• Детски абонаменти за филхармонията
• Как работи: Детска филхармония
• Изложби „Арт съкровища на Русия
• Приказен куест за деца „Алиса
• Алиса в страната на чудесата забавление
• Приказна къща. Приказна къща Приказна къща
• Какво трябва да знаете за вокалите
• Новогодишни представления за деца на 3 години
• Интересни факти за детските писатели
• Извънкласна дейност, посветена на изкуството на микроминиатюрата

Музикалното ансамблиране - като метод за всестранно развитие

Методически доклад на учителя по китара Пикулина Г.Б.

Древните римляни вярвали, че коренът на учението е горчив. Но когато учителят призовава към интерес към съюзници, когато децата се заразят с жажда за знания, стремят се към активна, творческа работа, коренът на учението променя вкуса си и предизвиква напълно здравословен апетит у децата. Интересът към ученето е неразривно свързан с чувството за удоволствие и радост, които трудът и творчеството доставят на човека. Интересът и радостта от ученето са от съществено значение, за да бъдат децата щастливи..

Развитие познавателен интерес насърчава такава организация на обучение, при която ученикът действа активно, участва в процеса на независимо търсене и откриване на нови знания, решава проблемни проблеми, творческа натура... Само с активно отношение на учениците по въпроса, прякото им участие в „създаването“ на музиката пробужда интерес към изкуството.

Играта на ансамбъл играе огромна роля при изпълнението на тези задачи - това е вид съвместно правене на музика, което се практикува по всяко време, при всяка възможност и на всяко ниво на владеене на инструмента и се практикува и до днес. Педагогическата стойност на този вид съвместно музициране не е достатъчно разбрана и поради това твърде рядко се използва в преподаването. Въпреки че ползите от ансамбловата игра за развитието на учениците са известни отдавна.

Какви са предимствата на ансамбловото музикално правене? По какви причини е в състояние да стимулира общото музикално развитие на учениците?

Музикалството в ансамбъл като метод за всестранно развитие на учениците.

1. Ансамбловата игра е форма на дейност, която предлага най-благоприятните възможности за цялостна и широказапознаване с музикалната литература.Пред музиканта се провеждат произведения от различни художествени стилове и исторически епохи. Трябва да се отбележи, че ансамблистът е в същото време в особено благоприятни условия - заедно с репертоара, адресиран до самата китара, той може да използва репертоара за други инструменти, транскрипции, аранжименти. С други думи, ансамбъл игра -постоянна и бърза промяна на новите възприятия, впечатления, "открития", интензивен приток на богата и разнообразна музикална информация.

2. Ансамбълът, изпълняващ музика, създава най-благоприятните условия за кристализация на музикалните и интелектуални качества на ученика. Защо по силата на какви обстоятелства? Студентът се занимава с материала, по думите на В.А. Сухомлински „не за запомняне, не за запаметяване, а от необходимостта да мислим, разпознаваме, откриваме, разбираме и накрая да бъдем изумени“. Ето защо има специално психологическо отношение, когато се учи в ансамбъл. Музикалното мислене се подобрява значително, възприятието става по-ярко, оживено, изострено, упорито.

3. Осигурявайки непрекъснат поток от свежи и разнообразни впечатления, преживявания, ансамбълът, изпълняващ музика, допринася за развитието на „центъра на музикалността“ - емоционаленотзивчивост към музиката.

4. Натрупването на запас от ярки многобройни слухови представления стимулира формирането на музикално ухо,художествено въображение.

5. С разширяването на обема на разбраната и анализирана музика, възможностите също се увеличават музикално мислене... На гребена на емоционалната вълна има общо покачване на музикалните и интелектуални действия. От това следва, че класовете по свирене на ансамбъл са важни не само като начин за разширяване на репертоарния хоризонт или натрупване на музикално-теоретична и музикално-историческа информация, тези класове допринасят за качественото подобряване на процеситемузикално мислене.

Тази форма на работа като ансамблово музициране е много ползотворна заразвитие на творческото мислене. Ученикът, придружен от учител, изпълнява най-простите мелодии, учи се да слуша и двете части, развива хармоничното си, мелодично ухо, чувство за ритъм.

Така че, свиренето в ансамбъл е един от най-кратките, най-обещаващи начини за общо музикално развитие на учениците. В процеса на ансамбловата игра основните принципи на обучението за развитие се разкриват с пълна пълнота и яснота:

а) увеличаване на обема на изпълнявания музикален материал.

б) ускоряване на темпото на преминаването му.

По този начин ансамбълната игра не е нищо повече от усвояване на максимум информация за минимално време.

Не е необходимо да говорим за това колко важен е творческият контакт между учител и ученик. И именно създаването на музика в ансамбъл е идеалното средство за това. От самото начало на обучението на детето да свири на инструмент се появяват много задачи: кацане, настройка на ръце, изучаване на шията, методи за производство на звук, бележки, броене, паузи и др. Поддържа любов към музиката, но също така развива интерес към музикални занимания... И в тази ситуация ансамбълът, изпълняващ музика, ще бъде идеалната форма за работа с учениците. Още от първия урок ученикът се включва в активно свирене на музика. Заедно с учителя той играе прости, но вече имащи художествено значение, пиеси.

Начинът на преподаване в група има както положителни, така и отрицателни страни. За децата е по-интересно да учат в група, те общуват със своите връстници, учат се не само от учител, но и един от друг, сравняват играта си с тази на приятели, стремят се да бъдат първите, учат се да слушат съсед, играйте в ансамбъл и развийте хармоничен слух. Но в същото време има и недостатъци на такова обучение. Основното е, че е трудно да се постигне качеството на изпълнение, тъй като се обучават студенти с различен произход, които освен това са ангажирани по различни начини. Когато всички играят едновременно, учителят не винаги забелязва грешките на отделни ученици, но ако всеки се проверява индивидуално на всеки урок, процесът на обучение на практика ще спре с толкова много ученици. Ако разчитате на професионалното качество на играта, като отделяте много време за това, както се прави в отделни уроци, тогава по-голямата част бързо ще се отегчи и те ще загубят интерес към ученето. Следователно репертоарът трябва да бъде достъпен, интересен, модерен и полезен, а темпът на напредък трябва да бъде достатъчно енергичен,

човек трябва да избягва монотонността, постоянно да интересува учениците. За да проверите знанията, придобити преди контролните уроци, можете да използвате следната форма на работа: след запомнянето на работата, освен изпълнението на групата, е полезно да се играе последователно от всички ученици на малки части (например две барове всеки), без да спирате с правилното темпо, уверете се, че играта е била разбираема и силна. Тази техника концентрира вниманието, развива вътрешното ухо, увеличава отговорността на ученика. Можете също така да използвате такава форма на работа като патронажа на силни ученици над изоставащите (тези, които са усвоили добре материала в свободното си време, помагат на тези, които не се справят със задачите, когато се постигне положителен резултат, учителят насърчава такъв асистент с отлична оценка).

Целта и спецификата на обучението на децата в класа по китара е да се образоват грамотни меломани, да се разшири хоризонтът им, да се формират творчество, музикален и артистичен вкус, а с индивидуални уроци - придобиване на чисто професионални музикални умения: свирене в ансамбъл, подбор по слух, четене на поглед.

За „осветяване“, „заразяване“ на детето с желанието да овладее музикалния език е най-важната от първоначалните задачи на учителя.

В класа по китара се използват различни форми на работа. Сред тях музиката в ансамбъла има специални възможности за развитие. Колективното инструментално правене на музика е една от най-достъпните форми за въвеждане на учениците в света на музиката. Творческата атмосфера на тези класове предполага активното участие на децата в образователния процес. Радостта и удоволствието от съвместното свирене на музика от първите дни на обучението е гаранция за интерес към този вид изкуство - музиката. Освен това всяко дете става активен член на ансамбъла, независимо от нивото на неговите способности в този момент, което допринася за психологическа непринуденост, свобода, приятелска атмосфера.

Практическите учители знаят, че свиренето в ансамбъл дисциплинира възможно най-добре ритъма, подобрява способността за четене на зрението и е незаменим по отношение на развитието на техническите умения и способности, необходими за самостоятелно изпълнение. Съвместното свирене на музика допринася за развитието на такива качества като внимателност, отговорност, дисциплина, отдаденост, колективизъм. Още по-важно е ансамбълното музициране да учи да слуша партньор, да учи на музикално мислене.

Колективното представяне като дует или трио китаристи е много привлекателно, защото носи радостта от съвместната работа. Бяхме ангажирани със съвместно музициране във всекиниво на владеене на инструмента и при всяка възможност. Много композитори са писали в този жанр за домашно музикално изпълнение и концертни изпълнения. Бела Барток, унгарски композитор, учител, фолклорист, вярваше, че децата трябва да бъдат въведени да правят ансамбли за правене на музика възможно най-рано, още от първите стъпки в музиката.

Не винаги ансамбъл като академична дисциплина се обръща необходимото внимание. Често часовете, предвидени за възпроизвеждане на музика, се използват от учителите за индивидуални уроци. В момента обаче е невъзможно да си представим музикален живот без ансамбъл изпълнения. За това свидетелстват изпълненията на дуети, трио, ансамбли по-големи на концертни места, фестивали и състезания. Дуети и трио китаристи е отдавна утвърдена форма на ансамбъл, имаща традиции от 19-ти век, със собствена история, „еволюционно развитие“, богат репертоар - оригинални композиции, транскрипции и транскрипции. Но това са професионални екипи. И има проблеми за училищните ансамбли. Например проблемът с репертоара. Липсата на подходяща литература за ансамбли на китаристите от музикалното училище затруднява учебния процес и възможността да се покаже на концертната сцена. Много учители сами правят преписи, аранжировки на парчетата, които харесват.

Важно е да започнете работа по ансамбъла още с първите уроци по инструмента. Колкото по-рано студентът започне да свири в ансамбъл, толкова по-компетентен, техничен, музикантът ще израсте от него.

