• Вечна младост: страници от историята на Двореца на пионерите
• Какви оркестри има по отношение на инструментите?
• Музикални стилове Списък с музикални жанрове
• Необичайни новогодишни представления за цялото семейство
• Биография и картини на Леонардо да Винчи
• Всичко е подредено за най-малката магическа звезда на желанията
• Gia Eradze: „Имам една мода - всички артисти трябва да бъдат красиви Цирк турне Gia eraдзе
• Гия Ерадзе и Максим Никулин представят шоуто „Бурлеск цирк на Гия Ерадзе, където
• Насиров Мурат - биография, факти от живота, снимки, основна информация
• Таисия Повалий и Игор Лихута: личен живот, биография

Вярно е, че изкуството е сфера не само на духа, но и на търговията. И когато става дума за опера, често можете да чуете следната фраза от театрални мениджъри и ръководството на оперни театри: „Това, разбира се, е прекрасно нещо, но масовата публика няма да отиде на него - ние няма да го поставим “. Така настроенията на обществото властно нахлуват в крехкия свят на красотата!

Всичко това са глобални проблеми и не е лесно да ги разберем. Въпреки това днес решихме да предложим на нашите читатели няколко статистически изчисления от света на операта. Без да се преструваме на изчерпателни отговори, те дават интересна информация – кои национални школи, автори и произведения са най-популярните днес в света? При подготовката на статията е използван уебсайтът Operabase.com. Информацията обобщава показателите за 5 сезона от 2007/08 до 2011/12. Последните актуализации на този ресурс за включване на показатели миналия сезон, не се различават много от резултатите от предходните години.

I. Десет най-популярни оперни композитори

Забележка: таблицата показва броя на изпълненията, в скоби - броя на произведенията, включително различни версии на опери, адаптации (включително детски), както и мащабни вокални и инструментални опуси (оратории, реквиеми, сценични кантати, меси, и др.).

1. Верди - 3020 (29)
2. Моцарт - 2410 (25)
3. Пучини - 2294 (13)
4. Вагнер - 1292 (14)
5. Росини - 1045 (42)
6. Доницети - 853 (29)
7. Р. Щраус - 655 (15)
8. Бизе - 654 (7)
9. Хендел - 598 (60)
10. Чайковски - 432 (7)

В първите двадесет влизат още Бритън (13-и), Гуно (16), Леонкавало (17), Яначек (18), Маскани (19) и Белини (20). Групата руски композитори - Стравински, Мусоргски, Римски-Корсаков и Прокофиев - е изненадващо гъста и заема съответно 28-31 места.

II. Десет живи композитори

Забележка: в таблицата са изброени имената на живите ни съвременници, чиито творби се поставят най-често в музикални театри. Заемайки 1-во място F. Стъклото в общата оценка на всички автори е на 42-ро място. G.Fried и H.W. Henze, споменати в списъка, са все още живи през анализирания период - и двамата починаха през есента на 2012 г.

1. Стъкло - 69 (19)
2. Хенце - 53 (16)
3. Адамс - 33 (6)
4. Максуел Дейвис - 32 (8)
5. Хеги - 30 (6)
6. Рим - 29 (8)
7. Дусапин - 29 (6)
8. Освободен - 27 (2)
9. Eötvös - 24 (9)
10. Гланерт - 24 (10)

Други известни имена в списъка по-долу включват Флойд (11-и), Бъртуистъл (14), Саариахо (15), Бенджамин (17), Райман (18), Превин (29), Пендерецки (35). Нашият Р. Шчедрин заема 34-то място.

Между другото, споменаванията на имената на почти всички композитори от този списък могат да бъдат намерени на страниците на нашето списание с помощта на системата за търсене. С различна степен на детайлност информирахме нашите читатели за тяхната работа.

III. Десет най-изпълнени опери

1. Травиата на Верди – 629 представления
2. Бохемия на Пучини – 580г
3. Кармен Бизе - 573г
4. Вълшебната флейта от Моцарт - 571
5. Тоска на Пучини - 504
6. Сватбата на Фигаро от Моцарт - 494г
7. "Мадам Бътерфлай" Пучини - 469г
8. « Севилски бръснар»Росини – 465 г
9. Риголето от Верди - 434г
10. Дон Джовани от Моцарт - 433г

Общо в списъка на лидерите са три опуса на Пучини и Моцарт, две на Верди и едно на Бизе и едно на Росини.

Във втората десетка - още две опери на Верди ("Аида" и "Набуко"), две произведения на Доницети ("Любовна напитка" и "Лусия ди Ламермур"), "Всички правят това" от Моцарт, "Турандот" от Пучини , „Pagliacci“ от Леонкавало и най-популярната руска опера – „Евгений Онегин“ от Чайковски (17-о място).

Най-известната оперета - "Прилепът" от И. Щраус - заема 15 място.

Така всичко в тази топ двадесет е доста логично и предвидимо, с изключение на операта Хънзел и Гретел на Хъмпърдинк, която заема много високо 12-то място (!). Това, като цяло, хубаво (но нищо повече) произведение на епигона на Вагнер надмина много оперни шедьоври, които са значително по-добри по качество, най-вероятно поради своята коледна и условно детска ориентация.

Любопитни са и следните показатели: сред оперите на Вагнер предстои „Летящият холандец” (25 място), от произведенията на Р. Щраус начело е „Саломе” (31), „Норма” на Белини (44), „Вертер” на Масне (59), за Хендел – „Юлий Цезар (69).

Едно от най-популярните произведения от края на 19 - началото на 20 век "Фауст" на Гуно сега заема едва 33-ти ред, "Разказите на Хофман" Офенбах - 32-ри. Rural Honor на Маскани е на 28-о място, а втората по популярност опера Пепеляшка на Росини е на 29-о място.

Водеща позиция сред оперите от 17 век е на „Дидона и Еней” от Пърсел (61 място), а сред опусите от 18 век (с изключение на Моцарт) на „Орфей и Евридика” от Глук (47 място).

От авангарда на първо място "Воццек" Берг (74). В съседство с него е най-популярният опус на Бритън, The Turn of the Screw (73).

Първата опера сред произведенията на източноевропейските композитори е „Русалка“ на Дворжак (40 място), от произведенията на Яначек, която е толкова популярна днес, че Йенуфа е напред (65).

Сред руските опери, както вече беше отбелязано, Евгений Онегин на Чайковски е най-популярен (17-о място / 247 представления). В следващата таблица на ранговете "Пиковата дама" от Чайковски (54/105), "Борис Годунов" от Мусоргски (60/95), "Приключенията на гребло" от Стравински (77/62), "Любовта за три портокала" от Прокофиев (81/57), лейди Макбет от Мценск от Шостакович (82/56), Иоланта от Чайковски (94/44) и Царската булка от Римски-Корсаков (107/35).

За да дадем на читателя представа за мащаба на фигурите, посочваме, че в света през този период поне веднъж са поставени 2588 опери, от които 1250 повече от веднъж, 820 повече от 2 пъти и още 625 от 3 пъти.

За националните училища

Ако се опитаме да направим някои обобщения на националния характер, като вземем за основа 100-те най-добри опери, тогава изводите са следните:

Водач, разбира се, е италианската школа - 38 опери, като се започне с 1-во място във Ведианската Травиата. Следва немскоезичната опера (композитори от Германия и Австрия) - 29 опуса (без 3 произведения на Хендел, изброени в таблицата за Англия), начело с "Вълшебната флейта" на Моцарт, която заема 4-та позиция. Те са абсолютни фаворити.

Следващото френско училище, оглавявано от "Кармен" Бизе, е представено само от 10 творби. След това британците с 8 опери, изпреварвайки Русия само с 1 опус (благодарение на същия „приватизиран” Хендел), Русия (7). И накрая, Чехия затваря тази своеобразна маса с 4 опери. С изключение на Унгария, с нейните автори на велики оперети Лехар и Калман (4 опуса в списъка), нито един друг национално училищеняма повече шедьоври в първите сто!

Нека обобщим между тях: Като цяло, ако не вземете предвид надцененото място на Англия, картината е доста обективна. Освен това, ако се увеличи броят на анализираните опери, той става все по-справедлив.

Сега нека да разгледаме набързо списъка с 200 опуса. Италианците имат 62 опери, австро-германските композитори 54, френските и британците по 24, Русия 18. Ако обаче Хендел бъде „върнат” към немския си произход, тогава всичко изглежда различно – италианците ще отстъпят лидерството на северните си съседи, които ще трябва да добавят 13 опери от Хендел (общо 67), а британците ще останат далеч зад Русия със своите 11 опери.

Трябва да сме наясно, че всички тези статистически „игри“ са много произволни. Това важи и за англо-германския „спор“ за Хендел и неочевидното обединяване на австрийски и немски композитори в една група. Честотата на представленията зависи и от броя на оперните театри и интензивността на тяхната дейност в конкретна страна – тук Германия царува върховно.

И най-важното: моментните вкусове на публиката, извадени извън историческата ретроспектива, са много, много ненадежден критерий. Само един ярък пример - няма да намерим Мейербер, който е имал феноменална популярност през 19 век, дори в списък от 500 произведения.

Има много въпроси за руската школа - Глинка не е включена в топ 200! Руската тема обаче заслужава отделна дискусия, в която не може без исторически, културен и социално-политически анализ.

Би било погрешно да не споменем още един фактор. Тази статистика не обхваща всички музикални театри в света без изключение. Тук има известни информационни пропуски. За това може да се съди поне по списъка на Russian Operabase, който е непълен – сред 32-те руски сцени, включени в него, няма Камерен музикален театър „Б. Покровски“, театър „Зазеркалие“ от Санкт Петербург и Челябинска опера. Такива пропуски има и в други страни. Така например не можах да намеря нюйоркския театър Grattaciello, който е специализиран в репертоара на веристите, холандската опера Osse и редица други групи.

Това обстоятелство обаче е малко вероятно да повлияе значително на общия резултат - в края на краищата преобладаващото мнозинство от оперните театри се вземат предвид в статистиката.

Това е снимката. Няма да го коментираме повече. Нека читателите сами да направят своите изводи и социокултурни обобщения.

Материалът е изготвен от Е. Цодоков

През последните пет сезона 2005/6 - 2009/10 повече от 1005 композитори са изпълнили произведения. Таблицата показва данни за композитори и произведения, които са декларирани в програмата (не е задължително да са изпълнени). Първите трима композитори - Верди, Моцарт и Пучини забележимо превъзхождат следващите композитори.

Бенджамин Бритън е единственият композитор сред първите двадесет най-популярни композитори, роден още през 20-ти век. Най-старият композитор в списъка е Георг Фридрих Хендел (1685 - 1759)

Най-популярните (изпълнени) композитори за последните 5 години.

*Точната статистика е от значение за Европа и Северна Америка, за други страни цифрите може да са приблизителни.

Елена Василиевна Образцова - съветска и руска оперна певица, мецосопран. Народен артист на СССР, лауреат на Ленинската награда, Герой на социалистическия труд. Един от най-известните певци на нашето време. Елена Василиевна Образцова е родена на 7 юли 1939 г. в Ленинград. По време на Великата отечествена война, заедно със семейството си, тя е евакуирана от Ленинград в Устюжна. Музиката беше неразделна част от детството на Елена, баща й, инженер по професия, имаше красив баритон и освен това той свиреше добре на цигулка - тя винаги ще помни музикалните домашни вечери. През 1948-1954 г. пее в детския хор на Ленинградския дворец на пионерите. А.А. Жданова (директор на хора - М. Ф. Заринская). През 1954-1957 г., във връзка с официалното прехвърляне на бащата, семейството живее в Таганрог, където Елена учи в P.I. Чайковски с учителката Анна Тимофеевна Куликова. На отчетния концерт в музикалното училище Образцова беше изслушана от директора на Ростовското музикално училище М.А. Манковская, а по нейна препоръка през 1957 г. Елена е приета в училището веднага за 2-ра година. Година по-късно, през август 1958 г., след като премина успешно прослушване, тя влезе подготвителен отдел LGK тях. НА. Римски-Корсаков. През 1962 г. тя печели първа награда на Всесъюзния вокален конкурс на името на V.I. М.И. Глинка и златен медал от Световния фестивал на младежта и студентите в Хелзинки. На 17 декември 1963 г., докато е студентка в консерваторията, Е. Образцова дебютира в Болшой театър като Марина Мнишек в операта Борис Годунов от М. Мусоргски. През 1964 г. завършва Ленинградската държавна консерватория. НА. Римски-Корсаков в класа на професор A.A. Григориева (оперен клас А. Н. Киреев). Председателят на дипломната комисия София Петровна Преображенская даде на Елена Образцова 5 с плюс - оценка, която не беше дадена в Ленинградската консерватория от около 40 години. През същата година тя става постоянна солистка на Болшой театър. Природата щедро надари Елена Образцова. Тя има глас с рядка красота, тембър, кадифен, органово богатство на звука, ярък сценичен облик, който придава на нейните оперни героини рядка художествена релефност и изразителност, таланта на истинска драматична актриса. През 1964 г. Елена Образцова с трупата на Болшой театър играе в Ла Скала като Марта в операта „Хованщина” и като Мари в операта „Война и мир”. Изявите на Образцова в Италия се радват на голям успех и през 1977 г. тя е поканена да открие юбилейния сезон на 200-ия юбилей в Ла Скала като принцеса Еболи в операта „Дон Карлос“ от Дж. Верди. През 1975 г. Елена Образцова, заедно с Болшой театър, заминава на турне в Съединените щати. По време на пиесата "Борис Годунов" Образцова, която изигра ролята на Марина Мнишек, беше извикана на сцената пет пъти от ентусиазирани зрители, пиесата трябваше да бъде спряна. Триумфът на Елена Образцова в САЩ най-накрая я одобри за световна оперна звезда. Няколко месеца по-късно Елена Образцова участва в "Трубадур", представление, което открива сезона на операта в Сан Франциско, с Лучано Павароти и Джоан Съдърланд като нейни партньори. През 1976 г. Образцова, вече в статуса на гост-солист на Метрополитън опера, предизвиква сензация с изпълнението си на ролята на Амнерис от Аида на Верди. През 1977 г. Образцова изпълнява ролята на Далила в „Метрополитен“. Тор Екерт, критик на New York Times, тогава пише: „Съмнявам се, че вие ​​и аз сме чували Далила, която толкова лесно би успяла да овладее две и половина октави – Образцова изпълнява тази най-трудна част без сянка на напрежение " Франко Дзефирели е поканен да играе ролята на Сантуци във филма „Селска чест“ (1982). „В живота ми“, пише Дзефирели, „имаха три шока: Анна Маняни, Мария Калас и Елена Образцова, които направиха чудо по време на снимките на филма „Селска чест“. Общо репертоарът на Елена Образцова включва 86 партии в опери от руския и чуждестранния класически репертоар, както и в опери на композитори от 20-ти век, много от нейните роли са се превърнали в живи класики на съвременната оперна сцена: Марина Мнишек (Борис Годунов , 1963), Гувернантка, Полина, Миловзор (1964), Графиня (1965, Пиковата дама), Любаша (Царската булка, 1967), Кончаковна (Княз Игор, 1968), Марта (Хованщина, 1968). Любава (Садко, 1979), Амнерис (Аида, 1965), Азуцена (Трубадур, 1972), Еболи (Дон Карлос, 1973), Сантуца (Чест на селските райони, 1977), Улрика (Маскараден бал, 1977), принцесата на Адри Боенило Lecouvreur, 1977), Adalgiza (Norma, 1979), Giovanna Seymour (Anna Boleyn, 1982), Orpheus (Орфей и Евридика, 1984), Neris (Медея, 1989), Leonora (The Favourite, Duchesster, 1992) , 1992), Кармен (Кармен, 1972), Шарлот (Вертер, 1974), Далила (Самсон и Далила", 1974), Иродиада ("Иродиада", 1990), Оберон ("Сън в лятна нощ" от Б. Бритън, 1965), Женя Комелкова („Зорите тук са тихи“ от К. Молчанов, 1975), Юдит („Замъкът на херцога Синята брада“ Б. Барток, 1978), Йокаста („Цар Едип“ от И. Стравински, 1980), Евдосия („Пламък“ от О. Респиги, 1990 г.); С. Прокофиев: Фрося ("Семьон Котко", 1970), принцеса Мария (1964), Елена Безухова (1971), Ахросимова (2000, "Война и мир"), баба ("Комарджията", 1996), граф Орловски ( „Прилеп“, 2003) и др. Освен оперните си роли, Елена Образцова участва активно в концерти в Русия и по света. Репертоарът на нейните самостоятелни концерти включва музиката на повече от 100 руснаци и чуждестранни композитори: М. И. Глинка, А. С. Даргомижски, Н. А. Римски-Корсаков, М. П. Мусоргски, П. И. Чайковски, С. В. Рахманинов, С. С. Прокофиев, Г. Ф. Хендел, В. А. Моцарт, Л. Бетовен, Р. Шуман, Р. Щраус, Р. Вагнер, Дж. Брамс, К. Вайл, Г. Малера, Г. Доницети. Верди, Дж. Пучини, П. Маскани, Ж. Бизе, Ж. Масне, К. Сен-Санс и други, както и руски песни и стари романси... Участва в изпълнението на оратории, кантати, меси, произведения на руската духовна музика. Джаз композиции добавиха нови ярки щрихи към нейния талант. През 1986 г. прави своя режисьорски дебют, поставяйки операта Вертер от Ж. Масне в Болшой театър. Певицата участва в телевизионните музикални филми „Веселата вдовица“, „Моята Кармен“, „Селска чест“ и „Тоска“ и др. От 1973 до 1994 г. Елена Образцова преподава в Московската държавна консерватория „Чайковски“. От 1984 г. - професор. От 1992 г. преподава в Музикалната академия Musashino в Токио; води майсторски класове в Европа и Япония, в Академията за млади оперни певцив Мариинския театър в Санкт Петербург. Тя е била и е член на журито на много международни конкурси, включително Международния конкурс на името на P.I. Чайковски в Москва, Международния вокален конкурс в Марсилия, Международния конкурс на името на Н.А. Римски-Корсаков в Санкт Петербург, Международния конкурс „Феручио Талявини” в Дойчландсберг, Международния конкурс за оперни певци Монсерат Кабала. През септември 1999 г. в Санкт Петербург се провежда I Международен конкурс за млади оперни певци Елена Образцова, а през 2011 г. – 8-ми конкурс. Елена Образова записва повече от 50 диска, включително опери, оратории, кантати, солови дискове с произведения на камерна и оперна музика. През последните години бяха пуснати „записи на живо“ със специална стойност. От юни 2007 г. до октомври 2008 г. заема длъжността художествен ръководител на операта в Михайловския театър (бивш театър за опера и балет Мусоргски в Санкт Петербург). Сега в Санкт Петербург тя ръководи културен център на нейно име, където работи с млади изпълнители. На 24 октомври 1981 г. е открита малката планета No 4623, която носи името Образцова.

