Известни оперни композитори. Известни руски опери
Феновете на класическата музика със сигурност се интересуват от въпроса кои са най -известните опери в света днес. Трудно е да се откроят най -популярните сред огромния брой шедьоври, създадени от композитори в продължение на няколко века. Въпреки това е възможно да се идентифицират безспорните лидери, които попаднаха в десетте по -долу. Тези опери са преведени на няколко езика и редовно се изпълняват на сцени най -добрите театриСветът.
10 Норма. Винченцо Белини
Норма (Винченцо Белини) отваря списъка с най -популярните опери в света. Тя представлява лирична трагедияв две действия, който е заснет по произведението на А. Сума „Норма, или инфантицид“. Операта е представена за първи път в Милано и почти веднага придобива широка популярност сред любителите. оперни творби... Заглавната част се счита за една от най -трудните в репертоара на сопраното. "Norma" е написана от композитора през 31 -ва година на 19 -ти век и все още е популярна по целия свят.9 Евгений Онегин. П. И. Чайковски
"Евгений Онегин" (П. И. Чайковски) е най -известната опера на световноизвестния руски композитор. Творбата е създадена съгласно роман със същото имеАлександър Сергеевич Пушкин и поставен на либретото от Константин Шиловски. Операта беше представена на широката публика в Московския театър Мали. Преди да напише своя шедьовър, Чайковски прекарва дълго време в търсене на оперен сюжет, който да представлява силна драма. Сюжетът, по стечение на обстоятелствата, е вдъхновен от композитора певица Лавровская.
8 Сватбата на Фигаро. У. А. Моцарт
Бракът на Фигаро (W. A. Mozart) е популярна опера на австрийски композитор -виртуоз, спечелила световна слава. По едноименната пиеса на Бомарше. Моцарт започва да пише музика през 86 -та година на 18 -ти век. Създаването на партитурата отне пет месеца. След като за първи път го представи на обществеността, той не спечели голяма популярност. Славата и лаврите дойдоха след поставянето на операта в Прага. Операта е преведена за първи път на руски от Петър Илич Чуковски. Операта включва общо четири действия. Сюжетът на творбата е свързан с подготовката за сватбата на прислужницата и камериерката на Сузана Фигаро.
7 Вълшебната флейта. У. А. Моцарт
Вълшебната флейта (W. A. Mozart) е една от най -добрите опери в света, написана от композитора в две действия. За първи път е представен на обществеността през 1791 г. във Виена. В центъра на сюжета е принц Тамино, който трябва да премине през много трудности и изпитания, за да бъде достоен да бъде близо до любимата си - дъщерята на кралицата на нощта. Гьоте беше толкова възхитен от това произведение, че направи опити да напише продължение на това либрето.
6 Севилският бръснар. Джоакино Росини
Севилският бръснар (Джоакино Росини) е една от най -добрите опери, спечелили световна популярност. Той включва две действия, базирани на едноименната комедия на Пиер Борамше. В началото либретото носи такова заглавие като „Алмавива, или Напразна предпазна мярка". Музикалното произведение се развива в Севиля през 18 век. Операта започва с появата на граф Алмавива, който е под прозорците на любимата си. За нея той пее малка оперна ария „Скоро Изтокът ще блести ярко със златна зора“. Настойникът на любимата не й позволява да излезе на балкона, затова опитите на Алвамива са напразни.
5 Бохемия. Джакомо Пучини
La Boheme (Джакомо Пучини) е един от световните музикални шедьоври, представен на обществеността през 1896 г. Операта включва четири действия. Той е базиран на „Сцени от Анри Мъргър от живота на Бохемия“. Действията в либретото се случват в Париж през 30 -те години на 19 век. Първото действие започва с бедния поет Рудолф и неговия приятел художник Марсел прекарват вечерта край студената камина, която няма какво да се стопи. Художникът иска да изгори последния стол, но Рудолф го спира, дарявайки един от неговите ръкописи. Действието завършва с срещата на поета с любовта му.
4 Лусия ди Ламермур. Г. Доницети
Лусия ди Ламермур (Г. Доницети) е включена в списъка на най -популярните опери в света. Трагичното музикално произведение на италианския композитор е изпълнено в три действия. Либретото е базирано на романа „Булката от Ламермур“ на У. Скот. Малко по -късно композиторът пише и френска версия на операта. Тя прогърмя по целия свят, ставайки една от най -добрите. Сюжетът на романа е използван от няколко композитори преди Доницети, но неговото творение напълно измества всички предишни. Либретото се развива в Шотландия през 18 век. Общо работата включва две части: „Заминаване“ и „Брачен договор“.
3 Кармен. Жорж Бизе
Кармен (Жорж Бизе) отваря първите три опери в света, написана от композитора въз основа на едноименния роман на Проспър Мериме. Нови скици на партитурата се появяват през 74 -та година на 19 -ти век. Премиерата се състоя за първи път във Франция, където претърпя пълно фиаско. Операта, непризната от френската публика и критици, напусна сцената за дълго време и едва през 83 -та се върна на сцената, след като намери световна слава за себе си. Самият Чайковски каза, че това е наистина шедьовърско произведение, което след известно време ще спечели мащабна слава.
2 Война и мир. С. Прокофиев
"Война и мир" (С. Прокофиев) е една от най -известните опери, които гърмяха по целия свят. Написано по едноименния роман на изключителния писател от 19 век Лев Николаевич Толстой. Общо творбата включва тринадесет картини. Операта започва с излизането на сцената на Болконски, който гостува в имението на граф Ростов. Той може да чуе гласа на дъщерята на граф Наташа, която го изумява с красивото си пеене. Тринадесетата последна картина разказва за остатъците от отстъпващата армия на Бонапарт. Композиторът отдавна е излюпвал идеи да напише опера по прочутия роман. Първите скечове се появяват през 1941 г., а на сцената на Болшой театър тя гръмва през 59 г., превръщайки се в една от най -добрите световни опери.
1 Травиата. Джузепе Верди
Травиата (Джузепе Верди) допълва списъка с най -добрите опери в света. В превод на руски думата traviata означава „изгубен“ или „паднал“. Композиторът е вдъхновен да го напише от романа на Александър Дюма „Дамата на камелиите“. За първи път представен пред обществеността, "Травиата" претърпява пълно фиаско, но след радикална ревизия придоби световна популярност. Характеристика на тази опера е необичайният избор на героинята за онова време - паднала жена, която е на смъртно легло. Травиата се провежда в Париж в средата на 19 век. В центъра на вниманието е куртизанката, отхвърлена от обществото и не излишна за никого. Оригиналната партитура включва три акта.
През последните пет сезона 2005/6 - 2009/10 са поставени над 1005 композитори. Таблицата показва данни за композитори и произведения, декларирани в програмата (не е задължително изпълнявани). Първите трима композитори - Верди, Моцарт и Пучини са значително по -добри от следните композитори.
Бенджамин Бритън е единственият композитор сред първите двадесет най -популярни композитори, роден още през 20 -ти век. Най -старият композитор в списъка е Георг Фридрих Хендел (1685 - 1759)
Най -популярните (изпълнявани) композитори през последните 5 години.
| P / p No. | Композитор | Страна | брой изпълнения | всички опери поставени |
| 1 | Джузепе Верди | Италия | 2259 | 29 |
| 2 | Волфганг Амадей Моцарт | Австрия | 2124 | 26 |
| 3 | Джакомо Пучини | Италия | 1732 | 13 |
| 4 | Ричард Вагнер | Германия | 920 | 14 |
| 5 | Джоакино Росини | Италия | 772 | 40 |
| 6 | Гаетано Доницети | Италия | 713 | 31 |
| 7 | Ричард Щраус | Германия | 512 | 15 |
| 8 | Жорж Бизе | Франция | 485 | 7 |
| 9 | Георг Фридрих Хендел | Великобритания | 463 | 56 |
| 10 | Жак Офенбах | Франция | 365 | 34 |
| 11 | Йохан Щраус | Австрия | 322 | 10 |
| 12 | Петър Илич Чайковски | Русия | 322 | 7 |
| 13 | Бенджамин Бритън | Великобритания | 289 | 19 |
| 14 | Франц Лехар | Унгария | 250 | 11 |
| 15 | Енгелберт Хъмпердинк | Германия | 221 | 3 |
| 16 | Винченцо Белини | Италия | 213 | 8 |
| 17 | Лео Яначек | Чешки | 199 | 10 |
| 18 | Шарл Гуно | Франция | 198 | 7 |
| 19 | Жул Масене | Франция | 193 | 14 |
| 20 | Ruggiero Leoncavallo | Италия | 169 | 7 |
*Точните статистически данни са от значение за Европа и Северна Америка, за други страни цифрите може да са приблизителни.
Елена Василиевна Образцова - съветска и руска оперен певец, мецосопран. Народен артист на СССР, лауреат на Ленинска награда, герой на социалистическия труд. Един от известните певци на нашето време. Елена Василиевна Образцова е родена на 7 юли 1939 г. в Ленинград. По време на Великата отечествена война, заедно със семейството си, тя е евакуирана от Ленинград в Устюжна. Музиката беше неразделна част от детството на Елена, баща й, инженер по професия, имаше красив баритон и освен това той свиреше добре на цигулка - тя винаги ще си спомня музикалните домашни вечери. През 1948-1954 г. пее в детския хор на Ленинградския дворец на пионерите. A.A. Жданова (ръководител на хор - М. Ф. Заринская). През 1954-1957 г., във връзка с официалното преместване на бащата, семейството живее в Таганрог, където Елена учи в P.I. Чайковски с учителката Анна Тимофеевна Куликова. На отчетния концерт в музикално училищеОбразцова е чута от М.А. Манковская и по нейна препоръка през 1957 г. Елена е приета веднага в училището за 2 -ра година. Година по -късно, през август 1958 г., след успешно прослушване, тя постъпва в подготвителния отдел на Ленинградската държавна консерватория. НА. Римски-Корсаков. През 1962 г. тя печели първата награда на Всесъюзния вокален конкурс на името на V.I. M.I. Глинка и златен медал на Световния фестивал на младежта и студентите в Хелзинки. На 17 декември 1963 г., като студентка на консерваторията, Е. Образцова дебютира на сцената Болшой театър като Марина Мнишек в Борис Годунов, опера от народния представител Мусоргски. През 1964 г. завършва Ленинградската държавна консерватория. НА. Римски-Корсаков в класа на професор А.А. Григориева (оперен клас А. Н. Киреев). Председателят на дипломиращата комисия София Петровна Преображенска даде на Елена Образцова 5 с плюс - оценка, която не се дава в Ленинградската консерватория около 40 години. През същата година тя става постоянна солистка на Болшой театър. Природата щедро е дарила Елена Образцова. Тя има глас на рядка красота на тембър, кадифе, богато звучене на орган, ярък сценичен вид, който придава на оперните си героини рядък артистичен релеф и изразителност, таланта на истинска драматична актриса. През 1964 г. Елена Образцова с трупата на Болшой театър изпълнява в Ла Скала като Марта в операта „Хованщина” и като Мари в операта „Война и мир”. Изпълненията на Образцова в Италия имат голям успех и през 1977 г. тя е поканена да открие 200 -годишния юбилеен сезон в Ла Скала като принцеса Еболи в операта „Дон Карлос“ от Г. Верди. През 1975 г. Елена Образцова, заедно с Болшой театър, заминават на турне в САЩ. По време на пиесата "Борис Годунов" Образцова, която играеше ролята на Марина Мнишек, беше извикана на сцената от ентусиазирани зрители пет пъти, спектакълът трябваше да бъде спрян. Триумфът на Елена Образцова в САЩ най -накрая я утвърди като световна оперна звезда. Няколко месеца по -късно Елена Образцова участва в „Трубадур”, спектакъл, който откри сезона на операта в Сан Франциско, с Лучано Павароти и Джоан Съдърланд като нейни партньори. През 1976 г. Образцова, вече в статута на гост -солист на Метрополитън опера, предизвиква сензация с изпълнението си на ролята на Амнерис в „Аида“ на Верди. През 1977 г. Образцова изпълнява ролята на Далила в „Метрополитен“. Тор Екерт, критик на New York Times, тогава пише: „Съмнявам се, че ние с вас сме чували Далила, която така лесно би успяла да овладее две октави и половина - Образцова изпълнява тази най -трудна част без сянка на напрежение. " Франко Дзефирели е поканен да играе ролята на Сантуци във филма „Селска чест“ (1982). „В живота ми“, пише Зефирели, „имаше три шока: Анна Маняни, Мария Калас и Елена Образцова, които направиха чудо по време на снимките на филма„ Селска чест “. Като цяло репертоарът на Елена Образцова включва 86 части в опери от руския и чуждестранния класически репертоар, както и в опери на композитори от 20 -ти век, много от нейните роли са станали живи класици на съвременната оперна сцена: Марина Мнишек (Борис Годунов , 1963), Губернаторка, Полина, Миловзор (1964), Графиня (1965, Пиковата дама), Любаша (Царската булка, 1967), Кончаковна (Княз Игор, 1968), Марта (Хованщина, 1968). Любава (Садко, 1979), Амнерис (Аида, 1965), Азусена (Трубадур, 1972), Еболи (Дон Карлос, 1973), Сантуца (Селска чест, 1977), Улрика (Бал за маскаради, 1977), Принцеса дьо Буйон (Адриен) Lecouvreur, 1977), Adalgiza (Norma, 1979), Giovanna Seymour (Anna Boleyn, 1982), Orpheus (Orpheus and Eurydice, 1984), Neris (Medea, 1989), Leonora (The Favorite, 1992), херцогиня (сестра Angelica, 1992), Кармен (Кармен, 1972), Шарлот (Вертер, 1974), Далила (Самсон и Далила ", 1974), Иродиада (" Иродиада ", 1990), Оберон (" Сън в лятна нощ "от Б. Бритен, 1965 ), Женя Комелкова ("Зорите тук са тихи" от К. Молчанов, 1975), Юдит ("Замъкът на херцог Синя брада" Б. Барток, 1978), Йокаста ("Цар Едип" от И. Стравински, 1980), Евдозия („Пламък“ от О. Респига, 1990); С. Прокофиев: Фрося ("Семьон Котко", 1970), Принцеса Мария (1964), Елена Безухова (1971), Ахросимова (2000, "Война и мир"), Баба ("Комарджията", 1996), Граф Орловски ( „Прилеп“, 2003) и др. В допълнение към оперните си роли, Елена Образцова участва активно в концерти в Русия и по света. Репертоарът на нейните солови концерти включва музиката на повече от 100 руски и чуждестранни композитори: М. И. Глинка, А. С. Даргомижски, Н. А. Римски-Корсаков, М. П. Мусоргски, П. И. Чайковски, С. В. Рахманинов, С. С. Прокофиев, Г. Ф. Хендел, В. А. Моцарт, Л. Бетовен, Р. Шуман, Р. Щраус, Р. Вагнер, Й. Брамс, К. Вайл, Г. Малера, Г. Доницети, Г. Верди, Г. Пучини, П. Маскани, Ж. Бизе, Ж. Масене, К. Сен-Санс и други, както и руски песни и стари романси ... Тя участва в изпълнението на оратории, кантати, меси, произведения на руската духовна музика. Джаз композициите добавиха нови ярки щрихи към нейния талант. През 1986 г. дебютира като режисьор, поставяйки операта „Вертер“ от Ж. Масене в Болшой театър. Певицата участва в телевизионните музикални филми „Веселата вдовица“, „Моята Кармен“, „Селска чест“ и „Тоска“ и др. От 1973 до 1994 г. Елена Образцова преподава в Московската държавна консерватория „Чайковски“. От 1984 г. - професор. От 1992 г. преподава в Музикалната академия Мусашино в Токио; дава майсторски класове в Европа и Япония, в Академията на младите оперни певци в Мариинския театър в Санкт Петербург. Била е и е член на журито на много международни конкурси, включително на Международния конкурс на името на P.I. Чайковски в Москва, Международния вокален конкурс в Марсилия, Международния конкурс на името на Н.А. Римски-Корсаков в Санкт Петербург, Международното състезание на Феручио Талявини в Дойчландсберг, Международното състезание на оперните певци в Монсерат Кабале. През септември 1999 г. в Санкт Петербург се проведе 1 -вият Международен конкурс на младите оперни певци на Елена Образцова, а през 2011 г. - 8 -мият конкурс. Елена Образсова записва повече от 50 диска, включително опери, оратории, кантати, солови дискове с произведения на камерна и оперна музика. През последните години бяха пуснати „записи на живо“ със специална стойност. От юни 2007 г. до октомври 2008 г. тя е била художествен ръководител на Операта на Михайловския театър ( бившия Театъропера и балет на името на Мусоргски в Санкт Петербург). Сега в Санкт Петербург тя ръководи културен център, кръстен на нея, където работи с млади изпълнители. На 24 октомври 1981 г. е открита второстепенната планета No 4623, която носи името Образцова.
