• Антоан Сент Екзюпери: биография
• Ролята на поетичните средства в художествената структура на думата
• Антоан Сент Екзюпери: биография
• Анализ на романа на Чернишевски „Какво трябва да се направи?
• Художествената роля на епилога във Война и мир
• Как се разкрива характерът на Базаров в отношенията с родителите?
• Детски абонаменти за филхармонията
• Как работи: Детска филхармония
• Изложби „Арт съкровища на Русия
• Приказен куест за деца „Алиса

Анри Емиле Беноа Матис (1869-1954), френски художник, график и скулптор.

Учи в Париж, в Джулианската академия (от 1891 г.) при А. В. Бугро, в Школата за декоративни изкуства (от 1893 г.) и в училището изящни изкуства (1895-1899) от Г. Моро.

Подобно на повечето ученици на художника от онова време, той копира произведения на стария френски и холандски майстори.

Изпитва влиянието на неоимпресионизма (главно П. Синяк), П. Гоген, изкуството на арабския Изток, до известна степен - древноруската иконопис (той е един от първите на Запад, който оценява неговите художествени достойнства; през 1911 г. посети Москва).

През 1905-1907г. Матис става водач на новото художествена насока - фовизъм. От втората половина на 1900г. той намира свой собствен стил, който се характеризира с лаконичен модел, контрастираща комбинация от няколко цветови зони (панелът „Танц“ и „Музика“ за имението на С. И. Щукин в Москва, и двете от 1910 г.) или богат на нюанси на един основен тон , полупрозрачен и не скриващ текстурата на платното („Работилница на художника“, 1911).

В произведенията на Матис през втората половина на 10-те години. се забелязва влиянието на кубизма („Урокът по музиката“, 1916-1917); произведенията от 20-те години, напротив, се отличават със своята спонтанност, колористично разнообразие и мекота на писане (поредицата Odalisque).

През 30-40-те години. художникът съчетава откритията от предишни периоди, декоративността на фовизма с аналитично ясна конструкция на композицията (фризът "Танц" в Музея на Барнс, 1931-1932 г.) и с фино нюансирана цветова система ("Клонът на слива" , 1948).

Постоянни мотиви в творчеството му са танци, идилични сцени, шарки на килими и тъкани, плодове, вази и фигурки (Red Fish, 1911; Натюрморт с черупка, 1940 и др.). Матис предпочита да оперира с линия - тънка, понякога с прекъсвания, понякога дълга и кръгла, прорязваща бял или черен фон (поредица „Теми и вариации“, 1941; илюстрации към „Стихотворения“ от С. Маларме, към „Пасифае“ от дьо Монтерлан, към „Стихове на любовта“ от П. де Ронсар).

През 40-те. художникът често прибягва до техниката на апликации от цветна хартия (серия Jazz, 1944-1947). Матис се насочва към скулптурата от началото на 1900-те, но особено често през 20-те и 30-те години. (релеф „Гола женска фигура отзад“, 1930).

Последната му работа - вътрешна декорация (включително витражи) на „Параклисът на молитвата“ в град Ван, близо до Ница (1953).

Биография

Анри Émile Benoit Matisse е роден в последния ден на 1869 г. в град Le Cato Cambresis в североизточна Франция в семейството на търговец на зърно и бои. Детството на Матис беше щастливо. Със сигурност майка му изигра важна роля в съдбата на момчето - имайки артистичен характер, тя, освен че работеше в семейния магазин, се занимаваше и с производството на шапки и рисуван порцелан.

След като напуска училище, Анри учи в Париж, за да стане адвокат. След дипломирането си работи като помощник адвокат в Сен Куентин. Работата изглеждаше на Матис безкрайно скучна. Повратната точка в живота му беше болестта. За да „разсее“ някак сина си, когато се възстановяваше от операция от апендицит, майка му му даде кутия бои. „Когато започнах да пиша“, спомня си по-късно Матис, „чувствах се като в рая ...“

След като получи разрешението на баща си, той отиде да учи за художник в столицата, където през октомври 1891 г. постъпва в Академията на Юлиан. Връзката на Матис с Адолф Бугро, в чиято работилница попадна, не се получи и скоро той се премести в Училището за изящни изкуства в Постав Моро. Това беше съдба. Първо, Моро се оказа отличен учител; второ, тук, в ателието си, амбициозният художник се сприятели с Алберт Марке и Жорж Руо, бъдещите му спътници във фовизма.

01 - Трапезна маса, 1897г

02 - Синя саксия и лимон, 1897

03 - Гърне с плодове и кафе, 1899

По съвет на Моро той усърдно копира творбите на старите майстори в Лувъра. Идеите на майстора, който вярваше, че основното в художника е способността му да изразява отношението си към света с цветове, намериха оживен отзвук в душата на младия Матис. Що се отнася до стила му на рисуване от онова време, той е близък до импресионистичния. Но цветът, отначало заглушен, постепенно набира сила и дори тогава започва да придобива самостоятелно значение в творбите на художника, който вижда в него „сила, способна да подчертае усещането“.

04 - Ястия на масата, 1900

05 - Ястия и плодове, 1901

06 - Очертания на Нотр Дам през нощта, 1902 г.

07 - Работилница на тавана, 1903 г.

По това време Матис живееше трудно. Той имаше извънбрачна дъщеря, която се нуждаеше от грижи. През 1898 г. художникът се жени за Амели Перейре. Младоженците прекараха медения си месец в Лондон, където Матис се заинтересува от работата на великия майстор на цвета Търнър. След завръщането си във Франция двойката заминава за Корсика (невероятните цветове на Средиземно море след това избухват в платната на художника). Анри и Амели имаха двама сина един след друг. Матис, на когото липсваха средства, го направи театрални представления, а Амели отвори магазин за шапки. Приблизително по това време Матис се запознава с Пол Синяк, най-видният последовател на Серат, и се интересува от дивизионизма, смисълът на който е да пише в отделни точки с чист първичен цвят. Това хоби се отрази в редица негови творби.

