Вижте картини на японски художници. Японска класическа живопис: най-известните имена
Японски класическа живопис има дълъг и интересна история... Изобразителните изкуства на Япония са представени в различни стилове и жанрове, всеки от които е уникален по свой начин. Древните рисувани фигурки и геометрични мотиви, намерени на бронзови камбани от дотаку и керамични парчета, датират от 300 г. сл. Хр.
Будистка художествена ориентация
В Япония изкуството на стенописта е добре развито, през 6 век изображенията по темата за философията на будизма са особено популярни. По това време в страната се строят големи храмове, а стените им бяха навсякъде украсени със стенописи, рисувани въз основа на будистки митове и легенди. Все още има древни примери за стенопис в храма Horyuji близо до японския град Нара. Стенописите на Хоруджи изобразяват сцени от живота на Буда и други богове. Художественият стил на тези стенописи е много близък до живописната концепция, популярна в Китай по време на династията Сун.
Стилът на рисуване от династията Танг придобива особена популярност в средата на периода Нара. Стенописите, открити в гробницата на Такамацузука, датират от този период и датират около 7-ми век след Христа. Художествена техника, формирана под влияние на династията Тан, по-късно е основата на жанра на живописната кара-е. Този жанр остава популярен, докато не се появяват първите произведения в стил Ямато-е. Повечето от стенописите и шедьоврите на рисуването принадлежат на четката на неизвестни автори, днес много от произведенията от този период се съхраняват в хазната на Сесоин.
Нарастващото влияние на новите будистки школи като Tendai е повлияло на по-широката религиозна ориентация. визуални изкуства Япония през 8 и 9 век. През 10 век, който забелязва особен прогрес в японския будизъм, се появява жанрът Райгозу, "картини за добре дошли", които изобразяват пристигането на Буда в Западен рай. Ранни примери Райгодзу от 1053 г. може да се види в храма Бедо-ин, който е запазен в град Уджи, префектура Киото.
Промяна на стилове
В средата на периода Хейан китайският стил кара-е е заменен от жанра ямато-е, който за дълго време се превръща в един от най-популярните и търсени жанрове на японската живопис. Новият стил на рисуване се прилага главно при боядисването на сгъваеми екрани и плъзгащи се врати. С течение на времето ямато-е се премести в хоризонтални свитъци емакимоно. Художници, работещи в жанра емаки, се опитаха да предадат в своите произведения цялата емоционалност на избрания сюжет. Свитъкът Genji Monogatari се състоеше от множество епизоди, зашити заедно, художниците от онова време, използващи бързи щрихи и ярки, изразителни цветове.
E-maki е един от най-старите и най-видни примери за otoko-e, жанра на портретите на мъже. Портретите на жените са отделени като отделен жанр onna-e. Всъщност между тези жанрове, както и между мъжете и жените, има доста значителни разлики. Стилът onna-e е цветно представен в дизайна на Приказката за Генджи, където основните теми на рисунките включват романтични сюжети, сцени от придворния живот. Мъжкият стил отоко-е е предимно художествен образ исторически битки и други важни събития в живота на империята.
Класическото японско училище по изкуства се превърна в плодородна почва за развитие и популяризиране на идеи съвременно изкуство Япония, в която влиянието на поп културата и анимето е съвсем ясно проследено. Един от най-известните японски художници на нашето време може да се нарече Такаши Мураками, чието произведение е посветено на изобразяване на сцени от японския живот в следвоенния период и концепцията за максимален синтез изящни изкуства и основния поток.
От известни японски художници класическо училище може да се нарече следното.
Напрегнат Шубун
Шубун работи в началото на XV век, като отделя много време на изучаването на произведения китайски майстори династията Сун, този човек стоеше в началото на японците фин жанр... Shubun се счита за основател на стила sumi-e, монохромно рисуване с мастило. Той положи много усилия да популяризира новия жанр, превръщайки го в едно от водещите направления на японската живопис. Учениците на Сюбун бяха много, които по-късно станаха известни художницивключително Сешу и основателят на известната школа по изкуства Кано Масанобу. Много пейзажи са приписани на авторството на Сюбун, но най-известното му произведение традиционно се смята Четене в горичка от бамбук.