Рита Стрейх (18 декември 1920 г. - 20 март 1987 г.) - една от най -почитаните и записани немски оперни певици от 40-60 -те години на 20 век, сопран. Рита Стрейх е родена в Барнаул, Алтайски край, Русия. Нейният баща Бруно Щрайх, ефрейтор на германската армия, е заловен на фронтовете на Първата световна война и е отровен в Барнаул, където среща рускиня, бъдеща майка известен певецВера Алексеев. На 18 декември 1920 г. Вера и Бруно имат дъщеря Маргарита Стрейх. Скоро съветското правителство позволи на германските военнопленници да се върнат у дома и Бруно, заедно с Вера и Маргарита, заминаха за Германия. Благодарение на майка си рускиня, Рита Стрейх говореше и пееше добре на руски, което беше много полезно за кариерата й, в същото време, поради "нечистия" си немски език, в началото имаше някои проблеми с фашисткия режим. Вокалните способности на Рита бяха открити рано, започвайки от началните класове, тя беше водещ изпълнител на училищни концерти, на един от които голямата германска оперна певица Ерна Бергер я забеляза и я заведе да учи в Берлин. също в различно временейни учители бяха известният тенор Уили Домграф-Фасбендер и сопраното Мария Ифогун. Рита Стрейх дебютира в операта през 1943 г. в Осиг (Aussig, сега Usti nad Labem, Чехия) с ролята на Zerbinetta в операта Ariadne auf Naxos от Рихард Щраус. През 1946 г. Рита дебютира в Берлинската държавна опера, в главната трупа, с ролята на Олимпия в „Приказките на Хофман“. След това сценичната й кариера започва да се развива, което продължава до 1974 г. Рита Щрайх остава в Берлинската опера до 1952 г., след това се премества в Австрия и прекарва почти двадесет години на сцената на Виенската опера. Тук тя се омъжва и през 1956 г. ражда син. Рита Стрейх имаше ярко колоратурно сопрано и лесно изпълняваше най -трудните части в света. оперен репертоар, я наричали „немски славей“ или „виенски славей“. По време на дългата си кариера Рита Стрейх участва в много световни театри - имала е договори с Ла Скала и баварско радио в Мюнхен, пее в Ковънт Гардън, Парижката опера, както и в Рим, Венеция, Ню Йорк, Чикаго, Сан Франциско е пътувала в Япония, Австралия и Нова Зеландия и е свирил на оперните фестивали в Залцбург, Байройт и Глиндеборн. Репертоарът й включваше почти всички значими оперни роли за сопрано - тя беше известна като най -добрата изпълнителка на ролите на Кралицата на нощта във „Вълшебната флейта“ на Моцарт, Аннчен в „Свободния стрелец на Вебер“ и други. Репертоарът й включва, наред с други неща, произведения на руски композитори, които тя изпълнява на руски език. Смятана е и за отличен интерпретатор на оперетния репертоар и фолклорни песнии романси. Работила е с най -добрите оркестри и диригенти в Европа, записала е 65 големи грамофонни плочи. След като завърши кариерата си, Рита Стрейх е професор в Музикалната академия във Виена от 1974 г., преподава в музикално училище в Есен, дава майсторски класове и ръководи Центъра за развитие на лиричното изкуство в Ница. Рита Стрейх умира на 20 март 1987 г. във Виена и е погребана в старото градско гробище до баща си Бруно Стрейх и майка Вера Алексеева.
Елина Гаранка е латвийска певица (мецосопрано), една от водещите оперни певици на нашето време. Елина Гаранка е родена на 16 септември 1976 г. в Рига в семейство на музиканти, баща й е хоров директор, а майка й Анита Гаранка е професор в Латвийската музикална академия, доцент в Латвийската академия на културата , вокален учител в Латвийската национална опера. През 1996 г. Елина Гаранка постъпва в Латвийската музикална академия в Рига, където учи вокал при Сергей Мартинов, а от 1998 г. продължава обучението си при Ирина Гаврилович във Виена, а след това при Вирджиния Зеани в САЩ. Едно от най -дълбоко влиятелните събития за Елина по време на нейното следване беше изпълнението през 1998 г. на ролята на Джейн Сеймур на Джейта Болейн от Гаетано Доницети - Гаранка научи ролята за десет дни и откри дълбоко съчувствие към репертоара на белканто. След като завършва обучението си, Гаранка прави своя дебют в професионалната опера в Държавния театър на Южна Тюрингия в Мейнинген, Германия, с ролята на Октавиан в Der Rosenkavalier. През 1999 г. тя става победителка на вокалния конкурс на Мириам Хелин в Хелзинки, Финландия. През 2000 г. Елина Гаранка печели главната награда в Латвийския национален конкурс за изпълнители, а след това е приета в трупата и работи във Франкфуртската опера, където изпълнява ролите на Втората дама във „Вълшебната флейта“, Хензел в операта „Хензел“ на Хъмпердинк и Гретел и Розина в Севиля бръснар ". През 2001 г. тя става финалист на престижния международен конкурс на оперни певци в Кардиф и издава своя дебют солов албумс програма от оперни арии. Международният пробив на младата певица дойде през 2003 г. на фестивала в Залцбург, когато тя изпя партията на Анио в постановката на операта на Моцарт „Титовата милост“ под палката на Николаус Арнонкур. Това изпълнение беше последвано от успех и множество ангажименти. Основното място на работа е Виенската държавна опера, в която Гаранка изпълнява ролите на Шарлот във "Вертер" и Дорабела в "Всички го правят" през 2003-2004 г. Във Франция тя първо се появява в Театъра на Шанз-Елизе (Анджелина в Пепеляшка на Росини), а след това в Парижката опера (Опера Гарние) като Октавиан. През 2007 г. Елина Гаранка изпълнява за първи път на главната оперна сцена в родния си град Рига в Латвийската национална опера с ролята на Кармен. През същата година дебютира в Берлинската държавна опера (Sextus) и в Кралския театър „Covent Garden“ в Лондон (Dorabella), а през 2008 г. - в „Metropolitan Opera“ в Ню Йорк с ролята на Розина в „Севилски бръснар“ и в Баварската опера в Мюнхен (Адалгиза). В момента Елина Гаранча се изявява на сцените на водещите световни оперни театри и концертни зали като една от най -ярките музикални звезди благодарение на красивия си глас, музикалността и убедителния драматичен талант. Критиците коментират лекотата, бързината и чистия комфорт, с който Гаранча контролира гласа си, и успеха, с който прилага съвременната вокална техника в сложния репертоар на Росини от началото на 19 век. Елина Гаранка има солидна колекция от аудио- и видеозаписи, включително запис, спечелен от Грами на Антонио Вивалди „Баязет“, режисиран от Фабио Бионди, където Елина изпя партията на Андроник. Елина Гаранка е омъжена за английския диригент Карел Марк Чишон и двойката очаква първото си дете в края на октомври 2011 г.
Ирина Константиновна Архипова-съветска и руска оперна певица, мецосопран, солистка на Болшой театър (1956-1988), народен артист на СССР (1966), кавалер на ордена на Ленин (1971, 1976, 1985), Ленинска награда лауреат (1978), Герой на социалистическия труд (1984), лауреат на Държавната награда на Русия (1996). Ирина Константиновна Архипова е родена на 2 януари 1925 г. в Москва. Още на осемгодишна възраст тя постъпва в Централното музикално училище към Московската консерватория, но поради внезапно заболяване не може да учи там. По -късно Ирина влезе в училището Гнесин. По време на Великата отечествена война тя е евакуирана със семейството си в Ташкент, където постъпва в Московския архитектурен институт, който също е евакуиран там. След дипломирането, работата по проектирането и изграждането на редица съоръжения в столицата, включително нов комплекс от сгради в Московския държавен университет на Воробьови гори, паралелни уроци по вокал с Н.М. Малишева, а по -късно учи в Московската консерватория в класа по пеене на Л. Ф. Саврански. През 1953 г. завършва консерваторията. През 1954-1956 г. е солистка на Свердловския театър за опера и балет. През 1956-1988 г. е солистка на Болшой театър. Изпълнението на партията Кармен в едноименната опера на Жорж Бизе получи световно признание. Тя се характеризираше с дълбоко вътрешно разкриване на образа и замисленост на интерпретацията. Тя имаше дарбата на сценична трансформация. От 1955 г. е на турне в чужбина (Австрия, Полша, Източна Германия, Финландия, Италия, Унгария, Румъния, Чехословакия, България, САЩ, Япония, Франция, Канада). През 1967 и 1971 г. тя пее в Teatro alla Scala (частта на Марта и частта на Марина Мнишек). От 1975 г. преподава в Московската консерватория, от 1984 г. - професор. През 80 -те тя изнася поредица концерти „Антология на руския романс“. През 1966 г. е поканена в журито на конкурса „Чайковски“, а от 1967 г. е постоянен председател на журито на конкурса „Глинка“. Оттогава тя е член на журито на много престижни състезания в света, включително "гласът на Верди" и името на Марио дел Монако в Италия, състезанието на кралица Елизабет в Белгия, състезанието Мария Калас в Гърция, Състезанието на Франсиско Виняс в Испания, вокалното състезание в Париж, вокалното състезание в Мюнхен. От 1974 г. (с изключение на 1994 г.) тя е постоянен председател на журито на конкурса „Чайковски“ в секцията „солово пеене“. През 1997 г., по покана на президента на Азербайджан Хейдар Алиев и министъра на културата на Азербайджан Палада Бул-Бул Огли, Ирина Архипова оглави журито на конкурса „Бул-Бул“, организиран по случай 100-годишнината от рождението му . От 1986 г. И. К. Архипова е председател на Всесъюзно музикално дружество, в края на 1990 г. трансформирано в Международен съюз на музикалните фигури. От 1983 г. - председател на фондация „Ирина Архипова“. Почетен доктор на Националната музикална академия на името на мюзикъла на Република Молдова (1998), президент на Дружеството на Русия и Узбекистан. Тя беше депутат от Върховния съвет на СССР от 6 -то събрание. Народен депутат на СССР (1989-1991). Автор на книгите: "Моите музи" (1992), "Музика на живота" (1997), "Марка, наречена" I "(2005). Съпругът на певицата е народният артист на СССР Владислав Пиавко. Синът е Андрей. Правнучка - Ирина. На 19 януари 2010 г. Ирина Константиновна Архипова е хоспитализирана със сърдечна патология в Градската клинична болница Боткин. Певицата почина на 11 февруари 2010 г. Погребана е на 13 февруари 2010 г. на гробището Новодевичи в Москва.
Екатерина Лоххина - руска оперна певица, сопран. Екатерина Лехина е родена на 15 април 1979 г. в Самара. Докато е в училище, тя комбинира фигурно пързаляне и уроци в музикалното училище № 10 в Самара. Тя обичаше фигурното пързаляне повече, но нейните родители, а не самите музиканти, мама е инженер, татко е работник, настояваше да продължи да учи музика. След като завършва музикалното училище, Екатерина постъпва в диригентско-хоровия отдел в музикалното училище „Д.Г.Шаталов“, което завършва с отличие. През 1998 г. се премества в Москва и продължава образованието си в Академията за хорово изкуство, където получава и магистърска степен по оперно пеене (клас на професор С. Нестеренко). След академията тя работи за кратко в Московската опера "Новая", в средни спектакли. Първият успех дойде с победа на вокалното състезание "Санкт Петербург" през 2005 г., забелязано и оценено обещаващо от европейски експерти. Оттогава тя е много по -широко известна на световната общественост, отколкото на руската публика. През 2006 г. Екатерина Льохина дебютира във Виенската народна опера (Фолксопер) като мадам Херц в режисьора на оперния театър на Моцарт. Следващата й роля във Виенската народна опера е „Кралицата на нощта“ в „Вълшебната флейта“ на Моцарт, с тази роля тя се появява и в Мюнхенския театър „Гартнерплац“, в два театъра в Берлин - Дойческата държавна опера и Дойче опер, както и в театрите Хановер, Дюселдорф, Тревизо, Хонконг и Пекин. През 2007 г. Екатерина Льохина спечели един от най -престижните международни вокални конкурси - „Operalia“, който се проведе същата година в Париж. На финала на състезанието имаше малък инцидент - организаторът на състезанието, маестро Пласидо Доминго, не показа на оркестъра въвеждането и завършването на арията. Лакме Катрин пееше в пълно мълчание. По време на връчването на главната награда диригентът обясни: „Разбирате, слушах и затова нямах време да покажа въведението на оркестъра“. През 2008 г. Lyokhina дебютира в Кралската опера, Ковънт Гардън, с ролята на Олимпия от „Приказките на Хофман“, представление, което й донесе признание от критиката и голям успех. През 2011 г. Екатерина Льохина получи престижната награда „Грами“ от Американската звукозаписна академия в категорията „Най -добър оперен запис“. Екатерина изигра главната роля на принцеса в операта „Любов отдалеч“ на финландския композитор Кая Саари-Ахо. Диригент Кент Нагано, Берлински германски симфоничен оркестър, Хор в Берлинското радио, солисти Даниел Белхер и Мари-Анже Тодорович. В момента певицата работи по договори в различни театри по света.
