото действие започва с бедния поет Рудолф и неговия приятел художник Марсел прекарват вечерта край студената камина, която няма какво да се стопи. Художникът иска да изгори последния стол, но Рудолф го спира, дарявайки един от своите ръкописи. Действието завършва със срещата на поета с любовта си.

4 Лучия ди Ламермур. Г. Доницети

Лучия ди Ламермур (Дж. Доницети) е включена в списъка на най-популярните опери в света. Трагичното музикално произведение на италианския композитор е изпълнено в три действия. Либретото е базирано на романа "Ламермур булка" от У. Скот. Малко по-късно композиторът написва и френска версия на операта. Тя гръмна по целия свят, превръщайки се в една от най-добрите. Сюжетът на романа е използван от няколко композитора преди Доницети, но неговото създаване напълно измести всички предишни. Действието на либретото се развива в Шотландия през 18 век. Общо творбата включва две части: "Заминаване" и "Брачен договор".

3 Кармен. Жорж Бизе

Кармен (Жорж Бизе) открива трите най-добри опери в света, които са написани от композитора по едноименния роман на Проспер Мериме. Нови скици на партитурата се появяват през 74-та година на 19-ти век. Премиерата се състоя за първи път във Франция, където претърпя пълно фиаско. Операта, непризната от френската публика и критика, напусна сцената за дълго време и едва през 83-та се завърна на сцената, като намери световна слава за себе си. Самият Чайковски каза, че това е наистина шедьовър, който след известно време ще придобие мащабна слава.

2 Война и мир. С. Прокофиев

„Война и мир” (С. Прокофиев) е една от най-известните опери, гръмнали в цял свят. Написана по едноименния роман на изключителния писател от 19 век Лев Николаевич Толстой. Общо творбата включва тринадесет картини. Операта започва с появата на сцената на Болконски, който гостува в имението на граф Ростов. Той чува гласа на дъщерята на граф Наташа, която го удивлява с красивото си пеене. Тринадесетата последна картина разказва за останките от оттеглящата се армия на Бонапарт. Композиторът дълго време раждаше идеи да напише опера по известния роман. Първите скици се появяват през 1941 г., а на сцената на Болшой театър тя гърми през 59, превръщайки се в една от най-добрите световни опери.

1 Травиата. Джузепе Верди

Травиата (Джузепе Верди) допълва списъка с най-добрите опери в света. В превод на руски, думата traviata означава „изгубен“ или „паднал“. Композиторът е вдъхновен да го напише от романа на Александър Дюма „Дамата с камелиите“. За първи път представена на публиката „Травиата“ претърпя пълно фиаско, но след радикална ревизия придоби световна популярност. Характерна черта на тази опера е необичайният избор на героинята за това време - паднала жена, която е на смъртно легло. „Травиата“ се развива в Париж в средата на 19 век. В центъра на вниманието е куртизанката, отхвърлена от обществото и ненужна на никого. Оригиналната партитура включва три действия.


"Опера" Борис Годунов "- Отношение към личността на Борис Годунов. Монологът на Борис. Мусоргски. Миналото е в настоящето. Русия. Шаляпин като Борис Годунов. Сцена в близост до катедралата Свети Василий. Сцена с камбанки. Студена пепел. Опит за разкриване на самоличността. Фигурата на цар Борис. Борис. Тълкуване на личността на Борис Годунов. Поведение.

"Опера" Садко "- Силата на изкуството. Композиторът е разказвач. Отвъдморски чудеса или чудеса на подводния свят. Опера-епопея "Садко" от Римски-Корсаков. Всеки гост хвали страната си. Опера "Садко" е шедьовър на руската класическа музика. Автори на "Садко". Чудо на оперния жанр. Сцени от операта "Садко". В операта "Садко", както във всяка приказка, има много чудеса.

"Китайска опера" - Тежест. Свирепост. Показания за митични герои. Има няколко различни теории за произхода на грима. Страхотен командир. Изкуство. Синьо и зелено. Бели лица. Производителност. Тип грим. История на грима. Грим в китайската опера.

"Опера Княз Игор" - През 1860 г. в Санкт Петербург се занимаваше с научни, педагогически и социални дейности... А. П. Бородин. И. Глазунов „Двама принца”. Цезар Антонович Куи. Милий Алексеевич Балакирев. През 1856 г. завършва Медико-хирургичната академия. От 1858 г. е доктор по медицина. Поради голямото натоварване на научната и педагогическата работа, Бородин пише бавно.

"Опера е музикален жанр" - Жанр на музикалното изкуство. Сцени от операта - епопеи "Садко". Опера от Клаудио Монтеверди „Орфей“. "Мулен Руж". Опера. "Мариински опера". Опера Сан Карло в Неапол. Опера –Билина „Садко” Н.А. Римски – Корсаков. оперета. Карнеги Хол. Сцена на Болшой театър. Опера от Джоачино Росини „Севилският бръснар“.

„Opera Snow Maiden“ – Въпрос 2. Какво литературно произведение е използвано за създаването на операта „Snow Maiden“? 1.Според руска народна приказка 2.За приказката на А.Островски 3.Според А.С. Пушкин. Въпрос 7. Кой инструмент на симфоничния оркестър имитира звука на овчарския рог на Лел в операта? 1. флейта 2. кларинет 3. тромпет. Опера "Снежанка" (тест).

Има общо 12 презентации

За историческата история, литературата и музиката в едно произведение.

Сценично единство на музика, глас, драматичен сюжет. Операта за първи път идва в Русия през 18-ти век с италиански изпълнители. Автор на първата руска опера с народна история е основателят на първия руски театър Фьодор Волков. Век по-късно руската опера завладява целия музикален свят.

"Живот за царя", или "Иван Сусанин", Михаил Глинка

За първи път за събитията от 1612 г., полския поход към Москва, те пеят преди 180 години от сцената на петербургския Болшой театър. Автор на либретото в първото издание е барон фон Розен. След революцията сюжетът е адаптиран към съветската действителност от Сергей Городецки. В една версия костромският селянин става комсомолски член и председател на селския съвет. От 1945 г. операта „Иван Сусанин“ открива сезона си в Болшой театър. През 1993 г. представлението е представено на исторически обекткъдето тези събития са се случили преди 400 години - в Ипатиевския манастир в Кострома. Продукцията е излъчена в 15 страни по света.

„Борис Годунов“ от Модест Мусоргски

Операта е базирана на сюжета на едноименната трагедия на Пушкин. Самият композитор пише либретото в продължение на пет години, използвайки исторически материали от Карамзин. Но пътят до сцената беше не по-малко дълъг. Отначало ръководството на императорските театри не беше доволно от липсата на ярък женски образ, след това се смути от демократичните нотки. Премиерата се състоя в Мариинския театър през 1873 г. Но десет години по-късно, с постановление на цензурата, пиесата е свалена от сцената. Операта е възродена от Николай Римски-Корсаков. През 1908 г. Борис Годунов с главната роля в изпълнение на Фьодор Шаляпин завладява Париж. Това бяха руските сезони.

"Княз Игор" от Александър Бородин

Сценично въплъщение на "Словото за похода на Игор". Композиторът е работил върху операта 18 години, но така и не е завършил работата си. Александър Глазунов и Николай Римски-Корсаков завършиха работата на базата на груби бележки. И двамата композитори настояваха за авторството на Александър Бородин. През 1890 г. премиерата се състоя в Мариинския театър. Операта получи възхитителни отзиви. „Княз Игор“ е патриотична опера в най-добрия смисъл на думата, близка до сърцето на всеки руснак“, пише в рецензиите. Девет години по-късно европейската премиера се състоя в Прага, а през 1914 г. "Княз Игор" вижда Париж в дизайна на Николай Рьорих.

"Каменният гост" от Александър Даргомижски

Друга опера, завършена след смъртта на автора. По волята на композитора работете по музикално въплъщениеДон Жуан на Пушкин е завършен от Цезар Куи и Николай Римски-Корсаков. Операта следва точно текста на поета, композиторите не са променили нито дума. Творбата се оказва новаторска по това време: вместо арии и ансамбли - "мелодични рецитации" и рецитации на музика. „Характерите говорят бележки“ – с изключение на две песни. За първи път "Каменният гост" е представен на петербургската публика в Мариинския театър през 1872 г. Световната премиера се състоя половин век по-късно в Залцбург.

"Златният петел" от Николай Римски-Корсаков

Отново репликите на Пушкин са в основата на операта. „Измислица в лицата“ е последната творба на композитора – завършена през 1908 година. Римски-Корсаков и авторът на либретото Белски се основават на руския фолклор с неговите буфонадни песни и танци. Творбата излезе сатирична. Римски-Корсаков пише на своя ученик Максимилиан Щайнберг: „Искам напълно да опозоря цар Додон“. Цензурата не позволяваше постановка в авторски вариант на сцената на държавните театри. Премиерата се състоя през 1909 г. в Московската опера на Сергей Зимин, година по-късно в Болшой театър, а след това по целия свят, от Лондон до Ню Йорк.

Хованщина от Модест Мусоргски

Борбата между стара и нова Русия. Драмата на живота на сцената. Самият композитор пое либретото, учейки исторически извори 17 век е периодът на всемогъществото на княз Иван Ховански. Мусоргски искаше да покаже прехвърлянето на властта от принцеса София на младия Петъри наоколо бушуват дворцови интриги. Операта не е изпълнявана приживе на композитора. Римски-Корсаков се подготвя за постановката на Хованщина, а първото представление е изпълнено от Музикално-драматичния кръг на аматьорите през 1886 г. Само четвърт век по-късно триумфалното шествие на операта от Мариинския до всички най-големите театриСветът.

"Война и мир" от Сергей Прокофиев

13 музикални картиниот четиритомника на Лев Толстой. Оперната версия на епопея е създадена в продължение на 12 години. Композиторът замисля патриотична опера през 1941 г. Сергей Прокофиев и Мира Менделсон-Прокофиева в либретото се опитаха да покажат красотата и духовното богатство на героите. Но с началото на Великата отечествена война патриотичната тема излезе на преден план. Седем картини на "мир" и шест картини на "война" бяха представени за първи път в Музикалния театър. Станиславски и Немирович-Данченко през 1957г. Чуждестранната премиера на творбата се състоя в Италия на фестивала флорентински музикални май.

През последните пет сезона 2005/6 - 2009/10 са поставени над 1005 композитори. Таблицата показва данни за композитори и произведения, които са декларирани в програмата (не непременно изпълнени). Първите трима композитори - Верди, Моцарт и Пучини - значително превъзхождат следващите композитори.

Бенджамин Бритън е единственият композитор сред първите двадесет най-популярни композитори, роден още през 20-ти век. Най-старият композитор в списъка е Георг Фридрих Хендел (1685 - 1759)

Най-популярните (изпълнени) композитори за последните 5 години.

P / p No Композитор Страна брой изпълнения всички оперни постановки
1 Джузепе Верди Италия 2259 29
2 Волфганг Амадеус Моцарт Австрия 2124 26
3 Джакомо Пучини Италия 1732 13
4 Рихард Вагнер Германия 920 14
5 Джоакино Росини Италия 772 40
6 Гаетано Доницети Италия 713 31
7 Рихард Щраус Германия 512 15
8 Жорж Бизе Франция 485 7
9 Георг Фридрих Хендел Великобритания 463 56
10 Жак Офенбах Франция 365 34
11 Йохан Щраус Австрия 322 10
12 Петър Илич Чайковски Русия 322 7
13 Бенджамин Бритън Великобритания 289 19
14 Франц Лехар Унгария 250 11
15 Енгелберт Хъмпърдинк Германия 221 3
16 Винченцо Белини Италия 213 8
17 Леос Яначек чешки 199 10
18 Чарлз Гуно Франция 198 7
19 Жул Масне Франция 193 14
20 Руджеро Леонкавало Италия 169 7

*Точната статистика е от значение за Европа и Северна Америка, за други страни цифрите може да са приблизителни.

Елена Василиевна Образцова - съветска и руска оперна певица, мецосопран. Народен артист на СССР, лауреат на Ленинската награда, Герой на социалистическия труд. Един от известни певцинашето време. Елена Василиевна Образцова е родена на 7 юли 1939 г. в Ленинград. По време на Великата отечествена война, заедно със семейството си, тя е евакуирана от Ленинград в Устюжна. Музиката беше неразделна част от детството на Елена, баща й, инженер по професия, имаше красив баритон и освен това той свиреше добре на цигулка - тя винаги ще помни музикалните домашни вечери. През 1948-1954 г. пее в детския хор на Ленинградския дворец на пионерите. А.А. Жданова (директор на хора - М. Ф. Заринская). През 1954-1957 г., във връзка с официалното прехвърляне на бащата, семейството живее в Таганрог, където Елена учи в P.I. Чайковски с учителката Анна Тимофеевна Куликова. На отчетния концерт в музикално училищеОбразцова беше изслушана от М.А. Манковская, а по нейна препоръка през 1957 г. Елена е приета в училището веднага за 2-ра година. Година по-късно, през август 1958 г., след като премина успешно прослушване, тя влезе в подготвителния отдел на Ленинградската държавна консерватория. НА. Римски-Корсаков. През 1962 г. печели първа награда за Всесъюзно състезание вокалисти към тях. М.И. Глинка и златен медал от Световния фестивал на младежта и студентите в Хелзинки. На 17 декември 1963 г., докато е студентка в консерваторията, Е. Образцова дебютира на сцената на Болшой театър в ролята на Марина Мнишек в операта Борис Годунов от депутата Мусоргски. През 1964 г. завършва Ленинградската държавна консерватория. НА. Римски-Корсаков в класа на професор A.A. Григориева (оперен клас А. Н. Киреев). Председателят на дипломната комисия София Петровна Преображенская даде на Елена Образцова 5 с плюс - оценка, която не е била дадена в Ленинградската консерватория от около 40 години. През същата година тя става постоянна солистка на Болшой театър. Природата щедро надари Елена Образцова. Тя има глас с рядка красота на тембър, кадифе, органово богатство на звука, ярък сценичен облик, който придава на нейните оперни героини рядка художествена релефност и изразителност, таланта на истинска драматична актриса. През 1964 г. Елена Образцова с трупата на Болшой театър играе в Ла Скала като Марта в операта "Хованщина" и като Мария в операта "Война и мир". Изявите на Образцова в Италия се радват на голям успех и през 1977 г. тя е поканена да открие юбилейния сезон на 200-ия юбилей в Ла Скала като принцеса Еболи в операта „Дон Карлос“ от Дж. Верди. През 1975 г. Елена Образцова, заедно с Болшой театър, заминава на турне в Съединените щати. По време на пиесата "Борис Годунов" Образцова, която изигра ролята на Марина Мнишек, беше извикана на сцената пет пъти от ентусиазирани зрители, пиесата трябваше да бъде спряна. Триумфът на Елена Образцова в САЩ окончателно я утвърди като световна оперна звезда. Няколко месеца по-късно Елена Образцова участва в "Трубадур", представление, което открива сезона на операта в Сан Франциско, с Лучано Павароти и Джоан Съдърланд като нейни партньори. През 1976 г. Образцова, вече в статуса на гост-солист на Метрополитън опера, предизвиква сензация с изпълнението си на ролята на Амнерис от Аида на Верди. През 1977 г. Образцова изпълнява ролята на Далила в „Метрополитен“. Тор Екерт, критик на New York Times, тогава пише: „Съмнявам се, че вие ​​и аз сме чували Далила, която толкова лесно би успяла да овладее две и половина октави – Образцова изпълнява тази най-трудна част без сянка на напрежение. " Франко Дзефирели е поканен да изиграе ролята на Сантуци във филма "Селска чест" (1982). „В живота ми“, пише Дзефирели, „имаха три шока: Анна Маняни, Мария Калас и Елена Образцова, които направиха чудо по време на снимките на филма „Селска чест“. Общо репертоарът на Елена Образцова включва 86 партии в опери от руския и чуждестранния класически репертоар, както и в опери на композитори от 20-ти век, много от нейните роли са се превърнали в живи класики на съвременната оперна сцена: Марина Мнишек (Борис Годунов , 1963), Гувернантка, Полина, Миловзор (1964), Графиня (1965, Пиковата дама), Любаша (Царската булка, 1967), Кончаковна (Княз Игор, 1968), Марта (Хованщина, 1968). Любава (Садко, 1979), Амнерис (Аида, 1965), Азуцена (Трубадур, 1972), Еболи (Дон Карлос, 1973), Сантуца (Селска чест, 1977), Улрика (Маскараден бал, 1977), принцесата на Адри Боенил Лекуврьор, 1977), Адалгиза (Норма, 1979), Джована Сиймур (Ана Болейн, 1982), Орфей (Орфей и Евридика, 1984), Нерис (Медея, 1989), Дю Леонора (Любимката, 1992) 1992), Кармен (Кармен, 1972), Шарлот (Вертер, 1974), Далила (Самсон и Далила", 1974), Иродиада ("Иродиада", 1990), Оберон ("Сън в лятна нощ" от Б. Бритън, 1965 ), Женя Комелкова („Зорите тук са тихи“ от К. Молчанов, 1975), Юдит („Замъкът на херцога Синята брада“ Б. Барток, 1978), Йокаста („Цар Едип“ от И. Стравински, 1980), Евдосия („ Пламък “от О. Респига, 1990 г.); С. Прокофиев: Фрося ("Семьон Котко", 1970), принцеса Мария (1964), Елена Безухова (1971), Ахросимова (2000, "Война и мир"), баба ("Комарджията", 1996), граф Орловски ( „Прилеп“, 2003) и др. Освен оперните си роли, Елена Образцова участва активно в концерти в Русия и по света. Репертоарът на нейните самостоятелни концерти включва музиката на повече от 100 руснаци и чужди композитори: М. И. Глинка, А. С. Даргомижски, Н. А. Римски-Корсаков, М. П. Мусоргски, П. И. Чайковски, С. В. Рахманинов, С. С. Прокофиев, Г. Ф. Хендел, В. А. Моцарт, Л. Бетовен, Р. Шуман, Р. Щраус, Р. Вагнер, Дж. Брамс, К. Вайл, Г. Малера, Г. Доницети. Верди, Дж. Пучини, П. Маскани, Ж. Бизе, Ж. Масене, К. Сен-Санс и други, както и руски песни и стари романси... Участва в изпълнението на оратории, кантати, меси, произведения на руската духовна музика. Джаз композиции добавиха нови ярки щрихи към нейния талант. През 1986 г. прави своя режисьорски дебют, поставяйки операта Вертер от Ж. Масне в Болшой театър. Певицата участва в телевизионните музикални филми „Веселата вдовица“, „Моята Кармен“, „Селска чест“ и „Тоска“ и др. От 1973 до 1994 г. Елена Образцова преподава в Московската държавна консерватория „Чайковски“. От 1984 г. - професор. От 1992 г. преподава в Музикалната академия Musashino в Токио; води майсторски класове в Европа и Япония, в Академията за млади оперни певци към Мариинския театър в Санкт Петербург. Тя е била и е член на журито на много международни конкурси, включително Международния конкурс на името на P.I. Чайковски в Москва, Международния вокален конкурс в Марсилия, Международния конкурс на името на Н.А. Римски-Корсаков в Санкт Петербург, Международния конкурс „Феручио Талявини” в Дойчландсберг, Международния конкурс за оперни певци Монсерат Кабала. През септември 1999 г. в Санкт Петербург се провежда I Международен конкурс за млади оперни певци Елена Образцова, а през 2011 г. – 8-ми конкурс. Елена Образова записа повече от 50 диска, включително опери, оратории, кантати, солови дискове с произведения на камерна и оперна музика. През последните години бяха пуснати „записи на живо“ със специална стойност. От юни 2007 г. до октомври 2008 г. тя е художествен ръководител на Михайловския театър (бивш Театър за опера и балет Мусоргски в Санкт Петербург). Сега в Санкт Петербург тя ръководи културен център на нейно име, където работи с млади изпълнители. На 24 октомври 1981 г. е открита малката планета No 4623, която носи името Образцова.