Огата Корин (1658-1716)
Огата Корин е един от най-големите художници в историята на японската живопис, основател и един от най-ярките представители артистичен стил джанта В своите творби Корин смело се отдалечава от традиционните стереотипи, оформяйки свой собствен стил, основните характеристики на който бяха малки форми и ярък импресионизъм на сюжета. Корин е известен с особеното си умение да изобразява природата и да работи с абстрактни цветни композиции. "Сливов цвят червено и бяло" е един от най-много известни произведения Огата Корина е известна и с картините си „Хризантеми“, „Вълни на Мацушима“ и редица други.
Хасегава Тохаку (1539-1610)
Тохаку е основател на японската школа по изкуства Хасегава. За ранен период творчество Тохаку се характеризира с влиянието на известната школа на японската живопис 
Кано, но с времето художникът е формирал свой собствен уникален стил. В много отношения работата на Тохаку била повлияна от произведенията на признатия майстор Сешу, Хосегава дори се смятал за петия наследник на този велик майстор. Получи картината на Хасегава Тохаку "Борове" световна известност, известни още с произведенията си „Клен“, „Борове и цъфтящи растения“ и други.
Кано Айтоку (1543-1590)
Стилът на училището в Кано доминира във визуалните изкуства в Япония в продължение на около четири века, а Кано Ейтоку е може би един от най-известните и изявени представители на тази школа по изкуства. Ейтоку се отнасяше любезно от властите, покровителството на аристократите и заможните меценати не можеше да помогне, но да допринесе за укрепването на неговата школа и популярността на неговите произведения, без съмнение, много талантлив художник... Плъзгащ се осем панел Cypress екран, рисуван от Eitoku Kano, е истински шедьовър и ярък пример обхвата и силата на стила Monoyama. Други произведения на майстора, като "Птици и дървета от четирите сезона", "Китайски лъвове", "Отшелници и феята" и много други, изглеждат не по-малко интересни.
Кацушика Хокусай (1760-1849)
Хокусай - най-великият майстор жанр ukiyo-e (японска дърворезба). Творчеството на Хокусай получи световно признание, славата му в други страни не е сравнима с популярността на повечето азиатски художници, работата му „Голямата вълна край Канагава“ се превръща в нещо като визитка Японско изобразително изкуство на световната арт сцена. На неговата творчески начин Хокусай използва повече от тридесет псевдоними, след шестдесет години художникът се посвети изцяло на изкуството и този път се счита за най- плодотворен период неговото творчество. Работата на Хокусай повлия на работата на западните импресионистки и пост-импресионистични майстори, включително работата на Реноар, Моне и Ван Гог.
Изкуство и дизайн
2702
01.02.18 09:02
Днешната арт сцена в Япония е много разнообразна и провокативна: като се има предвид работата на майстори от страната Изгряващото слънце, вие решавате, че сте на друга планета! Той е дом на новатори, които са променили пейзажа на индустрията в световен мащаб. Ето списък с 10 съвременни японски художници и техните творения, от невероятните създания на Такаши Мураками (който днес празнува рождения си ден) до цветната вселена на Кусама.
От футуристични светове до пунктирани съзвездия: съвременни японски художници
Такаши Мураками: традиционалист и класик
Да започнем с героя на повода! Такаши Мураками е един от най-емблематичните съвременни японски художници, работи върху картини, мащабни скулптури и модно облекло. Стилът на Мураками е повлиян от манга и аниме. Той е основател на движението Superflat, което популяризира японските художествени традиции и следвоенната култура на страната. Мураками промотираше много свои съвременници, с някои от които ще се срещнем и днес. „Субкултурни“ произведения на Такаши Мураками са представени на арт пазарите на модата и изкуството. Провокативният му 1998 My Lonesome Cowboy от 1998 г. беше продаден в Ню Йорк в Sotheby's през 2008 г. за рекордните 15,2 милиона долара. Murakami си сътрудничи със световно известни марки Marc Jacobs, Louis Vuitton и Issey Miyake.
