• Analiza priče "crpljenje" (i
• Priče o knjizi za čitanje o ruskom karakteru Alexey Nikolavich Tolstoy
• Ivan Goncharov Kratka biografija
• Pierre Duhov: karakter karakteristike
• Djela Trifonova Y.
• Karakterističan za oštrice iz "Vrt trešnje Što je Lopakhin učinio s vrtom od trešnje
• Esej na temu "zločin i kažnjavanje zločina i kažnjavanja
• Analiza evgeny s njom
• Slika i karakteristike Katene u "oluji" igraju: opis karaktera, života i smrti Kabanove
• Antoine Saint Exupery: Biografija

Autori eseja - L.A. Solovtsova, O. T. Leontiev

Domska opera - Italija. Uzrok život humanističkih ideala doba talijanske renesanse, taj žanr je nastao na kraju XVI stoljeća. U zajednici poezije, glazbe i kazališta, skupina prosvijetljenih firentinskih pjesnika i glazbenika tražila je načine za oživljavanje drevnog kazališta, stvaranju sintetičke umjetnosti koja je mogla iskreno izraziti ljudske osjećaje. Florentinci su proglasili dominaciju poezije nad glazbom; Odbijanje srednjovjekovne polifonije iznijela je novi stil homofona-govora. Prema B. Asafyevu, spektativni pastoralski pastorals Florensa bili su "vrste propelanta" s operom.

Tijekom prve polovice XVII. Opera se postupno formirala kao žanr, stjecanje novog smjera u svom razvoju: ide dalje od uskog kruga firentinskih pjesnika i glazbenika, ona je stupila u kontakt s širokom publikom u Mantvi, u Rimu, zatim u Veneciji, gdje je u 30-ima. XVII. Stoljeće Otvorena je prva svjetska stalna operna kuća. Komore nastupi Florentina promijenile su bujne kazališne produkcije; U isto vrijeme, glazba je počela preuzimati prednost u odnosu na tekst - stil deklaracije postupno je potisnut od strane Cantilene.

Najviše postignuće talijanske opere XVII V. - Kreativnost dva prekrasna skladatelja: Claudio Monteverdi (1567-1643) i Alessandro Scarlatti (1660-1725).

Monteverdi je radio u Mantvi, a zatim u Veneciji, gdje je stvorio svoje najbolje spise. Bio je to prvi veliki operni skladatelj koji je utjelovio kazališna scena Jaki likovi i velike strasti. Operirao je operu niz novih glazbenih i izražajnih agenata; Ulazak deklaracija povezana s Cantilenom; Melodija, sklad i orkestralno pismo podređeno je dramatičnom planu. Averzija moje doba, Monteverdi je otišao na način da stvori realnu glazbenu dramu.

U nastupima kasnijih talijanskih skladatelja, dramatični sadržaji postupno su otišli u pozadinu; U isto vrijeme, uloga virtuoznog pjevanja sve se više povećala u opernoj glazbi.

Razvoj talijanske opere u drugoj polovici XVII i u XVIII. Stoljeću. povezan s bujnim cvjetnim vokalnom umjetnošću. Kreativnost A. Scarlatti položio je temelj poznate neapolitanske škole, koja na prijelazu XVII i XVIII stoljeća. Trebalo je dominantno mjesto koje pripada prethodno venecijanskoj školi. Nakon što je usvojilo iskustvo florentinskih, rimskih i mletačkih majstora, neapolitans je koristio svoja kreativna dostignuća.

U Napulju je konačno razvijen žanr talijanske opere, gdje je glazba dominirala tekstom, gdje su određene vrste vokalnih oblika i imali visoku vrhunac. Prekrasni talijanski pjevači postali su poznati širom svijeta ne samo s izvrsnim glasovima, već i najvišom vokalnom vještinom koja je primila ime Bel Cantto. Međutim, tijekom XVIII stoljeća. Umjetnost Bel Canta postupno je prihvatio sve više vanjskog, virtuoza. Najbolji talijanski pjevači imali su kreativni dar improvizacije; Izvođenjem arija, oni su ih krenuli i improvizirali kadenca. Pokušavajući oponašati poznati Masters Bel Canto, manje talentirani pjevači često su prošli u dizajnu granice umjetničkog opravdanog.

Strast za pjevačima s virtuoznom opremom utjecala je na rad skladatelja. Dala sam mjesto okusima javnosti i navika pjevača, skladatelji su često preopterećeni virtuoznim dekoracijama. Kupnjom vanjskog sjaja, glazba je postupno izgubila tu emocionalnu ekspresivnost, koju je zabilježio rad A. ScartTatti i njegovih najbližih sljedbenika. Virtuosovi pjevači zauzeli su prvo mjesto u operi, gurajući skladatelja i libretista na pozadinu. U skladu sam s operom, bilo je potrebno osigurati "spektakularne brojeve" javnih službenika u njemu.

Kompozitori neapolitanske škole čak i tijekom najviših cvjeta nisu zauzimali pitanja drame. Vrsta takozvane "ozbiljne" opere (operna seria), formirana u Napulju, uglavnom je namijenio arijmu i recitivatovima; Ansambli značajne uloge; Zbori su bili gotovo odsutni; Glavno mjesto zauzelo je Aria i Duets, izražavajući osjećaje heroja; U od primanja, događaji su bili poželjni, drama se kreće. Kako je moć virtuoznih pjevača pojačala, pozornost na dramatični sadržaj sve više oslabila. Vrlo je negativno utjecalo na razvoj okusa opere serijskih okusa redovnih sudskih kazališta. Faute operne libreta često su se ohladili na spašavanje zaplete ljubavi.

Heroic-pastoralne teme, parcele iz mitologije i srednjeg vijeka služili su samo platnu, koja dovodi do sjajnog virtuoznog aria. Što se tiče izvođača i slušatelja stilskom jedinstvu glazbe mogu se ocjenjivati \u200b\u200bčinjenicom da je u 20-ima. XVIII. Stoljeće Vrsta Opeker širenja, u kojoj su svi djela pripadali različitim skladateljima. Takve su opera nazvali pasteehom ("pate").

Više puta tijekom XVIII. Stoljeća. I pjesnici i skladatelji su pokušavali ojačati "ozbiljnu" operu dramaturgiju. Značajna zasluga pripada ovim pjesnika A. Xeno i Pietro Metastasio. Ali oni nisu prevladali shemu u izgradnji opere izvedbe: kao i njihovi prethodnici, Xeno i Metastazija su nastavili od zahtjeva drame, ali iz uspostavljenog naloga u raspodjeli Aryrija i govora o djelima. Glazbena drama opere ostala je u biti ista; Konkretno, respektalne epizode bile su priroda formalnih ligamenata između vokalnih brojeva. Tijekom izvršavanja recitiva, publika se obično provodi glasno govoreći ili napustio hodnik za jesti i igrati karte.

Rečeno ne znači da "Redi talijanski skladatelji nisu imali ozbiljne umjetnike koji razmišljaju. U drugoj polovici XVIII. Opera Seria, napustiti virtuoznost spojke Arije.

Istodobno s "ozbiljnom" operom u dubinama iste neapolitske škole, nastala je strip operna (operna bivija). Od prvih koraka, osvojivši široku popularnost, brzo se širila u cijeloj gradovima Europe, ousting "ozbiljne" opere, čak i iz scena dvorskih kazališta.

Podrijetlo izlazi u XVIII stoljeću, talijanski strip je porastao s komedija scene i intermedijera, koje su venecija i neapolitanske opere postavljene; Njegov drugi izvor bio je dijalektičan (na temelju folklornih dijalekta) komedije, koji je obično bio savršen s jednostavnim pjesmama. Kao i žanr, strip se uspostavila u intermediji Giovanni battiste Pergilyze (1710-1736); U posljednjem tromjesečju stoljeća došlo je do klasičnog zrelosti u djelima Giovanni Piazzielo (1740-1816) i Domenico Chimoroz (1749-1801). Demokratska u njihovim težnjama, Buffa operna nastala kao odgovor na "ozbiljnu" operu koja je napustila život umjetnosti "ozbiljne" opere, nastao kao odgovor na zahtjeve nove estetike koja zahtijeva od umjetnosti određene veze s modernošću.

Talijanski strip je pokazao zabavnu avanturu na pozornici od života suvremenika; Okusi ismijavaju i često se navijali najviše žanra "ozbiljne" opere. Seria, njegova virtuoserozna arija operi, te izražajnost operatera operne bive protiv komedija-kućanskih tema, jednostavnih narodnih i domaćih ulazi, ritmovi uživo, karakteristične recitacije, tako blizu pljačke folklornih dijalekta. Od velike važnosti u stripskoj operi stekao je dinamičke ansamblima zasićene.

Na putu razvoja, operna bivija evoluirala; Odvojite elemente "ozbiljne" opere koji je prodrla strip i obrnuto. Ali ti žanrovi su nastavili koegzistirati odvojeno čak iu XIX stoljeću.

U zoru Nacionalnog oslobodilačkog pokreta, prve desetljeće XIX stoljeća.) Estetska ekspresiva progresivnih ideja postaje estetska ekspresivna progresivnih ideja. Prva talijanska romansa, sudionici revolucionarnog kretanja pjesnika karbonary, smatraju glavnom zadaću službi za umjetnost i književnost ljudima. Borili su se za razvoj nacionalna kultura, pozvan na proučavanje života ljudi, njegove dum i težnje, povijesti i umjetnosti.

Ripanje na talijanskom narodu nacionalna samosvijestNazvali su zemlju da se kombiniraju i srušiti IGA Enslavea.

Nacionalno oslobođenje pokret odrazio se u opernoj umjetnosti, dišući u njemu trend modernog života. Novi smjer u operi formiran je pod progresivnim utjecajem talijanskog književnog romantizma. Odbijanje tradicionalnih mitoloških parcela, talijanski skladatelji pozvali su čovjeku, svom svijetu duše.

Kreativnost Joakkino Rossini (1792-1868) bila je veza vezanja u razvoju talijanske opere, dovršavajući njezin prethodni pozornica i stavljajući početak nove nacionalne škole. U operacijama stripova (najbolje od njih je Berber Sevilla), sa svojim podebljanim, topikalnim sadržajem, Buffa opera dosegla najviši vrhunac.

Rossini je također obogatio područje "ozbiljne" opere, koji je u to vrijeme radio duboka ideološka i dramaturška kriza. Istina, ostao je mnogo konvencija u svojim djelima koje su prekršile prirodnost dramatičnog razvoja. Dovoljno je reći da je Rossini lako prenio fragmente glazbe iz jedne opere na drugu. Ipak, u žanru "ozbiljne" opere stvorio je niz prekrasnih spisa.

Rossini se okrenuo herojskim temama koje zadovoljavaju zahtjeve modernosti; Snažni zborovi zvučali su u svom poslovanju, dinamičnim, razvijenim ansamblima, šarenim i dramatično izražajnim, postali orkestar. Rossini "Wilhelm Tel" položio je temelj novog žanra herojsko-povijesne romantične opere.

Kreativnost genijalnog Rossinija i njegovih mlađih suvremenika i sljedbenika - Vincenzo Bellini (1801-1835) i Gaetano Donizetti (1797-1848) - Najbolja postignuća talijanske operne umjetnosti u prvom treći XIX. na. Ovi skladatelji su ažurirali glazbeni jezik talijanske opere, zasićenjem s prekrasnim melodijama, intonacionalno blizu narodne pjesme. Znali su kako stvoriti melodije u kojima su otkrivene najbolje stranke koje daju pjevačima. S imenima Rossini, Bellini i Donizetti, nastupaju aktivnosti takvih velikih pjevača povezane su, kao što su J. tjestenina, J. Rubinija, M. Malibrana, A. tamburini, L. Lablash, J. Griji, koji je tvrdio slavu talijanska opera na svim europskim scenama.

Clutanje talijanske opere bilo je kratko. Nakon što je stvorio "Wilhelm Real" (1829), Rossini operas više nije napisao. Sredinom 30-ih. Mladi Bellini je umro. Do početka 40-ih godina. Kreativnost teško osvijetljenog donizetti otišla je ispod padine. Nacionalna opera ponovno je doživjela ozbiljnu krizu. Talijanske scene preplavili su protok osrednjih opera, sastavljenih od strane brojnih imitatora Rossinija, Bellinija i Donizetti. U djelima, koja je za najveći dio stvorena, za sljedeću sezonu, i odmah zaboravljena, pitanja ideološkog sadržaja i problema drame dao je iznimno malo pozornosti. Opera melodije su ublažene učinke koje nisu nastale iz prirode slika, a ponekad iu sukobu sa sadržajem. Skladatelji su nastavili pisati u libretu, sastavljeni po prihvaćenoj matrici; Glazbeni brojevi u operacijama slijedili su uobičajene sheme koji nisu organski povezani.

Stvaranje punopravnog opernog libreta je ometala rutinom koja je vladala u operskim kazalištima. Čak i kada je libreto napisao najbolje pjesnike tog vremena - kao što je poznati Felice Romanomi, - kada su libretisti žalili na djela klasike svjetske književnosti, stavili su parcele u standardnu \u200b\u200bshemu, koja ih je neizbježno osiromašena.

Od ideološke i dramatične krize dovela je talijansku opera giuuseppe Verdi (1813-1901), podebljano inovator, vrući, uvjereni i dosljedni prvak realna načela talijanska književnost Epohe nacionalnog pokreta oslobođenja.

Ako je osnivač Nacionalne operne škole Rossini, onda u Verdijevom radu, stigla je do najvišeg vrhunca. Skladatelj je jednak Verdijem za značenje i za dating snagu, Italija nije imala Verdi tijekom svog života, niti nakon smrti. Prve junačke opera skladatelja, koji se pojavio u 40-ima, rođeni su rastom porast revolucije, kada su sve kulturne sulete u zemlji bile uključene u oslobodilački pokret. Uvjereni demokrata i patriota, Verdi je stvorio umjetnost visokog ideološkog i istovremeno dostupna široko rasprostranjenim masama. Najveća zasluga glazbenika je da je iz prvih kreativnih koraka, na temelju tradicija nacionalne opere i obrana nacionalnog identiteta, hodao je putem inovacije, na putu neumorne potrage za dramatičnom istinom.

Probrišev umjetnik i uroban dramatičar, shvatio je da formalna rutina, ravnodušnost prema dramatičnom sadržaju talijanske opere u slijepu. Shvativši da su glavni nedostaci talijanskih opera ukorijenjeni u izgradnji shematizacije, vodio je neumornu borbu za stvaranje dramatično punopravnog libreta i aktivno vodio rad svojih libretista.

Verdie se stalno nastojao da realistira vitalnost likova i dramatičnih situacija. Tražio je nove dramatične istinitosti. Sva izražajna sredstva u operi pokušala je udvostručiti identifikaciju glavne ideje.

Nakon prolaska "nasilnog romantizma" Huga i blizu njega španjolskih romantičara, kritički je ovladao postignuća suvremene zapadnoeuropske opere, Verdije u svojim kasnijim djelima - u Aidima, "Othello" i "Falstafe" - dosegao je savršeno spajanje djelovanja, riječi i glazbe, došla je do stvaranja istinske realne glazbene drame.

70-ih i 1980-ih. Prošlog stoljeća u talijanskoj operi, koji su doživjeli razdoblje u potrazi i borbama, dva stupa, oko koje su grupirane glazbene snage, bili su Verdi i Wagnerova imena. Strast za njemačkim romanticima - a osobito Wagner, - želja da ih oponašaju uhvatili su značajan dio talijanske mladeži. Hoba ga, što se često podudara s jednostavnom imitacijom, imalo je svoje pozitivne i negativne strane.

Studija njemačka glazba To je uzrokovao povećani interes za talijanske skladatelje na sklad, polifoniju, orkestar. Ali u isto vrijeme, hodali su lažnim putem, tradicije talijanske opere, odbacivši klasičnu opernu baštinu. Čak je i kreativnost Verdija postupala odbojno. Najupečatljiviji predstavnik ovog područja bio je Arrigo Boyto (1852-1918), čija je operna "Mephistofel" koristila u to vrijeme veliki uspjeh.

U posljednjem desetljeću stoljeća, vagneurizam, širenje kroz Italiju, za razliku od novog smjera opere - Verizh (iz riječi "Vero" - istinito, istinito). Tlo za pojavu opere čitatelja pripremilo je književno kretanje 80-ih., Nošenje istog imena.

Prva provjerna operna - "ruralna čast" Pietro Maskanya (1890.) - napisana je na priči o romanima Giovanni Verga. A "seoska čast", a nakon toga "vojnici" Rujsero Leonkallo (1892.) imali su veliki uspjeh među javnosti, umorni od maglovitog simbolika u opernim parcelama talijanskih imitera.

Kreativni kredo od provjere je vitalnost. Predmet njihovih opera, provjerava od svakodnevnog života. Heroji njih - ne istaknute brojkei obični, obični ljudi s njihovim intimnim dramama. Ova talijanska provjera je blizu francuske lirske opere. Na melodijskom jeziku talijanskih verzija, utjecaj osjetljive melodije Gunu, Tom, Massne. Posebna ljubav među vasionama stekla je realističnu kreativnost BIZA i Verdi. "Carmen" bise dirists cijenjeni kao visoki kao Verdove opera, iz koje su percipirali naglašenu emocionalnost glazbe i ozbiljnost dramatičnih situacija. To je ta obilježja njezine kreativnosti, kao i temperamentne, pristupačne melodije, živi su osvojili široku popularnost. Međutim, tumačenje parcela u njihovim operacijama često je stekla melodramatičan karakter. Želeći pokazati svakodnevni život "bez uljepšavanja", ekipe su često zamijenili realističnu reprodukciju stvarnosti "fotografiranjem" ga. A to je dovelo do brušenja likova, ponekad na površinu ilustrativsku glazbu, na naturalizam.

Kreativnost najistaknutije među talijanskim skladateljima XX stoljećima u velikoj je mjeri uz verizm. Giacomo Pucchini (1858-1924), koji nije izbjegavao u svom ranom radu utjecaja njemačkog romantizma. Prema glavnim kreativnim težnjama i prema karakterističnim značajkama Puccini stila - Belist, iako mnogo u njegovom radu nadilazi granice čitanja. Pucchini je najtalentiraniji i višestruki među skladateljima ovog smjera.