Много инструктори-инструктори практикуват ансамбли в класната стая. Това могат да бъдат както еднородни, така и смесени ансамбли. По-добре е да започнете работа в ансамбъл с ученици от същия клас. На практика видяхме, че ансамбълната работа може да бъде разделена на три етапа.

И така, етап I ... Детето придобива уменията за ансамблово музициране още на първите уроци. Нека бъдат парчета, състоящи се от един или повече звуци, ритмично организирани. Учителят по това време изпълнява мелодията и акомпанимента. В процеса на тази работа ученикът развива слух за изпълнение на пиеси с акомпанимент, концентрира се върху ритмичната точност, владее елементарна динамика, начални умения за игра. Развиват се ритъм, слух и най-важното чувство за ансамбъла, чувство за отговорност за обща кауза.Подобно изпълнение ще предизвика интереса на ученика към новото звучене на музиката за него, интересно и цветно. Първо ученикът свири на инструмента прости мелодии (всичко зависи от способностите на ученика), придружен от учител. На този етап от работата е важно учениците да усетят спецификата на хомофоничната хармоника и да се опитат да изпълняват парчета с елементи на полифония. Постановките трябва да се избират разнообразни по темпо, характер и т.н.

От опит знам, че учениците обичат да играят в ансамбъл. Следователно горните парчета могат да се играят поотделно с всеки ученик, или учениците могат да се комбинират в дуети, трио (по преценка на учителя, въз основа на възможностите на инструментите, тяхната наличност). За дует (трио) е важно да се изберат ученици, равни по музикално обучение и притежание на инструменти. Освен това трябва да се вземат предвид и междуличностните отношения на участниците. На този етап учениците трябва да разберат основните правила на ансамбълната игра. На първо място, най-трудните места са началото и краят на работата или част от нея.

Акордът или звукът за отваряне и затваряне трябва да се възпроизвеждат синхронно и чисто, независимо какво и как звучат помежду им. Синхронността е резултат от основното качество на ансамбъла: общо разбиране и усещане за ритъм и темпо. Синхронността също е техническо изискване на играта. Трябва да вземете и премахнете звука едновременно, да направите пауза заедно, да преминете към следващия звук. Първият акорд съдържа две функции - съвместният старт и дефиницията на последващото темпо. На помощ ще дойде дишането. Вдишването е най-естественият и разбираем сигнал за започване на свирене за всеки музикант. Както певците си поемат дъх преди изпълнение, така и музикантите - изпълнители, но всеки инструмент има своите специфики. Духовите инструменти показват вдишването от началото на звука, цигуларите - от движението на носа, пианистите - от „въздишката“ на ръката и докосването на клавиша, за акордеонистите и акордеонистите - заедно с движението на четката, козината. Всичко казано по-горе е обобщено в първоначалния ход на диригента - прекомерен ефект. Важен момент е вземането на правилното темпо. Всичко зависи от скоростта на вдишване. Рязкото дишане казва на изпълнителя за бързо темпо, спокойно - сигнал за бавно. Ето защо е важно членовете на дуета не само да се чуват, но и да виждат, необходим е зрителен контакт. На първия етап членовете на ансамбъла се учат да слушат мелодията и втория глас, акомпанимент. Творбите трябва да са с ярка, запомняща се, неусложнена мелодия, вторият глас - с ясен ритъм. Изкуството да слушате и чувате партньорите си е много труден бизнес. В края на краищата по-голямата част от вниманието е насочено към четенето на бележките. Друга важна подробност е способността за разчитане на ритмичния модел. Ако ученик чете ритъм, без да излиза извън границите на размера, той е готов да играе в ансамбъл, тъй като загубата на силен ритъм води до колапс и спиране. Когато екипът е готов, първите изпълнения са възможни, например на родителска среща или класен концерт.

II етап развиваме знанията, уменията и уменията, придобити на първия етап. Също така разбираме дълбочините на ансамбълното музикално правене. В процеса на тази работа ученикът развива слух за изпълнение на пиеси с акомпанимент, концентрира се върху ритмичната точност, владее елементарна динамика, начални умения за игра. Развиват се ритъм, слух, единство на ансамбълните удари, внимателно изпълнение и най-важното - усещане за ансамбъла, чувство за отговорност за обща кауза. Репертоарът включва, заедно с класически произведения, поп миниатюри. Такъв репертоар събужда интерес, мелодии нова работа, изпълнения.

III етап ... Този етап съответства на старши класове (6-7), когато учебната програма не предвижда часове на възпроизвеждане на музика. Според мен това е пропуск, тъй като учениците вече притежават необходимия комплекс от знания, умения и способности, както в самостоятелно изпълнение, така и в ансамбъл, те могат да правят по-сложни, ефективни пиеси. В този случай дуетът (или триото) е в състояние да реши по-сложни артистични проблеми.

За по-колоритен звук на дует или трио китаристи е разрешено разширяването на композицията чрез привличане на допълнителни инструменти. Може да е пиано флейта, цигулка. Такива разширения могат да „оцветят“ произведението, да го направят ярко. Този метод е подходящ за концертни изпълнения и ще направи всяко парче, дори най-простото парче, привлекателно. Въпреки това, в класната стая е по-добре да провеждате уроци без допълнения, така че членовете на дуета да чуят всички нюанси на музикалния текст.

За представления трябва да натрупате репертоар от различни жанрове. Тъй като трябва да участвате в различни публики, пред хора с различен манталитет, трябва да имате различен репертоар: от класически до поп.

Целта на урока:Формиране и развитие на изпълнителски умения за свирене на китара в началния етап на обучението.

Тип на урока: Комбиниран

Задачи:
1. Образователна. Да научи студента да овладее различни техники на звукопроизводство в рамките на изследваните на този етап произведения
2. Развиване. Разработване на общ мироглед, ухо за музика, памет, внимание, мислене, подобряване на техниките за свирене на китара.
3. Образователна. Възпитаване на култура на изпълнение на изучаваните произведения, търпение и постоянство при преодоляване на трудностите.
4. Опазване на здравето. Спазване на правилното кацане, поставяне на ръце, провеждане на физкултурна минута.

Форма на урока:Индивидуален

Методи:
- метод на практическа демонстрация;
- методът на словесното обяснение.

Образователно и материално оборудване: китара, подложка за крака, столове, ноти, работна книга на ученика.

План на урока:

1. Организиращо време, уводни бележки (методическа бележка).

2. Проверка домашна работа.

Игра за позиционно упражнение;
- свирене на скалата C-dur с използване на репетиции на пръстите i-m, m-i;
- работа по скицата;
- възпроизвеждане на предварително научени парчета;
- провеждане на физическо възпитание

3. Работа по нов метод на игра - двойно тирандо.

4. Домашна работа, анализ на урока.

По време на занятията.

Методологична бележка: първият урок в музикално училище е голямо събитие в живота на детето. Той не само опознава учителя и инструмента, но и прави първите стъпки в света на музиката. От това колко успешна ще бъде тази среща зависи по-нататъшно отношение студент за класове. Следователно първите уроци трябва да бъдат структурирани така, че ученикът да получи много ярки впечатления и положителни емоции. Необходимо е детето да свикне с нова за него среда. За целта учителят трябва да го угоди на себе си: да свири познати мелодии в урока, да предложи да изпее позната песен - това ще помогне за установяване на контакт, създаване на творческа атмосфера. Необходимо е да подготвите ученика за факта, че уроците по музика са не само удоволствие, но и старателна ежедневна работа. Ако уроците са интересни, детето неусетно преодолява много трудности на първоначалното обучение - технически, ритмични, интонационни. Подобни дейности са много по-ефективни за развиване на творческите способности на детето, повишават самочувствието му.

Игра за позиционно упражнение. В началния етап на обучение, за да се развият първични двигателни умения у ученика, се изискват специални упражнения, които го подготвят за изпълнение на технически задачи. Специално внимание- кацането на ученика, позицията на инструмента, настройката на ръцете.
Възпроизвеждане на мащаб C-dur приемане на апояндо, като се използват репетиции на пръстите i-m, m-i. Основната задача е точното редуване на пръстите на дясната ръка при движение нагоре и надолу.
Развитието на техниката на китариста е невъзможно без работа по етюди.
Калинин В. Етюд E-dur... Работете върху точността на апликатурата на лявата ръка, качеството на звука в изпълнените акорди.
Възпроизвеждане на предварително научени песни, посочвайки недостатъците и предимствата на играта:
Красев М. "Рибена кост"
Калинин В. "Валс"
Физическо възпитание:
"Паяк". Упражнение за загряване на пръстите на двете ръце.
"Хъмпти Дъмпти". Упражнението се изпълнява в изправено положение. Повдигнете двете ръце нагоре и ги спуснете надолу през страните, леко накланяйки тялото напред.
„Войникът и мечката“. Изпълнява се, докато седи на стол. По команда на "Войник", изправете гърба си и седнете неподвижно, като калайджия. По команда "Мечка" се отпуснете и заоблете гърба си като мека мечка.
Работа по нов начин на игра - двойно тирандо в пиесата на В. Калинин „Полка“. За да се подготвим за изпълнението му, играем упражнение на отворени струни с двойни ноти. След това анализираме парчето: размер, тоналност, ключови знаци, музикален текст, ритмичен модел и започваме да го изпълняваме.

Домашна работа.
Продължете да работите върху упражнения, везни и скици. Повторете парчетата "Ела", "Валс" - за да подобрите качеството на изпълнителските умения за свирене на китара.
"Polka" - за да се изработи нова техника, по-добре е да се ориентирате в музикалния текст.

Анализ на урока:
Резултатът от урока показа, че целите и задачите, поставени от учителя, са постигнати:
- яснотата и яснотата на задачите, възложени на учениците;
- разнообразна музикален материал, допринасяне за развитието на творческите способности на ученика;
- създаване на фигуративен ред (сравнения, асоциации);
- фураж теоретични концепции в контекста на музикален образ;
- слухов контрол на изпълняваните работи от ученици;

Методическа разработка на открит урок

"Китара в различни форми на ансамбъл DSHI"

учител на Детска художествена школа Богомолова Лариса Ивановна

инта

Целта на урока: формиране и развитие на уменията и техниките на ансамбловата игра на учениците.