Тихо Асима и нейната сюрреалистична вселена
Чихо Асима е известен с фантастичните си градски пейзажи и причудливи поп създания, член на компанията за производство на изкуство Kaikai Kiki и движението Superflat (и двете основани от Такаши Мураками). Художникът създава сюрреалистични мечти, обитавани от демони, призраци, млади красавици, изобразени на фона на чужда природа. Нейните творби обикновено са мащабни и се отпечатват върху хартия, кожа, пластмаса. През 2006 г. този съвременен японски художник участва в Art on the Underground в Лондон. Тя създаде 17 последователни арки за платформата - вълшебният пейзаж постепенно се превръща от ден на нощ, от градски в селски. Това чудо разцъфна в метростанция Gloucester Road.
Чихару Шима и безкрайните нишки
Друг художник, Чихару Шиота, работи върху мащабни визуални инсталации за конкретни забележителности. Тя е родена в Осака, но сега живее в Германия - в Берлин. Централни теми нейното творчество - забрава и памет, мечти и реалност, минало и настояще, а също - конфронтация на безпокойството. Повечето известни произведения Chiharu Shiota са непроницаеми мрежи от черен конец, обхващащи много домакински и лични вещи като стари столове, сватбена рокля, изгоряло пиано. През лятото на 2014 г. Shiota свърза дарените обувки и ботуши (от които имаше повече от 300) с нишки от червена прежда и ги окачи на куки. Първата изложба на Чихару в германската столица се състоя по време на Берлинската седмица на изкуството през 2016 г. и предизвика сензация.
Хей Аракава: навсякъде, никъде
Хей Аракава е вдъхновен от състояния на промени, периоди на нестабилност, елементи на риск и неговите инсталации често символизират темите на приятелството и колективен труд... Кредото на съвременния японски художник е дефинирано от неопределеното изпълнение „навсякъде, но никъде“. Творенията му се появяват на неочаквани места. През 2013 г. произведенията на Arakawa бяха изложени в Венецианско биенале и изложба на японско съвременно изкуство в Музея на изкуствата Мори, Токио. Инсталацията Hawaiian Presence (2014) беше съвместен проект с нюйоркската художничка Кариса Родригес и участва в Биеналето на Уитни. През същата 2014 г. Аракава и брат му Тому, изпълнявайки се в дует, наречен „Обединени братя“, предлагат на посетителите на Фриз Лондон тяхната „творба“ „The This Soup Taste Ambivalent“ с „радиоактивните“ корени на дайкона от Фукушима.
Коки Танака: взаимосвързаност и повторение
През 2015 г. Коки Танака бе обявен за изпълнител на годината. Tanaka изследва споделен опит от творчество и въображение, насърчава обмена между участниците в проекта и се застъпва за нови правила за сътрудничество. Инсталирането му в японския павилион на Венецианското биенале през 2013 г. се състои от видеоклипове на предмети, които превръщат пространството в платформа за художествен обмен. Инсталациите на Коки Танака (да не се бърка с пълния му съимен актьор) илюстрират връзката между обектите и действията, например, видеото съдържа запис на прости жестове, изпълнявани с обикновени предмети (нож, нарязващ зеленчуци, бира, излята в чаша, отваряне на чадър). Не се случва нищо значимо, но обсесивното повторение и вниманието към най-малките детайли кара зрителя да оцени светското.
Марико Мори и опростени форми
Друг съвременен японски художник, Марико Мори, „разказва” мултимедийни обекти, комбинирайки видеоклипове, фотографии, обекти. Тя има минималистична футуристична визия и лъскави сюрреалистични форми. Повтаряща се тема в творчеството на Мори е съпоставянето на западната легенда с западна култура... През 2010 г. Марико основава фондация „Фау“, образователна културна организация с нестопанска цел, за която произвежда поредица от свои художествени инсталации в чест на шест обитавани континента. Съвсем наскоро постоянната инсталация на фондацията „Пръстенът: Едно с природата“ бе издигната над живописен водопад в Ресенде близо до Рио де Жанейро.