Роден в последния ден на 1869 г. в град Le Catot-Cambresi в североизточна Франция в семейството на търговец на зърно и бои. Детството на Матис беше щастливо. Със сигурност майка му изигра важна роля в съдбата на момчето - имайки артистичен характер, тя, освен че работеше в семейния магазин, се занимаваше и с производството на шапки и рисуван порцелан.
След като напуска училище, Анри учи право в Париж. След дипломирането си работи като помощник адвокат в Сен Куентин. Работата изглеждаше на Матис безкрайно скучна. Повратната точка в живота му беше болестта. За да „разсее“ някак сина си, когато се възстановяваше от операция от апендицит, майка му му даде кутия бои. „Когато започнах да пиша“, спомня си по-късно Матис, „чувствах се като в рая ...“
След като получи разрешението на баща си, той отиде да учи за художник в столицата, където през октомври 1891 г. постъпва в Академията на Юлиан. Връзката на Матис с Адолф Бугро, в чиято работилница се озова, не се получи и скоро той се прехвърли в Школата за изящни изкуства при Гюстав Моро. Това беше съдба. Първо, Моро се оказа отличен учител; второ, тук, в ателието си, амбициозният художник се сприятели с Алберт Марке и Жорж Руо, бъдещите му спътници във фовизма. По съвет на Моро той усърдно копира творбите на старите майстори в Лувъра. Идеите на майстора, който вярваше, че основното в художника е способността му да изразява отношението си към света с цветове, намериха оживен отзвук в душата на младия Матис.
Що се отнася до стила му на рисуване от онова време, той е близък до импресионистичния. Но цветът, отначало заглушен, постепенно набира сила и дори тогава започва да придобива самостоятелно значение в творбите на художника, който вижда в него „сила, способна да подчертае усещането“.
По това време Матис живееше трудно. Той имаше извънбрачна дъщеря, която се нуждаеше от грижи. През 1898 г. художникът се жени за Амели Перейре. Младоженците прекараха медения си месец в Лондон, където Матис се заинтересува от работата на великия майстор на цвета Търнър. След завръщането си във Франция двойката заминава за Корсика (невероятните цветове на Средиземно море след това избухват в платната на художника). Анри и Амели имаха двама сина един след друг. Матис, който нямаше средства, проектира театрални представления, а Амели отвори работилница за шапки. Приблизително по това време Матис се срещна с Пол Синяк, най-видният последовател на Серат, и се заинтересува от дивизионизма, чието значение беше да пише в отделни точки с чисто основен цвят. Това хоби се отрази в редица негови творби.
Лятото на 1905 г. Матис прекарва на южното крайбрежие на Франция. Там той започва да се отклонява от техниката на дивизионизма. Художникът се потопи в експерименти с цвят, опитвайки се да създаде немислими цветови контрасти върху платното. В Есенния салон през 1905 г. той участва с Вламинк, Дерейн и Марке. Критиците намериха своите картини „еретични“. Самите автори Л. Вексел наричат \u200b\u200b„див“ - от тази френска дума се ражда името на новото художествено направление („фовизъм“), не без гордост, възприето от младите революционери от живописта.
Фенове на тази група бяха намерени веднага. Лео Щайн и сестра му Гертруда (известна писателка) се сдобиват с аплодираната картина на Матис „Жена в шапка“, а Пол Синяк купува творбата му „Лукс, мир и удоволствие“. Steins се сприятелиха с художника. Това приятелство значи много в съдбата му. Нови приятели запознаха Матис с младия тогава Пикасо, редица влиятелни критици и руския колекционер С. Щукин. Всичко това значително подобри финансовото състояние на художника. Той се премества в нов дом в Иси дьо Мулино и предприема няколко големи пътувания, като посещава Северна Африка, Испания, Германия и Русия.
През 1909 г. С. Щукин възлага на Матис два панела за московското му имение - „Танц“ и „Музика“. Работейки върху тях, художникът успява да постигне абсолютна хармония на форма и цвят. „Стремим се към яснота, като опростяваме идеите и значенията“, обясни той по-късно. - „Танц“ е написан от мен само с три цвята. Синьото представлява небето, розовото представлява телата на танцьорите, а зеленото представлява хълм. " „Руската“ следа в живота на художника става все по-ясна. И. Стравински и С. Дягилев го канят да проектира балета „Песен на славея“. Матис се съгласил - премиерата на пиесата обаче се състояла едва през 1920 г., след края на Първата световна война.
По време на военните години Матис (който не е влязъл в армията по възраст) активно усвоява нови художествени направления - гравиране и скулптура. Той живее дълго време в Ница, където може да пише спокойно. Матис виждаше жена си все по-рядко. Това беше един вид скит, очарован от службата на изкуството, на което той сега се отдаде изцяло. Междувременно признанието на художника отдавна е прекрачило границите на Франция. Негови картини са изложени в Лондон, Ню Йорк и Копенхаген. От 1927 г. синът му Пиер участва активно в организирането на изложби на баща си. Междувременно Матис продължи да се опитва в нови жанрове. Илюстрира книги на Маларме, Джойс, Ронсар, Бодлер, създава костюми и декори за постановки на Руския балет. Художникът не забравя за пътешествията, пътувайки из САЩ и прекарвайки три месеца на Таити.
През 1930 г. той получава поръчка от Алберт Барнс за стенопис за украса на сградата на живописната колекция на Барнс в Мерион, предградие на Филаделфия. Матис отново избра танца като тема на картината (точно както преди 20 години, когато работеше за Щукин). Той изряза огромни фигури на танцьори от цветна хартия и ги закрепи на огромно платно, опитвайки се да намери най-изразителната и динамична композиция. По време на тези предварителни етапи дойде съобщение, че са допуснали грешка с размера на картината и художникът започва да преправя всичко въз основа на новите „технически задания“. В същото време принципите на подреждането на фигурите не са се променили. В резултат на това се раждат две стенописи, рисувани на една и съща тема. Първата версия сега е изложена в Парижкия музей на модерното изкуство, а втората, преработена, е във фондация "Барнс", за която е предназначена.
С избухването на Втората световна война Матис почти заминава за Бразилия (визата вече беше готова), но в крайна сметка той промени решението си. През следващите няколко години му се наложи да преживее много. През 1940 г. той официално подава молба за развод с Амели, а малко по-късно е диагностициран с рак на стомаха. Художникът претърпя две много сложни операции. Дълго време Матис беше прикован към леглото.
Една от медицинските сестри, които се грижеха за болния Матис, беше Моника Буржоа. Когато, години по-късно, те се срещнаха отново, Матис научи, че неговият приятел е болен от туберкулоза, след което тя беше постригана под името Жак-Мари в доминикански манастир във Ванс. Жак-Мари помоли художника да коригира своите скици на витражи за манастирския параклис на Розария. По собствено признание Матис видя в това искане „наистина небесен дизайн и един вид Божествен знак“. Той сам се погрижи за украсата на капелата.
В продължение на няколко години художникът всеотдайно работеше с цветна хартия и ножици, без да изпуска от очи нито един детайл от декорацията на параклиса, включително свещниците и свещеническото облекло. Един стар приятел на Матис, Пикасо, саркастично за новото си хоби: „Не мисля, че имате морално право на това“, пише му той. Но нищо не можеше да спре това. Параклисът е осветен през юни 1951г. Матис, неспособен да присъства на това поради болест, изпрати писмо до архиепископа на Ница: „Работата по параклиса изискваше от мен четири години изключително усърдна работа и тя - описа творбата си художникът - е резултат от целия ми съзнателен живот. Въпреки всичките й недостатъци, аз я смятам за най-добрата си работа. " Животът му изтичаше.
Той почина на 3 ноември 1954 г. на 84-годишна възраст. Пикасо оцени ролята му в съвременното изкуство кратко и просто: „Матис винаги е бил единствен.“