Рита Щрайх (18 декември 1920 - 20 март 1987) - една от най-почитаните и записани немски оперни певици от 40-60-те години на 20 век, сопран. Рита Стрейч е родена в Барнаул, Алтайски край, Русия. Баща й Бруно Щрайх, ефрейтор от германската армия, е заловен на фронтовете на Първата световна война и е отровен в Барнаул, където се запознава с руско момиче, бъдещата майка на известната певица Вера Алексеева. На 18 декември 1920 г. Вера и Бруно имат дъщеря Маргарита Щрайх. Скоро съветското правителство позволява на германските военнопленници да се върнат у дома и Бруно, заедно с Вера и Маргарита, заминава за Германия. Благодарение на майка си рускиня, Рита Щрайх говореше и пееше добре на руски, което беше много полезно за кариерата й, в същото време, поради нейния „не чист“ немски език, в началото имаше някои проблеми с фашисткия режим. Вокалните способности на Рита се откриват рано, като още от началните класове тя е водеща изпълнителка на училищни концерти, на един от които голямата немска оперна певица Ерна Бергер я забелязва и я завежда да учи в Берлин. също в различно временейните учители са известният тенор Уили Домграф-Фасбендер и сопраното Мария Ифогун. Рита Щрайх прави своя оперен дебют през 1943 г. в Осиг (Аусиг, сега Усти над Лабем, Чехия) с ролята на Зербинета в операта Ариадна на Наксос от Рихард Щраус. През 1946 г. Рита прави своя дебют в Берлинската държавна опера, в главната трупа, с ролята на Олимпия в „Приказките на Хофман“ на Жак Офебах. След това започва нейната сценична кариера, която продължава до 1974 г. Рита Щрайх остава в Берлинската опера до 1952 г., след което се мести в Австрия и прекарва почти двадесет години на сцената на Виенската опера. Тук тя се омъжва и през 1956 г. ражда син. Рита Щрайх притежаваше ярко колоратурно сопрано и с лекота изпълняваше най-трудните партии в световния оперен репертоар, наричаха я „немски славей“ или „виенски славей“. По време на дългогодишната си кариера Рита Щрайх е играла в много световни театри - имала е договори с Ла Скала и Баварското радио в Мюнхен, пяла е в Ковънт Гардън, Парижката опера, както и в Рим, Венеция, Ню Йорк, Чикаго, Сан Франциско е пътувала в Япония, Австралия и Нова Зеландия и е участвал в оперните фестивали в Залцбург, Байройт и Глайндборн. Репертоарът й включваше почти всички значими оперни роли за сопран – тя беше известна като най-добрата изпълнителка на ролите на Кралицата на нощта от Вълшебната флейта на Моцарт, Анхен от „Свободен стрелец“ на Вебер и др. Репертоарът й включваше, наред с други неща, произведения на руски композитори, които тя изпълняваше на руски език. Смята се и за отличен интерпретатор на оперетния репертоар и народни песни и романси. Работила е с най-добрите оркестри и диригенти в Европа, записала е 65 големи грамофонни плочи. След завършване на кариерата си Рита Щрайх е професор в Музикалната академия във Виена от 1974 г., преподава в музикално училище в Есен, води майсторски класове и ръководи Центъра за развитие на лиричното изкуство в Ница. Рита Щрайх умира на 20 март 1987 г. във Виена и е погребана в старото градско гробище до баща си Бруно Щрайх и майка си Вера Алексеева.

Елина Гаранча е латвийска певица (мецосопран), една от водещите оперни певици на нашето време. Елина Гаранча е родена на 16 септември 1976 г. в Рига в семейство на музиканти, баща й е хоров директор, а майка й Анита Гаранка е професор в Латвийската музикална академия, доцент в Латвийската академия за култура , преподавател по вокал в Латвийската национална опера. През 1996 г. Елина Гаранча постъпва в Латвийската музикална академия в Рига, където учи вокал при Сергей Мартинов, а от 1998 г. продължава обучението си при Ирина Гаврилович във Виена, а след това при Вирджиния Зеани в САЩ. Едно от най-силно въздействащите събития върху Елина по време на обучението й е изпълнението през 1998 г. на ролята на Джейн Сиймур на Гаетано Доницети на Джейн Болейн - Гаранка научава ролята за десет дни и открива дълбока симпатия към репертоара на белканто. След завършване на обучението си, Гаранка прави своя професионален оперен дебют в Държавния театър на Южна Тюрингия в Майнинген, Германия, с ролята на Октавиан в Der Rosenkavalier. През 1999 г. тя става победител във вокалния конкурс на Мириам Хелин в Хелзинки, Финландия. През 2000 г. Елина Гаранча печели главната награда на Латвийския национален конкурс за изпълнители, а след това е приета в трупата и работи във Франкфуртската опера, където изпява ролите на Втората дама във Вълшебната флейта, Хензел в операта Хензел на Хъмпърдинк и Гретел и Розина в севилския бръснар“. През 2001 г. става финалист на престижния международен конкурс на оперни певци в Кардиф и издава дебютния си солов албум с програма от оперни арии. Международният пробив на младата певица идва през 2003 г. на фестивала в Залцбург, когато тя изпява ролята на Анио в постановка на операта на Моцарт Тит Милост под диригентската палка на Николаус Арнонкур. Това представление беше последвано от успех и множество ангажименти. Основното място на работа е Виенската държавна опера, в която Гаранка изпълнява ролите на Шарлот във "Вертер" и Дорабела в "Всички го правят" през 2003-2004 г. Във Франция тя се появява първо в Театър де Шанз-Елизе (Анджелина в Пепеляшка на Росини), а след това в Парижката опера (Опера Гарние) като Октавиан. През 2007 г. Елина Гаранча се изявява за първи път на главната оперна сцена на родния си град Рига в Латвийската национална опера с ролята на Кармен. През същата година дебютира в Берлинската държавна опера (Sextus) и в Кралския театър "Ковънт Гардън" в Лондон (Дорабела), а през 2008 г. - в "Метрополитън опера" в Ню Йорк с ролята на Розина в „Севилски бръснар“ и в Баварската опера в Мюнхен (Адалгиза). В момента Елина Гаранча се изявява на сцените на водещите световни оперни театри и концертни зали като една от най-ярките музикални звезди благодарение на красивия си глас, музикалност и убедителен драматичен талант. Критиците отбелязват лекотата, бързината и чистия комфорт, с които Гаранча контролира гласа си, и успеха, с който тя прилага модерна вокална техника към сложния репертоар на Росини от началото на 19 век. Елина Гаранча има солидна колекция от аудио и видео записи, включително записа с Грами на „Баязет“ на Антонио Вивалди, режисиран от Фабио Бионди, където Елина изпя ролята на Андроник. Елина Гаранча е омъжена за английския диригент Карел Марк Чичон и двойката очаква първото си дете в края на октомври 2011 г.

Ирина Константиновна Архипова - съветска и руска оперна певица, мецосопран, солистка на Болшой театър (1956-1988), народна артистка на СССР (1966), кавалер на Ордена на Ленин (1971, 1976, 1985), Ленинска награда лауреат (1978), Герой на социалистическия труд (1984), лауреат на Държавната награда на Русия (1996). Ирина Константиновна Архипова е родена на 2 януари 1925 г. в Москва. Още на осемгодишна възраст тя постъпва в Централното музикално училище към Московската консерватория, но поради внезапно заболяване не може да учи там. По-късно Ирина влезе в училище Гнесин. По време на Великата отечествена война тя е евакуирана със семейството си в Ташкент, където постъпва в Московския архитектурен институт, който също е евакуиран там. След дипломирането си, работа по проектирането и изграждането на редица съоръжения в столицата, включително нов комплекс от сгради в Московския държавен университет на Воробьови гори, паралелни уроци по вокал с Н.М. Малишева, а по-късно учи в Московската консерватория в класа по пеене на Л. Ф. Саврански. През 1953 г. завършва консерваторията. През 1954-1956 г. е солистка на Свердловския театър за опера и балет. През 1956-1988 г. е солистка на Болшой театър. Изпълнението на ролята на Кармен в едноименната опера на Жорж Бизе получи световно признание. Тя се характеризираше с дълбоко вътрешно разкриване на образа и обмисленост на интерпретацията. Тя притежаваше дарбата на сценичната трансформация. От 1955 г. гастролира в чужбина (Австрия, Полша, Източна Германия, Финландия, Италия, Унгария, Румъния, Чехословакия, България, САЩ, Япония, Франция, Канада). През 1967 и 1971 г. пее в Teatro alla Scala (частта на Марта и частта на Марина Мнишек). От 1975 г. преподава в Московската консерватория, от 1984 г. – професор. През 80-те години тя изнася поредица от концерти "Антология на руския романс". През 1966 г. е поканена в журито на конкурса „Чайковски“, а от 1967 г. е постоянен председател на журито на конкурса „Глинка“. Оттогава тя е член на жури на много престижни състезания в света, включително "Гласът на Верди" и името на Марио дел Монако в Италия, конкурса "Кралица Елизабет" в Белгия, конкурса "Мария Калас" в Гърция, "Франсиско Виняс" състезание в Испания, вокално състезание в Париж, вокално състезание в Мюнхен. От 1974 г. (с изключение на 1994 г.) тя е постоянен председател на журито на конкурса „Чайковски“ в секция „соло пеене“. През 1997 г., по покана на президента на Азербайджан Гейдар Алиев и министъра на културата на Азербайджан Палада Бюл-Бюл Огли, Ирина Архипова оглавява журито на конкурса Bul-Bul, организиран по повод 100-годишнината от рождението му. . От 1986 г. И. К. Архипова е председател на Всесъюзното музикално дружество, в края на 1990 г. преобразувано в Международния съюз на музикалните дейци. От 1983 г. - председател на фондация Ирина Архипова. Почетен доктор на Националната музикална академия на името на мюзикъла на Република Молдова (1998 г.), президент на Дружеството за приятелство Русия-Узбекистан. Била е депутат от Върховния съвет на СССР от 6-то свикване. Народен депутат на СССР (1989-1991). Автор на книгите: "Моите музи" (1992), "Музиката на живота" (1997), "Марка, наречена" I "(2005). Съпругът на певицата е народният артист на СССР Владислав Пиавко. Синът е Андрей. Правнучка - Ирина. На 19 януари 2010 г. Ирина Константиновна Архипова беше хоспитализирана със сърдечна патология в градската клинична болница Боткин. Певицата почина на 11 февруари 2010 г. Погребан на 13 февруари 2010 г. в Новодевичи гробищев Москва.

Екатерина Льохина - руска оперна певица, сопран. Екатерина Лехина е родена на 15 април 1979 г. в Самара. Докато беше в училище, тя комбинира фигурно пързаляне и уроци в музикалното училище № 10 в Самара. Тя харесваше фигурното пързаляне повече, но родителите й, а не самите музиканти, мама е инженер, татко е работник, настояваха да продължат да учат музика. След като завършва музикалното училище, Екатерина постъпва в диригентско-хоров отдел в Музикалното училище „Д. Г. Шаталов“, което завършва с отличие. През 1998 г. се мести в Москва и продължава образованието си в Академията за хорово изкуство, където получава и магистърска степен по оперно пеене (клас проф. С. Нестеренко). След академията тя работи за кратко в Московската Нова опера, във второстепенни представления. Първият успех дойде с победа на вокалното състезание "Санкт Петербург" през 2005 г., той беше забелязан и оценен обещаващо от европейски експерти. Оттогава тя е много по-известна на световната публика, отколкото на руската публика. През 2006 г. Екатерина Льохина дебютира във Виенската народна опера (Volksoper) като мадам Херц в операта на Моцарт „Театрален режисьор“. Следващата й роля във Виенската фолклорна опера е Кралицата на нощта във Вълшебната флейта на Моцарт, с тази роля участва и в Мюнхенския театър Gartnerplatz, в два берлински театъра - Deutsche State Opera и Deutsche Oper, както и в театри Хановер, Дюселдорф, Тревизо, Хонконг и Пекин. През 2007 г. Екатерина Льохина спечели един от най-престижните международни вокални конкурси - "Operalia", който се проведе същата година в Париж. Във финала на състезанието имаше малък инцидент - организаторът на състезанието, маестро Пласидо Доминго, не показа на оркестъра въведението и края на арията.Лакме Катрин пееше в пълна тишина. По време на връчването на главната награда диригентът обясни: „Разбирате, аз слушах и следователно нямах време да покажа въведението на оркестъра“. През 2008 г. Льохина дебютира в Кралската опера, Ковънт Гардън, с ролята на Олимпия от Приказките на Хофман, представление, което й донесе признание от критиката и голям успех. През 2011 г. Екатерина Льохина получи престижната награда Грами от Американската академия на звукозаписите в категорията за най-добър оперен запис. Екатерина изигра главната роля на принцеса в операта "Любов отдалеч" на финландския композитор Кая Саари-Ахо. Диригент Кент Нагано, Берлински немски симфоничен оркестър, Берлински радиохор, солисти Даниел Белчер и Мари-Анж Тодорович. В момента певицата работи по договори в различни театри по света.