Verizh Bucchini manifestira se prvenstveno u svom stavu na operu. U običnom, neistraženom životu, Pucchini pronalazi materijal za duboko uzbudljivu dramu. Glazbeni govor Uvijek je emocionalno istinito. Prema bogatstvu i svježini glazbenog jezika, skladatelj se ističe među njegovim suvremenicima - žičarima. I iako se Pucchini ne može popeti u kreativnosti na realistične vrhove Verdije, ali prema emocionalnoj neposrednosti utjecaja glazbe, na organsku jasnoću meloda, prema snazi \u200b\u200bi svjetlini dramatičnog datiranja, on je izravni nasljednik Verdi i istinski talijanski umjetnik.

Najbolje nasljeđe talijanske klasične opere je rad Rossinija, Bellinija, Donizetti, Pucchinija i, posebice, Verdije. Radovi tih skladatelja ulaze u repertoaru većine glazbenih kazališta, dosljedno zvučni u koncertima i na radiju.

talijanski klasična operaSvojim progresivnim ideološkim sadržajem, s jakim nacionalnim tradicijama, s istinskim "vatalijama" pripada časnom mjestu u riznici svjetske glazbene kulture.

Zatim, u XX stoljeću. Talijanski skladatelji osvjetljavaju se u obliku instrumentalne glazbe. Međutim, opera u suvremenoj Italiji nije zaboravljena. Autor deset opera, od kojih je poseban uspjeh korišten 1904. godine u Turinskoj operi "nedjelja" na roman L. Tolstoy, bio je Franco Alfano (1877-1954). Na početku XX stoljeća. Rad u operi žanru Repto Repto Reppigi (1879-1936), predstavnik talijanskog impresionizma, koji je također preživio značajan utjecaj rimskog Corsakova. Njegove prve opera bile su "kralj encikliranja" (1905.) i "Semirama" (1910.), koji se nalazi u Bologni. Godine 1927., na pozornici kazališta Hamburga, na istom je imenu "potonuli zvono" izvedeno na pozornici grada Hamburga "potonuli zvono". NA kasni Njegova značajka Rezpigi evoluirala u neoklasicizam. Rezultat ovog skretanja bio je besplatna obrada Opera K. Monteverdi "Orpheus" (1935.), koji je odigrao važnu ulogu u oživljavanju i novom otvaranju operne kreativnosti ovog velikog talijanskog skladatelja.

Najveći predstavnik starije generacije suvremenih talijanskih skladatelja koji su radili u opernom žanru je Illendo Pizzetti (1880-1968). Njegov skladateljski stil formiran je u proučavanju klasika i izvješća nacionalne umjetnosti. Pizzetti su stalno skladali opere za poznati Milansko kazalište "La Scala". Na premijerama mnogih od njih proveli su poznati Arturo Toskanini. Prvi je bio "Fedra" na drami Gabriel D "Annunzio (1915)." Fra Gerardo "otvoren je 1928. godine na parceli povijesne kronike Parma XIII. Stoljeća. Pizzetti Pisanje petnaest opera, nemoguće je nazvati inovator u glazbi kazalište, ali njegova djela uvijek je postojala dovoljno uspjeha za dugo vremena u repertoaru. Tijekom godina nakon Drugog svjetskog rata, upozoritelj je nastavio intenzivno raditi na kazalištu. Nove opera pizzete redovito se pojavile: 1947. - "Zlato", 1949. - "Lopa" "Pelleas i Melisandda"). U kasnim godinama, stari talijanski majstor nije izgubio visoku autoritet. U opernoj kući. Važno je napomenuti da je tri od njegovih posljednjih opera koji su bili najuspješniji i osvojeni prepoznatljivi izvan Italije: ovo je "Joriojeva kći" na tekstu D "Annunzio (1954), post Avalentin u Napulju poznati direktor Roberta Rosselina, "ubojstvo u katedrali" (1958.) i "Čišćenje" (1964). "Ubojstvo u katedrali", Opera s posebnim interesom usvojen od strane britanske javnosti, napisan je na poetskom tekstu popularne igre modernog engleskog pjesnika i dramatičara T. S. Eliota. Drama govori o životu i smrti nadbiskupa Canterburyja Thomasa Becketta, bivšeg kralja Engleskog kralja Heinricha II. Dva motiva čine duboki ideološki sukob ovog rada: demagoški zvuk "povijesne potrebe" političko ubojstvo Becketta - "u ime apsolutne moći monarha" - i dobrovoljno usvojen junak mučeništva. Pružaj u sastavu njegove igre unaprijed je predumišljao moguću glazbenu strukturu. Prvobitno kombinira oblike katoličkog obožavanja i drevne grčke tragedije s komentirajućim zborom.

Na ljestvici kreativnog upoznavanja i uloga u glazbenom kazalištu u blizini pizzete može se isporučiti samo na Jan Francesco Malipierro (1882-1973). Kao i mnogi talijanski skladatelji 20. stoljeća, prošao je kroz strast zbog impresionizma, koji je rekao posebna pažnja na orkestralne šarene. Ali već u 20-ima. Ovaj skladatelj se okrenuo dubokoj studiji talijanskih majstora baroka i renesanse i postao predanost široko propagiranom neoklasicizmu. Nakon što je posvetio mnogo vremena i snage za uređivanje i obnovu pisanja Claudio Monteverdi i Antonio Vivaldi, sam Malipiero je doživio snažne stilske učinke tih skladatelja. Od velike važnosti u formiranju njegovog stila također je imala diatalnu melodiju drevne narodne pjesme i gregorijansku Khoralu.

Malipiero je sastavio najmanje trideset različitih glazbenih i kazališnih djela. Od 1918. do 1922. skladatelj je radio na opernim trilitarima "orfeida" i "Goldoniana". Godine 1932. završio je treću trilogiju pod nazivom "Mletačka misterija". Jedan od najpoznatijih opera Malipjera je "povijest sina korova" (1933.) na predstavi Luigi Pyrandello. Također imamo i operu "zabavni callo" (1942) prema E. T.a. Krofman "Princess Brambill" i "Don-Zhuan" (1964) na "kamenom gostu" Puškin.

Pregled opere kreativnosti suvremenih talijanskih glavnih skladatelja bi bio nepotpun bez imena Alfredo Casella (1883-1947), iako je područje instrumentalne glazbe koje nije povezano s riječju privukla ovaj veliki majstor više od opere , U opernoj žanru skladao je tri djela: "Zmija žena" (1931.) na igri K. Gotszija (stilizacija staelijanske operne bive), jednogodišnje komorne opere "Orphea povijest" (objavljeno 1932.) i Jednoznajni operna g. "Dealy Desert" (1937.), napravljen na državnom poretku u lažnom "monumentalnom paradu" stilu i naraciji "kulturne i kreativne" misije talijanske vojske okupirao je Etiopijom. Pod uvjetima fašističke diktature, kreativni napori čak i najtalentiranijih skladatelja često su bili ograničeni i iskrivljeni demagoškim izopterećenim zahtjevima "etnografske", "historicizma" i lažno tumačiti nacionalnost i političku relevantnost. Ovi zahtjevi u atmosferi provincijalnih ormara karakterizirani su pseudoklasicizmom muslikine epohe, koji se hrabrilno nazvao "zlatno doba" umjetnosti.

Glavni protivnik fašizma i njezine politike u umjetnosti ostao je Luigi Dalpikkola (1904-1975), čiji je rad dobio dobro zasluženo priznanje u poslijeratnim godinama. U mladosti Dalpikkola bio je blizu neatoklasičnog smjera u Italiji, ali krajem 30-ih. Njegova glazba otkriva značajke ekspresionizma. Dalpikkolova popularnost u poslijeratnim godinama, dvije opere s jednim djelom isporučuju se u brojnim zemljama kao televizijskim nastupima. Ovaj "noćni let" (1940.) prema priči o A. de Saint-Exupery i "zatvorenik" (1949.) na Novelli V. de Lill-Adanu "Top Hard Hope. Dalpikkola je živopisna eksplozija ideja talijanskog otpora u glazbenoj umjetnosti. U svojoj operi "zatvorenik", akcija se prenosi u Španjolsku XVI. Stoljeću. U španjolskom zatvoru, bezimenik hrvač za Flandersovu slobodu bit će sve. On muče lažno obećanja slobode, provokativne glasine o događajima u svojoj domovini i, konačno, dovode do izvršenja. Slušatelji ne sumnjaju da je tema opere fašistički teror i otpor, borba protiv političke diktature, zadiranja na slobodu osobnosti i ljudi.

Glazba Dallapikola je duboko izražajna, iako složenost njegovog glazbenog jezika i sprječava barem percepciju svojih spisa.

U 50-ima i 60-ih godina. Talijanske opera kazališta postavile su spise nekih skladatelja koji su postali poznati po svojoj glazbi za svoju glazbu. Ovo je Nino Rota (1911-1979) i uglavnom Renzo Rosselini (1908-1982), brat poznatog filmskog redatelja. Napori tih skladatelja obilježili su pokušaj demokratizacije i ažuriranje moderne talijanske opere. Rosselini u svojim operatorima "rat" (1956), "whirlwind" (1958), "srušit" (1958), "pogled s mosta" (1961) svjesno je izabrao moderne priče i nastojala pojednostaviti glazbeni jezik, donoseći svoju glazbu s njim folklorne i masovne pjesme žanrove.

Još odlučnije iskustvo ažuriranja talijanskog glazbenog kazališta je Opera Luigi Nono (1924-1990), "netolerancija", od 1961. godine, koja je osvojila široku slavu izvan Italije. Ovim proizvodom skladatelj je namijenjen oživljavanju tradicije političkog, agitatorskog kazališta Brechta. Ideološki i estetski program NONO-a zatražio je niz složenih problema, a prije svega, skladatelj je morao nekako comphee zahtjeve dostupnosti, produktivnosti rada s novim, suvremenim tehničkim sredstvima kompozicije. NONO je jedan od onih nekoliko predstavnika poslijeratne "avangarde, koji uzima marksističku doktrinu o ulozi umjetnosti u životu društva i svjestan je potrebe za stvaranjem umjetnosti za ljude, umjetnost, razumljivo za. \\ T Široke mase slušatelja. Stoga, u svojoj operi nono, brine se o jednostavnosti i poštivanju, uvodi popularni melodijski promet, karakteristični ljudi plesne ritmove, kako bi hitno i impeličnost izloženosti koristi govorni zbor. Bijesni zborovi, koji su prethodno zabilježeni na kasetu, emitiraju se brojnim reproduktorima. Njihov moćan "stereo" zvuk trebao bi uzrokovati ideju o monumentalnoj glazbi ulica i kvadrata, o otvorenoj glazbi. Opera Libretto, koju je napisao sam skladatelj, vrlo je komprimiran i shematski, omogućuje varijaciju pojedinačnih situacija u interesu u interesu najveće važnosti sadržaja. Tekst uključuje instalaciju različitih pjesama različitih autora, aforističkih izjava, slogana, koji, sa stajališta skladatelja, jasno izražavaju duh vremena. Prva verzija opere nazvana je "netolerancijom. 1960. "i sadržavao je prosvjed protiv rata u Alžiru. Otvoreni kasnije, ova opera bila je ispunjena drugim topikalnim sloganima, citati iz politički relevantnih dokumenata tekućeg dana. Operator je počeo na europske scene na politički skandal na Festivalu Venecije 1961. godine. Uzrok skandala bio je njegova tema - otpor na nasilje, nepomirljivost, propagandu ideja socijalističke transformacije društva. Ovaj rad bio je postavljen u mnogim europskim kazalištima, unatoč njegovom pomalo "suđenju", eksperimentalnom karakteru. Sada postoji u novoj verziji pod naslovom "netolerancijom. "

Opera potječe u Italiji. Ona je "odrasla" s kazališnih otajstava - duhovne ideje u kojima je služio kao pozadina, odmahujući igrom glumaca. U takvim idejama glazba je s vremena na vrijeme zvučala, naglašavajući važne dramske trenutke. Nakon toga, postala je važnija u takvim tajnama. Od trenutka tijekom cijele igre, glazba je zvučala bez pauze. Prvi prototip opere smatra se komedijom na duhovnoj temi pod nazivom "Sveta Paul", koji je BOWERINI. U ovoj komediji, glazba zvuči od samog početka do kraja, ali još uvijek obavlja ulogu pratnje.

U šesnaestom stoljeću pastorali, pohađali su zborne verzije moteta ili madrigala (glazbene i poetske igre). Na kraju šesnaestog stoljeća, solo vokalni brojevi pojavili su se u pastoralcima. Bio je to početak podrijetla opere u uobičajenom modernom čovjeku. Ovaj žanr je dobio ime drame u Musici, a Opera se pojavila samo u prvoj polovici sedamnaestog stoljeća. Treba napomenuti da je red nastavio nazvati svoja djela s glazbenim dramama čak i nakon pojave i konsolidacije opere.

Postoji nekoliko vrsta opere. Glavna stvar se smatra "velikim operom" ili lirska tragedija, Ustala je nakon velikog Francuska revolucija I zapravo postaje glavni glazbeni smjer devetnaestog stoljeća.

Povijest operskih kazališta

Prva opera otvorena 1637. u Veneciji. Opera koja služi zabavi aristokrata i nije bila dostupna za obične ljude. Prva velika opera smatra se da je "Daphne" Jacopo Peri, koja je prvi put ispunjena 1597. godine.

Opera vrlo osvojila popularnost, postaje omiljeni pogled na umjetnost. Književne parcele čine ih pristupačnim i razumljivim vrstom glazbene umjetnosti, jer se smatra mnogo lakšim od tradicionalnog bez parcele.

Danas se za godinu dana dvadesetak tisuća opere nastupa. To znači da se svakodnevno izvodi više od pedeset opera u svijetu.

Italija se brzo proširila u druge europske zemlje. Tijekom godina postala je javno dostupna, što je prestala služiti zabavi aristokrata. "Galerija" počela se pojavljivati \u200b\u200bu operskim kazalištima, od kojih obični građani mogu biti ukusna pjevanja.

Povezani članak

Savjet 2: Povijest pojave salate "Herring ispod krznenog kaputa"

Malo ljudi zna da tradicionalne i voljene tisuće ljudi salate "haringa ispod krznenog kaputa" imaju politički podtekst. Izumio je ovo jelo u dalekom 1918, koji, kao što znate, bila je prekretnica za Rusiju. Vjerovati narodna legenda, "Krzneni kaput" nije ime vrste odjeće, već skraćenica.

Innoing izum običnog kuhara

Traktori sredine 19. stoljeća bili su omiljeno odredište za odmor. Pili su, zakleli se, priopćili i imali istinu na sve načine. Često posjetitelji pobijedili jela, stajali su borbe, optužili jedni druge u alatu revolucionarnih ideja i ne-moždani zbor pjevali "International". Jednom kad je Anastas Bogomilov, trgovac, vlasnik nekoliko vrlo posjećenih lakinskih barova, odlučio je da je potrebno smiriti posjetitelje i učiniti atmosferu u svojim objektima opuštenije. To se dogodilo 1918. godine. Jedan od zaposlenika Anastas, kuhar Aristarkh Prokoptsev je odlučio da je najlakši način da smirimo nerede, ako oni zasititi želudac. Ali ne samo tako, ali s skrivenim podtekstom.

Prema legendi, to je bio prokoptsev koji je došao ideju o stvaranju jela "Selenk". Herring je bio simbol proletarijata (široko rasprostranjen, pristupačan i popularan proizvod u ljudima), povrće (krumpir, luk i mrkva) personificirala je seljaštvo, a repe je zastupao crveni revolucionarni banner. Popularni francuski hladni umak "majoneza" bio je vezivo. Zašto je izabran točno nepoznat. Prema jednoj verziji, to je bio znak poštivanja onih koji su počinili veliku francusku buržoasku revoluciju, s druge - podsjetnik na Antante.

Anntante, koja je uključivala Francusku, smatralo se glavnim vanjskim neprijateljem boljševizma.

Zašto je krzneni kaput? Krz kaput je skraćenica koja je dešifrirala kako slijedi: "Chauvinizam i pad - bojkot i anatematiku."
Javni posjetitelji brzo su ocijenili revolucionarnu salatu. Prvo je bio ukusan. Drugo, jeftino. I treće, to je bio izvrstan snack za jake alkoholne pića. Zbog velikog broja majoneze, ljudi su se manje vozili, što znači da je bilo manje od borbe. Prvi put u izborniku traktora, Salata Bogomilova pojavila se pred novom 1919. godine. Možda je stoga "haringa pod krznenim kaputom" i postala tradicionalna jela za novogodišnji stol.

Povijest salate je lijepa. Što se tiče ona istine, nitko nikada neće znati.

Recept klasične salate

Za pripremu tradicionalne salate "selenk ispod krzna kaput", potrebno je kuhano povrće (osim luka), svježe jabuke, haringu i majonezu.

Poželjno je da je majoneza kod kuće. Ako morate koristiti trgovinu, bolje je uzeti onaj u kojem je postotak masti veći.

Trebat će vam:
- 200 g file haringe;
- 200 g jabuka;
- 200 g repa;
- 200 g kuhanog krumpira;
- 200 g;
- 100 g luk;
- majoneza.

Nakon što je povrće zavareno, trebaju se ohladiti, čistiti i naizmjence trljati na velikom grateru. Pramac se smanjuje što je moguće manje. Fill herrijka treba izrezati na male kocke: ne više od 1x1 cm. Apple je potreban za čišćenje i rešetka na plitkom grateru. Jelo je bolje postavljanje na ravnu posudu salate. Prvi sloj u klasičnom receptu je krumpir, zatim haringa, luk, mrkva, jabuka i repe. Svaki sloj se razmazuje majonezom masti.

Klasičan je poznat mnogima, ali svaki domaćica još uvijek čini "haringu pod krznom kaputom" na svoj način. Neki umjesto jabuke stavljaju krastavac, drugi su isključeni iz samostala luka, a treći od slojeva sira. Neki kuhari nastoje "odražavati" jelo i umjesto haringe staviti losos, losos, pa čak i morskih plodova poput škampi. Domaćice također s eksperimentom užitka. Na internetu možete pronaći mnogo originalnih recepata na temelju klasičnog: "haringa u tulupu", "krzneni kaput bez haringe", "haringu u novom krznenom kaputu", "haringu u kišnom kabalu".