Матис Анри Емил Беноа (31.12.1869, Le Catot, Пикардия, - 03.11.1954, Cimiez, близо до Ница), френски художник, график и скулптор.

Цветният ефект на картините на Матис е изключително силен; реакцията обаче е отрицателна, но винаги много интензивна. Картините му са звучни, шумни фанфари, понякога оглушителни. Те вече не предизвикват спокойно възхищение, а визуални пароксизми, това не е „празник на окото“, а необуздана оргия.

С какви средства Matisse постига толкова силен цветен ефект? На първо място, изключително подчертани цветови контрасти. Нека дадем думата на самия художник: „В моята картина„ Музика “небето е боядисано в красиво синьо, най-синьото от синьото, самолетът е боядисан с толкова наситен цвят, че синьото се проявява напълно, идеята за Абсолютно синьо; чисто зелено е взето за дървета, звънеща цинобра за тела. Специална характеристика: формата е модифицирана според влиянието на съседни цветни равнини, защото изразът зависи от цветната повърхност, покрита от зрителя като цяло ”.

След като получава диплома по право, работи като адвокат (1889-1891). Учи в Париж - в Жулианската академия (от 1891) при А. В. Бугро, в Школата за декоративни изкуства (от 1893) и в Школата за изящни изкуства (1895-99) при Г. Моро; копирани произведения на стари френски и холандски майстори. Изпитва влиянието на неоимпресионизма (главно П. Синяк), П. Гоген, изкуството на арабския Изток, до известна степен - древноруската иконопис (той е един от първите на Запад, който оценява неговите художествени заслуги; през 1911 г. посети Москва). След като се запознава с творчеството на импресионистите, постимпресионистите и английския художник Дж. Търнър, А. Матис започва да използва по-наситени цветове, като предпочита светлите цветове („Булон де Булон“, ок. 1902, музей Пушкин, Москва; "Люксембургска градина", около 1902, Ермитаж, Санкт Петербург). Той е силно повлиян от изкуството на П. Сезан (Nude. Servant, 1900, Музей на модерното изкуство, Ню Йорк; Ястия на масата, 1900, Ермитаж, Санкт Петербург).

През 1905-07 г. лидерът на фовизма. В известния парижки есенен салон от 1905 г., заедно с новите си приятели, той излага редица творби, включително „Жената в зелената шапка“. Тези произведения, които направиха скандална сензация, положиха основата на фовизма. По това време Матис открива скулптурата на народите на Африка, започва да я събира, интересува се от класически японски дърворез и арабски декоративни изкуства... До 1906 г. той завършва работата по композицията „Радостта от живота“, чийто сюжет е вдъхновен от поемата „Следобед на един фавн“ от С. Маларме: сюжетът съчетава пасторални мотиви и вакханалия. Появяват се първите литографии, гравюри на дърво и керамика; Продължавайки да подобрявам рисунката, изпълнявана главно с химикалка, молив и въглен. В графиките на Matisse арабеската е съчетана с фин трансфер на чувствения чар на природата.

От втората половина на 1900 г., твърди Матис нов тип художествен израз, използвайки лаконичен, остър и в същото време гъвкав модел, рязко ритмичен състав, контрастираща комбинация от няколко цветни зони, но интензивно ярки и локални (панели за имението на С. И. Щукин в Москва "Танц" и "Музика", и двете - 1910, Ермитаж, Ленинград), тогава богата на нюанси на един основен тон, полупрозрачна и не скриваща текстурата на платното („Работилница на художника“, 1911, музей изящни изкуства на името на А. С. Пушкин, Москва).

През 1908-1912 г. Матис, използвайки почти изключително чист цвят (в редки неща използва преходи, смесени тонове), изгражда картините си върху три основни тона. "Сатир и нимфа" - хармонията на зелено, розово и синьо, "Танц" - синьо, зелено и червено, натюрмортите са изградени върху хармонията на лилаво, жълто и червено или синьо, виолетово и розово. След това, около 1912 г., той се насочва към четиризвучните цветове и на един от четирите тона на картината е отредено съвсем малко място: „Танжер“ - син, оранжев, розов, червен, „На терасата“ - лилав, зелено, розово, синьо ... “Вход за Казба” - пурпурно, синьо, зелено, бледо розово. В по-късните години той прибягва до по-сложни комбинации и значително разширява палитрата си, въвеждайки по-голямо разнообразие от нюанси.