Цели на урока: научете се да се слушате и ясно следвайте темпото и ритъма, наблюдавайте динамични нюанси, запознайте се с китарните техники.

План на урока

1. Въведение.

2. Съвместно музициране на учителя с ученика.

3. Съвместно правене на музика с връстници.

4. Умения за съпровод.

По време на занятията.

Ансамбълът е колективна форма на игра, по време на която няколко музиканти съвместно разкриват художественото съдържание на дадено произведение, като изпълняват средства. Заниманията в ансамбълния клас трябва да допринесат за развитието на ритмичния, мелодичен, хармоничен слух на учениците, музикална памет, развитието на творчески умения и, най-важното, да внуши интерес и любов към музиката и вашия инструмент, както и да допринесе за формирането на основите на независим музикални дейности... Предлагаме ви поетапно преживяване на ансамбловото музикално майсторство в Детската художествена школа.

Етап 1. Съвместно музициране на учител с ученик.

Основните задачи на този етап: да получите първоначалните умения за четене на зрението и анализ на музикален текст, да се научите да се слушате един друг, да наблюдавате динамични нюанси.

Необходимо е да се занимавате с ансамблови музикални умения през целия период на обучение. Въведете ансамблови парчета в репертоара възможно най-рано. Почти от първите уроци започваме да въвеждаме ансамбъл. Когато започваме да работим върху звукопроизводството на отворени струни, за да направим детето по-интересно, вземаме песни с думи. Пример:

"Небето е синьо, горичката е мразовита, ранната сутрин става все по-розова." По това време ученикът вече трябва да е запознат с продължителността на бележките. Разработваме ритмичната страна на песента, пляскаме. След това преминаваме към естеството на песента, пеем под съпровода на учителя. Съпроводът е не само хармоничната и ритмична подкрепа на мелодията, но също така разкрива емоционално въображаемия свят на песента. В началните две мерки акомпаниментът създава усещане за спокойствие, замисленост, тишина (пиано). Но вече в следващите две мерки, появяващите се акорди насищат звука с приближаване на ярка светлина и цветове (плавно крещендо). От това ученикът и мелодията свирят съответно - първата фраза - гальовно и загадъчно, втората - ярко, крещендо. Вземете например друга песен "The Brave Pilot", тук трябва да се съсредоточите върху характеристиките на звукопроизводството. Весела, весела мелодия изисква различен подход към изпълнението от предишния пример. Звукът се произвежда по-интензивно, уверено, равномерно (mf).

Сега да преминем към пеенето на песни на затворени струни. Първата задача на ученика е внимателно, без да свири, да разгледа музикалния текст и да определи ритмичния модел, динамичните нюанси. Нека вземем за пример „Как минаха нашите приятели“, дефинирайте как върви мелодията, с какъв динамичен нюанс да я пуснете (направете крещендо). Преди да започнете играта, можете да предложите на учениците примери за различни възприятия за разходката на момичетата - весело, радостно и тъжно, тъжно, а сега изпълнението се превръща в интересна, фигуративна музикална картина. Друг пример: „Не лети славея на прозореца“. След като анализираме ритмичния модел, ритъма-ритъма, изпълнението на първия ритъм, който е по-силен спрямо ритъма-ритъм, започваме да го играем с акомпанимент и почти всички деца казват: „О, каква тъжна мелодия, ”Тоест акомпаниментът тук става определящ характер на парчето. Основното в тази работа е да научите да се слушате един друг. В процеса на обучение продължаваме да свирим едни и същи песни от погледа в по-старите класове, като постепенно усложняваме задачата, сменяме части. В процеса на такава работа ученикът придобива уменията за „солиране“ - когато трябва да изиграете ролята си по-ярко и „акомпанимент“ - способността да избледнява на заден план.

В пиесата „Как отминаха нашите приятели“ е много важно да се научи как се свири акомпаниментът - бас, акорд, да се обясни разликата в звука. Басът е дълбок, но не груб и акордът е по-мек. „Не лети, славей“ тук е важно да се намери такова звучене на акорди, за да се предаде образното съдържание на песента.

Етап 2. Съвместно правене на музика с връстници (дует на китара, трио и др.).

На този етап има следните задачи: научете се как да използвате тембърната палитра, работете върху динамиката във всяка част поотделно, както и изградете динамичен баланс, овладейте специфични китарни техники (rasgeado, pizzicato, хармоници, вибрато).

Ще покажем работата на дуета, свирейки в ансамбъл. В началото на урока свирим в унисон скалата C-dur, опитваме се да играем заедно, слушаме внимателно, не се получава веднага, но се опитваме. Тук се учим да свирим точно в рамките на един динамичен нюанс. Можете също да направите това с една бележка, за да чуете разликата в звука на високоговорителя. След това преминаваме към творбите.

Вземете например Е. Ларичев "Полка" обр. О. Зубченко. Полка е бърз, оживен централноевропейски танц, а също и жанр танцова музика. Музикален размер полка - 2/4 ... Полката се появи в средата19 век в Бохемия(съвременна Чехия) и оттогава се е превърнал в известен народен танц.

Анализираме кой има мелодията, кой има съпровод, като обясняваме, че мелодията трябва да звучи по-ярко.

Акомпанимент - басът е дълбок, а акордите са много меки, леки, за да не заглуши мелодията. Басът служи като метро-ритмична основа.

Втората пиеса "Мазурка". Ритъмът на мазурката е остър и ясен, съчетава лека грация, понякога мечтателност. Производството на звук трябва да бъде по-ясно, рязко, леко.

След това идва работата по динамиката. След като възпита фино усещане за динамика, ансамблистът безпогрешно ще определи силата на звука на своята партия спрямо другите. В случай, че изпълнителят, в чиято роля звучи основният глас, изсвири малко по-силно или малко по-тихо, партньорът му веднага ще реагира и ще изпълни своята роля малко по-тихо или по-силно.

Когато работи по дадено произведение, учителят трябва да обърне внимание на 3 точки: как да започнем заедно, как да играем заедно и как да завършим работата заедно.

Ансамбълът трябва да има изпълнител, изпълняващ функцията на диригент, той трябва да покаже въвеждането, отстраняването, забавянето. Сигналът за влизане е малко кимване с глава, състоящо се от два момента: едва забележимо движение нагоре и след това ясно, доста рязко движение надолу. На репетицията можете да изчислите празен бар и може да има и думи (внимание, започнало три или четири). Много е важно да завършите парчето заедно, едновременно.

Последният акорд има определена продължителност - всеки от съставите брои до себе си и премахва точно навреме. Може да е и кимване с глава.

Включваме и възпроизвеждане на парчетата в унисон. Наистина, в унисон, партиите не се добавят, а се дублират, така че недостатъците на ансамбъла в него са още по-забележими. Изпълнението в унисон изисква абсолютно единство - в метро ритъма, динамиката, ударите, фразирането. За съжаление, малко внимание се отделя на тази форма на ансамблова игра, междувременно силните ансамблови умения се формират в унисон, освен това унисонът е интересен визуално и на сцената. Дуетът (трио) ще изпълни "Циганочка".

Етап 3. Умения за съпровод. Задачи: овладяване на техниката на арпеджио, изучаване на основните акорди и техните буквени обозначения, изработване на цялата текстура - мелодия, акомпанимент и бас.

Китарата е независим инструмент и в същото време богат съпътстващ инструмент. Тя може успешно да придружава цигулка, флейта, домра - формирайки успешни комбинации от тембър с тези инструменти. По своята същност китарата е особено подходяща за придружаване на глас, създавайки мек, приятен фон за него. Запознаването с акомпанимента става вече в края на първата година от обучението, когато студентът започва да свири акорди на първа позиция. Помислете за свирене на акомпанимент - арпеджио и бас - акорд. Когато изпълнявате арпеджио, насочете вниманието на ученика към хармоничното припокриване на звуци, които създават непрекъснат звук. Първият звук се възпроизвежда от F, вторият е mf, третият е mp, четвъртият е p. Това означава, че следващият звук се приема с такава звукова сила, която се получава в резултат на затихване на предишния. Това изпълнение може да се нарече „пеене на китара“.

Ученикът ще изпълни песента „Скакалец“ на В. Шаински. В първия случай той пее и акомпанира, във втория - домра. В този пример използваме акордни букви. Също така в този пример се запознаваме с различната текстура на акомпанимента: арпеджио, бас акорд, ритъм.

Вторият пример е романсът на А. Петров „Любов - страната на чудесата», Техниката на свирене на арпеджио, средната част е соло на китара. На примера на тези парчета е показана работата по акомпанимента, съотношението на звука на мелодията и акомпанимента, звукопроизводството. Акомпаниаторът трябва да свири експресивно, да реагира на всякакви динамични, темпови промени в изпълнението на солиста.

За да играете заедно, трябва да се чувствате, разбирате, слушате един друг. Ансамбълът като форма на колективно творчество възпитава във всеки от своите участници такова качество като способността да се живее и твори в екип, да се намери общ език помежду си.

Общинска бюджетна образователна институция

допълнително образование за деца

„Детска художествена школа на името на М.П. Мусоргски

фокино "

АНСАМБЛИРАЙТЕ В КЛАСА НА КИТАРА

учител по китара

Детска школа по изкуства, Фокино

ПРЕГЛЕД

на работна програма от ансамбъл (клас по китара)

учител на детската школа по изкуства. М. П. Мусоргски, Фокино

Сисоева Л.Е.

Програмата е разработена с дълбоко разбиране на работата с деца в ансамбъл. Смятам за правилно да се подбере репертоарът и да се разпредели натоварването върху децата през целия период на обучение в Детската музикална школа.

Изборът на творби през периода на обучение съответства на програмата за деца музикални училища и студия музикално образование... Тази работа ще помогне на начинаещите да овладеят този инструмент в обхвата на тази програма, без да се отклоняват от установените норми. Препоръчва се за работа с деца в кръгове, студия за музикално образование, детски музикални училища.