Мария Калас (английски Maria Callas; име в акта за раждане - София Сеселия Калос, английска София Сеселия Калос, кръстена като Сесилия София Анна Мария Калогеропулос - гръцка Μαρ? Α Καλογεροπο? Λου; 2 (4) декември, 1923 г., Ню Йорк - септември 16, 1977, Париж) - американска оперна певица (сопран). Мария Калас се нарежда сред оперните реформатори като Ричард Вагнер и Артуро Тосканини. Културата на втората половина на 20 век е неразривно свързана с нейното име. В началото на 50 -те години, в навечерието на постмодернизма, когато операта през 19 век се превърна в естетически анахронизъм, Мария Калас връща оперното изкуство на върха на сценичния Олимп. Възродила ерата на бел канто, Мария Калас не се ограничава до виртуозна колоратура в опери на Белини, Росини и Доницети, а превръща гласа си в основно изразно средство. Тя се превърна в универсална певица с репертоар, вариращ от класически оперни сериали като „Вестал“ на Спонтини, до най -новите опери на Верди, верските опери на Пучини и музикалните драми на Вагнер. Възходът на кариерата на Callas в средата на 20 -ти век е придружен от появата на LP в записа и приятелството с видната фигура на звукозаписната компания EMI Walter Legge. Пристигането на сцената на оперни театри от ново поколение диригенти като Херберт фон Караян и Леонард Бернщайн и режисьори като Лучино Висконти и Франко Дзефирели направиха всяко представление с Мария Калас събитие. Тя превърна операта в истински драматичен театър, принуждавайки дори „трили и везни да изразят радост, безпокойство или копнеж“. Мария Калас е родена в Ню Йорк в семейство на гръцки имигранти. През 1936 г. майката на Мери, Евангелието, се завръща в Атина, за да продължи музикалното образование на дъщеря си. Майката искаше да въплъти неуспешните си таланти в дъщеря си и започна да я води в Нюйоркската библиотека на Пето авеню. Мария започва да слуша класическа музика с три години , на пет тя започва да ходи на уроци по пиано, а на осемгодишна възраст започва да ходи на уроци по вокал. На 14 -годишна възраст Мария започва да учи в Атинската консерватория под ръководството на бившата испанска певица Елвира де Идалго. През юли 1941 г. в окупираната от Германия Атина Мария Калас дебютира в Атинската опера като Тоска. През 1945 г. Мария Калас се завръща в Ню Йорк. Последваха редица провали: тя не беше запозната с Тосканини, тя отказа да изпее партията на Cio-Cio-San в Метрополитън опера поради тежкото си тегло, надявайки се на възраждане на Лиричната опера в Чикаго, където се надяваше пее, срутен. През 1947 г. Калас дебютира на сцената на Арена ди Верона в Ла Джоконда на Понкиели под палката на Тулио Серафин. Срещата със Серафин беше по думите на самата Калас: „Истинското начало на кариерата и най -големият успех в живота ми“. Тулио Серафин въвежда Калас в света на великата опера. Тя пее първите части в „Аида“ на Верди и „Норма“ на Белини в края на 1948 г. В началото на 1949 г., в рамките на една седмица, вокално несъвместимите роли на Брунхилда във „Валкирия“ на Вагнер и Елвира в „Пуританите“ на Белини създават творческия феномен на певицата Мария Калас. Тя изпя лирични, драматични и колоратурни партии, което беше певческо чудо - „четири гласа в едно гърло“. През 1949 г. Калас отива на турне в Южна Америка. През 1950 г. тя пее за първи път в Ла Скала и става „кралицата на италианските примадони“. През 1953 г. EMI пуска за първи път пълни записи на опери с Мария Калас. През същата година тя отслабва с 30 килограма. Преобразеният Калас завладява публиката на оперните сцени в Европа и Америка в оперите „Лусия ди Ламермур“ от Доницети, „Норма“ от Белини, „Медея“ от Керубини, „Трубадур и Макбет“ на Верди и „Тоска“ от Пучини. През септември 1957 г. Мария Калас за първи път се срещна с Аристотел Онасис на бал в чест на рождения ден на журналистката Елза Максуел във Венеция. През пролетта на 1959 г. във Венеция те се срещат отново на бал. След това Онасис отиде в Лондон за концерт на Калас. След този концерт той покани нея и съпруга й на яхтата си. В края на ноември 1959 г. съпругата на Онасис Тина подава молба за развод и Калас и Онасис по това време открито се появяват заедно в обществото. Двойката се кара почти постоянно и през 1968 г. Мария Калас научава от вестниците, че Аристотел Онасис се е оженил за вдовицата на президента на САЩ Жаклин Кенеди. През 1959 г. се случва повратна точка в успешната му кариера. Това беше улеснено от загуба на глас, поредица от скандали, развод, скъсване с Метрополитен опера, принудително напускане на Ла Скала, нещастна любов към Аристотел Онасис и загуба на дете. Опит за връщане на сцената през 1964 г. завършва с поредния провал. Във Верона Мария Калас се срещна с местния индустриалец Джовани Батиста Менегини. Той беше два пъти по -възрастен от нея и имаше страст към операта. Скоро Джовани признал любовта си на Мария, напълно продал бизнеса си и се отдал на Калас. През 1949 г. Мария Калас и Джовани Менегини се женят. Той стана всичко за Мария: и верен съпруг, и любящ баща, и отдаден мениджър, и щедър продуцент. През 1969 г. италианският режисьор Пиер Паоло Пазолини кани Мария Калас да участва в ролята на Медея в едноименния филм. Въпреки че филмът няма търговски успех, той представя голям интерескинематографично, както всички останали произведения на Пазолини. Ролята на Медея беше за Мария Калас единствената роля извън операта. Последните години от живота си Мария Калас живееше в Париж, практически без да напуска апартамента, където почина през 1977 г. Тя е кремирана и погребана в гробището Пер Лашез. По -късно пепелта й е разпръсната по Егейско море. Италиански фониатри (медицински специалисти по болести гласни струни ) Франко Фуси и Нико Паолило са установили най -вероятната причина за смъртта на оперната дива Мария Калас, пише италианската La Stampa (превод на статията на английски език, публикуван от Parterre Box). Според тяхното изследване Калас е починал от дерматомиозит, рядко заболяване на съединителната тъкан и гладката мускулатура. Фуси и Паолило стигнаха до този извод, след като изучиха записите на Калас, направени през различни години, и анализираха постепенното влошаване на гласа й. Спектрографският анализ на студийни записи и изпълнения на живо показа, че до края на 60-те години, когато гласовото й влошаване стана очевидно, гласовият диапазон на Калас всъщност се бе променил от сопрано на мецосопран, което обясняваше промяната в звука на високите ноти в нейното изпълнение В допълнение, внимателно проучване Видеозаписи на по -късните й концерти разкриха, че мускулите на певицата са отслабнали значително: гърдите й практически не се издигат при дишане, а при вдишване певицата повдига рамене и напряга делтоидните си мускули, т.е. , тя направи най -честата грешка с подкрепата на гласовия мускул. Причината за смъртта на Мария Калас не е известна със сигурност, но се смята, че певицата е починала от сърдечен арест. Според Фуси и Паолило резултатите от тяхната работа директно показват, че полученият инфаркт на миокарда е усложнение в резултат на дерматомиозит. Прави впечатление, че тази диагноза (дерматомиозит) от Калас е поставена малко преди смъртта й от нейния лекар Марио Яковацо (това стана известно едва през 2002 г.). Оперни роли на Мария Калас Сантуца - Селска чест от Маскани (1938, Атина) Тоска - Тоска от Пучини (1941, Опера в Атина) Джоконда - Ла Джоконда от Понкиели (1947, Арена ди Верона) Турандот - Турандот от Пучини (1948, Карло Феличе (Генуа) Аида - Аида от Верди (1948, Метрополитън опера, Ню Йорк) Норма - Норма Белини (1948, 1956, Метрополитен опера; 1952, Ковънт Гардън Лондон; 1954, Лирична опера, Чикаго) Брунхилда - Валкировата Валкир (1949-1950 , Метрополитен опера) Елвира - Пуританите на Белини (1949-1950, Метрополитен опера) Елена - Сицилианска вечерня "Верди (1951, Ла Скала", Милано) Кундри - "Парсифал" от Вагнер ("Ла Скала") Виолета - "Ла Скала" от Верди ("Ла Скала") Медея - "Медея" Херувини (1953, "Ла Скала") Юлия - "Вестал" Спонтини (1954, "Ла Скала") Гилда - "Риголето" Верди (1955, "Ла Скала") Мадам Бътерфлай (Cio -Cio -san) - "Мадам Пеперуда" Пучини ("Ла Скала") Лейди Макбет - "Макбет" Верди Федор - "Федора" Джордано Анна Болейн - "Анна Boleyn "Donizetti Lucia -" Lucia di Lammermoor "Donizetti Amina -" Somnambula "Bellini Carmen -" Carmen "Bizet
Даяна Дамрау е немска оперна и концертна певица, колоратурно сопрано. Даяна Дамрау е родена на 31 май 1971 г. в Гюнцбург, Бавария, Германия. Казват, че любовта й към класическата музика и операта се събудила на 12-годишна възраст, след като гледала красива филмова опера от Франко Зефирели „Травиата“ (Г. Верди) с Пласидо Доминго и Тереза Стратес в главните роли. На 15 -годишна възраст тя участва в мюзикъла „My Fair Lady“ на фестивал в съседния град Офинген. Тя получава вокалното си образование във Висшето музикално училище във Вюрцбург, където е преподавана от румънската певица Кармен Хангану, по време на следването си учи и в Залцбург при Хана Лудвиг и Едит Матис. След като завършва с отличие консерваторията през 1995 г., Даяна Дамрау подписва двугодишен договор с театъра във Вюрцбург, където прави своя професионален театрален дебют като Елиза „Моята прекрасна дама“ и оперен дебют с частта на Барбарина от „Фигаро Сватба ", последвани от ролите на Ани (" Вълшебният стрелец "), Гретел (" Хензел и Гретел "), Мари (" Царят и дърводелецът "), Адел (" Прилепът "), Валансиен (" Веселият " Вдовица “) и други. След това има двугодишни договори с Националния театър в Манхайм и Франкфуртската опера, където тя играе в ролите на Джилда ("Риголето"), Оскар ("Бал маскарад"), Чербинета ("Ариадна auf Naxos"), Олимпия („Приказките на Хофман“) и „Кралиците на нощта“ („Вълшебната флейта“). С участието на „Кралицата на нощта“ тя участва през 1998/99 г. като гост в държавните оперни театри в Берлин, Дрезден, Хамбург, Франкфурт и в Баварската опера с частта на Zerbinetta. През 2000 г. Даяна Дамрау прави първото си представление извън Германия във Виенската държавна опера с ролята на Кралицата на нощта. От 2002 г. певицата работи като артист на свободна практика в различни театри, през същата година дебютира в чужбина с концерт в САЩ, във Вашингтон. Оттогава тя е работила на водещите световни оперни сцени, основните моменти от формирането на кариерата на Дамрау са дебютите й в Ковънт Гардън (2003 г., Кралица на нощта), през 2004 г. в Ла Скала при откриването след възстановяването на театър, с участието в операта „Призната Европа“ на Антонио Салиери, през 2005 г. в Метрополитен опера (Zerbinetta, „Ariadne auf Naxos“), през 2006 г. на фестивала в Залцбург, концерт на открито с Пласидо Доминго на Олимпийския стадион в Мюнхен през чест на откриването на Световното първенство по футбол през лятото на 2006 г. Оперният репертоар на Даяна Дамрау е много разнообразен, тя работи както в класическите роли на сопрано в италиански, френски и немски опери, така и в произведенията на съвременни композитори, както и в началото на кариерата си в мюзикъли и оперети. Багажът на нейните оперни роли достига почти петдесет и освен споменатите по -горе, включва Марселин (Фиделио, Бетовен), Лейла (Търсачи на перли, Бизе), Норина (Дон Паскуале, Доницети), Адина (Любовна отвара, Доницети) , Лусия ("Lucia di Lammermoor", Donizetti), Rita ("Rita", Donizetti), Маргарита де Валоа ("Huguenots", Meyerbeer), Servilia ("Mercy of Titus", Mozart), Constanta and Blond ("The Abduction от Сераглио ", Моцарт), Сюзан (" Женитбата на Фигаро ", Моцарт), Памина (" Вълшебната флейта ", Моцарт), Розина (" Севилският бръснар ", Росини), Софи (" Розовият рицар " , Щраус), Адел ("Прилепът", Щраус), Воглинду ("Златото на Рейн" и "Здрач на боговете", Вагнер) и много други. В допълнение към постиженията си в операта, Даяна Дамрау се утвърди като един от най -добрите концертни изпълнители в класическия репертоар. Тя изпълнява оратории и песни на Бах, Хендел, Моцарт, Винченцо Ригини, Бетовен, Робърт и Клара Шуман, Майербер, Брамс, Форе, Малер, Ричард Щраус, Землински, Дебюси, Орф, Барбър, редовно изпълнява в Берлинската филхармония, Карнеги Хол Wigmore Hall, Златната зала на Виенската филхармония, както и редовен гост на фестивалите Schubertiada, Мюнхен, Залцбург и други. Нейният диск с песни на Ричард Щраус (Poesie) с Мюнхенската филхармония е отличен с наградата ECHO Klassik през 2011 г. Даяна Дамрау живее в Женева, през 2010 г. се омъжва за френския бас-баритон Никола Тесте, в края на същата година Даяна роди син Александър. След раждането на детето певицата се върна на сцената и продължава активната си кариера. Снимка: Таня Ниман
Мария Николаевна Кузнецова е руска оперна певица (сопрано) и танцьорка, една от най-известните певици на дореволюционната Русия. Водещ солист на Мариинския театър, участник в Руските сезони на Сергей Дягилев. Работила е с Н. А. Римски-Корсаков, Ричард Щраус, Жул Масене, пяла в тандем с Фьодор Шаляпин и Леонид Собинов. След като напуска Русия след 1917 г., тя продължава успешно да се изявява в чужбина. Мария Николаевна Кузнецова е родена през 1880 г. в Одеса. Мария израства в творческа и интелектуална атмосфера, баща й Николай Кузнецов е художник, а майка й произхожда от семейство Мечникови, чичовците на Мария са нобеловият лауреат биолог Иля Мечников и социологът Лев Мечников. Пьотър Илич Чайковски посети дома на Кузнецови, който обърна внимание на таланта на бъдещата певица и й написа детски песни, тъй като от детството Мария мечтаеше да стане актриса. Родителите й я изпращат в гимназия в Швейцария, връщайки се в Русия, тя учи балет в Санкт Петербург, но се отказва от танците и започва да учи вокал при учителя по италиански Марти, а по -късно при баритона и нейния сценичен партньор И. В. Тартаков. Всички отбелязаха нейното чисто красиво лирично сопрано, забележим талант като актриса и женска красота... Игор Федорович Стравински я описва като „... драматично сопрано, което може да се види и слуша със същия апетит“. През 1904 г. Мария Кузнецова дебютира на сцената на Санкт Петербургската консерватория като Татяна в „Евгений Онегин” на Чайковски, в Мариинския театър през 1905 г. като Маргарита във „Фауст” на Ш. Гуно. Солистка на Мариинския театър, с кратка почивка, Кузнецова остава до революцията през 1917 г. През 1905 г. в Санкт Петербург излизат две грамофонни плочи със запис на нейни изпълнения и то само за нея творческа кариератя направи 36 записи. Веднъж, през 1905 г., малко след дебюта на Кузнецова в Мариинския, по време на нейното представяне в театъра, избухна кавга между студенти и офицери, положението в страната беше революционно и в театъра започна паника. Мария Кузнецова прекъсна арията на Елза от „Лоенгрин” на Р. Вагнер и спокойно изпя руския химн „Бог да пази царя”, разбойниците бяха принудени да спрат кавгата и публиката се успокои, изпълнението продължи. Първият съпруг на Мария Кузнецова е Алберт Албертович Беноа, от известната династия на руските архитекти, художници, историци Бенуа. В разцвета на кариерата си Мария беше известна с двойното фамилно име Кузнецов-Беноа. Във втория брак Мария Кузнецова беше омъжена за производителя Богданов, в третия - за банкера и индустриалец Алфред Масене, племенник на известния композитор Жул Масене. През цялата си кариера Кузнецова-Беноа е участвала в много европейски оперни премиери, включително частта на Феврония в „Легендата за невидимия град Китеж“ и „Мома Феврония“ от Н. Римски-Корсаков и Клеопатра от едноименната опера на Дж. .Масене, която композиторът е написал специално за нея. И също така на руската сцена тя представи за първи път ролите на Вогдолина в „Златото на Рейн“ от Р. Вагнер, Чио-Чио-сан в „Мадам Бътерфлай“ от Г. Пучини и много други. Гастролира с Мариинската опера в градове в Русия, Франция, Великобритания, Германия, Италия, САЩ и други страни. Сред нея най -добрите роли : Антонида ("Живот за царя" от М. Глинка), Людмила ("Руслан и Людмила" от М. Глинка), Олга ("Русалка" от А. Даргомижски), Маша ("Дубровски" от Е. Наравник) , Оксана ("Черевички" П. Чайковски), Татяна ("Евгений Онегин" от П. Чайковски), Купава ("Снежанката" от Н. Римски-Корсаков), Жулиета ("Ромео и Жулиета" от К. Гуно) , Кармен ("Кармен" от Ж. Бизе), Манон Леско (Манон от Ж. Масене), Виолета (Травиата от Г. Верди), Елза (Лоенгрин от Р. Вагнер) и др. През 1914 г. Кузнецова временно напуска Мариински театър и заедно с Руския балет на Сергей Дягилев се представят в Париж и Лондон като балерина, а също частично спонсорират тяхното представление. Тя танцува в балета „Легендата за Йосиф“ от Рихард Щраус, балетът е подготвен от звездите на своето време - композитор и диригент Ричард Щраус, режисьор Сергей Дягилев, хореограф Михаил Фокин, костюми и декори Лев Бакст, водещ танцьор Леонид Мясин . Това беше важна роля и добра компания, но от самото начало продукцията срещна някои трудности: нямаше много време за репетиции, Щраус беше в лошо настроение, тъй като поканените балерини Ида Рубинщайн и Лидия Соколова отказаха да участват, а Щраус също не обичаше да работи с френски музиканти и постоянно се караше с оркестъра, а Дягилев все още се тревожеше за напускането на танцьора Васлав Нижински от трупата. Въпреки задкулисните проблеми, балетът успешно дебютира в Лондон и Париж. В допълнение към опита си в балета, Кузнецова изпълни няколко оперни спектакъла, включително постановката на Бородин за принц Игор в Лондон. След революцията през 1918 г. Мария Кузнецова напусна Русия, както подобава на актрисата, тя го направи драматично красиво - в дрехите на момче от каюта, която се скри на долната палуба на кораб, плаващ за Швеция. Тя става оперна певица в Стокхолмската опера, след това в Копенхаген, а след това в Кралската опера, Ковънт Гардън, Лондон. През цялото това време тя непрекъснато идва в Париж, а през 1921 г. най -накрая се установява в Париж, който се превръща във втория й творчески дом. През 20 -те години Кузнецова организира частни концерти, където пее руски, френски, испански и цигански песни, романси и опери. На тези концерти тя често танцува испански народни танци и фламенко. Някои от нейните концерти бяха благотворителни, за да помогнат на нуждаещата се руска емиграция. Тя стана звездата на парижката опера и се смяташе за голяма чест да бъде приета в нейния салон. „Цветето на обществото“, министри и индустриалци се струпаха пред нея. В допълнение към частните рецитали, тя често е работила като солистка в много оперни театри в Европа, включително Ковънт Гардън и Парижката опера и Опера Опера. През 1927 г. Мария Кузнецова с принц Алексей Церетели и баритон Михаил Каракаш организират частна компания „Руска опера“ в Париж, където канят много руски оперни певци, напуснали Русия. Руската опера поставя Садко, „Приказката за цар Салтан“, „Легендата за невидимия град Китеж и момата Феврония“, „Сорочинская панаир“ и други опери и балети на руски композитори и изпълнява в Лондон, Париж, Барселона, Мадрид, Милано и в далечен Буенос Айрес. Руската опера просъществува до 1933 г., след което Мария Кузнецова започва да дава по -малко представления. Мария Кузнецова умира на 25 април 1966 г. в Париж, Франция.