Мария Калас (на английски Maria Callas; име в акта за раждане - Sophia Cecelia Kalos, английски Sophia Cecelia Kalos, кръстена като Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - гръцки Μαρ? Α Καλογεροπο? Λο34, Ню Йорк, 19 декември 2022 г. 16, 1977, Париж) - американска оперна певица (сопрано). Мария Калас се нарежда сред такива оперни реформатори като Рихард Вагнер и Артуро Тосканини. Културата от втората половина на 20 век е неразривно свързана с нейното име. В началото на 50-те години на миналия век, в навечерието на феномена на постмодернизма, когато операта от 19 век се превръща в естетически анахронизъм, Мария Калас връща оперното изкуство на върха на сценичния Олимп. След като възроди ерата на bel canto, Мария Калас не се ограничава до виртуозна колоратура в оперите на Белини, Росини и Доницети, а превръща гласа си в основно изразно средство. Тя се превърна в универсална певица с репертоар, вариращ от класически оперни сериали като Весталката на Спонтини, до най-новите опери на Верди, оперите на Пучини и музикалните драми на Вагнер. Възходът на кариерата на Калас в средата на 20-ти век е придружен от появата на LP в записа и приятелството с видната фигура на звукозаписната компания EMI Walter Legge. Пристигането на сцената на оперните театри на ново поколение диригенти като Херберт фон Караян и Леонард Бернщайн и режисьори като Лукино Висконти и Франко Дзефирели направи всяко представление с Мария Калас събитие. Тя превърна операта в истински драматичен театър, принуждавайки дори „трели и гами да изразят радост, безпокойство или копнеж“. Мария Калас е родена в Ню Йорк в семейство на гръцки имигранти. През 1936 г. майката на Мария, Госпел, се завръща в Атина, за да продължи музикалното образование на дъщеря си. Майката искала да въплъти пропадналите си таланти в дъщеря си и започнала да я води в Нюйоркската библиотека на Пето авеню. Мария започна да слуша класическа музика с три години, на пет тя започва да ходи на уроци по пиано, а на осем години започва да взима уроци по вокал. На 14-годишна възраст Мария започва да учи в Атинската консерватория под ръководството на бившата испанска певица Елвира де Идалго. През юли 1941 г. в окупираната от немците Атина Мария Калас прави своя дебют в Атинската опера като Тоска. През 1945 г. Мария Калас се завръща в Ню Йорк. Следват поредица от неуспехи: тя не е запозната с Тосканини, тя отказва да пее частта на Чио-Чио-Сан в Метрополитън опера поради тежкото си тегло, надежди за възраждане на Лирическата опера в Чикаго, където се надява да пее, рухна. През 1947 г. Калас прави своя дебют на Арена ди Верона в Ла Джоконда на Понкиели под диригентската палка на Тулио Серафин. Срещата със Серафин беше, по думите на самата Калас: „Истинското начало на кариера и най-големият успех в живота ми“. Тулио Серафин представя Калас на света страхотна опера... Тя пее първите части в Аида на Верди и Норма на Белини в края на 1948 г. В началото на 1949 г., в рамките на една седмица, вокалните несъвместими партии на Брунхилда във Валкирията на Вагнер и Елвира в Пуританите на Белини създават творческия феномен на певицата Мария Калас. Тя изпя лирични, драматични и колоратурни партии, което беше певческо чудо - „четири гласа в едно гърло“. През 1949 г. Калас отива на турне в Южна Америка... През 1950 г. тя пее за първи път в Ла Скала и става „Кралицата на италианските примадони“. През 1953 г. EMI издава за първи път пълни записи на опери с Мария Калас. През същата година тя отслабва с 30 килограма. Преобразената Калас пленява публиката на оперните сцени в Европа и Америка в оперите „Лусия ди Ламермур“ от Доницети, „Норма“ от Белини, „Медея“ от Керубини, „Трубадур и Макбет“ на Верди и „Тоска“ от Пучини. През септември 1957 г. Мария Калас за първи път среща Аристотел Онасис на бал в чест на рождения ден на журналистката Елза Максуел във Венеция. През пролетта на 1959 г. във Венеция те се срещат отново на бал. След това Онасис отиде в Лондон за концерт на Калас. След този концерт той покани нея и съпруга й на своята яхта. В края на ноември 1959 г. съпругата на Онасис Тина подава молба за развод, а Калас и Онасис по това време открито се появяват в обществото заедно. Двойката се карала почти непрекъснато и през 1968 г. Мария Калас научила от вестниците, че Аристотел Онасис се е оженил за вдовицата на президента на САЩ Жаклин Кенеди. През 1959 г. настъпва повратен момент в успешна кариера... Това беше улеснено от загуба на глас, поредица от скандали, развод, раздяла с Метрополитън опера, принудително напускане на Ла Скала, нещастна любов към Аристотел Онасис и загуба на дете. Опит за завръщане на сцената през 1964 г. завършва с нов провал. Във Верона Мария Калас се запознава с местния индустриалец Джовани Батиста Менегини. Той беше два пъти по-възрастен от нея и имаше страст към операта. Скоро Джовани призна любовта си на Мария, напълно продаде бизнеса си и се посвети на Калас. През 1949 г. Мария Калас и Джовани Менегини се женят. Той стана всичко за Мария: и верен съпруг, и любящ баща, и предан мениджър, и щедър продуцент. През 1969 г. италианският режисьор Пиер Паоло Пазолини кани Мария Калас да участва в ролята на Медея в едноименния филм. Въпреки че филмът няма комерсиален успех, той представлява голям кинематографичен интерес, както всички други творби на Пазолини. Ролята на Медея беше за Мария Калас единствената роля извън операта. Последните години от живота си Мария Калас живее в Париж, на практика без да напуска апартамента, където почина през 1977 г. Тя е кремирана и погребана в гробището Пер Лашез. По-късно пепелта й е разпръсната над Егейско море. Италианските фониатри (лекари, специализирани в заболявания на гласните струни) Франко Фуси и Нико Паолило установиха най-вероятната причина за смъртта оперна дива Мария Калас, пише италианската La Stampa (превод на статията на английски, публикуван от Parterre Box). Според тяхното изследване Калас е починал от дерматомиозит, рядко заболяване на съединителната тъкан и гладката мускулатура. Фуси и Паолило стигнаха до това заключение, след като проучиха записи на Калас, направени през различни години и анализираха постепенното влошаване на гласа й. Спектрографският анализ на студийни записи и изпълнения на живо показа, че до края на 60-те години, когато нейното влошаване на гласа става очевидно, гласовият обхват на Калас всъщност се е променил от сопрано в мецосопран, което обяснява промяната в звука на високите ноти в нейното изпълнение .В допълнение, внимателно проучване Видеозаписите на по-късните й концерти разкриха, че мускулите на певицата са значително отслабени: гърдите й практически не се повдигат при дишане, а при вдишване певицата повдига раменете си и напряга делтоидните си мускули, т.е. , тя направи най-честата грешка с опората на гласовия мускул. Причината за смъртта на Мария Калас не е известна със сигурност, но се смята, че певицата е починала от сърдечен арест. Според Фуси и Паолило резултатите от тяхната работа директно показват, че полученият миокарден инфаркт е усложнение в резултат на дерматомиозит. Прави впечатление, че тази диагноза (дерматомиозит) от Калас е поставена малко преди смъртта й от нейния лекар Марио Джаковацо (това стана известно едва през 2002 г.). Оперни роли на Мария Калас Сантуца - Селска чест от Маскани (1938, Атина) Тоска - Тоска от Пучини (1941, Атинска опера) Джоконда - Ла Джоконда от Понкиели (1947, Арена ди Верона) Турандот - Турандот от Пучини ( 19 Карло Фе4) (Генуа) Аида - Аида от Верди (1948, Метрополитън опера, Ню Йорк) Норм - Норма Белини (1948, 1956, Метрополитън опера; 1952, Ковънт Гардън Лондон; 1954, Лирическа опера, Чикаго) Брунхилде - Валкирия на Вагнер (19049) , Метрополитън опера) Елвира - Пуританите на Белини (1949-1950, Метрополитън опера) Елена - Сицилианска вечерня "Верди (1951, Ла Скала", Милано) Кундри - "Парсифал" от Вагнер ("Ла Скала") Виолета - "Ла Скала" от Верди ("Ла Скала") Медея - "Медея" Керубини (1953, "Ла Скала") Джулия - "Вестал" Спонтини (1954, "Ла Скала") Джилда - "Риголето" Верди (1955, "Ла Скала") Мадам Бътерфлай (Cio-Chio-san) - "Мадам Бътерфлай" Пучини ("Ла Скала") Лейди Макбет - "Макбет" Верди Федор - "Федора" Джордано Анна Болейн - "Анна Болейн "Доницети Лусия -" Лусия ди Ламермур "Доницети Амина -" Сомнамбула "Белини Кармен -" Кармен "Бизе

Даяна Дамрау е немска оперна и концертна певица, колоратурен сопран. Даяна Дамрау е родена на 31 май 1971 г. в Гюнцбург, Бавария, Германия. Казват, че любовта й към класическата музика и операта се събудила на 12-годишна възраст, след като гледала красив филм-опера на Франко Дзефирели „Травиата” (Дж. Верди) с Пласидо Доминго и Тереза ​​Стратес в главните роли. На 15 години тя участва в мюзикъла "Моята прекрасна лейди" на фестивал в съседния град Офинген. Вокалното си образование получава във Висшето музикално училище във Вюрцбург, където е преподавана от румънската певица Кармен Хангану, по време на следването си учи и в Залцбург при Хана Лудвиг и Едит Матис. След като завършва с отличие консерваторията през 1995 г., Даяна Дамрау подписва двугодишен договор с театъра във Вюрцбург, където прави своя професионален театрален дебют като Елиза „Моята прекрасна лейди“ и оперен дебют с ролята на Барбарина от „Фигаро“. Сватба“, последвани от ролите на Ани („Вълшебният стрелец“), Гретел („Хензел и Гретел“), Мари („Царят и дърводелецът“), Адел („Прилепът“), Валенсиен („Веселият“ Вдовица") и други. След това имаше двугодишни договори с Националния театър на Манхайм и Франкфуртската опера, където играе в ролите на Джилда ("Риголето"), Оскар ("Бал с маскарад"), Цербинета ("Ариадна на Наксос"), Олимпия („Приказките на Хофман“) и Кралици на нощта (Вълшебната флейта). С ролята на Кралицата на нощта тя гостува през 1998/99 г. в държавните оперни театри в Берлин, Дрезден, Хамбург, Франкфурт и в Баварската опера с партия на Зербинета. През 2000 г. във Виенската държавна опера се състоя първото представление на Даяна Дамрау извън Германия с ролята на Кралицата на нощта. От 2002 г. певицата работи като артист на свободна практика в различни театри, през същата година дебютира в чужбина с концерт в САЩ, във Вашингтон. Оттогава тя работи на водещите световни оперни сцени, като основните моменти от формирането на кариерата на Дамрау са нейните дебюти в Ковънт Гардън (2003, Кралица на нощта), през 2004 г. в Ла Скала при откриването след реставрацията на театър, участващ в операта на Антонио Салиери „Призната Европа“, през 2005 г. в Метрополитън опера (Zerbinetta, „Ариадна ауф Наксос“), през 2006 г. на фестивала в Залцбург, концерт на открито с Пласидо Доминго на Олимпийския стадион в Мюнхен в чест на откриването на Световното първенство по футбол през лятото на 2006 г. Оперният репертоар на Даяна Дамрау е много разнообразен, тя работи както в класическите роли на сопрано в италиански, френски и немски опери, така и в произведенията на съвременни композитори, и в началото на кариерата си в мюзикъли и оперети. Багажът на нейните оперни роли достига почти петдесет и освен споменатите по-рано включва Марселин (Фиделио, Бетовен), Лейла (Търсачи на перли, Бизе), Норина (Дон Паскуале, Доницети), Адина (Любовна отвара, Доницети) , Лусия ("Лусия ди Ламермур", Доницети), Рита ("Рита", Доницети), Маргьорит де Валоа ("Хугеноти", Майербер), Сервилия ("Милостта на Тит", Моцарт), Констанца и Блонд ("Отвличане от Серали", Моцарт), Сузана ("Сватбата на Фигаро", Моцарт), Памина ("Вълшебната флейта", Моцарт), Розина ("Севилският бръснар", Росини), Софи ("Рицарят на розата", Щраус), Адел („Прилепът“, Щраус), Уоглинду („Златото на Рейн“ и „Здрачът на боговете“, Вагнер) и много други. Освен постиженията си в операта, Даяна Дамрау се утвърди като една от най-добрите концертни изпълнителки в класическия репертоар. Тя изпълнява оратории и песни на Бах, Хендел, Моцарт, Винченцо Ригини, Бетовен, Робърт и Клара Шуман, Майербер, Брамс, Форе, Малер, Рихард Щраус, Землински, Дебюси, Орф, Барбър, редовно свири в Берлинската филхармония, Карнеги Хол Зала Уигмор, Златната зала на Виенската филхармония, както и редовен гост на фестивалите Шубертиада, Мюнхен, Залцбург и други. Нейният компактдиск с песни на Рихард Щраус (Poesie) с Мюнхенския филхармоничен оркестър беше отличен с наградата ECHO Klassik през 2011 г. Даяна Дамрау живее в Женева, през 2010 г. се омъжи за френския бас-баритон Николас Тесте, в края на същата година Даяна роди син Александър. След раждането на детето певицата се завърна на сцената и продължава активната си кариера. Снимка: Таня Ниман