Рита Щрайх (18 декември 1920 - 20 март 1987) - една от най-почитаните и записани немски оперни певици от 40-60-те години на 20 век, сопран. Рита Стрейч е родена в Барнаул, Алтайски край, Русия. Баща й Бруно Щрайх, ефрейтор от германската армия, е заловен на фронтовете на Първата световна война и е отровен в Барнаул, където се запознава с руско момиче, бъдещата майка на известната певица Вера Алексеева. На 18 декември 1920 г. Вера и Бруно имат дъщеря Маргарита Щрайх. Скоро съветското правителство позволи на германските военнопленници да се върнат у дома и Бруно, заедно с Вера и Маргарита, заминава за Германия. Благодарение на майка си рускиня, Рита Стрейч говореше и пееше добре на руски, което беше много полезно за нейната кариера, в същото време заради нейното „нечисто“ немски езикв началото имаше някои проблеми с фашисткия режим. Вокалните способности на Рита се откриват рано, като още от началните класове тя е водеща изпълнителка на училищни концерти, на един от които голямата немска оперна певица Ерна Бергер я забелязва и я завежда да учи в Берлин. Също в различно време сред нейните учители са били известният тенор Уили Домграф-Фасбендер и сопраното Мария Ифогун. Рита Щрайх прави своя оперен дебют през 1943 г. в Осиг (Аусиг, сега Усти над Лабем, Чехия) с ролята на Зербинета в операта Ариадна на Наксос от Рихард Щраус. През 1946 г. Рита дебютира в Берлинската държавна опера, в главната трупа, с ролята на Олимпия в „Приказките на Хофман“ на Жак Офебах. След това започва нейната сценична кариера, която продължава до 1974 г. Рита Щрайх остава в Берлинската опера до 1952 г., след което се мести в Австрия и прекарва почти двадесет години на сцената на Виенската опера. Тук тя се омъжва и през 1956 г. ражда син. Рита Стрейч имаше ярко колоратурно сопрано и с лекота изпълняваше най-трудните партии в света. оперен репертоар, тя е наричана "немски славей" или "виенски славей". По време на дългогодишната си кариера Рита Щрайх е играла в много световни театри - имала е договори с Ла Скала и Баварското радио в Мюнхен, пяла е в Ковънт Гардън, Парижката опера, както и в Рим, Венеция, Ню Йорк, Чикаго, Сан Франциско е пътувала в Япония, Австралия и Нова Зеландия и е участвал в оперните фестивали в Залцбург, Байройт и Глайндборн. Репертоарът й включваше почти всички значими оперни роли за сопран – тя беше известна като най-добрата изпълнителка на ролите на Кралицата на нощта от Вълшебната флейта на Моцарт, Анхен от „Свободен стрелец“ на Вебер и др. Репертоарът й включваше, наред с други неща, произведения на руски композитори, които тя изпълняваше на руски език. Тя също е смятана за отличен интерпретатор на оперетния репертоар и народни песни и романси. Работила е с най-добрите оркестри и диригенти в Европа, записала е 65 големи грамофонни плочи. След завършване на кариерата си Рита Щрайх е професор в Музикалната академия във Виена от 1974 г., преподава в музикално училище в Есен, води майсторски класове и ръководи Центъра за развитие на лиричното изкуство в Ница. Рита Щрайх умира на 20 март 1987 г. във Виена и е погребана в старото градско гробище до баща си Бруно Щрайх и майка си Вера Алексеева.

Елина Гаранча е латвийска певица (мецосопран), една от водещите оперни певици на нашето време. Елина Гаранча е родена на 16 септември 1976 г. в Рига в семейство на музиканти, баща й е хоров директор, а майка й Анита Гаранка е професор в Латвийската музикална академия, доцент в Латвийската академия за култура, преподавател по вокал в Латвийската национална опера. През 1996 г. Елина Гаранча постъпва в Латвийската музикална академия в Рига, където учи вокал при Сергей Мартинов, а от 1998 г. продължава обучението си при Ирина Гаврилович във Виена, а след това при Вирджиния Зеани в САЩ. Едно от най-силно въздействащите събития върху Елина по време на нейното обучение е изпълнението на Гаетано Доницети като Джейн Сиймур в Ан Болейн през 1998 г. - Гаранка научи ролята за десет дни и открива дълбоко съчувствие към репертоара на белканто. След завършване на обучението си Гаранча дебютира на професионалната оперна сцена в Държавен театърЮжна Тюрингия в Майнинген, Германия, като Октавиан в Der Rosenkavalier. През 1999 г. тя става победител във вокалния конкурс на Мириам Хелин в Хелзинки, Финландия. През 2000 г. Елина Гаранча печели главната награда на Латвийския национален конкурс за изпълнители, а след това е приета в трупата и работи във Франкфуртската опера, където изпълнява ролите на Втора дама във Вълшебната флейта, Хензел в операта Хензел на Хъмпърдинк и Гретел и Розина в севилския бръснар“. През 2001 г. става финалист на престижния международен конкурс на оперни певци в Кардиф и издава дебютния си самостоятелен албум с програма от оперни арии. Младата певица прави своя международен пробив през 2003 г. на фестивала в Залцбург, когато изпява ролята на Анио в постановка на операта Тит Милост на Моцарт под диригентската палка на Николаус Арнонкур. Това представление беше последвано от успех и множество ангажименти. Основното място на работа е Виенската държавна опера, в която Гаранка изпълнява ролите на Шарлот във Вертер и Дорабела в Everybody's So Do през 2003-2004 г. Във Франция тя се появява първо в Театър на Шанз-Елизе (Анджелина в Пепеляшка на Росини), а след това в Парижката опера (Опера Гарние) като Октавиан. През 2007 г. Елина Гаранча се изявява за първи път на главната оперна сцена на родния си град Рига в Латвийската национална опера с ролята на Кармен. През същата година дебютира в Берлинската държавна опера (Sextus) и в Кралския театър "Ковънт Гардън" в Лондон (Дорабела), а през 2008 г. - в "Метрополитън опера" в Ню Йорк с ролята на Розина в „Севилският бръснар“ и Баварската опера в Мюнхен (Адалгиза). В момента Елина Гаранча се изявява на сцените на водещите световни оперни театри и концертни зали като една от най-ярките музикални звезди благодарение на красивия си глас, музикалност и убедителен драматичен талант. Критиците отбелязват лекотата, бързината и чистия комфорт, с които Гаранча контролира гласа си, и успеха, с който тя прилага модерна вокална техника към сложния репертоар на Росини от началото на 19 век. Елина Гаранча има солидна колекция от аудио и видео записи, включително носител на Грами запис на „Баязет“ на Антонио Вивалди, режисиран от Фабио Бионди, където Елина изпя ролята на Андроник. Елина Гаранча е омъжена за английския диригент Карел Марк Чичон и двойката очаква първото си дете в края на октомври 2011 г.

Ирина Константиновна Архипова - съветска и руска оперна певица, мецосопран, солистка на Болшой театър (1956-1988), народна артистка на СССР (1966), кавалер на ордена на Ленин (1971, 1976, 1985), Ленинска награда лауреат (1978), Герой на социалистическия труд (1984), лауреат на Държавната награда на Русия (1996). Ирина Константиновна Архипова е родена на 2 януари 1925 г. в Москва. Още на осемгодишна възраст тя постъпва в Централното музикално училище към Московската консерватория, но поради внезапно заболяване не може да учи там. По-късно Ирина влезе в училище Гнесин. По време на Великата отечествена война тя е евакуирана със семейството си в Ташкент, където постъпва в Московския архитектурен институт, който също е евакуиран там. След дипломирането си, работа по проектирането и изграждането на редица съоръжения в столицата, включително нов комплекс от сгради в Московския държавен университет на Воробьови гори, паралелни уроци по вокал с N.M. Малишева, а по-късно учи в Московската консерватория в класа по пеене на Л. Ф. Саврански. През 1953 г. завършва консерваторията. През 1954-1956 г. е солистка на Свердловския театър за опера и балет. През 1956-1988 г. е солистка на Болшой театър. Изпълнението на ролята на Кармен в едноименната опера от Жорж Бизе получи световно признание. Тя се характеризираше с дълбоко вътрешно разкриване на образа и обмисленост на интерпретацията. Тя притежаваше дарбата на сценичната трансформация. От 1955 г. гастролира в чужбина (Австрия, Полша, Източна Германия, Финландия, Италия, Унгария, Румъния, Чехословакия, България, САЩ, Япония, Франция, Канада). През 1967 и 1971 г. пее в Teatro alla Scala (частта на Марта и частта на Марина Мнишек). От 1975 г. преподава в Московската консерватория, от 1984 г. – професор. През 80-те години тя изнася поредица от концерти "Антология на руския романс". През 1966 г. е поканена в журито на конкурса „Чайковски“, а от 1967 г. е постоянен председател на журито на конкурса „Глинка“. Оттогава тя е член на жури на много престижни състезания в света, включително „Гласът на Верди“ и името на Марио дел Монако в Италия, състезанието „Кралица Елизабет“ в Белгия, състезанието „Мария Калас“ в Гърция, „Франсиско“ Конкурс Vinyas в Испания, вокално състезание в Париж, вокално състезание в Мюнхен. От 1974 г. (с изключение на 1994 г.) тя е постоянен председател на журито на конкурса „Чайковски“ в секция „соло пеене“. През 1997 г., по покана на президента на Азербайджан Гейдар Алиев и министъра на културата на Азербайджан Палада Бюл-Бюл Огли, Ирина Архипова оглавява журито на конкурса Bul-Bul, организиран по повод 100-годишнината от рождението му. . От 1986 г. И. К. Архипова е председател на Всесъюзното музикално дружество, в края на 1990 г. преобразувано в Международния съюз на музикалните дейци. От 1983 г. - председател на фондация Ирина Архипова. Почетен доктор на Националната музикална академия на името на Музикалната република Молдова (1998 г.), президент на Дружеството за приятелство Русия-Узбекистан. Била е депутат от Върховния съвет на СССР от 6-то свикване. Народен депутат на СССР (1989-1991). Автор на книгите: "Моите музи" (1992), "Музиката на живота" (1997), "Марка, наречена" I" (2005). Съпругът на певицата е народният артист на СССР Владислав Пиавко. Синът е Андрей. Правнучка - Ирина. На 19 януари 2010 г. Ирина Константиновна Архипова беше хоспитализирана със сърдечна патология в градската клинична болница Боткин. Певицата почина на 11 февруари 2010 г. Погребан на 13 февруари 2010 г. в Новодевичи гробищев Москва.

Екатерина Льохина - руска оперна певица, сопран. Екатерина Лехина е родена на 15 април 1979 г. в Самара. Докато беше в училище, тя комбинира фигурно пързаляне и уроци в музикалното училище номер 10 в Самара. Тя харесваше фигурното пързаляне повече, но родителите й, а не самите музиканти, мама е инженер, татко е работник, настояваха да продължат да учат музика. След като завършва музикалното училище, Екатерина постъпва в диригентско-хоровия отдел в Музикално училищена името на Д. Г. Шаталов, който завършва с отличие. През 1998 г. се мести в Москва и продължава образованието си в Академията за хорово изкуство, където получава и магистърска степен по оперно пеене (клас проф. С. Нестеренко). След академията тя работи за кратко в Московската Нова опера, във второстепенни представления. Първият успех дойде с победата на вокалния конкурс "Санкт Петербург" през 2005 г., той беше забелязан и оценен обещаващо от европейски експерти. Оттогава тя е много по-известна на световната публика, отколкото на руската публика. През 2006 г. Екатерина Льохина дебютира във Виенската народна опера (Volksoper) като мадам Херц в оперния театрален директор на Моцарт. Следващата й роля във Виенската фолклорна опера е Кралицата на нощта във Вълшебната флейта на Моцарт, с тази роля участва и в Мюнхенския театър Gartnerplatz, в два берлински театъра - Deutsche State Opera и Deutsche Oper, както и в театри Хановер, Дюселдорф, Тревизо, Хонконг и Пекин. През 2007 г. Екатерина Льохина спечели един от най-престижните международни вокални конкурси - "Operalia", който се проведе същата година в Париж. Във финала на състезанието имаше малък инцидент - организаторът на състезанието, маестро Пласидо Доминго, не показа на оркестъра въведението и края на арията.Лакме Катрин пееше в пълна тишина. По време на връчването на главната награда диригентът обясни: „Разбирате, аз слушах и следователно нямах време да покажа въведението на оркестъра“. През 2008 г. Льохина направи своя дебют в Кралската опера, Ковънт Гардън, с ролята на Олимпия от "Приказките на Хофман", това представление й донесе признание на критиката и голям успех. През 2011 г. Екатерина Льохина получи престижната награда Грами от Американската академия на звукозаписите за най-добър оперен запис. Екатерина изпълни главната роля на принцеса в операта "Любов отдалеч" на финландския композитор Кая Саари-Ахо. Диригент Кент Нагано, Берлински немски симфоничен оркестър, Берлински радиохор, солисти Даниел Белчер и Мари-Анж Тодорович. В момента певицата работи по договори в различни театри по света.