Povezani članak

Kako kuhati salatu "Selenka ispod krznenog kaputa"

Matryoshki se smatraju nestalnim ruskim suvenirom i stoga su toliko popularni među turistima koji dolaze u Rusku Federaciju različite zemlje, Zanimljivije je činjenica da su ove drvene oslikane figure elegantnih ljepota uloženih u druge u ruskim korijenima.

Prvi ruski matryoshka

Preimariranje vedrog kruga ruske djevojke, utjelovljeno u klasičnom Matricu, doveden je u Rusiju iz Japana na početku Xix stoljeća, Suvenir iz zemlje sunca bio je drveni, uložen jedni u druge, figurice japanske mudrosti-starcu Fukurum. Bili su lijepo obojani i stilizirani u duhu tradicije države-od stanja modernog gniježđenja.

Jednom u Moskovskoj radionici igračaka, japanski suvenir je inspirirao lokalnu turku iz Vasily Stargirl i umjetnik Sergej Malyutina kako bi stvorio takve igračke. Čarobnjaci su povukli na stroj i obojani sličnim figuricama uloženim u jedan u drugi. Prvi analog o japanskom suveniru bio je djevojka u golku i Suntedresu, naknadne neznalice prikazale su slatku smiješnu djecu - dječaci i djevojčice, na posljednjoj, osmi prljavi Matryshka, nacrtana je zrela beba. Ime je najvjerojatnije primilo u čast zrelog ženskog imena koji je u to vrijeme distribuirano.

Sergievo Posad Matryoshki

Nakon zatvaranja radionice u Moskvi, 1900. godine, jarboli od pitanja u sergiju podad bili su angažirani u radionici, u edukativnoj radionici. Ova vrsta nacionalnog naroda bila je uvelike distribuirana, radionice Bogojavljenja, Ivanovy, Vasily Star, koja se preselila u Posao iz Moskve pojavio se u blizini glavnog grada.

Tijekom vremena, ovaj igrač-suvenir je stekao tako popularnost da su stranci počeli naručiti iz ruskih majstora: francuski, Nijemci, itd. Takav Matryoshki nije bio prikladan, ali je bio cijenjen. Slika tih drvenih igračaka postaje živopisno, subjekt, raznolik. Ruske djevojke - ljepotice su prikazane u dugim Sarafancima i oslikanim šalama, s buketima cvijeća, košare i nodula. Početkom dvadesetog stoljeća uspostavljena je masovna proizvodnja Matriesheka za strane zemlje.

Kasnije je bilo Matryoshka muškog roda, na primjer, prikazivanje pastira s džemper, Satuled grooms, bradati starci s kecks, itd. Drvene igračke su kombinirane u skladu s najrazličitijim načelima, ali pravilnost, u pravilu, bila je nužno pratiti - na primjer, matryoshki-korusi su bili upareni s djeverućkom i rodbinom.

Matryoshka Nizhny Novgorod pokrajina

Bliže sredinom 20. stoljeća, Matryoshka se proširila daleko izvan Sergiev Posada. Dakle, u pokrajini Nizhny Novgorod, pojavili su se majstori koji su nećaci u obliku vitkih visokih djevojaka u svijetlim skloništima. I Sergiev-posad obrtnici su napravili ove igračke u obliku više čučanj i bujne džemove.

Moderni Matryoshki

Matryoshka se sada smatra jednim od simbola ruske kulture. Moderni Matryoshki su napravljeni u širokom rasponu žanrova: osim klasičnih crteža, portreti poznatih političkih figura, TV-a, filmske zvijezde i pops nalaze se na njih.

U Sergiju Postad, u Muzeju igračaka nalaze se zbirke lutaka raznih majstora od početka i sredine 20. stoljeća, kao i prva Matryoshka, oslikana poznatom umjetniku Sergey Malyutinu.

Video na temu

Povijesni značaj i razvojni putovi. Opera seria njezina evolucija u prvoj trećini Xvii stoljeća i dolaska krize žanra. P. Metastasio. Critici kontrolni koncept opere seria. do sredine XVIII stoljeća. Opera Buffa, njegovo podrijetlo, daljnji razvoj i glavni predstavnici (J. B. Pergolezi, N. Logrini, B. Galuppi, N. Picchinni, J. Palyzielo, D. Chimaroza).

Tijekom gotovo cijelog XVIII stoljeća, talijanska operna u svojim sortama žanra, širenje kroz Europu, privlači pozornost javnosti na sebe i potiče estetske sporove: prvo u samoj Italiji (do 20. stoljeća), zatim u Parizu sredinom stoljeća i kasnije U vezi s reformom glitch, konačno, u brojnim zemljama u kojima rastuće nacionalne operske škole brane svoju neovisnost (posebno u Rusiji). U svakom slučaju, talijanska opera zna gotovo svugdje. Pozdrav ili ga osudi, luk je ispred njega ili satirično ismijavanje, to je kao da drugi glazbeni žanrt ne dobije istinski međunarodnu slavu. Ne distribuiraju se samo operna radovi. Najveći operni skladatelji Italije rade u europskim glazbenim centrima, u glavnim gradovima u dvorištima iu javnim kazalištima; Talijanske operne trupe na čelu s boljim virtuoznim pjevačima nastupaju u glavnim scenama. Talijanska opera osvaja Europu u potpunosti - poput glazbene i kazališne kulture Italije, kao kreativne škole, poput umjetnosti Bel Cantta.

Za povijest glazbe u Europi XVIII stoljeća bili su vrlo značajan da su trendovi zabilježeni u glazbenom razvoju operne serijske i opere-buffe. To se odnosi ne samo na operu kao takvu, već i na povijest glazbenog jezika, preklapanje glazbenih slika i glazbenog tematizma. U evoluciji zapadnoeuropske glazbe na prijelom od početka stoljeća do bečkih klasika, talijanska opera pridružila se i svježem i snažnom mlazu u širok protok pokreta. To je olakšano velikim organskim glazbenim razvojem u Italiji i opsežnom području djelovanja, koje je osvojilo talijanska opera izvan zemlje. Naravno, operna seria sa svojim kontradikcijama i

kriza je igrala u drugom trećem trećem stoljeću kriza je ovdje odigrala povijesnu ulogu nešto drugačije od mlade opere, podrijetlom kao napredni smjer u 1730-ih. Ipak, druge vrste talijanske operne umjetnosti iz vlastite glazbene strane završile su najjači otisak na suvremenom glazbenom mišljenju.

Fraktura u razvoju glazbenog stila, koji se dogodio oko sredine XVIII stoljeća, prethodno je bio pogođen u regiji talijanske opere kao ideološkog i kreativnog prijeloma povezano s kritikom starog smjera i formiranje novog jedan. Stoga je prirodno započeti karakteristike novih procesa u glazbenoj umjetnosti tog vremena od talijanske opere nakon Alessandro Scarlatti u žanru Seria i iz Giovanni baggističkih pergora, tvorac Buffa opere. I druge skupine fenomena su u prvom pitanju prednost Napolitske operne škole, čije su temelji položeni od strane A. Scarlatti i koji su inače identificirali distribuciju i uspjeh talijanske opere na širokoj europskoj razini.

U jačnom primjeru, Handel - njegov put kompozitora opere - već smo mogli biti uvjereni koliko je osebujna i sukobljava glazbena drama operne seria i koliko je teško prevladati te kontradikcije u potrazi za originalnom dramom. U tim godinama, kada je Handel stvoren, Seria Opera u Italiji nastavila je svoj razvoj najprije pod znakom A. Scarlayti, koji je izravno povezan operne tradicije XVII. Stoljeća i Napuljske škole XVIII, a zatim uz sudjelovanje mnogih drugih Majstori ove kreativne škole i blizu svog smjera: N. Rodora (1686 - 1768), F. FEO (1691-1761), L. Vinci (1690 - 1730), L. Leo (1694 - 1744), F. Mancini (1679 - 1739), IA Hasse (1699. - 1783.), desetke sekundarnih skladatelja. I nevjerojatna stvar - o svakom od imenovanih autora i njihovih suvremenika, a povjesničari glazbe do danas izvješćuju mnogo dobrog, ističući njihove individualne prednosti, dok je opća država Opera tih godina izazvala pravedne kritike Suvremenici i danas procjenjuju se kao kriza u svojoj jahovini. To znači da je tada u Društvu Italije (a dijelom izvan nje) povijesni razlozi koji su točniji takve razine i takve prirode operne umjetnosti. Do sada, individualni kreativni napori, biti poboljšani od strane prijeloma, ne mogu ništa promijeniti u korijenu, kao što se može vidjeti na primjeru Handel, koji je napustio operu u govorniku. Primjer pergolegije nije manje indikativan: daroviti glazbenik-inovator, kreator Buffa opere, ne krši opće tradicije u opernom žanru Seria. Samo po sebi glazba u operi seria 1720 - 1750 mogla bi imati najvažnije prednosti (oni se slave iz svakog od glavnog

yanskaya Masters), ali dramatičan početak u opernoj umjetnosti sve je više odvojen od njega, fokusirajući se u suhe specifikacije, dok su rasprostranjene razvijene arije postale više od dugog lirskog zaustavljanja u razvoju djelovanja. To nije bila sama glazbena kriza; Bila je kriza sintetičkog glazbenog i kazališnog žanra.

Što ga je točno dovelo do njega u prvoj polovici XVIII. Za sto godina svog postojanja, talijanska opera uzela je put od početnog primat poetske riječi do punopravne dominacije pjevanja, od Dramme po Musici do "Koncert u kostimima". Napolitanska operna škola jer je nemoguće biti daleko od estetskih ideja florentinskih kamela. Tijekom XVII stoljeća, glazba je povukla svoje mjesto u sintezi opere. To je dalo vrlo pozitivne rezultate u radu Monteverdije, koji je dostigao jedinstvo glazbenog i dramatičnog počela u raznim verzijama - u "Orfee", drugi u kasnijim operacijama. Nadalje u mletačkoj školi, sve eksplicitniju dominaciju glazbe u podršci za ukuse široke publike također, očito, nije značilo krizu žanra kao takve. Naapolitanska škola, tako snažna već akumulirana tradicija, tako briljantno zastupljena okvirima poznatih izvođača, tako utjecajnih u Europi, prvo je iskusio ovu krizu. Složenost procesa bila je da je ovdje bio razlog za različita narudžba, a među njima ne samo negativno.

Najlakši način čini se da izjavljuje da je Seria opera nakon A. Scarlayti manifestacije pada talijanske umjetnosti, tretirajući hedonističke okuse i osjećaj na vrhu društva, sudskih krugova, kao i zahtjeve plitke zabave na dijelu više mase publika. Sve je to doista dogodilo: nezahtjevan različitih slojeva opere javnosti za glazbene i dramatične osnove opere; Niska razina njegovih estetskih presuda. Razvoj operskih kazališta u velikim i malim europskim dvorištima pridonio je "vanjskoj" percepciji opere nastupima luksuznih, spektakularnih, organiziranih, uz sudjelovanje poznatih i razmaženih virtuoznih pjevača, koji su sofisticirani u svojoj umjetnosti drugi put na štetu. namjeru skladatelja. Drama u operi u isto vrijeme u potpunosti se povukla u pozadinu. Međutim, nakon svega, dominacija promjera razvijenih od strane vokalnih oblika i raseljavanje drame razvio je vokalne oblike karakteristično je za talijansku operu tih godina ne samo u atmosferi palače iu bogatim svečanim nastupima, već iu javnim kazalištima, U običnim nastupima s "tipičnim" dizajnom, radi spašavanja. Slabljenje dramatične osnove u opernoj seriji, ravnodušnost javnosti sa svojim sadržajem (ne spominjem ideje), strast za virtuoznom pjevanju može

kako bi razmotrili uznemirujuće simptome predstojeće ideološke i umjetničke krize: renesansa i postrenatantska ideja humanističke "drame na glazbu" otišao u prošlost; Novi obrazovni koncept glazbene drame još nije razvio.

Opera Creativity A. Scarlatti samo po sebi još nije dao dovoljno osnova za kritiziranje stereotipa operne serijske. Skladatelj adresirao K. u širokom krugu Ploče do komedije, nisu se slomili s polifonim pismom, posjedovali dobre dramatične plamenove, osjetljivi su na ljudske utjecaje iu svakom slučaju nisu ograničili njegov vokalni stil usko shvaćen virtuoznošću. No, čak i za vrijeme života Scarlatti, ruža nova generacija skladatelja, a neapolitansku operu kao određeni smjer predstavljen mnogim imenima i uzorcima, nedostajalo je akutnoj i oštroj kritici. Prvi kritični nastupi bili su usmjereni na fenomene krize, karakteristične tada za žanr u cjelini. Suditi na ovaj način o opernoj seriji, bilo je potrebno uzeti određeni estetski položaj, a to je bio prvi korak u pozitivan program i na kraju do novog koncepta glazbene drame.

Među ranim kritičnim odgovorima na umjetnost seria istaknuta je oštrinom i svjetlinom Pamflet Benedetto Marcello nazvana "Modno kazalište" (1720) 1. Nadareni skladatelj, istaknuti političar, prosvijetljeni glazbenik akutne inteligencije, Marcello je dosljedno vozio sve smjerove modernog talijanskog opernog kazališta, imajući u umu serijsku operu ne u svojim najboljim uzorcima, već kao vrsta izvedbe. Imam sve. Nepoznasni pjesnici (to jest, Libretami), volio, tekstovi opere, ovisno o izbočini impresario: toliko prizora "žrtvovanja", "blagdana", "nebo na zemlji" ... beznačajan, stanovnik u glazbi skladatelja koji sastavljaju arije za niz bez zajedničkog poznanika s libretom, slijedeći tehnike skrininga za istezanje riječi prolazima, ugostiteljskim modom i poboljšanjem pjevača. Pogotovo dobivanje pjevača-katrata i pjevača sa svojim hirovima, proizvoljnim promjenama u vokalnim strankama, zanemaruju se za ansambl, partnerima na pozornici, javnosti, sa svojim manjime, vulgarnost i bhazalizam, itd. Nije zaobišao pamflet i operu impresario , mjerenje particije arshina i korištena samo

1 "moderno kazalište ili jednostavna i pristupačna metoda pravilnog eseja talijanskih opera u skladu s modernom praksom, koja pruža korisne i potrebne preporuke pjesnicima, skladateljima, pjevačima roda, impresario, glazbenika, dekoratera i umjetnika scena, komičara, komičara, komičara, Kostimi, grupe, zvijezde, sijalice, prepisivači, pokrovitelji, pjevači i druge osobe povezane s kazalištem posvećenim autorovim rukovodima.

korist; dekorateri koji su zanemarili umjetničke zadatke radi pjevača ili stvaranja svih znači spektakularni spektakl; Orkestralne glazbenike, spušteni nepovezani obrtnici.

Tako je Marcello satirično naglašavao i namjerno izoštrio sve što je bilo neprirodno, nepoznato u talijanskom opernom kazalištu i što se može uzeti u obzir moderanzajednički, svakodnevno prihvaćen. Pamflet je imao veliki uspjeh N, očito, točno pogodio cilj. On je posvjedočio da su drugi, novi zahtjevi za opernu umjetnost rođeni u društvu, što je opere Seriji uopće nije odgovorila.

U stvari, međutim, talijanska opera i u vrijeme Marcella i kasnije nastavila se širiti u Europi, bez gubitka utjecaja na slušatelje i uvijek privlače zapravo glazbeni interes za njihove najbolje uzorke. Ovaj paradoksalni položaj objašnjava se činjenicom da čak iu kriznim razdobljima gentra Serijina operasa njezinu glazbu koju su stvorile veliki skladatelji, nije li bila lišena neovisne vrijednosti. Dobro znamo da je operna seria XVIII stoljeća u potpunosti preselila u zaborav kao holistički rad, davno nije stavljen na scene, dok su aria stalno uključeni u klasični vokalistički repertoar. U opernoj seriji je razvijen od strane 1720-ih u suštinski ravnodušan stav prema zemljištu - ionako, mitološka, \u200b\u200bpovijesna i legendarna, manje često komedija domaće. Već A. Scartlati nije bio jako zainteresiran za podrijetlo zavjere, povijesne situacije djelovanja, likova heroja. Postupno, interes je izašao iz opere, na djela djelujućih osoba, na njihov odnos, itd. Jedna je ostala na snazi \u200b\u200bi utvrdila je glazbeni sastav opere: generalizirani izraz ljudski osjećaji u određenim dramatičnim situacijama. Sve ostalo se brzo "izgovara" u cleativima, na koje u javnosti nije prihvaćeno i slušanje. U isto vrijeme, ono što je Florentin tražio na prijelazu XVI i XVII stoljeća, koji je kultivirao Monteverdi u "ORFEE" (detaljno vokalno pismo, suptilnost deklaracije i psihološke Nuanxation), sada je preuređena u pozadinu , djelomično kao da se povlači u komorni žanr, u Kantatu. Emocionalna generalizacija većeg plana bila je dominantna u opernoj glazbi: svaka arija je obično utjelovila na jednu sliku herojskog, žalosna, lirska idilična (posebno pastoralna), živahna dinamična priroda. Postupno radite, razvijene su vrste ovih glazbenih slika, što je već bilo vidljivo po primjeru venecijanske opere XVII stoljeća i postala kompozicijski princip napuljske operne škole. Cijeli broj ljudskih osjećaja u svojim dosadama i složenom razvoju osvijetljen je nekoliko njih. vrste na vrlo jasno, koncentrirano

glazbeni uvjeti. Zapravo herojski, herojski lift, patos borbe, žalbe na djelovanje, na prepreku, eksplozije ljubomore, nasilne strasti - sve to je utjelovljeno u arijima (manje češće duets) uvredljiv i herojski tip. Oni su bili karakteristični za njih: aktivnost pokreta (često marširanje), fanfare tematske znakove, vokalnu zabavu, "cijevi" prateće efekte, često je toran ritam, glavni, veliki opseg. Ove se slike obično suprotstavljaju svjetlu i više smirenije lirske idilične, previše kao određeni tip. Ovdje su bili izrazi sreće ljubavi, radosti jedinstva s mirnom prirodom, pastoralnom idilom, itd. Glazba je stekla značajke pastorala, često izgled Sicilije, pokret je postao umjeren, razvoj melodije glatko, kantilizalija, popraćena flautama ili violinama u zapuštenom dva uže. Mirna ljepota, mir, mirisna, plastičnost cjeline odlikuje se ovom tipu arije. Najistavniji i dubini bili su u talijanskim opernim slikama tuge, koji su već odlučeni u Monteverdiju i stekli tipično značenje prije dominacije Napolitske operne škole. Raspon je širok: od snažnog, ali povremenog osjećaja tuga do strastvenog očaja, od nijansa žrtvovanja i samoodbijanja na vatrenu izjavu o spasenju, oslobođenje. Na primjerima handela već smo se upoznali s ovom vrstom Lamento u prvoj polovici XVIII stoljeća. Talijani Lamento imali su u prirodi svoje glazbeno razmišljanje, ukorijenjene u narodnu ritualnu tradiciju pogrebnih pjesama. Talijanski skladatelji prvi su razvili ovu vrstu slika u operi, a Lamento je doživio od njih u drugim zemljama i tamo je primio neovisnu tumačenje. Lakous slike neapolitanske opere nikada ne dopiru do dubine bakhakh tragizma i snage njegove patellike. Pa ipak, oni su najdublji neapolitans, najstrože, suzdržane iu izražavanju osjetljive tuge iu prijenosu oštvijih žalosnih osjećaja.