Ангела Георгиу (румънска Ангела Георгиу) е румънска оперна певица, сопран. Един от най -известните оперни певци на нашето време. Ангела Георгиу (Бурлаку) е родена на 7 септември 1965 г. в малкия град Адюд, Румъния. От ранно детство беше очевидно, че ще стане певица, нейната съдба беше музиката. Учи в музикално училище в Букурещ и завършва Национален университет музиката на Букурещ. Професионалният й оперен дебют се състоя през 1990 г. като Мими в Ла Бохема на Пучини в Клуж, през същата година тя спечели Международния вокален конкурс „Ханс Габор“ Белведере във Виена. Фамилията Георгиу остава с нея от първия й съпруг. Международният дебют на Анджела Георгиу се състоя през 1992 г. в Кралската опера, Ковънт Гардън в Ла Бохема. През същата година дебютира в Метрополитън операта в Ню Йорк и във Виенската държавна опера. През 1994 г. в Кралската опера, Ковънт Гардън, тя за първи път изпълнява ролята на Виолета в „Травиата“, в който момент се случва „раждането на звезда“, Анджела Георгиу започва да се радва на постоянен успех в оперни театри и концертни зали наоколо света: в Ню Йорк, Лондон, Париж, Залцбург, Берлин, Токио, Рим, Сеул, Венеция, Атина, Монте Карло, Чикаго, Филаделфия, Сао Пауло, Лос Анджелис, Лисабон, Валенсия, Палермо, Амстердам, Куала Лумпур, Цюрих , Виена, Залцбург, Мадрид, Барселона, Прага, Монреал, Москва, Тайпе, Сан Хуан, Любляна. През 1994 г. тя се запознава с тенора Роберто Аланя, за когото се омъжва през 1996 г. Сватбената церемония се състоя в Метрополитън опера в Ню Йорк. Дълго време двойката Алания-Георгиу беше най-забележителният творчески семеен съюз на оперната сцена, сега са разведени. Първият й изключителен договор с звукозаписна компания е подписан през 1995 г. с Decca, след което тя издава няколко албума годишно, сега има около 50 албума, както на сценични опери, така и на солови концерти. Всички нейни компактдискове са получили добри отзиви от критиците и са отличени с много международни награди, включително награди от списание „Грамофон“, наградата „Германско ехо“, френския Diapason d'Or и Choc du Monde de la Musique и много други. Два пъти през 2001 и 2010 г. е обявявана за „Най -добра певица на годината“ от британските „Класически награди BRIT“. Обхватът на ролите на Анджела Георгиу е много широк, особено любимите й опери на Верди и Пучини. Италианският репертоар, може би поради относителното сходство на румънския и италианския език, се справя отлично, някои критици отбелязват, че френските, немските, руските и английските опери се изпълняват по -слабо. Най -важните роли на Анджела Георгиу: Белини „Сомнамбула“ - Амина Бизе „Кармен“ - Михаела, Кармен Чилеа „Адриана Лекувьор“ - Адриана Лекувьор Доницети „Лусия ди Ламермур“ - Лусия Доницети „Лукреция Борджиа“ - Дон Лукретия Борджия напитка Аддона Густутия Борджиа " - Маргарита Гуно" Ромео и Жулиета " - Жулиета Масене" Манон " - Манон Масене" Вертер " - Шарлот Моцарт" Дон Джовани " - Зерлина Леонкавало" Палячи " - Неда Пучини" Лястовица " - Магда Пучини" Бохемия " - Мими Пучини" Джани Скичи " - Лорета Пучини" Тоска " - Тоска Пучини" Турандот " - Лю Верди Трубадур - Леонор Верди" Травиата " - Виолета Верди" Луиз Милър " - Луиза Верди" Симон Боканегра " - Мария Анджела Георгиу продължава да играе активно и е на върха на оперния Олимп. Бъдещите ангажименти включват различни концерти в Европа, Америка и Азия, Тоска и Фауст в Кралската опера, Ковънт Гардън.
Анет Даш е немска оперна певица, сопран. Един от водещите съвременни немски оперни певци. Анет Даш е родена на 24 март 1976 г. в Берлин. Родителите на Анет, баща, съдия и майка са учили медицина, обичали са музиката и са вдъхнали тази любов на четирите си деца. У дома, по традиция, всички членове на семейството пускаха музика и пееха заедно, като пораснаха, всички деца станаха професионални музиканти: най -голямата дъщеря - концертна пианистка, по -малките братя - една - певица, бас -баритон, член на класиката поп квинтет „Адоро“, вторият - учител по музика ... От детството си Анет участва в училищния вокален ансамбъл и мечтае да стане рок певица. Тя също беше активен разузнавач и все още обича туризъм и туризъм. През 1996 г. Анет се премества в Мюнхен, за да учи академично вокално във Висшето училище за музика и театър в Мюнхен. През 1998/99 г. тя също посещава курсове по музика и драма в Университета за музика и театър в Грац (Австрия). Международният успех идва през 2000 г., когато печели три големи международни вокални състезания - конкурса „Мария Калас“ в Барселона, конкурса за песен „Шуман“ в Цвикау и конкурса в Женева. Оттогава тя свири на най -добрите оперни сцени в Германия и света - в Баварската, Берлинската, Дрезденската държавна опера, в Парижката опера и в Елисейските полета, Ла Скала, Ковънт Гардън, Токийската опера, Метрополитън операта и много други. През 2006, 2007, 2008 тя участва на фестивала в Залцбург, през 2010, 2011 на фестивала Вагнер в Байорот. Обхватът на ролите на Анет Даш е доста широк, включително ролите на Армида ("Армида", Хайдн) Гретел ("Хензел и Гретел", Хъмпердинк), Момичета-гъска ("Кралските деца", Хъмпердинк), Фьордилиги (" Всеки прави това ", Моцарт), Елвира (Дон Джовани, Моцарт), Електра (Идоменео, Моцарт), графиня (Бракът на Фигаро, Моцарт), Памина (Вълшебната флейта, Моцарт), Антония (Приказките на Хофман, Офенбах), Лиу (Турандот, Пучини), Розалинд (Прилепът, Щраус), Фрея (Рейнско злато, Вагнер), Елза (Лоенгрин, Вагнер) и др. Анет Даш е не само оперна певица, тя също пее оратории и изнася концерти. Репертоарът й включва песни на Бетовен, Бритен, Хайдн, Глюк, Хендел, Шуман, Малер, Менделсон и др. Певицата проведе последните си концерти във всички големи европейски градове (например в Берлин, Барселона, Виена, Париж, Лондон, Парма, Флоренция, Амстердам, Брюксел), изнесена на фестивалите Шубертиада в Шварценберг, фестивали ранна музикав Инсбрук и Нант, както и на други престижни фестивали. От 2008 г. Анет Даш води своето много популярно телевизионно развлекателно музикално шоу „Dash-Salon“, чието име на немски е в съгласие с думата „пране“ (Waschsalon). За сезон 2011/2012 Анет Даш започна европейско соло турне, предстоящите й оперни ангажименти включват ролята на Елвира от Дон Джовани през пролетта на 2012 г. в Метрополитън опера, след това ролята на мадам Помпадур във Виена, турне с Виенската опера в Япония с роля във „Веселата вдовица“, също друго представление на фестивала в Байорот.
Екатерина Щербаченко - руска оперна певица (сопран), солистка на Болшой театър. Екатерина Николаевна Щербаченко (родена Телегин) е родена на 31 януари 1977 г. в Рязан. През 1996 г. завършва Рязанския музикален колеж на името на V.I. Г. и А. Пирогов, като са получили специалността „диригент на хора”. През 2005 г. завършва Московската държавна консерватория. П. И. Чайковски (учител - професор Марина Алексеева) и там тя продължава обучението си в аспирантурата. В оперното студио на Консерваторията тя изпя партията на Татяна в операта „Евгений Онегин“ от П. Чайковски и частта на Мими в операта „Ла Бохема“ от Г. Пучини. През 2005 г. е солист-стажант на оперната трупа на Московския академичен музикален театър. К.С. Станиславски и В. И. Немирович-Данченко. В този театър тя изпълнява ролята на Лидочка в оперетата "Москва, Черемушки" на Д. Шостакович и частта на Фиордилиги в операта "Така действат всички жени" на В. А. Моцарт. През 2005 г. в Болшой театър изпява ролята на Наташа Ростова в премиерата на операта „Война и мир“ на С. Прокофиев (втора версия), след което получава покана за Болшой театър като постоянен член на оперната трупа. Репертоарът й в Болшой театър включва следните роли: Наташа Ростова (Война и мир от С. Прокофиев) Татяна (Евгений Онегин от П. Чайковски) Лю (Турандот от Г. Пучини) Мими (Ла Бохема от Г. Пучини) Михаела ( "Кармен" от Ж. Бизе) Йоланта ("Йоланта" от П. Чайковски) През 2004 г. тя изпя партията на Лида в оперетата "Москва, Черемушки" в Лионската опера (диригент Александър Лазарев). През 2007 г. участва в изпълнението на кантатата на С. Рахманинов „Камбаните“ в Дания със Симфоничния оркестър на Датското национално радио (диригент Александър Ведерников). През 2008 г. изпълнява ролята на Татяна в ОпераКаляри (Италия, диригент Михаил Юровски, режисьори Моше Лейзер, Патрис Корие, постановка на Мариинския театър). През 2003 г. получава диплома от Международния конкурс „Нови гласове“ в Гютерсло (Германия). През 2005 г. печели третата награда на Международния оперен конкурс в Шизуока (Япония). През 2006 г. - III награда на Международния V.I. Франсиско Виняса в Барселона (Испания), където тя също получи специална награда като „Най -добър изпълнител на руска музика“, наградата „Приятели на операта Сабадела“ и наградата на Музикалната асоциация на Катания (Сицилия). През 2009 г. тя спечели конкурса BBC Singer of the World в Кардиф, а също така бе наградена с триумфен младежки грант.
Пермски академичен театър за опера и балет на името на П.И. Чайковски е един от най -старите театри в Русия. За повече от век от своята история Пермският театър за опера и балет винаги е бил най -големият музикален центърстрана, в която се случват значими творчески събития. Театърът, който често се нарича Дом на Чайковски, е поставил всички сценични произведения на великия композитор. Класическите произведения на Бородин, Мусоргски, Римски-Корсаков са внимателно съхранени в „златния фонд“ на репертоара. Театърът връща на публиката незаслужено забравените музикални платна. За първи път в Русия в театъра се поставят оперите: „Пяна на дните“ от Е. Денисов, „Клеопатра“ от Ж. Масене, „Лолита“ от Р. Щедрин по романа на В. Набоков, „Алчина "от GF Хендел, Орфей от К. Монтеверди, Христос от А. Рубинщайн. Перм се нарича третата балетна Мека, след Москва и Санкт Петербург, където известната хореографска школа работи до академичната балетна трупа. От 70 -те години Пермският балет е в орбитата на непреодолимото внимание на голяма публика. Единството на изпълнителския стил на солистите и корпуса на балета е особеност на колектива. Пермският балет е може би единствената трупа в Руската федерация, която се състои изцяло от възпитаници на едно училище. Повече от десетилетие сцената на Урал е нещо като „стартова площадка“ за много артисти, известни далеч извън границите на Русия. Започва Пермският театър творческа биографиямного „звезди от първа величина“ на столицата и други големи театри на страната и света. Имената на световноизвестни танцьори - Галина Рагозина -Панова, Любов Кунакова, Надежда Павлова, Олга Ченчикова, Марат Даукаев, Юрий Петухов, Галина Шляпина, Светлана Смирнова - направиха Пермския край известен. Пермският театър стана известен благодарение на участието на своите оперни певци и балетисти в международни фестивали. Пермският театър за опера и балет е инициатор и организатор на Открития конкурс на руските балетисти „Арабеск“ и на Международния фестивал на изкуствата „Дягилевски сезони“: Перм-Петербург-Париж. Оперните и балетни представления на Пермския театър многократно са станали номинирани и победители във Всеруския национален театрален фестивал "Златна маска". Водещите солисти на Пермския театър посетиха различни континенти по света с изпълнения и концертни програми. От 1973 г. пермската трупа има пълно допълванее на турне в Австрия, Италия, Югославия, България, Чехословакия, Германия, Полша, Белгия, Холандия, Австралия и Нова Зеландия, Япония и Южна Корея, Англия, Ирландия, Холандия, Испания, Китай, САЩ. Във Франция и Куба, в Камбоджа и Канада, в Тайланд и Египет, в Никарагуа, Индия и САЩ - където и да се изявяват артистите, те получават признание на критиката и намират верни приятели и почитатели. Пермският академичен театър за опера и балет е създаден през 19 век по инициатива на общността от региона Кама, с участието на градския мюзикъл любителска чаша, която включваше известната фамилия Дягилев. Официалната дата на основаването на театъра е 24 ноември 1870 г. Първото представление е операта „Живот за царя“ от М. Глинка. „В Перм театърът като институция съществува от дълго време. Първоначално на улица „Обвинская” е имало дървена театрална сграда, но тя е изгоряла през 1863 г. След това е построен дървен театър, по -късно разглобен ... За първи път жителите на град Перм виждат добра трупа и освен това оперна трупа през зимата на 1879/80 г. в все още недовършения каменен театър. Трупата е подкрепяна от по -късно известния предприемач П.П. Медведев ... През 1896 г. в историята на Пермския театър започва цяла ера. Той е взет под прякото наблюдение на обществените съветници от градската дума, които решават да управляват театралния бизнес за сметка на града; за директно управление на театъра се избира градската администрация, която се занимава с покана на артисти. Беше решено да се поддържа оперна трупа за сметка на града. " В. С. Верхоланцев Кратко историческо и статистическо есе "Град Перм, неговото минало и настояще" 1913 г. Открива се първият "общински" сезон ... с постановката на "Аида". Общо Дирекцията прекара шест сезона, един от които беше драматичен, един беше оперен и драматичен, останалите бяха оперни. Те започнаха през септември и завършиха преди Великия пост. През сезона се проведоха до сто или повече представления, годишният репертоар включваше над тридесет произведения. Поставени са предимно руски класици - „Евгений Онегин“, „Пиковата дама“, „Мазепа“ на П. Чайковски, „Принц Игор“ на А. Бородин, „Борис Годунов“ на М. Мусоргски, „Демонът“ на А. Рубинщайн. Освен тях, такива редки гости на съвременната оперна сцена като "Силата на врага" от А. Серов, "Майска нощ" от Н. Римски-Корсаков, " Каменна гостенка„А. Даргомижски и др. От средата на 90-те години на XIX век Перм се запознава хореографско изкуство ... На 5 ноември 1896 г. е представен малкият балет на Заненфелд „Табор на унгарските цигани“. През януари 1897 г. „Вълшебната флейта“ на Р. Дриго вижда светлината на пермската сцена, след това „Куклена фея“ на Ж. Байер ... Съществуването на театъра през първите две десетилетия на ХХ век е неравномерно, но операта продължи да живее. Предприемачите подкрепиха интереса на публиката към операта и нивото на изпълненията, разчитайки на певци-премиери. А. Нежданова, П. Петрова-Званцева, Н. Фигнър, М. Максаков, Л. Собинов и други изключителни вокалисти, изпълнявани в Перм в различни сезони. На 20 август 1921 г. се открива първият театрален сезон след Гражданската война. Плакатите включват „Демонът“, „Фауст“, „Аида“, „Евгений Онегин“, „Борис Годунов“, „Риголето“, „Севилският бръснар“. В края на 20 -те години Перм се превръща в един от онези центрове на оперното изкуство, където с охота идват изключителни вокалисти и талантливи диригенти. Така през сезон 1925/26 пермите се възхищават на неподражаемата Кармен Ф. Мухтарова, а през следващия сезон - на Ленски на И. Козловски. През цялата пролет на 1929 г. С. Лемешев е в персонала на театъра. През 1925 г. в Перм е основано първото театрално студио, което започва обучението на балетисти, както и на драматургия, хор и оркестър. На 2 февруари 1926 г. студиото поставя балета на А. Адам „Жизел“. На 20 октомври 1931 г. се състоя премиерата на Лебедово езеро (хореограф О. Чаплигин). В предвоенните години балетната трупа се оглавява от хореографи от различни посоки и училища. Пермските балетомани отдавна помнят Н. Гончарова, Р. Минаева, Б. Коршунова, А. Бронски, А. Езерски и други танцьори в изпълненията на онези години. По време на войната Ленинградският театър за опера и балет на името на В.И. Киров. Пермската трупа не спира да работи в градовете на региона ... Защо бившият Мариински театър се озова в Перм, тогавашния Молотов? ... Идеята е на главния диригент А. Пазовски, който прави първите си стъпки в голямото изкуство тук ... Местните власти приеха това предложение с разбиране. Ленинградци са работили тук три зими и две лета - значителен период за историята на музикалната култура на града ... Училището на световноизвестния балет „Мариински“ също се озовава в Перм, което впоследствие допринася за създаването на Пермското хореографско училище. .. по книгата на М. Степанов, Ю. Силин „125 години. Пермски академичен театър за опера и балет P.I. Чайковски "1995. През 1931 г. Пермският театър е обявен за" 2 -ра държавна опера на Урал ". В следвоенните години основните творчески принципи на Пермския театър, заложени в цялата му предистория, започват да се вкореняват. Един от основните принципи е обновяването на репертоара чрез произведения, които рядко се появяват на сцената. Възраждането на непознатото, забравено, по различни причини, неприети от руската сцена, е характерно за всички периоди от живота на театъра. Пермският театър отвори за обществеността великите творения на С. Прокофиев: през сезон 1981-82. изпълнява двувечерния авторски вариант на операта на С. Прокофиев „Война и мир“ и за първи път в СССР дава сценичен живот на операта „Огненият ангел“ (1984). Откриването на много разфасовки на операта „Война и мир“ разшири и разшири народно-патриотичната линия на операта, драмата на цялото стана по-хармонична и логична, персонажите на някои от главните герои станаха по-многостранни. Тази продукция влезе в историята и беше удостоена с Държавната награда на Руската федерация на името на I. М. И. Глинка. Друг принцип творчески животтеатър - работа по произведенията на съвременни композитори. Операта "Маскарад" на Д. Толстой и "Сестри" на Д. Кабалевски, балети " Каменно цвете„А. Фридлиндер,„ Бела “и„ Грушенка “от Б. Машков,„ Брег на щастието “от А. Спадавеккия. Сред най -интересните творчески принципи на театъра е опит да се овладее цялото оперно и балетно наследство на П.