Мария Калас (родена като Мария Калас; име в акта за раждане - София Сесилия Калос, английски София Сесилия Калос, кръстена като Сесилия София Анна Мария Калогеропулос - гръцка Μαρ? Α Καλογεροπο? Λου); 1924 г., Ню Йорк, 2 декември 1924 г. 16, 1977, Париж) - американска оперна певица (сопрано). Мария Калас се нарежда сред такива оперни реформатори като Рихард Вагнер и Артуро Тосканини. Културата от втората половина на 20 век е неразривно свързана с нейното име. В началото на 50-те години на миналия век, в навечерието на феномена на постмодернизма, когато операта от 19 век се превръща в естетически анахронизъм, Мария Калас връща оперното изкуство на върха на сценичния Олимп. След като възроди ерата на bel canto, Мария Калас не се ограничава до виртуозна колоратура в оперите на Белини, Росини и Доницети, а превръща гласа си в основно изразно средство. Тя се превърна в универсална певица с репертоар, вариращ от класически оперни сериали като Весталката на Спонтини, до най-новите опери на Верди, оперите на Пучини и музикалните драми на Вагнер. Възходът на кариерата на Калас в средата на 20-ти век е придружен от появата на LP в записа и приятелството с видната фигура на звукозаписната компания EMI Walter Legge. Пристигането на сцената на оперните театри на ново поколение диригенти като Херберт фон Караян и Леонард Бернщайн и режисьори като Лукино Висконти и Франко Дзефирели направи всяко изпълнение с Мария Калас събитие. Тя превърна операта в истински драматичен театър, принуждавайки дори „трели и гами да изразят радост, безпокойство или копнеж“. Мария Калас е родена в Ню Йорк в семейство на гръцки имигранти. През 1936 г. майката на Мария, Госпел, се завръща в Атина, за да продължи музикалното образование на дъщеря си. Майката искала да въплъти пропадналите си таланти в дъщеря си и започнала да я води в Нюйоркската библиотека на Пето авеню. Мария започва да слуша класическа музика на тригодишна възраст, на пет години започва да ходи на уроци по пиано, а на осем години започва да взима уроци по вокал. На 14-годишна възраст Мария започва обучението си в Атинската консерватория под ръководството на бившата испанска певица Елвира де Идалго. През юли 1941 г. в окупираната от немците Атина Мария Калас дебютира в Атинската опера като Тоска. През 1945 г. Мария Калас се завръща в Ню Йорк. Следват поредица от неуспехи: тя не е запозната с Тосканини, тя отказва да пее частта на Чио-Чио-Сан в Метрополитън опера поради тежкото си тегло, надежди за възраждане на Лирическата опера в Чикаго, където се надява да пея, рухна. През 1947 г. Калас дебютира на сцената на Арена ди Верона в „Джоконда“ на Понкиели под диригентската палка на Тулио Серафин. Срещата със Серафин беше, по думите на самата Калас: „Истинското начало на кариера и най-големият успех в живота ми“. Тулио Серафин въвежда Калас в света на великата опера. Тя пее първите партии в "Аида" от Верди и "Норма" от Белини в края на 1948 г. В началото на 1949 г., в рамките на една седмица, вокалните несъвместими роли на Брунхилда във „Валкирия“ на Вагнер и Елвира в „Пуританите“ на Белини създават творческия феномен на певицата Мария Калас. Тя изпя лирични, драматични и колоратурни партии, което беше певческо чудо - „четири гласа в едно гърло“. През 1949 г. Калас заминава на турне в Южна Америка. През 1950 г. тя пее за първи път в Ла Скала и става „Кралицата на италианските примадони“. През 1953 г. EMI издава за първи път пълни записи на опери с Мария Калас. През същата година тя отслабва с 30 килограма. Преобразената Калас завладява публиката на оперните сцени в Европа и Америка в оперите „Лусия ди Ламермур“ от Доницети, „Норма“ от Белини, „Медея“ от Керубини, „Трубадур и Макбет“ на Верди и „Тоска“ от Пучини. През септември 1957 г. Мария Калас за първи път среща Аристотел Онасис на бал в чест на рождения ден на журналистката Елза Максуел във Венеция. През пролетта на 1959 г. във Венеция те се срещат отново на бал. След това Онасис отиде в Лондон за концерт на Калас. След този концерт той покани нея и съпруга й на своята яхта. В края на ноември 1959 г. съпругата на Онасис Тина подава молба за развод, а Калас и Онасис по това време открито се появяват в обществото заедно. Двойката се кара почти непрекъснато и през 1968 г. Мария Калас научава от вестниците, че Аристотел Онасис се е оженил за вдовицата на президента на Съединените щати Жаклин Кенеди. 1959 г. е повратна точка в неговата успешна кариера. Това беше улеснено от загуба на глас, поредица от скандали, развод, раздяла с Метрополитън опера, принудително напускане на Ла Скала, нещастна любов към Аристотел Онасис и загуба на дете. Опит за завръщане на сцената през 1964 г. завършва с нов провал. Във Верона Мария Калас се запознава с местния индустриалец Джовани Батиста Менегини. Той беше два пъти по-възрастен от нея и имаше страст към операта. Скоро Джовани призна любовта си на Мария, напълно продаде бизнеса си и се посвети на Калас. През 1949 г. Мария Калас и Джовани Менегини се женят. Той стана всичко за Мария: и верен съпруг, и любящ баща, и предан мениджър, и щедър продуцент. През 1969 г. италианският режисьор Пиер Паоло Пазолини кани Мария Калас да участва в ролята на Медея в едноименния филм. Въпреки че филмът не е използван търговски успех, представя си той голям интерес кинематографично, както всички останали произведения на Пазолини. Ролята на Медея беше за Мария Калас единствената роля извън операта. Последните години от живота си Мария Калас живее в Париж, на практика без да напуска апартамента, където почина през 1977 г. Тя е кремирана и погребана в гробището Пер Лашез. По-късно пепелта й е разпръсната над Егейско море. Италианските фониатри (лекари, специализирани в заболявания на гласните струни) Франко Фуси и Нико Паолило са установили най-вероятната причина за смъртта на оперната дива Мария Калас, пише италианската La Stampa (превод на статията на английски, публикуван от Parterre Box). Според тяхното изследване Калас е починал от дерматомиозит, рядко заболяване на съединителната тъкан и гладката мускулатура. Фуси и Паолило стигнаха до това заключение, след като проучиха записи на Калас, направени през различни години и анализираха постепенното влошаване на гласа й. Спектрографският анализ на студийни записи и изпълнения на живо показа, че до края на 60-те години, когато нейното влошаване на гласа става очевидно, гласовият обхват на Калас всъщност се е променил от сопрано в мецосопран, което обяснява промяната в звука на високите ноти в нейното изпълнение .В допълнение, внимателно проучване Видеозаписите на по-късните й концерти разкриха, че мускулите на певицата са значително отслабени: гърдите й практически не се повдигат при дишане, а при вдишване певицата повдига раменете си и напряга делтоидните си мускули, т.е. , тя направи най-честата грешка с опората на гласовия мускул. Причината за смъртта на Мария Калас не е известна със сигурност, но се смята, че певицата е починала от сърдечен арест. Според Fussi и Paolillo резултатите от тяхната работа директно показват, че полученият миокарден инфаркт е усложнение в резултат на дерматомиозит. Прави впечатление, че тази диагноза (дерматомиозит) от Калас е поставена малко преди смъртта й от нейния лекар Марио Джаковацо (става известно едва през 2002 г.). Оперни роли от Мария Калас Сантуца - Селска чест от Маскани (1938, Атина) Тоска - Тоска от Пучини (1941, Атинска опера) Джоконда - Ла Джоконда от Понкиели (1947, Арена ди Верона) Турандот - Турандот от Пучини ( 19 Карло Фе4) (Генуа) Аида - Аида от Верди (1948, Метрополитън опера, Ню Йорк) Норм - Норма Белини (1948, 1956, Метрополитън опера; 1952, Ковънт Гардън Лондон; 1954, Лирическа опера, Чикаго) Брунхилде - Валкирия на Вагнер (19049) , Метрополитън опера) Елвира - Пуританите на Белини (1949-1950, Метрополитън опера) Елена - Сицилианска вечерня "Верди (1951, Ла Скала", Милано) Кундри - "Парсифал" от Вагнер ("Ла Скала") Виолета - "Ла Скала" от Верди ("Ла Скала") Медея - "Медея" Керубини (1953, "Ла Скала") Джулия - "Вестал" Спонтини (1954, Ла Скала) Джилда - "Риголето" Верди (1955, "Ла Скала") Мадам Бътерфлай (Cio-Chio-san) - "Мадам Бътерфлай" Пучини ("Ла Скала") Лейди Макбет - "Макбет" Верди Федор - "Федора" Джордано Анна Болейн - "Анна Болейн "Доницети Лусия -" Лусия ди Ламермур "Доницети Амина -" Сомнамбула "Белини Кармен -" Кармен "Бизе

Даяна Дамрау е немска оперна и концертна певица, колоратурен сопран. Даяна Дамрау е родена на 31 май 1971 г. в Гюнцбург, Бавария, Германия. Казват, че любовта й към класическата музика и операта се събудила на 12-годишна възраст, след като гледала красив филм-опера на Франко Дзефирели „Травиата” (Дж. Верди) с Пласидо Доминго и Тереза ​​Стратес в главните роли. На 15 се появява в мюзикъла "Моята прекрасна лейди" на фестивал в съседния град Офинген. Вокалното си образование получава във Висшето музикално училище във Вюрцбург, където е преподавана от румънската певица Кармен Хангану; по време на следването си учи и в Залцбург при Хана Лудвиг и Едит Матис. След като завършва с отличие консерваторията през 1995 г., Даяна Дамрау подписва двугодишен договор с театъра във Вюрцбург, където прави своя професионален театрален дебют като Елиза „Моята прекрасна лейди“ и оперен дебют с ролята на Барбарина от „Сватбата“ на Фигаро, следвани от ролите на Ани (Вълшебният стрелец), Гретел (Хензел и Гретел), Мари (Царят и дърводелецът), Адел (Прилепът), Валенсиен (Веселата вдовица) и др. След това имаше двугодишни договори с Националния театър на Манхайм и Франкфуртската опера, където тя изигра ролите на Джилда („Риголето“), Оскар („Маскараден бал“), Cerbinetta („Ariadne auf Naxos“), Олимпия ( „Приказките на Хофман“) и Кралици на нощта („Вълшебната флейта“). С ролята на Кралицата на нощта тя гостува през 1998/99 г. в държавните оперни театри в Берлин, Дрезден, Хамбург, Франкфурт и в Баварската опера с партия на Зербинета. През 2000 г. във Виенската държавна опера се състоя първото представление на Даяна Дамрау извън Германия с ролята на Кралицата на нощта. От 2002 г. певицата работи като артист на свободна практика в различни театри, през същата година дебютира в чужбина с концерт в САЩ, във Вашингтон. Оттогава тя работи на водещите световни оперни сцени, като основните моменти от формирането на кариерата на Дамрау са нейните дебюти в Ковънт Гардън (2003, Кралица на нощта), през 2004 г. в Ла Скала при откриването след реставрацията на театър, участващ в операта на Антонио Салиери „Призната Европа“, през 2005 г. в Метрополитън опера (Zerbinetta, „Ариадна ауф Наксос“), през 2006 г. на фестивала в Залцбург, концерт на открито с Пласидо Доминго на Олимпийския стадион в Мюнхен в чест на откриването на Световното първенство по футбол през лятото на 2006 г. Оперният репертоар на Даяна Дамрау е много разнообразен, тя работи както в класически сопранови роли на италиански, френски и немски оперии в произведенията на съвременни композитори, и в началото на кариера в мюзикъли и оперети. Багажът на нейните оперни роли достига почти петдесет и освен споменатите по-рано включва Марселин (Фиделио, Бетовен), Лейла (Търсачи на перли, Бизе), Норина (Дон Паскуале, Доницети), Адина (Любовна отвара, Доницети) , Лусия ("Лусия ди Ламермур", Доницети), Рита ("Рита", Доницети), Маргьорит де Валоа ("Хугенотите", Майербер), Сервилия ("Милостта на Тит", Моцарт), Констанца и Блонд ("Отвличане" от Сералия“, Моцарт), Сузана („Сватбата на Фигаро“, Моцарт), Памина („Вълшебната флейта“, Моцарт), Розина („Севилският бръснар“, Росини), Софи („Рицарят на розата“ , Щраус), Адел („Прилепът“, Щраус), Уоглинду („Златото на Рейн“ и „Здрачът на боговете“, Вагнер) и много други. Освен постиженията си в операта, Даяна Дамрау се утвърди като една от най-добрите концертни изпълнителки в класическия репертоар. Тя изпълнява оратории и песни на Бах, Хендел, Моцарт, Винченцо Ригини, Бетовен, Робърт и Клара Шуман, Майербер, Брамс, Форе, Малер, Рихард Щраус, Землински, Дебюси, Орф, Барбър, редовно свири в Берлинската филхармония, Карнеги Хол Уигмор Хол, Златна зала Виенска филхармония, както и редовен гост на фестивалите Шубертиада, Мюнхен, Залцбург и други. Нейният компактдиск с песни на Рихард Щраус (Poesie) с Мюнхенския филхармоничен оркестър беше отличен с наградата ECHO Klassik през 2011 г. Даяна Дамрау живее в Женева, през 2010 г. се омъжи за френския бас-баритон Николас Тесте, в края на същата година Даяна ражда син Александър. След раждането на детето певицата се завърна на сцената и продължава активната си кариера. Снимка: Таня Ниман

Мария Николаевна Кузнецова е руска оперна певица (сопран) и танцьорка, една от най-известните певици на предреволюционна Русия. Водещ солист на Мариинския театър, участник в „Руските сезони“ на Сергей Дягилев. Работила е с Н. А. Римски-Корсаков, Рихард Щраус, Жул Масне, пее в тандем с Фьодор Шаляпин и Леонид Собинов. След като напуска Русия след 1917 г., тя продължава успешно да се изявява в чужбина. Мария Николаевна Кузнецова е родена през 1880 г. в Одеса. Мария израства в творческа и интелектуална атмосфера, баща й Николай Кузнецов е художник, а майка й е от семейство Мечникови, чичовците на Мария са биологът Иля Мечников, лауреат на Нобелова награда, и социологът Лев Мечников. Пьотър Илич Чайковски посети къщата на Кузнецови, който обърна внимание на таланта на бъдещата певица и композира детски песни за нея, от детството Мария мечтаеше да стане актриса. Родителите й я изпращат в гимназия в Швейцария, връщайки се в Русия, тя учи балет в Санкт Петербург, но се отказва от танците и започва да учи вокал при италианския учител Марти, а по-късно и при баритона и нейния сценичен партньор И. В. Тартаков. Всички отбелязаха нейното чисто, красиво лирично сопрано, забележимия талант на актрисата и женската красота. Игор Федорович Стравински я описва като „... драматично сопрано, което може да се види и слуша със същия апетит“. През 1904 г. Мария Кузнецова дебютира на сцената на Петербургската консерватория в ролята на Татяна в Евгений Онегин от П. И. Чайковски, на сцената на Мариинския театър през 1905 г. като Маргарита във Фауст от Ш. Гуно. Солистка на Мариинския театър, с кратка почивка, Кузнецова остава до революцията от 1917 г. През 1905 г. в Санкт Петербург излизат две грамофонни плочи със запис на нейните изпълнения, като общо по време на творческата си кариера тя прави 36 плочи. Веднъж, през 1905 г., малко след дебюта на Кузнецова в Мариинския, по време на нейното представление в театъра, избухва кавга между студенти и офицери, ситуацията в страната е революционна и в театъра започва паника. Мария Кузнецова прекъсна арията на Елза от „Лоенгрин“ от Р. Вагнер и спокойно изпя руския химн „Боже, царя пази“, разбойниците бяха принудени да прекратят кавгата и публиката се успокои, представлението продължи. Първият съпруг на Мария Кузнецова беше Алберт Албертович Беноа, от известната династия на руските архитекти, художници, историци Беноа. В разцвета на кариерата си Мария беше известна като двойно фамилно имеКузнецов-Беноа. Във втория брак Мария Кузнецова беше омъжена за производителя Богданов, в третия за банкера и индустриалец Алфред Масене, племенник известен композиторЖул Масне. През цялата си кариера Кузнецова-Беноа е участвала в много европейски оперни премиери, включително ролята на Феврония в „Легендата за невидимия град Китеж” и „Дева Феврония” от Н. Римски-Корсаков и Клеопатра от едноименната опера на Дж. Massenet, която композиторът написа специално за нея. А също и на руската сцена тя представи за първи път ролите на Вогдолина в „Златото на Рейн” от Р. Вагнер, Чио-Чио-сан в „Мадам Бътерфлай” от Дж. Пучини и много други. Гастролира с Мариинския оперен труп в градове в Русия, Франция, Великобритания, Германия, Италия, САЩ и други страни. Сред нея най-добрите роли: Антонида ("Живот за царя" от М. Глинка), Людмила ("Руслан и Людмила" от М. Глинка), Олга ("Русалка" от А. Даргомижски), Маша ("Дубровски" от Е. Наравник) , Оксана ("Черевички" П. Чайковски), Татяна ("Евгений Онегин" от П. Чайковски), Купава ("Снежанката" от Н. Римски-Корсаков), Жулиета ("Ромео и Жулиета" от К. Гуно) , Кармен („Кармен” от Ж. Бизе), Манон Леско (Манон от Ж. Масене), Виолета (Травиата от Дж. Верди), Елза (Лоенгрин от Р. Вагнер) и др. През 1914 г. Кузнецова временно напуска Мариински театър и заедно с Руския балет на Сергей Дягилев се изявяват в Париж и Лондон като балерина, а също така частично спонсорират тяхното изпълнение. Тя танцува в балета "Легендата за Йосиф" от Рихард Щраус, балетът е подготвен от звездите на нейното време - композитор и диригент Рихард Щраус, режисьор Сергей Дягилев, хореограф Михаил Фокин, костюми и декори Лев Бакст, водещ танцьор Леонид Мясин . Това беше важна роля и добра компания, но от самото начало постановката срещна някои трудности: нямаше много време за репетиции, Щраус беше в лошо настроение, тъй като поканените балерини Ида Рубинщайн и Лидия Соколова отказаха да участват и Щраус също не обичаше да работи с френски музиканти и постоянно се караше с оркестъра, а Дягилев все още се притесняваше от напускането на танцьора Васлав Нижински от трупата. Въпреки проблемите зад кулисите, балетът успешно дебютира в Лондон и Париж. Освен че се пробва в балета, Кузнецова прави няколко оперни представления, включително в постановката на Бородин „Княз Игор“ в Лондон. След революцията през 1918 г. Мария Кузнецова напуска Русия, както подобава на актриса, тя го направи драматично красиво - в дрехите на каюта се скри на долната палуба на кораб, плаващ за Швеция. Тя става оперна певица в Стокхолмската опера, след това в Копенхаген и след това в Кралската опера, Ковънт Гардън, Лондон. През цялото това време тя постоянно идваше в Париж и през 1921 г. най-накрая се установява в Париж, който става нейният втори творчески дом. През 20-те години на миналия век Кузнецова изнася частни концерти, където пее руски, френски, испански и цигански песни, романси и опери. На тези концерти тя често танцува испански народни танции фламенко. Някои от концертите й бяха благотворителни за подпомагане на нуждаещата се руска емиграция. Тя стана звезда на парижката опера и се смяташе за голяма чест да бъде приета в нейния салон. "Цветето на обществото", министри и индустриалци се тълпяха пред нея. Освен частни концерти, тя често е работила като солистка в много оперни театри в Европа, включително Ковънт Гардън и Парижката опера и Опера Комикс. През 1927 г. Мария Кузнецова с княз Алексей Церетели и баритон Михаил Каракаш организират частна компания „Руска опера“ в Париж, където канят много руски оперни певци, напуснали Русия. Руската опера постави „Садко“, „Приказката за цар Салтан“, „Легендата за невидимия град Китеж и девойката Феврония“, „Сорочински панаир“ и други опери и балети на руски композитори и изпълнени в Лондон, Париж, Барселона, Мадрид, Милано и в далечен Буенос Айрес. Руската опера продължава до 1933 г., след което Мария Кузнецова започва да дава по-малко представления. Мария Кузнецова умира на 25 април 1966 г. в Париж, Франция.