U pravilu, glavna kompozitna jedinica operne seria, koja je, aria, utjelovljuje jednu sliku iz kruga od nekoliko tipičnih. Prevladavajući oblik DA Capo omogućuje odobriti svoja glavna svojstva, čak i ako se pojavljuje novi tematski materijal u sredini arije. Samo u posebnim slučajevima, u zoni vrhunca, u oštrim sukobima arije može se sastojati od dva kontrastna dijela, otkrivajući dvije strane slike, sukob i borbu osjećaja u duši heroja. U ansamblima (oni zauzimaju potpuno podređeni položaj) vokalne stranke najčešće su individualizirane; Tipično, paralelno kretanje glasova je imitacija. Stranka pratnje razvijenija je u velikim skladateljima koji su očekivali za izvršenje u glavnim kazalištima, najbolje glazbene snage, skromnije u prosjeku. Svejedno

u prvom planu ne postoji samo pjevanje, ne samo vokalna stranka, već je to pjevač - solist, virtuoz sa svojim prednostima (i slabosti), umjetničkim vještinama (i predlošci). Dominacija, pa čak i neobičan despotizam pjevača u neapolitanskoj operi je tada dolazak u gradove. I premda su među njima bili divni gospodari s izvrsnim glasovima i fenomenalnim tehnikama (kao što su Francesca Kuzzoni, Faustina Bordeue, Carlo Pharinlli, Francesco Senzino, Dzhirolamo Krezentini, Gaatano Guaadani), ukupna razina izvršenja nije bila više nego zaista vokalna virtuoznost. Ali čak i najbolje kvalitete najistaknutijih pjevača tog vremena su ljepota Timb, širok raspon glasova, slobodno posjedovanje njih, briljantnu tehniku \u200b\u200bs visokom glasnošću - čak i ove kvalitete nisu uvijek služile kao vrijedne umjetničke zadatke , Poznati pjevači mogli su biti u stanju ispuniti sve što je potreban skladatelj (čak i ljestvica Handel, u kazalištu u kojem su izvodili), ali su morali nastupiti u virtuozu, plitke opere djeluju, pjevaju, ali gotovo da ne igraju Na pozornici, sjaji privatnu tehniku, donoseći svoj najviši umjetnički cilj izvedbe. Opera Trupa nije bila pod uvjetima ansambla, ostala samo privremeni sastanak pojedinačnih virtuoza, često se međusobno natječući na štetu zajedničkog uzroka. Muški glasovi za sekundarne uloge starješina ili zlikovaca i punu dominaciju pjevača-Kstrata u ulogama hrabrih junaka po sebi bila je znak rastuće konvencije o opere. Sopran ili Alto u Achille Party, Artaxerks, Alexander Makedonac, mlade ljubitelje, povijesni i legendarni kraljevi, zapovjednik, istočni vladari nisu iznenadili nikoga. Pjevači-kastrirati posjeduju glasove ženskog asortimana i muške snage, to jest, veličanstveno sredstvo za postizanje virtuoznosti, dostupan sada u najboljem slučaju, samo colutated sopran. A ipak je njihova umjetnost ostala neprirodna: zajedno s drugim konvencijama Opere Seria XVIII stoljeća, odbijen je u daljnjem razvoju Opera kazališta. Kao rezultat toga, neapolitanska opera nakon A. ScartTatti treba priznati za rijetke kontradiktorne umjetničke fenomene. Zanemarite dramatičnu suštinu operna žanr U svjetlini glazbenih slika u radu najvećih majstora, zanemarujući dramatičnu stranu izvedbe s briljantnim vokalnim snagama - to su njegove glavne kontradikcije. Međutim, oni još uvijek nisu ometali njezin univerzalni raspon Europe i općeprihvaćeni uspjeh svojih izvanrednih majstora, luksuznih predstava i - prije svega - njegove poznate pjevače i pjevače. Ova operna seria mora prije svega njegove glazbe. Njegove su glazbene slike koje su se razvile u svojoj tipičnoj osobi savršeno odgovorili

povijesne težnje glazbene umjetnosti XVIII stoljeća i umjetničke potrebe publike. To je bio glavni put glazbenog razvoja od XVII - do zrelog XVIII stoljeća. Ionako se kreće, svi glazbeni žanrovi u razvoju svijetle tematike i kristalizacije kruga tipičnih slika. Ovdje je Opera u kombinaciji s instrumentalnim ciklusima, uz sve to u glazbenoj umjetnosti figurativno upisivanje. U tom procesu, kreativne prakse u potpunosti su podržale tzv. Teoriju utjecaja, koji su se srušili u XVIII stoljeću i predstavljene izvanrednom njemačkom, talijanskom i francuskom estetikom.

Moguće je da bi neapolitanska operna serija kao glazbena i kazališna žanr pretrpjela moralni kolaps čak i prije reforme glitch nakon razumnih kritičnih napada u duhu Pamflet Marcello. Ali ona je došla do spašavanja, najvećih libretista svoga vremena, koji su bili prepuni istaknutim položajima mnogih obrtnika i s izvrsnim znanjem o slučaju, koji je ojačao verbalno-poetsku osnovu operne radova, ne dotaknu mu glazbenicu koncept. To su bili apostolski Zeno i Pietro Metastasio. Uloga drugog je posebno velika. Inteligentni i pronicljiv pisac, nadareni stih, Metastasio izabrao je operu libretto glavni oblik poetske kreativnosti. Osjetio je glazbu i dobro znao, jer je bila angažirana u njoj (pjevanje i sastav) pod vodstvom neapolitana N. Rodolitana. Tada je napisala tekstove za Serenda, pastoralni, kantat, razne nastupe s glazbom, koji je postao sudski poet libretkist u Beču iz 1730. godine. Najpoznatija operna libreta Metastazija nastala je u drugom tromjesečju XVIII. Stoljeća, među njima "Artaxerks", "Alexander u Indiji", "napuštena Didona", "Adrian u Siriji", "Olympiad", "Ahill na Skirosu", "Tita Mercy". Od trenutka njihovog pojavljivanja iu sljedećih desetaka godina, operni skladatelji neprestano su se povećali na tekstove Metastasia, a nitko nije isječen na ponavljanje: njegov libreto je napisan u XVIII. Stoljeću više od stotinu opere! Dakle, prvo, oni, kao i svi drugi skladatelji zadovoljavaju, i drugo, nitko nije zahtijevao nikakve individualne umjetničke kvalitete, kao da je iz udobnog, dobro koherentnog sheme za budući glazbeni sastav. Prvi Metastasio Libretto pojavio se četiri godine nakon pamfleta Marcello "Modno kazalište" - a sada nitko ne bi mogao prigovoriti operni pjesnik u neznanju, diletantizmu, zadovoljan lošim ukusima proizvođača, itd. Suvremenici su ga premašili kao pjesnika, počašćeni iznad Cornela i Račina, usporedili su s Homerom (preveo je "Iliad" i "Odiseja"). Njegove pjesme bile su skladne, sastav cjeline čvrsto je jednostavan, zaplet se razvio logičan, a svaki čin, svaka scena, dijalog, Stanza za ariju i ansamblima točno izračunavaju za glazbu, s jednim

rone, rejtittivies, na drugoj - zatvorenim brojevima. Charles Burnie, koji je smatrao Metastasiom najboljim operni pjesnik modernosti, primijetio je o njemu na osobnim dojmovima: "Metastasio se ruga svako poetska inspiracija i stvara stihove u rukotvorini, kao što je drugi bi učinio sat: kad želi, i za niti jednu drugu prigodu, osim što je potrebno "2. U suštini, metastasio do granice je poboljšan, poliran, očišćen od nesreća, od poetskog nemara, naručene i ocrtane sonoroznim stihovima, bivšem opernom shemom seria, čime ga je učinio i učinio je dostupnim skladatelju bilo kojeg ranga, čak i za Glazbeno dijete koje je pokušalo moć u sastavu 3. Ali cijela shema nije umjetničko tijelo, već samo mehanizam za koji ne postoji dubina sadržaja, niti prirodni razvoj likova ili interno motiviranih akcija ili emocionalnih pokreta. Dok je Serijina opera ostala u prethodnim pozicijama, operna poetika Metastasio bila je uistinu štednju za skladatelje koji su sastavili potrebne arije na pravim mjestima, bez zlo, napravili su speklatni fragment i konačno potpuno prebacuju zabrinutost zbog svega na drugim ljudima ramena. Ali kada je napuštena reforma ozbiljne opere, Metastasio Libretto je otkrio svoju dramatičnu nelikvidnost, a temelj glitch temelji se na potpuno drugom tipu, koji je potreban za glazbenu dramu.

Više od četrdeset godina prošlo je između pamfleta Marcella i početka reforme rukavica, tijekom kojeg je operna seria više puta kritizirala s naprednim estetskim položajima. U atmosferi epohe prosvjetljenja, nastala je određena predviđanja reforma opere, Dakle, znanstvenik i pjesnik Francesco Algalotti u svom "eseju o operi" (1750.) iako plaćaju zbog najboljih opernih skladatelja Italije (Pergolessi, Vinci, Galuppi, Yomelli), ali još uvijek zahtijeva besplatno Opera, iz njezinih nedostataka, uspostaviti jedinstvo glazbe i poezije, povezati uvertitu sa sadržajem drame, produbiti izražajnost mrlja, očistiti Aryo pjevanje od nepotrebnih ukrasa, prijaviti interes za razvoj akcije. Algalotti smanjuje komentare na sljedeći zaključak: "Sva sredstva za slanje sluha, zavoditi i iznenaditi ga - to je glavni cilj naših skladatelja koji zaboravljaju da su oni

2 Burri C. Glazbena putovanja. Putnički dnevnik 1772 u Belgiji, Austriji, Češkoj, Njemačkoj i Nizozemskoj. M. - L., 1967, str. 141.

3 Podrazumijeva se već u XVIII. Stoljeću najneugodnije mlađe suvremenike Metastazije. Esteban Areaga napisao je, na primjer, 1785. godine, da je Metastasio zaslužio neusporedivo masnu pohvalu, ako se, bore s zastarjelim, gotovo dva stoljeća carine, "usuditi se uzeti potpunu transformaciju dramatičnog sustava, umjesto održavanja trenutnih nedostataka, lijepljenje na svaki način. "(Arthaga eh. državni udarni talijanskog glazbenog kazališta. - U knjizi: Materijali i dokumenti o povijesti glazbe, Vol. 2: XVIII. Stoljeće. Ed. MV Ivanova-Boretsky. M., 1934, str. 222).

zadatak je dotaknuti srce i uzbuditi maštu slušatelja. "4. Od sadržaja rasprave, Algrootti, u svakom slučaju, postaje jasno, prvo, da se talijanska operna seria u načelu nije riješila svojih prethodnih proturječja, a drugo, tlo za opere reformskog glitch već je pripremljeno od strane sredina XVIII. Stoljeća.

S pojavom opere u 1730-ih, novi kriteriji za procjenu operne umjetnosti u cjelini počeli su se razvijati. Nije slučajno da algarakti dodjeljuje iznimnu jednostavnost i istinitost nekih glazbenih spisa i piše o prirodnom i elegantnom stilu "gospođe sluge" Pergolessi, koji je konačno napravio državni udar u odnosu na francusku talijansku glazbu. Žalba na buffa žanr oplođen s novim mislima i onim skladateljima koji su nastavili pisati operu seriju, B. Galuppi, N. Piccinni i brojni drugi. Općenito, u sklopu umjetnosti Seria, do sredine stoljeća, i novi procesi su također zakazani, koji, iako ne mijenjaju prirodu žanra, već doprinose njenom unutarnjem obogaćivanju, većoj dramatizaciji i emocionalnoj fleksibilnosti. Djela Talijana N. Yommelli, T TATTTA, P. Gulelyli, B. Galuppi, kao i skladatelji španjolskog ili njemačkog podrijetla, blizu španjolske neapolitanske škole, kao što je D. Perez, D. Terradales, I. Hasse, IK Bach , Vjerojatno, među talentiranim autorima, Seria opere nije bilo tko tko jednostavno bi ponovio kompozitne stereotipe i nije pokušao dramatizirati operu glazbu. Primjer handela posebno je indikativan, ušao je u put unutarnjeg glazbenog produbljivanja serijske opere ranije od drugih i bio je neovisan u njegovoj potrazi. U suštini, njegovo osobno kreativno iskustvo preklapa mnogo koje je postignuto u tom smislu od strane drugih skladatelja za glitch. No, imenovani predstavnici talijanske operske škole preselili su se na tom putu kada se Gendel već preselio u oratorij. Nastojali su dramatizirati najvažnije, kulminirajuće scene operne serijske, stvorene popraćene govore kao dramatične monologe s razvijenom i izražajnom instrumentalnom podrškom. Pokušali su se odmaknuti od pretjerane virtuoznosti vokalnih brojeva, a ponekad se približavaju jednostavnijim i jasnijim melodijskim stilom prema stihovima u opernoj bivi. Međutim, sve je to kombinirano s tradicionalnim znakovima serijskog opernog žanra. Dakle, Niccolo Yommelli, koga su suvremenici prepoznali kao podebljani i temperamentni umjetnik, kombinirani dramske izražajne poendative i lirskog kantilena novog tipa s virtuoznim arijama u duhu brixurna sonata. I. K. Bach, najmlađi u ovome

4 Algarti F. Esej na operi. - U knjizi: Glazbena estetika zapadne Europe XVII - XVIII. M., 1971, str. 123.

generiranje skladatelja, u isto vrijeme približilo se lirskom i komedilnom stilu ljubičica u operi i instrumentalnim radovima - i nisu se slomili sa starim tradicijama serijskog žanra. Nikcolo Logroshino, ovaj "Bog operna bivija" u očima suvremenika, i dalje je dao počast jednostranom virtuoznom vokalnom stilu opere seria. Dakle, unutarnje kontradikcije ozbiljnog opernog žanra samo su pogoršali i potaknuli kritičnu ideju da iznese reviziju njegovih estetskih zaklada.

Na primjeru jedne od kasnih opera Yemlellija "Phaeton" (1753.), stvorio je ubrzo prije Glukovskog "Orphea" i prerađen nakon Alsesta 1768., nije teško razumjeti, u kojem je položaju bila talijanska opera Seria do tog vremena. Poznati antički mit o mladom Faetonu (koji se usudio kontrolirati vatrogasni kolača svoga oca, Boga Sunca, i umro) se samovoljno tumači, intriga je zbunjena i slomljena, tekst je prepun praznih argumenata heroja, Mjesto djelovanja se stalno mijenja (špilja posvećena fetide, podvodno kraljevstvo božice, palače, trg, Tsarshky Creek pod zemljom, kraljevstvo sunca, more obale). Osim majke Phaeton Clemena i njegove nevjeste Labi, egipatskog kralja EPAF-a i Etiopljanski kralj Orcan. Bezobzirni čin Phaetona, koji je odlučio voditi količinu sunca na nebu, objašnjava intrige epaffa i orcane oko Klitene i usne. EPAFE zahtijeva Faetona da dokaže svoje božansko podrijetlo, "inače će izgubiti libu. Drugi čin Opere posvećen je u cijelosti razvoju ove intrige i pun sudara svih djelujućih osoba (pet visokih glasova), dok izazvano Phaeton konačno juri u kraljevstvo Feb. Svi dramski peripetici otkrivaju se u dužim sektorima rekatatata. U tri slike, čin - četiri arija, tri dueta, tercet i kvartet. Aria, kao što je tradicija potrebna, Variequaten: "alicitet pretvaranja" u Labiya, Brixuric Aria gnjeva Klimene, dvije arije potjere patnje (u drugom od njih patetično privlači sjene). Vokalni stil nije samo Arya, već i ansambli (dueti Klimena i Orkan, Orcana i Epafa) izuzetno su virtuoz, druge arije blizu je alat sonatny Allegro na teksturi i omjer tematskog materijala. I odmah u arijima Phaetona i Libije, manifestiraju se i druge značajke - carinsku, ponekad znakove izjave o melodiji. Uz virtuoz "duet zla" (Orcan i epaph), dramatičan kvartet se izvodi na istoj slici, u kojoj se zaraćena snaga protivi: Libiji s Faetonom protiv EPaffa s Orcanom. Stara, tradicionalna serijska opera eksplicitno se suočava s novim. To je posebno vidljivo u pojedinačnim monološkim scenama, na primjer, u sceni zastrašenog phaetona u drugom činu. Muče ljubomore i sumnje, on izražava svoje osjećaje u velikoj pratnji

rechitativna kupaonica. Izravna emocionalnost koja je zahtijevala fleksibilnu deklaraciju i česte smjene tempo, suptilno razvijena, harmonički bogata serija pratnje (string ansambl), slobodu i širinu pripravka izdvojiti ovaj monolog općoj glazbenoj pozadini opere. U velikoj povijesnoj perspektivi, kada smo, s jedne strane, predstavimo tradicionalnu opernu seriju prema uzorcima A. Scarlayti i ranog rukohvata ("rinaldo"), as druge strane, znamo potpuno različite reformes glitch , "Faeton" rezultat čini neku vrstu gigantskog akumulacije proturječja, rezultati čudovišta, u kojem se razvijaju stari znakovi žanra do granice i s dovoljnom jasnoćom pokazali su nove glazbene i dramatične trendove koji vode vodeći. Nije iznenađujuće da je paralelno s radom Yommellija tijekom drugog izdanja njegove opere već bio reformski koncept glitch. Da bi se dalje u smjeru izabrao Yommelli (i druge predstavnike Novoneapolitanske škole svoga vremena), činilo se teško, ako to nije bio besmislen, za ozbiljan operni žanr.