И. Чайковски, родом от региона Кама. През 1974 г. Пермският академичен театър на името на П.И. Чайковски покани най -добрите солисти от много театри в страната и всички негови зрители на Първия фестивал на операта и балета на Чайковски. Този празник се повтаря успешно през 1983 и 1988 година. Пермският театър се превърна в истинска къща на Чайковски. „Златният век“ на Пермския балет, щедро дарен от Н. Боярчиков (главен хореограф на театъра, ученик на известните руски хореографи Ф. Лопухов и Б. Фенстър) на театрали от 70 -те години, се превърна във вълнуваща легенда за следващите поколения. Сред неговите продукции са толкова различни визуален езиккато „Прекрасният мандарин“ от Б. Барток, „Три карти“, „Ромео и Жулиета“, „Цар Борис“ от С. Прокофиев, „Орфей и Евридика“ от А. Журбин. Н. Павлова, О. Ченчикова, Г. Шляпина, М. Даукаев, Л. Фоминих, Р. Кузмичова, Ю. Петухов, Г. Судаков, Л. Шипулина, К. Шморгонер, О. Левенков, В. Дубровин. През 1965 г. Пермският театър за опера и балет е кръстен на П.И. Чайковски, а през 1969 г. - статутът на „академичен“ театър. Формираните в следвоенните години творчески принципи определят художествената стратегия на театъра през трудните 90-те години. Редки за руската сцена опери звучат в Пермския театър за опера и балет: „Лусия ди Ламермур“ от Г. Доницети, „Дон Джовани“ от В.-А. Моцарт, " Летящ холандец„Р. Вагнер, практически не работи в страната, операта на Н. Римски-Корсаков„ Кащей Безсмъртният “. През 1996 г., като главен режисьор на театъра, Г. Исаакян поставя оригиналната пиеса „Три лица на любовта”, която включва едноактни опери „Раят на майстора Педро” от М. де Фала, „Гърдите на Тирезий” от Ф. Пуленк и „Мадалена“, първата опера на двадесетгодишния Прокофиев, чийто сценичен език до голяма степен определя съвременния „оперен“ облик на Перм. В Перм за първи път операта на Александър Чайковски „Трите сестри на Прозоровите“ от А. Чехов и неговият едноактов балет „Пиковата дама“, парафраза по музика на П. Чайковски, видяха светлината на сцената. Съвместните изпълнения с американски хореографи, режисьори и артисти от Германия, Испания, Швейцария и други страни и континенти се превърнаха в добра традиция. „Peer Gynt“ от Е. Григ е поставен от американския хореограф Бен Стивънсън, „Концерт Барок“ от I.S. Бах - подарък от фондация J. Balanchine. Руско-испанската постановка на операта „Саломея“ от Р. Щраус стана забележително събитие на Международния фестивал в Мадрид през есента на 1995 г. Руската опера "Златният петел" от Н. Римски-Корсаков е поставена от швейцарския режисьор Д. Кеги и художника от Германия С. Пастеркамп. Към 200 -годишнината на А.С. Пушкин подготви уникална програма "Опера Пушкиняна". Групата режисьори, работила върху „Опера Пушкиняна“, бе удостоена с Държавната награда на Русия през 1999 г. в областта на литературата и изкуството. В рамките на „Дягилевски сезони-2005“, опери по сюжетите на „Малки трагедии“ на А.С. Пушкин („Лакомият рицар“, „Каменният гост“, „Моцарт и Салиери“, „По времето на чумата“) и „Борис Годунов“, които съставляваха този цикъл, продължиха през целия ден без прекъсване. През 1990 г. първият Открито състезание балетисти „Арабеск“, артистични ръководители на които бяха Владимир Василиев и Екатерина Максимова. В продължение на 20 години на всеки две години танцьори от цял свят се събират в Перм, за да участват в балетен конкурс. Млади певци от цял свят взеха участие в Първия международен конкурс за млади оперни певци, проведен в Перм през 1993 г. О. Бородина и Д. Хворостовски, лауреати на Първия всеруски конкурс за млади оперни певци, проведен в Перм през 1987 г. , бяха един от членовете на журито. Татяна Куинджи и Анзор Шомахия - изпълнители на главните роли в пермската постановка на операта на Дон Паскуале от Г. Доницети - бяха удостоени с Националната театрална награда „Златна маска“ за най -добра женска и мъжка роля през 1996 г. През 1998 г. тази престижна награда е получена за сценичния дизайн на пиесата „Пиковата дама“. Днес театърът се ръководи от: Художествен ръководител - Командор на Ордена на приятелството, лауреат на Националната театрална награда „Златна маска“ Теодор Текуртзис, главен диригент - заслужил деятел на изкуството на Русия, народен артист на Република Башкортостан Валери Платонов, гл. Гост -диригент - Заслужил художник на Русия, Лауреат на Държавната награда на Република Беларус, лауреат на Националната театрална награда „Златна маска“ Александър Анисимов, главен балетен майстор - Алексей Мирошниченко, главен хормейстер - Дмитрий Батин, главен дизайнер - Елена Соловьева . Известни сценографи от Русия и света си сътрудничат с театъра - Ю. Устинов, И. Акимова, В. Окунев, Ю. Хариков, А. Коженкова, Е. Хайдебрехт, Ю. Купър и много други. "Златният фонд" на репертоара на театъра, както и преди, е съставен от класика, спектаклите постоянно се актуализират, запазвайки не музей, а съвременна форма на изкуство. Руската класика е представена от оперите на А. Бородин „Княз Игор“, Н. Римски-Корсаков „Царската булка“, „Снежанката“. Популярни опери на Г. Верди, В.А. Моцарт, Р. Леонкавало. В сътрудничество с Фондация „Дж. Баланчин“ продължава дългосрочният руско-американски проект „Хореография на Г. Баланчин на Пермската сцена“. Пермската общественост се запозна и с хореографията на по -младия му съвременник, изключителния американски хореограф Джером Робинс. В рамките на руско-американския културен проект „Хореография на Джордж Баланчин на Пермската сцена“, едноактните балети „Сомнамбула“ от В. Риети, „Доницети-вариации“ (2001), „Балетен империал“ по музика на Втори концерт за пиано и оркестър от П. Чайковски (2002), "Бароков концерт" по музика на концерта за две цигулки и струнен оркестър от И.С. Бах и "Серенада" по музиката на "Серенада за струнен оркестър" на Чайковски "Балетен империал" през 2004 г. печелят фестивала "Златна маска" като най -добър балетен спектакъл. През 2005 г. беше осъществен уникален проект „Най -грандиозното лебедово езеро в света” в сътрудничество с холандската компания Stardust. В края на хилядолетието театърът все повече потвърждава своя авторитет като пионер, продължавайки и обогатявайки традициите на „лабораторията на съвременната опера“. През 2001 г. се състоя премиерата на операта „Клеопатра“ от Ж. Масене, която никога не е играна в Русия и е почти непозната в света. През 2004 г., за първи път в Русия, поставената магическа опера от Г. Ф. Хендел „Алцина“, първият опит в изпълнението на стара опера в Пермския театър, отвори нови аспекти на забележителни оперни солисти. През 2007 г., в годината на 400 -годишнината от операта „Орфей“ от К. Монтеверди, тази опера е поставена на пермската сцена. Според московския критик Дмитрий Морозов „Георги Исахакян е поставил може би най -доброто си представяне и е направил истински художествен пробив. Орфей не е само първата постановка на шедьовъра на Монтеверди в Русия, но и първият успех на нашия театър в областта на антична опера. ... Орфей се оказа най -доброто и със сигурност най -хармоничното музикално изпълнение на годината. " В рамките на фестивала „Дягилевски сезони-2007“ операта на Н. Сиделников „Чертогон“ е представена за първи път в света, предизвиквайки голям интерес сред гостите на фестивала, професионални музиканти и критици. Значими събития през последните години са спектакълът в Москва по покана на Театъра на народите на спектаклите „Лолита“ и „Клеопатра“, представление на известната сцена на Мариинския театър с програма от балети на Г. Баланчин. През 2004 г. оперната трупа се изявява в рамките на фестивала за съвременно изкуство SAKRO ART в Локум със световната премиера на операта Бестиарий на А. Щетински. Пиесата е представена и в Театъра на нациите в Москва и на театралния фестивал в Ярославъл. През пролетта на 2006 и 2007 г. представленията на Пермския театър - „Кармен“ от Ж. Бизе, „Славеят“ от И. Стравински, „Пепеляшка, или приказката за Пепеляшка“ от Ж. Масене и „... кръстен Малката русалка ”от А. Дворжак - отново стана номиниран за„ Златната маска ”. Гастролните представления на трупата в Москва и Санкт Петербург получиха голям отзвук. Участието на пермски артисти във фестивала „Звездите на белите нощи“ в Мариинския театър, в музикалните фестивали „Балтийски сезони“ в Калининград, Панорама на руските оперни театри в Омск, Кресчендо в столицата, на сцената на Болшой театър на Русия, увеличи славата на Пермския театър ... През януари 2008 г. Пермската опера обиколи Америка с голям успех на сцената на известния Карнеги Хол, който някога се отвори под звуците на оркестъра, режисиран от П. И. Чайковски. Сега Пермският театър, който носи името на П. И. Чайковски, представи концерт „Чайковски познат и непознат“ с арии и сцени от такива опери на великия композитор като „Пиковата дама“, „Черевички“, „Прислужницата на Орлеан “,„ Евгений Онегин “,„ Йоланта “,„ Опричник “,„ Ондин “,„ Чаровница “,„ Мазепа “. Изпълненията на пермската трупа получиха много топло посрещане от проницателната нюйоркска публика и получиха широк отзвук в американската преса. В Перм традиционно се провежда Откритото състезание на руските балетисти „Арабеск“, ръководено от Владимир Василиев и Екатерина Максимова. През 2003 г. се провежда първият международен фестивал „Дягилевски сезони: Перм - Петербург - Париж“ под патронажа на ЮНЕСКО. Един от първите фестивали в Русия, съчетаващ различни видове изкуство под знака на творчество и вдъхновение. Първата премиера на 137 -ия сезон е духовната опера на А. Рубинщайн „Христос“ (реж. Георги Исаакян), поставена за първи път на руска сцена. През февруари 2009 г. се състоя премиерата на операта „Отело“ на режисьора В. Петров, който дебютира като директор на музикален театър. Руската и световна премиера на операта „Един ден“ в Иван Денисович, която се появи благодарение на творческото сътрудничество на Г. Исахакян и композитора А. Чайковски и добрата воля на А. И. Солженицин, се състоя в рамките на IV фестивал „Дягилевски сезони“. Тази продукция отвори предимно недокосната „лагерна“ тема за оперното изкуство. В края на март премиерата на два модерни балета с едно действие: Медея (хореограф Ю. Посохов) и Пръстен (хореограф А. Мирошниченко). Специално за Дягилевските сезони балетите бяха възобновени в класическата хореография на М. Фокин, един от легендарните хореографи на Дягилевските Руски сезони: половецки танци и миниатюрния балет Визия на розата. Именно тези представления бяха представени от пермските артисти в Болшой театър на честването на стогодишнината от руските сезони на Дягилев, което се състоя на 30 май. Пермският театър за опера и балет участва в Националния театрален фестивал „Златна маска-2009“ с балетния спектакъл „Le Corsaire“ (хореография на Мариус Петипа, актуализиран от режисьора от Санкт Петербург В. Медведев) и операта „Орфей ”(Реж. Г. Исаакян), чиято премиера беше през ноември 2007 г. „Орфей“ е отличен с две златни маски: за най -добра режисура (реж. Г. Исаакян) и за най -добра сценография (дизайнер на продукцията Ернст Хайдебрехт). Година по -късно театърът участва във фестивала с балет „Медея“ (хореограф Юрий Посохов) и операта „Един ден в Иван Денисович“ (режисьор Георги Исахакян). Последният е отличен със „Златната маска“ в номинацията „Най -добро диригентско произведение“, наградата е връчена на главния диригент на театъра Валери Платонов. Източник: официалният уебсайт на tetra
Михайловският театър е театър за опера и балет в Санкт Петербург, разположен в историческа сграда на площад „Изкуства“. Императорският Михайловски театър е открит през 1833 г. с указ на император Николай I. Театърът дължи името си на великия херцог Михаил, най -малкият син на Павел I: дворецът Михайловски, разположен на площад на изкуствата, служи като резиденция на великия херцог, а театърът се превръща в камерна сцена, която приема високопоставени гости сред императорското семейство и близките им. Театралната сграда е проектирана от A.P. Брюллов с участието на А.М. Горностаева. Архитектът успява органично да впише фасадата в ансамбъла на площада, създаден от К. Роси. Брюлов създаде вълшебна кутия: можете само да предположите, че зад скромна фасада театър е скрит до покрива, където зад купола отгоре аудитория се вижда високата кутия на сцената. Целият блясък на императорския театър се съдържа вътре: сребро и кадифе, огледала и кристал, живопис и мазилка. През 1859 г. в резултат на реконструкция по проекта на А. Кавос, сцената е разширена и аудиторията е увеличена с едно ниво, интериорът на театъра е допълнен с живописни плафони, богата мазилка и фигури на кариатиди, които украсяват портала над просениума днес. Преди революцията Михайловският театър не е имал постоянна трупа, нито е имал определен репертоар. Трупата на Александринския театър се изявяваше в помещенията на театъра, френски, а понякога и немски артисти постоянно гастролираха. В стените му се провеждаха и оперни представления. След реконструкцията през 1859 г. френска драматична трупа се заселва в театралната сграда в продължение на много десетилетия до 1918 г. Френските оперети, като тази на Офенбах, бяха чести, но лиричните оперни представления бяха редки и бяха поставени главно от Императорската руска опера (Мариински театър). Изключение правят няколко години в средата на 1890-те, когато помещенията на Мариински са затворени за ремонт и опери на сцената на Михайловски се изпълняват седмично. Сред тези, които са играли на сцената на Михайловския театър през различни години, може да се отбележи оркестърът, дирижиран от Йохан Щраус, Люсиен Гитри, Матилда Кшесинская, Фьодор Шаляпин и трупата на Сара Бернхард. Чести посетители на представленията бяха А.С. Пушкин, В.А. Жуковски, Л.Н. Толстой, П.И. Чайковски. От 1918 г. театърът има постоянна трупа. През XX век в театъра са работили културни дейци, известни не само в Русия, но и по целия свят. Сред тях са диригентите Е. Грикуров и Ю. Темирканов; режисьори В. Майерхолд, Б. Зон, Н. Смолич, И. Шлепянов; хореографи Ф. Лопухов, Й. Баланчин, Ю. Григорович, И. Чернишев, Н. Боярчиков. През цялата си история театърът е преименуван няколко пъти. Мали театър за опера и балет - Ленинград, а след това и Петербург. От 1989 г. театърът носи името на М.П. Мусоргски, а от 2001 г. на театъра е дадено историческото му име - Михайловски театър. През 2007 г. S.L. Гаудасински (народен артист на Русия, лауреат на държавните награди на Русия, професор на консерваторията) е заменен от известния руски бизнесмен В.А. Кехман е председател на борда на директорите на компанията за внос на плодове JFC. Кехман също обяви, че ще работи заедно със S.L. Гаудасински, който ще остане художествен ръководител на театъра. След което той обаче въвежда позициите на отделни директори за оперните и балетни трупи. Балетната трупа се оглавява от известния руски танцьор Фарух Рузиматов. Художествен ръководител на оперната трупа стана Елена Образцова; художествени проблеми: Певицата обясни решението си с натоварения график на собствените си творчески проекти и гастролни дейности. Даниеле Рустиони стана основен гост -диригент на театъра. Балетната трупа на театъра, която за пръв път обиколи Лондон през 2008 г., беше номинирана за награда на британската критика за най -добра международна трупа. През 2009 г. маестрото Петър Феранец е назначен за главен диригент - музикален директор на театъра, а Михаил Месерер става главен хореограф на театъра. През октомври 2009 г. Фарух Рузиматов обяви възобновяване на изпълнителската си кариера и напусна поста художествен ръководител на балетната трупа на театъра. През юли 2010 г. беше обявено, че испанският хореограф Начо Дуато ще ръководи балетната трупа на театъра от 1 януари 2011 г.