ВЪВЕДЕНИЕ

Образователната система в Руската федерация е набор от взаимодействащи последователни образователни стандарти от различни нива и направления.

Образователната система включва група от различни институции за допълнително образование. Сред тях е мрежа от училища за „различни видове изкуство“, включително детски музикални училища (Детска музикална школа) и Детски училища по изкуства (DSHI).

Музикалното възпитание и образование е неразделна част от цялостния процес, насочен към формирането и развитието на човешката личност.

Концепцията за музикалното образование в страната включва създаването на система за масово (общо) музикално образование и образование, която се разделя на общохудожествена и професионална. IN съвременни условия музикалното училище е една от основните основи за широкото разпространение на музикалната култура. Целта на училището за общо музикално образование е да превърне музиката в собственост не само на надарени деца, които ще я изберат за своя професия, но и на всички, които учат в училището; в края на краищата децата на средна възраст също трябва да получат сериозно музикално образование. Заемайки специфично място в образователната система, детските музикални училища и детските училища имат специфични особености на образователния процес.

Образователните и образователни задачи, които се решават от учители в детски музикални училища, са по същество еднакви за всички предмети. Единството и взаимовръзката се дължат на особеността на музикалните дейности, при които музиката действа едновременно като обект на познание и като средство за възпитание, както и на нормите на общуване с нея и е достатъчно широки възможности прилагане на знания и умения по някои предмети при овладяване на други.

Подобряването на ефективността и качеството на общото музикално образование поставя сложни и отговорни задачи за учителите в музикалните училища. Принципите на образователното образование и възпитание, които все повече проникват в часовете по специалността и всички форми на обучение в детските музикални училища, са предназначени да образоват компетентни музиканти - любители и професионалисти, да им дадат уменията за творчески подход към музиката и инструмент, за да се елиминира или намали до минимум психологическата бариера "страх" от концертни изпълнения, да се развие способността за практически повторно творчество и нуждите от себеизразяване.

По този начин, като първоначална връзка в началното образование, Детското музикално училище не си поставя задачата да подготви всеки ученик за професионална дейност. Неговата цел е музикалното и естетическо образование на широк кръг деца и юноши, но освен това музикалното училище трябва да идентифицира най-способните ученици и да ги подготви за прием в специални образователни институции. Музикалното образование е един от централните компоненти естетическо възпитание, той играе специална роля в цялостно развитие личността на детето. Процес на изучаване Детската музикална школа трябва да бъде организирана така, че да насърчава развитието на любовта на учениците към музиката и да разширява техния музикален хоризонт.

Принципът на единството на емоционалното и съзнателното

поради спецификата на музикалното изкуство и особеностите на неговото възприятие, развитието на което изисква осъзнаване на емоционалните впечатления, породени от музиката, както и наличните й изразителни средства.

Принципът на единство на художественото и техническото се основава на факта, че художественото, изразително изпълнение на дадено произведение изисква подходящи умения и умения, овладяването на които е средство за постигане на целта - художественото изпълнение на музикално произведение, но подчинено на развитието на творческата инициатива на ученика .

Принципът на единството на развитието на модалното ритмично чувство и чувството за форма трябва да са в основата на различни видове музикална дейност. Благодарение на сложното и последователно развитие на музикалните способности, децата формират представи за принципите на развитието на музиката, изразителността на елементите на музикалната реч, изразителните възможности на музикалните форми.

Целите на методологията включват подобряване различни форми образователен процес, музикално училище: уроци по специалността, теоретични изследвания, колективно свирене на музика, незадължителен предмет, извънкласна и извънкласна работа.

Музикалните училища и детските училища остават център на музикалното възпитание и образование на децата. Да се \u200b\u200bдаде общо музикално образование, да се формират естетически вкусове, да се възпита подготвен слушател, активен участник в самодейни изпълнения, да се научи как се свири на музикални инструменти, да се развият творчески наклонности - тези задачи все още определят насоките на работа на детската музика училища.

Изграждането на образователния процес според принципите на еднаквост и осредняване възпрепятства развитието на учениците. Постоянно нарастващата роля на моделите за обучение за развитие е очевидна, като осигурява енергичната активност на децата в областта на изкуството и допринася за образованието на устойчивия интерес на учениците към ученето. Детските музикални училища и детските училища също са призовани да изпълняват задачите за ранно професионално ориентиране на учениците, трябва да създадат реални условия за ефективно развитие и обучение на деца, които имат способността да получават допълнително професионално образование в областта на изкуството. Основата на работата в детските музикални училища и детските училища по изкуства е индивидуалното обучение в класната стая по специалността.

Оригиналността на образователния процес в музикалните училища до голяма степен се определя от комбинацията от различни форми на образователна работа. Всички уроци на детска музикална школа и детска художествена школа (индивидуални, групови, колективни) подготвят учениците за самостоятелна музикална дейност.

Репродуктивната дейност играе съществена роля в процеса на усвояване на материала: тя може да бъде възпроизвеждане на чутото изцяло или на части, имитация или копиране, но винаги в собствено активно действие. Само уроци по изпълнение на инструмента могат да подготвят ученика за пълноценно възприемане и усвояване на теоретичните знания. Задачата на учителя в детската музикална школа е да може да заинтересува детето в процеса на овладяване на инструмента и тогава работата, необходима за това, постепенно ще се превърне в необходимост. В основата на овладяването на инструмента не е каквато и да е техническа техника, а музикалното съзнание (слух) на ученика.

Индивидуалното обучение и възпитание на учениците в детските музикални училища се извършва въз основа на индивидуален ученически план, в който се проследява и планира неговото развитие за всички години на обучение в музикално училище.

При съставянето на индивидуална програма се взема предвид принципът на педагогическа целесъобразност. Програмата на всеки ученик трябва да бъде разнообразна по стилове и жанрове.

Променените условия за дейността на образователните институции в областта на изкуството диктуват нови, специални изисквания към учебните програми и образователните програми.

1. Преподаване на практически умения за използване на музикален инструмент;

2. Преподаване на теоретични и практически основи на музикалната грамотност, уменията за пеене от ноти;

3. Художествено-естетическо обучение и обучение в рамките на курса " музикална литература в детска музикална школа ";

4. Формиране на форми и умения за колективно обучение (колективно правене на музика);

5. Практическо изпълнение на творческите способности и нуждите от себеизразяване на учениците (предмет по избор).

Ансамбъл - група изпълнители, изпълняващи заедно, това е колективна форма на игра, в процеса на която няколко музиканти съвместно разкриват художественото съдържание на дадено произведение чрез изпълнение на средства. Единството на артистичните намерения, единството на емоционалния отговор на представлението, вдъхновяващата игра на всички е това, което характеризира ансамбълното изкуство.

Ансамбъл - Училище за усъвършенстване на музиканта.

Волята и самоконтролът са качества, от които се нуждае един музикант. Без тях е невъзможно ежедневно самостоятелна работанито на сцената. Но в по-голяма степен тези качества са необходими на играча в ансамбъла. Дефиницията на „воля“ означава „съзнателна саморегулация на поведението и дейностите на човек, която регулира функциите на мозъка, която се състои в способността активно да постига определена цел, преодолявайки външни и вътрешни препятствия“.

За изпълнителя „волята“ е най-важна, често решаващ фактор художествен успех: резултатът често зависи от неговото присъствие или отсъствие концертно изпълнение... Известно е, че работата на ансамблист изисква, освен общите репетиции, интензивно самостоятелно изучаване.

Волята е ред с процесите, протичащи в нашето подсъзнание. Не случайно обърнах толкова много внимание на характеризирането на волевите качества. Ансамбълът е колективна форма на творчество, така че не може да съществува, ако всеки от членовете му не се научи да контролира себе си, настроението си с емоции. Всъщност в процеса на работа трябва да решавате творчески сложни въпроси. Възпитанието на волевите качества е необходимо, те са неотделими от възпитанието на личността като цяло.

Ансамбълът трябва да живее в напрегната творческа атмосфера, в постоянен стремеж към нещо дори по-голямо от вече постигнатото. Основното е целта. Необходимо е да осъзнаем, че дори една малка крачка напред приближава човек до целта. След като разбрахме целта, е необходимо да определим средствата, чрез които тя ще бъде постигната.

Познанието е вечен и безкраен процес. Времето влияе и върху работата на ансамбъла. Отчитайки фактора време, е необходимо да се разработи методология за овладяване на изкуството на свиренето на ансамбъл: тя трябва да има за цел да гарантира постигането на значителни резултати във възможно най-кратки срокове. Поради това е препоръчително ансамбъл, който работи върху нова творба, да планира времето.

Ролята на психологическия климат в ансамбъла.

Концепцията " психологически климат»Включва нивото на сплотеност на членовете на ансамбъла, взаимно разбиране, организация, дисциплина, взискателност към себе си и другите, взаимна подкрепа и помощ, т.е. редица фактори, които създават така наречената творческа атмосфера на ансамбъла.

Всички задачи, които ръководителят поставя пред ансамбъла, трябва да бъдат дълбоко осъзнати от партньорите и да станат неразделна част от собствените им убеждения.

Художествено образование неделима от моралната. Надценяването на себе си, на своите възможности, егоизъм - влияят негативно върху растежа на професионалните умения. Проявата на това заболяване при един от членовете на ансамбъла може да съсипе целия бизнес.

Едно от необходимите условия за съществуването на ансамбъла е ясно очертаване на „правата и отговорностите“ на неговите членове и ръководителя. Този въпрос обаче е сложен и днес няма консенсус: някои смятат, че ансамбълът се нуждае от ръководител, тъй като е необходим обединяващ принцип в работата на колектива, други са убедени, че за разлика от оркестъра това е съюз на равни музиканти и следователно подчинението на един от участниците е несъвместимо със самата концепция за ансамбъл.