Ryoji Ikeda: синтез на звуци и видеоклипове
Ryoji Ikeda е нов медиен художник и композитор, чиято работа се фокусира предимно върху звука в различни "сурови" състояния, от синусоидални звуци до шумове, използващи честоти на границата на човешкия слух. Неговите потапящи инсталации включват компютърно генерирани звуци, които визуално се трансформират във видео проекции или цифрови шаблони. Аудиовизуалните арт обекти на Ikeda използват мащаб, светлина, сянка, сила на звука, електронни звуци и ритъм. Известният тестов обект на художника се състои от пет прожектора, които осветяват площ с дължина 28 метра и широчина 8 метра. Инсталацията преобразува данни (текст, звуци, снимки и филми) в баркод и двоични модели на нули и единици.
Tatsuo Miyajima и LED броячи
Съвременният японски скулптор и художник на инсталацията Тацуо Мияджима използва в своето изкуство електрически вериги, видеоклипове, компютри и други джаджи. Основните концепции на Miyajima са вдъхновени от хуманистични идеи и будистки учения. Светодиодните броячи в неговата настройка мигат непрекъснато в повторение от 1 до 9, символизирайки пътуването от живота до смъртта, но избягвайки окончателността, представена с 0 (нулата никога не се появява в произведенията на Тацуо). Вездесъщите числа в решетки, кули, диаграми изразяват интереса на Мияджима към идеите за приемственост, вечност, връзка и потока на времето и пространството. Не много отдавна „Стрелата на времето“ на Мияджима беше показана на откриващата изложба „Непълни мисли, видими в Ню Йорк“.
Нара Йошимото и ядосаните деца
Нара Йошимото създава картини, скулптури и рисунки на деца и кучета - теми, които отразяват детските чувства на скука и разочарование и ожесточената независимост, която е естествена за малките деца. Естетиката на творчеството на Йошимото напомня на традиционната илюстрации на книги, това е смесица от неспокойно напрежение и любовта на изпълнителя към пънк рока. През 2011 г. Музеят на Азиатското общество в Ню Йорк беше домакин на първата самостоятелна изложба на Йошимото „Йошитомо Нара: Никой глупак“, обхващаща 20-годишната кариера на съвременен японски художник. и протестират.
Яйой Кусама и пространство, разширяващо се до странни форми
Удивително творческа биография Yayoi Kusama продължава седем десетилетия. През това време една невероятна японка успя да изучи областите на живописта, графиката, колажа, скулптурата, киното, гравюрите, екологичното изкуство, инсталацията, както и литературата, модата и дизайна на облеклото. Кусама развива много отличителен стил на точково изкуство, който се превръща в нейна запазена марка. Илюзорните визии, представени в творбите на 88-годишната Кусама (когато светът изглежда е покрит с чужди форми, разпространяващи се), са резултат от халюцинации, които преживява от детството си. Стаите с цветни точки и "безкрайни" огледала, отразяващи техните клъстери, са разпознаваеми, те не могат да бъдат объркани с нищо друго.
Всяка страна има свои герои на съвременното изкуство, чиито имена са добре известни, чиито изложби събират тълпи почитатели и любопитни и чиито творби са разпръснати в частни колекции.
В тази статия ще ви запознаем с най-популярните съвременни художници Япония.
Кейко Танабе
Родена в Киото, Кейко като дете печели много конкурси за изкуство, но не завършва в областта на изкуството. Работила е в отдела за международни отношения на японската самоуправляваща се търговска организация в Токио, голяма адвокатска кантора в Сан Франциско и частна консултантска фирма в Сан Диего и е пътувала много. Тя напуска работата си през 2003 г. и след като е научила основите на акварелната живопис в Сан Диего, се е отдала изключително на изкуството.