Театър Карло Феличе е основната опера в Генуа, Италия. Театърът се намира в центъра на града, близо до площад Ферари и е символът на града; пред театъра има конен паметник на Джузепе Гарибалди. Решението за изграждане на нова опера в Генуа е взето през 1824 г., когато става ясно, че съществуващите градски театри не отговарят на нуждите на града. Новият театър трябваше да застане в един ред и да се състезава с най -добрите оперни театри в Европа. Обявен е архитектурен конкурс, в който те избират дизайна на сградата на операта от местния архитект Карло Барбарино, малко по -късно известният милански Луиджи Каноника е допълнително поканен да построи сцената и залата, за чиято сметка той вече е участвал в няколко големи проекта - възстановяването на Ла Скала, изграждането на театри в Милано, Кремона, Бреша и др. За театъра е избрано място, където са се намирали бившият доминикански манастир и църквата Сан Доменико. Този манастирски комплекс, датиращ от тринадесети век, е известен със своето архитектурно величие и скъпоценни произведения на изкуството за вътрешна декорация. Някои твърдят, че манастирът е бил принесен в жертва на театъра, но това не е вярно. Още по времето на Наполеоновото „Италианско кралство“ в манастира са се помещавали казармите и складовете на неговата армия. Комплексът е силно разрушен и през 1821 г., според плана за реконструкция на града, той е напълно разрушен, а решението за изграждане на театър е взето през 1824 г. Първият камък от новата сграда е положен на 19 март 1826 г. Тържественото откриване се състоя на 7 април 1828 г., въпреки че строителството и декорацията не бяха напълно завършени. Първата опера на сцената на театъра е „Бианка и Фернандо“ от Винченцо Белини. Театърът е кръстен на херцог Карло Феличе Савойски, владетел на Генуа. Петстепенната зала може да побере около 2500 зрители. В следващите години театърът е възстановяван няколко пъти, през 1852 г. е монтирано газово осветление, през 1892 г. - електрическо осветление. В продължение на почти четиридесет години, от 1853 г., Джузепе Верди прекарва зими в Генуа и многократно поставя своите опери в Театър Карло Феличе. През 1892 г., след реконструкция за честване на 400 -годишнината от откриването на Америка от Христофор Колумб (Генуа оспорва правото да бъде малка родина Колумб), Верди беше помолен да състави подходяща опера за това събитие и да го постави в театъра, но той отказа, като се позова на напредналата си възраст. Театър Карло Феличе непрекъснато се обновява и остава в добро състояние до Втората световна война. Първите щети са нанесени през 1941 г., когато покривът на сградата е разрушен от обстрела на съюзническите войски и уникалната боядисване на тавана на аудиторията е сериозно повредена. След това, през август 1943 г., след запалителна бомба, стаите в задкулисието изгоряха, декорациите и съблекалните бяха унищожени, но огънят не засегна главната зала, за съжаление, по това време театърът пострада повече от разбойници, които откраднаха много ценни неща. Най -накрая, през септември 1944 г., след въздушен налет, от театъра останаха само стените. Театърът, ремонтиран набързо, продължи дейността си през цялото това време и дори Мария Калас игра в него. Плановете за капиталното възстановяване на театралната сграда започват през 1946 г. През 1951 г. един проект е избран въз основа на конкурс, но той така и не се осъществява. Театърът беше затворен поради извънредни условия в началото на 60 -те години. През 1963 г. на известния архитект Карло Скарпа е поверено да разработи проекта за реконструкция, но той забавя работата и проектът е готов едва през 1977 г., но поради неочакваната смърт на архитекта през 1978 г. проектът е спрян. Следващият план е приет през 1984 г., Алдо Роси е избран за главен архитект на новия театър, Карло Феличе. Основният лайтмотив на разработчиците беше комбинацията от история и модерност. Стените на стария театър и фасадата с барелефи, както и някои елементи от интериорната декорация, които бяха добавени към новия интериор, бяха оставени, но по-голямата част от театъра беше възстановен от нулата. На 7 април 1987 г. е положен основният камък на новия театър. Добавена е нова висока сграда зад стария театър, сцени на жилищата, управление на мобилни платформи, зали за репетиции и съблекални. Самата аудитория се намира в "стария" театър, целта на архитектите беше да пресъздадат атмосферата на стария театрален площад, когато представленията се провеждаха на улицата в центъра на града. Затова по стените на залата бяха направени прозорци и балкони, имитиращи външните стени на сгради, а таванът е осеян с „звездното небе“. На 18 октомври 1991 г. завесата на театър „Карло Феличе“ най -накрая се издигна, първото откриващо събитие за сезона беше операта „Трубадур“ от Джузепе Верди. Театър Карло Феличе е една от най -големите оперни театри в Европа, с капацитет на основната зала 2000.
Teatro Reggio (Teatro Royal) (Торино) Teatro Reggio ("Teatro Royal") е опера в Торино. Един от най -старите и престижни театри в Италия. Построен през 1740 г., разрушен от пожар през 1936 г. и възстановен през 1973 г. Театралният сезон продължава от октомври до юни с 8-9 поставени опери и 5 до 12 представления всяка. До средата на 18 -ти век в Торино не е имало специализирана оперна къща, оперни представления са се изпълнявали в различни други театри или на открити места. През 1713 г. херцог Виторио Амедео II Савойски възлага на известния архитект Филипо Ювара да проектира и построи нов голям оперен театър като част от цялостната трансформация на историческия център на Торино. Намерението му обаче се сбъдва едва през 1738 г., когато новият херцог Карло Емануеле III от Савой реши да възложи изпълнението на този проект на архитекта Бенедето Алфиери, с изискването да се развие много престижен театър. "Театро Реджо" в Торино е построен за рекордно кратко време от две години и е открит на 26 декември 1740 г. Това е луксозна зала на пет нива с общо 2500 места. Всяка година за откриването на сезона два опери са създадени специално за театъра. Театърът е затворен от 1792 до 1798 г. След като отново е отворен през 1798 г. по време на Наполеоновите войни и френската окупация на Торино, театърът е преименуван на Национален театър, след това на Болшой театър на изкуствата и през 1804 г. на Императорски театър. Репертоарът на театъра е претърпял промени и е адаптиран към френския вкус. Император Наполеон го посещава три пъти. През 1814 г. театърът се връща във владението на херцозите на Савой и възвръща старото си име - „Кралски театър“. През 1870 г. става общински театър. И въпреки че Торино не може да се конкурира с оперната слава на Милано, Венеция или Рим, въпреки това много известни композитори работят в театъра. През 1895-1898 г. главен диригент на театъра е Артуро Тосканини, под негово ръководство се провеждат няколко италиански премиери на Рихард Вагнер. През 1905 г. театърът е реконструиран, 4 -ти и 5 -ти ред са премахнати и амфитеатърът е разширен. Освен Тосканини и Вагнер, в театъра са работили и други важни композитори - Джакомо Пучини и Ричард Щраус поставят няколко премиери на своите опери в Театро Реджо. По време на Първата световна война театърът е затворен за няколко години и отворен отново през 1919 г. В нощта на 8 срещу 9 февруари 1936 г. целият театър, с изключение на фасадата, е унищожен от силен пожар и отне почти четиридесет години да го възстановите. След пожара бяха обявени няколко конкурса за възстановяване на Театър Реджо. През 1965 г. градската администрация поверява работата на архитектите Карло Молино и Марчело Завелани Роси. Работата започва в началото на септември 1967 г. и приключва в началото на 1973 г. Новият Teatro Reggio е открит на 10 април 1973 г. със зашеметяващ модерен интериорен дизайн, скрит зад историческа фасада. Новата зала разполага с 1750 места. Театърът играе важна роля в модерното културния животТорино, освен опери и балети, предоставя области за широк спектър от художествени изкуства и е център на художествения и културния живот в Торино и извън него.
Мариинският театър е театър за опера и балет в Санкт Петербург, Русия. Открит през 1860 г., изключителен руски музикален театър. На сцената му имаше премиери на шедьоври на Чайковски, Мусоргски, Римски-Корсаков и много други композитори. Мариинският театър е дом на оперните и балетни трупи и Симфоничния оркестър на Мариинския театър. Художествен ръководител и главен диригент Валери Гергиев. За повече от два века от своята история Мариинският театър представя на света много велики художници: тук е служил изключителният бас, основателят на руската изпълнителска школа Осип Петров, такива велики певци като Федор Шаляпин, Иван Ершов, Медея и Николай Фигнър усъвършенства уменията си и достига върховете на славата., София Преображенская. На сцената блестяха балетисти: Матилда Кшесинская, Анна Павлова, Вацлав Нижински, Галина Уланова, Рудолф Нуриев, Михаил Баришников, Джордж Баланчин започва кариерата си в изкуството. Театърът е свидетел на разцвета на таланта на блестящи декоратори като Константин Коровин, Александър Головин, Александър Беноа, Симон Вирсаладзе, Фьодор Федоровски. И много, много други. Отдавна е толкова обичайно, че Мариинският театър поддържа родословие, считайки един век от 1783 г., когато на 12 юли е издаден указ за одобряване на театралния комитет „за управление на спектакли и музика“, а на 5 октомври Болшой театър е бил тържествено открит на площад Карусел. Театърът даде ново име на площада - той е оцелял до днес като Театральная. Построен по проект на Антонио Риналди, Болшой театър изумява въображението със своите размери, величествена архитектура, сцена, оборудвана с най -новите театрални технологии от онова време. При откриването си бе представена операта на Джовани Паисиело Il Mondo della luna ("Лунният свят"). Руската трупа се представяше тук последователно с италианската и френската, имаше драматични изпълнения, имаше и вокални и инструментални концерти. Петербург е в процес на изграждане, външният му вид непрекъснато се променя. През 1802-1803 г. Томас де Томон - блестящ архитект и чертожник - извърши голяма реконструкция на вътрешното оформление и декорация на театъра, забележимо промени външния му вид и пропорции. Новият, церемониален и празничен облик, Болшой театър се превърна в една от архитектурните забележителности на столицата на Нева, заедно с Адмиралтейството, Фондовата борса и Казанската катедрала. Но в нощта на 1 януари 1811 г. в Болшой театър избухва огромен пожар. За два дни богатата вътрешна украса на театъра е унищожена в пожара, а фасадата му е сериозно повредена. Томас де Томон, който изготви проект за възстановяване на любимото си дете, не доживя да го осъществи. На 3 февруари 1818 г. отново отвореният Болшой театър отново отваря врати с пролога „Аполон и Палас на север“ и балета „Зефир и Флора“ на Чарлз Дидлот по музика на композитора Катарино Кавос. Наближаваме „златния век“ на Болшой театър. Репертоарът на епохата след „пожар“ включва „Вълшебната флейта“, „Отвличането от Сералио“, „Милостта на Тит“ от Моцарт. Руската общественост е завладяна от Пепеляшка на Росини, Семирамида, Свраката крадец и Севилският бръснар. През май 1824 г. се състоя премиерата на „Свободен стрелец“ на Вебер - творба, която означаваше толкова много за раждането на руски романтична опера... Пиеси на Водевил от Алябьев и Верстовски; Една от най -обичаните и репертоарни опери е „Иван Сусанин“ на Кавос, която работи до появата на операта на Глинка по същата тема. Раждането на световната слава на руския балет е свързано с легендарната фигура на Чарлз Дидлот. През тези години Пушкин става редовен посетител на Санкт Петербургския Болшой, изобразяващ театъра в безсмъртна поезия. През 1836 г., за да подобри акустиката от архитекта Алберто Кавос, син на композитор и капелмайстор, куполният таван на театралната зала е заменен с плосък, а над него е имало художествена работилница, зала за рисуване декорации. Алберто Кавос премахва колоните в аудиторията, които възпрепятстват гледката и изкривяват акустиката, придава на аудиторията позната форма на подкова, увеличава дължината и височината й, увеличавайки броя на зрителите до две хиляди. На 27 ноември 1836 г. първият спектакъл от операта „Живот за царя“ на Глинка възобновява представленията на възстановения театър. Случайно или може би не без добро намерение премиерата на Руслан и Людмила, втората опера на Глинка, се състоя точно шест години по -късно, на 27 ноември 1842 г. Тези две дати биха били достатъчни, за да може Санкт Петербургският Болшой театър да влезе завинаги в историята на руската култура. Но, разбира се, имаше и шедьоври на европейската музика: опери на Моцарт, Росини, Белини, Доницети, Верди, Майербер, Гуно, Обер, Том ... С течение на времето изпълненията на руската оперна трупа бяха пренесени на сцената на Александринския театър и т. нар. Цирков театър, разположен срещу Болшой (където продължават представленията на балетната трупа и италианската опера). Когато през 1859 г. циркът изгаря, на негово място е построен същият архитект Алберто Кавос нов театър ... Именно той получи името Мариински в чест на управляващата императрица Мария Александровна, съпруга на Александър II. Първият театрален сезон в новата сграда е открит на 2 октомври 1860 г. с операта „Животът за царя” от Глинка, дирижирана от главния диригент на Руската опера Константин Лядов, баща на бъдещия известен композитор Анатолий Лядов. Мариинският театър е консолидирал и развил великите традиции на първата руска музикална сцена. С пристигането през 1863 г. на Едуард Направник, който замества Константин Лядов като главен диригент, започва най -славната епоха в историята на театъра. Половин век, даден от Направник на Мариинския театър, бе белязан от премиерите на най -значимите опери в историята на руската музика. Нека назовем само някои от тях - „Борис Годунов“ от Мусоргски, „Псковската жена“, „Майска нощ“, „Снежанката“ от Римски -Корсаков, „Княз Игор“ от Бородин, „Прислужницата от Орлеан“, „Чаровницата“, „Пиковата дама“, „Йоланта“ Чайковски, „Демонът“ от Рубинщайн, „Орестея“ от Танеев. В началото на 20-ти век репертоарът на театъра включва опери на Вагнер (сред тях тетралогията Der Ring des Nibelungen), Електра от Ричард Щраус, Легендата за невидимия град Китеж от Римски-Корсаков и Хованщина от Мусоргски. Ръководителят на балетната трупа на театъра през 1869 г. Мариус Петипа продължава традициите на своите предшественици Жул Перо и Артър Сен-Леон. Петипа ревниво запазва такива класически изпълнения като Жизел, Есмералда, Льо Корсар, подлагайки ги само на внимателно редактиране. Поставеният от него „La Bayadere“ за първи път донесе дъха на голяма хореографска композиция на балетната сцена, в която „танцът стана като музика“. Щастливата среща на Петипа с Чайковски, който твърди, че „балетът е същата симфония“, доведе до раждането на „Спящата красавица“, истинска музикална и хореографска поема. Хореографията на Лешникотрошачката е създадена в сътрудничество на Петипа и Лев Иванов. След смъртта на Чайковски Лебедовото езеро намери втори живот на сцената на Мариинския театър - и отново в съвместната хореография на Петипа и Иванов. Петипа затвърди репутацията си на хореограф-симфонист с постановката на балета на Глазунов „Раймонда“. Неговите новаторски идеи бяха възприети от младия Михаил Фокин, който постави в Мариинския театър Черепнинския павилион Армида, Сен -Санс Лебедът, Шопиниана по музика на Шопен, както и балети, създадени в Париж - Шехерезада по музика на Римски -Корсаков, „Жар -птицата“ и „Петрушка“ от Стравински. Мариинският театър е реконструиран няколко пъти. През 1885 г., когато повечето представления бяха пренесени на сцената на Мариински преди закриването на Болшой театър, главният архитект на императорските театри Виктор Шретер добави триетажна сграда в лявото крило на сградата за театрални работилници, репетиционни зали, електроцентрала и котелно помещение. През 1894 г. под ръководството на Шретер дървените греди са заменени със стоманени и стоманобетонни, надградени са странични крила и са разширени фоайета за зрители. Главната фасада също е претърпяла реконструкция, която е придобила монументални форми. През 1886 г. балетните спектакли, които продължават да се изпълняват на сцената на Болшой каменен театър, са прехвърлени в Мариинския театър. А на мястото на Болшой камък е издигната сградата на консерваторията в Санкт Петербург. С правителствено постановление от 9 ноември 1917 г. Мариинският театър е обявен за щат и е прехвърлен под юрисдикцията на Народния комисариат на образованието. През 1920 г. той започва да се нарича Държавен академичен театър за опера и балет (ГАТОБ), а от 1935 г. носи името на С. М. Киров. Заедно с класиката на миналия век на сцената на театъра се появяват модерни опери през 20 -те и началото на 30 -те години - Любовта към три портокала от Сергей Прокофиев, Возек от Албан Берг, Саломе и Дер Розенкавалиер от Рихард Щраус; се раждат балети, които утвърждават нова хореографска посока, популярна от десетилетия, т. нар. драматичен балет - „Червен мак“ на Рейнголд Глиер, „Пламъкът на Париж“ и „Фонтан на Бахчисарай“ на Борис Асафиев, „Лауренсия“ на Александър Крейн , „Ромео и Жулиета“ от Сергей Прокофиев и др. Последната предвоенна оперна премиера на Кировския театър е „Валент“ на „Лоенгрин“, второто представление на което завършва в късната вечер на 21 юни 1941 г., но представленията са насрочени за 24 юни и 27 бяха заменени от Иван Сусанин. По време на Великата отечествена война театърът е евакуиран в Перм, където се провеждат премиерите на няколко представления, включително премиерата на балета на Арам Хачатурян „Гаяне“. След завръщането си в Ленинград театърът открива сезона на 1 септември 1944 г. с операта на Глинка „Иван Сусанин“. През 50-70-те години. театърът поставя такива известни балети като „Шурале“ на Фарид Ярулин, „Спартак“ на Арам Хачатурян и „Дванадесет“ на Борис Тищенко, в хореография на Леонид Якобсон, „Каменното цвете“ на Сергей Прокофиев и „Легендата за любовта“ на Ариф Меликов, в хореография на Юрий Григорович Дмитрий Шостакович „Ленинг Симфония ", хореография на Игор Белски, докато новите балети бяха поставени, балетната класика беше внимателно запазена в репертоара на театъра. В оперния репертоар заедно с Чайковски се появяват Римски-Корсаков, Мусоргски, Верди, Бизе, опери на Прокофиев, Дзержински, Шапорин, Хренников. През 1968-1970г. е извършена обща реконструкция на театъра по проект на Саломе Гелфер, в резултат на което лявото крило на сградата е "удължено" и придобива днешния си вид. Важен етап в историята на театъра през 80 -те години на миналия век са изпълненията на оперите на Чайковски „Евгений Онегин“ и „Пиковата дама“, поставени от Юрий Темирканов, който оглавява театъра през 1976 г. В тези постановки, които все още са запазени в репертоара на театъра, се изяви ново поколение художници. През 1988 г. Валери Гергиев става главен диригент на театъра. На 16 януари 1992 г. театърът е върнат на историческото си име - Мариински. А през 2006 г. трупата и оркестърът на театъра получиха на свое разположение Концертната зала на ул. „Декабристов“ 37, построена по инициатива на художествения директор и директор на Мариинския театър Валери Гергиев. Източник: Мариински театър
Театро Масимо (италиански Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) е опера в Палермо, Италия. Театърът е кръстен на крал Виктор Емануил II. В превод от италиански, Massimo означава най -големият, най -големият - архитектурният комплекс на театъра е най -големият сред сградите на оперни театри в Италия и един от най -големите в Европа. В Палермо, вторият по големина град в Южна Италия, отдавна се говори за необходимостта от опера в града. През 1864 г. беше обявен международен конкурс от кмета на Палермо Антонио Рудини за проект за изграждане на голяма опера, която трябваше да разкраси външния вид на града и да повиши имиджа на града в светлината на неотдавнашното национално единство на Италия. През 1968 г. в резултат на конкурс е избран известният сицилиански архитект Джовани Батиста Филипо Базиле. За новия театър беше определено място, където се намираха църквата и манастирът Сан Джулиано, те бяха съборени, въпреки протестите на монахините францисканки. Според легендата „Последната игуменка на манастира“ все още обикаля театралните зали, а тези, които не вярват в нея, винаги се спъват на една стъпка („стъпка на монахиня“) на входа на театъра. Строежът започва с тържествена церемония по полагането на първия камък на 12 януари 1875 г., но той напредва бавно, с постоянна липса на финансиране и скандали, през 1882 г. той е замразен за осем години и възобновен едва през 1890 г. През 1891 г. архитектът Джовани Базиле умира преди откриването на проекта си, работата е продължена от сина му Ернесто Базиле. На 16 май 1897 г., 22 години след началото на строителството, театърът отваря врати за любителите на операта, първата опера, поставена на сцената му, е „Фалстаф“ на Джузепе Верди под диригентството на Леополдо Муноне. Джовани Базиле е вдъхновен от древната сицилианска архитектура и по този начин театърът е построен в неокласически строг стил с елементи от древногръцки храмове. Монументалното стълбище, водещо към театъра, е украсено с бронзови лъвове, носещи на гърба си статуи на жени - алегоричната опера и трагедията. Сградата е увенчана с голям полукръгъл купол. Роко Лентини, Еторе де Мария Беглер, Микеле Кортежани, Луиджи ди Джовани са работили по вътрешната декорация на театъра, която е издържана в стила на късния Ренесанс. Просторно фоайе води до аудиторията, самата зала е под формата на подкова, преди е била 7-степенна и е проектирана за повече от 3000 зрители, сега с пет нива кутии и галерия може да побере 1381 места. Първите сезони бяха много успешни. Благодарение на големия бизнесмен и сенатор Игнацио Флорио, който спонсорира театъра и се стреми да превърне Палермо в оперна столица, градът привлича много гости, включително коронованите глави, които редовно посещават театъра. Водещи диригенти и певци са свирили в театъра, започвайки с Енрико Карузо, Джакомо Пучини, Рената Тебалди и много други. През 1974 г. Театърът Масимо е затворен за пълна реставрация, но поради корупционни скандали и политическа нестабилност възстановяването се забавя с 23 години. На 12 май 1997 г., четири дни преди стогодишнината си, театърът отново се отваря със спектакъл на Втората симфония на Г. Малер, но реставрацията все още не е напълно завършена и през 1998 г. се осъществява първата оперна постановка - „Аида“ на Верди и редовната опера сезонът започна през 1999 година.