Анджела Георгиу (румънски Angela Gheorghiu) е румънска оперна певица, сопран. Един от най-известните оперни певци на нашето време. Анджела Георгиу (Бурлаку) е родена на 7 септември 1965 г. в малкия град Аджуд, Румъния. От ранно детство беше очевидно, че ще стане певица, съдбата й беше музиката. Учи в Музикалното училище в Букурещ и завършва Националния музикален университет в Букурещ. Професионалният й оперен дебют се състоя през 1990 г. като Мими в La Boheme на Пучини в Клуж, през същата година тя печели Международния вокален конкурс на Ханс Габор Белведере във Виена. Фамилията Георгиу остана с нея от първия й съпруг. Международният дебют на Анджела Георгиу се състоя през 1992 г. в Кралската опера, Ковънт Гардън в Ла Бохем. През същата година тя дебютира в Метрополитън опера в Ню Йорк и във Виенската държавна опера. През 1994 г. в Кралската опера, Ковънт Гардън, тя изпява за първи път ролята на Виолета в „Травиата“, в този момент се случва „раждането на звезда“, Анджела Георгиу започва да се радва на постоянен успех в оперните театри и концертни зали по света: в Ню Йорк, Лондон, Париж, Залцбург, Берлин, Токио, Рим, Сеул, Венеция, Атина, Монте Карло, Чикаго, Филаделфия, Сао Пауло, Лос Анджелис, Лисабон, Валенсия, Палермо, Амстердам, Куала Лумпур, Цюрих, Виена, Залцбург, Мадрид, Барселона, Прага, Монреал, Москва, Тайпе, Сан Хуан, Любляна. През 1994 г. тя се запознава с тенора Роберто Аланя, за когото се омъжва през 1996 г. Сватбената церемония се състоя в Метрополитън опера в Ню Йорк. Дълго време двойката Алания-Георгиу беше най-яркият творчески семеен съюз на оперната сцена, сега те са разведени. Първият й ексклузивен договор с звукозаписна компанияподписва договор през 1995 г. с Decca, след което издава няколко албума годишно, сега има около 50 албума, както оперни постановки, така и самостоятелни концерти. Всички нейни дискове са получили добри отзиви от критиците и са отличени с много международни награди, включително награди от списание Gramophone, немската награда Echo, френските Diapason d'Or и Choc du Monde de la Musique и много други. Два пъти през 2001 и 2010 г. е обявена за "Най-добра певица на годината" от британските "Classical BRIT Awards". Обхватът на ролите на Анджела Георгиу е много широк, особено любимите й опери от Верди и Пучини. Италианският репертоар, може би поради относителната прилика на румънския и италианския езици, тя се справя добре, някои критици отбелязват, че френски, немски, руски и английски опери се изпълняват по-слабо. Най-важните роли на Анджела Георгиу: Белини "Сомнамбула" - Амина Бизе "Кармен" - Михаела, Кармен Чилеа "Адриана Лекуврьор" - Адриана Лекуврьор Доницети "Лусия ди Ламермур" - Лусия Доницети "Лукреция Гоу Борджиа" - Лукреция Гоу Борджия" - Дон Лукретиа Ф. " - Маргарита Гуно "Ромео и Жулиета" - Жулиета Масене "Манон" - Манон Масне "Вертер" - Шарлот Моцарт "Дон Джовани" - Целина Леонкавало "Паячи" - Неда Пучини "Лястовица" - Магда Пучини "Бохемия" - Мими Пучини " Джани Шики" - Лорета Пучини "Тоска" - Тоска Пучини "Турандот" - Лиу Верди Трубадур - Леонор Верди "Травиата" - Виолета Верди "Луиз Милър" - Луиза Верди "Симон Боканегра" - Мария Анджела Георгиу и продължава да се изявява активно на върха на оперния Олимп. Бъдещите ангажименти включват различни концерти в Европа, Америка и Азия, Тоска и Фауст в Кралската опера, Ковънт Гардън.

Анет Даш е немска оперна певица, сопран. Един от водещите съвременни немски оперни певци. Анет Даш е родена на 24 март 1976 г. в Берлин. Родителите, бащата, съдията и майката на Анет учат медицина, обичат музиката и внушават тази любов на четирите си деца. У дома, по традиция, всички членове на семейството свиреха музика и пееха заедно, като пораснаха, всички деца станаха професионални музиканти: най-голямата дъщеря - концертен пианист, по-малките братя - единият - певец, бас-баритон, член на класическия поп квинтет "Адоро", другият - учител по музика. От детството Анет се изявява в училищния вокален ансамбъл и мечтае да стане рок певица. Тя също беше активен скаут и все още обича туризъм и туризъм. През 1996 г. Анет се мести в Мюнхен, за да учи академично вокал във Висшето училище за музика и театър в Мюнхен. През 1998/99 г. тя също така посещава музикални и драматични курсове в Университета за музика и театър в Грац (Австрия). Международният успех идва през 2000 г., когато печели три големи международни вокални конкурса - конкурса на Мария Калас в Барселона, конкурса за песни на Шуман в Цвикау и конкурса в Женева. Оттогава тя участва в най-добрите оперни театри в Германия и света - в Баварската, Берлинската, Дрезденската държавна опера, в Парижката опера и на Шанз Елизе, Ла Скала, Ковънт Гардън, Токийската опера, Метрополитън опера и много други. През 2006, 2007, 2008 тя участва на фестивала в Залцбург, през 2010, 2011 на фестивала на Вагнер в Байорот. Обхватът на ролите на Анет Даш е доста широк, включително ролите на Армида ("Армида", Хайдн), Гретел ("Хензел и Гретел", Хъмпърдинк), момичета-гъска ("Кралски деца", Хъмпърдинк), Фьордилиги ("Всички прави това", Моцарт), Елвира (Дон Джовани, Моцарт), Електра (Идоменео, Моцарт), Графиня (Сватбата на Фигаро, Моцарт), Памина (Вълшебната флейта, Моцарт), Антония (Приказките на Хофман, Офенбах), Лиу (Турандот, Пучини), Розалинда (Прилепът, Щраус), Фрея (Рейнско злато, Вагнер), Елза (Лоенгрин, Вагнер) и др. Анет Даш е не само оперна певица, тя пее и оратории и изнася концерти. Репертоарът й включва песни на Бетовен, Бритън, Хайдн, Глук, Хендел, Шуман, Малер, Менделсон и др. Певицата изнесе последните си концерти във всички големи европейски градове (например в Берлин, Барселона, Виена, Париж, Лондон, Парма, Флоренция, Амстердам, Брюксел), изнесе се на фестивалите Шубертиада в Шварценберг, фестивали за ранна музика в Инсбрук и Нант, както и други престижни фестивали. От 2008 г. Анет Даш води много популярното си телевизионно развлекателно музикално шоу "Dash-Salon", чието име на немски е съзвучно с думата "пране" (Waschsalon). За сезон 2011/2012 Анет Даш стартира с европейско солово турне, предстоящите й оперни ангажименти включват ролята на Елвира от Дон Джовани през пролетта на 2012 г. в Метрополитън опера, след това ролята на мадам Помпадур във Виена, турне с Виенската опера в Япония с роля във „Веселата вдовица“, също още едно представление на фестивала в Байоро.

Екатерина Шчербаченко - руска оперна певица (сопрано), солистка на Болшой театър. Екатерина Николаевна Щербаченко (родена Телегин) е родена на 31 януари 1977 г. в Рязан. През 1996 г. завършва Рязанския музикален колеж на името на V.I. Г. и А. Пирогов, получили специалност „хор диригент”. През 2005 г. завършва Московската държавна консерватория. PI Чайковски (учител - професор Марина Алексеева) и там тя продължава обучението си в аспирантура. В оперното студио на Консерваторията тя изпява партията на Татяна в операта „Евгений Онегин” от П. Чайковски и партията на Мими в операта „Ла Бохема” от Дж. Пучини. През 2005 г. е солист-стажант на оперната трупа на Московския академичен музикален театър. К.С. Станиславски и В. И. Немирович-Данченко. В този театър тя изпълнява ролята на Лида в оперетата "Москва, Черемушки" от Д. Шостакович и партия на Фиордилиги в операта "Така действат всички жени" от В. А. Моцарт. През 2005 г. в Болшой театър тя изпява ролята на Наташа Ростова в премиерата на операта „Война и мир“ от С. Прокофиев (второ издание), след което получава покана в Болшой театър като постоянен член на оперната трупа. Репертоарът й в Болшой театър включва следните роли: Наташа Ростова ("Война и мир" от С. Прокофиев) Татяна ("Евгений Онегин" от П. Чайковски) Лиу ("Турандот" от Г. Пучини) Мими ("La Boheme" " от Г. Пучини) Михаела ("Кармен" от Ж. Бизе) Иоланта ("Иоланта" от П. Чайковски) През 2004 г. изпява партия на Лида в оперетата "Москва, Черьомушки" в Лионската опера (диригент Александър Лазарев ). През 2007 г. в Дания участва в изпълнението на кантатата на С. Рахманинов „Камбаните“ със Симфоничния оркестър на Датското национално радио (диригент Александър Ведерников). През 2008 г. тя изпява ролята на Татяна в Операта на Каляри (Италия, диригент Михаил Юровски, режисьори Моше Лейзер, Патрис Кориер, постановка на Мариинския театър). През 2003 г. получава диплома от Международния конкурс "Нови гласове" в Гютерсло (Германия). През 2005 г. печели 3-та награда на Международния оперен конкурс в Шизуока (Япония). През 2006 г. - III награда на Международния V.I. Франсиско Виняса в Барселона (Испания), където също получи специална награда като „Най-добър изпълнител на руска музика“, наградата „Приятели на операта Сабадела“ и наградата на Музикалната асоциация на Катания (Сицилия). През 2009 г. тя спечели конкурса на BBC Singer of the World в Кардиф и също беше отличена с награда за младежта Triumph.