Подчиняването на диригента, следвайки инструкциите му, е в реда на нещата, но в ансамбъла е невъзможно. Ръководителят трябва да носи допълнителна лична отговорност, допълнителни отговорности за делата на ансамбъла. Той е инициаторът, организаторът в творчески процеспо-специално повече от други трябва да поемат инициативата при избора на репертоара.

Ансамбълът е форма на колективно творчество, където всеки от участниците трябва да съчетава две качества: в зависимост от обстоятелствата да бъде едновременно ръководител и подчинен.

Задачата на ръководителя е да обедини членовете на ансамбъла в сплотен артистичен колектив, да определи непосредствените му задачи, да очертае перспективите за работа. Ръководителят трябва да помни, че във всеки ансамбъл е необходимо да се развие творческа индивидуалност, да се разкрие неговата „роля“. Много зависи от личните качества на лидера. Да можеш да ръководиш екип е голямо изкуство. Лидерът е длъжен да има високи изисквания към себе си; отговорностите на мениджъра включват:

1. Търсене на нов репертоар;

2. Планиране и провеждане репетиционна работа;

3. Да съставя програми за самостоятелни и групови концерти и др.

Основният проблем е репертоарът, животът на ансамбъла. В заключение можем да кажем следното:

Ансамбълът трябва:

Да подпомага ансамбъла за постигане на поставената цел;

Работете системно, за да подобрите своите изпълнителски умения;

Трезво преценявайте резултатите от работата на екипа, като си спомняте, че не може да се спре на постигнатото;

Бъдете самокритични;

Да изпълнява указанията на ръководителя;

Подгответе се внимателно за репетиции и т.н.

Творческа работа на ансамбъла

Условия за провеждане на репетиции.

Репетицията трябва да се проведе в просторна стая и още по-добре на сцената. Голямо значение има стайна акустика. Репетицията трябва да започне навреме и да завърши точно навреме. По времето, когато започне, изпълнителите трябва да играят, за да могат да започнат репетиции с парче от всякаква сложност. Репетиционният план е предвиден предварително, той трябва да бъде интензивен, но реалистичен за изпълнение.

Игрите трябва да бъдат внимателно планирани.

Ансамбълът е единичен организъм, той се ражда само в съгласуваност помежду си, на първо място, в семантичен смисъл и следователно в пунктирана, динамична, темпова, ритмична и т.н.

На първите репетиции трябва да обхванете произведенията като цяло и след това старателно да работите върху детайлите, като ги полирате. Докато владеете отделните части - свързвайте ги, „редактирайте“, за да се опитате в крайна сметка да възпроизведете парчето от началото до края. Възпроизвеждането на цялото парче много пъти подред не е препоръчително в началото. Нанася повече вреда, отколкото полза. На следващите репетиции трябва да продължим да работим за подобряване на фразирането, динамиката, звуковите качества, нито за миг, без да забравяме за основната художествена цел.

Лидерът трябва да коригира общия звук, като направи необходимите коментари по време на играта. Като разсейва вниманието на изпълнителите със своите забележки, той ги поставя в трудна позиция, И въпреки това е полезна форма на работа, наред с други неща, за проверка на силата на знанията на партиите. По време на играта са възможни спирки. В този случай мениджърът трябва да обясни причината, да направи конкретен коментар и да се аргументира за нея.

Формите на възпроизвеждане на ново парче могат да бъдат различни в зависимост от степента на неговата готовност, както и от силата на звука. Желателно е да се променят темпото и динамиката. В същото време е важно да играете смислено, като спазвате нюансите и поддържате правилното съотношение на партиите от гледна точка на динамиката. Когато играете парче, всеки път трябва да поставяте определена задача - консолидиране на миналото, подобряване на връзката между частите, изработване на трудни места, цезура, фермат, увеличаване на темпото и т.н. Трябва да се стремите да гарантирате, че всяко следващо повторение е по-добро от предишното.

В бъдеще човек трябва да се стреми да изпълнява ролята наизуст. Желателно е: на всяка репетиция в работата да има парчета, които поставят различни задачи, например: парчета за общо запознанство! въз основа на четене на зрението!; работи на първия етап произведения на изкуството / разбор /; творби за художествено развитие; работи на последния етап на работа / окончателно шлайфане на части!; парчета, които да се повтарят.

Основните етапи на работа по мюзикъл

продукт.

Първият етап е в общ контур да се запознае с творбата, нейния автор, епохата, в която е живял композиторът, с историята на създаването на творбата.

Второ - изпълнителят трябва внимателно да изработи текста, да анализира неговата текстура, удари, динамика, ритъм, да определи амплитудата, техниката на играта и т.н. Търсене и одобрение на инструменти за изпълнение за въплъщение на намерението на автора.

Третият - въз основа на утвърдените умения и техники на играта, да олицетворява намерението на автора; заедно с това е необходимо допълнително подобряване и задълбочаване на изразителните средства, които допринасят за идентифицирането на художествения образ. Както можете да видите, задачите на втория и третия етап имат много общо.

Четвърто - игра с творбата, свикване с художествения й образ.

Етапи на техническо усвояване на произведение:

формирането на двигателни умения.

На първо място, акцентът в работата на ансамбъла на този етап трябва да бъде изучаването и развитието на всички елементи на музикалния текст, развитието на текстурата, формирането на свирещи движения. Този етап обикновено се определя като подробен анализ на работата.

Следователно, на първо място, трябва да прочетете текста:

първо, след като разбрах ритъма, като обърнах специално внимание на връзката и взаимодействието на различни ритмични модели, открити в частите;

второ, да се разберат ударите във всичко, тяхното многообразие, очертаване на изпълнителни техники за тяхното изпълнение;

трето, да се усети динамиката в общи линии, за да може по-късно, когато се разработи по-подробно, да се усети.

Особено внимание трябва да се обърне на определението за рационален апликатура, като многократно се проверява на технически трудни места. Въз основа на апликатура и усвояване на игрови движения, постепенно формирайте силни умения за ориентация на врата, за да, образно казано, „да видите пердетата с очите на пръстите“.

Трябва да се помни, че процесът на свирене на китара протича извън зрителния контакт на изпълнителя със струните. Поради това е важно да се изработи текстът и особено местата, свързани със смяната на позицията, за да се получи абсолютна увереност. В същото време автоматизмът на движенията е изключително необходимо условие.

На този етап от творбата е необходимо да се прочете музикалният текст още по-внимателно, за да се премахнат всички неясноти, които могат да възникнат в частите. Препоръчително е да играете изпитана част заедно с друга, очертавайки общите контури на звука им, докато е необходимо да свържете тези части, които се допълват или изпълняват една и съща функция, обработените части са свързани помежду си.

Също така е необходимо да се помни и да се обръща голямо внимание на въвеждането на нови гласове, да се координира всяко такова въведение с тематичния материал / мелодия /, който е отправна точка.

Ако дадена фигура трябва да има бързо темпо, това изобщо не означава, че човек трябва незабавно да играе в определеното темпо. Трябва да изчакате, докато страните узреят. Преждевременното преминаване към бързи темпове може само да навреди.

Когато анализирате фигура, не винаги е препоръчително да я играете от началото до края, такт по такт. Понякога, в зависимост от сложността на материала, е полезно да се играе на фрагменти, избирателно. Като работим по този начин, ще получим поредица от научени или почти научени фрагменти и ще зависи от обединяването им в едно цяло.

Това е съвсем естествено: върху едно е да се съсредоточите малък откъс музика, а другата - на редица пасажи. Ако в първия случай всичко зависи от способността да се настроите към научения пасаж, то в този случай това зависи от способността да се възстановява от един пасаж в друг, тъй като техническите проблеми трябва да се решават в поток от различни видове текстура , в музикален поток от различни звуци. В по-нататъшната работа е важно да се проследи съотношението на гласовете от гледна точка на динамиката: кой глас трябва да звучи на преден план в даден фрагмент и кой във втория (и защо).

Особено внимание трябва да се обърне на места, изискващи синхронно изпълнение, ритмична точност, дефиниция на линия и т.н.

С други думи, необходимо е стъпка по стъпка да се положи основата за технически безупречно изпълнение, зад което вече се виждат контурите на художественото изпълнение. Работата трябва да бъде структурирана по такъв начин, че с всяка репетиция да е все по-близо до крайната цел.

Още през този период е необходимо постепенно да овладеете уменията да играете наизуст. Играта наизуст отнема време, така че тази трябва да се формира възможно най-рано.

Етап на изпълнителското изпълнение на музикалния образ.

Какво е необходимо на изпълнителя, за да въплъти музикален образ? Накратко, да може да влезе в емоционалния свят на автора на всяко изпълнено парче, да бъде пропит с неговите мисли, неговите преживявания. В края на краищата програмата на един концерт може да включва произведения на голямо разнообразие от композитори, различни по стил и характер, да ги разкрива, „екипира“ всеки от тях с присъщите му характеристики - това е сложността на задачата.

Всяка част е част от един образ, създаден от целия ансамбъл, един вид „персонаж“ от пиесата, надарен с определен персонаж, в който човек трябва да свикне, да задълбочи присъщите му черти. В тази посока трябва да продължи работата по партията: трябва да се занимава не само с външното довършване, подобрявайки техническата страна на изпълнението, но най-важното е да се полира партията отвътре, прониквайки по-дълбоко в съдържанието .

Когато работите по произведение, трябва по-добре да четете не само текста, но и подтекста.

В тясна връзка с основната задача - формирането на музикален образ - в този период се решават такива въпроси като внимателното разработване на необходимите техники за производство на звук, търсенето на звукови цветове, усъвършенстването на динамичните нюанси и др. . В търсенето на цветове трябва да се изхожда от тембърните изображения на вокален звук или оркестър. Без да се работи върху звука, едва ли е възможно да се „нарисува“ музикален образ. В същото време е необходимо да се използват тембърните възможности на инструментите, като се постигне релефно възпроизвеждане на всяка мелодична линия.