Опера де Лил (Опера Лил, Франция) е построена между 1907 и 1913 г. и официално открит през 1923 г. През 1903 г. пожар изгаря старата сграда на операта в Лил. Конкурс за най -добрият проектНовият театър е спечелен от архитекта Луи-Мари Кордон, вдъхновен от архитектурата на Операта Гарние в Париж и италианските театри. Операта „Лил“ е построена в неокласически стил. Фронтонът изобразява покровителя на изкуствата Аполон, заобиколен от музи, скулптури на Иполит Лефевр. Вляво от групата е алегорично изобразяване на Музика от Амедео Кордон, а вдясно е скулптура на Ектор Лемер „Трагедия“. Вътрешното стълбище е направено в разкошния стил на Луи XIV. Огромната "италианска" зала (една от последните построени във Франция) може да побере над 1000 зрители. В началото на Първата световна война, през юли 1914 г., все още недовършената сграда на театъра е окупирана от германски войски. През четирите години окупация в театъра се разиграха около сто представления. След войната сградата е възстановена, в нея се провежда „френската премиера“ през 1923 година. През 1998 г. състоянието на театъра изисква спешно закриване в средата на сезона. Ремонтът се превърна в амбициозен проект за подобряване на функционалността оперна сграда... Реконструкцията е извършена от архитектите Patrice Nerink и Pierre-Louis Carlier. Този проект е завършен в края на 2003 г., а през 2004 г. Лил е обявен за Европейска столица на културата.
Болшой театър в Бордо (Grand Théâtre de Bordeaux, Франция) е открит на 17 април 1780 г. с премиерата на „Афалия“ на Расин. Театралната сграда е построена на площад „Комедия“. Именно в този театър младият Мариус Петипа поставя някои от първите си балети. Театърът е построен от архитекта Виктор Луи (1731-1800), който печели известната Гран При на Рим. Луи също проектира галериите, заобикалящи Кралските градини Palais и театъра Comédie-Française в Париж. Изграждането на сградата на Болшой театър в Бордо с зала за 1000 места се извършва от 1773 до 1780 година. Големият театър на Бордо е замислен като храм на изкуствата и светлината, с неокласическа фасада, надарена с портик от 12 колосални колони в коринтски стил, поддържащ антаблемент, съдържащ 12 статуи, представляващи девет музи и три богини (Юнона, Венера и Минерва). Височината на сградата е 88 метра. През 1871 г. театърът за кратко е седалище на френския парламент. Интериорът на театъра е възстановен през 1991 г., аудиторията е до голяма степен променена, оригиналните цветове на нейния интериор са синьо, бяло и златно. Фасадите на сградата са реставрирани и оборудвани с осветление. Днес театърът е дом на Националната опера в Бордо, както и на Националния балет на Бордо. Той също така често е домакин на симфонични концерти, изпълнявани от Националния оркестър на Бордо и Аквитания. Gran Teatro de Bordeaux се смята за един от най -красивите френски театри.
Grand Teatro La Fenice ("Феникс") (Gran Teatro La Fenice) - оперна къща във Венеция, многократно разрушавана от пожар и възстановявана. Театърът е мястото за провеждане на Международния фестивал за съвременна музика. Театър Ла Фениче е построен през 1790-1792 г. Името "Феникс" отразява факта, че театърът се "преражда от пепелта" два пъти. През 1774 г. водещата венецианска опера на онова време, Сан Бенедето, изгаря до основи. Управляващата компания го възстанови, но загуби спора със собственика си в съда и отново загуби театъра. В резултат на това компанията решава да построи своя собствена нова опера. Строителството започва през юни 1790 г. и завършва през май 1792 г. Театърът е кръстен "La Fenice", свидетелстващ за възраждането. Той е открит на 16 май 1792 г. с операта на Паисиело „Агригенте игри“. На 13 декември 1836 г. театърът е унищожен от пожар, но бързо възстановен до първоначалния си модел под ръководството на архитектите Томазо и Джамбатиста Медун. Година по -късно, през 1837 г., театърът отново отвори врати. През деветнадесети век Ла Фениче става място за премиери на много опери на видни италиански автори, по -специално Джоакино Росини (Танкред, 1813, Семирамида, 1823), Винченцо Белини (Капулет и Монтегю, 1830, Беатрис ди Тенди, 1833) и Джузепе Верди (Ернани, 1843, Атила, 1846, Риголето, 1851, Травиата, 1853, Симон Боканегра, 1857). Премиерата на La Traviata първоначално беше освиркана от публиката във Финикс. През 1930 г. биеналето във Венеция инициира първия международен фестивал за съвременна музика. През 1937 г. театърът е реконструиран по проекта на Eugenio Miozzo. Изключителни премиери на 20 -ти век са постановките на операта „Напредъкът на греблата“ от И. Стравински (1951) и „Обратът на винта“ от Б. Бритен. На 29 януари 1996 г. сградата на театъра отново е разрушена от пожар, палежът е извършен от електротехника Енрико Карела, който се опитва да избегне договорни глоби за забавяне на работата. С държавна подкрепа театърът е възстановен и открит на 14 декември 2003 г. На откриването се представиха хорът и оркестърът на Ла Скала под диригентската палка на Мути. Най -добрите оркестри на света взеха участие в програмата за тържества по повод възраждането на Фениче, включително оркестъра на Санкт Петербургската филхармония под диригентската палка на Юрий Темирканов, който изпълни произведения на Чайковски и Стравински.
Кралската опера „Ковънт Гардън“ е театър в Лондон, Великобритания, който служи като място за провеждане на оперни и балетни представления, домашна сцена на Кралската опера и Лондонския кралски балет. Намира се в района на Ковънт Гардън, за който е получил името си. Първоначално Ковънт Гардън включва няколко независими трупи, заедно с драматични, музикални и балетни представления, се поставят циркови представления. До средата на 18 век основното място на театралната сцена заемат музикални представления, а от 1847 г. се поставят само опери и балети. Съвременната театрална сграда е третата поред, разположена на този сайт. Построен е през 1858 г. и е претърпял основен ремонт през 90 -те години. Залата на Кралската опера побира 2268 зрители и се състои от четири нива. Ширината на просцения е 12,2 м, височината е 14,8 м. Първият театър на мястото на парка, разположен тук, е построен в края на 1720-те и 30-те години на миналия век. по инициатива на режисьора и импресарио Джон Рич и открит на 7 декември 1732 г. с пиесата „Пътят на света“ по пиесата на Уилям Конгрев. Преди представлението актьорите влязоха в театъра в тържествено шествие, носейки Рич на ръце. В продължение на почти един век Ковънт Гардън Театър е един от двата лондонски драматични театъра, тъй като още през 1660 г. крал Чарлз II разрешава поставянето на драматични представления само в два театъра (вторият е поне известен театърДрури Лейн). През 1734 г. първият балет „Пигмалион“ е поставен в Ковънт Гардън, с Мария Сале в главната роля, която противно на традицията танцува без корсет. В края на 1734 г. в Ковънт Гардън започват да се поставят опери - преди всичко творбите на Георг Фридрих Хендел, бившия музикален директор на театъра: неговата ранна, макар и силно преработена, опера „Верният пастир“ (италиански Ил. пастор фидо) е поставена първо, след това през януари 1735 г. следва нова опера „Ариоданте“ и други. През 1743 г. тук се изпълнява ораторията на Хендел „Месията“, а по -късно изпълнението на оратории на религиозна тематика през дните на Великия пост става традиция в театъра. Оперите на композитора Томас Арн, както и тези на неговия син, бяха поставени тук за първи път. През 1808 г. първият театър, Ковънт Гардън, е унищожен от пожар. Новата театрална сграда е издигната през първите девет месеца на 1809 г., проектирана от Робърт Смирк, и е открита на 18 септември с постановка на Макбет. Ръководството на театъра повиши цените на билетите, за да възстанови цената на новата сграда, но в продължение на два месеца публиката прекъсва представленията с постоянни викове, ръкопляскания и свирки, в резултат на което ръководството на театъра е принудено да върне цените на предишното ниво. През първата половина на 19 век на сцената на Ковънт Гардън се редуват опери, балети, драматични представления с участието на изтъкнати трагици Едмънд Кийн и Сара Сидънс, пантомима и дори клоунство известен клоунДжоузеф Грималди). Това се промени, когато през 1846 г. в резултат на конфликт в театъра на Нейно Величество, лондонската опера, значителна част от трупата му, водена от диригента Майкъл Коста, се премести в Ковънт Гардън; залата е реконструирана и на 6 април 1847 г. театърът отново е отворен под името на Кралската италианска опера, поставена от операта на Росини „Семирамида“. По -малко от девет години по -късно, на 5 март 1856 г., театърът изгаря за втори път. Третият театър, Ковънт Гардън, е построен между 1857 и 1858 г. проектиран от Едуард Мидълтън Бари и открит на 15 май 1858 г. с постановка на операта на Майербир „Хугенотите“. По време на Първата световна война театърът е реквизиран и използван като склад. По време на Втората световна война в сградата на театъра е имало танцова зала. През 1946 г. операта се завръща по стените на Ковънт Гардън: на 20 февруари театърът се открива със Спящата красавица на Чайковски в екстравагантна постановка на Оливър Месел. В същото време започва създаването на оперна трупа, за която театърът в Ковънт Гардън ще се превърне в родна сцена.На 14 януари 1947 г. Операта на Ковънт Гардън (бъдещата лондонска кралска опера) представя тук операта на Бизе „Кармен“.
Самарският академичен театър за опера и балет е музикален театър в Самара, Русия. Самарският академичен театър за опера и балет е един от най -големите руски музикални театри. Откриването на театъра става на 1 юни 1931 г. с операта на Мусоргски Борис Годунов. Произходът му беше изключителен Руски музиканти- ученик на Танеев и Римски-Корсаков, диригент и композитор Антон Айхенвалд, диригент на Болшой театър Арий Пазовски, известен руски диригент Исидор Зак, директор на Болшой театър Йосиф Лапицки. Такива майстори като диригенти Савелий Берголц, Лев Оссовски, режисьор Борис Рябикин, певци Александър Долски, народен артист на Украинската ССР Николай Полуденни, народен артист на Русия Виктор Черноморцев, народен артист на РСФСР, бъдеща солистка на Болшой театър Наталия Шпилер, Лорей и много други. Балетната трупа се оглавява от солистката на Мариинския театър, участничка в легендарните сезони на Дягилев в Париж, Евгения Лопухова. Тя откри поредица от блестящи петербургски хореографи, които през различните години застанаха начело на балет Самара. Хореографите на Самарския театър бяха талантливата хореографка Наталия Данилова, ученичка на Агрипина Ваганова, легендарната петербургска балерина Алла Шелест, солистът на Мариинския театър Игор Чернишев, народният артист на СССР Никита Долгушин. Театърът бързо набира репертоар. Продукциите на 30-те години включват оперна и балетна класика: опери на Чайковски, Глинка, Римски-Корсаков, Бородин, Даргомижски, Росини, Верди, Пучини, балети на Чайковски, Минкус, Адам. Според изискванията на времето театърът обръща голямо внимание на съвременния репертоар. В предвоенния период за първи път в страната се поставят оперите „Степта“ на А. Айхенвалд, „Таня“ на „Крайтнер“, „Укротяването на бургазлията“ на Шебалин и други. Смел творчески експеримент, апел към непознато или незаслужено забравени шедьоври, присъщ на театъра в следвоенните години. Плакатите му съдържат десетки заглавия, от класиката на 18 век. („Медея“ от Херувини, „Тайният брак“ от Кимароза) и малко изпълнени произведения на руски композитори от 19 век. („Сервилия“ от Римски-Корсаков, „Чаровницата“ от Чайковски, „Елка“ от Ребиков) към европейския авангард на 20 век. („Джуджето“ от фон Землински, „Les Noces“ от Стравински, „Arlecchino“ от Бузони). Специална страница в живота на театъра е съвместното творчество със съвременни руски автори. Нашата сцена беше поверена с техните произведения от изключителни Руски композиториСергей Слонимски и Андрей Ешпай, Тихон Хренников и Андрей Петров. Най -значимото събитие, далеч извън границите на културата на Самара, беше световната премиера на операта на Слонимски „Видението на Иван Грозни“, изпълнена от великия музикант на 20 -ти век Мстислав Ростропович в сътрудничество с изключителни майсторисцени, режисирани от Робърт Стуруа и художника Джорджи Алекси-Месхишвили. До началото на Великата отечествена война културната ситуация в града се промени драстично. През октомври 1941 г. Държавният Болшой театър на СССР е евакуиран в Куйбишев / Самара („резервната столица“). Художествената инициатива отива при най -големите майстори на съветската оперна и балетна сцена. За 1941 - 1943 г. Болшой театър показа 14 опери и балети в Самара. Световноизвестни певци Иван Козловски, Максим Михайлов, Марк Райзен, Валерия Барсова, Наталия Шпилер, балерина Олга Лепешинская изпълниха на сцената в Самара, дирижираха Самосуд, Файер, Мелик-Пашаев. До лятото на 1943 г. колективът на Болшой театър живее и работи в Куйбишев. В знак на благодарност за помощта на местните жители в този труден момент, неговите художници неведнъж идват във Волга след войната с новите си произведения, както и с исторически репертоар от войната. През 2005 г., в чест на 60 -годишнината от Победата във Великата отечествена война, колективът на Болшой театър на Русия представи на самарската публика нова среща с тяхното изкуство. Туристическите представления и концерти (балетът на Шостакович „Светлият поток“, операта на Мусоргски „Борис Годунов“, голямата симфония на Победата - Седмата симфония на Шостакович, духов оркестър и концерт на оперни солисти) постигнаха триумфален успех. Както бе отбелязано УправителЗа Болшой театър на Русия А. Иксанов, „За целия персонал на Болшой театър тези турнета са още една възможност да изразят дълбока благодарност към жителите на Самара за факта, че в най -трудните военно времеБолшой театър е намерил втори дом тук. " Pinnacle музикален животСамара от ХХ век, наистина историческо събитиебеше изпълнението на сцената на Самарската опера на Седмата ("Ленинградска") симфония от Дмитрий Шостакович. Голямата работа, отразяваща трагичните събития от военното време, предаваща цялото величие на подвига на съветските войници, е завършена от композитора през декември 1941 г. при евакуация в Самара и изпълнена от оркестъра на Болшой театър под ръководството на Самуил Самосуд на 5 март , 1942. Театърът води интензивен живот. Реконструкцията приключва, на афиша се появяват нови имена, певци и танцьори печелят престижни международни и общоруски конкурси, нови творчески сили се вливат в трупата. Театралният персонал може да се гордее с концентрацията на талантливи, ярки творчески личности. Заслужените артисти на Русия Михаил Губски и Василий Святкин са солисти не само на Самарския театър, но и на Болшой театър на Русия и Московския оперен театър "Новая". Анатолий Невдах участва в спектаклите на Болшой театър, а Андрей Антонов успешно се изявява на сцените на руски и чуждестранни театри. Нивото на оперната трупа се доказва и от наличието на голям брой „титулувани“ певци в нея: 5 народни артисти, 8 заслужени артисти, 10 международни и общоруски състезания... В трупата има много талантливи млади хора, с които охотно споделят тайните на своите умения. по -старото поколениехудожници. От 2008 г. балетната трупа на театъра вдигна значително летвата. Колективът на театъра беше оглавен от заслужилия артист на Русия Кирил Шморгонер, който дълго време украсяваше балетната трупа на Пермския театър. К. Шморгонер покани в театъра голяма група свои студенти, възпитаници на едно от най -добрите образователни институции в страната - Пермското хореографско училище. Младите балетни танцьори Екатерина Первушина и Виктор Малигин станаха лауреати на престижния международен конкурс "Arabesque", цяла група от самарски танцьори успешно се представи на общоруски фестивал"Делфийски игри". През последните години театърът беше домакин на няколко премиери, които получиха голям публичен отзвук: оперите „Моцарт“ и „Салиери“ от Римски-Корсаков, „Мавра“ от Стравински, „Прислужницата“ от Перголези, „Евгений Онегин“ от Чайковски, „Риголето“ от Верди, мадам Бътерфлай ”От Пучини, хореографска кантата„ Les Noces ”от Стравински, балет на Hertel„ Напразна предпазна мярка ”. Театърът активно си сътрудничи в тези постановки с московски майстори от Болшой театър, Нова опера и други руски театри. Голямо внимание се отделя на поставянето на музикални приказки за деца. Оперни и балетни танцьори също се представят на концертната сцена. Туристическите маршрути на театъра включват България, Германия, Италия, Испания, Китай и руските градове. Интензивната гастролна практика на театъра позволи на жителите на региона Самара да се запознаят с най -новите произведения. Фестивалите са ярка страница в живота на театъра. Сред тях е и фестивалът класически балеткръстен на Алла Шелест, международен фестивал„Басове на XXI век“, „Пет вечери в Толиати“, фестивалът на оперното изкуство „Самарска пролет“. Благодарение на фестивалните инициативи на театъра, зрителите от Самара можеха да се запознаят с изкуството на десетки най -велики майстори на руското и чуждестранното оперно и балетно изкуство. Творческите планове на театъра включват представления на операта „Княз Игор“, балети „Дон Кихот“, „Спящата красавица“. До 80 -годишнината театърът планира да покаже операта на Мусоргски „Борис Годунов“, като по този начин се връща към произхода си на нов етап от историческото си развитие. На централния площад на града се издига масивна сива сграда - според изкуствоведите „грандиозен паметник от късния„ стил пилонада ”, към който са добавени брутални класики”, „ярък пример за архитектура от 30 -те години”. Авторите на проекта са ленинградските архитекти N.A. Троцки и Н. Д. Кацеленегбоген, който спечели конкурса за създаването на Двореца на културата през 1935 г. Театърът се намираше в централната част на сградата. В лявото крило известно време имаше регионална библиотека, в дясното крило - спортно училищеи музей на изкуството. През 2006 г. започва реконструкцията на сградата, изискваща изселването на спортното училище и музея. До 2010 г., юбилейния сезон на театъра, реконструкцията е завършена.