пермски академичен театъропера и балет на името на P.I. Чайковски е един от най-старите театри в Русия. За повече от век от своята история Пермският оперен и балетен театър неизменно остава най-големият музикален център в страната, където се провеждат значими творчески събития. В театъра, който често се нарича Къщата на Чайковски, са поставени всички сценични произведения на великия композитор. Класическите произведения на Бородин, Мусоргски, Римски-Корсаков са внимателно запазени в „златния фонд“ на репертоара. Театърът връща на публиката незаслужено забравените музикални платна. За първи път в Русия театърът постави опери: "Пяна на дните" от Е. Денисов, "Клеопатра" от Ж. Масне, "Лолита" от Р. Шчедрин по романа на В. Набоков, "Алцина" от GF Хендел, "Орфей" от К. Монтеверди, "Христос" от А. Рубинщайн. Перм се нарича третата балетна Мека, след Москва и Санкт Петербург, където до академичната балетна трупа работи прочутото хореографско училище. От 70-те години на миналия век Пермският балет е в орбитата на неотслабващото внимание на голяма публика. Единството на стила на изпълнение на солистите и кордебалета е особеност на колектива. Балетът на Перм е може би единствената трупа в нея Руска федерация, която се състои изцяло от възпитаници на едно училище. Повече от десетилетие сцената на Урал е един вид „стартова площадка“ за много артисти, известни далеч отвъд границите на Русия. Творческата биография на много "звезди от първа величина" на столицата и други големи театри на страната и света започва в Пермския театър. Имената на световно известни танцьори - Галина Рагозина-Панова, Любов Кунакова, Надежда Павлова, Олга Ченчикова, Марат Даукаев, Юрий Петухов, Галина Шляпина, Светлана Смирнова - прославиха Пермската територия. Театърът в Перм стана известен с участието на своите оперни певци и балетни артисти в международни фестивали. Театърът за опера и балет в Перм е инициатор и организатор на Открития конкурс на руските балетни артисти „Арабеск“ и Международния фестивал на изкуствата „Дягилевски сезони“: Перм-Петербург-Париж. Оперните и балетните представления на Пермския театър многократно са ставали номинирани и лауреати на Всеруския национален театрален фестивал "Златна маска". Водещите солисти на Пермския театър са посетили различни континенти по света с представления и концертни програми. От 1973 г. трупата на Перм е на турне с пълен състав в Австрия, Италия, Югославия, България, Чехословакия, Германия, Полша, Белгия, Холандия, Австралия и Нова Зеландия , Япония и Южна Корея, Англия, Ирландия, Холандия, Испания, Китай, САЩ. Във Франция и Куба, в Камбоджа и Канада, в Тайланд и Египет, в Никарагуа, Индия и САЩ - където и да се представят артистите, те получават признание от критиката и намират верни приятели и почитатели. Пермският академичен театър за опера и балет е създаден през 19 век по инициатива на общността на региона Кама с участието на градския любителски музикален кръг, в който е включена известната фамилия Дягилев. Официалната дата на основаването на театъра е 24 ноември 1870 г. Първото изпълнение е операта "Живот за царя" от М. Глинка. „В Перм театърът като институция съществува от дълго време. Първоначално на улица Обвинская имаше дървена театрална сграда, но изгоряла през 1863 г. След това е построен дървен театър, който по-късно е демонтиран ... За първи път жителите на град Перм видяха добра трупа и освен това оперна трупа през зимата на 1879/80 г. в все още недовършения камък театър. Трупата е подкрепена от известния по-късно предприемач П.П. Медведев ... През 1896 г. започва цяла ера в историята на Пермския театър. Той е взет под прякото ръководство на обществените съветници на градския съвет, които решават да управляват театралния бизнес за сметка на града; за пряко управление на театъра се избира градската администрация, която се занимава с каненето на артисти. Беше решено да се поддържа оперна трупа за сметка на града." В. С. Верхоланцев Кратък исторически и статистически очерк "Град Перм, неговото минало и настояще" през 1913 г. Първият "общински" сезон откри ... с постановката на "Аида". Общо дирекцията изкара шест сезона, един от които драматичен, един оперен и драматичен, останалите са оперни. Те започват през септември и завършват преди Великия пост. През сезона се проведоха до сто или повече представления, годишният репертоар включваше над тридесет произведения. Основно бяха поставени руски класики - "Евгений Онегин", "Пиковата дама", "Мазепа" от П. Чайковски, "Княз Игор" от А. Бородин, "Борис Годунов" от М. Мусоргски, "Демонът" от А. Рубинщайн. В допълнение към тях, такива редки гости на съвременната оперна сцена като "Силата на врага" от А. Серов, "Майска нощ" от Н. Римски-Корсаков, "Каменният гост" от А. Даргомижски и други. От средата на 90-те години на 19 век Перм се запознава с хореографското изкуство. На 5 ноември 1896 г. е изпълнен малкият балет на Заненфелд „Табор на унгарските цигани”. През януари 1897 г. "Вълшебната флейта" от Р. Дриго вижда светлината на пермската сцена, последвана от "Феята на куклите" от И. Байер... Съществуването на театъра през първите две десетилетия на ХХ век е неравномерно, но операта продължава да живее. Предприемачите подкрепиха интереса на публиката към операта и нивото на изпълненията, залагайки на певци-премиери. А. Нежданова, П. Петрова-Званцева, Н. Фигнер, М. Максаков, Л. Собинов и други изявени вокалисти са се изявявали в Перм през различни сезони. На 20 август 1921 г. започва първият театрален сезон след Гражданската война. Плакатите включват „Демонът”, „Фауст”, „Аида”, „Евгений Онегин”, „Борис Годунов”, „Риголето”, „Севилският бръснар”. До края на 20-те години на миналия век Перм се превръща в един от онези центрове на оперното изкуство, където охотно идват изключителни вокалисти и талантливи диригенти. Така през сезон 1925/26 г. пермците се възхищават на неподражаемата Кармен Ф. Мухтарова, а през следващия - на Ленски на И. Козловски. През цялата пролет на 1929 г. С. Лемешев е в състава на театъра. През 1925 г. първият театрално студио, който започва обучение на балетни танцьори, както и на драма, хор и оркестър. На 2 февруари 1926 г. студиото поставя балета „Жизел“ на А. Адам. На 20 октомври 1931 г. се състоя премиерата на Лебедово езеро (хореограф О. Чаплыгин). В предвоенните години балетната трупа се ръководи от хореографи от различни направления и школи. Пермските балетомани дълго помнят Н. Гончарова, Р. Минаева, Б. Коршунова, А. Бронски, А. Езерски и други танцьори в спектаклите от онези години. По време на войната Ленинградският театър за опера и балет на името на V.I. Киров. Пермската трупа не спира да работи в градовете на региона ... Защо бившият Мариински театър се озовава в Перм, тогавашният Молотов? ... Идеята е на главния диригент А. Пазовски, който прави първите си стъпки в голямото изкуство тук... Местните власти приеха това предложение с разбиране. Ленинградците са работили тук в продължение на три зими и две лета - значителен период за историята на музикалната култура на града ... Школата на световноизвестния мариински балет също се озовава в Перм, което впоследствие допринася за създаването на Пермското хореографско училище ... по книгата на М. Степанов, Ю. Силин " 125 години. Пермски академичен театър за опера и балет P.I. Чайковски „1995 г. През 1931 г. Пермският театър е наречен „2-ра държавна опера на Урал”. В следвоенните години основната творчески принципиПермски театър, заложен от цялата му праистория. Един от основните принципи е обновяването на репертоара чрез произведения, които рядко излизат на сцената. Възраждането на непознатото, забравеното, по различни причини неприето от руската сцена е характерно за всички периоди от живота на театъра. Пермският театър отвори за публиката великите творения на С. Прокофиев: през сезон 1981-82. изпълнява авторската двувечерна версия на операта "Война и мир" от С. Прокофиев и за първи път в СССР дава сценичен живот на операта "Огненият ангел" (1984). Откриването на много разфасовки на операта „Война и мир“ разшири и разшири фолклорно-патриотичната линия на операта, драматургията на цялото стана по-хармонична и логична, характерите на някои от главните герои станаха по-многостранни. Тази продукция влезе в историята и беше удостоена с Държавната награда на Руската федерация на името на И. М. И. Глинка. Друг принцип на творческия живот на театъра е работата върху произведенията на съвременните композитори. В Перм оперите "Маскарад" от Д. Толстой и "Сестри" от Д. Кабалевски, балетите "Каменно цвете" от А. Фридлиндер, "Бела" и "Грушенка" от Б. Машков, "Брег на щастието" от A. Spadavekkia получиха старт в живота. Сред най-интересните творчески принципи на театъра е опитът да се овладее цялото оперно и балетно наследство на П.И. Чайковски, родом от Кама. През 1974 г. Пермският академичен театър на името на P.I. Чайковски покани най-добрите солисти от много театри на страната и всички нейни зрители на Първия фестивал на операта и балета на Чайковски. Този празник се повтаря успешно през 1983 и 1988 г. Пермският театър се превърна в истинска къща на Чайковски. „Златният век“ на пермския балет, щедро дарен от Н. Боярчиков (главен хореограф на театъра, ученик на известните руски хореографи Ф. Лопухов и Б. Фенстер) на театрали от 70-те години, се превърна във вълнуваща легенда за следващите поколения. Сред неговите продукции, такива различни визуален език като "Чудесният мандарин" от Б. Барток, "Три карти", "Ромео и Жулиета", "Цар Борис" от С. Прокофиев, "Орфей и Евридика" от А. Журбин. Н. Павлова, О. Ченчикова, Г. Шляпина, М. Даукаев, Л. Фоминых, Р. Кузмичова, Ю. Петухов, Г. Судаков, Л. Шипулина, К. Шморгонер, О. Левенков, В. Дубровин. През 1965 г. Пермският оперен и балетен театър е кръстен на P.I. Чайковски, а през 1969 г. – статут на „академичен” театър. Формирани в следвоенните години, творческите принципи определят художествената стратегия на театъра през трудните 90-те години. В Пермския театър за опера и балет прозвучаха рядко срещани за руската сцена опери: „Лучия ди Ламермур” от Г. Доницети, „Дон Джовани” от В.-А. Моцарт, „Летящият холандец” от Р. Вагнер, операта на Н. Римски-Корсаков „Кащей безсмъртният”, която на практика не се изпълнява в страната. През 1996 г., като главен режисьор на театъра, Г. Исахакян поставя оригиналната пиеса "Три лица на любовта", включваща едноактните опери "Раят на майстор Педро" от М. де Фала, "Гърдите на Тирезий" от Ф. Пуленк и „Мадалена”, първата опера на двадесетгодишния Прокофиев, чийто сценичен език до голяма степен определя модерния „оперен” облик на Перм. В Перм за първи път светлината на сцената видяха операта на Александър Чайковски „Трите сестри на Прозорови“ от А. Чехов и неговият едноактен балет „Пиковата дама“, парафраз на музиката на П. Чайковски. Добра традиция се превърнаха съвместни изпълнения с американски хореографи, режисьори и артисти от Германия, Испания, Швейцария и други страни и континенти. "Peer Gynt" от Е. Григ е поставена от американския хореограф Бен Стивънсън, "Concerto Baroque" от И.С. Бах – подарък от фондация Дж. Баланчин. Руско-испанската постановка на операта "Саломе" от Р. Щраус става забележително събитие на Международния фестивал в Мадрид през есента на 1995 г. Руската опера "Златният петел" от Н. Римски-Корсаков е поставена от швейцарския режисьор Д. Кеги и художника от Германия С. Пастеркамп. Към 200-годишнината на A.S. Пушкин подготви уникална програма „Опера Пушкиниана“. Групата режисьори, работили по "Опера Пушкиниана", е удостоена с Държавната награда на Русия за 1999 г. в областта на литературата и изкуството. В рамките на „Сезони на Дягилев-2005“ се представят опери по сюжети на „Малки трагедии“ на А.С. Пушкин („Сребролюбивият рицар”, „Каменният гост”, „Моцарт и Салиери”, „По времето на чумата”) и „Борис Годунов”, съставящи този цикъл, продължиха през целия ден без прекъсване. През 1990 г. се провежда първият Открит конкурс на балетните артисти „Арабеск“, чийто художествен ръководител са Владимир Василиев и Екатерина Максимова. В продължение на 20 години на всеки две години танцьори от цял ​​свят се събират в Перм, за да участват в балетен конкурс. Млади певци от цял ​​свят участваха в Първия международен конкурс за млади оперни певци, проведен в Перм през 1993 г. О. Бородина и Д. Хворостовски, лауреати на Първия всеруски конкурс за млади оперни певци, проведен в Перм през 1987 г. , бяха един от членовете на журито. Татяна Куинджи и Анзор Шомахия са отличени с Националната театрална награда "Златна маска" за най-добра женска и мъжка роля през 1996 г. - изпълнители на главните роли в пермската постановка на операта на Дон Паскуале от Г. Доницети. През 1998 г. тази престижна награда е получена за сценография на пиесата Пиковата дама. Днес театърът се ръководи от: художествен ръководител - командир на Ордена за приятелство, лауреат на Националната театрална награда "Златна маска" Теодор Курентзис, главен диригент - заслужил артист на Русия, народен артист на Република Башкортостан Валерий Платонов, главен гост Диригент - заслужил артист на Русия, лауреат на Държавната награда на Република Беларус, лауреат на Националната театрална награда "Златна маска" Александър Анисимов, главен балетмайстор - Алексей Мирошниченко, главен хормайстор - Дмитрий Батин, главен дизайнер - Елена Соловьева. С театъра си сътрудничат известни сценографи от Русия и света - Ю. Устинов, И. Акимова, В. Окунев, Ю. Хариков, А. Коженкова, Е. Хайдебрехт, Ю. Купър и много други. „Златният фонд“ на репертоара на театъра, както и преди, е съставен от класика, представленията се актуализират постоянно, запазвайки не музей, а модерна форма на изкуството. Руската класика е представена от оперите на А. Бородин "Княз Игор", Н. Римски-Корсаков "Царската булка", "Снежанката". Популярни опери от Дж. Верди, В.А. Моцарт, Р. Леонкавало. В сътрудничество с фондация Дж. Баланчин продължава дългосрочният руско-американски проект „Хореография на Г. Баланчин на пермската сцена”. Пермската публика се запозна и с хореографията на по-младия му съвременник, изключителния американски хореограф Джером Робинс. В рамките на руско-американския културен проект „Хореография на Джордж Баланчин на пермската сцена” са поставени едноактните балети „Сомнамбула” от В. Риети, „Доницети-Вариации” (2001), „Имперски балет” музиката на Втори концерт за пиано от П. Чайковски (2002), "Бароков концерт" по музика на концерт за две цигулки и струнен оркестър от И. С. Бах и „Серенада” по музика на „Серенада за струнен оркестър” от П. Чайковски „Балет Империал” през 2004 г. спечелиха фестивала „Златна маска” като най-добро балетно представление. През 2005 г. е осъществен уникален проект „Най-грандиозното лебедово езеро в света“ в сътрудничество с холандската компания Stardust. В началото на хилядолетието театърът все повече утвърждава авторитета си на пионер, продължаващ и обогатяващ традициите на „лабораторията на модерната опера”. През 2001 г. се състоя премиерата на операта Клеопатра от Ж. Масне, която никога не е играна в Русия, а е почти неизвестна в света. През 2004 г., за първи път в Русия, поставената магическа опера на Г. Ф. Хендел „Алцина“, първият опит за изпълнение на стара опера в Пермския театър, разкрива нови аспекти на забележителни оперни солисти. През 2007 г., в годината на 400-годишнината от операта „Орфей“ на К. Монтеверди, тази опера е поставена на пермската сцена. Според московския критик Дмитрий Морозов „Георгий Исахакян постави, може би, най-доброто си представление и направи истински артистичен пробив. Орфей е не просто първата постановка на шедьовъра на Монтеверди в Русия, но и първият успех на нашия театър на полето на антична опера. ... Орфей се оказа най-доброто и със сигурност най-хармоничното музикално изпълнение на годината." В рамките на фестивала „Дягилевски сезони-2007“ за първи път в света беше изпълнена операта на Н. Сиделников „Чертогон“, която предизвика голям интерес сред гостите на фестивала, професионални музиканти и критици. Значителни събития през последните години е спектакълът в Москва по покана на Театъра на народите на спектаклите „Лолита” и „Клеопатра”, представление на прочутата сцена на Мариинския театър с програма от балети на Г. Баланчин. През 2004 г. оперната трупа се изявява в рамките на фестивала за съвременно изкуство SAKRO ART в Локум със световната премиера на операта Бестиарий на А. Щетински. Пиесата беше представена и в Театъра на нациите в Москва и на театралния фестивал в Ярославъл. През пролетта на 2006 и 2007 г., представленията на Пермския театър - "Кармен" от Ж. Бизе, "Славей" от И. Стравински, "Пепеляшка, или Приказката за Пепеляшка" от Ж. Масне и "... на име Малката русалка“ от А. Дворжак – отново стават номинирани за „Златната маска“. Голям отзвук получиха гастролните изяви на трупата в Москва и Санкт Петербург. Участието на пермски артисти във фестивала "Звездите на белите нощи" в Мариинския театър, в музикалните фестивали "Балтийски сезони" в Калининград, Панорама на руските оперни театри в Омск, Кресчендо в столицата, на сцената на Болшой театър на Русия, увеличи славата на Пермския театър ... През януари 2008 г. Пермската опера обиколи Америка с голям успех на сцената на известната Карнеги Хол, която някога се отваряше под звуците на оркестъра, ръководен от П. И. Чайковски. Сега Пермският театър, който носи името на П. И. Чайковски, представи концерт „Чайковски познат и непознат“ с арии и сцени от такива опери на великия композитор като „Пиковата дама“, „Черевички“, „Орлеанската девойка“. “, „Евгений Онегин”, „Иоланта”, „Опричник”, „Ундина”, „Чародница”, „Мазепа”. Изпълненията на пермската трупа получиха много топло посрещане от взискателната нюйоркска публика и получиха широк отзвук в американската преса. Перм традиционно е домакин на Открития конкурс на руските балетни артисти „Арабеск“, ръководен от Владимир Василиев и Екатерина Максимова. През 2003 г. под патронажа на ЮНЕСКО се проведе първият международен фестивал „Сезони на Дягилев:“ Перм - Петербург - Париж. Един от първите фестивали в Русия, който обединява различни видове изкуство под знака на творчеството и вдъхновението. Първата премиера на 137-ия сезон беше духовната опера на А. Рубинщайн Христос (режисьор Георги Исахакян), поставена за първи път на руска сцена. През февруари 2009 г. се състоя премиерата на операта "Отело" от режисьора В. Петров, който дебютира като режисьор на музикален театър. Руската и световна премиера на операта „Един ден в Иван Денисович“, която се появи благодарение на творческото сътрудничество на Г. Исахакян и композитора А. Чайковски и добрата воля на А. И. Солженицин, се състоя в рамките на IV фестивал „Дягилевски сезони“. Тази постановка отвори до голяма степен недокосната "лагерна" тема за оперното изкуство. В края на март премиерата на два модерни едноактни балета: Медея (хореограф Ю. Посохов) и Ринг (хореограф А. Мирошниченко). Балетите в класическата хореография на М. Фокин, един от легендарните хореографи на Руските сезони на Дягилев, са възродени специално за Дягилевските сезони: „ половецки танци„И балетната миниатюра „Видението на розата“. Именно тези представления бяха представени от пермски артисти в Болшой театър на честването на стогодишнината от руските сезони на Дягилев, което се състоя на 30 май. Пермският театър за опера и балет участва в Националния театрален фестивал „Златната маска-2009” с балетния спектакъл „Корсар” (хореография Мариус Петипа, актуализирана от режисьора от Санкт Петербург В. Медведев) и операта „Орфей ” (реж. Г. Исахакян), чиято премиера е през ноември 2007г. „Орфей” е отличен с две Златни маски: за най-добра режисура (режисьор Г. Исахакян) и за най-добър сценограф (постановник Ернст Хайдебрехт). Година по-късно театърът участва във фестивала с балета "Медея" (хореограф Юрий Посохов) и операта "Един ден в Иван Денисович" (режисьор Георгий Исахакян). Последният беше отличен със Златната маска в номинацията Най-добра работадиригент“, наградата бе връчена на главния диригент на театъра Валери Платонов. Източник: официалният уебсайт на tetra

Михайловският театър е оперен и балетен театър в Санкт Петербург, разположен в историческа сграда на Площада на изкуствата. Императорският Михайловски театър е открит през 1833 г. с указ на император Николай I. Театърът дължи името си на великия княз Михаил, най-малкия син на Павел I: дворецът Михайловски, разположен на площада на изкуствата, служи като резиденция на великия княз, а театърът се превръща в камерна сцена, която приема високопоставени гости измежду императорското семейство и близките им. Сградата на театъра е издигната по проект на А.П. Брюллов с участието на A.M. Горностаева. Архитектът успява органично да впише фасадата в ансамбъла на площада, създаден от К. Роси. Брюлов създава вълшебна кутия: може да се досетите, че зад скромна фасада се крие театър само от покрива, където зад купола над зрителната зала се вижда висока сцена. Вътре се съдържа целият блясък на императорския театър: сребро и кадифе, огледала и кристал, живопис и мазилка. През 1859 г. в резултат на реконструкция по проект на А. Кавос сцената е разширена и увеличена с едно ниво. аудитория , интериорите на театъра са допълнени с живописни плафони, богата мазилка и фигури на кариатиди, които и днес красят портала над авансцената. Преди революцията Михайловският театър не е имал постоянна трупа, нито е имал определен репертоар. Трупата на Александринския театър се изявяваше в помещенията на театъра, френски, а понякога и немски артисти постоянно обикаляха. В стените му се провеждаха и оперни представления. След реконструкцията през 1859 г. френска драматична трупа се настанява в сградата на театъра за много десетилетия до 1918 г. Френските оперети, като Офенбах, са чести, но лирическите оперни представления са рядкост и се поставят главно от Императорската руска опера (Мариински театър). Изключението беше няколко години в средата на 1890-те години, когато помещенията на Мариински бяха затворени за ремонт и оперите на сцената на Михайловски бяха изпълнявани ежеседмично. Сред тези, които са се изявявали на сцената на Михайловския театър през различни години, са оркестърът под диригентството на Йохан Щраус, Люсиен Гитри, Матилда Кшесинская, Фьодор Шаляпин и трупата на Сара Бернхард. Чести посетители на представленията бяха A.S. Пушкин, В.А. Жуковски, Л.Н. Толстой, P.I. Чайковски. От 1918 г. театърът има постоянна трупа. През XX век в театъра работят културни дейци, известни не само в Русия, но и в целия свят. Сред тях са диригентите Е. Грикуров и Ю. Темирканов; режисьори В. Майерхолд, Б. Зон, Н. Смолич, И. Шлепянов; хореографи Ф. Лопухов, Ж. Баланчин, Ю. Григорович, И. Чернишев, Н. Боярчиков. През цялата си история театърът е преименуван няколко пъти. Мали оперен и балетен театър - Ленинград, а след това и Петербург. От 1989 г. театърът носи името на М.П. Мусоргски, а от 2001 г. театърът получава историческото си име – Михайловски театър. През 2007 г. S.L. Гаудасински (народен артист на Русия, лауреат на държавни награди на Русия, професор на консерваторията) беше заменен от известния руски бизнесмен В.А. Кехман е председател на борда на директорите на компанията за внос на плодове JFC. Кехман също обяви, че ще работи заедно със S.L. Гаудасински, който ще остане художествен ръководител на театъра. След което обаче въвежда позициите на отделни директори на оперните и балетните трупи. Балетната трупа се оглавява от известния руски танцьор Фарух Рузиматов. Елена Образцова стана художествен ръководител на оперната трупа, която напусна поста си през септември 2008 г., за да премине впоследствие към работата на художествен съветник на генералния директор на Михайловския театър: певицата обясни решението си със собствения си натоварен график творчески проектии туристически дейности. Даниеле Рустиони става главен гост-диригент на театъра. Балетната трупа на театъра, която за първи път посети Лондон през 2008 г., е номинирана за награда на британската критика за най-добра международна трупа. През 2009 г. за главен диригент - музикален директор на театъра е назначен маестро Петър Феранец, а главен хореограф на театъра става Михаил Месерер. През октомври 2009 г. Фарух Рузиматов обяви възобновяването на изпълнителската си кариера и напусна поста художествен ръководител на балетната трупа на театъра. През юли 2010 г. беше обявено, че испанският хореограф Начо Дуато ще ръководи балетната трупа на театъра от 1 януари 2011 г.