Razvoj oper-ljubiča otišao je u istoj Italiji, u Napulju, u Veneciji, a zatim izvan zemlje na drugi način u usporedbi s operom serijom. Kometički operni žanr, što je rezultiralo kasnije ozbiljno, imalo je druge izvore i orijentiran na nekoliko drugih okusa, bio je bliže životu i održiv. U određenoj mjeri, protivio se opernoj seriji u svojoj priči, krugu glumačkih osoba, na glazbenom stilistu i glazbenom dramaturgiji. Ali samo u određenoj mjeri, jer je operna bivija u potpunosti i izvan skladatelja koji su radili u serijskom žanru stavljeni su na iste scene, u početku čak iu prekidu ozbiljnih opera, doživljava istu javnost. Uostalom, Opera Buffa se oslanjala na druge strane skladatelja koji datiraju iste pergoles, Piccinni, Galuppi, koji nije odbio radu serijskih opera, utjecalo na druge stranke u umjetničku percepciju istih slušatelja koji su bili prisutni na obavljanju izvedbe ozbiljne opera. U svojoj vrsti, umjetnost Buffa pokazala se čak izumljenim, veselim i opuštenim odmorom iz uredskog kazališta Seria opere. Za to, možda postoje većina i voljena suvremenika.

Podrijetlo neapolitanskog i venecijanskog oper-buffe u 17. stoljeću, a njezin je prapovijest istovremeno povezan s raznim fenomenima talijanskog kazališta: s stripovima u mirovanju operne serijske kasnog XVII stoljeća, s dijalektnom komedijom od početka XVIII stoljeća, s uzorcima Del Arte. Poznato je da prije, ubrzo nakon njegovog pojavljivanja, talijanska opera nije bila otuđena ni komedije, niti ni strip žanr. Podsjetimo komediju

rim od 1630-ih, Tancoon, Jacopo Melanie (1657.), brojne komične parodijske epizode u venecijanskoj operi XVII stoljeću. No, početkom XVIII. Stil od Buffa opere bio je pripremljen i lagan, Smondwood Arias u nekim operatorima A. Scartlati, kao i drugi ne-politinistički skladatelji, još nisu otuđeni jednostavnim melodovima gdje je to bilo prikladno (u slugama stranaka, Kormilitz, itd. ). Osim oper-kazališnih izvora, popularni žanrovi talijanskog demokratskog kazališta, stripovi i komedija u neapolitanskom ili mletačkom dijalektu s glazbom, koji su privukli pozornost iz prvih desetljeća 18. stoljeća, bili su na svoj način Opera Buffa. Sretan, zabavan i gruban, avanturistički i potpuni pokret komedija na lokalnom dijalektu privukao je najširu publiku u Napulju i Veneciji, bio je povezan s gradskim životom, impregniran od lokalnog humora i odrazio je dan zla. Bilo koja idealizacija heroja i poziv sadržaja je odlučno odsutan u njemu. Zdravi, snažni, poduzetni ljudi koji nisu uvijek slomljeni u sredstvima pohlepnosti na život djelovali na sceni. Akcija je brzo uključena, a finale nekih djela nazivaju se "klubovi" ili "zbunjenost" - prema njihovoj vrijednosti za moždani udar intriga. Neočekivane avanture ljubitelja, fascinantne obiteljske tajne, iznenadnu prepoznavanje djece ili očeva, kompleksni peripetics u vezi s Darlage of heroji su odigrali, na primjer, protiv pozadine Napulja, na neapolitskom dijalektu, s mnogim mjuzičnim brojevi u lokalnoj glazbenoj tradiciji.

Tekstovi prvih dijalektičkih komedija u Napulju napisali su A. Merkotellis, a zatim su se pojavili druga imena. Autori glazbe bili su isprva nisu previše poznati skladatelji - B. Riccio, J. Venetsiano, A. Orefits; Moguće je da je glazba raznih komedija jednostavno odabrana od popularnih melodija. Ali već Piez Saddumen "Djevojka na galeriji" (1722.) s glazbom L. Vinci u suštini na putu iz dijalektske komedije (naflec dijalekt je pomiješan s talijanskim književnim jezikom) do opernog biffa. Zamršena, potpuna avantura komedije uključenih i buftino i dodirujuću glazbu, i arije i ansamble (duets, tercejti), iako nisu svi njezini tekst ukrašeni glazbeno - konfuzijsko finale su dijaloški ansambli. Leonardo Vinci, učenik jednog od neapolitanskog konzervatorija, autor mnogih opere seria, pokazao je druge strane svog datiranja u ovoj komediji i stvorio, osobito, rani uzorci komedije Aria (Chichieto pjeva njezinu slugu

nick) i Buffonov duet u potpori tradiciji ne-političkih ljudi. Ovdje suštinski završava prapovijest opere. Dijalektivna komedija dolazi do praga ovog novog žanra, kao da mu opuštaju književne i scene i slikovite mogućnosti, stvarajući preduvjete za novi glazbeni stil oslobođen konvencija operne serijske.

Povijest oper-buffe otvara briljantnu pergolezu (1710 - 1736), tvorac svojih prvih klasičnih uzoraka koji su primili svjetski prepoznavanje. Pergolesi je napisao stvarne komične intermedijere za izvršenje u mirovanju Operas Seria, ali njezini su radovi pokazali odabrani okvir i postali u praksi kazališta s uzorcima novog žanra - opere-biffa kao neovisne performanse.

Komični međuprodukti su izrađeni prije pergalcing, budući da su prirodna reakcija na cijeli glazbeni i kazališni stil serijske opere jer je isključila epizode komedija iz njezina kompozicije. U intermedu, žanrovima se obično igraju uz sudjelovanje slugu i sluškinje, djevojčica od ljudi i starih ljudi, ostavljajući vragove i borce dalje. Radnja se evoluirala u brzom tempu, bila je zabavna jednostavna intriga. Ne samo pjevati glumci su bili potrebni od glumaca, već i sposobnost da igraju komedije, da budu pokretni, deft i snalažljiv, izdržati ukupnu stopu glazbene izvedbe. Isprva su se međumedija odabrani iz pjevača operne trupe, ali su tada postojale posebne skupine, pa čak i tvrtke glumaca s intermenom repertoarom. Tijekom vremena počeli su ići dalje od zemlje, nastupiti u St. Petersburgu, Parizu i drugim europskim centrima. U praksi se dogodilo da su igrali međuprodukti ne na punom književnom tekstu, već samo na kratkom scenariju, gdje su zakazani samo komadići fakulteta. U ovom intermedijeru, zatvoren je s komedijom del Arte i njegovim načelima improvizacije na određenom platnom u skladu s vrstama parcela i maski znakova. Uopće talijanska komedija Del Atrth imao je općenito utjecaj na dijalektulu komediju, te u međumeniji XVIII stoljeća, a time i na opere-buffe tijekom njegovog stvaranja. Teme, karakter intriga, kazališnog stila, krug tradicionalnih maski - u svim ovim oper-biffa najprije na čelu s novim komičnim žanrovima, i kroz njih i komediju del Arte.

Povijesna vrijednost pergolegije nipošto nije ograničena na stvaranje prvih uzoraka bive opere, iako su uglavnom identificirali svoj kreativni izgled i proslavili njegovo ime. Uspješno je radio u različitim područjima, pisajući operu seriju, kantatu, duhovne radove, glazbu alata. U svemu što je napravio pergole u svom kratkom životu (samo 26 godina!), Izrazito i vedro obavljaju značajke novog stila, nove, mlade umjetnice XVIII. Stoljeća - čisto sekularno

pozadina, melodična, skladno prozirna, plastika, široko dostupna percepciji. Skladatelj više nije povezan s mnogim starim tradicijama; On nepogrešivo hvata samo novi u suvremenoj glazbenoj kulturi, on samo bira malo, ali najživo i obećavajuće u ovom trenutku; To je odlučno ne prihvaća sve za njega stranca - višestruke barokne kontraste, složene polifone oblike, ambiciozne umjetničke koncepte u duhu Bach ili Handel. Umjetnost pergalcinga čak i na velikoj povijesnoj udaljenosti djeluje zauvijek mlada i strogo selektivna u isto vrijeme. Čistoća njegovog stila, jednostavnost i jasnoća njegova glazbenog razmišljanja nema nikakve veze s primitivošću ili pojednostavljenjem. To je posebna čistoća postignuta u prevladavanju poteškoća i istovremeno neočekivano, svježe, novosti. Bilo je to u radu Pergolesi, koji je napustio svoj život prije Bacha, Handel, Ramo, prije Vivaldi i Domenico Scarlatti, s najvećom jasnoćom i pred drugima, označio je prijelom u novom glazbenom razdoblju. Pergolesi je bio prvi umjetnik nove generacije, u cijelosti za njega, karakterističan, beskompromisan i istovremeno postigao univerzalno priznanje. Razvijen je kreativno s takvom brzinom da sva njegova djela izgledaju sazriječiti u starim žanrovima (seria opera) i otvarati nove načine samo za nastanak.

Pergolesi se razvile kao glazbenik i odgojili u Napulju pod vodstvom neapolitan majstora Greca, F. Durantan, F. Feo, napisao je glazbu za lokalna kazališta i ispostavilo se da je izosorifikacija za glazbenu tradiciju neapolitske kućanstva. Godine 1731., njegova operna seria "Salzija" stavljena je u jedan od kazališta Napulja, a od sljedeće godine počeo je njegov kratak put do Opera Buffa. Napisao je samo glazbu na dijalektalnu komediju JA Federico "brata u ljubavi" (1732.), na brojne druge komedije (njihov krug još uvijek nije u potpunosti očišćen), na intermedijere "u vlasništvu države (libreto) (libreto federico , 1733), "Livletta i Patty" (1734), s dva dijela prvog od ovih intermedijera provedena su između čina svoje serijske opere "ponosni zatvorenik". Još nije mislio da stvara novi operni žanr. Njegov posrednik postati Buff operas ranije sve u Život kazališta: Počeli su se izvoditi kao neovisne nastupe - bili su tako zanimljivi za glumce i javnost, tako brzo osvojili uspjeh gdje su se pojavili. U budućnosti, Pergolessi nisu otišli i radili u opernoj seriji: 1735. godine je isporučen njegov "Olympiad" i "Flaminio".

Ipak, prvi uzorci Buffa opere, koji su stalno stvorili u vanjskom okviru Intermedia, u mnogim aspektima, protivili umjetničkom konceptu moderne serijske opere. On mitološki, a ne povijesni i legendarni, i

kućanske komedijske parcele formirali su osnovu rane operne bive. Umjesto brzog događaja, "gurnuli" u recitativatovima, intriga je postala jednostavna i neplodnost, ali zabavna, akcija je bila raspoređena živa. U seriji operi, u pravilu, glazba nije istaknula karakter heroja, izražavajući samo tipične emocije u tipičnim situacijama; U opernoj bivi, karakteristike likova već su zakazane, iako samo u opći oblik - Na načelu maski komedija del umjetnosti. U seriji operi, sve je dizajnirano za pjevačko solist, postoji sve veći interes za život, učinkovit ansambl; Bio je veličanstven, bogat stil, ovdje - skromni dizajn faze. Mnogo slobodnije i lako razvija arityoznost u opere buffe, približavajući se izvorima pjesama-plesa. Karakter glazbe, jednostavan i dinamičan, zahtijeva glumca mobilnosti, osjećaj ansambla, vještinu igre komedije.

U najpoznatijem radu pergola, njegova "sluškinja-ljubavnica" već je jasno istaknula sve te značajke nove umjetnosti Buffa. Zemljište intermedijera je izuzetno jednostavan, posuđen iz kruga tipičnih scena komedije del Arte. Likovi su u blizini maski istog komedije: voće, strip starac, koji je montirao vlasnik, i zapravo, prevaren od strane prostale (vrsta pantalona), semenci, mlada sluškinja, deft i graciozan Subrete ( Vrsta Kolumbine) - samo dvije vokalne stranke i jedan mute, pantomima (sluga Wespen). Predstava je općenito vrlo mala u veličini, intriga se razvija tradicionalno komedije: sluga je lukav da se uda za vlasnika i postaje mu gospođa. Ova najjednostavnija parcela i dalje ne definira vrijednosti rada pergola. Svojom prekrasnom glazbom napravio je tradicionalne slike dijalektalne komedije i srednjeg, pričvršćenog završetkom s likovima, podnio je atmosferu akcije i, u isto vrijeme, pobjegla je bilo kakvu nevolje slika ili čak vulgarnost, vidljive, bez sumnje, u dijalektalne komedije.

Stranka glumačkih osoba osmišljenih u srednjoj operi "Major-Madam" kao kontrastne. Ukloni - Bas-Buffo, poseban glazbeni "karakter", u budućnosti, u budućnosti, razvoj Phazzieloga, Mozarta, Rossinija u poslovanju. Serpina je lirska komedija, poetski i atraktivan. Njezina stranka povezuje obilježja lirskog milosti i perky Buffonada. A druge slike su nesumnjivo kazališna. Glazbeni loto serpina i daljinski su neraskidivo povezani s izrazima lica, gesta, ritmičkog pokreta, ohrabrujte ga, zahtijevaju. Za razliku od pjevača Solist u serijskoj operi, koji bi u najboljem slučaju mogao poduzeti spektakularne statusne položaje, pritiskajući ruke do srca, izvođači intermedija jednostavno nisu mogli pjevati, ne kretati se i ne svirati: bili su prisiljeni prisiliti ih letetvinu ,

Za ishod njegovih heroja pergolessi potrebni su izabrani sredstva za glazbenu izražajnost, u posebnom stilistu. Prvo je bio potreban melodija, ali ne i virtuoz vokalna melodija operna seria, jasna, konveksna, karakteristična, plastika, s jasnom i aktivnom ritmičkom organizacijom, s tendencijom žanrova, s prstima pjesmom-ples. Bio je potreban za ovu melodiju jednostavnu i funkcionalno definirana harmonijska osnova, dopuštajući dobrom kretanju razvoja unutar jednostavnog, izrazito koherentan glazbeni oblik, što znači da je potrebno jasnoće harmonijskih funkcija s homofon zajedničko skladište, transparentnost fakture, a naglasak kaditiona. Sve su to bili najjednostavniji, ali nesumnjivi znakovi novog stila 18. stoljeća, znakove prijeloma, koji su došli u glazbenu svijest suvremenika.

Svaka od operativnih osoba "Music-gđa." Je samo dvije arije, koje se ispostavljaju da je vrlo dovoljno za određivanje njihove karakteristike. Prva arija će biti Killyo postaje njegov "portret". Serpina se udaljava od zabrinutosti o gospodarstvu, tako da je oštriji osjetio svoju bespomoćnost i ovisnost o sluškinji. On joj grdi, tajanstveno, prigovore - i njegov brz brbljanje, njegov nemiran, komično uzbuđeni govor prenosi se u tipičnoj Aria Basi-Buffo (Allegro, F-DUR). Čini se da je glazbeni bufconade ovdje rezan: kruti motocikl glazbe, širokih i čestih prstenova melodije u brzom pokretu, razvoj nje iz početne jezgre, oštrim usporedbi registara u vokalnoj stranci, strip povezivanje lakoće , brzina kretanja, ploča i skokova instrumentalnog opsega, ukupni dojam protoka, noseći teške prepreke bez kašnjenja i opipljivih napora. Tekstura Arije je transparentna, orkestralna stranka je samo zakazana (violina i basso continuo). Prije svega, jedinstvo melodijske promocije u vokalnoj stranci: cijeli prvi dio aria intonacije - ritmički se odvija od onoga što je navedeno u početnim satovima (primjer 44. ). Samo ne dugo na početku srednjeg dijela postoje nove intonacije. Relozo privlači osjećaje Serpine, pokušavajući ga smanjiti, - iu njegovoj seriji virtuoz putnički opernu seriju serizira, a orkestar održava basovu Coloruuturu s teškim unisovom.

Serpina je oštro različita od base Buffo Party, ali i na temelju živahnog, nekontrolistabilno brzog pokreta. Njezina arija prva arija (Allegro Moderato, a-dur), graciozan i flirty zadirkivao vlasnika, potiče ples, u neposrednoj blizini jednostavne žanrove melodije i naglašava oštro, donekle "usmjerenost talijanskog, posebice neapolitan, Kanzonetta. Loftpause, ponekad progonjeni i zadorly dodjeljuju svaki zvuk melodija, podebljani prijelazi s naprsne na vrh također su ovdje povezani s posebnim putem

nastupi ne-politinističkih pjesama (primjer 45. ). Druga arija serpa sadrži suprotnost dva dijela, biti čisto igranje, vrlo slikovito. Serpine se zatim poziva na primjedbe, pretvarajući se da je siromašan usaljen i pokušavajući ga odbiti, kaže on "sebi" - oduševljen svojim uspjehom. Larine Larghetto co "uzdiše" u melodiji allegru s preplavljenim Allegrom. Naglasit će se oštar kontrast tih dijelova.

U duetima, ima još malo ispred želje da se individualiziraju stranke glumaca. Međutim, u prvom duet svađe, teška stranka obeshrabrena će se ukloniti sve dok se određena razina ne suprotstavljaju svjetlu, ljuska melodije serpine (primjer 46. ).