Мария Николаевна Кузнецова е руска оперна певица (сопран) и танцьорка, една от най-известните певици на предреволюционна Русия. Водещ солист на Мариинския театър, участник в „Руските сезони“ на Сергей Дягилев. Работила е с Н. А. Римски-Корсаков, Рихард Щраус, Жул Масне, пее в тандем с Фьодор Шаляпин и Леонид Собинов. След като напуска Русия след 1917 г., тя продължава да се изявява успешно в чужбина. Мария Николаевна Кузнецова е родена през 1880 г. в Одеса. Мария израства в творческа и интелектуална атмосфера, баща й Николай Кузнецов е художник, а майка й е от семейство Мечникови, чичовците на Мария са Нобелов лауреатбиологът Иля Мечников и социологът Лев Мечников. Пьотър Илич Чайковски посети къщата на Кузнецови, който обърна внимание на таланта на бъдещата певица и композира детски песни за нея, от детството Мария мечтаеше да стане актриса. Родителите й я изпращат в гимназия в Швейцария, връщайки се в Русия, тя учи балет в Санкт Петербург, но се отказва от танците и започва да учи вокал при италианския учител Марти, а по-късно и при баритона и нейния сценичен партньор И. В. Тартаков. Всички отбелязаха нейното чисто, красиво лирично сопрано, забележимия талант на актрисата и женската красота. Игор Федорович Стравински я описва като „... драматично сопрано, което може да се види и слуша със същия апетит“. През 1904 г. Мария Кузнецова дебютира на сцената на Петербургската консерватория в ролята на Татяна в „Евгений Онегин” от Чайковски, в Мариинския театър през 1905 г. като Маргарита от „Фауст” на Ш. Гуно. Солистка на Мариинския театър, с кратка почивка, Кузнецова остава до революцията от 1917 г. През 1905 г. в Санкт Петербург излизат две грамофонни плочи със запис на нейните изпълнения и общо по време на творческата си кариера тя прави 36 плочи. Веднъж, през 1905 г., малко след дебюта на Кузнецова в Мариинския, по време на представлението й в театъра, избухва кавга между студенти и офицери, ситуацията в страната е революционна и в театъра започва паника. Мария Кузнецова прекъсна арията на Елза от „Лоенгрин“ на Р. Вагнер и спокойно изпя руския химн „Боже, царя пази“, разбойниците бяха принудени да спрат кавгата и публиката се успокои, представлението продължи. Първият съпруг на Мария Кузнецова беше Алберт Албертович Беноа, от известната династия на руските архитекти, художници, историци Беноа. В разцвета на кариерата си Мария беше известна като двойно фамилно име Кузнецов-Беноа. Във втория брак Мария Кузнецова беше омъжена за фабриканта Богданов, в третия за банкера и индустриалец Алфред Масне, племенник на известния композитор Жул Масне. През цялата си кариера Кузнецова-Беноа е участвала в много европейски оперни премиери, включително ролята на Феврония в „Легендата за невидимия град Китеж” и „Дева Феврония” от Н. Римски-Корсаков и Клеопатра от едноименната опера на Дж. Massenet, която композиторът написа специално за нея. А също и на руската сцена тя представи за първи път ролите на Вогдолина в „Златото на Рейн” от Р. Вагнер, Чио-Чио-сан в „Мадам Бътерфлай” от Г. Пучини и много други. Гастролира с Мариинския оперен труп в градове в Русия, Франция, Великобритания, Германия, Италия, САЩ и други страни. Сред най-добрите й роли: Антонида ("Живот за царя" от М. Глинка), Людмила ("Руслан и Людмила" от М. Глинка), Олга ("Русалка" от А. Даргомижски), Маша ("Дубровски" от М. Глинка). Е. Направник), Оксана („Черевички“ от П. Чайковски), Татяна („Евгений Онегин“ от П. Чайковски), Купава („Снежанката“ от Н. Римски-Корсаков), Жулиета („Ромео и Жулиета“ от К. Гуно), Кармен („Кармен“ Бизе), Манон Леско (Манон от Ж. Масне), Виолета (Травиата от Дж. Верди), Елза (Лоенгрин от Р. Вагнер) и др. През 1914 г. Кузнецова временно напусна Мариинския театър и заедно с руския балет „Сергей Дягилев се представи в Париж и Лондон като балерина, а също така частично спонсорира тяхното представяне. Тя танцува в балета "Легендата за Йосиф" от Рихард Щраус, балетът е подготвен от звездите на нейното време - композитор и диригент Рихард Щраус, режисьор Сергей Дягилев, хореограф Михаил Фокин, костюми и декори Лев Бакст, водещ танцьор Леонид Мясин . Това беше важна роля и добра компания, но от самото начало продукцията срещна някои трудности: нямаше много време за репетиции, Щраус беше в лошо настроение, тъй като поканените балерини Ида Рубинщайн и Лидия Соколова отказаха да участват и Щраус също не обичаше да работи с френски музиканти и постоянно се караше с оркестъра, а Дягилев все още се притесняваше от напускането на танцьора Васлав Нижински от трупата. Въпреки проблемите зад кулисите, балетът успешно дебютира в Лондон и Париж. Освен че се пробва в балета, Кузнецова прави няколко оперни представления, включително в постановката на Бородин „Княз Игор“ в Лондон. След революцията през 1918 г. Мария Кузнецова напуска Русия, както подобава на актриса, тя го направи драматично красиво - в дрехите на каюта тя се скри на долната палуба на кораб, плаващ за Швеция. Тя става оперна певица в Стокхолмската опера, след това в Копенхаген и след това в Кралската опера, Ковънт Гардън, Лондон. През цялото това време тя постоянно идва в Париж, а през 1921 г. най-накрая се установява в Париж, който става нейният втори творчески дом. През 20-те години на миналия век Кузнецова изнася частни концерти, където пее руски, френски, испански и цигански песни, романси и опери. На тези концерти тя често танцува испански народни танци и фламенко. Някои от концертите й бяха благотворителни за подпомагане на нуждаещата се руска емиграция. Тя стана звезда на парижката опера и се смяташе за голяма чест да бъде приета в нейния салон. "Цветето на обществото", министри и индустриалци се тълпяха пред нея. Освен частни концерти, тя често е работила като солистка в много оперни театри в Европа, включително Ковънт Гардън и Парижката опера и Опера Комикс. През 1927 г. Мария Кузнецова с княз Алексей Церетели и баритон Михаил Каракаш организират частна компания „Руска опера“ в Париж, където канят много руски оперни певци, напуснали Русия. Руската опера постави „Садко“, „Приказката за цар Салтан“, „Легендата за невидимия град Китеж и девойката Феврония“, „Сорочински панаир“ и други опери и балети на руски композитори и изпълнени в Лондон, Париж, Барселона, Мадрид, Милано и в далечен Буенос Айрес. "Руската опера" продължава до 1933 г., след което Мария Кузнецова започва да дава по-малко представления. Мария Кузнецова умира на 25 април 1966 г. в Париж, Франция.

Анджела Георгиу (румънска Angela Gheorghiu) е румънска оперна певица, сопран. Един от най-известните оперни певци на нашето време. Анджела Георгиу (Бурлаку) е родена на 7 септември 1965 г. в малкия град Аджуд, Румъния. От ранно детство беше очевидно, че ще стане певица, съдбата й беше музиката. Учи в Музикалното училище в Букурещ и завършва Националния музикален университет в Букурещ. Професионалният й оперен дебют се състоя през 1990 г. като Мими в La Boheme на Пучини в Клуж, през същата година тя печели Международния вокален конкурс на Ханс Габор Белведере във Виена. Фамилията Георгиу остана с нея от първия й съпруг. Международният дебют на Анджела Георгиу се състоя през 1992 г. в Кралската опера, Ковънт Гардън в Ла Бохем. През същата година тя дебютира в Метрополитън опера в Ню Йорк и във Виенската държавна опера. През 1994 г. в Кралската опера, Ковънт Гардън, тя за първи път изпълнява ролята на Виолета в „Травиата“, в този момент се случва „раждането на звезда“, Ангела Георгиу започва да се радва на постоянен успех в оперни театри и концертни зали наоколо. света: в Ню Йорк, Лондон, Париж, Залцбург, Берлин, Токио, Рим, Сеул, Венеция, Атина, Монте Карло, Чикаго, Филаделфия, Сао Пауло, Лос Анджелис, Лисабон, Валенсия, Палермо, Амстердам, Куала Лумпур, Цюрих , Виена, Залцбург, Мадрид, Барселона, Прага, Монреал, Москва, Тайпе, Сан Хуан, Любляна. През 1994 г. тя се запознава с тенора Роберто Аланя, за когото се омъжва през 1996 г. Сватбената церемония се състоя в Метрополитън опера в Ню Йорк. Дълго време двойката Алания-Георгиу беше най-яркият творчески семеен съюз на оперната сцена, сега те са разведени. Първият й ексклузивен договор със звукозаписна компания е сключен през 1995 г. с Decca, след което издава няколко албума годишно, сега има около 50 албума, както оперни постановки, така и самостоятелни концерти. Всичките й дискове получиха добра обратна връзкакритици и са получили много международни награди, включително награди от списание "Грамофон", немската награда "Ехо", френските "Diapason d'Or" и "Choc du Monde de la Musique" и много други. Два пъти през 2001 и 2010 г. е обявена за "Най-добра певица на годината" от британските "Classical BRIT Awards". Обхватът на ролите на Анджела Георгиу е много широк, особено любимите й опери от Верди и Пучини. Италианският репертоар, може би поради относителната прилика на румънския и италианския език, тя се справя чудесно, някои критици отбелязват, че френски, немски, руски и английски опери се изпълняват по-слабо. Най-важните роли на Анджела Георгиу: Белини "Сомнамбула" - Амина Бизе "Кармен" - Михаела, Кармен Чили "Адриана Лекуврьор" - Адриана Лекуврьор Доницети "Лусия ди Ламермур" - Лусия Доницети "Лукреция Го Борджия" - Дон Лукрези Адина напитка "Фауст" - Маргарита Гуно "Ромео и Жулиета" - Жулиета Масене "Манон" - Манон Масне "Вертер" - Шарлот Моцарт "Дон Джовани" - Целина Леонкавало "Палячи" - Неда Пучини "Лястовица" - Магда Пучини "Мими Бохемия" Пучини "Джани Скики" - Лорета Пучини "Тоска" - Тоска Пучини "Турандот" - Лиу Верди Трубадур - Леонор Верди "Травиата" - Виолета Верди "Луиз Милър" - Луиза Верди "Симон Боканегра" - Мария Анджела Георгиу продължава да изпълнява активно и е на върха на оперния Олимп. Бъдещите ангажименти включват различни концерти в Европа, Америка и Азия, Тоска и Фауст в Кралската опера, Ковънт Гардън.

Анет Даш е немска оперна певица, сопран. Един от водещите съвременни немски оперни певци. Анет Даш е родена на 24 март 1976 г. в Берлин. Родителите, бащата, съдията и майката на Анет учат медицина, обичат музиката и внушават тази любов на четирите си деца. У дома, по традиция, всички членове на семейството свиреха музика и пееха заедно, като пораснаха, всички деца станаха професионални музиканти: най-голямата дъщеря- концертен пианист, по-малките братя - единият - певец, бас-баритон, член на класическия поп квинтет "Адоро", другият - учител по музика. От детството Анет се изявява в училищния вокален ансамбъл и мечтае да стане рок певица. Тя също беше активен скаут и все още обича туризъм и туризъм. През 1996 г. Анет се мести в Мюнхен, за да учи академично вокал във Висшето училище за музика и театър в Мюнхен. През 1998/99 г. тя също така посещава музикални и драматични курсове в Университета за музика и театър в Грац (Австрия). Международният успех идва през 2000 г., когато печели три големи международни вокални конкурса - конкурса на Мария Калас в Барселона, конкурса за песни на Шуман в Цвикау и конкурса в Женева. Оттогава тя участва на най-добрите оперни сцени в Германия и света - в Баварската, Берлинската, Дрезденската държавна опера, в Парижката опера и в Шанз Елизе, Ла Скала, Ковънт Гардън, Токийската опера, Метрополитън опера и много други. През 2006, 2007, 2008 тя участва на фестивала в Залцбург, през 2010, 2011 на фестивала на Вагнер в Байорот. Обхватът на ролите на Анет Даш е доста широк, включително ролите на Армида ("Армида", Хайдн), Гретел ("Хензел и Гретел", Хъмпърдинк), Girls-Goose ("Кралски деца", Хъмпърдинк), Фьордилиги ("Всички прави това", Моцарт), Елвира (Дон Джовани, Моцарт), Електра (Идоменео, Моцарт), Графиня (Сватбата на Фигаро, Моцарт), Памина (Вълшебната флейта, Моцарт), Антония (Приказките на Хофман, Офенбах), Лиу (Турандот, Пучини), Розалинда (Прилепът, Щраус), Фрея (Рейнско злато, Вагнер), Елза (Лоенгрин, Вагнер) и др. Анет Даш е не само оперна певица, тя пее и оратории и изнася концерти. Репертоарът й включва песни на Бетовен, Бритън, Хайдн, Глук, Хендел, Шуман, Малер, Менделсон и др. Певицата изнесе последните си концерти във всички големи европейски градове (например в Берлин, Барселона, Виена, Париж, Лондон, Парма, Флоренция, Амстердам, Брюксел), изнесе се на фестивалите Шубертиада в Шварценберг, фестивали ранна музикав Инсбрук и Нант, както и на други престижни фестивали. От 2008 г. Анет Даш води много популярното си телевизионно развлекателно музикално шоу "Dash-Salon", чието име на немски е съзвучно с думата "пране" (Waschsalon). За сезон 2011/2012 Анет Даш стартира европейско солово турне, предстоящите й оперни ангажименти включват ролята на Елвира от Дон Джовани през пролетта на 2012 г. в Метрополитън опера, след това ролята на мадам Помпадур във Виена, турне с Виенската опера в Япония с роля във „Веселата вдовица“, също още едно представление на фестивала в Байоро.

Екатерина Шчербаченко - руска оперна певица (сопрано), солистка на Болшой театър. Екатерина Николаевна Щербаченко (родена Телегин) е родена на 31 януари 1977 г. в Рязан. През 1996 г. завършва Рязанския музикален колеж на името на V.I. Г. и А. Пирогов, получили специалност „хор диригент”. През 2005 г. завършва Московската държавна консерватория. PI Чайковски (учител - професор Марина Алексеева) и там тя продължава обучението си в аспирантура. В оперното студио на Консерваторията тя изпява партията на Татяна от операта „Евгений Онегин“ от П. Чайковски и партия на Мими от операта „Бохема“ от Дж. Пучини. През 2005 г. е солист-стажант на оперната трупа на Московския академичен музикален театър. К.С. Станиславски и В. И. Немирович-Данченко. В този театър тя изпълнява ролята на Лидочка в оперетата „Москва, Черемушки“ от Д. Шостакович и частта на Фиордилиги в операта „Така действат всички жени“ от В. А. Моцарт. През 2005 г. в Болшой театър тя изпява ролята на Наташа Ростова в премиерата на операта „Война и мир“ от С. Прокофиев (втора версия), след което получава покана в Болшой театър като постоянен член на оперната трупа. Репертоарът й в Болшой театър включва следните роли: Наташа Ростова ("Война и мир" от С. Прокофиев) Татяна ("Евгений Онегин" от П. Чайковски) Лиу ("Турандот" от Г. Пучини) Мими ("La Boheme" " от Г. Пучини) Михаела ("Кармен" от Ж. Бизе) Иоланта ("Иоланта" от П. Чайковски) През 2004 г. изпява партия на Лида в оперетата "Москва, Черьомушки" в Лионската опера (диригент Александър Лазарев ). През 2007 г. в Дания участва в изпълнението на кантатата на С. Рахманинов „Камбаните“ със Симфоничния оркестър на Датското национално радио (диригент Александър Ведерников). През 2008 г. тя изпява ролята на Татяна в Операта на Каляри (Италия, диригент Михаил Юровски, режисьори Моше Лейзер, Патрис Кориер, постановка на Мариинския театър). През 2003 г. получава диплома от Международния конкурс "Нови гласове" в Гютерсло (Германия). През 2005 г. печели 3-та награда на Международния оперен конкурс в Шизуока (Япония). През 2006 г. - III награда на Международния V.I. Франсиско Виняса в Барселона (Испания), където също получи специална награда като „Най-добър изпълнител на руска музика“, наградата „Приятели на операта Сабадела“ и наградата на Музикалната асоциация на Катания (Сицилия). През 2009 г. тя спечели конкурса на BBC Singer of the World в Кардиф и също беше наградена с награда за младежта Triumph.