Teatro Carlo Felice е главната опера в Генуа, Италия. Театърът се намира в центъра на града, близо до площад Ферари и е символ на града, пред театъра има конен паметник на Джузепе Гарибалди. Решението за изграждане на нова опера в Генуа е взето през 1824 г., когато става ясно, че съществуващите градски театри не отговарят на нуждите на града. Новият театър трябваше да стои на един ред и да се състезава с най-добрите оперни театри в Европа. Обявен е архитектурен конкурс, на който избраха проекта на сградата на операта от местния архитект Карло Барбарино, малко по-късно известният миланец Луиджи Каноника беше допълнително поканен да построи сцената и залата, за чиято сметка той вече участва в няколко големи проекта - реставрацията на Ла Скала, изграждането на театри в Милано, Кремона, Бреша и др. За театъра е избрано място, където се намират бившият Доминикански манастир и църквата Сан Доменико. Този манастирски комплекс, датиращ от тринадесети век, е известен със своето архитектурно величие и скъпоценни произведения на изкуството на вътрешната украса. Някои твърдят, че манастирът е бил принесен в жертва на театъра, но това не е вярно. Още по времето на Наполеоновото „Кралство Италия“ в манастира се помещават казармите и складовете на неговата армия. Комплексът е силно порутен и през 1821 г. според плана за преустройство на града е напълно разрушен, а решението за изграждане на театър е взето през 1824 г. Първият камък на новата сграда е положен на 19 март 1826 г. Тържественото откриване се състоя на 7 април 1828 г., въпреки че строителството и декорацията не бяха напълно завършени. Първата опера на сцената на театъра е "Бианка и Фернандо" от Винченцо Белини. Театърът е кръстен на херцог Карло Феличе от Савой, владетел на Генуа. Пететажната зала можеше да побере около 2500 зрители. През следващите години театърът е реставриран няколко пъти, през 1852 г. е монтирано газово осветление, през 1892 г. - електрическо осветление. В продължение на почти четиридесет години, от 1853 г., Джузепе Верди прекарва зимите в Генуа и многократно поставя оперите си в Театро Карло Феличе. През 1892 г., след реконструкция за честването на 400-годишнината от откриването на Америка от Христофор Колумб (Генуа оспорва правото да се счита за малка родина на Колумб), Верди е помолен да състави подходяща опера за това събитие и да я постави в театъра, но той отказал, позовавайки се на напредналата си възраст. Teatro Carlo Felice е постоянно обновяван и остава в добро състояние до Втората световна война. Първите щети са нанесени през 1941 г., когато покривът на сградата е разрушен от обстрела на съюзническите войски и уникалната живопис на тавана на зрителната зала е сериозно повредена. Тогава, през август 1943 г., след удар на запалителна бомба, задкулисните стаи изгоряха, украсата и съблекалните бяха унищожени, но огънят не засегна главната зала, за съжаление по това време театърът пострада повече от разбойници, които откраднаха много ценни неща. И накрая, през септември 1944 г., след въздушен удар, от театъра на практика остават само стените. Театърът, набързо реновиран, продължи своята дейност през цялото това време и дори Мария Калас се представи там. Плановете за капитална реставрация на сградата на театъра започват през 1946 г. През 1951 г. един проект е избран въз основа на конкурс, но той така и не се реализира. Театърът е затворен поради извънредни условия в началото на 60-те години на миналия век. През 1963 г. на известния архитект Карло Скарпа е поверено разработването на проекта за реконструкция, но той забавя работата и проектът е готов едва през 1977 г., но поради неочакваната смърт на архитекта през 1978 г. проектът е спрян. Следващият план е приет през 1984 г., Алдо Роси е избран за главен архитект на новия театър Карло Феличе. Основният лайтмотив на разработчиците беше комбинацията от история и модерност. Стените на стария театър и фасадата с барелефи, както и някои елементи от вътрешната украса, които бяха добавени към новия интериор, бяха оставени, но по-голямата част от театъра беше възстановена от нулата. На 7 април 1987 г. е положен основният камък на новия театър. Нова висока сграда е добавена зад стария театър, жилищни сцени, управление на мобилни платформи, репетиционни стаи и гримьорни. Самата аудитория се намира в "стария" театър, като целта на архитектите беше да пресъздадат атмосферата на стария театрален площад, когато представленията се провеждаха на улицата в центъра на града. Затова по стените на залата, имитиращи външните стени на сградите, бяха направени прозорци и балкони, а таванът е пунктиран " звездно небе". На 18 октомври 1991 г. завесата на театър "Карло Феличе" най-накрая се вдигна, първото събитие за откриване на сезона беше операта "Трубадур" на Джузепе Верди. Театърът Карло Феличе е една от най-големите оперни театри в Европа, с с капацитет 2000 места.

Teatro Reggio (Teatro Royal) (Торино) Teatro Reggio („Teatro Royal“) е оперен театър в Торино. Един от най-старите и престижни театри в Италия. Построен през 1740 г., разрушен от пожар през 1936 г. и възстановен през 1973 г. Театралният сезон продължава от октомври до юни с 8-9 опери и от 5 до 12 представления всяка. До средата на 18-ти век в Торино не е имало специализирана опера като такава, оперни представления се изпълняват в различни други театри или на открити площи. През 1713 г. херцог Виторио Амедео II от Савой поръчва на известния архитект Филипо Ювара да проектира и построи нова голяма опера като част от цялостната трансформация на историческия център на Торино. Намерението му обаче се сбъдва едва през 1738 г., когато новият херцог Карло Емануел III Савойски решава да повери изпълнението на този проект на архитекта Бенедето Алфиери, с изискването да се развие много престижен театър. "Teatro Reggio" в Торино е построен за рекордно кратко време от две години и е открит на 26 декември 1740 г. Представлява луксозна зала на пет нива с общо 2500 места. Всяка година за откриването на сезона по две оперни сериали са композирани специално за театъра. Театърът е затворен от 1792 до 1798 г. След повторното отваряне през 1798 г. по време на Наполеоновите войни и френската окупация на Торино, театърът е преименуван на " Народен театър“, след това в Болшой театър на изкуствата и през 1804 г. в Императорския театър. Репертоарът на театъра претърпява промяна и се адаптира към френските вкусове. Император Наполеон го посещава три пъти. През 1814 г. театърът се връща във владение на Херцози на Савой и възвръща старото си име - "Кралски театър". През 1870 г. става общински театър. И въпреки че Торино не може да се конкурира с оперната слава с Милано, Венеция или Рим, въпреки това мнозина работят в театъра известни композитори... През 1895-1898 г. Артуро Тосканини е главен диригент на театъра, под негово ръководство се състоят няколко италиански премиери на Рихард Вагнер. През 1905 г. театърът е реконструиран, 4-ти и 5-ти етаж са премахнати, амфитеатърът е разширен. Освен Тосканини и Вагнер, в театъра са работили и други значими композитори – Джакомо Пучини и Рихард Щраус поставят няколко премиери на свои опери в Театро Реджо. По време на Първата световна война театърът е затворен за няколко години и е отворен отново през 1919 г. През нощта на 8 срещу 9 февруари 1936 г. целият театър, с изключение на фасадата, е унищожен от силен пожар, което отне почти четиридесет години за да го възстановите. След пожара бяха обявени няколко конкурса за реставрация на Teatro Reggio. През 1965 г. градската администрация поверява работата на архитектите Карло Молино и Марчело Завелани Роси. Работата започва в началото на септември 1967 г. и е завършена в началото на 1973 г. Новият Teatro Reggio отваря врати на 10 април 1973 г. със зашеметяващ модерен интериорен дизайн, скрит зад историческа фасада. Нова заларазполага с 1750 места. Театърът играе важна роля в модерното културен животТорино, в допълнение към опери и балети, предоставя зони за широк спектър от художествени изкуства и е център на художествения и културния живот в Торино и извън него.

Мариинският театър е оперен и балетен театър в Санкт Петербург, Русия. Открит през 1860 г., изключителен руски музикален театър. На сцената му имаше премиери на шедьоври на Чайковски, Мусоргски, Римски-Корсаков и много други композитори. Мариинският театър е дом на оперните и балетни трупи и Симфоничния оркестър на Мариинския театър. Художествен ръководител и главен диригент Валери Гергиев. За повече от два века от своята история Мариинският театър е представил на света много велики артисти: тук е служил изключителният бас, основателят на руската оперна школа Осип Петров, велики певци като Фьодор Шаляпин, Иван Ершов, Медея и др. Николай Фигнер усъвършенства своите умения и достигна върховете на славата. , София Преображенская. На сцената блестяха балерини: Матилда Кшесинская, Анна Павлова, Вацлав Нижински, Галина Уланова, Рудолф Нуреев, Михаил Баришников, Джордж Баланчин започва кариерата си в изкуството. Театърът е свидетел на разцвета на таланта на брилянтни декоратори като Константин Коровин, Александър Головин, Александър Беноа, Симон Вирсаладзе, Фьодор Федоровски. И много, много други. Отдавна е традиция Мариинският театър да поддържа родословие, отброяващо един век от 1783 г., когато на 12 юли е издаден указ за одобряване на театралния комитет „да ръководи представления и музика“, а на 5 октомври Болшой Каменен театър на Площад „Въртележка“ беше тържествено открит. Театърът дава ново име на площада – той е оцелял и до днес като Театрална. Построен по проект на Антонио Риналди, Болшой театър порази въображението със своите размери, величествена архитектура, сцена, оборудвана с най-новите театрални технологии от онова време. При откриването му беше дадена операта на Джовани Паизиело Il Mondo della luna („Лунен свят“). Руската трупа се редува тук с италианската и френската, имаше драматични представления, бяха поставени и вокални и инструментални концерти. Петербург се строеше, външният му вид непрекъснато се променяше. През 1802-1803 г. Томас де Томон, брилянтен архитект и чертожник, извършва голяма реорганизация на вътрешното оформление и декорация на театъра, забележимо променя външния му вид и пропорциите. Новият, церемониален и празничен вид, Болшой театър се превърна в една от архитектурните забележителности на столицата Нева, заедно с Адмиралтейството, фондовата борса и Казанската катедрала. Но в нощта на 1 януари 1811 г. в Болшой театър избухва огромен пожар. За два дни богатата вътрешна украса на театъра е унищожена при пожара, а фасадата му е сериозно пострадала. Томас де Томон, който изготви проект за възстановяване на любимото си дете, не доживя да види неговото изпълнение. На 3 февруари 1818 г. отново отвори врати Болшой театър с пролога „Аполон и Палада на север“ и балета „Зефир и Флора“ на Чарлз Дидло по музика на композитора Катарино Кавос. Наближаваме „златния век“ на Болшой театър. Репертоарът на ерата след пожара включва "Вълшебната флейта", "Отвличането от сераля", "Милостта на Тит" от Моцарт. Руската публика е запленена от „Пепеляшка“, „Семирамида“, „Крадецът сврака“ и „Севилският бръснар“ на Росини. През май 1824 г. беше премиерата на „Свободен стрелец“ на Вебер, произведение, което означаваше толкова много за раждането на руската романтична опера. Водевилни пиеси от Алябиев и Верстовски; Една от най-обичаните и репертоарни опери е „Иван Сусанин“ на Кавос, която се излъчваше до появата на операта на Глинка на същата тема. Раждането на световната слава на руския балет е свързано с легендарната фигура на Чарлз Дидло. Именно през тези години Пушкин става редовен участник в петербургския Болшой, изобразявайки театъра в безсмъртна поезия. През 1836 г., за подобряване на акустиката от архитекта Алберто Кавос, син на композитор и капелмайстор, куполният таван на театралната зала е заменен с плосък, а над него има художествена работилница, зала за рисуване на декорации . Алберто Кавос премахва колоните в залата, които пречеха гледката и изкривяваха акустиката, придава на аудиторията позната форма на подкова, увеличава дължината и височината й, довеждайки броя на зрителите до две хиляди. На 27 ноември 1836 г. първото представление на операта „Живот за царя“ на Глинка възобновява представленията на преустроения театър. Случайно, или може би не без добро намерение, премиерата на втората опера на Глинка „Руслан и Людмила“ се състоя точно шест години по-късно, на 27 ноември 1842 г. Тези две дати биха били достатъчни, за да влезе завинаги в историята на руската култура Санкт Петербург Болшой театър. Но, разбира се, имаше и шедьоври европейска музика : опери на Моцарт, Росини, Белини, Доницети, Верди, Майербер, Гуно, Обер, Том ... С течение на времето представленията на руската оперна трупа са пренесени на сцената на Александринския театър и намиращия се т.нар. Цирков театър срещу Болшой (където балетната трупа продължи да играе, както и италианската опера). Когато цирковият театър изгаря през 1859 г., на негово място е построен нов театър от същия архитект Алберто Кавос. Именно той получи името Мариински в чест на управляващата императрица Мария Александровна, съпруга на Александър II. Първият театрален сезон в новата сграда е открит на 2 октомври 1860 г. с операта „Живот за царя“ от Глинка под диригентството на главния диригент на Руската опера Константин Лядов, баща на бъдещия известен композитор Анатолий Лядов. Мариинският театър консолидира и развива великите традиции на първата руска музикална сцена. С идването през 1863 г. на Едуард Направник, който заменя Константин Лядов като главен диригент, започва най-славната епоха в историята на театъра. Половин век, даден от Направник на Мариинския театър, бе белязан от премиерите на най-значимите опери в историята на руската музика. Нека назовем само няколко от тях - "Борис Годунов" от Мусоргски, "Псковката", "Майска нощ", "Снежанката" от Римски-Корсаков, "Княз Игор" от Бородин, "Орлеанската девойка", „Чародницата“, „Пиковата дама“, „Иоланта „Чайковски“, „Демонът“ от Рубинщайн, „Орестея“ от Танеев. В началото на 20 век в репертоара на театъра са оперите на Вагнер (сред тях тетралогията „Пръстенът на нибелунга“, „Електра“ от Рихард Щраус, „Легендата за невидимия град Китеж“ от Римски-Корсаков и „Хованщина“ от Мусоргски). Ръководителят на балетната трупа на театъра през 1869 г. Мариус Петипа продължава традициите на своите предшественици Жул Перо и Артур Сен-Леон. Петипа ревностно запазва такива класически изпълнения като Жизел, Есмералда, Ле Корсар, като ги подлага само на внимателно редактиране. Поставената от него „Баядерка“ за първи път донесе дъха на голяма хореографска композиция на балетната сцена, в която „танцът стана като музика“. Щастливата среща на Петипа с Чайковски, който твърди, че „балетът е една и съща симфония“, доведе до раждането на „Спящата красавица“ – истинска музикална и хореографска поема. Хореографията на Лешникотрошачката е създадена в сътрудничество между Петипа и Лев Иванов. След смъртта на Чайковски Лебедово езеро намери втори живот на сцената на Мариинския театър - и отново в съвместната хореография на Петипа и Иванов. Петипа затвърди репутацията си на хореограф-симфонист с постановката на балета на Глазунов „Раймонда”. Неговите новаторски идеи бяха подхванати от младия Михаил Фокин, който постави Павилиона на Армида на Черепнин, Лебедът на Сен-Санс, Шопен на Шопен и създадените в Париж балети Шехерезада по музика на Римски-Корсаков в Мариинския театър. Жар-птицата“ и „Петрушка“ от Стравински. Мариинският театър е реконструиран няколко пъти. През 1885 г., когато повечето от представленията са пренесени на сцената на Мариински преди затварянето на Болшой театър, главният архитект на императорските театри Виктор Шретер добавя триетажна сграда към лявото крило на сградата за театрални работилници, репетиционни, електроцентрала и котелно помещение. През 1894 г. под ръководството на Шрьотер дървените греди са заменени със стомана и стоманобетон, добавени са странични крила и е разширено зрителното фоайе. Основната фасада също е претърпяла реконструкция, която е придобила монументална форма. През 1886 г. балетните представления, които продължават да се показват на сцената на Болшой каменен театър, са прехвърлени в Мариинския театър. А на мястото на Болшой Каменни е издигната сградата на консерваторията в Санкт Петербург. С постановление на правителството от 9 ноември 1917 г. Мариинският театър е обявен за държавен и прехвърлен под юрисдикцията на Народния комисариат на образованието. През 1920 г. започва да се нарича Държавен академичен театър за опера и балет (ГАТОБ), а през 1935 г. е кръстен на С. М. Киров. Наред с класиката на миналия век на сцената на театъра през 20-те и началото на 30-те години на миналия век се появяват модерни опери - Любовта към три портокала от Сергей Прокофиев, Воцек от Албан Берг, Саломе и Der Rosenkavalier от Рихард Щраус; раждат се балети, които утвърждават ново хореографско направление, популярно от десетилетия, т. нар. барабан балет - "Червеният мак" от Рейнголд Глиер, "Пламъкът на Париж" и "Фонтанът на Бахчисарай" от Борис Асафиев, "Лауренсия" от Александър Крейн, „Ромео и Жулиета“ от Сергей Прокофиев и др. Последната предвоенна оперна премиера на Кировския театър е „Лоенгрин“ на Вагнер, чието второ представление приключи в късната вечер на 21 юни 1941 г., но спектаклите, насрочени за юни 24 и 27 бяха заменени от Иван Сусанин. По време на Великата отечествена война театърът е евакуиран в Перм, където се състояха премиерите на няколко представления, включително премиерата на балета на Арам Хачатурян „Гаяне“. След завръщането си в Ленинград театърът открива сезона на 1 септември 1944 г. с операта на Глинка „Иван Сусанин“. През 50-70-те години. театърът постави такива известни балети като Шурале от Фарид Ярулин, Спартак от Арам Хачатурян и Дванадесет от Борис Тишченко, хореография на Леонид Якобсон, Каменното цвете от Сергей Прокофиев и Легендата за любовта от Ариф Меликов, хореография на Ленинград Сигорович Дмитрий Шостакович с хореография на Игор Белски, докато новите балети бяха поставени, балетната класика беше грижливо запазена в репертоара на театъра. В оперния репертоар наред с Чайковски, Римски-Корсаков, Мусоргски, Верди, Бизе се появяват опери на Прокофиев, Дзержински, Шапорин, Хренников. През 1968-1970г. е извършена обща реконструкция на театъра по проект на Саломе Гелфер, в резултат на което лявото крило на сградата е „издължено” и придобива днешния си вид. Важен етап в историята на театъра през 80-те години е постановката на оперите на Чайковски „Евгений Онегин“ и „Пиковата дама“, поставени от Юрий Темирканов, който оглавява театъра през 1976 г. В тези постановки, които все още са запазени в репертоара на театъра, се изявява ново поколение артисти. През 1988 г. Валери Гергиев става главен диригент на театъра. На 16 януари 1992 г. на театъра е върнато историческото име - Мариински. И през 2006 г. трупата и оркестърът на театъра получиха на свое разположение, изградени по инициатива на художествения директор-директор на Мариинския театър Валерий Гергиев Концертна залана ул. Декабристов, 37. Източник: Мариински театър