Karakteristične značajke nove stilistike su u drugim djelima pergola. U isto vrijeme, ne ponavlja se. S istim vanjskim okvirom intermedijera (dva dijela, sa svim dvjema djelujućim osobama), njegov "Livhette i Pattywall" izravnije od "Maduda majke" prijavljuje duh i boju neapolitske dijalektske komedije. U ovoj intermedijernoj oštriji, oštrine, grubosti, manje okus. Prvi dio je strip scena između lopova, prerušena kao trudna klupa, a djevojčica je zakuhala, prikrivao seljak. U drugom dijelu, lopovska boja opisuje znanstveni astronom, objasnila je s Livčettom i sve dolazi do uspješnog kraja (ljubavi duet). Kao u "sluškinja-ljubavnica", ovdje je jasno izraženo buffle melodijsko skladište u zabavama glumaca (primjer 47. ). Ali, za razliku od intermedija, to uključuje ružne epizode. Takav je izgled trapkin u krincu trudne klupe, kada se odgađajući prvak, on nastupa (bas!) Tipična melodija opere Lamento s naglašenim osjetljivim intonacijama - i prekida ga s nepristojnim lopovima njegovim drugovima. Uhvaćen na mjestu zločina, lopov se bori velikim tragikomičnim monologom (primjer 48. ). Dodirivanje F-Moll, patetične pozive na bogove (kao i obično u serijskoj operi), uskličnik, vibracije vibracija, tremolo i smanjenje septaxes u skupini za pratnju oštro zamjenjuju nagli apel na najodžansku "nehibed" Buffonade.

Primeston stil, vedro predstavljen u intermenija pergola, ne iscrpljuje svoje kreativne mogućnosti i sklonosti. On je također suptilno osjetljivi tek Uvertira, trio - sintsid), u najboljem slučaju, koji je poznat iz njegovih duhovnih spisa "Stabat Mater". Hootfully dodaje pergoles na vrstu aria lamento. Njegove značajke su u intermendima, gdje su blago parodije, ali još uvijek ne

negirati. Oni su naglašeni u ljubavnoj pritužbi od opere "Salsia"; Oni dobivaju neku vrstu izraza u Sicilije Vellali iz komedije "brata u ljubavi" (primjer 49 A, B ), a oni, već u žarnom dramatičnom izgledu, određuju duet "na Quam Tristis" u "Stabat Mater". Lamento Pergoleza stječe poseban, otisak prema njemu: plemenit suzdržanost se obično kombinira s nekoliko, ali oštrih, akutnih akcenti nestabilnog osjećaja (posebne intonacije uzdah-sinkopa, smanjen zatvor protiv pozadine jednostavnih melodija, smanjenje sedcectore ). Ovaj daljnji opseg koji nastavi osjetljivost glazbenih stihova XVIII stoljeća, koji je prevladavao u operi nešto kasnije.

Čini se da je "stabilno mater" ("majka stajanja majke") - crkva pjevanje u obliku duhovnog kantata je najdaleko od međuprostola. Ali nije. U XVIII. Napisano za sastav komore (sopran i Alto u pratnji gudačkog kvarteta i organa) duhovni proizvod pergolessi je prožet dubokim lirskim osjećajem, čak i s toplinom i srčanom osjetljivošću. Mali duet of Soprana i Alta (Larghetto, G-Moll) o Dubini majčinske tuge blizu križa je blizu najboljih uzoraka prodrijetirane opere Lamento, susjedni aria soprani (Allegro, ES-DUR) neočekivano uzrokuje svjetlo Neapletanske kazete u memoriji - poput arietes opere (primjer 50 A, B ). No, ova udruga je samo kratkotrajna, to će samo s ozbiljnim lorizmom "stabilno".

U bilo kojem žanrovima, na koje se uputilo, uspio je reći novu riječ. Njegove prevrteće, koje se pojavilo u trenutku prijeloma, kada je kazališna sinkronijska bila spremna otići na koncert, njegov trio-sonats predstavljaju mlad, preglasni instrumentalni stil i savršeno uklapa u razvoj talijanske instrumentalne glazbe svoga vremena. Sve govori o tome - razumijevanje ciklusa (talijanski uvertitar, sonata), predmet još jednog starog bara Allegro, prirodu prezentacije i razvoja u cjelini. Ipak, u radu skladatelja su vokalni žanrovi: oni su, njihove slike, njihov beton i svijetli tematizam, prije svega, oploditi instrumentalnu glazbu pergola i obavijestiti njezinu svježinu i vitalnost.

Sve što je uspjelo počiniti pergoles za svoj kratki kreativni život bio je izravno važno za najbližu buduću glazbenu umjetnost. Najrazumnije je izraženo u sudbini "majke majke". Ovaj intermedijer ne samo započeo priču o novom žanru talijanske oper-bive, već je i napao povijest francuskog glazbenog kazališta tijekom poznatog "rata ljubičice",

nicla u mnoge druge europske zemlje, svugdje uzrokuju suosjećanje za ime pergolezu. A to je još više iznenađujuće, još uvijek nije izgubila šarm i sada, nakon gotovo dva i pol stoljeća, uspješno je postavljena na pozornici.

Jedva iscrpljena, talijanska operna bivija brzo je privukla velike kreativne snage. Osim nekoliko drugih skladatelja, u Napulju, to je bio Niccolo Logroshino (1698 - 1765), kasnije Niccolo Picchinni (1728. - 1800.), u Veneciji - Baldassare gauldpped (1706 - 1785). Gotovo svi od njih, uključujući i velike magistere, nisu napustili posao iu operi području Seria. To je dovelo tijekom vremena na neku vrstu umjetničke razmjene između ozbiljnih i stripskih opernih žanrova, bez promjene, međutim, prirodu svakog od njih. Što se tiče Logrobino, ponovno je došao u Opere-Buffa kao da je od samog početka, pisanje glazbe na komedijske tekstove na ne-primateljenom dijalektu za lokalne kazališta. No, budući da se njegovi radovi nisu pojavili ranije od "Madeidel" maedera ", au većini, čak i nakon smrti njezina autor, Logroshino se ne može smatrati Stvoriteljem Buffa opere. Nastupao je njegovNešto drugačija povijesna uloga, koja je usmjeravala izravno izravno s dijalektualne komedije na opere - izravnije i izravno od Pergalcinga, koji je nastavio uglavnom iz intermeda. LOGROSHINO, očito, prošao je "mali" žanr stripova Intermedia i došao do oper-ljubiča iz više odvija se u obliku, avanturističkiji i manje usavršen u stilu lokalni komičari s glazbom. Odavde, drugi opseg njegove opere, veći broj glumca, razvio je finale djela. Od mnogih opernih rezultata, samo jedan, rođaci koji su već povezani s 1740-ih ostali logotino. Ali on ga je dobro poznavao u XVIII stoljeću i tvrdoglavo mu se pripisuje razvoju glazbenih finala u opernoj biviji kao dinamičnim ansamblima koje su jedva da su gradovi cijele operne kompozicije. Pergolea takve ansambli mogu imati samo duete. Logrošino u svojim zaključnim tercetama ili kvintatima proširio je najviše okvira ansambala i oštrila ih dramatičnom, učinkovitom ulogom. Slijedeći ga, phazielo, Chimarozo, Mozart, Rossini, Rossini, kreativno su razvijeni idejom učinkovitog bivolja, svaki ovisno o vlastitim umjetničkim zadacima.

U svakom slučaju, kompozitni okvir opere-se nakon pergola značajno se pomiče i dobiva neovisnost kao operna izvedba. Krug njezinih parcela je poderan, komedija je shvaćena ne samo kao bufon, komedija se ne tumači i ozbiljno, pa čak i sentimentalno, ali sadrži parodijske i satirične elemente u isto vrijeme. Međutim, stvarni satirični smjer ne prima dosljedan razvoj, slijedi opoziciju

hovny i svjetovna vlasti. Kada je bilježnik u Napulju P. Trinker sastavio i stavio komediju "Kharchevnya s avanturama" tijekom karnevala (1741, glazbena glazba, K. Chechether), ušao u zatvor: usudio se primisliti na mjesto određenog pustinjaka, Lestelik, jester i prijevara u jednom licu. Tema je bila samo relevantna - to je bilo zlonamjerno za to vrijeme u Napulju. Ispunjen u jednom od samostana, ova komedija s glazbom došla je u dušu čak i lokalnim redovnicima, ali ... odmah izazvao represiju. Tako je zabranjena Scirina oštrina, posebno društvena oštrina. Koliko god je to moguće, slabosti i poroci su nježno ismijavani u opernoj biviji izvan akutnih društvenih čipova, mladi, ljepoti i ljubavi bili su nagrađeni, priopljena je vrlina i porazili su zli, smiješni ili švicarski likovi poraženi. Ne-dobre komedijske parcele ove vrste bile su vrlo korisne zahvaljujući glazbi koja je stvorila svjetliju i značajnije, više poetskih i uzbudljivijih slika nego što je Libretto pretpostavljala. Skladatelji opere Buff postupno produbljuju njezin glazbeni sadržaj, tražeći nova sredstva izražajnosti, razvio vokalni stil, ojačao vrijednost orkestra. U isto vrijeme, nisu izgubili odnos karakterističan za žanr s melodijom kućne pjesme, čak i lokalni, lokalni, lokalni neapolitan ili mletački glazbeni okus zadržao.

Paralelno s neapolitanskom kreativnom školom, ali tek malo kasnije, mletačka škola, koja se proglasila u području glazbenog kazališta komedije 1740-ih i predstavio prije svega slavna imena dramatičara Carla Goalloga i skladatelja Baldassarea Gauldpped. Iznenađujuće je da je čak iu posebnim radovima o najvećem talijanskom komediku, aktivnost Goldoni-libreliteta vrlo osvijetljena. U međuvremenu, ovaj slučaj je jedva jedinstven: prvoklasni dramski pisac, u suradnji s izvanrednim skladateljem svoga vremena, dosljedno i radio mnogo preko opere libreta. U svojim memoarima, Goldeni kaže kako je pokušao napisati libretu za operu seriju i s kojim konvencijama se suočio: on je objasnio da tri glavna lika mora obavljati pet aries različitih likova (patetično, brix, deklamaciju, sjajno) u određenim točkama opere, sekundarni znakovi Možda nema više od tri Aria, itd. Dramatičar ga je ironično smatrao. Rad u opernoj seriji nije ga mogao zadovoljiti. No, mladi žanr Buffa opere bio je mnogo blizak njemu kao autor komedije: Goldeni napisao je libreto za nekoliko godina, po korist (ali ne isključivo) za opera

5 Vidi: Gospodin K. Memoirs, t. 1. m, -il., 1930, str. 266.

Gauldpped, koji je od 1740-ih često hodao u Veneciji, ubrzo stekao slavu u Italiji i šire, posebno su postavljeni, posebno, u St. Petersburgu (gdje je Ghauppi bio 1765. - 1768. od strane Suda Caplet). Opera Libretto Goldoni je više konjunkcija, a ne tako izravno život kao najbolje komedije, ali iu tekstovima operne Buffa, on je napravio veću raznolikost u usporedbi s parcelom intermedija i dijalektalnih komedija, proširio izbor tema i krug znakova. Napisano je na svom libretu, između ostalog, najpoznatije opere Gaulppy "Mjesečev svijet" (1750.), "Rustikalni filozof" (1754). Ovaj skladatelj također nije ostao u potpunosti u pozicijama opere 1730-ih, šireći svoj glazbeni okvir, dopuštajući veću slobodu za prirodu vokalnih stranaka. Dakle, u operu "rustikalni filozof", glavne stranke "ozbiljnih" (to je bez komeprika) likovi su više virtuozijski u razvijenim arijama, ali arije i arijebljenje sluškinje Lesbina, seljaci Lene i Nerdo su karakterizirani jednostavnim svježim, često pjesama. Lesbin pjeva tri chancenets (o radiru, o cikoriji i o sulali) - a ovdje se skladatelj približava domaćem skladištu malog venecijanskog Kanzonetta. Shepherd pjesma mladog seljaka Lene također je u skladu s jednostavnim vokalnim stilom, ritmično akutnim i svježem na boji. I u isto vrijeme tužna arija iste Ledine (Larghetto, C-Moll) je tipična lamento operska operna, nježna i osjetljiva.

Poznato je da je ova operna gauldpped izvedena 1758. godine 1758. godine, a deset godina kasnije skladatelj je napisao za ruski prijestolnicu seria opere "Iphigenia u Tavridu".

Ne bez sudjelovanja zlatnika bilo je novog smjera oper-ljubiča, koji je otkrio za sebe nakon sredine XVIII stoljeća, područje osjetljivih stihova u općem smjeru europskog sentimentalizma. Općenito prihvaćeni izražajni od ovog smjera bio je Niccolo Picchinni, koji je u 1760 opere "Chekkina ili vrsta kćeri" na libreto K. Goldoni (za roman S. Richardson "Pamela ili potplatio vrlinu"). U radu Piccinnija, talijanski strip je uzeo moraliziranje - sentimentalna sklonost, a Buffonad se jasno povukao prije osjetljivih stihova. Bilo je novih tema - obitelji, obiteljske vrline, obiteljska čast, odanost dug, osobni moral. Osjećaj oduševljenog dostojanstva objavljen je iz izrade, sposobnost da "dodiruje srca". Rasprostranjen razvoj sentimentalizma, koji je uhvatio europske zemlje, izražena je na različite načine u literaturi, dramu, slikanju i glazbi svakog od njih, a osim toga, ne ostavljaju na sve uniformu u različitim javnim krugovima. Dakle, sentimentalizam J. Zh. Rousseau i drugi napredni umjetnici i mislioci Francuske, epoha prosvjetljenja bile su u biti militantna priroda, tvrdeći o snažnim i prirodnim osjećajima nove osobe u borbi protiv svjetonazor,

rocter za stari red. Sentimentalizam talijanske oper-bifle izražen je u mekšim, opuštenijem oblicima, bio je prilično dirljiv i idiličan nego vatreni i hrabri. U radu zlata, sentimentalizam nije postao odlučujući smjer: dramatičar je samo ušao u kontakt s njim na svom kreativnom putu. No, za operu novi žanr okvir.

Piccinni se ne smije zvati najčišći sentimentalist. U svom operu, taj je smjer bio posebno vedro manifestiran samo u određenoj fazi - za vrijeme "dobre kćeri". Međutim, budući da mu je donio najveću slavu i odgovorio na važna svojstva svoje kreativne osobnosti, ušao je u priču prvenstveno kao autor "provjera". Stvaranje ove opere, Picchinni je već počeo iskusni skladatelj, nakon niza svojih opera, dostavljenih u Napulju i Rimu. On je dobio glazbeno obrazovanje u jednom od ne-političkog konzervatorija, gdje je bio angažiran u vodstvu L. Leo i F. Durantan. Godine 1754. godine, njegova prva operna "konstruirana žena" stavljena je na pozornicu, a zatim je slijedila niz opererijskih opera na Metastasio Librettu. Kao predstavnik Napolitske operne škole, Piccinni, za razliku od Pergolessia i LogOshino (s kojim je raskošno) više nije bio povezan sa starim primjerima Buff Opera u intermediji i dijalektalnoj komediji. Njegovo kreativno iskustvo prilično je ovisno o opernoj seriji. HO Sentimentalist smjer se ispostavilo da je interno zatvoren. Prema njegovim riječima, najvjerojatnije je osjetio svoj obiteljski čovjek i proveo život "između kolijevke i klase".

Nije iznenađujuće da Piccinni odmah privukao zemljište "dobre kćeri": Buffonade u ovoj operi nije značajna, kao iu ozbiljnoj komediji, gdje se akcija usredotočuje na osobnu dramu. Dodirivanje, lirski početak izlazi do izražaja, a strip znakovi samo malo sjeni ono što se događa. "Dobra kći" - nije sasvim točna za naše vrijeme: radije "," dobro "," kreposna "kći - mladi Chekkina (opadajući naziv iz Farnija), negdje, ako je potrebno, koji je otac ostavio na stranim ljudima, odgojen u Kuća grofice kao nepoznata sita, a konačno je pronašao njegov otac-pukovnik. Chekina prenosi ozbiljan test osjećaja, ali ostaje čestita i pokorna žrtva okolnosti do neočekivanog sretnog spoja. Voljela ju je nećak grofice, mladog markiza i, zahvaljujući intrigu zavidno, naučio je groficu, koji je odlučio izoštriti kontrolni samostan u daljinski samostan. Međutim, zaljubljen u mladog seljaka u djevojčici

nedostaje mi njezina kolica i oslobađa provjeru. Prepreke za brak s markizom nestaju: Bravi vojnik nazvan s određenim pukovnikom pojavljuje se, tražeći njegovu dugogodišnju kćer, a ispada i da je to (pod drugim nazivom) Chekina. Ovdje se izglađuje društvena oštrina izvornika: u Richardsonovom romanu, vrlina jednostavne sluškinje pamele trijumfija zbog promiskuiteta najvišeg društva, u operi Guppie u libreto Goldso Boracti Chekikin ikad se ispostavlja da je "plemenito" podrijetlo. To se ogleda u operi samo zlu volju, sprječavajući povezivanje ljubavnika, a ta smanjenje dopire do emocionalne sile zbog suosjećanja za suosjećanje za kontrolu patnje, a ne kroz bilo koji akutni obrisi negativnih znakova.

Najnoviji za operu-Buff u Picchinni bio je sklonost lirskog junakije kao glavne stvari u radu i, štoviše, opisano u mekom sentimentalnom duhu - ne u bivšoj tradiciji žanra, a ne prema operi Seria. Nekako portret Chekina dan je u njezinoj poznatoj aria-prigovori (Largo, D-dur), koji zvuči u tužnoj situaciji, kada je djevojka odbačena i napuštena svima. Za razliku od uobičajenog tipa Lamento, ova arija nije samo tužna, ali drhtaj u izrazu osjećaja, prožeta je živom disanjem mlade patnje stvorenje. Orchestralna stranka, obično suzdržana u opernoj lamento, sada oblikuje najvažnije izražajno okruženje za kretanje glasa. Dvije violine troše i nježne, mahnite (paralelne boje) "sušenje" svojih melodija daje cijeli mekani i poetski okus. Vino vokalne stranke i pevič, čak i patetični, oštri sinkopski akcenti tipično neapolitan melode su stekli u sporoj motiru. Naivno-samo otopljeni značenje, karakteristični uzdahovi zaključuju gotovo svaki izraz, pojedinačne riječi ("utjehi)) prekidaju pauze, kao i heroina potiskuje sobbies. Tragična ukočenost bivšeg lamenta zamijenjena je otvorenijom i neposrednom izražajnošću, a kombinacija živahnog wave osjećaj s neočekivanim iduilacijom opće boje je informiranje središnje arije Chekine, normi otiske, karakteristične za slike postbach epoha (primjer 51. ).