Икенага Ясунари
Японският художник Икенага Ясунари рисува портрети съвременни жени в древната японска традиция на рисуване, използвайки четката Менсо, минерални пигменти, сажди, мастило и лен като основа. Неговите герои са жени на нашето време, но благодарение на стила Nihonga, човек има чувството, че те са дошли при нас от незапомнени времена.
Абе Тошиуки
Абе Тошиюки е художник реалист, който се е овладял перфектно акварелна техника... Абе може да се нарече художник-философ: той основно не рисува добре познати забележителности, като предпочита субективни композиции, които отразяват вътрешни състояния човекът, който ги наблюдава.
Хироко Сакай
Кариерата на Хироко Сакай като художник започва в началото на 90-те във Фукуока. След завършване на университета Seinan Gakuin и френско училище Nihon интериорен дизайн в дизайна и визуализацията, тя основава Atelier Yume-Tsumugi Ltd. и успешно управлява това студио в продължение на 5 години. Много от нейните творби украсяват фоайетата на болници, офиси на големи корпорации и някои общински сгради в Япония. След като се премества в САЩ, Хироко започва да рисува в масла.
Риусуке Фукакори
Триизмерната творба на Риусуки Фукакори е като холограми. Те са екзекутирани аКРИЛНА боя, насложени в няколко слоя и прозрачна течност от смола - всичко това, без да се изключват традиционните методи като рисуване на сенки, омекотяване на краищата, контрол на прозрачността, позволява на Риусуки да създава скулптурни картини и придава дълбочина и реализъм на неговите произведения.
Нацуки Отани
Нацуки Отани е талантлив японски илюстратор, който живее и работи в Англия.
Макото Мурамацу
Макото Мурамацу избра печеливша тема като основа за своето изкуство - рисува котки. Неговите снимки са популярни по целия свят, особено под формата на пъзели.
Тецуя Мишима
Повечето от картините на съвременния японски художник Мишима са направени в масла. Професионално се занимава с живопис от 90-те години, има няколко самостоятелни изложби и голям брой колективни изложби, както японски, така и чуждестранни.
Монохромната живопис в Япония е едно от уникалните явления на ориенталското изкуство. Много творби и изследвания са посветени на него, но често се възприема като нещо много условно и понякога дори като декоративно. Това не е така. Духовният свят на японския художник е много богат и той се интересува не толкова от естетическия компонент, колкото от духовния. Изкуството на Изтока е синтез на външно и вътрешно, изрично и неявно.
В този пост бих искал да обърна внимание не на историята на монохромната живопис, а на нейната същност. Това ще бъде обсъдено.
екран "Борове" Хасегава Тохаку, 1593г
Това, което виждаме в монохромните картини, е резултат от взаимодействието на художника с боровата триада: хартия, четка, мастило. Следователно, за да разбере правилно произведението, човек трябва да разбере самия художник и неговото отношение.
„Пейзаж“ Сешу, 1398г.
Хартия не е лесно за японски майстор удобен материал, която той подчинява на своята прищявка, но по-скоро обратното е „брат“, следователно отношението към нея се е развило съответно. Хартията е част заобикалящата природа, към които японците винаги са се отнасяли с трепет и се опитвали да не се покоряват, а да мирно съжителстват с него. Хартията е в миналото дърво, което е стояло в определена зона, известно време „е видяло“ нещо около него и то съхранява всичко това. Ето как японският художник възприема материала. Преди да започнат работа, майсторите често поглеждаха чист лист (те го обмисляха) и едва тогава започнаха да рисуват. И до днес съвременните японски художници, които практикуват техниката Nihon-ga (традиционна японска живопис), избират внимателно хартията. Купуват го по поръчка от хартиени фабрики. За всеки художник с определена дебелина, пропускливост на влага и текстура (много художници дори сключват споразумение със собственика на фабриката да не продава тази хартия на други художници) - следователно всяка картина се възприема като нещо уникално и живо.
„Четене в бамбуковата горичка“ Сюбун, 1446г.