Тук е важно да се разкрие значението на думите на Матис за взаимодействието на чистите тонове. Говорейки за нюансите, Matisse, разбира се, не означава градациите на наситеността на тона - белотата, които са възможни и при използване на чист цвят (в италиански и руски примитиви). Той, очевидно, също няма предвид въображаемите нюанси, които зрителят трябва да възприеме при сблъсъка на наситени цветни равнини, своеобразно ехо на неоимпресионистичната теория за оптично смесване на цветовете. Тази вибрация е твърде лека и усещането за междинни нюанси е преходно. Тук говорим, очевидно, за необходимостта от въвеждане на преходни тонове, до които Матис дойде по-късно.

Работейки в чист цвят, Матис иска, както всеки художник, да избягва монотонността - антитезата на изобразителността, но не винаги ще успее, а някои от неговите неща се характеризират с монотонност (панел „Музика“). От друга страна, през 10-те години той иска непременно да запази чистотата на цвета. Избягвайки смесването на цветове, той прибягва до техника, подобна на остъкляването на старите майстори, полагайки върху по-светла тъмна боя, например розово - бяло, синьо - люляк и т.н. След това, за да накара боята да вибрира, той енергично я втрива в платното, вместо да използва бяло, я кара да блести.

Непрекъснатата работа по рисуване позволи на Матис да се превърне във виртуоз на четката. Контурите в картините му са уверено очертани с един щрих. Неговите картини често приличат (особено при репродукция) на рисунките с четки. Техният ефект често почива на майсторско, смело докосване.

Понякога използва слоеве с различна плътност (например в „Момиче с лалета“), изтласквайки напред един цвят в ущърб на друг. Редица неща от 1912 г. обаче са написани с гладка, монотонна текстура. Ако повърхността на други картини на Матис може да изглежда суха и монотонна, това не означава пренебрегване на материала за рисуване, немислимо в велик художник, но за един вид страх от насилие над материалното. За Матис, като декоративен художник, особено важно е сливането на картината с нейната основа, платното, чиято белота и структура се вземат предвид от него, колкото монументалистът отчита повърхността на стената. Но, като си спомня основата, Матис понякога забравя за самата боя, о специфични характеристики и възможностите на маслената живопис.

От особено значение е техниката на непълни детайли, особено добре забележима в „марокански“, „игра с топка“ и други неща; цветът на местата, които художникът е искал да заглуши, не се приема неясен, но се оставя празно платно (което понякога се прави, за да се разкрие светлина), или детайлът остава недостатъчно боядисан (предимно ръце, крака и др.) Матис се ограничава до матово, течно боядисване и не плаща специално внимание въпроси за текстурата. Това е несъмнена празнина в работата му, особено ако сравните многогодишната му упорита работа върху цветни контрасти, един вид научна работа върху изследването на психофизичната реакция към определен цветен контраст. Матис не е доволен от системата от допълнителни тонове, открита от Делакроа, въведена в система от импресионистите. Той търси дисонанси, писъци, груби акорди; тук е възможен паралел със съвременната музика на Стравински, Щраус и др. Подобно на тези композитори, той е засегнат от безпокойство, психологическа нестабилност, прекомерно засилени чувства на съвременния буржоа.

В сдържания, строг маниер на творбите на Матис от втората половина на 10-те години се забелязва влиянието на кубизма („Урокът по музиката“, 1916-17, Музей за модерно изкуство, Ню Йорк); произведенията от 20-те години, от друга страна, се отличават с жизнената си спонтанност на мотивите, колористичното си разнообразие и мекотата на своето писане (поредица Odalisque). През 30-40-те години Матис обобщава откритията от предишни периоди, съчетавайки търсенето на свободна декоративност на фовисткото време с аналитично ясна конструкция на композицията (фриз в Музея на Барнс "Танц", 1931-32, Мерион, Филаделфия, САЩ), с фина нюансирана цветова система („Сливово дърво“, 1948, частна колекция, Ню Йорк).

Работата на Матис като цяло има редица общи черти. В опит да противопостави вечните ценности на живота на бурното напрежение на живота през 20-ти век, той пресъздава празничната му страна - светът на безкрайния танц, спокойното спокойствие на идилични сцени, шарени килими и тъкани, пенливи плодове, вази , бронзове, съдове и фигурки. Целта на Матис е да привлече зрителя в тази област. идеални изображения и мечтите, за да му създаде усещане за мир или неясно, но омагьосващо безпокойство. Емоционалното въздействие на неговата живопис се постига предимно от екстремната наситеност цветове, музикалността на линейните ритми, създаващи ефект на вътрешното движение на формите, накрая, пълното подчинение на всички компоненти на картината, за което понякога обектът се превръща в един вид арабеска, съсирек от чист цвят (Red Fish , 1911; Натюрморт с черупка, 1940; и двете творби - в Музея за изящни изкуства Пушкин).

Матис постига целостта и същевременно изобразителното разнообразие, преди всичко, като осъзнава истинска и органична връзка между цвета и формата - линейно-планарни. Цветът толкова надделява над формата за него, че може да се счита за истинското съдържание на картините му, а всичко останало е просто функция на ослепителен, мощен цвят. Рисуването като такова в Matisse винаги е било подчинено на качеството на неговия цвят, развитието на линията върви паралелно с развитието на изобразителните качества. В периода на първите търсения, малко вял и приблизителен („Трапезната маса“), рисунката му постепенно става все по-остра и изразителна. Матис рисува много и неуморно от природата, рисунките му са стотици, той е истински виртуоз на рисуването. Умението му ясно личи във всеки от оживените му, стремителни скици от модели. На първо място, забележителна е точността, с която той поставя фигурата на листа, като веднага намира съответствието на нейните пропорции с равнината на хартията. Дори скиците му са композиционни; те обикновено се вписват в изразителен арабеск, изрязващ равнината по диагонал. Парче природа от възприемчив художник изглежда веднага се трансформира в игра на декоративни петна и щрихи; в същото време обаче жизнеността изобщо не е намалена, а по-скоро рязко подчертана. Без да мисли за детайлите, Матис схваща самата ос на движение, остроумно обобщава завоите на тялото, придава целостта и редовността на артикулацията на формите. Рисунките на Матис са толкова остри, динамични, опростени и лаконични, пластичността им е толкова особена, че не могат да се смесват с никакви произведения на други известни чертожници по негово време. По жизненост и спонтанност те не отстъпват на японските, по декоративност - по персийска миниатюра, по изразителност на линиите - по рисунките на Делакроа. Освен това тяхната основа изобщо не е „виртуозност“, не е пристрастяване към грандиозни удари - те са конструктивни в истинския смисъл, тъй като разкриват пластичната форма с пълна убедителност.