Пермският академичен театър за опера и балет на името на P.I. Чайковски е един от най-старите театри в Русия. За повече от век от своята история Пермският оперен и балетен театър неизменно остава най-големият музикален център в страната, където се провеждат значими творчески събития. Театърът, който често се нарича Къщата на Чайковски, е поставил всички сценични произведения на великия композитор. Класическите произведения на Бородин, Мусоргски, Римски-Корсаков са внимателно запазени в "златния фонд" на репертоара. Театърът връща на публиката незаслужено забравените музикални платна. За първи път в Русия в театъра са поставени оперите: "Пяна на дните" от Е. Денисов, "Клеопатра" от Ж. Масне, "Лолита" от Р. Шчедрин по романа на В. Набоков, "Алцина". “ от GF Хендел, Орфей от К. Монтеверди, Христос от А. Рубинщайн. Перм се нарича третата балетна Мека, след Москва и Санкт Петербург, където до академичната балетна трупа работи прочутото хореографско училище. От 70-те години на миналия век Пермският балет е в орбитата на неотслабващото внимание на голяма публика. Единството на стила на изпълнение на солистите и кордебалета е особеност на колектива. Балетът на Перм е може би единствената трупа в Руската федерация, която се състои изцяло от възпитаници на едно училище. Повече от десетилетие сцената на Урал е един вид „стартова площадка“ за много артисти, известни далеч отвъд границите на Русия. Започна Пермският театър творческа биографиямного "звезди от първа величина" на столицата и други големи театри на страната и света. Имената на световно известни танцьори - Галина Рагозина-Панова, Любов Кунакова, Надежда Павлова, Олга Ченчикова, Марат Даукаев, Юрий Петухов, Галина Шляпина, Светлана Смирнова - прославиха Пермската територия. Театърът в Перм стана известен благодарение на участието на своите оперни певци и балетни артисти в международни фестивали. Театърът за опера и балет в Перм е инициатор и организатор на Открития конкурс на руските балетни артисти „Арабеск“ и Международния фестивал на изкуствата „Дягилевски сезони“: Перм-Петербург-Париж. Оперните и балетни представления на Пермския театър многократно са ставали номинирани и лауреати на Всеруския национален театрален фестивал "Златна маска". Водещите солисти на Пермския театър са посетили различни континенти на света с представления и концертни програми. Започвайки през 1973 г., трупата на Перм с пълен състав заминава на турне в Австрия, Италия, Югославия, България, Чехословакия, Германия, Полша, Белгия, Холандия, Австралия и Нова Зеландия, Япония и Южна Кореа , Англия, Ирландия, Холандия, Испания, Китай, САЩ. Във Франция и Куба, в Камбоджа и Канада, в Тайланд и Египет, в Никарагуа, Индия и Съединените щати – където и да се изявяват артистите, те получават признание от критиката и намират верни приятели и почитатели. Пермският академичен театър за опера и балет е създаден през 19-ти век по инициатива на общността на Кама, с участието на градския любителски музикален кръг, в който е включена известната фамилия Дягилев. Официалната дата на основаването на театъра е 24 ноември 1870 г. Първото изпълнение е операта "Живот за царя" от М. Глинка. „В Перм театърът като институция съществува от дълго време. Първоначално на улица Обвинская имаше дървена театрална сграда, но изгоряла през 1863 г. След това е построен дървен театър, по-късно демонтиран ... За първи път жителите на град Перм видяха добра трупа и освен това оперна трупа през зимата на 1879/80 г. в все още недовършения каменен театър. Трупата е подкрепена от известния по-късно предприемач П.П. Медведев ... През 1896 г. започва цяла ера в историята на Пермския театър. Поема се под прякото ръководство на обществените съветници на градския съвет, които решават да управляват театралния бизнес за сметка на града; за пряко управление на театъра се избира градската администрация, която се занимава с каненето на артисти. Беше решено да се поддържа оперна трупа за сметка на града." В. С. Верхоланцев Кратък исторически и статистически очерк "Град Перм, неговото минало и настояще" през 1913 г. Първият "общински" сезон откри ... с постановката на "Аида". Общо Дирекцията изкара шест сезона, един от които драматичен, един оперен и драматичен, останалите оперни. Те започваха през септември и завършваха преди Великия пост. През сезона се проведоха до сто или повече представления, годишният репертоар включваше над тридесет произведения. Поставени са предимно руска класика - "Евгений Онегин", "Пиковата дама", "Мазепа" от П. Чайковски, "Княз Игор" от А. Бородин, "Борис Годунов" от М. Мусоргски, "Демонът" от А. Рубинщайн. В допълнение към тях, такива редки гости на съвременната оперна сцена като "Силата на врага" от А. Серов, "Майска нощ" от Н. Римски-Корсаков, "Каменният гост" от А. Даргомижски и др. От средата на 90-те години на XIX век Перм се запознава с хореографското изкуство. На 5 ноември 1896 г. е изпълнен малкият балет на Заненфелд „Табор на унгарските цигани”. През януари 1897 г. "Вълшебната флейта" от Р. Дриго вижда светлината на пермската сцена, последвана от "Феята на куклите" от Дж. Байер... Съществуването на театъра през първите две десетилетия на ХХ век е неравномерно, но операта продължава да живее. Предприемачите подкрепиха интереса на публиката към операта и нивото на изпълненията, залагайки на певци-премиери. А. Нежданова, П. Петрова-Званцева, Н. Фигнер, М. Максаков, Л. Собинов и други изявени вокалисти са се изявявали в Перм през различни сезони. На 20 август 1921 г. започва първият театрален сезон след Гражданската война. В плакатите - "Демон", "Фауст", "Аида", "Евгений Онегин", "Борис Годунов", "Риголето", "Севилският бръснар". До края на 20-те години на миналия век Перм се превръща в един от онези центрове на оперното изкуство, където охотно идват изключителни вокалисти и талантливи диригенти. Така през сезон 1925/26 пермците се възхищават на неподражаемата Кармен Ф. Мухтарова, а през следващия - на Ленски на И. Козловски. През цялата пролет на 1929 г. С. Лемешев е в състава на театъра. През 1925 г. в Перм е основано първото театрално студио, което започва да обучава балетни танцьори, както и драма, хор и оркестър. На 2 февруари 1926 г. студиото поставя балета „Жизел“ на А. Адам. На 20 октомври 1931 г. се състоя премиерата на Лебедово езеро (хореограф О. Чаплыгин). В предвоенните години балетната трупа се ръководи от хореографи от различни направления и школи. Пермските балетомани дълго помнят Н. Гончарова, Р. Минаева, Б. Коршунова, А. Бронски, А. Езерски и други танцьори в спектаклите от онези години. По време на войната Ленинградският театър за опера и балет на името на V.I. Киров. Пермската трупа не спира да работи в градовете на региона ... Защо бившият Мариински театър се озовава в Перм, тогавашният Молотов? ... Идеята е на главния диригент А. Пазовски, който прави първите си стъпки в голямото изкуство тук... Местните власти приеха това предложение с разбиране. Ленинградците са работили тук в продължение на три зими и две лета - значителен период за историята на музикалната култура на града ... Школата на световноизвестния мариински балет също се озовава в Перм, което впоследствие допринася за създаването на Пермското хореографско училище. .. по книгата на М. Степанов, Ю. Силин “ 125 години. Пермски академичен театър за опера и балет P.I. Чайковски „1995 г. През 1931 г. Пермският театър е наречен „2-ра държавна опера на Урал”. В следвоенните години основните творчески принципи на Пермския театър, заложени от цялата му праистория, започват да се вкореняват. Един от основните принципи е обновяването на репертоара чрез произведения, които рядко излизат на сцената. Възраждането на непознатото, забравеното, по различни причини неприето от руската сцена е характерно за всички периоди от живота на театъра. Пермският театър отвори за публиката великите творения на С. Прокофиев: през сезон 1981-82. изпълнява авторската двувечерна версия на операта на С. Прокофиев "Война и мир" и за първи път в СССР дава сценичен живот на операта "Огнен ангел" (1984). Откриването на много разфасовки на операта „Война и мир“ разшири и разшири фолклорно-патриотичната линия на операта, драматизма на цялото стана по-хармонична и логична, характерите на някои от главните герои станаха по-многостранни. Тази продукция влезе в историята и беше удостоена с Държавната награда на Руската федерация на името на И. М. И. Глинка. Друг принцип творчески живот театър - работа върху произведенията на съвременни композитори. В Перм оперите "Маскарад" от Д. Толстой и "Сестри" от Д. Кабалевски, балетите "Каменно цвете" от А. Фридлиндер, "Бела" и "Грушенка" от Б. Машков, "Брег на щастието" от A. Spadavekkia получиха старт в живота. Сред най-интересните творчески принципи на театъра е опитът да се овладее цялото оперно и балетно наследство на П.И. Чайковски, родом от Кама. През 1974 г. Пермският академичен театър на името на P.I. Чайковски покани най-добрите солисти от много театри на страната и всички нейни зрители на Първия фестивал на операта и балета на Чайковски. Този празник се повтаря успешно през 1983 и 1988 г. Пермският театър се превърна в истинската къща на Чайковски. „Златният век“ на пермския балет, щедро дарен от Н. Боярчиков (главен хореограф на театъра, ученик на известните руски хореографи Ф. Лопухов и Б. Фенстер) на театрали от 70-те години, се превърна във вълнуваща легенда за следващите поколения. Сред неговите постановки са различни по изобразителен език „Чудесният мандарин“ от Б. Барток, „Три карти“, „Ромео и Жулиета“, „Цар Борис“ от С. Прокофиев, „Орфей и Евридика“ от А. Журбин. Н. Павлова, О. Ченчикова, Г. Шляпина, М. Даукаев, Л. Фоминых, Р. Кузмичова, Ю. Петухов, Г. Судаков, Л. Шипулина, К. Шморгонер, О. Левенков, В. Дубровин. През 1965 г. Пермският театър за опера и балет е кръстен на P.I. Чайковски, а през 1969 г. - статут на "академичен" театър. Творческите принципи, формирани в следвоенните години, определят художествената стратегия на театъра и през трудните 90-те години. Опери, които са рядко срещани за руската сцена, прозвучаха в Пермския театър за опера и балет: „Лусия ди Ламермур“ от Г. Доницети, „Дон Джовани“ от В.-А. Моцарт, „Летящият холандец” от Р. Вагнер, операта на Н. Римски-Корсаков „Кащей безсмъртният”, която на практика не се изпълнява в страната. През 1996 г., като главен режисьор на театъра, Г. Исахакян поставя оригиналната пиеса "Три лица на любовта", която включва едноактните опери "Раят на майстора Педро" от М. де Фала, "Гърдите на Тирезий". “ от Ф. Пуленк и „Мадалена”, първата опера на двадесетгодишния Прокофиев, чийто сценичен език до голяма степен определя модерния „оперен” облик на Перм. В Перм за първи път видяха светлината операта на Александър Чайковски „Трите сестри на Прозорови“ от А. Чехов и едноактният му балет „Пикова дама“ – перифраз на музиката на П. Чайковски. сцена. Добра традиция се превърнаха съвместни изяви с американски хореографи, режисьори и артисти от Германия, Испания, Швейцария и други страни и континенти. "Peer Gynt" от Е. Григ е поставена от американския хореограф Бен Стивънсън, "Concerto Baroque" от И.С. Бах – подарък от фондация Дж. Баланчин. Руско-испанската постановка на операта "Саломе" от Р. Щраус става забележително събитие на Международния фестивал в Мадрид през есента на 1995 г. Руската опера "Златният петел" от Н. Римски-Корсаков е поставена от швейцарския режисьор Д. Кеги и художника от Германия С. Пастеркамп. Към 200-годишнината на A.S. Пушкин подготви уникална програма „Опера Пушкиниана“. Групата режисьори, работили по "Опера Пушкиниана", е удостоена с Държавната награда на Русия за 1999 г. в областта на литературата и изкуството. В рамките на „Сезони на Дягилев-2005“ се появи опера по сюжети на „Малки трагедии“ от А.С. Пушкин („Сребролюбивият рицар”, „Каменният гост”, „Моцарт и Салиери”, „По времето на чумата”) и „Борис Годунов”, съставящи този цикъл, продължиха през целия ден без прекъсване. През 1990 г. се провежда първият Открит конкурс на балетните артисти „Арабеск“, чиито художествени ръководители са Владимир Василиев и Екатерина Максимова. В продължение на 20 години на всеки две години танцьори от цял ​​свят се събират в Перм, за да участват в балетен конкурс. Млади певци от различни страни Светът участва в Първия международен конкурс за млади оперни певци, проведен в Перм през 1993 г. О. Бородина и Д. Хворостовски, лауреати на Първия всеруски конкурс за млади оперни певци, проведен в Перм през 1987 г., бяха един от журито членове. Татяна Куинджи и Анзор Шомахия - изпълнители на главните роли в пермската постановка на операта на Дон Паскуале от Г. Доницети - бяха отличени с Националната театрална награда "Златна маска" за най-добра женска и мъжка роля през 1996 г. През 1998 г. тази престижна награда е получена за сценография на пиесата Пиковата дама. Днес театърът се ръководи от: художествен ръководител - командир на Ордена за приятелство, лауреат на Националната театрална награда "Златна маска" Теодор Курентзис, главен диригент - заслужил деятел на изкуството на Русия, народен артист на Република Башкортостан Валерий Платонов, гл. Гост-диригент - заслужил деятел на изкуството на Русия, лауреат на Държавната награда на Република Беларус, лауреат на Националната театрална награда "Златна маска" Александър Анисимов, главен балетмайстор - Алексей Мирошниченко, главен хормайстор - Дмитрий Батин, главен дизайнер - Елена Соловьева . С театъра си сътрудничат известни сценографи от Русия и света - Ю. Устинов, И. Акимова, В. Окунев, Ю. Хариков, А. Коженкова, Е. Хайдебрехт, Ю. Купър и много други. „Златният фонд” на репертоара на театъра, както и преди, е съставен от класика, представленията се актуализират постоянно, запазвайки не музей, а модерна форма на изкуство. Руската класика е представена от оперите на А. Бородин "Княз Игор", Н. Римски-Корсаков "Царската булка", "Снежанката". Популярни опери на Дж. Верди, В.А. Моцарт, Р. Леонкавало. В сътрудничество с фондация Дж. Баланчин продължава дългосрочният руско-американски проект „Хореография на Г. Баланчин на пермската сцена”. Пермската публика се запозна и с хореографията на по-младия му съвременник, изключителния американски хореограф Джером Робинс. В рамките на руско-американския културен проект „Хореография на Джордж Баланчин на пермската сцена” са поставени едноактни балети „Сомнамбула” от В. Риети, „Вариации на Доницети” (2001), „Имперски балет” музика от Втори концерт за пиано на П. Чайковски (2002), "Концерт барок" на музика от концерт за две цигулки и струнен оркестър от И.С. Бах и серенада по музика на Серенадата на Чайковски за струнен оркестър Ballet Imperial през 2004 г. спечелиха фестивала „Златна маска“ като най-добро балетно представление. През 2005 г. е осъществен уникален проект „Най-грандиозното лебедово езеро в света” в сътрудничество с холандската компания Stardust. В началото на хилядолетието театърът все повече утвърждава авторитета си на пионер, продължаващ и обогатяващ традициите на „лабораторията на модерната опера”. През 2001 г. се състоя премиерата на операта Клеопатра от Ж. Масне, която никога не е играна в Русия, а е почти непозната в света. През 2004 г., за първи път в Русия, поставената магическа опера на Г. Ф. Хендел „Алцина“, първият опит за изпълнение на стара опера в Пермския театър, разкрива нови аспекти на забележителни оперни солисти. През 2007 г., в годината на 400-годишнината на операта Орфей от К. Монтеверди, тази опера е поставена на пермската сцена. Според московския критик Дмитрий Морозов „Георгий Исахакян постави, може би, най-доброто си представление и направи истински артистичен пробив. Орфей е не просто първата постановка на шедьовъра на Монтеверди в Русия, но и първият успех на нашия театър на полето на антична опера. ... Орфей се оказа най-доброто и със сигурност най-хармоничното музикално изпълнение на годината." В рамките на фестивала „Дягилевски сезони-2007“ за първи път в света беше изпълнена операта на Н. Сиделников „Чертогон“, която предизвика голям интерес сред гостите на фестивала, професионални музиканти и критици. Значителни събития през последните години е спектакълът в Москва по покана на Театъра на нациите на спектаклите „Лолита” и „Клеопатра”, представление на прочутата сцена на Мариинския театър с програма от балети на Г. Баланчин. През 2004 г. оперната трупа се изявява в рамките на фестивала за съвременно изкуство SAKRO ART в Локум със световната премиера на операта Бестиарий на А. Щетински. Пиесата беше представена и в Театъра на нациите в Москва и на театралния фестивал в Ярославъл. През пролетта на 2006 и 2007 г., представленията на Пермския театър - "Кармен" от Ж. Бизе, "Славей" от И. Стравински, "Пепеляшка, или Приказката за Пепеляшка" от Ж. Масне и "... на име Малката русалка“ от А. Дворак – отново стават номинирани за „Златната маска“. Голям отзвук получиха гастролните изяви на трупата в Москва и Санкт Петербург. Участието на пермски артисти във фестивала Звездите на белите нощи в Мариинския театър, в музикалните фестивали Балтийски сезони в Калининград, Панорама на руските оперни театри в Омск, Кресчендо в столицата, на сцената на Болшой театър на Русия, увеличи славата на Пермския театър ... През януари 2008 г. Пермската опера обиколи Америка с голям успех на сцената на известната Карнеги Хол, която някога беше открита под звуците на оркестъра, ръководен от П. И. Чайковски. Сега Пермският театър, който носи името на П. И. Чайковски, представи концерт „Чайковски познат и непознат“ с арии и сцени от такива опери на великия композитор като „Пиковата дама“, „Черевички“, „Орлеанската девойка“. ", "Евгений Онегин", "Иоланта", "Опричник", "Ундина", "Чародница", "Мазепа". Изпълненията на пермската трупа получиха много топло посрещане от взискателната нюйоркска публика и получиха широк отзвук в американската преса. Перм традиционно е домакин на Открития конкурс на руските балетни артисти „Арабеск“, ръководен от Владимир Василиев и Екатерина Максимова. През 2003 г. под патронажа на ЮНЕСКО се провежда първият международен фестивал „Сезони на Дягилев: Перм – Петербург – Париж“. Един от първите фестивали в Русия, съчетаващ различни видове изкуство под знака на творчеството и вдъхновението. Първата премиера на 137-ия сезон беше духовната опера на А. Рубинщайн Христос (режисьор Георги Исахакян), поставена за първи път на руска сцена. През февруари 2009 г. се състоя премиерата на операта "Отело" от режисьора В. Петров, който дебютира като режисьор на музикален театър. Руската и световна премиера на операта „Един ден в Иван Денисович“, която се появи благодарение на творческото сътрудничество на Г. Исахакян и композитора А. Чайковски и добрата воля на А. И. Солженицин, се състоя в рамките на IV фестивал „Дягилевски сезони“. Тази постановка отвори до голяма степен недокосната „лагерна“ тема за оперното изкуство. В края на март премиерата на два модерни едноактни балета: Медея (хореограф Ю. Посохов) и Ринг (хореограф А. Мирошниченко). Специално за „Сезони на Дягилев“ са възобновени балети в класическата хореография на М. Фокин, един от легендарните хореографи на „Руските сезони“ на Дягилев: половецки танци„И миниатюрният балет „Видението на розата”. Именно тези представления бяха представени от пермски артисти в Болшой театър на честването на стогодишнината от руските сезони на Дягилев, което се състоя на 30 май. Пермският театър за опера и балет участва в Националния театрален фестивал „Златната маска-2009” с балетния спектакъл „Корсар” (хореография Мариус Петипа, актуализирана от режисьора от Санкт Петербург В. Медведев) и операта „Орфей ” (реж. Г. Исахакян), чиято премиера е през ноември 2007г. „Орфей” е отличен с две Златни маски: за най-добра режисура (режисьор Г. Исахакян) и за най-добър сценограф (постановник Ернст Хайдебрехт). Година по-късно театърът участва във фестивала с балета "Медея" (хореограф Юрий Посохов) и операта "Един ден в Иван Денисович" (режисьор Георгий Исахакян). Последният получи "Златна маска" в номинацията "Най-добър диригент", наградата беше връчена на главния диригент на театъра Валерий Платонов. Източник: официалният уебсайт на tetra