Продължавайки работата по работата, е необходимо да се следват взаимоотношенията на индивида музикални конструкции: фрази, части, обърнете внимание на кулминацията, "локален" и централен, равномерност на темпото, ритмична стабилност, агогични отклонения и др. Заедно с това - да се анализира структурата на произведението, неговата драматичност.

Необходимо е да се стремите към по-дълбоко и смислено изпълнение на частите, за да играете всяка от тях перфектно и с пълна емоционална отдаденост в резултат. Завършването на работата по изучаването на нова работа става не когато нищо не може да се добави, а когато нищо не може да се извади от вече постигнатото.

Овладяването на дадено произведение, както виждаме, е сложен многоактивен процес. Тук несъмнено един труден проблем трябва да бъде разделен на редица относително прости, като ги решаваме последователно според принципа от прост към сложен.

Тембър и изкуството на звукопроизводството.

Както знаете, звукът има свойства: височина, сила на звука, тембър и продължителност.

Ансамбълът с поклони е класически пример за ансамбъл, където сродните инструменти имат отделни тембри.

Задачата обаче е не само ансамбълът да има богати тембърни възможности, но и как умело да ги използва. До голяма степен това зависи от изкуството на използване на инструмента. Трябва да се има предвид, че инструменталистът има на разположение не само тембрите, с които разполага този или онзи инструмент, но и тези, които могат да бъдат получени в резултат на тяхната комбинация.

За изпълнител, който свири в ансамбъл, е много важно да има фин усет за цвета на звука, който трябва да се променя в зависимост от стила и естеството на композицията. Работата върху културата на звука е работа по градация на динамиката с прецизност на нюанса, разработване на различни удари, работа по баланса на звука на отделните гласове на ансамбъла и др.

В този случай трябва да се обърне специално внимание на възпитанието на интонационни умения, „смислено произношение на звуци“.

Задачата на музиканта - изпълнител: да може да се изразява чрез звук. Не овладяване на изкуството звукова изразителност, невъзможно е да се създаде пълноценен художествен образ, да се предаде необходимия характер на музиката.

Накратко за техниките на звукопроизводството.

Преди да говорим за метода на извличане на звук, е необходимо да кажем няколко думи за характеристиките на всеки пръст. Най-силният е най-големият; най-сръчният - (индекс); да бъдеш най-силен, най-дълъг, зависи от третия; четвъртият пръст (безименният) е слаб и по-малко подвижен. Пети (малък пръст) - той не участва в играта.

Има два начина за извличане на звуци:

1. Apoyando - метод за производство на звук с пръсти на дясната ръка, последван от спиране на върха на пръста на следващия (съседен) низ.

2. Тирандо - метод за производство на звук с пръсти на дясната ръка без последващо спиране на върха на пръста върху съседни струни.

Инсулти - като средство за изразителност.

В ансамбълното изпълнение, както в соловата игра, щрихите са важно лекарство изразителност. Следователно всички членове на ансамбъла трябва перфектно да владеят техниката на изпълнение на различни удари. Без да навлизате в подробности в описанието на ударите, просто ги припомнете.

Легато (1egato - свързано изпълнение, когато един звук плавно преминава в друг, не вдигайте пръсти високо от струните и ги поставяйте меко. В техниката на легато китара трябва да се разглежда не само свързано изпълнение, но и като техника на звуковото производство, което е от първостепенно значение.

Техниката легато се изпълнява по три начина:

1. Метод: във възходящ ред на звуците, първият звук се произвежда чрез удряне

пръст на дясната ръка и вторият или следващите пръсти (вдясно)

лявата ръка, която се спуска със сила върху същата струна, натиснете я и

да звучи без участието на дясната ръка:

2. метод: използва се при изходящ ред на звуците. Първият звук се извлича с пръста на дясната ръка, а вторият и следващите - от отстраняването към пръстите на лявата ръка.

3. Метод: използва се и за изходящия ред на звуците, когато се сливат две ноти, които се възпроизвеждат на различни струни, първата нота се получава от удар с пръст на дясната ръка, а втората - от удар с пръст на лявата ръка, който принудително се спуска върху друга струна на правилното място и го прави да звучи без участието на дясната ръка.

Staccato - обозначава се с точки над или под бележките; звуците се изпълняват рязко, сякаш създават пауза след всяка нота. Над която е поставен знакът.

За да свирите staccato, на китара, трябва да издадете звук с дясната си ръка и веднага да поставите този пръст върху струната, от която е извлечен звукът, предотвратявайки звука на струната.

Non legato е удар, при който звуците имат приблизително същата продължителност като при игра на legato. Те обаче не са свързани.

Ритъмът като фактор на ансамбълното единство.

Сред компонентите, които обединяват музикантите в един хармоничен ансамбъл, метро ритъмът е може би най-важен. Усещане за метро ритъма. По същество той изпълнява функцията на диригент в ансамбъла:

усещането за силен ритъм от всеки участник е онзи „скрит“ диригент, чийто „жест“ допринася за обединяването на ансамблите.

Ансамбълът е изкуството да играем заедно. Единството, синхронността на звука му е първото сред другите важни условия. Метро ритъмът е основата, рамката, върху която почива цялата сграда на ансамбъла. Ритмичната сигурност прави играта по-уверена, по-надеждна в техническо отношение. На тази основа в крайния анализ се засилва автоматизмът на движенията, без който изпълнителната техника е немислима. Освен това изпълнител, който свири нередовно, е по-податлив на всякакви инциденти.

Нека посочим още една характеристика на метро ритъма; усещането за равномерно движение, движение с едно определено темпо не е развито, понякога е трудно да се определи художествената мярка на различни агогични отклонения. Необходимо е ансамбълът да включва ритмични, стабилни изпълнители, за да има повече от тях.

Как на практика се постига ритмично единство в ансамбъл? Във всеки отделен случай е необходимо да се избере частта, която според своята ритмична структура би изпълнявала водещата функция по най-добрия начин.

По този начин понятието "водещ" и "воден" в ансамбъла и в сферата на ритъма.

„Полка“ от И. Куфнер.

Динамиката като средство за изразителност

Различните елементи на музикалната текстура трябва да звучат на различни динамични нива. Трябва да се помни, че динамиката на дадено произведение се възприема не сама по себе си, а в сравнение (контраст) на различни динамични нива.

Ф. Дюранте "Галиарда".

Имайки слухово разбиране за равномерната сила на звучността, тогава човек може да практикува уменията, свързани с постепенно увеличаване или постепенно намаляване на силата на звука. Трябва да се има предвид, че крещендото е впечатляващо, когато нарастването на силата настъпва особено забележимо в самия край на изкачването, на последния етап на финала. Следователно, като се следи за постепенния растеж, е необходимо да имате резерв от сила, който да използвате в момента на завършване на линията до крещендо. Същото се отнася и за diminuendo, с тази разлика, че слабото намаляване на силата на звука е по-трудно от увеличаването му. Междувременно не само това състояние често се нарушава, но и самият процес на постепенно увеличаване или намаляване на интензивността на звука.

Обр. Ю. Соловьова "Под ябълковото дърво зелено"

Темпото като средство за изразителност

Определянето на темпото на дадено произведение е важен момент в сценичните изкуства. Правилно избраното темпо допринася за правилното предаване на характера на музиката, грешното темпо в една или друга степен изкривява характера на парчето. Въпреки че има авторски указания за темпото, до определението на скоростта на самата музика, в съдържанието на нейните художествени образи.

За много произведения има така наречената темпо зона, в рамките на която темпото може да варира, без да се променя значението на самата музика.

Що се отнася до бързото темпо, то не трябва да бъде самоцелно: темпото винаги се определя от естеството на музиката на изпълняваното парче. Бързото темпо е тест на ансамбъла за сила, за метро-ритмична стабилност. Ансамбълът трябва да се плаши не от скоростта на самото движение, а от липсата на хармония, ред, техническа свобода и съгласуваност в него.

При определяне на границите на темпото е необходимо да се вземе предвид текстурата на произведението и, разбира се, техническите възможности на членовете на ансамбъла. Границите на бързото темпо също зависят от качествения състав на отбора. И накрая, темпото зависи от личността на изпълнителя.

Наученото парче не може да се играе постоянно с бързо темпо; по време на репетициите е необходимо периодично да се обръщате към по-сдържано темпо като превантивна мярка. След като "изчистите" текста, можете отново да се върнете към по-бързо темпо, с нови, по-високи изисквания по отношение на качеството на изпълнението.

Техники за постигане на синхрон

ансамбъл звук

Синхронността на ансамбълния звук трябва да се разбира като точността на съвпадението във времето на силните и слабите удари на всяка мярка, най-голямата точност при изпълнението на най-малката продължителност от всички членове на ансамбъла.

Човек трябва да получи впечатлението, че един човек играе с един-единствен „център“ на контрол, да играеш синхронно означава да играеш абсолютно заедно, сякаш дори и най-малките несъответствия в изпълнението на партията не остават незабелязани от внимателен слушател.

Как можем да постигнем такова единство, така че всеки да може да се присъедини едновременно като един човек, всички да играят заедно (независимо от дължината на парчето), едновременно да променят темпото, ако е необходимо, заедно да „вземат“ или „премахнат“ акорд , и така нататък. Тази задача се усложнява допълнително от факта, че ансамбълът трябва да бъде присъщ на добре познатата метро-ритмична и следователно темпова свобода.

За да играете заедно, на първо място, трябва да се научите да разбирате партньора си, да възпитавате качество в себе си, което се нарича усещането за ансамбъла. Това е основното нещо.

Постигане на синхрон в момента на СТАРТ

Ансамбълът трябва да има изпълнител, който изпълнява някои от функциите на диригент - понякога е длъжен да показва интро, излитане, забавяне и т.н.

Сигналът за влизане е малко кимване с глава, състоящо се от два момента: едва забележимо движение нагоре и след това ясно, доста рязко движение надолу. Последният служи като сигнал за влизане.

Кимването не винаги се извършва по един и същи начин: всичко зависи от естеството и темпото на изпълняваното парче. Когато дадена фигура започва отзад на решетка, сигналът е по същество същият, с тази разлика, че ако в първата версия, при повдигане на главата, е имало пауза, в този случай тя е изпълнена със звука на бара .