Като графичен художник, работещ с писалка, молив, въглен, офорт, линография и литография, Матис работи главно с линия, тънка, понякога прекъсната, понякога дълга и кръгла, прорязваща бял или черен фон [поредица „Теми и вариации ", въглен, писалка, 1941 г .; илюстрации: към „Стихове“ от Маларме, към „Пасифае“ от дьо Монтерлан, към „Стихове на любовта“ от Ронсар]. През 40-те години Матис често прибягва до техниката на апликации от цветна хартия (серия Jazz, 1944-47). Матис се насочва към скулптурата от началото на 1900-те, но особено често през 20-30-те години (релеф "Гола женска фигура отзад", бронз, 1930, Музей на изкуството, Цюрих). Последното произведение на Матис - вътрешна декорация (включително витражи) „Параклис на броеницата“ във Ванс, близо до Ница (1953). Матис умира в Cimieux близо до Ница на 3 ноември 1954 г.

Отличен чертожник, Матис е предимно колорист, който постига постоянен звуков ефект в композицията на много интензивни цветове. Заедно с картини известен със своите брилянтни рисунки, щампи, скулптури, рисунки за платове. Една от основните творби на художника е декорацията и витражите на доминиканския параклис на Розария във Ванс (1951).

Френски художници края на XIX - началото на 20-ти век бяха много пристрастни към танца. Грациозните балерини Дега и елегантната прима кабаре на Тулуза-Лотрек са просто различни превъплъщения на модата танцова тема... Великият Анри Матис не направи изключение. "Наистина обичам танца. Удивително нещо е танцът: живот и ритъм. Лесно ми е да живея с танци", призна майсторът. И въпреки че образите на Матис са чужди на реализма и декоративните му платна нямат много общо с бронзовите момичета в пачки, темата за танца неизменно се появява във всички повратни точки в кариерата му.

Първият хоровод се появява в ранната картина на художника „Радостта от живота“. Тази тема намира своето развитие 4 години по-късно, когато Матис започва работа по гигантските панели „Танц“ и „Музика“, поръчани от известния руски колекционер и филантроп С. И. Щукин. Но още преди това, през 1907 г., майсторът прави дървен релеф с танцуващи нимфи \u200b\u200bи няколко авторски вази за един и същ мотив. След това Матис се зае да създаде монументално платно за имението на Щукин в Москва.

"Когато трябваше да направя танц за Москва, просто отидох в Мулен дьо ла Галет в неделя. Наблюдавах танцьорите. Особено ми хареса фарандолата ... Връщайки се на мястото си, композирах своя дълъг четири метра танц, пеейки същата мелодия ". Яркочервените фигури, кръжащи в луд хоровод, не само зарадваха клиента, но и донесоха на създателя на картината заслужена слава. Не случайно почти четвърт век по-късно Матис отново се връща към темата за танца.

Поръчката, дошла през 1930 г. от известния американски колекционер Албърт Барнс, беше наистина трудна: декоративното платно трябваше да бъде поставено в сводестите сводове над прозорците. Изтъкнатият клиент разумно остави избора на тема и техника на преценката на художника. Но, обръщайки се към любимата си тема, Матис създава творба, която по никакъв начин не прилича на динамичния и грандиозен панел "Щукин".

Парижкият танц "е замислен от Матис през седмото му десетилетие. Въпреки това той се смята за едно от най-смелите и иновативни произведения на художника. И всичко това, защото специално за този ред авторът изобретява и разработва оригинална техника за декупаж (която в Френски означава "изрязан"). Подобно на гигантски пъзел, картината е сглобена от избрани фрагменти... От листове, предварително боядисани с гваш, маестрото лично изрязва фигури или парчета от фона с ножици, които след това (според чертежа, обозначен с въглен) са прикрепени към основата с щифтове. Тази технология включва бърза подмяна на едно парче с друго. Последният етап - нанасянето на боя върху платното - се състоя с помощта на художник, действащ по указание на художника.

Декупажните произведения се считат за шедьоври на късния и много късния Матис. Вече болен старец, прикован на легло, той не пускаше ножици и постоянно изискваше цветна хартия.

Всъщност панелът "Парижки танц" съществува в три версии. Най-ранната, но непълна версия е по същество подготвителен скица. С втората, вече почти завършена пълноценна работа, излезе обиден гаф: Матис направи грешка в размера на стаята и цялото платно трябваше да бъде пренаписано наново. Окончателната версия беше одобрена от клиента и успешно отплава в чужбина. И предишният, „дефектен“, художникът си припомни и през 1936 г. той отстъпи за скромна награда на Музея за модерно изкуство в град Париж.

Днес „Парижкият танц“ с право се смята за перлата на колекцията на този музей - не без основание е построена специална зала, която да показва гигантското платно. Картината беше здраво закрепена върху три прозореца в сводести сводове и, както честно признава директорът на музея, „не предполага възможността за транспорт“.

Но тук жителите на Санкт Петербург и Москва имаха невероятен късмет: Музеят за съвременно изкуство в Париж беше затворен за дългосрочна реконструкция. Уникалният панел е изпратен в Русия с широк жест: първоначално е висял три месеца в Държавния Ермитаж, а сега (от 6 септември) пристига в Държавния музей за изящни изкуства Пушкин. И още една интересна подробност: в процеса на работа по „Парижкия танц“ Анри Матис се срещна с проста рускиня Лидия Николаевна Делекторская, която стана първо секретарка, след това незаменима помощничка и медицинска сестра, а след - най-близък приятел и последната муза на художника. През октомври 1933 г. Лидия Делекторская се премества в къщата на Матис и „остава“ в нея почти 22 години, до смъртта на великия майстор.

Панелите на Matisse "Dance" и "Music", които направиха скандална сензация на изложбата на Парижкия есенен салон през 1910 г., бяха поръчани от тогава вече известния френски художник, руски индустриалец и колекционер S. Shchukin, който покани Matisse в Москва, запознал го с В. Брюсов, В. Серов, Н. Андреев, дал възможност да види стари руски икони, от които френският художник бил зарадван.