Говорейки за важността на този материал, заслужава да се спомене следното известни паметници Японски литератури като „Бележки в горната част на главата“ на Сей Шонагън и „Генджи Моноготари“ на Мурасаки Шикибу: и в „Записки“, и в „Джинджи“ може да се намерят сюжети, когато придворни или любовници обменят съобщения. Хартията, на която са написани тези съобщения, е от подходящия сезон, сянка и начинът на писане на текста съответства на неговата текстура.
"Мурасаки Шикибу в Исиямаския храм" от Киосен
Четка - вторият компонент е продължение на ръката на господаря (отново това е така естествен материал). Затова и четките се правеха по поръчка, но най-често от самия художник. Той вдигна космите с необходимата дължина, избра размера на четката и най-удобния захват. Майсторът пише само със собствената си четка и без друга. (На личен опит: беше на майсторския клас на китайския художник Дзян Шилун, публиката беше помолена да покаже какво могат да правят неговите ученици, които присъстваха на майсторския клас, и всеки от тях, като взе четката на майстора в ръцете си, каза, че няма да се получи това, което очакват, тъй като четката не тяхно, не са свикнали с него и не знаят как да го използват правилно).
Скица с мастило "Фуджи" от Кацушика Хокусай
Спирала за очи е третият важен елемент. Случва се талисман различни видове: може да даде лъскав или матов ефект след изсушаване, може да се смесва със сребърни или охра нюанси, следователно правилен избор маскарата също не е маловажна.
Ямамото Байцу, края на 18 - 19 век.
Основните теми на монохромната живопис са пейзажите. Защо в тях няма цвят?
Twin screen "Pines", Хасегава Тохаку
Първо, японският художник не се интересува от самия обект, а по своята същност, определен компонент, който е общ за всички живи същества и води до хармония между човека и природата. Следователно образът винаги е намек, той е адресиран до нашите сетива, а не до поглед. Подценяването е стимул за диалог, което означава връзка. Линиите и петна са важни в изображението - те формират художествен език... Това не е свободата на господаря, който е оставил тлъста следа там, където е искал, но на друго място, напротив, не го е рисувал - всичко на снимката има свой смисъл и значение и не носи случаен характер.
Второ, цветът винаги носи някаква емоционална конотация и се възприема по различен начин от различни хора поради това в различни състояния емоционалната неутралност позволява на зрителя най-адекватно да влезе в диалог, да го разпореди на възприятие, съзерцание, мисъл.
Трето, това е взаимодействието на ин и ян, всяка монохромна картина е хармонична по отношение на съотношението на мастилото и недокоснатата площ на хартията в него.
Защо по-голямата част от хартиеното пространство не се използва?
"Пейзаж" Сюбун, средата на 15 век.
Първо, празното пространство потапя зрителя в изображението; второ, образът се създава така, сякаш за момент изплува на повърхността и е на път да изчезне - това се дължи на мирогледа и светогледа; трето, в онези области, където няма мастило, текстурата и сянката на хартията излизат на преден план (това не винаги се вижда при репродукциите, но всъщност винаги е взаимодействието на два материала - хартия и мастило).
Сешу, 1446г
Защо пейзаж?
„Съзерцание на водопадите“ от Геями, 1478г
Според японския светоглед природата е по-съвършена от човека, така че той трябва да се учи от нея, да се грижи за нея по всякакъв начин и да не унищожава или подчинява. Следователно в много пейзажи можете да видите малки изображения на хора, но те винаги са незначителни, малки по отношение на самия пейзаж или изображения на колиби, които са вписани в заобикалящото пространство и дори не винаги са забележими - това са всички символи на светогледа.
„Сезони: есен и зима“ Сешу. „Пейзаж“ Сешу, 1481г
В заключение искам да кажа, че монохромната японска живопис не е хаотично разпръснато мастило, не е прищявка на вътрешното его на художника - това е цяла система от образи и символи, тя е хранилище на философската мисъл и най-важното - начин на общуване и хармонизиране на себе си и света около нас.
Ето, според мен, са отговорите на основните въпроси, които възникват у зрителя, когато са изправени пред монохром японска живопис... Надявам се, че ще ви помогнат да го разберете най-правилно и да го възприемете, когато се срещнете.