Михайловският театър е оперен и балетен театър в Санкт Петербург, разположен в историческа сграда на Площада на изкуствата. Императорският Михайловски театър е открит през 1833 г. с указ на император Николай I. Театърът дължи името си на великия княз Михаил, най-малкия син на Павел I: дворецът Михайловски, разположен на площада на изкуствата, служи като резиденция на великия княз, а театърът се превръща в камерна сцена, която приема високопоставени гости измежду императорското семейство и близките им. Сградата на театъра е проектирана от A.P. Брюлов с участието на A.M. Горностаева. Архитектът успява органично да впише фасадата в ансамбъла на площада, създаден от К. Роси. Брюлов създаде вълшебна кутия: може да се предположи, че зад скромна фасада театърът е скрит само от покрива, където зад купола над зрителната зала се вижда висока сцена. Вътре се съдържа целият блясък на императорския театър: сребро и кадифе, огледала и кристал, живопис и мазилка. През 1859 г. в резултат на реконструкция по проект на А. Кавос сцената е разширена и увеличена с едно ниво. аудитория, интериорите на театъра са допълнени с живописни плафони, богата мазилка и фигури на кариатиди, които и днес красят портала над авансцената. Преди революцията Михайловският театър не е имал постоянна трупа, нито е имал определен репертоар. Трупата на Александринския театър се изявяваше в помещенията на театъра, френски, а понякога и немски артисти постоянно обикаляха. В стените му се провеждаха и оперни представления. След реконструкцията през 1859 г. френска драматична трупа се настанява в сградата на театъра за много десетилетия до 1918 г. Френските оперети, като Офенбах, са чести, но лирическите оперни представления са рядкост и се поставят главно от Императорската руска опера (Мариински театър). Изключението беше няколко години в средата на 1890-те години, когато помещенията на Мариински бяха затворени за ремонт и оперите на сцената на Михайловски бяха изпълнявани ежеседмично. Сред тези, които са се изявявали на сцената на Михайловския театър през различни години, са оркестърът под диригентството на Йохан Щраус, Люсиен Гитри, Матилда Кшесинская, Фьодор Шаляпин и трупата на Сара Бернхард. Чести посетители на представленията бяха A.S. Пушкин, В.А. Жуковски, Л.Н. Толстой, P.I. Чайковски. От 1918 г. театърът има постоянна трупа. През XX век в театъра работят културни дейци, известни не само в Русия, но и в целия свят. Сред тях са диригентите Е. Грикуров и Ю. Темирканов; режисьори В. Майерхолд, Б. Зон, Н. Смолич, И. Шлепянов; хореографи Ф. Лопухов, Ж. Баланчин, Ю. Григорович, И. Чернишев, Н. Боярчиков. През цялата си история театърът е преименуван няколко пъти. Мали оперен и балетен театър - Ленинград, а след това и Петербург. От 1989 г. театърът носи името на М.П. Мусоргски, а от 2001 г. е върнат в театъра историческо име- Михайловски театър. През 2007 г. S.L. Гаудасински (народен артист на Русия, лауреат на държавни награди на Русия, професор на консерваторията) беше заменен от известния руски бизнесмен В.А. Кехман е председател на борда на директорите на компанията за внос на плодове JFC. Кехман също обяви, че ще работи заедно със S.L. Гаудасински, който ще остане художествен ръководител на театъра. След което обаче въвежда позициите на отделни директори на оперните и балетните трупи. Балетната трупа се оглавява от известния руски танцьор Фарух Рузиматов. Елена Образцова стана художествен ръководител на оперната трупа, която напусна поста си през септември 2008 г., за да премине по-късно към работата на художествен съветник на генералния директор на Михайловския театър: певицата обясни решението си със собствения си натоварен график творчески проекти и турнета. Даниеле Рустиони става главен гост-диригент на театъра. Балетната трупа на театъра, която за първи път посети Лондон през 2008 г., беше номинирана за награда на британската критика за най-добра международна трупа. През 2009 г. за главен диригент - музикален директор на театъра е назначен маестро Петър Феранец, а главен хореограф на театъра става Михаил Месерер. През октомври 2009 г. Фарух Рузиматов обяви възобновяването на изпълнителската си кариера и напусна поста художествен ръководител на балетната трупа на театъра. През юли 2010 г. беше обявено, че испанският хореограф Начо Дуато ще ръководи балетната трупа на театъра от 1 януари 2011 г.

Teatro Carlo Felice е главната опера в Генуа, Италия. Театърът се намира в центъра на града, близо до площад Ферари и е символ на града, пред театъра има конен паметник на Джузепе Гарибалди. Решението за изграждане на нова опера в Генуа е взето през 1824 г., когато става ясно, че съществуващите градски театри не отговарят на нуждите на града. Новият театър трябваше да стои на един ред и да се конкурира с най-добрите оперни театри в Европа. Обявен е архитектурен конкурс, на който се избира проектът на сградата на операта от местния архитект Карло Барбарино, малко по-късно известният миланец Луиджи Каноника е допълнително поканен да построи сцената и залата, за чиято сметка той вече е участва в няколко големи проекта - реставрацията на Ла Скала, изграждането на театри в Милано, Кремона, Бреша и др. За театъра е избрано място, където се намират бившият Доминикански манастир и църквата Сан Доменико. Този манастирски комплекс, датиращ от тринадесети век, е известен със своето архитектурно величие и скъпоценни произведения на изкуството на вътрешната украса. Някои твърдят, че манастирът е бил принесен в жертва на театъра, но това не е вярно. Още по времето на Наполеоновото „Кралство Италия“ в манастира се помещават казармите и складовете на неговата армия. Комплексът е силно порутен и през 1821 г. по плана за преустройство на града е напълно разрушен, а решението за изграждане на театър е взето през 1824 г. Първият камък на новата сграда е положен на 19 март 1826 г. Тържественото откриване се състоя на 7 април 1828 г., въпреки че строителството и декорацията не бяха напълно завършени. Първата опера на сцената на театъра е "Бианка и Фернандо" от Винченцо Белини. Театърът е кръстен на херцог Карло Феличе от Савой, владетел на Генуа. Пететажната зала можеше да побере около 2500 зрители. През следващите години театърът е реставриран няколко пъти, през 1852 г. е монтирано газово осветление, през 1892 г. - електрическо осветление. В продължение на почти четиридесет години, от 1853 г., Джузепе Верди прекарва зимите в Генуа и многократно поставя оперите си в Театро Карло Феличе. През 1892 г., след реконструкция за честване на 400-годишнината от откриването на Америка от Христофор Колумб (Генуа оспорва правото да се счита за малка родина на Колумб), Верди е помолен да състави подходяща опера за това събитие и да я постави в театъра , но той отказал, позовавайки се на напредналата си възраст. Teatro Carlo Felice е постоянно обновяван и остава в добро състояние до Втората световна война. Първите щети са нанесени през 1941 г., когато покривът на сградата е разрушен от обстрел от съюзническите войски и уникалната живопис на тавана на зрителната зала е сериозно повредена. Тогава, през август 1943 г., след удар на запалителна бомба, задкулисните стаи изгоряха, украсата и съблекалните бяха унищожени, но огънят не засегна главната зала, за съжаление, тогава театърът пострада повече от разбойници, които откраднаха много ценни неща. Накрая през септември 1944 г. след въздушен удар от театъра остават само стените. Набързо реновираният театър продължава своята дейност през цялото това време и дори Мария Калас играе в него. Плановете за капитална реставрация на сградата на театъра започват през 1946 г. През 1951 г. един проект е избран въз основа на конкурс, но така и не се реализира. Театърът е затворен поради извънредни условия в началото на 60-те години на миналия век. През 1963 г. на известния архитект Карло Скарпа е поверено да разработи проекта за реконструкция, но той забави работата и проектът е готов едва през 1977 г., но поради неочакваната смърт на архитекта през 1978 г. проектът е спрян. Следващият план е приет през 1984 г., Алдо Роси е избран за главен архитект на новия театър Карло Феличе. Основният лайтмотив на разработчиците беше комбинацията от история и модерност. Останаха стените на стария театър и фасадата с барелефи, както и някои елементи от вътрешната украса, които успяхме да вместим в новия интериор, но по-голямата част от театъра беше преустроена от нулата. На 7 април 1987 г. е положен основният камък на новия театър. Нова висока сграда е добавена зад стария театър, жилищни сцени, управление на мобилни платформи, репетиционни стаи и гримьорни. Самата аудитория се намира в "стария" театър, като целта на архитектите беше да пресъздадат атмосферата на стария театрален площад, когато представленията се провеждаха на улица в центъра на града. Затова по стените на залата са направени прозорци и балкони, имитиращи външните стени на сгради, а таванът е осеян със „звездното небе”. На 18 октомври 1991 г. завесата на театър „Карло Феличе“ най-накрая се вдигна, първото откриване на сезона беше операта „Трубадур“ от Джузепе Верди. Teatro Carlo Felice е една от най-големите оперни театри в Европа, с основна зала с капацитет от 2000 зрители.

Teatro Reggio (Teatro Royal) (Торино) Teatro Reggio („Teatro Royal“) е оперен театър в Торино. Един от най-старите и престижни театри в Италия. Построен през 1740 г., разрушен от пожар през 1936 г. и възстановен през 1973 г. Театралният сезон продължава от октомври до юни с 8-9 опери и от 5 до 12 представления всяка. До средата на 18-ти век в Торино не е имало специализирана опера като такава; оперни представления се изпълняват в различни други театри или на открити площи. През 1713 г. херцог Виторио Амедео II от Савой поръчва на известния архитект Филипо Ювара да проектира и построи нова голяма опера като част от цялостната трансформация на историческия център на Торино. Намерението му обаче се сбъдва едва през 1738 г., когато новият херцог Карло Емануел III Савойски решава да повери изпълнението на този проект на архитекта Бенедето Алфиери, с изискването да се развие много престижен театър. "Teatro Reggio" в Торино е построен за рекордно кратко време от две години и е открит на 26 декември 1740 г. Представлява луксозна зала на пет нива с общо 2500 места. Всяка година за откриването на сезона две оперни сериали са композирани специално за театъра. Театърът е затворен от 1792 до 1798 г. След отварянето си през 1798 г. по време на Наполеоновите войни и френската окупация на Торино, театърът е преименуван на Национален театър, след това на Болшой театър на изкуствата и през 1804 г. на Императорски театър. Репертоарът на театъра е претърпял промени и е адаптиран към френските вкусове. Император Наполеон го посещава три пъти. През 1814 г. театърът се връща във владение на херцозите на Савой и си връща старото име – „Кралски театър“. През 1870 г. става общински театър. И въпреки че Торино не можеше да се конкурира с оперната слава на Милано, Венеция или Рим, все пак много известни композитори работеха в театъра. През 1895-1898 г. главен диригент на театъра е Артуро Тосканини, под негово ръководство се състоят няколко италиански премиери на Рихард Вагнер. През 1905 г. театърът е реконструиран, 4-ти и 5-ти етаж са премахнати, амфитеатърът е разширен. Освен Тосканини и Вагнер, в театъра са работили и други значими композитори – Джакомо Пучини и Рихард Щраус поставят няколко премиери на свои опери в Театро Реджо. По време на Първата световна война театърът е затворен за няколко години и е отворен отново през 1919 г. През нощта на 8 срещу 9 февруари 1936 г. целият театър, с изключение на фасадата, е унищожен от силен пожар, което отне почти четиридесет години за да го възстановите. След пожара бяха обявени няколко конкурса за реставрация на Teatro Reggio. През 1965 г. градската администрация поверява работата на архитектите Карло Молино и Марчело Завелани Роси. Работата започва в началото на септември 1967 г. и е завършена в началото на 1973 г. Новият Teatro Reggio отваря врати на 10 април 1973 г. със зашеметяващ модерен интериорен дизайн, скрит зад историческа фасада. Новата зала разполага с 1750 места. Театърът играе важна роля в съвременния културен живот на Торино, освен опери и балети, той предоставя пространство за широк спектър от художествени изкуства и е център на художествения и културния живот в Торино и извън него.