U "dobroj kćeri" rezultat, možete pronaći primjere dramske deklamacije (aria mladog markiza, uistinu, u drugom činu) i uzorci buffonada (komični aria pravopisni točnik), ali oni nisu glavna značajka Ova operna picchinni i razlog za svoju brzu i široku popularnost. Od prvih produkcija "dobre kćeri", javno je oduševljeno prihvatio. Liričke sentimentalne epizode uzrokovale su teške teze u kazalištu. Ime "Chekkina" postala nominalna; Dano je modelnim toaletnim predmetima - rukavicama, šeširima. Opera Slava se proširila izvan Italije, nakon što je dosegla čak i do daleke Kine (postavljanje u Pekingu).

O Pichchinni naučio je svugdje kao o autoru "dobre kćeri". Godine 1761. skladatelj je stavio novu operu "Dobra kći oženjen" - nastavak "provjera". Budućnost je, međutim, pokazala da su kreativne mogućnosti piccinnija skladatelj jarko daroviti i neuobičajeno plodan - mnogo širi nego što je pronađeno u najpopularnijem od njegove opere.

Tijekom vremena, talijanski operna bivija postaje kazališni fenomen istinski međunarodne ljestvice. To se ne samo izvodi iz Italije u druge zemlje, ne samo da obavljaju sile talijanske trupe (često uz sudjelovanje samih skladatelja kao maestro): Mnogi radovi posebno su napisani za europske prijestolnice i sudskih kazališta, čak i tamo, u mjesto gdje jedan ili drugi talijanski skladatelj obavlja narudžbu. U posljednjoj trećini XVIII stoljeća, operna-buff doživljava vrijeme sadašnjeg obilja i ulazi u razdoblje zrelih vještina, čak i neku vrstu virtuoznosti. Gotovo svi talijanski operni skladatelji rade iznad njega, uključujući i najpoznatije autore Operas Seria. Međutim, niti sudjelovanje heterogenih kreativnih snaga niti izlaz daleko izvan granica njihove zemlje ne lišava talijanska umjetnost Buffa je svijetli nacionalni otisak, njihove vlastite povijesne tradicije i korijene. Osobito specifična glazba ostaci - njegov stil, njegova opća priroda, metode razvoja. Možda samo u izboru tema i parcela, krug koji je sve pomaknut, znatno je širenje opere u novom za to i gotovo neograničeno područja figurativnog sadržaja. Ipak, talijanski strip o svakoj zemljištu iu uvjetima bilo koje zemlje uvijek je prepoznatljiv, uvijek na svoj način kao glazbeni i kazališni žanr. Takva dolazi kroz frakture desetljećima u doba Rossinija i dobiva njegov klasični završetak u svom radu, dosegnuvši umjetnički vrh u Sevilli Cryju. U cijelom XVIII stoljeću, operna bivija obavlja važnu ulogu u početnom razvoju žanra stripa u brojnim europskim zemljama. Ona ne mora nužno oponašati, ponekad se čak i boriti za vlastitu nacionalnu neovisnost. Ali njezino veliko iskustvo, njegov utjecajni kreativni primjer, konačno, njegov povijesni prioritet ne prolazi bez traga - za francuski, njemački, austrijski, ruski skladatelji XVIII stoljeća. Poznato je kako je Mozart podignut iznad oper-Buff žanra, stvarajući "figaro vjenčanje" i "Don-Zhuan" na talijanskim tekstovima, što je daleko nadilazio njezin tradicionalni glazbeni i slikovit okvir. Pa ipak, ne za Mozart - autor ovih opera je bliže u prošlosti, nego umjetnost Buffa. U svojoj mladosti doživio je svoje snage izravno u žanru talijanske stripove. U svom novom

novi, istinski sintetički operni stil, umjetničko iskustvo Buffa nije bio jedini, ali najmoćniji jet, kada je stvorio "figaro vjenčanje". Čak i nakon remek-djela, ponovno se vratio ravno u operu Buffa, pisanje "Cosi Fan Tutte".

Među mnogim skladateljima koji rade na opere-buffe, njezin izgled u vrijeme Mozarta određuje se prvenstveno talijanskim majstorima za koje je postalo glavno i karakteristično područje kreativnosti: više od drugih - Giovanni Paliieelo (1740 - 1816 ) i Domenico Chimarozoz (1749. - 1801). Tijekom svojih aktivnosti oper-buffs pokriva prilično širok raspon tema. Često je to kućanstvo buffonade komedija, zatim s obilježjima idylness ("Melnahikha" phaziello), zatim sa satiričnim trendovima ("tajnim brakom" himaroida). Djelomični elementi su vrlo jaki u brojnim radovima: parodija na serijskoj operi u "imaginarnom filozofu" Payzielo (Spell scena), u "Kineskom idolu" od njega (scena u hramu), čak i parodija Glukovskog "Orfeja" "U" prekršenom povjerenju "Palizela. Ponekad se operska bivija tumači kao sentimentalna drama ("Nina ili lud od ljubavi" Palijello). U nekim djelima provodi se nova obiteljska morala, vrline običnih ljudi korupcije najuštediju ("rijetka stavka" Vincenta Martin-I-Selera) su suprotstavljene. Ponekad još uvijek postoje očite veze s komedijom del Arte i njegove maskirane likove ("smiješne ljubitelje" Paliieelo). Kao iu "otmici iz seraralnog" Mozarta, kao u "prevareni Cadi" glitch, komedija scene povremeno dobivaju istočnu, egzotičnu boju ("pristojne arapske" i "kineski idol" phaziello). Nevjerojatan "čarobni" Buffonade nije isključen. Uz sve to operne bive, ona ostaje, u pravilu, svjetlo, poetska, vesela glazbena komedija, puna pokreta i vatre. Ona ne gubi u svojim lutalicama u svijet solidne povezanosti s talijanskom naseljenom umjetnošću, s zglobnim tlom njegove zemlje. Ova veza sada postaje bilateralna. Pojavljuje se opera, ponekad čak i naglašava blizinu pjesme Walla, u izvorniku pjesme, uvedeni su narodni instrumenti (nasilje, citrat); Popularne operne melodije pak prodiru u život i postaju narodne pjesme.

U to je vrijeme da operna bivija proizvodi cijeli sustav masarskih tehnika glazbenih pisama, a njegovi autori dosežu virtuoz posjed tehnike glazbene komedije. Klasični završetak dobiva vokalni stil: buffla melodijsko skladište (koje se bježi od pergoleza) doseže svoju krajnju dinamiku i akutnu; Lirski kantilen dobiva milost i gracioznu lakoću u komediji.

Glazbeni stil opere-buffe, tako definiran i čvrsti, već djelomično blizu stila bečkog klasika ili radije

najjednostavniji znakovi njihovog stila do Beethovena. U struci Buffa, kao što je pretjerano u elementarnom izrazu uzoraka novog glazbenog razmišljanja: homofonsko skladište, strukturna frekvencija, kretanje, motiv raskomadanje meloda, izravna funkcionalna harmonijska logika. Ali samo "kontaktiranje" sa stilom bečkog klasika, operna bivija ostaje mnogo ograničenija u svojim izražajnim sredstvima, te, naravno, u svojim umjetničkim konceptima. Ne dopire do realne sile, niti životni razvodnik, niti duhovni poezija Mozartovskih kreacija; Ona ne posjeduje satirični stres Rossinija. Specifičnosti oper-ljubiča uglavnom se određuje činjenicom da izabrane teme, obilježja stilistike i tehnike razvoja dobivaju precizno hipertrofični izraz. Strip, komedija buffontade, zagovorljivost se pretvara u brzi protok kretanja, jednostavne harmonijske formule (osobito kadence) su tvrdoglavo "praznog hoda", motiv rad vrtloga pokriva buzonske zvučnike i veze s sekvencama, i sve obožava neuredan stupanj temperamenta izvedba, mahnito jufonne.

Najveći predstavnik opere-Buff u posljednjoj trećini 18. stoljeća Giovanni Phazielo upravu potpada pod regiji neapolitanske kreativne škole, koja se prethodno zabavljala, Vinci, Logroshino, Piccchinni. Studirao je u jednom od neapolitanskog konzervatorija F. Durantan, koji je bio i učitelj pergola i Picchinni. Prva opera Palyzielo dostavljena je Bologni 1764., a sljedeće operne radove uključene su u Napulj, Modenu, Milano, Veneciju do 1775. Zatim je bio pozvan na St. Petersburg (kao sudski skladatelj), gdje je radio u 1776-1784, nakon čega je opet bio u Napulju do 1802. godine. Među ranim djelima Phaziello, napisana pred St. Petersburg, tu su i Buffa opere i Seria opere (uključujući libreto Metastasio). U budućnosti se nastavio okretati ozbiljnim i stripovima žanrova, ali slava mu je donijela uglavnom operu bivla - prave pozive. Dok je u St. Petersburgu, Phazielo je napisao, osim opere u seriji, "Majka M." (1781, za revidiranu bivšu libretu) i " Sei seville"(1782., komedije BOMUMASCHE). Drugi od tih operati-biffa nehotice predlaže se o usporedbi s poznatom operom Rossini na istoj parceli. Sam je znatiželjan ono što je fazielo u St. Petersburgu postao zainteresiran za komediju Boulersche, a zatim još uvijek nova. No, skladatelj je u cijelosti interpretirao svoju zavjeru u tradiciji Buffa, kao da zatvara oči u satirco-optužujućim, militantnom smislu originala. Party Figaro je dao tradicionalno buffy karakter, party grafikon - nekoliko galantnih. Rosina je prikazana u fazielo prilično gracioznom, čak i sentimentalnom od duhovitog i poduzetnog. Arija

Bazilio o klevetu iako je na svoj način i izražajan, ali daleko od figurativne snage Rossinija. Dolazak četiri godine kasnije, "Vjenčanje Figaro" Mozarta daje primjer potpuno drugačijeg - u isto vrijeme neovisno i podebljano - tumačenje druge komedije BOMUMASCHE-a. Rad faziela i dalje se može mjeriti.

Merry Buffonade "Melnichy" (1788) - strip opere, pun smiješnih avantura (nesretni ljubitelji mladih mlinova) slijediti je, skrivajući se od gnjeva barunesa - nevjesta jedne od njih), s promjenom odjeće, bježi, prijetnja palež, itd. ,, Gotovo poetska slika Melnichi amaransa, koja djeluje kao nevin usahnuo, ali, posjeduje snalažljivost i lukavizam, kreće cijelu intrigu komedije, - samo ovu svježu sliku s nemirnim krugom komičnih likova (barunica, njezin mladoženji bilježnik). Postoji nešto idilično u takvom protivljenju jednostavnih seoskih mlina u njezinom neodoljivom šarmu - i arogantnom barunesu s njezinim nepouzdanim okruženjem. Scirična oštrina ovdje se ne postiže, ali su socijalni i ruski motivi i dalje prisutni.

Ništa u glazbi opere drži brzo raspoređivanje akcije, samo pojedinačne epizode nose funkciju kočenja, što na kraju dodatno povećava cjelokupnu dinamiku. Uvertira je odmah izlivena u ovaj protok pokreta, biti iznimno motor, u obliku slobodno razumjeti sonata allegro. Dvosmjerni ili trodijelni ciklus, prethodno karakterističan za over-uzorkovač, sada je inferiorna od jednog dinamičkog pristupanja operi na tonu Allegro ili Presto. Uvertira "Melnichihi" nema jasnu tematsku vezu s glazbom opere, ali postavlja ton svega: ukupni dojam vesele buke, bufoni i sjaj će ga ujediniti s većinom vokalnih brojeva. Značajno mjesto je zauzeto u operni ansamblima: tri dueta, jedan kvartet, dva kvinteta, dva konačna ansambla. Gotovo sve to je ljubitelj ansambla, noseći gaming, scenski karakter, koji se aktivno otkriva u vrhuncu rada - u velikom konačnom ansamblu prvog čina. U cjelokupnom toku, bufforni se dodjeljuju u svakoj od dva djela samo jedna epizoda drugog tipa. Oni su povezani s imidžom mladih mlinova, ženstvenim, svježim, gracioznim poetskim, i time potresti buzonski stil svega ostalog.

U prvom činu opere, početna scena uređenja ugovora o vjenčanju u dvorcu baronela. Ovo je kvintet, u kojem je bila uključena nevjesta (vlasnik dvorca), mladoženja (barun), bilježnik, domaći baronica. Bilježnik diktira tekst, nevjesta i mladoženja prosvjedi protiv uvjeta ugovora, prisutni komentar o onome što se događa. Replike solista i nastupi ansambla temelje se na dobrobit bivolja

corona, i sve ujedinjena jednodijelnom i dovoljno neovisne stranke orkestra, još više zauzet i brz. Pojava mladih Millichi (došla je s čestitkama) zabilježena vrlo različitom glazbom: njezina graciozna arija stvara sliku mladih "Smispennitsa" i "kuhari", koje heroine želi. Jednostavna, malo naivna, plastična melodija blizu talijanskih žrtava. Oštro pokrov karakter svojstven stripovima njezinih obožavatelja, zaljubljen u stari suca (Bass Buffo) i Turon's Volokat (tenor), koji pitaju bilježe da kažu Amarantu o svojim vojnim iskorištajima, o slavi i uspjehu na dame ( herojski stil operne seria).

Dodjela stupanjskog djelovanja, glumci "svirajući u vokalnim sobama, posebno u ansamblima, je specifičan znak zrele bive opere, za razliku od principa kompozitnih načela serijskih opere. Takav, na primjer, kvartet u prvom Melnichiju. Altery Budale naizmjence i Baron, obećavajući da će za svaku od njih prije Melychikha, gura ih i odnosi se na bilježnik. Kratki melodijski buff zvučnici se kombiniraju s pertvom na jednom zvuku, govoreći i arouse tehnike slobodno se kombiniraju u cjelokupnom pokretu i brzom tempu. Sve je to nemoguće pjevati samo: Priroda glazbe i značenje ansambla potiče izvođače na akciju. U nekim slučajevima, melodijski buffonad u Opere Phazielilu detektira izravnu genetsku vezu s vokalnim stilom pergola: može se vidjeti iz usporedbe stripove arije bilježnika (on traži milost od baruna i sudaca koji ga namjeravaju pobijediti Za obmanu) s Aria kašnjenjem iz "majke majke" (primjer 52. ).

Divan Melnachi Pjesma (barun se tada pridružuje) počinje drugi čin. Malo i vrlo vrlo jednostavno, iznenađujuće je svježa, plastika u svojoj melodiji i impresionirati takve klasične harmonije, što razlikuje savršene uzorke narodne umjetnosti. Moguće je da je Phazielo tretirao originalnu talijansku narodnu melodiju. Možda melodija koju sklada skladatelj izjavljenzatim ukupno proliferira (primjer 53. ). Na ovaj ili onaj način, ova pjesma je prepoznata kao folk u Italiji. Ljudski domaćinski okus Phazielilo nastojao je dati kvintetu drugog čina uz sudjelovanje "vrtlara" (prikrivenog baruna) i "Melniku" (prikriveno bilježnik), posebno uvođenje u seriju održavanja citrusa. Više puta se vratio jednostavna tema Ovaj kvintet, poput prekrasne melodije prethodne pjesme, služio je kao osnova varijacija Bethovena za klavir.

U zaključku, istaknut ću prvi aktuavac u operi u operi. To je konačna tang, konačna zbunjenost, kao što su suvremenici tada rekli. Istodobno je dovršen, zatvoren kao cjelina (tonski plan: ES-DUR - G-DUR - G-TUR - G-DUR - G-dur - Es-DUR), i kreće kao stub

pozy, postupno živčana energija, dugotrajno kočenje na vrhunac do vrhunca i konačno ga postigne. "Koraci" finale su takve. Andante, Es-Dur, Trio: Melnahikha susreće Baron i bilježnik, konus koji je učio mlin; Più Allegro: s pogledom na suca, prijeteći sav zatvor i gnjev barunis, opća konfuzija. Allegro Con Brio, G-Dur: Pojavljuje se ljutiteljsko baronice - "Gdje je izdajnik?"; Baron i bilježnik se skrivaju. Andante Con Moto, G-Moll - Allegretto - Andante, G-Moll: Akcije kočenja, pritužbe i objašnjenja Melnichija. Allegro, G-dur, kulminacija: nakon narudžbe, barunica će zapaliti barun mlin, a bilježnik se pojavljuje kroz prozor. Allegro, Es-dur: ukupna užurbanost, ogorčenje i prolaz. Znajući konačne ansamblima Mozarta u "Figaro vjenčanju" i "Don Juan", možemo pronaći ovaj konačni naivni i jednostavan. Ali to je tipično za fazielo i skladatelje svoje generacije u opernoj bivi, odgovara njihovim umjetničkim namjerama, organski se razvija i odrastao na temelju tog žanra i zadovoljava cijelu prirodu.

Paizielova kreativna djelatnost u opere-biffa žanru je talentirana himaroza, koja karakterizira veća akutna komedija dating (i stoji bliže Rossini u tom smislu), veću oštrinu u oštećenju smiješnih i zlobnih strana stvarnosti i manje tendencije poetski tekstovi ili idyls. Chimaroza je također predstavnik Napolitske škole. Njegove su opera imale uspjeha u 1770-ih - 1790-ih, staviti u Italiju i dalje. Godine 1789. - 1792. Chimaroz je radio u St. Petersburgu.