Ето как Матис представи идеята за тези две платна: „Представям си посетител, който влиза. Първият етаж се отваря пред него. Той трябва да отиде по-нататък, да положи усилия, трябва да вдъхне чувство на бодрост. Първият ми панел изобразява танц, кръгъл танц на върха на хълм. На втория етаж. Вече сте вътре в къщата, тук цари духът на тишината и виждам музикална сцена с внимателни слушатели ... "Матис видях и третата сцена, която олицетворяваше пълен мир.

Основната задача за него беше да постигне целостта на тези стативи, които нямат много общо с архитектурно-декоративния ансамбъл. И в двете композиции се усеща ехото на фовистките композиции на Матис, направени под прякото впечатление от френските народни танци, които той е виждал в южната част на Франция.

Тези, които добре познаваха художника, казаха, че дори Щукин да не му е поръчал втора композиция, тя пак щеше да се роди. В динамичния, неистов "Танц" може да се видят сложни ракурси, необичайно преплитане на ръце и тела, а в обратния на "Музика" ритъм в основата на композиционното решение не е динамиката, не движението, а абсолютната неподвижност на отделените , фронтално разположени фигури. Две платна, едното с пет танцуващи фигури, другото с пет седящи огнени фигури, са сходни по цветова гама, в равнинен прочит на формата, в абстрактна тема, но противоположни по ритъм. Матис, както той самият пише, рисува картините си "до насищане, така че ... синьото да се разкрие напълно, като идеята за абсолютно синьо".

След като "Танцът" и "Музиката" предизвикаха скандал в Салона на д'Автомне, С. Щукин отказа да ги отведе и обясни това с нескромност при разработването на някои фигури. Млади момичета току-що се бяха настанили в къщата му и той не искаше да ги смущава. След известно време обаче той все пак промени решението си. Матис обаче трябваше да сложи малко червена боя върху фигурата на флейтиста, за да скрие признаците на пола. Сега панелите на Матис „Танц“ и „Музика“ са изложени в Държавния Ермитаж в Санкт Петербург.

Анри Матис обичаше импресионистите и неоимпресионистите, Гоген, изкуството на арабския Изток, на 35-годишна възраст той стана лидер на Фовите. Цветовата му схема е елегантна и изискана, а много музикалните линейни ритми създават ефект на вътрешно движение. Никой от последователите на Матис не успя да постигне такова, както той, пълно композиционно и декоративно подчинение на всички елементи на картината, той остава съвършен майстор декоративна живопис. Самият той създаде свой собствен, уникален свят на музиката, бързия танц, свят на искрящи фигурки, вази и плодове, свят на спокоен мир и радостна забрава.

Анри Матис е роден на 31 декември 1869 г. в Северна Франция, в Катон Камбрези, и прекарва детството си в Боен ен Вермандуа. Баща му беше търговец на зърно и мечтаеше синът му да стане адвокат. След Лицея Сен-Кантен, Матис учи право в Париж, работи за адвокат в Боен ан Вермандуа. За пръв път се опитва да рисува, след като е бил хоспитализиран и е опериран - апендицитът е отстранен. На 20-годишна възраст той започва да рисува в школата на Вентин де ла Тур, а през 1891 г. заминава за Париж, където Бугро и Ферие го подготвят за прием в Школата за изящни изкуства. На вечерни курсове в Училището за декоративни изкуства той се запознава с Алберт Марке, влиза в работилницата на Гюстав Моро в Школата за изящни изкуства. Копира много в Лувъра, пътува до Бретан и през 1897 г. излага в Салона на Националното дружество за изящни изкуства едно от най-значимите си импресионистични произведения - картината „Десерт“.

Матис често е наричан син и съпруг на мелничаря. През 1898 г. той се жени за великолепната висока южнячка Амелия-Ное-ми-Александрина Молитва. И заедно отидоха в Лондон, където Матис за пръв път видя творбите на „вестителя на слънцето“, романтикът, идолизиран от импресионистите - Търнър. Един от приятелите на Матис си спомни, че Матис каза, че обича Лондон, защото „за първи път го срещна на медения си месец“.

След Лондон художникът заминава за Корсика, за Тулуза. Когато Моро умира, Матис напуска Училището за изящни изкуства и през същата 1899 г. започва да посещава Академията Кариере, започва скулптура (на вечерни курсове). Сред приятелите му бяха Писаро, Дерейн, Пюи, Марке, с които рисува декоративен фриз, Миняк, Кръст, Майлол и други известни художници от онова време.

През 1901 г. Матис започва да излага работата си в Салона на Индипендънта, в галерията Berthe Weil и в Салона д'Автомне. Работейки през 1904 г. със Signac и Cross, Матис е очарован от дивизионизма - изобразителна система, която се основава на методичното разлагане на сложен цветен тон в чисти цветове, фиксиран върху платното с отделни щрихи, разчитащ на оптичното им смесване във визуалното възприятие.

И през 1905 г. Матис става водач на нова тенденция - фовизма. В Salon d'Automne заедно с него бяха изложени Mangen, Puy, Marquet, Derain, Vlaminck, Valta, които споделяха неговите възгледи за живописта, като него, се стремяха да се съсредоточат върху цветовата схема на своите композиции, като ги основаваха на съотношението от ярки местни цветни петна.

През 1906 г. в Салона на Индипендънт Матис излага една от най-големите си композиции „Радостта от живота“, която по-късно служи като основа за паното „Танц“. През това време той прави дърворезби и литографии. Известно време отидох в Алжир, а след това в Италия.

През 1907 г. фовистката група се разпада и Матис отваря собствена работилница. Негови картини са изложени в Ню Йорк, Москва, Берлин. Той публикува „Бележки на художник“ и се установява в предградията на Париж, Иси-ле-Мулино.

През 1910 г. в Салона на д'Автом избухва скандал заради панелите му "Танц" и "Музика". През 1911 г. Матис посещава Москва, през 1912 г. - Мароко, започва да излага скулптура. Оттогава неговите самостоятелни изложби се провеждат в много градове по света, а галерията Bernheim-Gen редовно организира негови лични изложби.