Мариинският театър е оперен и балетен театър в Санкт Петербург, Русия. Открит през 1860 г., изключителен руски музикален театър. На сцената му имаше премиери на шедьоври на Чайковски, Мусоргски, Римски-Корсаков и много други композитори. Мариинският театър е дом на оперните и балетни трупи и Симфоничния оркестър на Мариинския театър. Художествен ръководител и главен диригент Валери Гергиев. За повече от два века от своята история Мариинският театър е представил на света много велики артисти: тук е служил изключителният бас, основателят на руската оперна школа Осип Петров, такива големи певци като Федор Шаляпин, Иван Ершов, Медея и Николай Фигнер усъвършенства своите умения и достигна върховете на славата. , София Преображенская. На сцената блестяха балерини: Матилда Кшесинская, Анна Павлова, Вацлав Нижински, Галина Уланова, Рудолф Нуреев, Михаил Баришников, Джордж Баланчин започва кариерата си в изкуството. Театърът е свидетел на разцвета на таланта на брилянтни декоратори като Константин Коровин, Александър Головин, Александър Беноа, Симон Вирсаладзе, Фьодор Федоровски. И много, много други. Отдавна е традиция Мариинският театър да поддържа родословие, отброяващо един век от 1783 г., когато на 12 юли е издаден указ за одобряване на театралния комитет „да управлява представления и музика“, а на 5 октомври Болшой Каменен театър е тържествено открита на площад "Въртележка". Театърът дава ново име на площада – той е оцелял и до днес като Театрална. Построен по проект на Антонио Риналди, Болшой театър порази въображението със своите размери, величествена архитектура, сцена, оборудвана с най-новите театрални технологии от онова време. На откриването му беше дадена операта на Джовани Паизиело Il Mondo della luna („Лунен свят“). Руската трупа се редува тук с италианската и френската, имаше драматични представления, бяха поставени и вокални и инструментални концерти. Петербург се строеше, външният му вид непрекъснато се променяше. През 1802-1803 г. Томас де Томон - брилянтен архитект и чертожник - извършва голяма реконструкция на вътрешното оформление и декорация на театъра, забележимо промени външния му вид и пропорциите. Новият, церемониален и празничен облик, Болшой театър се превърна в една от архитектурните забележителности на столицата Нева, заедно с Адмиралтейството, фондовата борса и Казанската катедрала. Но в нощта на 1 януари 1811 г. в Болшой театър избухва огромен пожар. За два дни богатата вътрешна украса на театъра е унищожена при пожара, а фасадата му е сериозно пострадала. Томас де Томон, който изготви проект за възстановяване на любимото си дете, не доживя да види неговото изпълнение. На 3 февруари 1818 г. отново отвори врати Болшой театър с пролога „Аполон и Палада на север“ и балета на Чарлз Дидло „Зефир и Флора“ по музика на композитора Катарино Кавос. Наближаваме „златния век“ на Болшой театър. Репертоарът на ерата след пожара включва "Вълшебната флейта", "Отвличането от сераля", "Милосърдието на Тит" от Моцарт. Руската публика е запленена от „Пепеляшка“, „Семирамида“, „Крадецът сврака“ и „Севилският бръснар“ на Росини. През май 1824 г. е премиерата на „Свободен стрелец“ на Вебер, произведение, което означава толкова много за раждането на руската романтична опера. Водевилни пиеси от Алябиев и Верстовски; Една от най-обичаните и репертоарни опери е „Иван Сусанин“ на Кавос, която се излъчваше до появата на операта на Глинка на същата тема. Раждането на световната слава на руския балет е свързано с легендарната фигура на Чарлз Дидло. Именно през тези години Пушкин става редовен участник в петербургския Болшой, изобразявайки театъра в безсмъртна поезия. През 1836 г., за да се подобри акустиката от архитекта Алберто Кавос, син на композитор и капелмайстор, куполният таван на театралната зала е заменен с плосък, а над него има художествена работилница, зала за рисуване декорации. Алберто Кавос премахва колоните в залата, които пречеха на гледката и нарушаваха акустиката, придава на аудиторията позната форма на подкова, увеличава дължината и височината й, довеждайки броя на зрителите до две хиляди. На 27 ноември 1836 г. първото представление на операта „Живот за царя“ на Глинка възобновява представленията на преустроения театър. Случайно, или може би не без добро намерение, премиерата на втората опера на Глинка „Руслан и Людмила“ се състоя точно шест години по-късно, на 27 ноември 1842 г. Тези две дати биха били достатъчни петербургският Болшой театър да влезе завинаги в историята на руската култура. Но, разбира се, имаше и шедьоври на европейската музика: опери на Моцарт, Росини, Белини, Доницети, Верди, Майербер, Гуно, Обер, Том ... С течение на времето изпълненията на руската оперна трупа бяха пренесени на сцената на Александринския театър и т. нар. Цирков театър, разположен срещу Болшой (където продължиха представленията на балетната трупа и италианската опера). Когато Цирковият театър изгаря през 1859 г., на негово място е построен същият архитект Алберто Кавос нов театър ... Именно той получи името Мариински в чест на управляващата императрица Мария Александровна, съпруга на Александър II. Първият театрален сезон в новата сграда е открит на 2 октомври 1860 г. с операта „Живот за царя“ от Глинка под диригентството на главния диригент на Руската опера Константин Лядов, бащата на бъдещия известен композитор Анатолий Лядов. Мариинският театър консолидира и развива великите традиции на първата руска музикална сцена. С идването през 1863 г. на Едуард Направник, който заменя Константин Лядов като главен диригент, започва най-славната епоха в историята на театъра. Половин век, даден от Направник на Мариинския театър, е белязан от премиерите на най-значимите опери в историята на руската музика. Нека назовем само няколко от тях - "Борис Годунов" от Мусоргски, "Псковката", "Майска нощ", "Снежанката" от Римски-Корсаков, "Княз Игор" от Бородин, "Орлеанската девойка", „Чародницата“, „Пиковата дама“, „Иоланта „Чайковски“, „Демонът“ от Рубинщайн, „Орестея“ от Танеев. В началото на 20 век в репертоара на театъра са оперите на Вагнер (сред тях тетралогията „Пръстенът на нибелунга“, „Електра“ от Рихард Щраус, „Легендата за невидимия град Китеж“ от Римски-Корсаков и „Хованщина“ от Мусоргски). Ръководителят на балетната трупа на театъра през 1869 г. Мариус Петипа продължава традициите на своите предшественици Жул Перо и Артур Сен-Леон. Петипа ревниво запазва такива класически изпълнения като Жизел, Есмералда, Ле Корсар, като ги подлага само на внимателно редактиране. Поставената от него „Баядерка“ за първи път донесе дъха на голяма хореографска композиция на балетната сцена, в която „танцът стана като музика“. Щастливата среща на Петипа с Чайковски, който твърди, че „балетът е една и съща симфония“, доведе до раждането на „Спящата красавица“ – истинска музикална и хореографска поема. Хореографията на Лешникотрошачката е създадена в сътрудничество на Петипа и Лев Иванов. След смъртта на Чайковски Лебедово езеро намери втори живот на сцената на Мариинския театър - и отново в съвместната хореография на Петипа и Иванов. Петипа затвърди репутацията си на хореограф-симфонист с постановката на балета на Глазунов „Раймонда”. Неговите новаторски идеи са подхванати от младия Михаил Фокин, който поставя в Мариинския театър Павилионът на Армида на Черепнин, Лебедът от Сен Санс, Шопиниана по музика на Шопен, както и балети, създадени в Париж - Шехерезада по музика на Римски -Корсаков, "Жар-птицата" и "Петрушка" от Стравински. Мариинският театър е реконструиран няколко пъти. През 1885 г., когато повечето от представленията са пренесени на сцената на Мариински преди затварянето на Болшой театър, главният архитект на императорските театри Виктор Шретер добавя триетажна сграда към лявото крило на сградата за театрални работилници, репетиционни, електроцентрала и котелно помещение. През 1894 г. под ръководството на Шретер дървените греди са заменени със стомана и стоманобетон, надграждат се странични крила и се разширяват зрителските фоайета. Основната фасада също е претърпяла реконструкция, която е придобила монументални форми. През 1886 г. балетните представления, които продължават да се показват на сцената на Болшой каменен театър, са прехвърлени в Мариинския театър. А на мястото на Болшой Каменни е издигната сградата на консерваторията в Санкт Петербург. С постановление на правителството от 9 ноември 1917 г. Мариинският театър е обявен за държавен и прехвърлен под юрисдикцията на Народния комисариат на образованието. През 1920 г. започва да се нарича Държавен академичен театър за опера и балет (ГАТОБ), а през 1935 г. е кръстен на С. М. Киров. Наред с класиката на миналия век на сцената на театъра през 20-те и началото на 30-те години на миналия век се появяват модерни опери - Любовта към три портокала от Сергей Прокофиев, Воцек от Албан Берг, Саломе и Der Rosenkavalier от Рихард Щраус; раждат се балети, които утвърждават ново хореографско направление, популярно от десетилетия, т. нар. барабан балет - "Червеният мак" от Рейнголд Глиер, "Пламъкът на Париж" и "Фонтанът на Бахчисарай" от Борис Асафиев, "Лауренсия" от Александър Крейн, „Ромео и Жулиета“ от Сергей Прокофиев и др. Последната предвоенна оперна премиера на Кировския театър е „Лоенгрин“ на Вагнер, чието второ представление приключи в късната вечер на 21 юни 1941 г., но спектаклите насрочени за юни 24 и 27 бяха заменени от Иван Сусанин. По време на Великата отечествена война театърът е евакуиран в Перм, където се състояха премиерите на няколко представления, включително премиерата на балета на Арам Хачатурян „Гаяне“. След завръщането си в Ленинград театърът открива сезона на 1 септември 1944 г. с операта на Глинка „Иван Сусанин“. През 50-70-те години. театърът постави такива известни балети като Шурале от Фарид Ярулин, Спартак от Арам Хачатурян и Дванадесет от Борис Тищенко, хореография на Леонид Якобсон, Каменното цвете от Сергей Прокофиев и Легендата за любовта от Ариф Меликов, хореография Юрий Григорович Лестакович Д. Симфония“ с хореография на Игор Белски, докато новите балети бяха поставени, балетната класика беше грижливо запазена в репертоара на театъра. В оперния репертоар наред с Чайковски, Римски-Корсаков, Мусоргски, Верди, Бизе се появяват опери на Прокофиев, Дзержински, Шапорин, Хренников. През 1968-1970г. е извършена обща реконструкция на театъра по проект на Саломе Гелфер, в резултат на което лявото крило на сградата е „издължено” и придобива днешния си вид. Важен етап в историята на театъра през 80-те години на миналия век са спектаклите на оперите на Чайковски „Евгений Онегин“ и „Пиковата дама“, поставени от Юрий Темирканов, който оглавява театъра през 1976 г. В тези постановки, които все още са запазени в репертоара на театъра, се изявява ново поколение артисти. През 1988 г. Валери Гергиев става главен диригент на театъра. На 16 януари 1992 г. на театъра е върнато историческото име - Мариински. А през 2006 г. трупата и оркестърът на театъра получиха на свое разположение Концертната зала на ул. Декабристов 37, построена по инициатива на художествения ръководител и директор на Мариинския театър Валерий Гергиев. Източник: Мариински театър

Театро Масимо (на италиански Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) е оперен театър в Палермо, Италия. Театърът носи името на крал Виктор Емануил II. В превод от италиански Масимо означава най-големият, най-големият - архитектурният комплекс на театъра е най-големият сред сградите на оперни театри в Италия и един от най-големите в Европа. В Палермо, вторият по големина град в Южна Италия, отдавна се говори за необходимостта от опера в града. През 1864 г. кметът на Палермо Антонио Рудини обяви международен конкурс за проект за изграждане на голяма опера, която трябваше да разкраси облика на града и да повиши имиджа на града в светлината на скорошното национално единство на Италия. През 1968 г. в резултат на конкурс е избран известният сицилиански архитект Джовани Батиста Филипо Базиле. За новия театър е определено място, където се намират църквата и манастирът Сан Джулиано, които въпреки протестите на францисканските монахини са съборени. Според легендата „Последната игуменка на манастира“ все още броди из театралните салони, а онези, които не вярват в нея, винаги се спъват на едно стъпало („стъпка на монахиня“) на входа на театъра. Строителството започва с тържествена церемония по полагането на първия камък на 12 януари 1875 г., но напредва бавно, с постоянна липса на финансиране и скандали, през 1882 г. е замразено за осем години и е възобновено едва през 1890 г. През 1891 г. архитектът Джовани Базиле умира преди откриването на своя проект, работата е продължена от сина му Ернесто Базиле. На 16 май 1897 г., 22 години след началото на строителството, театърът отваря врати за любителите на операта, първата опера, поставена на неговата сцена е „Фалстаф“ на Джузепе Верди под диригентството на Леополдо Муноне. Giovani Basile е вдъхновен от древната сицилианска архитектура и по този начин театърът е построен в неокласически строг стил с елементи от древногръцки храмове. Монументалното стълбище, водещо към театъра, е украсено с бронзови лъвове, носещи на гърба си статуи на жени – алегоричната Опера и Трагедия. Сградата е увенчана с голям полукръг купол. Роко Лентини, Еторе де Мария Беглер, Микеле Кортежани, Луиджи ди Джовани са работили върху вътрешната украса на театъра, която е издържана в стила на късния Ренесанс. Просторно фоайе води до аудиторията, самата зала е с форма на подкова, преди е била 7-етажна и е предназначена за повече от 3000 зрители, сега с пет нива от ложи и галерия може да побере 1381 места. Първите сезони бяха много успешни. Благодарение на най-големия бизнесмен и сенатор Игнацио Флорио, който спонсорира театъра и се стреми да превърне Палермо в оперна столица, градът привлече много гости, включително короновани глави, които редовно посещаваха театъра. В театъра са участвали водещи диригенти и певци, като се започне от Енрико Карузо, Джакомо Пучини, Рената Тебалди и много други. През 1974 г. Театър Масимо е затворен за пълна реставрация, но поради корупционни скандали и политическа нестабилност реставрацията се бави с 23 години. На 12 май 1997 г., четири дни преди стогодишнината си, театърът отново отвори врати с изпълнение на Втора симфония на Г. Малер, но реставрацията все още не е завършена и първата оперна постановка е през 1998 г. - Аида на Верди и обикновената опера сезонът започва през 1999 година.

Опера дьо Лил (Opéra de Lille, Франция), е построена между 1907 и 1913 г. и официално открит през 1923 г. През 1903 г. старата сграда на операта в Лил изгаря при пожар. Състезание за най-добрият проектНовият театър е спечелен от архитекта Луи-Мари Кордонь, вдъхновен от архитектурата на Опера Гарние в Париж и италианските театри. Операта на Лил е построена в неокласически стил. Фронтонът изобразява покровителя на изкуствата Аполон, заобиколен от музи, скулптури на Иполит Лефевр. Отляво на групата е алегорично изображение на Музика от Амедео Кордонь, а вдясно е скулптура на Ектор Лемер „Трагедия“. Вътрешното стълбище е изпълнено в разкошния стил на Луи XIV. Огромната "италианска" зала (една от последните построени във Франция) може да побере над 1000 зрители. В началото на Първата световна война, през юли 1914 г., все още недовършената сграда на театъра е окупирана от германски войски. През четирите години на окупация в театъра се проведоха около сто представления. След войната сградата е възстановена, в нея се провежда „френската премиера” през 1923г. През 1998 г. състоянието на театъра изисква спешно затваряне по средата на сезона. Ремонтът се превърна в амбициозен проект за подобряване на функционалността на сградата на операта. Реконструкцията е извършена от архитектите Патрис Неринк и Пиер-Луи Карлие. Този проект е завършен в края на 2003 г., а през 2004 г. Лил е обявен за Европейска столица на културата.