"В който те срещнах".

Постигане на синхрон в процеса на изпълнение.

Поддържането на звука в синхрон със самото изпълнение е още по-трудна задача от едновременното въвеждане в началото на парче. Всичко зависи от това доколко всеки от съставите има метро-ритмична стабилност, колко ритмично свири.

Играта с осми заедно е трудна задача, възможността да се „разпръснат” е в очакване на ансамблите на всяка стъпка. Можете да укрепите метро-ритмичната основа тук, като направите малък акцент в началото, на силен дял... Акцентите са организиращият и обединяващ принцип, благодарение на който се постига синхронизация на звука.

Синхронност в края на парчето.

Едва ли е необходимо да се подчертава колко е важно да завършите работата едновременно. Във връзка с това отбелязваме два възможни варианта:

1. последният акорд (или нота) има специфична продължителност;

2. над хордата има фермата. В първия случай синхронността се постига на базата на точно продължителна продължителност.

Всеки от съставите отброява метро-ритмичните бийтове „за себе си” и премахва акорда точно навреме.

Синхронност при екзекуцията на агогики.

Запазване на единството на ансамбъла при изпълнение на агогики, т.е. малки отклонения от темпото и метъра (забавяне, ускорение) - задача, която изисква внимателно внимание от изпълнителите. Когато темпото е определено и движението трябва да бъде равномерно, единството на ансамбъла е по-лесно да се поддържа. С отклонение от темпото и последващо възстановяване могат да възникнат определени трудности, тъй като всеки от членовете на ансамбъла може да усети това или онова отклонение от темпото по свой начин.

Индивидуална работа върху ансамблова част

Ансамблова част - за да се работи върху ансамбълната част, за да се осигури нейното изпълнение на високо ниво, е необходимо по същия начин, както върху соловата част. Частта от ансамбъла трябва да звучи толкова изразително в художествено отношение и безупречно в техническо отношение, колкото частта на солиста. Особено внимание трябва да се обърне на апликатурата, а когато се анализира, трябва да се обърне внимание не само на сложни технически места, но и на онези, които на пръв поглед изглеждат прости. Трябва да се приеме, че значителна част от вниманието на ансамбъла е насочено към слушане на други части, следователно апликатурата отчасти поема контрола върху техническата страна на изпълнението на неговата партия. На негова основа се развива автоматизмът на движенията, който осигурява точността (в технически план) на представянето на партията.

Когато работите по дадена игра, трябва да я познавате толкова добре, че да можете да я играете от всяко място, а не само от самото начало. Това е много важно за ансамблист, тъй като в критична ситуация помага за бързо навигиране.

Запомняйки наизуст партията, е необходимо да си представим нейната функция в общия комплекс на звука на ансамбъла.

Най-важното условие за запаметяване на ансамблова част е развитата памет и всички нейни видове: слухова, визуална, тактилна или тактилна, двигателна или мускулна.

Нека разгледаме всеки тип поотделно.

Слухова памет за музикант е един от основните видове памет. Каквото и да свири изпълнителят, той трябва преди всичко да чуе и да се опита да запомни какво свири. В този случай човек трябва не просто да слуша, а да слуша внимателно какво звучи.

Визуалната памет е фиксирането на визуални изображения. Работейки с текст на бележка за определено време, ние успяваме да го снимаме в съзнанието си. В резултат на това той често се помни не само за самия текст, но и за местоположението му на нотния лист. Следователно, не трябва да се разделяте с бележките, трябва да дадете време за работа. зрителна памет.

Тактилна или тактилна - памет, базирана на усещането за допир (тактилно усещане). Когато свирите на китара, обърнете внимание на лявата ръка, на врата на китарата.

Двигателна (мускулна) памет - в автоматизма на движенията: пръстите „помнят“. Следователно, докато изучавате част, не трябва да гледате през лявата ръка през цялото време; това може само да попречи на развитието на мускулната памет, което не само ще удължи времето на обучение, но и ще повлияе на силата на познаване на играта наизуст . При този метод на запаметяване пръстите се движат сякаш сами по себе си, само поддържащите звуци от тази текстура се записват в съзнанието, всички останали се превръщат в постижение на мускулната памет, подсъзнанието.

5. Подобряване на музикалната грамотност.

6. Помагане на учениците за участие публичен живот училища.

В същото време трябва да се подчертае, че цялата преподавателска и образователна работа трябва да се извършва от учител на високо професионално ниво. С учениците, които са част от ансамбъла, трябва да се изготви индивидуален работен план.

В предложеното образователна програма взети под внимание: натрупан опит, желания и коментари на учители - практици, както и настоящи методически програми.

1-ва година на обучение

Аз половин година (клас 2)

Студентът трябва да изучи 3-4 произведения с различни характери. Всеки ученик, след като анализира музикалния текст от своята част, се запознава с особеностите на ансамбълното музикално правене. Практикуват се първоначалните умения за свирене в ансамбъл: едновременно вземане и премахване на звук, способността да се наблюдава не само собствената част, но и партньорската част в музикалния текст.

За да избегнете чести колебания и прекъсвания, когато играете заедно, трябва да изберете бавно темпо в началото. И двамата играчи разглобяват всяка съзвучност, всяка структурна частица.

Учителят запознава ученика с особеностите на ансамбъла, следи отблизо психологическото състояние на партньорите. Важно е да убедите ученика в тяхната колективна отговорност за звука на произведението и да развиете доброжелателно отношение на членовете на ансамбъла.

В края на първото тримесечие се провежда контролно прослушване на ансамбъла, а в края на първата половина на годината - тест, при който ансамбълът изпълнява две композиции с различни характери.

II половин година

Студентът трябва да изучи 4-5 произведения с различни характери. Творбите са подбрани за различни удари на изпълнение (staccato, legato, non legato). Единството на изпълнението на тези удари в ансамбъла се разработва.

В същото време се работи по формулирането на произведението и разработването на единна фраза сред членовете на ансамбъла.

Трябва да се помни, че по-малките деца училищна възраст трудно е да се справите с една техника на играта, така че в урока трябва да работите върху няколко музикални произведения. И разбира се, тук можете образно да сравните изпълнението на ударите:

"Staccato" - убождане с игла;

“Legato” - плавно пеене (в зависимост от желания звук).

Наученото парче трябва да се изпълнява в класната стая, училищните концерти. За целта ученикът се запознава със сценичното поведение. Насаждат се умения за представяне на сцената.

През четвъртото тримесечие - тест, при който ансамбълът изпълнява две композиции с различни характери.

2-ра година на обучение

Аз по суша (степен 3)

Избират се 4-5 парчета с ярки музикални образи, където се използват първоначални знания за формата на парчето. Въз основа на програмата разговорът е за изразителните средства на определено парче (удари, динамика, ритъм, темпо и т.н.). И за да подобрим правилно изпълнителите, е подходящо художествено мислене.

Учителят трябва да помни, че психиката на ученика се характеризира с фрагментация на възприятието, т.е. придържане към една функция (темпо, динамика, тембър, фразиране). Следователно, не бива да се „претоварва“ ученика с твърде обемна задача. Но изборът на достъпен репертоар е изключително важен.

II половин година

Продължава работата по усъвършенстване на придобитите умения, анализира се формата на произведенията и изразните средства.

Разговорът за исторически, биографични, теоретични факти значително активира мисленето и възприятието на ученика. Помага да се разбере и следователно да се изпълни работата.

3-та година на обучение

1 семестър (4 клас)

Обръща се внимание на образното звучене на произведението. Четене на зрението. През първата четвърт - контролно слушане.

II половина на годината

Ученикът трябва да научи 4-5 парчета.

4-та година на обучение

Аз шест месеца (степен 5)

Ученикът трябва да научи 4-5 парчета. Запознаване с по-големите форми на рондо, соната. При по-силни ученици е възможно да се запознаете с формата на концерта. Продължава работата по разработване на единно темпо, ритмична съгласуваност и динамичен баланс на страните.

Обръща се внимание на образното звучене на произведението. Четене на зрението. През 1-ва четвърт - контролно слушане.

През II четвърт - тест, където се изпълняват две композиции с различен характер или една композиция с голяма форма.

II половин година

Ученикът трябва да научи 4-5 парчета.

Усложняването на техническите проблеми в произведенията изисква работа по разработването на фразиращата линия, както и разработването на еднакви удари на изпълнението, последователност в игровите движения на ученика. За да се насърчи независимостта и самоконтролът, ученикът е поканен да научи една творба сам.

През третото тримесечие - контролно слушане.

През четвъртото тримесечие - тест, където се изпълняват две композиции с различни герои. Четене на зрението.

Библиография

1. "Млад китарист", V Калинин;

2. „Училище за свирене на шестструнна китара“, П. Агафошин;

З. „Училище за свирене на шестструнна китара“, А. Иванов-Крамекой;

4. "0 музикална педагогика", Б.Я. Землянски;

5. „06 изкуството на свиренето на пиано. Бележки на учителя ”, Г. Нойхаус;

6. "Работата на пианиста върху техниката", С. Савтински; „Творчество на пианист с авторски текст“, Е. Либерман.

Методическо развитие
Организиране на домашна работа по шестструнната китара в системата за допълнително образование.° Слевичарка Metla S.G, ръководител на учители по ГМО в класа по китара.