През 1920 г. Анри Матис, по молба на С. Дягилев, прави модели на декори и скици на костюми за руски балети.

През 1921 г. се премества в Ница, започва да работи по илюстрации на книги и по поръчка на американеца Барнс направи монументална живопис-пано "Танц", която беше инсталирана в град Мерион през 1933 година.

Синът на художника Пиер отвори собствена галерия в Ню Йорк, където изложи творбите на баща си. Претърпял трудна операция през 1941 г., през последните години Матис работи повече като художник на книги и се интересува от колажи.

Най-много Матис обичал да рисува цветя, дървета и жени. Ето как самият той пише за работата си: „Напълно завися от моя модел, който изучавам, когато тя е свободна от позиране, и чак тогава решавам да избера поза за нея, която най-добре отговаря на нейното същество. Когато взема нова модел, виждам подходяща поза за нея, когато е в състояние на релакс и почивка и ставам роб на тази поза. Работя с тези момичета понякога дълги години, докато интересът изсъхне. Моите пластмасови знаци, може би, изрази ги състояние на ума... това, което ме интересува без отговорност ... "

Ето защо неговите жени са като цветя, а цветята са като живи хора ...

Матис даде нова визия за света. Ако великият Леонардо да Винчи твърди, че основното чудо на живописта е способността да се предаде обемът на нещо, след което Матис превежда всичко в равнина. Ябълката се е превърнала от топка в кръг. Матис откъсна дълбочината от рисуването и започна да променя природата, като я прави в унисон с мислите си. Той можеше да подчини човешката фигура на линията на орнамента, както се случва в неговата „Червена стая“, той можеше да измести фигурата спрямо опората - това направи в „Постоянната зора“. Дори подът му внезапно се наклони и цветовете създадоха физическо усещане за течащ знойна въздух („Входът към Козба“) или хладна прозрачна вода в аквариума („Червена рибка“).

С каква наслада Матис рисува модели на ориенталски килими, колко внимателно постига прецизни, хармонични цветови отношения! Разкошен, пълен с мистериозна вътрешна светлина и неговите натюрморти, портрети, разголени.

Критиците на изкуството казват, че ако Матис не е художник, той щеше да влезе в десетката на френските скулптори. Той е първият, който използва деформация в името на израза и, както самият той призна, ако Майол, като майстор на древността, работи в томове, той, подобно на майсторите от Ренесанса, е очарован от арабеските, постига изящно линия силует. Един от най-известните бронзови статуи „Голямата гола седалка“ на Матис е създадена през 20-те години на миналия век - едновременно с неговите платна „Одалиска“ и „Гола седнала на синя възглавница“.

Съвременниците казваха, че когато Матис извайва, той твърде често навлажнява глината и от това, когато машината се обръща, фигурите често падат и рушат. Тогава Матис взе четка и пренесе пластичното си зрение върху платното.

Един от последните големи творби Анри Матис е украсата на "Параклиса на Розария" във Ванс близо до Ница, където работи от 1948 до 1951 г. като архитект, както като художник, така и като скулптор и като декоратор.

Рисуването, необичайно, леко, гъвкаво, винаги е заемало едно от основните места в творчеството на Матис. През 20-те години рисунките му са добре развити и специфични, по-късно той се интересува от рисунки с четки, които се оказват изненадващо цветни. През 1919 г. сред неговите рисунки се появява „темата за шапка с щраусови пера“, през 1935 г. - „темата за огледалата“, през 1940 г. - „темата за жената в фотьойл“, а през 1944 г. - „тема за праскови ". В техниката на рисуване - монументална, образно пластична - е направена и последната му картина в „Параклисът на Розария“.

Луис Арагон в своя необичаен роман "Анри Матис" пише:

Цял живот

Начертайте му дума, която звучи в него ...

През 1952 г. в Като Камбрези е открит музеят на Анри Матис. Отворен по време на живота на художника.

В статия, озаглавена „Трябва да погледнете на света през очите на дете“, Анри Матис разкри тайната на свежестта и очарованието на неговите творби: „Вярвам, че за един художник няма нищо по-трудно от това да рисува роза ; но той може да създаде своя собствена роза само като забрави за всички рози, написани преди него ... Първата стъпка към творчеството е да видим истинския външен вид на всеки обект ... Да създаваш, означава да изразиш това, което е в теб.

Матис е живял дълъг живот, през който е създал много картини, графични произведения, скулптурни композиции от керамика и пана, включително тези, използващи техника декупаж. Неговата работа е оценена от съвременниците му по целия свят, въпреки че иновативните му техники често стават причина за ожесточени спорове.

Младост

Анри Матис е роден в Северна Франция през 1869 г. в успешен търговец на зърно. Любовта си към изкуството той наследи от майка си, която обичаше да рисува керамика. Въпреки че според традицията именно Анри (като най-големият син) трябваше да стане ръководител на семейния бизнес, след като завършва лицей „Анри Мартин“ в Сен Куентин, той заминава за столицата, за да учи право в известното училище на Закона. През 1888 г. Матис получава юридическа диплома и, връщайки се в родния си град, започва работа като чиновник в местния адвокат.

Първи стъпки в изкуството

Вероятно Матис би направил добра кариера в юриспруденцията, ако не беше случаят. Факт е, че през 1889 г. младежът е приет в болницата с остър пристъп на апендицит и е принуден да прекара там дълги два месеца. За да забавлява сина си, мадам Матис му подарява акварели и той започва да прекарва времето чрез копиране на цветни пощенски картички. Тази дейност беше толкова очарователна млад мъжче след изписването от болницата той разказа на родителите си за твърдото си намерение да стане художник. Въпреки съпротивата на баща си, Анри се записва в училище по рисуване в град Тур, където чертожници са обучени да работят в текстилната индустрия. В същото време той продължава да учи право.

Учи в Париж

През 1892 г. Матис решава да се посвети на живописта. За тази цел той отново заминава за Париж и постъпва в Академията Джулиан, където учи първо при А. Бугро, а след това в Училището за изящни изкуства, като последният му предсказва светло бъдеще и е един от първите, който отбелязва иновации . млад художникв смели цветови комбинации. През този период художникът Матис често прекарва дните си в Лувъра, копирайки шедьоврите на старите майстори и известни художници 19 век, който според неговото признание, направено в напреднала възраст, много е помогнал на майстора в бъдещата му работа.