Болшой театър на Бордо (Grand Théâtre de Bordeaux, Франция) е открит на 17 април 1780 г. с премиерата на „Афалия“ на Расин. Сградата на театъра е построена на площада на комедията. Именно в този театър младият Мариус Петипа постави някои от първите си балети. Театърът е проектиран от архитекта Виктор Луи (1731-1800), който спечели прочутата Гран при на Рим. Луи проектира и галериите около градините на Пале Роял и театъра Комеди Франсез в Париж. Строителството на сградата на Болшой театър в Бордо със зала за 1000 места се извършва от 1773 до 1780 г. Големият театър на Бордо е замислен като храм на изкуствата и светлината, с неокласическа фасада, надарена с портик от 12 колосални колони в коринтски стил, поддържащи антаблемент, съдържащ 12 статуи, представящи девет музи и три богини (Юнона, Венера и Минерва). Височината на сградата е 88 метра. През 1871 г. театърът за кратко е седалище на френския парламент. Интериорът на театъра е реставриран през 1991 г., зрителната зала е основно преработена, оригиналните цветове на интериора са синьо, бяло и златисто. Фасадите на сградата са реставрирани и оборудвани с осветление. Днес театърът е дом на Националната опера в Бордо, както и на Националния балет на Бордо. Той също така често е домакин на симфонични концерти, изпълнявани от Националния оркестър на Бордо и Аквитания. Gran Teatro de Bordeaux се смята за един от най-красивите френски театри.

Големият театър Ла Фениче ("Феникс") (Gran Teatro La Fenice) - оперен театър във Венеция, многократно унищожаван от пожари и възстановяван. Театърът е място за провеждане на Международния фестивал за съвременна музика. Teatro La Fenice е построен през 1790-1792 г. Името "Феникс" отразява факта, че театърът е "възроден от пепелта" два пъти. През 1774 г. водещата венецианска опера от онова време Сан Бенедето изгаря до основи. Управляващото дружество го възстанови, но загуби спора със собственика му в съда и отново загуби театъра. В резултат на това компанията решава да построи своя собствена нова опера. Строителството започва през юни 1790 г. и е завършено през май 1792 г. Театърът е наречен "Ла Фениче", което свидетелства за Ренесанса. Открит е на 16 май 1792 г. с операта на Паисиело „Игрите на Агридженте“. На 13 декември 1836 г. театърът е унищожен от пожар, но бързо е възстановен до първоначалния си модел, под ръководството на архитектите Томазо и Джамбатиста Медун. Година по-късно, през 1837 г., театърът отново отваря врати. През деветнадесети век Ла Фениче става място за премиери на много опери от видни италиански автори, по-специално Джоакино Росини (Танкред, 1813, Семирамида, 1823), Винченцо Белини (Капулет и Монтегю, 1830, Беатрис ди Тенди, 1833) и Джузепе Верди (Ернани, 1843, Атила, 1846, Риголето, 1851, Травиата, 1853, Симон Боканегра, 1857). Премиерата на "Травиата" първоначално беше освирквана от публиката във Финикс. През 1930 г. биеналето във Венеция инициира първия международен фестивал за съвременна музика. През 1937 г. театърът е реконструиран по проект на Еухенио Миоцо. Изключителни премиери на 20-ти век са постановките на оперите „Напредъкът на греблата“ от И. Стравински (1951) и „Завъртането на винта“ от Б. Бритън. На 29 януари 1996 г. сградата на театъра отново е унищожена от пожар, палежът е извършен от електротехника Енрико Карела, който се опитва да избегне договорни глоби за забавяне на работата. С държавна подкрепа театърът е възстановен и открит на 14 декември 2003 г. На откриването се представиха хорът и оркестърът на Ла Скала под диригентската палка на Мути. В програмата на тържествата по повод възраждането на Фениче участваха най-добрите оркестри в света, включително оркестърът на Санкт Петербургската филхармония под диригентството на Юрий Темирканов, който изпълни произведения на Чайковски и Стравински.

Кралската опера "Ковънт Гардън" е театър в Лондон, Великобритания, който служи като място за оперни и балетни представления, домашна сцена на Кралската опера в Лондон и Кралския балет на Лондон. Намира се в района на Ковънт Гардън, за който е получил името си. Първоначално Ковънт Гардън включва няколко независими трупи, заедно с драматични, музикални и балетни представления циркови представления... До средата на 18 век основното място на сцената на театъра е заето от музикални изпълнения , а от 1847 г. се поставят само опери и балети. Модерната сграда на театъра е третата поред, разположена на този обект. Построен е през 1858 г. и е претърпял основен ремонт през 90-те години на миналия век. Кралската оперна зала побира 2268 зрители и се състои от четири нива. Ширината на авансцената е 12,2 м, височината е 14,8 м. Първият театър на мястото на парка, разположен тук, е построен в началото на 1720-1930-те години. по инициатива на режисьора и импресарио Джон Рич и открита на 7 декември 1732 г. с пиесата „Пътят на света“ по пиесата на Уилям Конгрив. Преди представлението актьорите влязоха в театъра с тържествено шествие, носейки Рич на ръце. В продължение на почти век Ковънт Гардън театър е един от двата лондонски драматични театъра, тъй като още през 1660 г. крал Чарлз II разрешава поставянето на драматични представления само в два театъра (вторият е също толкова известният театър Друри Лейн). През 1734 г. в Ковънт Гардън е поставен първият балет „Пигмалион“ с главната роля Мария Сале, която противно на традицията танцува без корсет. В края на 1734 г. в Ковънт Гардън започват да се поставят опери - на първо място творбите на Георг Фридрих Хендел, бивш музикален директор на театъра: първата е поставена неговата ранна, макар и силно преработена опера „Верният пастир “ (на италиански: Il pastor fido), след това през януари 1735 г. следва нова опера „Ариоданте” и др. През 1743 г. тук е изпълнена ораторията на Хендел „Месията“, а по-късно изпълнението на оратории на религиозна тематика през дните на Великия пост става традиция в театъра. Тук за първи път са поставени опери на композитора Томас Арн, както и тези на сина му. През 1808 г. първият театър Ковънт Гардън е унищожен от пожар. Новата сграда на театъра е издигната през първите девет месеца на 1809 г. по проект на Робърт Смирк и е открита на 18 септември с постановка на Макбет. Ръководството на театъра вдигна цените на билетите, за да възстанови разходите за новата сграда, но в продължение на два месеца публиката прекъсваше представленията с постоянни викове, ръкопляскания и подсвирквания, в резултат на което ръководството на театъра беше принудено да върне цените на предишните ниво. През първата половина на 19-ти век на сцената на Ковънт Гардън се редуват опери, балети, драматични представления с участието на видните трагици Едмънд Кийн и Сара Сидънс, пантомима и дори клоунада (тук се изявява известният клоун Джоузеф Грималди). Това се променя, когато през 1846 г., в резултат на конфликт в Театъра на Нейно Величество, лондонската опера, значителна част от неговата трупа, водена от диригента Майкъл Коста, се премества в Ковънт Гардън; залата е реконструирана, а на 6 април 1847 г. театърът отново отваря врати под името Кралска италианска опера, поставена от операта на Росини Семирамида. Въпреки това, по-малко от девет години по-късно, на 5 март 1856 г., театърът изгаря за втори път. Третият театър, Ковънт Гардън, е построен между 1857 и 1858 г. проектирана от Едуард Мидълтън Бари и открита на 15 май 1858 г. с постановка на операта на Майербер „Хугенотите“. По време на Първата световна война театърът е реквизиран и използван като склад. По време на Втората световна война в сградата на театъра е имало зала за танци. През 1946 г. операта се завръща в стените на Ковънт Гардън: на 20 февруари театърът отваря врати със Спящата красавица на Чайковски в екстравагантна постановка на Оливър Месел. По същото време започва създаването на оперна трупа, за която театърът Ковънт Гардън ще се превърне в домашна сцена.На 14 януари 1947 г. Оперната компания Ковънт Гардън (бъдещата Лондонска кралска опера) представя тук операта Кармен на Бизе.

Самарският академичен театър за опера и балет е музикален театър в Самара, Русия. Самарският академичен театър за опера и балет е един от най-големите руски музикални театри. Откриването на театъра става на 1 юни 1931 г. с операта на Мусоргски Борис Годунов. Неговият произход са изключителни руски музиканти - ученик на Танеев и Римски-Корсаков, диригентът и композитор Антон Айхенвалд, диригентът на Болшой театър Арий Пазовски, известният руски диригент Исидор Зак, директорът на Болшой театър Йосиф Лапицки. Такива майстори като диригенти Савелий Берголтс, Лев Осовски, режисьор Борис Рябикин, певци Александър Долски, народен артист на Украинската ССР Николай Полудени, народен артист на Русия Виктор Черноморцев, народен артист на РСФСР, бъдеща солистка на Болшой театър Наталия Шпилер, и много други. Начело на балетната трупа беше солистът на Мариинския театър, участник в легендарните сезони на Дягилев в Париж, Евгений Лопухова. Тя откри поредица от блестящи петербургски хореографи, които през различни години стояха начело на балета в Самара. Хореографи на Самарския театър бяха талантливият хореограф Наталия Данилова, ученичката на Агрипина Ваганова, легендарната петербургска балерина Алла Шелест, солистът на Мариинския театър Игор Чернишев, народният артист на СССР Никита Долгушин. Театърът бързо набира репертоар. Произведенията на 30-те години на миналия век включват оперна и балетна класика: опери на Чайковски, Глинка, Римски-Корсаков, Бородин, Даргомижски, Росини, Верди, Пучини, балети от Чайковски, Минкус, Адам. Според изискванията на времето театърът обръща голямо внимание на съвременния репертоар. В предвоенния период за първи път в страната са поставени оперите „Степта“ от А. Айхенвалд, „Таня“ от Крайтнер, „Укротяването на опърничавата“ от Шебалин и др. Смел творчески експеримент, апел към неизвестно или незаслужено забравени шедьоври, е присъща на театъра в следвоенните години. Плакатите му съдържат десетки заглавия от класиката на 18-ти век. („Медея“ от Керубини, „Тайният брак“ от Чимароза) и малко извършени работируснаци композитори XIX v. („Сервилия” от Римски-Корсаков, „Чародницата” от Чайковски, „Елка” от Ребиков) към европейския авангард на 20 век. („Джуджето“ от фон Землински, „Les Noces“ от Стравински, „Arlecchino“ от Бузони). Специална страница от живота на театъра е съвместното творчество със съвременни руски автори. Изключителни руски композитори Сергей Слонимски и Андрей Ешпай, Тихон Хренников и Андрей Петров повериха своите произведения на нашата сцена. Най-значимото събитие, далеч отвъд самарския културен живот, беше световната премиера на слонимската опера „Видението на Иван Грозни“, изпълнена от великия музикант от 20-ти век Мстислав Ростропович в сътрудничество с изключителни сценични майстори, режисьор Роберт Стуруа и художник Георгий Алекси- Месхишвили. До началото на Великата отечествена война културната ситуация в града се промени драстично. През октомври 1941 г. Държавният Болшой театър на СССР е евакуиран в Куйбишев / Самара („резервната столица“). Художествената инициатива отива при най-големите майстори на съветската оперна и балетна сцена. За 1941-1943г Болшой театър показа 14 опери и балета в Самара. Световноизвестните певци Иван Козловски, Максим Михайлов, Марк Райзен, Валерия Барсова, Наталия Шпилер, балерината Олга Лепешинская се представиха на самарската сцена, дирижираха Самосуд, Файер, Мелик-Пашаев. До лятото на 1943 г. колективът на Болшой театър живее и работи в Куйбишев. В знак на благодарност за помощта на местните жители в този труден момент, неговите артисти идват на Волга повече от веднъж след войната с новите си творби, както и с историческия репертоар на войната. През 2005 г., за отбелязване на 60-годишнината от Победата във Великото Отечествена война, колективът на Болшой театър на Русия представи на самарската публика нова среща с тяхното изкуство. Обиколни представления и концерти (балетът на Шостакович „Светлият поток“, операта на Мусоргски „Борис Годунов“, Великата симфония на победата – Седмата симфония на Шостакович, концерт духов оркестъри оперните солисти) имаха триумфален успех. Както отбеляза генералният директор на Болшой театър на Русия А. Иксанов, „За целия персонал на Болшой театър тези обиколки са още една възможност да изразят дълбока благодарност на жителите на Самара за факта, че Болшой театър намери втори дом тук в най-тежкото време на война." Pinnacle музикален животСамара на ХХ век, наистина историческо събитие беше изпълнението на сцената на Самарската опера на Седмата ("Ленинградска") симфония от Дмитрий Шостакович. Голямото произведение, отразяващо трагичните събития от военно време, предаващо цялото величие на подвига на съветските войници, е завършено от композитора през декември 1941 г. в евакуация в Самара и изпълнено от оркестъра на Болшой театър под ръководството на Самуил Самосуд на 5 март , 1942 г. Театърът живее интензивен живот. Реконструкцията е към своя край, нови имена се появяват на плаката, певци и танцьори печелят престижни международни и всеруски конкурси, нови творчески сили се изливат в трупата. Персоналът на театъра може да се гордее с концентрацията на талантливи, ярки творчески личности. Заслужилите артисти на Русия Михаил Губски и Василий Святкин са солисти не само на Самарския театър, но и на Болшой театър на Русия и Московския театър Нова опера. Анатолий Невдах участва в спектаклите на Болшой театър, Андрей Антонов успешно играе на сцените на руски и чуждестранни театри. Нивото на оперната трупа се доказва и от присъствието на голям брой "титулувани" певци в нея: 5 народни артисти, 8 заслужени артисти, 10 лауреати на международни и общоруски състезания... В трупата има много талантливи млади хора, с които по-старото поколение артисти охотно споделя тайните на своите умения. От 2008 г. балетната трупа на театъра вдигна значително летвата. Колективът на театъра беше оглавен от заслужения артист на Русия Кирил Шморгонер, който дълго време украсяваше балетната трупа на Пермския театър. К. Шморгонер покани в театъра голяма група свои ученици, възпитаници на една от най-добрите образователни институции в страната - Пермското хореографско училище. Младите балетисти Екатерина Первушина и Виктор Малигин станаха лауреати на престижния международен конкурс Arabesque, цяла група самарски танцьори успешно се представиха на общоруския фестивал Делфийски игри. През последните години театърът е домакин на няколко премиери, които получиха голям зрителски отзвук: оперите Моцарт и Салиери от Римски-Корсаков, Мавра от Стравински, Слугинята от Перголези, Евгений Онегин от Чайковски, Риголето от Верди, Мадам Бътерфлай „от Пучини, хореографска кантата „Les Noces” от Стравински, балет от Хертел „Напразна предпазливост”. Театърът активно си сътрудничи в тези постановки с московски майстори от Болшой театър, Нова опера и други руски театри. Много внимание се отделя на постановката на музикални приказки за деца. На концертната сцена се изявяват и оперни и балетни танцьори. Между туристически маршрутитеатри - България, Германия, Италия, Испания, Китай, руски градове. Интензивната гастролна практика на театъра позволи на жителите на Самарска област да се запознаят с най-новите творби. Фестивалите са ярка страница от живота на театъра. Сред тях са фестивалът за класически балет Алла Шелест, международен фестивал"Басовете на XXI век", "Пет вечери в Толиати", фестивалът на оперното изкуство "Самарска пролет". Благодарение на фестивалните инициативи на театъра самарските зрители можеха да се запознаят с изкуството на десетки най-велики майстори на руското и чуждестранното оперно и балетно изкуство. Творческите планове на театъра включват спектакли на операта "Княз Игор", балети "Дон Кихот", "Спящата красавица". До 80-ата годишнина театърът планира да покаже операта на Мусоргски „Борис Годунов“, като по този начин се върне към началото на нов етап от историческото си развитие. На централния площад на града се издига масивна сива сграда - според изкуствоведите „грандиозен паметник от късния „пилонаден стил“, към който са добавени брутални класики“, „ярък пример за архитектура от 30-те години“. Авторите на проекта са ленинградските архитекти Н.А. Троцки и Н.Д. Кацеленегбоген, който печели конкурса за създаване на Двореца на културата през 1935 г. Театърът се намираше в централната част на сградата. В лявото крило известно време имаше регионална библиотека, в дясното имаше спортно училище и художествен музей. През 2006 г. започва реконструкцията на сградата, налагаща извеждането на спортното училище и музея. До 2010 г., юбилейния сезон на театъра, реконструкцията е завършена.