Има две форми на преподаване: ръководено от учители обучение в класната стая и самостоятелна домашна работа. За китарата е написано доста методически работи, за ученици от музикални училища и колежи. Това са произведенията на Н. П. Михайленко „Методи на обучение на свирене на шестструнна китара“. Ю.П. Кузин "Азбуката на китариста". С. Дънкан "Изкуството да свириш на китара". „Организиране на домашна работа на пиано“ от М. Е. Бесарабова. Общите принципи на преподаване също са подходящи за системата на допълнително образование, така че много неща могат да бъдат приети и адаптирани по отношение на допълнителното образование на класа по китара.
Да се \u200b\u200bнаучим да свирим на шестструнна китара

Успехът в обучението зависи от това как дейностите в класната стая на учителя взаимодействат с независимата домашна работа на ученика. Научете детето си да разбира музика. Звуците трябва да бъдат не само физически, но и музикални, за да предават красота, а не само продължителност, височина, тембър. Направете така, че изпълняваното музикално произведение да не отразява езика на музикалната нотация, а да представлява някакъв артистичен феномен. Класът по китара съществува в ДДТ на Петроградския квартал на Санкт Петербург повече от десет години. През годините много деца са усвоили основите на китарното изкуство, опознавайки творбите на композиторите различни епохистрани, като развиват и подобряват своите музикални и творчески способности.

Класовете по инструмента позволяват на учениците да ускорят практическото усвояване на основите на музикалната грамотност, което дава възможност да се свири в ансамбли в бъдеще различни видове... Разработете вътрешно ухо за музика, научете се да избирате мелодии на ухо, придружавайте гласа.

С цялата достъпност и привидната простата, китарата е доста сложен инструмент. Дете, което е седнало на инструмент, трябва да решава много проблеми едновременно. Компетентно изпълнявайте музикалния текст, правилно четете нотите, като същевременно наблюдавате признаците на изменение, апликатура, нюанс, решаване на проблемите на метро ритъма, темпото. Помислете за правилния баланс на мелодия и съпровод. Слушайте, интонирайте и пейте с пръстите на дясната си ръка музикални фрази и изречения. Постоянно следете координацията на двете ръце. Очевидно има много задачи при свиренето на китара и всяка от тях представлява определена теоретична, координационна или техническа трудност и изисква определен период от време в изучаването и практическото усвояване на врата на китарата.

Организиране на уроци по китара.

Занятията в допълнителна образователна институция в класната стая с учител съставляват относително малка част от времето (45 минути) на седмица. Това не е достатъчно за уверено, дълбоко усвояване на учебния материал. Много е важно да организирате домашното си правилно. Целта на класната работа е да подготви ученика за самостоятелна творческа работа. Важно е ученикът да разбере, че систематичните уроци по китара са основното условие за овладяване на изпълнителските умения. При това детето абсолютно се нуждае от помощта на родителите, особено ако детето е в начална училищна възраст. Важно е да научите ученика да работи самостоятелно.
Начален период на обучение
Трябва да се помни, че абстрактното мислене при 7-8 годишно дете все още не е напълно оформено. Следователно, в домашната си работа за инструмента, преди всичко трябва да се съсредоточите върху креативно мислене, развитието е един от водещите принципи на музикалното образование. Цялата самостоятелна работа трябва да се извършва при непрекъснат слухов контрол. Периодично трябва да провеждате контролни уроци, които симулират домашна работа. Учителят не трябва да се намесва в процеса, да наблюдава, от време на време да прави коментари. Важно е да установите контакт с родителите, да се запознаете с условията им на живот, да помогнете за установяването на солиден ред за ученика. Тъй като всяко музикално произведение винаги носи емоционално въображаемо съдържание, счита се за препоръчително да се редуват училищни и музикални домашни, например руска музика, математика и т.н. Този принцип на подготовка на домашната работа ви позволява да комбинирате равномерно работата и почивката. При такъв график продължителността на часовете между уроците може да продължи 15-20 минути. Предложеният режим на работа ще спести време и ще ви позволи по-ефективно да изградите домашна работа.

Организация на движенията на китариста

През първите седмици на обучение ученикът се научава как да ходи с пръсти по струните и ладовете. Тази трудна дейност изисква много търпение и внимание, както от страна на ученика, така и от страна на родителите, тъй като децата на 7-8 години са физически неспособни да концентрират вниманието си върху такава работа за повече от няколко минути . Тук ученикът се нуждае от помощта на родителите по време на първите уроци. Първо трябва да овладеете техниката на арпеджио на китара. Пръстите на дясната ръка трябва да виждат и чуват. Движенията на пръстите на дясната ръка са по-лесни за анализиране, когато не са свързани с лявата ръка. Най-простото арпеджио възходящо p.i.m.a. Палецът на дясната ръка играе с опора (апояндо), в този момент и трите пръста на показалеца, средния, пръстена се поставят едновременно на 1.2.3. струна, струните са разположени между върховете на пръстите и ноктите, като леко натискате струните, пръстите последователно извличат звука. Фиксирането на струната между подложката на пръста и нокътя осигурява най-ефективното прехвърляне на сили, минимална игра в нокътната става. Лявите пръсти осигуряват минимално повдигане над щангата, създавайки минимум усилия за тяхното преместване. Минималният натиск върху струните ги предпазва от претоварване, забавя появата на умора. Вертикалното положение на пръста се постига чрез докосване на струната на грифа по-близо до нокътя. Препоръчително е да практикувате с метроном и за да развиете усещане за пулса, трябва да настроите метронома към втория ритъм. Упражненията и везните изискват постоянно внимание към артикулацията, контролирана и неконтролирана, когато ухото контролира и не контролира скоростта на изпълнение с най-бързото темпо. Много е важно ритъмът и мелодично да чуете ритъма, ритмично и мелодично да го асоциирате със следващия нисък ритъм, да го разгледате като трамплин към ниския ритъм. Важно е ученикът да наблюдава движенията на двете ръце по време на играта, артикулацията между дясната и лявата ръка е много важна. Подготвят се пръстите на дясната ръка, поставени предварително върху необходимите струни, пръстите на лявата ръка намират нотата, пръстите на дясната ръка издават звук. Палецът на дясната ръка опира в 6-та струна, когато играете везни и упражнения. Стойността на тези упражнения и упражнения е важна, тъй като темпото се увеличава или се появява по-кратка продължителност, контролът на съзнанието отстъпва на придобити рефлекси. Много е важно да се развие техниката на дясната ръка, колкото повече време отнема подготовката на звука, толкова по-дълбоко е управлението. Това, което в крайна сметка се среща като легато, се случва с равномерна интензивност и ритмична точност.

Работете върху ритъма

Тъй като музиката е изкуство, което не може да съществува извън времето, всеки изпълнител се нуждае от засилено усещане за метро ритъма като основа на всяко музикално произведение. За експресивно изпълнение, освен тембър, ускорение и забавяне на темпото, трябва да се научите как да рисувате звук и ритъм от китарата. Това може да стане с движения на ръцете, фокусирайте се психически върху такова упражнение, лява ръканатискането на струната на шията прави латентно движение наляво, а дясната ръка в този момент - надясно, разтягане на звука като пружина, създаване на напрежение и след това отпускане, то трябва да съответства на вътрешната пулсация. Това е много интересен момент в изпълнителската техника на изключителни китаристи, по тази тема искам да напиша следващата си работа, посветена на анализа на изпълнителските умения на водещи китаристи. Един от методите за насаждане на усещане за метро ритъма е да се работи с броене на ухо, особено в началния етап на обучение, постепенно ученикът развива вътрешно усещане за метро ритъм. Схемата на акаунта, която прилагам, изглежда така. Цялата бележка се счита за Ta-a-a-a, половината Ta - a, четвърт Ta,

Осми Та-ти, шестнадесети Та-ра-ти-ри. Тази схема е проста, лесна за запомняне, лесна за произнасяне.

Методически съвети за учители от класа по китара.

За успешно обучение се опитайте да откриете психологически контакт с ученика още от първите уроци. Не се опитвайте да водите уроци само със способни деца. Всяко дете е индивидуалност, личност, изкуството на учителя се крие във факта, че всеки ученик се превръща в отличен изпълнител, придобива постоянен интерес към музикалните изследвания, който може да продължи цял живот. За да направите това, е необходимо да се изготви такъв режим на домашна работа на ученика, при който редуването на училище и музикални предмети, за да научи детето да практикува инструмента всеки ден. През първите месеци на обучение, ако е възможно, родителите трябва да присъстват на урока, за да могат по-късно да следят изпълнението на домашните. Още от първите стъпки на обучението, за да приучите ученика към самостоятелна работа на инструмента. Спазвайте стриктно хигиенните и физиологичните условия за работата на детето. Използвайте удобен, твърд стол с необходимата височина, опора за левия крак, за да избегнете изкривяване на гръбначния стълб. Поддържайте тишина по време на час. Бъдете внимателни към физическото и емоционалното състояние на ученика. Посещавайте годишни концерти и състезания с родители. Постоянно формирайте нуждата на детето да слуша класическа музика и да анализира чутото. Научете децата как да се държат на сцената, да излязат, да се поклонят, да си тръгнат. Работете уверено, с уважение и любов към ученика, китара, музика. Непрекъснато преглеждайте уроците, които сте направили.

• Героят на романа "Дванадесет стола" Киса Воробянинов: биография и интересни факти
• Шишарка като символ
• Как почина Айседора Дънкан?
• Биография на Айседора Дънкан Успешна в кариерата си и нещастна в личния си живот
• Най-необичайните завещания в света
• Настройка на седем струнни китари 7 Тунинг на струнна китара
• Всичко за електрическите китари и тяхната структура и свойства
• Регулиране на отклонението на врата и настройка на фермата Къде да завъртите фермата на акустична китара
• Покойникът оживя в ковчега на историята
• Руската художничка добавя своята дебела джинджифилова котка към известни картини Джинджифиловата котка се превърна в знаменитост

• Влиянието на картината върху емоционалното настроение на човек Картини, изразяващи чувства
• Ужасите на крематориума: истина и измислица Колко тежи прахът на човек?
• Хронология - Николай Василиевич Гогол
• Анотирана библиография
• Легенди за произхода на човечеството
• Мистика и Сталин: загадки за съдбата на Михаил Булгаков & nbsp
• Намерете колекционерство в спящи кучета: окончателно издание
• Първи април: идеи за шеги и шеги Как можете да изиграете шега на семейството си на 1 април
• Мумията на малко момиченце се отваря и затваря очи
• Деца за цирка - детска презентация