Импресионистичен период

От 1896 г. картините на Матис започват да се излагат в известните парижки салони и той печели известна слава сред парижките любители на изкуството. През този период художникът е силно повлиян от импресионистите и техните последователи. Освен това, много често, когато говорят за творенията на постимпресионистите, експертите цитират като пример някои от произведенията, които Матис е създал: натюрморти „Бутилка шидам“, „Плодове и тенджера за кафе“, „Десерт“, „Ястия и плодове“.

През следващите няколко години художникът също започва да учи скулптура и да работи в техниката на дивизионизма, която включва използването на отделни точкови удари. През 1905 г. големи противоречия предизвиква начинът на рисуване на картината на Матис "Лукс, мир и сладострастие", в която той съчетава декоративността на модерния стил с пуантилизма.

Фовизъм

Разглеждайки работата на Матис, не може да не споменем новата посока на живописта, чийто основател е този художник. Става въпрос за фовизма. За него започнаха да говорят като за изключително интересно явление след есенния салон на 1905 година. За тази изложба Матис рисува няколко творби, включително известната картина „Жена в зелена шапка“. Освен това, през първото десетилетие на 20-ти век, художникът се интересува активно от африканска скулптура, арабско декоративно изкуство и японски дърворезба и скоро етническите мотиви започват да проникват в картините му. Това обаче не попречи на специалистите да разглеждат произведенията от този период като неразделна част от фовизма.

"Академия Матис"

През 1908 г. художникът основава живопис в Париж. Той получава името „Академия Матис“ и по времето, когато той преподава там, 100 студенти от Франция и други европейски страни успяват да завършат от него. Обучението в училището беше безплатно, тъй като художникът не преследваше търговски цели и искаше само да предаде своята визия за изкуството на по-младото поколение.

Паралелно с преподаването Матис рисува картини. И така, той създаде три за московската къща на известния руски колекционер С. И. Щукин. По-специално, неговата творба „Танц“, която днес може да се види в Ермитажа, се счита за една от най-много известни творби художник.

Творчество между двете световни войни

През 1920 г. художникът създава скици на костюми и декори за балета „Славей” на И. Стравински и написва цикъла „Одалиска” в имитация на Реноар. Картини на Матис от този период, по-специално „Компотът и цветята“, му носят слава в кръга на американските любители на изкуството. Десет години по-късно художникът пътува до Таити и след това създава пано, изобразяващо осем танцуващи фигури за фондация "Барнс" във Филаделфия. В процеса на работа върху скици за това монументална работа той често използва техниката декупаж. Тогава той среща основната си муза - Лидия Делекторская, отношенията с която стават причина за развода с мадам Матис. Портретите на млад руски емигрант, в които художникът изразява цялата пламенност на по-късната си страст, днес украсяват най-добрите музеи в света, те могат да се видят и в Русия.

Живот през годините на окупацията

Втората световна война е изпитание за Матис. По волята на съдбата той остава в Ница съвсем сам, далеч от децата и единствената му утеха е Лидия Делекторская. За щастие освобождението на Франция от съюзниците спасява от смърт дъщерята и бившата съпруга на художника, които бяха задържани от Гестапо за антифашистка дейност.

"Параклис на броеницата"

През 1948-1953г. художникът работи по вътрешната украса на параклиса Розер във Ванс. Днес е известен като параклис Розарий. В тази последна работа майсторът синтезира всичко най-добро, което е било в неговата работа през предишните години.

Стените на параклиса са покрити с остъклени плочи бялизобразяващ Свети Доминик под формата на безлика фигура с височина 4,5 м и Света Богородица с бебето Исус. Можете да видите и сцени от Страшния съд, направени само с черна боя, а параклисът е увенчан с изображение на небето, над което витае ажурен кръст.

Особености на творчеството

Картините на Матис обикновено се пишат поредица, тъй като художникът, стремейки се към съвършенство, създава няколко версии на едно и също произведение наведнъж. Основните теми на произведенията са танци, пасторали, музикални инструменти, красиви вази със сочни плодове, екзотични съдове, килими и цветни материи, както и гледки от прозореца.

За да предадете удоволствието от цвета и красотата на външните форми - това е основната целпреследван от Матис. Картините, с чиито имена вече сте запознати, днес са украшения на частни колекции и музеи по целия свят, а освен това бият рекорди по цени на търгове.

Произведения, изложени в музеите у нас

Интересувате ли се от техниката, в която пише Матис? Снимки (с имена, разбира се) могат да се видят и в Русия. По-специално, в Ермитажа са изложени няколко картини на този художник, като „Синя саксия и лимон“, „Ястия на масата“, „Изглед на Колиур“ и други. В допълнение, музеят. Пушкин съхранява произведения като "Червена риба" и "Синя кана".

• Алиса в страната на чудесата забавление
• Приказна къща. Приказна къща Приказна къща
• Какво трябва да знаете за вокалите
• Новогодишни представления за деца на 3 години
• Интересни факти за детските писатели
• Извънкласна дейност, посветена на изкуството на микроминиатюрата
• Героят на романа "Дванадесет стола" Киса Воробянинов: биография и интересни факти
• Как почина Айседора Дънкан?
• Биография на Айседора Дънкан Успешна в кариерата си и нещастна в личния си живот
• Най-необичайните завещания в света

• Настройка на седем струнни китари 7 Тунинг на струнна китара
• Всичко за електрическите китари и тяхната структура и свойства
• Регулиране на отклонението на врата и настройка на фермата Къде да завъртите багажника на акустична китара
• Покойникът оживя в ковчега на историята
• Руската художничка добавя своята дебела котка джинджифил към известни картини Котката джинджифил се превърна в знаменитост
• Ужасите на крематориума: истина и измислица Колко тежи прахът на човек?
• Хронология - Николай Василиевич Гогол
• Анотирана библиография
• Легенди за произхода на човечеството
• Мистика и Сталин: загадки за съдбата на Михаил Булгаков & nbsp