Najbolje opere Chimaroza "Tajni brak" (1792.) stvorio je njega za bečko kazalište, ali, kao što je Sevilla Tsiirwalarnik, Phasiello, napisan za St. Petersburg, zadržava sve znakove rođenja talijanske Buffe opere. Komedija intriga je zbunjena ovdje u složenom i zabavnom "zapletu", kamate je sve vrijeme podržava sukobi glumaca i postojanje tajne. Osnova glazbenog pripravka je široko razvijen buffonski stil većine vokalnih stranaka, vještina učinkovitih ansambala i vješti, neovisni razvoj stranke orkestra, na mnogo načina koji se kreće glazbeni razvoj, osobito u velikim granicama konačnih ansambala. Tipično komedija parcela 6 je raspoređena u cijeloj masi intenzivnih sudara koji dovode do prave konfuzije, do razmjene i otkrivanje tajnosti. U tijeku akcije, glupo viteštvo starog trgovca Geronimo, zapanjujuće hladnoću grafikona, smiješan koketiji na fidalmi, pozdravljajući ha

6 Bogati trgovac Jeronimo snova da se uzgajaju s grafikonom i pročitali mu ženu starija kći. Lizetta. Ali broj se vidi za mlađe - karolinu, bez sumnje da je obaviještena sa siromašnim mladićem Polanom. S druge strane, sestra Jeronimo, stara djevičanska fidalma, iz koje obitelj čeka bogatu baštinu, potajno zaljubljen u Polano.

regač nanesene nevjeste grafikona, ljubomoran Lisette i, u konačnici, ta labavost, s kojom svi donose svoj odnos na gotovinske isplate i transakcije. Gotovo lirski par - tajno oženjen Polano i Carolina - suočava se s tim nevađenim i plaćenim svijetom. Geronimo i grafička stranka (visoki bazen) su izdržati u karakteru akutnog bufona. Prva arija napuhanog Jeronimo, hvalinast očekuje plemenitog odnosa (primjer 54. ), stvara karakterističnu sliku gotovo u duhu Rossinija (Manifico u opereli "). Stranka grafikona, neozbiljni vijak, u svojoj vrsti virtualnog u "bijesu" bivolja (primjer 55. ). Znatna složenost je različita i buftini ansambli, također zahtijevaju pravu virtuoznost iz izvođača. Uvertira "Tajni brak" je jedan od sjajnih i karakterističnih za svog žanra. Briljantna, bogata i čvrsta na tematskom materijalu, lako se razvija unutar Rondo Sonatata i zakleo se ispred slušatelja kao osvježavajući tok zabave i radosne energije. Chimarozo, poput faziela, uspješno je napisao i instrumentalnu glazbu. To je nesumnjivo utjecalo na svoje opere rezultate.

Opera "Tajni brak" nastao je nakon smrti Mozarta i bio je dostavljen u godini rođenja Rossinija. Na njegovom primjeru (kao u primjeru mnogih drugih djela Phaziela i Chimarozha u ovom žanru) nije jasno da su načini talijanske oper-bive odbacili u njihovom smjeru do kraja XVIII stoljeća. Ne, talijanski strip i tijekom života Mozarta i narednih godina nastavio je razvijati svoj vlastiti način, prirodan i organski za nju. Vodio ju je, kao prirodan, vrhunac u radu Rossinija.

Vrativši se na sudbinu operne seria, napominjemo da ne postoji takav organski razvoj na njezinim načinima do kraja XVIII. Stoljeća. Neki od najvećih talijanskih skladatelja koji su radili u ovom žanru su se u potpunosti izrazili u opernoj biviji. Drugi su slijedili reformu glitch i na ishod kreativnog života okrenut iza njega (A. Sakkini i A. Salieri). Treće, na kraju, potpuno napustio Italiju, pronalaženje njihovog poziva u drugoj zemlji (L. Kerubini u Francuskoj). To, međutim, ne znači da je glazbeni razvoj operne seria prošao bez traga za povijest umjetnosti. Reforma glitch počela je na serijskom tlu i odbila je njezin glazbeni i slikovitski koncept, uzeo najbolje od sustava njegovih generaliziranih slika. U tom smjeru, Handel se kreće u jednom trenutku. Glazbeno iskustvo Opere Seria u određenoj je mjeri bio kreativno korišten od strane Mozarta. Uopće glazba, muzika Seria opere u svojim najboljim uzorcima ostala je važno i utjecajno područje talijanske glazbene umjetnosti koja je utjecala na druge žanrove, uključujući instrumentalne. U tom smislu, veliki organski razvoj talijanske glazbe također potvrđuje poviješću.

Povijest Opera

Opera - Ovo je nešto divno i uzvišeno. Opera kombinira mnoge vrste umjetnosti, ali glavna uloga Među njima sviraju glazbu. To jest, opera je glazbeni i dramatičan rad za kazalište, u kojem je potpuno ili u velikoj mjeri zamijenjen pjevanjem.

Matična zajerana je Italija.

Krajem 16. stoljeća u Firenci, živjeli su Bogach Giovanni Bardi, veliki obožavatelj umjetnosti, koji je prikupljen pod krovom njegovih kućnih glazbenika, filozofa, pjesnika. Ovaj sastanak u povijesti kulture bio je uključen kao firentinski fotoaparat. "Kamera" prevedena s talijanskih znači "salon" ili "soba".

Glazbenici i pjesnici koji su bili na fotoaparatu razgovarali su o modernoj glazbi. Oni nisu voljeli da je polifono putovanje dominiralo u glazbenim radovima tog vremena, kada su mnogi glasovi, najčešće više od dvadeset, zvučali u isto vrijeme. S takvim zvukom, pjesničke žice su bile nemoguće čuti, stoga su članovi firentinskih snimatelja smatrali polifonom glazbom od strane "razarač poezije". Željeli su stvoriti novu glazbu koja bi imala blagotvoran učinak na ljude, kao i antički grčki.

Jedan od sudionika kamela bio je vrući dizajner Vincenzo Galilee (1520-1591), otac GALILEO Galileo je veliki astronom. Stavio je odlomak iz "Božanske komedije" Dantea. Ispalo je "Govoreći glazbu". Ovaj rad Vincenzo pjevao sam sebe, svirajući na lihe ili violi. Bio je to prvi korak prema operi, kao što je znamo.

I opet, sudionici firentinskih fotoaparata počeli su eksperiment. Željeli su stvoriti dramu, potpuno položenu za glazbu. Autor jednog od tih glazbenih dram, pod nazivom "Evridika", bio je Jacopov pristanište (1561-1633), ova glazbena drama je postavljena tijekom sudskih proslava povodom vjenčanja francuskog kralja Henryja VI s Mariom Medici, nećakinja od vladara Firence. Uspjeh je bio Grand. Takve su glazbene opera počele stavljati u druge veliki gradovi Italija u Rimu, Mantu, Veneciji i Napulju. Nadalje, nastavio je talijanski skladatelj Claudio Monteverdi (1567-1643) na Florentinu. Godine 1607. stvorio je Opera Orfej. Monteverdi nije koristio izmjereni mirni govor glumca, ali je stvorio dramatičnu rekalkulaciju sa svijetlim intonacijama, s slobodnom promjenom tempo, koji savršeno pomaže proći raspoloženje junaka. Ovaj veliki skladatelj U svom radu, približio se stvaranju aria - složenih vokalnih komada. Zahvaljujući Monteverdi 1637. u Veneciji otvorila je prvu operu na svijetu.

U XVII. Stoljeću Opera počinje osvojiti europske zemlje. U ovom stoljeću francuska nacionalna operna škola nastala je na čelu s skladateljem Jean Batilju Lully (1632. - 1687.). Njegove opera stavljene su u "Kraljevsku akademiju za glazbu", kazalište Sudskog opere. U Engleskoj 1689. skladatelj Henry Peressell (1659. - 1695.) stvorio je operu "Didona i Eney". Godine 1678. Nacionalni operni igrač bio je u njemačkom gradu Hamburgu.

Mnogi veliki skladatelji, kao što su glitch, Mozart, Wagner, Glinka, Dragoyzhsky, Smetana, Dvorak, skladatelji "Moćni bugovi" i mnogi drugi, postali su "očevi" svjetske operne umjetnosti.

U Rusiji je Opera postala popularna u XIX stoljeću. Godine 1836. Mihail Ivanovich Glinka stvorio je herojsko-patriotsku operu "život za kralja", u sovjetskim vremenima, ova opera bila poznata kao Ivan Susanin, a time i otvorio nove značajke operne umjetnosti. Zatim je došlo do novog izgleda narodne operne drame - "Boris Godunov" skromni Petrovich Mussorgsky (1839. - 1881). Slijedilo je nevjerojatno lirsku operu "Snijeg Maiden" Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844-1908), kao i njegove opere-priče "Sadko" i "priča o nevidljivoj grada Kitege". Peter Ilyich Tchaikovsky (1840 - 1893) predstavio je svjetsku kulturu lirskih psiholoških opera, kao što je " Vrh"I" evgeny Onegin ".

Opera je danas popularna. Ona fascinira. Moćni spektakl izvedbe, veličanstveni glasovi izvođača dat će vam toliko novih sila, emocija i iskustava koje više ne možete zamisliti svoj život bez opere!

Opera u Engleskoj

1. Henry Porssell

2. Georg Friedrich Handel, "Balazny Opera"

3. Frederick Dilius, Ralph Vagan Williams

4. Benjamin Britten

Najznačajnija lik glazbenog kazališta Engleske u godinama nakon Drugog svjetskog rata je Benjamin Britten. Zahvaljujući kojem se, po prvi put od dane uvjeravanja, Engleska ima Stvoritelj opere svjetske važnosti. Dan premijere svoje prve opere "Peter Greimes" (7. lipnja 1945.) s pravom se može smatrati početkom novog vrhunca opere na britanskim otocima.

Britten u svom opsežnom operu s radom doživio je mnogo različitih utjecaja, moderne glazbe i drevnog. Estetika neoklasicizma (I. Stravinsky, P. Hinduit) bio je od velike važnosti za stvaranje svog kreativnog izgleda), ali je i dubok utjecaj glazbe A. Berg i D. Shostakovich također bio snažno pogođen. Britten prihvaća nove zahtjeve koje Opera predstavlja modernost, nastoji se lakonizam glazbenih struktura koje ne sprječavaju novi, ubrzani tempo operabilnosti. Skladatelj bira značajne, značajne teme za svoje radove. Za oriten, problemi melodijskog cleattete temeljenog na osobitošću govora na nacionalnoj jeziku, metode izvješćivanja o značenju predstojećeg govora, ekonomičnog i diferenciranog korištenja alata, i dalje biti relevantni. Britten u svim slučajevima ponovljene privlačnosti na kazalište stvara upravo operu, za razliku od drugih vrsta glazbene i dramatične performanse pokušao u naše vrijeme od strane mnogih skladatelja. Britten vjeruje u operu iu njegovom pretraživanju nastoji kombinirati jezični profinjenju Debussyja s dramatičnom snagom pokojnog Opeker Verdija.

U 50-ima. Umjetnički atraktivni radovi nastavili su se pojavljivati \u200b\u200bna engleskim scenama, svjedoče o jačanju i razvoju nacionalne operne tradicije. Walton (r. 1902.) završio operu "Troil i Crezus" na Choser (1952.), Lennox Berkeley (1903.) staviti svoju operu "Nelson" (1954), Michael Typpet (r. 1905) sastavljen za vlastitu lidtu operu "Vjenčanje u ljeto" (1952.), Chemphrey Surl (r. 1915.) 1958. napisao je one-akt opere "Notes ludi" u Gogulu. Posebna pažnja zaslužuje operni rad Alan Busha (r. 1900.) zbog sigurnosti svojih ideoloških i estetskih pozicija. A. Bush se primjenjuje na one umjetnika Zapada, koji su namjerno stavili svoju kreativnost i društvene aktivnosti u službu interesa radnog pokreta. Prolazeći kroz strast za ekspresionizam, Bush se evoluirao u nacionalnu englesku tradiciju i posvetio se zbornoj masovnoj pjesmi i over, U svojim djelima, Bush koristi tradicionalni oblik opere tipa narodne drame, kao i ona je, na primjer, u ruskoj glazbi druge polovice XIX stoljeća. U Mussorgsky. Takva je prvenstveno opere "wat tyler" o seljačkom ustanku 1391. (Premijera se održala 1953. u Leipzigu) i "Ljudi iz Blempmour" (1955.), operu o velikom štrajku u minama ugljena Yorkshire.

Ilustracija:

Benjamin Britten

Opera: Povijest - romantičnoj operi u Francuskoj

Opera: Povijest - K. Romantična opera u Francuskoj

U članku Opera: Povijest

Tendenciju francuskih na herojske i spektakularne operne ideje, koje su se pojavile u vrijeme Lilly, u 19 V. Pronađeno u novoj vrsti opere, zove Opra Grande - "Big Opera". Francuski "Big Opera" stvoren je E. Skribom (1791-1861) i J. Mareerber (1791-1864), koji je postao tri desetljeća idola svih Europe. Skraba je napravila libretu brzinom (ali ne i kvalitetom) dostojno metastazije. Berlinski rodni, Meyerber sastavljen u eklektičnom (i lijepom bezličnom) stilu, pun patosa i odlikuje nedostatkom smisla za humor (ali u 19. stoljeću. Humor i nije bio obvezna kvaliteta ozbiljna umjetnost). Skrab i Meyerber sastavili su nekoliko velikih proizvoda za postavljanje Paris: Robert Devil (1831), Huguenotes (1836), Poslanik (1849) i potththhightion African (1865); Ovdje se ovdje kombiniraju izvorni orkestralni učinci s podmibalnim vokalnim strankama u duhu Rossinija, baleta, spektakularnih scena. Književna tema ovih operacija je progon manjina, nacionalnih i vjerskih; Ista misao također je prisutna u Opera J. Galevi (1799-1862) Židovska (1835.) na libretu grba. Možda je najbolja "velika opera" napisana u 1856-1858 trojanaca iz Glelioza (1803-1869). Vraćajući se drevnoj temi, Berlioz je uspio prenijeti istinski epski duh zbog iznimno zanimljive harmonije i alata, strogo sepoporirani stil. Nakon dugog zaborava danas francuska opera Ponovno zvuči u veličanstvenom izvršenju, dokazujući vašu održivost.

Francuski autor koji je postigao izvanredan rezultat u području "stripske opere" (Opra komique), postao je student i zet Galevi - Zh.biz (1838-1875). Bizeta je došla glazbeno kazalište U to vrijeme, kada je spoj nacionalne tradicije stripova s \u200b\u200bromantičnim trendovima izazvao takve lijepe i originalne opera da žive kao Faust (1859.) W. Gun (1866) A.Toma (1811-1896). U Carmen (1875), Biza je stigla na upečatljivu oštrinu glazbenih obilježja, koje francusko glazbeno kazalište nije znalo iz vremena Ramora. Libreniji Bizet zadržao snažan realizam romana P. Amerike, što se tiče žanra stripova dopušteno. Na dramatičnoj cjelovitosti s Carmen, moguće je usporediti samo bajke u Hoffman (1881) J.Offenbach (1819-1880). K. San Sansone (1835-1921) u Samsonu i Dalileu (1877.) također daje svijetle glazbene karakteristike, ali u cjelini, ova opera je prilično statična. Divan esej - Lakme (1883) L. Odibe (1836-1891); Isto se može reći o broju opere J. Massne (1842-1912). Među njima, takva postignuća kao manon (1884) i žica (1892), komorne opere obilježene prirodošću meloda koje proizlaze iz govornih intonacija.

Čak i dalje, na ovom putu, K. TrydSessi je otišao (1862-1918), čija se vokalna melodija može nazvati zaljubljeni govor. Njegova operna pelleas i Melisanda (1902.) na istoimenoj igri M.Terlinkija bila je iskustvo spajanja glazbe i drame nalik trištinu Wagner, dok je Debussy namjerno učinio s potpuno različitim metodama. Glazba Wagner - herojski i kromatski; Glazbeni Debussy - sofisticiran, asketski i na području harmonije - vrlo je neobičan i često se odmara na modalnom načelu. Orkestar reproducira srednjovjekovnu atmosferu i oboje emocionalne stanja likova, ali, za razliku od Wagner opere, ne daje nigdje.

Glazba Španjolske. Dio 10. Opera Španjolska

Zajedno s Tonadudom u Španjolskoj XVIII. Stoljeću. cvjetala i operana. Bilo je to operi talijanski, zajedno s njezinim slavnim osobama, sve do Castrat Pharinlli. Ali uz takvu ingeničnu operu, u Španjolskoj već u XVII. Stoljeću. Bilo je eksperimenata za stvaranje "holističkog" (sa čvrstom glazbom) nacionalne opere, nažalost, gotovo nije preživio. Poznato je da je tekst drame lope de vega "šume bez ljubavi" bio sastavljen od glazbe, a tekst drame kalderona "sam s ljubomorom ubija" sastavio je Juan Idalgo (Juan Idalgo) Opela istog \\ t Ime. Prvi čin ("prvi dan") ove opere, objavljen 1933. godine, sačuvan je 1933. godine, izraz "Sarseel" odnosi se na takve, holističke, španjolske operacije, ali se primjenjuje na glazbene i dramatične ideje, gdje se glazba pomiješa dramatičan dijalog. Royal Yard patronizira talijanska opera i klice španjolske nacionalne opere od strane XVIII stoljeća. Dvostruko. Nacionalna glazbena i dramska kazalište bilo je postojanje u obliku kazališta "za Sobonyu", u obliku Tonadili.

• Uloga pjesničkih sredstava u umjetničkoj strukturi riječi
• Antoine Saint Exupery: Biografija
• Analiza romana Chernyshevsky "Što učiniti?
• Umjetnička uloga epiloga u "ratu i svijetu
• Kako je priroda Bazarova u odnosima s roditeljima?
• Dječje pretplate u filharmoniji
• Kako je uređena: dječja filharmonija
• Izložbe "Umjetnička blaga Rusije
• Fairy Quest za djecu "Alice
• Zabava Alice u zemlji čudesa

• Kuća Tadžikin. Kuća Tadžikin Kuća Tadžikin
• Što trebate znati o vokalima
• Nove godine nastupi djece za 3 godine
• Zanimljive činjenice o dječjim piscima
• Izvannastavna okupacija posvećena umjetnosti mikromijati
• Karakter romana "Dvanaest stolica" Kis Vorobyaninov: biografija i zanimljive činjenice
• Kako je Isadora Duncan umro?
• Duncanov Ayctera uspješna biografija u karijeri i nesretan u osobnom životu
• Najneobičniji volja na svijetu
• Postavljanje sedmokosti gitara Postavljanje gitare 7 žica