Театро Масимо (на италиански Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) е оперен театър в Палермо, Италия. Театърът носи името на крал Виктор Емануил II. В превод от италиански Масимо означава най-големият, най-великият - архитектурният комплекс на театъра е най-големият сред сградите на оперни театри в Италия и един от най-големите в Европа. В Палермо, вторият по големина град в Южна Италия, отдавна се говори за необходимостта от опера в града. През 1864 г. кметът на Палермо Антонио Рудини обяви международен конкурс за проект за изграждане на голяма опера, която трябваше да разкраси облика на града и да повиши имиджа на града в светлината на скорошното национално единство на Италия. През 1968 г. в резултат на конкурс е избран известният архитект в Сицилия Джовани Батиста Филипо Базиле. За новия театър е определено място, където се намират църквата и манастирът Сан Джулиано, те са съборени, въпреки протестите на францисканските монахини. Според легендата „Последната игуменка на манастира“ все още броди из театралните салони, а онези, които не вярват в нея, винаги се спъват на едно стъпало („стъпка на монахиня“) на входа на театъра. Строителството започва с тържествена церемония по полагането на първия камък на 12 януари 1875 г., но напредва бавно, с постоянна липса на финансиране и скандали, през 1882 г. е замразено за осем години и е възобновено едва през 1890 г. През 1891 г. архитектът Джовани Базиле умира, преди неговият проект да бъде открит, а синът му Ернесто Базиле продължава работата. На 16 май 1897 г., 22 години след началото на строежа, театърът отваря врати за любителите на операта, първата опера, поставена на неговата сцена е „Фалстаф“ на Джузепе Верди под диригентството на Леополдо Муноне. Giovani Basile е вдъхновен от древната сицилианска архитектура и по този начин театърът е построен в неокласически строг стил с елементи от древногръцки храмове. Монументалното стълбище, водещо към театъра, е украсено с бронзови лъвове, носещи на гърбовете си статуи на жени – алегоричната Опера и Трагедия. Сградата е увенчана с голям полукръг купол. Над вътрешната украса на театъра, която е решена в стил късен Ренесанс, работили Роко Лентини, Еторе де Мария Беглер, Микеле Кортежани, Луиджи ди Джовани. Просторно фоайе води до зрителната зала, самата зала е с форма на подкова, преди е била 7-етажна и е предназначена за повече от 3000 зрители, сега с пет етажа ложи и галерия може да побере 1381 места. Първите сезони бяха много успешни. Благодарение на големия бизнесмен и сенатор Игнацио Флорио, който спонсорира театъра и се стреми да превърне Палермо в оперна столица, градът привлече много гости, включително коронованите глави, които редовно посещаваха театъра. В театъра са участвали водещи диригенти и певци, като се започне от Енрико Карузо, Джакомо Пучини, Рената Тебалди и много други. През 1974 г. Театър Масимо е затворен за пълна реставрация, но поради корупционни скандали и политическа нестабилност реставрацията се бави с 23 години. На 12 май 1997 г., четири дни преди стогодишнината, театърът отново отвори врати с изпълнение на Втора симфония на Г. Малер, но реставрацията все още не е завършена и първата оперна постановка е през 1998 г. - Аида на Верди и обикновената опера сезонът започва през 1999 година.

Опера Лил (Opéra de Lille, Франция), е построена между 1907 и 1913 г. и официално открит през 1923 г. През 1903 г. пожар изпепелява старата сграда на операта в Лил. Конкурсът за най-добър дизайн на новия театър беше спечелен от архитекта Луи-Мари Кордонь, вдъхновен от архитектурата на Операта Гарние в Париж и италианските театри. Операта на Лил е построена в неокласически стил. На фронтона е изобразен покровителят на изкуствата Аполон, заобиколен от музи, скулптури на Иполит Лефевр. Отляво на групата е алегорично изображение на Музиката от Амедео Кордонь, а вдясно е скулптура на Ектор Лемер „Трагедия“. Вътрешното стълбище е изпълнено в разкошния стил на Луи XIV. Огромната "италианска" зала (една от последните построени във Франция) може да побере над 1000 зрители. В началото на Първата световна война, през юли 1914 г., все още недовършената сграда на театъра е окупирана от германски войски. През четирите години на окупация в театъра се проведоха около сто представления. След войната сградата е реставрирана, в нея се състоя „френската премиера” през 1923г. През 1998 г. състоянието на театъра изисква спешно затваряне по средата на сезона. Ремонтът се превърна в амбициозен проект за подобряване на функционалността на операта. Реконструкцията е извършена от архитектите Патрис Неринк и Пиер-Луи Карлие. Този проект е завършен в края на 2003 г., а през 2004 г. Лил е обявен за Европейска столица на културата.

Болшой театър на Бордо (Grand Théâtre de Bordeaux, Франция) е открит на 17 април 1780 г. с премиерата на „Афалия“ на Расин. Сградата на театъра е построена на площада на комедията. Именно в този театър младият Мариус Петипа постави някои от първите си балети. Театърът е проектиран от архитекта Виктор Луи (1731-1800), спечелил известната Гран при на Рим. Луи проектира и галериите около градините на Пале Роял и театъра Комеди Франсез в Париж. Строителството на сградата на Болшой театър в Бордо със зала за 1000 места се извършва от 1773 до 1780 г. Големият театър на Бордо е замислен като храм на изкуствата и светлината, с неокласическа фасада, надарена с портик от 12 колосални колони в коринтски стил, поддържащи антаблемент, съдържащ 12 статуи, представящи девет музи и три богини (Юнона, Венера и Минерва). Височината на сградата е 88 метра. През 1871 г. театърът за кратко е седалище на френския парламент. Интериорът на театъра е реставриран през 1991 г., зрителната зала е основно преработена, оригиналните цветове на интериора са синьо, бяло и златисто. Фасадите на сградата са реставрирани и оборудвани с осветление. Днес театърът е дом на Националната опера на Бордо, както и на Националния балет на Бордо. Той също така често е домакин на симфонични концерти, изпълнявани от Националния оркестър на Бордо и Аквитания. Gran Teatro de Bordeaux се смята за един от най-красивите френски театри.

Големият театър Ла Фениче („Феникс“) (Gran Teatro La Fenice) – оперна зала във Венеция, многократно унищожавана от пожари и възстановявана. Театърът е място за провеждане на Международния фестивал за съвременна музика. Teatro La Fenice е построен през 1790-1792 г. Името "Феникс" отразява факта, че театърът е "възроден от пепелта" два пъти. През 1774 г. водещата венецианска опера от онова време Сан Бенедето изгаря до основи. Управляващото дружество го възстанови, но загуби спора със собственика му в съда и отново загуби театъра. В резултат на това компанията решава да построи своя собствена нова опера. Строителството започва през юни 1790 г. и е завършено през май 1792 г. Театърът е наречен "Ла Фениче", което свидетелства за Ренесанса. Открит е на 16 май 1792 г. с операта на Паисиело „Игрите на Агридженте“. На 13 декември 1836 г. театърът е унищожен от пожар, но бързо възстановен до първоначалния си модел, под ръководството на архитектите Томазо и Джамбатиста Медун. Година по-късно, през 1837 г., театърът отново отваря врати. През деветнадесети век Ла Фениче става място за премиери на много опери от видни италиански автори, по-специално Джоакино Росини (Танкред, 1813, Семирамида, 1823), Винченцо Белини (Капулет и Монтегю, 1830, Беатрис ди Тенди, 1833) и Джузепе Верди (Ернани, 1843, Атила, 1846, Риголето, 1851, Травиата, 1853, Симон Боканегра, 1857). Премиерата на "Травиата" първоначално беше освирквана от публиката във Финикс. През 1930 г. биеналето във Венеция инициира първия международен фестивал за съвременна музика. През 1937 г. театърът е реконструиран по проект на Еухенио Миоцо. Изключителни премиери на 20-ти век са постановките на операта „Напредъкът на греблата“ от И. Стравински (1951) и „Завъртането на винта“ от Б. Бритън. На 29 януари 1996 г. сградата на театъра отново е унищожена от пожар, палежът е извършен от електротехника Енрико Карела, който се опитва да избегне договорни глоби за забавяне на работата. С държавна подкрепа театърът е възстановен и открит на 14 декември 2003 г. На откриването се представиха хорът и оркестърът на Ла Скала под диригентската палка на Мути. В програмата на тържествата по повод възраждането на Фениче участваха най-добрите оркестри в света, включително оркестърът на Санкт Петербургската филхармония под диригентството на Юрий Темирканов, който изпълни произведения на Чайковски и Стравински.

Кралската опера "Ковънт Гардън" е театър в Лондон, Великобритания, който служи като място за оперни и балетни представления, домашна сцена на Кралската опера и Кралския балет на Лондон. Намира се в района на Ковънт Гардън, за който е получил името си. Първоначално "Ковънт Гардън" включваше няколко независими трупи, наред с драматични, музикални и балетни представления, бяха поставени циркови представления. До средата на 18 век основното място на сцената на театъра е заето от музикални представления, а от 1847 г. се поставят само опери и балети. Модерната сграда на театъра е третата поред, разположена на този обект. Построен е през 1858 г. и е претърпял основен ремонт през 90-те години на миналия век. Кралската оперна зала побира 2268 зрители и се състои от четири нива. Просцениумът е широк 12,2 м и висок 14,8 м. Първият театър на мястото на парк, разположен тук, е построен в началото на 1720-1930-те години. по инициатива на режисьора и импресарио Джон Рич и открита на 7 декември 1732 г. с пиесата „Пътят на света“ по пиесата на Уилям Конгрив. Преди представлението актьорите влязоха в театъра с тържествено шествие, носейки Рич на ръце. В продължение на почти век, Covent Garden Theatre беше един от двата лондонски драматични театъра, тъй като през 1660 г. крал Чарлз II разреши драматични представления само в два театъра (вторият беше също толкова известният театър Drury Lane). През 1734 г. в Ковънт Гардън е поставен първият балет „Пигмалион“ с главната роля Мария Сале, която противно на традицията танцува без корсет. В края на 1734 г. в Ковънт Гардън започват да се поставят опери - на първо място произведенията на Георг Фридрих Хендел, бивш музикален директор на театъра: неговата ранна, макар и силно преработена, опера "Верният пастир" (Il pastor fido) е поставена първо, след това през януари 1735 г. следва нова опера „Ариоданте“ и др. През 1743 г. тук се изпълнява ораторията на Хендел „Месията“, а по-късно изпълнението на оратории на религиозна тематика през дните на Великия пост става традиция в театъра. Тук за първи път са поставени опери на композитора Томас Арн, както и тези на сина му. През 1808 г. първият театър Ковънт Гардън е унищожен от пожар. Новата сграда на театъра е издигната през първите девет месеца на 1809 г. по проект на Робърт Смирк и е открита на 18 септември с постановка на Макбет. Ръководството на театъра вдигна цените на билетите, за да възстанови разходите за новата сграда, но в продължение на два месеца публиката нарушаваше представленията с постоянни викове, пляскания и освирквания, в резултат на което ръководството на театъра беше принудено да върне цените на предишното ниво. През първата половина на 19-ти век на сцената на Ковънт Гардън се редуват опери, балети, драматични представления с участието на видните трагици Едмънд Кийн и Сара Сидънс, пантомима и дори клоунада (тук се изявява известният клоун Джоузеф Грималди). Това се променя, когато през 1846 г., в резултат на конфликт в Театъра на Нейно Величество, лондонската опера, значителна част от неговата трупа, водена от диригента Майкъл Коста, се премества в Ковънт Гардън; залата е реконструирана, а на 6 април 1847 г. театърът отново отваря врати под името Кралска италианска опера, поставена от операта на Росини Семирамида. Въпреки това, по-малко от девет години по-късно, на 5 март 1856 г., театърът изгаря за втори път. Третият театър, Ковънт Гардън, е построен между 1857 и 1858 г. проектирана от Едуард Мидълтън Бари и открита на 15 май 1858 г. с постановка на операта на Майербер „Хугенотите“. По време на Първата световна война театърът е реквизиран и използван като склад. По време на Втората световна война в сградата на театъра е имало зала за танци. През 1946 г. операта се завръща в стените на Ковънт Гардън: на 20 февруари театърът отваря врати със Спящата красавица на Чайковски в екстравагантна постановка на Оливър Месел. По същото време започва създаването на оперна трупа, за която театър Ковънт Гардън ще се превърне в домашна сцена.На 14 януари 1947 г. Оперната компания Ковънт Гардън (бъдещата Лондонска кралска опера) представя тук операта Кармен на Бизе.