"Опера" Борис Годунов "- Отношение към личността на Борис Годунов. Монологът на Борис. Мусоргски. Миналото е в настоящето. Русия. Шаляпин като Борис Годунов. Сцена близо до катедралата Свети Василий. Сцена с камбани. Студена пепел. Опит за разкриване на самоличността. Фигурата на цар Борис. Борис. Тълкуване на личността на Борис Годунов. Поведение.
"Опера" Садко "" - Силата на изкуството. Композиторът е разказвач. Чуждоземни чудеса или чудеса подводен свят... Опера-епопея "Садко" от Римски-Корсаков. Всеки гост възхвалява страната си. Опера "Садко" е шедьовър на руската класическа музика. Автори на "Садко". Чудо от оперния жанр. Сцени от операта "Садко". В операта "Садко", както във всяка приказка, има много чудеса.
"Китайска опера" - Тежест. Жестокост. Показания за митични герои. Има няколко различни теории за произхода на грима. Страхотен командир. Изкуство. Синьо и зелено. Бели лица. Производителност. Тип грим. История на грима. Грим в китайската опера.
"Опера княз Игор" - През 1860 -те години. в Санкт Петербург се занимава с научни, педагогически и социални дейности... А. П. Бородин. И. Глазунов „Двама принца“. Цезар Антонович Куй. Милий Алексеевич Балакирев. През 1856 г. завършва Медико -хирургическата академия. От 1858 г. доктор по медицина. Поради голямото натоварване на научната и педагогическата работа Бородин пише бавно.
"Операта е музикален жанр" - Жанр на музикалното изкуство. Сцени от операта - епопеи "Садко". Опера от Клаудио Монтеверди "Орфей". "Мулен Руж". Опера. "Мариински опера". Операта на Сан Карло в Неапол. Опера –Билина „Садко” Н. А. Римски –Корсаков. Оперета. Карнеги Хол. Сцена на Болшой театър. Опера от Джоакино Росини "Севилският бръснар".
"Opera Snow Maiden" - Въпрос 2. Кое литературно произведение е използвано за създаването на операта "Snow Maiden"? 1. на руски език народна приказка 2. За приказката на А. Островски 3. За А.С. Пушкин. Въпрос 7. Кой инструмент от симфоничния оркестър имитира звука на пастирския рог на Лел в операта? 1. флейта 2. кларинет 3. тръба. Опера "Снежанка" (тест).
Общо има 12 презентации
7 световноизвестни руски опериРуският художник и писател Константин Коровин.
Борис Годунов. Коронация. 1934. Сценография за операта "Борис Годунов" от М. П. Мусоргски
Родена като имитация на западни образци, руската опера има ценен принос в съкровищницата на цялата световна култура. Появявайки се в ерата на класическия разцвет на френските, немските и италианските опери, руската опера през 19 век не само настига класическите национални оперни школи, но и ги надминава. Интересно е, че руските композитори традиционно са избирали теми от чисто народен характер за своите произведения.
1
„Живот за царя“ от Глинка
Операта „Живот за царя“ или „Иван Сусанин“ разказва за събитията от 1612 г. - полската кампания на шляхтата срещу Москва. Авторът на либретото е барон Йегор Росен, но по съветско време по идеологически причини редакцията на либретото е поверена на Сергей Городецки. Премиерата на операта се състоя в Болшой театър на Санкт Петербург през 1836 г. Дълго време ролята на Сузанин се изпълнява от Фьодор Шаляпин. След революцията "Живот за царя" напусна съветската сцена. Имаше опити да се адаптира сюжетът към изискванията на новата ера: по този начин Сусанин беше приет в комсомола, а последните редове звучаха като „Слава, слава, съветска система“. Благодарение на Городецки, когато операта беше поставена в Болшой театър през 1939 г., „съветската система“ беше заменена от „руския народ“. От 1945 г. Болшой театър традиционно открива сезона с различни постановки на Иван Сусанин от Глинка. Най -амбициозната постановка на операта в чужбина е може би в миланската Ла Скала.
2
"Борис Годунов" от Мусорски
Операта, в която кралят и народът са избрани за два героя, е започната от Мусоргски през октомври 1868 г. За да напише либретото, композиторът използва текста на едноименната трагедия на Пушкин и материали от „Историята на руската държава“ на Карамзин. Темата на операта беше управлението на Борис Годунов точно преди Смутното време. Мусоргски завършва първото издание на операта Борис Годунов през 1869 г., което е представено на театралния комитет на Дирекцията на императорските театри. Рецензенти обаче отхвърлиха операта, отказаха да я поставят поради липсата на ярка женска роля. Мусоргски въвежда в операта „полския“ акт любовна линияМарина Мнишек и Лъже Дмитрий. Той също така добави монументална сцена на народно въстание, което направи финала по -зрелищен. Въпреки всички корекции, операта отново беше отхвърлена. Той е поставен само 2 години по -късно, през 1874 г., в Мариинския театър. В чужбина премиерата на операта се състоя в Болшой театър в Гранд операта в Париж на 19 май 1908 г.
3
Пиковата дама от Чайковски
Операта е завършена от Чайковски в началото на пролетта на 1890 г. във Флоренция, а първата постановка се състоя през декември същата година в Мариинския театър в Санкт Петербург. Операта е написана от композитора по искане на Императорския театър и за първи път Чайковски отказва да приеме поръчката, аргументирайки отказа си с липсата на "подходящо сценично изпълнение" в сюжета. Интересно е, че в разказа на Пушкин главният герой носи фамилията Херман (с две "n" в края), а в операта главният герой е мъж на име Херман - това не е грешка, а умишлена смяна на автора. През 1892 г. операта е поставена за първи път извън Русия в Прага. След това - първата продукция в Ню Йорк през 1910 г. и премиерата в Лондон през 1915 г.
4
„Княз Игор“ от Бородин
Основата за либретото е паметникът на древноруската литература "Слоят на похода на Игор". Идеята за сюжета е предложена на Бородин от критика Владимир Стасов на една от музикалните вечери у Шостакович. Операта е създадена в продължение на 18 години, но никога не е завършена от композитора. След смъртта на Бородин работата по работата е завършена от Глазунов и Римски-Корсаков. Има мнение, че Глазунов е успял да възстанови по памет увертюрата на операта, която някога е чувал в авторското изпълнение, обаче самият Глазунов опроверга това мнение. Въпреки факта, че Глазунов и Римски-Корсаков са свършили по-голямата част от работата, те настояват, че княз Игор е изцяло опера на Александър Порфиревич Бородин. " Премиерата на операта се състоя в Мариинския театър в Санкт Петербург през 1890 г., след 9 години беше видяна от чуждестранна публика в Прага.
5
Златният петел на Римски-Корсаков
Операта „Златният петел“ е написана през 1908 г. по едноименната приказка Пушкин. Тази опера се превърна последна работаРимски-Корсаков. Императорските театри отказаха да поставят операта. Но веднага щом зрителят я видя за първи път през 1909 г. в Московската опера на Сергей Зимин, операта беше поставена в Болшой театър месец по -късно, а след това тя започна своя триумфален поход по света: Лондон, Париж, Ню Йорк, Берлин, Вроцлав.
6
„Лейди Макбет от област Мценск“ Шестакович
Операта по едноименната история на Лесков е завършена през декември 1930 г. и за първи път е поставена в Михайловския театър на Ленинград през януари 1934 г. През 1935 г. операта е показана на публиката в Кливланд, Филаделфия, Цюрих, Буенос Айрес, Ню Йорк, Лондон, Прага, Стокхолм. През втората половина на 30 -те, до 50 -те години, операта е забранена за поставяне в Русия, а самият Шестакович е осъден от ръководството на Комунистическата партия на страната. Творбата е описана като „объркване вместо музика“, „умишлено направено топси-турви“ и служи като тласък за преследването на композитора. Представленията в Русия се възобновяват едва през 1962 г., но публиката вижда опера, наречена „Катерина Измайлова“.
7
"Каменният гост" на Даргомижски
Идеята за операта идва на Александър Даргомижски през 1863 г. Композиторът обаче се съмнява в успеха му и разглежда творбата като творческа „интелигентност“, „забавление над Пушкин Дон Жуан“. Той пише музика към текста на Пушкин „Каменният гост“, без да променя нито една дума в него. Сърдечните проблеми обаче попречиха на композитора да завърши творбата. Той почина след като помоли приятелите си Куй и Римски-Корсаков да завършат работата в завещанието. Операта е представена за първи път пред публиката през 1872 г. в Мариинския театър в Санкт Петербург. Чуждестранната премиера се състоя едва през 1928 г. в Залцбург. Тази опера се превърна в един от „фундаменталните камъни“, без нейното знание е невъзможно да се разбере не само руската класическа музика, но и обща културанашата страна.
За историческата история, литературата и музиката в едно единствено произведение.
Сценично единство на музика, глас, драматичен сюжет. Операта дойде в Русия през 18 век с италиански изпълнители. Авторът на първата руска опера с народна история е основателят на първия руски театър Фьодор Волков. Век по -късно руската опера завладя целия музикален свят.
„Животът за царя“, или „Иван Сусанин“, Михаил Глинка
За първи път за събитията от 1612 г., полската кампания за Москва, те пееха преди 180 години от сцената на Санкт Петербургския Болшой театър. Авторът на либретото в първото издание е барон фон Розен. След революцията сюжетът е адаптиран към съветската действителност от Сергей Городецки. В една версия костромският селянин става комсомолец и председател на селския съвет. От 1945 г. операта „Иван Сусанин“ открива сезона си в Болшой театър. През 1993 г. представлението е представено на историческото място, където тези събития са се случили преди 400 години - в Ипатиевския манастир в Кострома. Продукцията беше излъчена в 15 страни по света.
"Борис Годунов" от Модест Мусоргски
Операта е базирана на сюжета на едноименната трагедия на Пушкин. Самият композитор пише либретото в продължение на пет години, използвайки исторически материали от Карамзин. Но пътят до сцената беше не по -малко дълъг. Отначало ръководството на Императорските театри не се задоволява с липсата на ярък женски образ, след това се смущава от демократичните нотки. Премиерата се състоя в Мариинския театър през 1873 г. Но десет години по -късно, с постановление на цензурата, пиесата беше свалена от сцената. Операта е възродена от Николай Римски-Корсаков. През 1908 г. Борис Годунов, с главната роля, изпълнена от Фьодор Шаляпин, завладява Париж. Това бяха руските сезони.
„Княз Игор“ от Александър Бородин
Сценично въплъщение на „Слоят от кампанията на Игор“. Композиторът работи върху операта 18 години, но никога не завършва работата си. Александър Глазунов и Николай Римски-Корсаков завършиха работата въз основа на груби бележки. И двамата композитори настояват за авторството на Александър Бородин. През 1890 г. премиерата се състоя в Мариинския театър. Операта получи възторжени отзиви. „Принц Игор“ е патриотична опера в най -добрия смисъл на думата, близка до сърцето на всеки руснак “, - пише в рецензиите. Девет години по -късно европейската премиера се състоя в Прага, а през 1914 г. „Принц Игор“ видя Париж в дизайна на Николай Рьорих.
„Каменният гост“ от Александър Даргомижски
Друга опера, завършена след смъртта на автора. Според завещанието на композитора работата по музикалното въплъщение на Пушкинския Дон Жуан е завършена от Цезар Кюи и Николай Римски-Корсаков. Операта точно следва текста на поета, композиторите не променят нито дума. Творбата се оказва иновативна по това време: вместо арии и ансамбли - „мелодични декламации“ и декламации на музика. "Characters Speak Notes" - с изключение на две песни. За първи път "Каменният гост" беше представен на петербургската публика в Мариинския театър през 1872 г. Световната премиера се състоя половин век по -късно в Залцбург.
„Златният петел“ от Николай Римски-Корсаков
Отново репликите на Пушкин са в основата на операта. „Фантастика в лицата“ е последната творба на композитора - завършена през 1908 г. Римски-Корсаков и авторът на либретото Белски се основават на руския фолклор с неговите шумни песни и танци. Работата излезе сатирична. Римски-Корсаков пише на своя ученик Максимилиан Щайнберг: „Искам да опозоря напълно цар Додон“. Цензурата не позволи поставянето в авторската версия на сцената на държавните театри. Премиерата се състоя през 1909 г. в Московската опера на Сергей Зимин, година по -късно в Болшой театър, а след това по целия свят, от Лондон до Ню Йорк.
Хованщина от Модест Мусоргски
Борбата между стара и нова Русия. Драмата на живота на сцената. Самият композитор се захваща с либретото, изучавайки историческите източници на 17 век - периода на суверенитета на княз Иван Ховански. Мусоргски искаше да покаже прехвърлянето на властта от принцеса София на младият Петъри дворцовите интриги бушуват наоколо. Операта не е изпълнявана по време на живота на композитора. Римски-Корсаков се подготвя за постановката на Хованщина, а първото представление е изпълнено от Музикално-драматичния кръг на аматьорите през 1886 година. Само четвърт век по -късно започва триумфалното шествие на операта от Мариински до всички най -големи театри в света.
"Война и мир" от Сергей Прокофиев
13 музикални картини от четиритомник на Лев Толстой. Оперната версия на епичния роман е създадена в продължение на 12 години. Композиторът замисля патриотична опера през 1941 г. Сергей Прокофиев и Мира Менделсон-Прокофиева в либретото се опитаха да покажат красотата и духовното богатство на героите. Но с началото на Великата отечествена война патриотичната тема излезе на преден план. Седем снимки на "мир" и шест картини на "война" бяха представени за първи път в Музикалния театър. Станиславски и Немирович-Данченко през 1957 г. Чуждестранната премиера на творбата се състоя в Италия на фестивала Florentine Musical May.