Самарският академичен театър за опера и балет е музикален театър в Самара, Русия. Самарският академичен театър за опера и балет е един от най-големите руски музикални театри ... Откриването на театъра става на 1 юни 1931 г. с операта на Мусоргски Борис Годунов. Неговият произход са изключителни руски музиканти - ученик на Танеев и Римски-Корсаков, диригентът и композитор Антон Айхенвалд, диригентът на Болшой театър Арий Пазовски, известният руски диригент Исидор Зак, директорът на Болшой театър Йосиф Лапицки. Такива майстори като диригенти Савелий Берголтс, Лев Осовски, режисьор Борис Рябикин, певци Александър Долски, народен артист на Украинската ССР Николай Полудени, народен артист на Русия Виктор Черноморцев, народен артист на РСФСР, бъдеща солистка на Болшой театър Наталия Шпилер, и много други. Начело на балетната трупа беше солистът на Мариинския театър, участник в легендарните сезони на Дягилев в Париж, Евгений Лопухова. Тя откри поредица от блестящи петербургски хореографи, които през различни години стояха начело на балета в Самара. Хореографи на Самарския театър бяха талантливият хореограф Наталия Данилова, ученичка на Агрипина Ваганова, легендарната петербургска балерина Алла Шелест, солистът на Мариинския театър Игор Чернишев, народният артист на СССР Никита Долгушин. Театърът бързо набира репертоар. Произведенията от 1930-те включват оперни и балетни класики: опери на Чайковски, Глинка, Римски-Корсаков, Бородин, Даргомижски, Росини, Верди, Пучини, балети от Чайковски, Минкус, Адам. Според изискванията на времето театърът обръща голямо внимание на съвременния репертоар. В предвоенния период за първи път в страната са поставени оперите "Степта" от А. Айхенвалд, "Таня" от Крайтнер, "Укротяването на опърничавата" от Шебалин и др. Плакатите му съдържат десетки заглавия от класиката на 18-ти век. („Медея“ от Керубини, „Тайният брак“ от Чимароза) и малко изпълнявани произведения на руски композитори от 19 век. („Сервилия” от Римски-Корсаков, „Чародницата” от Чайковски, „Елка” от Ребиков) към европейския авангард на 20 век. („Джуджето“ от фон Землински, „Les Noces“ от Стравински, „Arlecchino“ от Бузони). Специална страница от живота на театъра е съвместното творчество със съвременни руски автори. Изключителни руски композитори Сергей Слонимски и Андрей Ешпай, Тихон Хренников и Андрей Петров повериха своите произведения на нашата сцена. Световната премиера на операта „Видението на Йоан Грозни“ в Слоним, поставена от великия музикант на ХХ век Мстислав Ростропович в сътрудничество с изключителни сценични майстори, режисьор Робърт Стуруа и художник Георгий Алекси-Месхишвили, се превърна в значимо събитие далеч отвъд самарския културен живот. До началото на Великата отечествена война културната ситуация в града се промени драстично. През октомври 1941 г. Държавният Болшой театър на СССР е евакуиран в Куйбишев / Самара („резервната столица“). Художествената инициатива преминава към най-големите майстори на съветската оперна и балетна сцена. За 1941-1943г Болшой театър показа 14 опери и балета в Самара. Те се представиха на самарска сцена по целия свят известни певциИван Козловски, Максим Михайлов, Марк Райзен, Валерия Барсова, Наталия Шпилер, балерина Олга Лепешинская, дирижират Самосуд, Огън, Мелик-Пашаев. До лятото на 1943 г. колективът на Болшой театър живее и работи в Куйбишев. В знак на благодарност за помощта на местните жители в това трудно време, неговите художници идват на Волга повече от веднъж след войната с новите си творби, както и с исторически репертоар от военно време. През 2005 г., в чест на 60-годишнината от Победата във Великата отечествена война, колективът на Болшой театър на Русия представи на самарската публика нова среща с тяхното изкуство. Турнета и концерти (балетът на Шостакович „Светлият поток“, операта „Борис Годунов“ на Мусоргски, голямата симфония на победата – Седмата симфония на Шостакович, концертът на духов оркестър и солисти от опера) се радват на триумфален успех. Както отбеляза генералният директор на Болшой театър на Русия А. Иксанов, „За целия персонал на Болшой театър тези турнета са още една възможност да изразят дълбока благодарност на жителите на Самара за факта, че в най-трудните военно времеБолшой театър намери втори дом тук." Pinnacle музикален животСамара на ХХ век, наистина историческо събитие беше изпълнението на сцената на Самарската опера на Седмата ("Ленинградска") симфония от Дмитрий Шостакович. Голямото произведение, отразяващо трагичните събития от военно време, предаващо цялото величие на подвига на съветските войници, е завършено от композитора през декември 1941 г. в евакуация в Самара и изпълнено от оркестъра на Болшой театър под ръководството на Самуил Самосуд на 5 март , 1942 г. Театърът живее интензивен живот. Реконструкцията е към своя край, нови имена се появяват на плаката, певци и танцьори печелят престижни международни и всеруски конкурси, нови творчески сили се изливат в трупата. Персоналът на театъра може да се гордее с концентрацията на талантливи, ярки творчески личности. Заслужилите артисти на Русия Михаил Губски и Василий Святкин са солисти не само на Самарския театър, но и на Болшой театър на Русия и Московския театър Нова опера. Анатолий Невдах участва в представленията на Болшой театър, Андрей Антонов успешно играе на сцените на руски и чуждестранни театри. Нивото на оперната трупа се доказва от присъствието в нея Голям брой„Титулувани“ певци: 5 народни артисти, 8 заслужени артисти, 10 лауреати на международни и всеруски конкурси. В трупата има много талантливи млади хора, с които по-старото поколение артисти охотно споделя тайните на своите умения. От 2008 г. балетната трупа на театъра вдигна значително летвата. Колективът на театъра се оглавява от заслужения артист на Русия Кирил Шморгонер, който дълго време украсява балетната трупа на Пермския театър. К. Шморгонер покани в театъра голяма група свои ученици, възпитаници на една от най-добрите образователни институции в страната - Пермското хореографско училище. Младите балетисти Екатерина Первушина и Виктор Малигин станаха лауреати на престижната награда международна конкуренция"Арабеск", цяла група от самарски танцьори, се представи успешно на общоруския фестивал "Делфийски игри". През последните години театърът е домакин на няколко премиери, които получиха голям зрителски резонанс: оперите Моцарт и Салиери от Римски-Корсаков, Мавра от Стравински, Слугинята от Перголези, Евгений Онегин от Чайковски, Риголето от Верди, Мадам Бътерфлай „от Пучини, хореографска кантата „Les Noces” от Стравински, балет от Хертел „Напразна предпазливост”. Театърът активно си сътрудничи в тези постановки с московски майстори от Болшой театър, Нова опера и други руски театри. Много внимание се отделя на постановката на музикални приказки за деца. На концертната сцена се изявяват и оперни и балетни танцьори. Гастролните маршрути на театъра включват България, Германия, Италия, Испания, Китай и руски градове. Интензивната гастролна практика на театъра позволи на жителите на Самарска област да се запознаят с най-новите творби. Фестивалите са ярка страница от живота на театъра. Сред тях са фестивалът за класически балет Алла Шелест, международният фестивал „Басовете на XXI век“, „Пет вечери в Толиати“, фестивалът на оперното изкуство „Самарска пролет“. Благодарение на фестивалните инициативи на театъра самарските зрители можеха да се запознаят с изкуството на десетки най-велики майстори на руското и чуждестранното оперно и балетно изкуство. Творческите планове на театъра включват спектакли на операта "Княз Игор", балети "Дон Кихот", "Спящата красавица". До 80-ата годишнина театърът планира да покаже операта на Мусоргски „Борис Годунов“, като по този начин се върне към началото на нов етап от историческото си развитие. На централния площад на града се издига масивна сива сграда - според изкуствоведи „грандиозен паметник от късния „пилонаден стил“, към който са добавени брутални класики“, „ярък пример за архитектура от 30-те години“. Авторите на проекта са ленинградските архитекти Н.А. Троцки и Н.Д. Кацеленегбоген, който печели конкурса за създаване на Двореца на културата през 1935 г. Театърът се намираше в централната част на сградата. В лявото крило известно време имаше регионална библиотека, в дясното имаше спортно училище и художествен музей. През 2006 г. започва реконструкцията на сградата, налагаща извеждането на спортното училище и музея. До 2010 г., юбилейния сезон на театъра, реконструкцията е завършена.

Музикални шедьоври. Божествени оперни арии

Vesti la guibba

"Pagliacci" от Руджеро Леонкавало

„Облечи си костюм“ е преводът на името на една от най-популярните арии в света. Изпълнява се от Канио, героят на операта „Паячи“, в момента, в който научава за изневярата на жена си, но шоуто трябва да продължи – представлението все пак трябва да се състои. Измъчван от болките на ревността и несправедливостта на съдбата си, той се готви да излезе на сцената. И ако не почувствате нищо по време на кулминацията на арията (1:54 - 2:36), значи нямате сърце.

La mamma morta

Андре Шение, Умберто Джордано

Арията „Те убиха майка ми“ от малко известната опера „Андре Шение“ придоби популярност благодарение на появата във филма „Филаделфия“, където болният от СПИН герой Том Ханкс я слуша суперемоционално пред адвоката си , което направи незаличимо впечатление както на адвоката, така и на филмовите академици, които връчиха на Ханкс Оскар.

E lucevan le stelle

Тоска от Джакомо Пучини

Сърцераздирателен, пълен с отчаяние Арията "The Stars Shine" е изпята от Марио Каварадоси, припомняйки любимата си Тоска няколко минути преди екзекуцията. Тъжната мелодия на кларинета се повтаря и в момента, когато Тоска е хвърлена от скалата.

Селеста Аида

Аида от Джузепе Верди

Радамес, млад египетски воин, пее за тайната си любов към "божествения Хадес" в първото действие на операта. Той мечтае да стане военачалник, да спечели победа и да получи сърцето на робинята Аида, дъщерята на египетския цар. В крайна сметка, както знаете, и двамата ще умрат и от това чуваме ярка ария за любовта и тъжните мечти.

Арията на Ленски

"Евгений Онегин", Пьотър Чайковски

Тъжната ария "Къде, къде отиде?" Веднага след завършването на арията ще се появи Онегин и дуелът ще приключи не в полза на Ленски.

Арията на княз Игор

"Княз Игор", Александър Бородин

Като цяло, най-известният фрагмент от операта „Княз Игор“ е „Хорът на половецките момичета“, който твърдо навлезе в поп културата, но това е хор и тук имаме селекция от най-великите арии. И в този случай драматичната ария на пленения княз Игор, изпълнена със съзнание за срам и провал, е извън конкуренцията. Избрахме невероятно изпълнение на Дмитрий Хворостовски.

Una voce poco fa

Севилският бръснар Джоакино Росини

Розина, героиня от операта „Севилският цирк Юлник“, пее известната си ария „В полунощна тишина“ (в руската версия) игриво и лесно, променяйки настроението си по време на изпълнението. Смисълът на арията се свежда до това, че Розина иска да се омъжи и съпругът й да не й противоречи. В този случай тя ще бъде много покорна съпруга. Ако съпругът прояви характер, тя планира да стане охотница.

Можете да подкрепите нашия проект тук:

"Опера" Борис Годунов" - Отношение към личността на Борис Годунов. Монологът на Борис. Мусоргски. Миналото е в настоящето. Русия. Шаляпин като Борис Годунов. Сцена в близост до катедралата Свети Василий. Сцена с камбанки. Студена пепел. Опит за разкриване на самоличността. Фигурата на цар Борис. Борис. Тълкуване на личността на Борис Годунов. Поведение.

"Опера" Садко "- Силата на изкуството. Композиторът е разказвач. Отвъдморски чудеса или чудеса подводен свят... Оперна епопея "Садко" Римски-Корсаков... Всеки гост хвали страната си. Опера "Садко" е шедьовър на руската класическа музика. Автори на "Садко". Чудо на оперния жанр. Сцени от операта "Садко". В операта "Садко", както във всяка приказка, има много чудеса.

"Китайска опера" - Тежест. Свирепост. Показания за митични герои. Има няколко различни теории за произхода на грима. Страхотен командир. Изкуство. Синьо и зелено. Бели лица. Производителност. Тип грим. История на грима. Грим в китайската опера.

"Опера Княз Игор" - През 1860 г. в Санкт Петербург се занимаваше с научни, педагогически и социални дейности... А. П. Бородин. И. Глазунов „Двама принца”. Цезар Антонович Куи. Милий Алексеевич Балакирев. През 1856 г. завършва Медико-хирургичната академия. От 1858 г. е доктор по медицина. Поради голямото натоварване на научната и педагогическата работа, Бородин пише бавно.

"Опера е музикален жанр" - Жанр на музикалното изкуство. Сцени от операта - епопеи "Садко". Опера от Клаудио Монтеверди „Орфей“. "Мулен Руж". Опера. "Мариински опера". Опера Сан Карло в Неапол. Опера –Билина „Садко” Н.А. Римски – Корсаков. оперета. Карнеги Хол. Сцена на Болшой театър. Опера от Джоачино Росини "Севилският бръснар".

„Opera Snow Maiden“ – Въпрос 2. Какво литературно произведение е използвано за създаването на операта „Snow Maiden“? 1.Според руска народна приказка 2.За приказката на А.Островски 3.Според А.С. Пушкин. Въпрос 7. Кой инструмент на симфоничния оркестър имитира звука на овчарския рог на Лел в операта? 1. флейта 2. кларинет 3. тромпет. Опера "Снежанка" (тест).

Има общо 12 презентации

Всички фенове на класическата музика със сигурност ще се интересуват да разберат кои опери са признати за най-добрите в света, въпреки че, разбира се, тази тема може да се обсъжда с часове. Оперните произведения с право заемат важна ниша в бранша на музикалните и драматични произведения, те бяха почитани от най-аристократичните кръгове на нашето общество и, трябва да се отбележи, остават популярни и до днес.

Както знаете, оперните произведения са различни - романтични, комични, оперно-балетни и така нататък - но сред тях има такива, които са признати за най-добрите от най-добрите. Нека разберем за какво става въпрос.

• Травиата от Джузепе Верди

Нашите топ 10 най-известни опери в света са открити от Травиата, написана от композитора Джузепе Верди. Интересен факт е, че първото производство, което се проведе във Венеция през 1853 г., претърпя смазващ провал, но след няколко модификации придоби световна слава и слава. Операта разказва за красива куртизанка с неизлечима болест, чийто живот е пълен с любов, интриги, измама, късни разкаяния и дори саможертва.

• "Война и мир", С. Прокофиев по романа на Лев Толстой

Ако сте чели книга или поне сте гледали едноименния филм, тогава със сигурност знаете какъв е смисълът. Пищни балове, изискани дами, много млада Наташа Ростова, френски офицери, обикновени жители и действията, разгръщащи се на фона на войната от 1812 г. Оперният план се състои от две части и включва шоу, разделено на две вечери, но има и специална съкратена версия за една вечер.

• Кармен, Жорж Бизе

Може би едно от най-разпознаваемите произведения в света на класическата музика, мелодии и дори цели арии от "Кармен" са известни сред хората, често могат да се чуят във филми или дори анимационни филми. Първата продукция на "Кармен" се състоя в Париж през 1875 г. и отново завършва с пълен провал, тя е критикувана на парчета, може би именно бурните дискусии на творението създават бъдещата й популярност за "Кармен". След малко усъвършенстване тя отново се появи на парижката сцена, след което продължи триумфалния си марш из Европа, Америка и Русия.

• Лучия ди Ламермур, Г. Доницети

Трагична опера италиански композитор, който днес е един от най-добрите примери за стил бел канто. Ако говорим за сюжета, тогава той силно ще напомня „Ромео и Жулиета“, защото тук, както и там, има трагична история на влюбените, фатални грешки, враждуващи кланове, страстни чувства, лудост и горчива смърт във финала.

• La Boheme от Джакомо Пучини

Искрената и трагична история на шивачката Мими и нейния любим поет Рудолф, която се развива на фона на живота на тогавашния бохем на Париж. Произведението е публикувано за първи път през 1896 г., днес остава едно от най-популярните в света, а арии от него са включени в задължителните концертна програмавсеки уважаващ себе си оперен артист.

• Севилският бръснар от Джоакино Росини

Комична и жизнена опера, която разказва историята на хитрия и остроумен бръснар Фигаро. Така се случи, че граф Алмавиве се влюби в красивата Розина, а Фигаро му помага с всички сили да постигне местоположението на красавицата. Творбата е палава и увлекателна, пълна със забавни недоразумения и объркване. Премиера, както много други известни произведения, беше неуспешен, но с течение на времето "Севилският бръснар" започна да се радва на бърза популярност сред зрителя, която продължава и до днес.

• Вълшебната флейта, В. А. Моцарт

Възможно ли е да си представим списък с опери, който да не включва името на гениалния композитор Моцарт? Може би най-известната му и най-често изпълнявана опера е „Вълшебната флейта“, която е поставена за първи път във Виена. Самият композитор беше диригент! В центъра на историята е принц Тамино, който преминава през всички изпитания и трудности, за да постигне любовта и привързаността на дъщерята на Кралицата на нощта.

• "Сватбата на Фигаро", В. А. Моцарт

Друга творба на Моцарт, която разказва за суматохата на приготовленията за сватбата на камериера на Фигаро и хубавата прислужница Сузана. И караницата, както се оказа, е достатъчна! Всичко това е направено по хумористичен и много вдъхновяващ начин. Операта е поставена за първи път във Виена през 1786 г., но получава пълно признание едва след втора постановка в Прага през същата година.

• „Евгений Онегин“, П. Чайковски

Най-известното произведение на руския композитор, без което списъкът с най-известните опери в света не би бил пълен. „Евгений Онегин“ перфектно съчетава мелодията на думите на Пушкин и хармонията на музиката на Чайковски, между другото, това е една от онези известни опери, които се радват на голям успех сред публиката на Запад.

• Норма от Винченцо Белини

Нарича се ултракласика, особено великолепната и изключително сложна ария „Каста Дива”. Премиерата на операта се състоя през 1831 г. в Милано. В наше време само няколко успяха да се справят с най-трудните части на сопраното, сред тях Галина Вишневская и ненадминатата Монсерат Каабал.

• Тори Карасева след проекта Тори живот след проекта
• Глинка, Михаил Иванович. М. И. Глинка. Банална пневмония В коя страна е родена глинка
• Звездна телевизионна водеща - Мария Сител
• Рапърът T-Killah не може да се примири със смъртта на баща си, който е текила Саша
• Какви са различните стилове музика?
• Необичайни новогодишни представления за цялото семейство
• Елементи на древността в младите арменски фамилни имена Арменски фамилни имена, завършващи на в
• Биография на Леонардо да Винчи
• Билети за коледни елхи
• Vegas Show: ново шоу „Asta La Vista!

• Цирков колектив „Баронец Кралски цирк гии ерадзе билети
• Насиров ли беше солист в студио
• Син на Таисия Повалий: какво се знае за певицата - син на звездна майка
• Джъстин Тимбърлейк - биография и личен живот Джъстин Тимбърлейк биография личен живот
• Какво се случва сега в живота на Виктория Карасева Виктория Карасева и Руслан
• Биография на Михаил Глинка и неговото творчество, накратко най-важното
• Мария Сител: биография Къде е Марина Сител от вечерните новини
• Певица Текила: биография, личен живот, творчески постижения Александър Тарасов текила vk
• Животът и делото на Бунин, IA
• Кратка биография на Горки, най-важното Кратка биография на Максим Горки, най-важното нещо