Najpoznatiji skladatelji na svijetu. V
1. Kratka povijest engleske glazbe
2. Slušajte glazbu
3. Izvanredni predstavnici engleske glazbe
4. O autoru ovog članka
Kratka povijest engleske glazbe
podrijetla
  porijeklo engleska glazba- v glazbene kulture Kelti (narod koji je živio u prvom tisućljeću na teritoriju moderne Engleske i Francuske), čiji su nositelji, posebice, bili bardovi (pjevači-pripovjedači drevnih keltskih plemena). Među instrumentalnim žanrovima su plesovi: giga, country dance, hornpipe.
6. - 7. stoljeće
Krajem 6.st. - početak 7.st. razvija se crkvena zborska glazba s kojom se veže formiranje profesionalne umjetnosti.
11. - 14. stoljeće
U 11-14c. Širila se glazbena i pjesnička umjetnost ministranata. Minstrel - u srednjem vijeku, profesionalni glazbenik i pjesnik, ponekad i pripovjedač koji je služio s feudalcem. U drugoj polovici 14.st. Razvija se svjetovna glazbena umjetnost, stvaraju se vokalne i instrumentalne dvorske kapele. U prvoj polovici 15.st promovira se engleska škola polifonista na čelu s Johnom Dunstableom
16. stoljeća
Skladatelji 16. stoljeća
K. Tai
D. Taverner
T. Tallis
D. Dowland
D. Bull
Kraljevski dvor postao je središte svjetovne glazbe.
17. stoljeće
Početkom 17. stoljeća Formira se englesko glazbeno kazalište koje svoje porijeklo vodi iz misterija (glazbeni i dramski žanr srednjeg vijeka).
18-19 stoljeća
18-19. stoljeće - kriza engleske nacionalne glazbe.
Strani utjecaji prodiru u nacionalnu glazbenu kulturu, talijanska opera osvaja englesku publiku.
U Engleskoj su djelovali istaknuti strani glazbenici: G.F. Handel, I.K. Bach, J. Haydn (posjećen 2 puta).
U 19. stoljeću London je postao jedno od središta europskog glazbenog života. Ovdje su gostovali: F. Chopin, F. Liszt, N. Paganini, G. Berlioz, G. Wagner, J. Verdi, A. Dvorak, P. I. Čajkovski, A. K. Glazunov i drugi. Garden" (1732.), Kraljevska glazbena akademija ( 1822.), Akademija antičke glazbe (1770., prvo koncertno društvo u Londonu)
Prijelaz iz 19. u 20. stoljeće.
Englezi tzv glazbeni preporod, odnosno pokret za oživljavanje nacionalnih glazbenih tradicija, koji se očituje u pozivanju na engleski glazbeni folklor i dostignuća majstora 17. stoljeća. Te tendencije karakteriziraju rad nove engleske skladateljske škole; njeni istaknuti predstavnici su skladatelji E. Elgar, H. Parry, F. Dilius, G. Holst, R. Vaughan-Williams, J. Ireland, F. Bridge.
Možete slušati glazbu
1. Purcell (nastup)2. Purcell (Preludij)
3. Purcell (Arija od Didone)
4. Rolling Stones "Rolling Stones" (Kerol)
5. The Beatles "The Beatles" Jučer
Izvanredni predstavnici engleske glazbe
G. Purcell (1659.-1695.) G. Purcell - najveći skladatelj sedamnaestog stoljeća.
S 11 godina Purcell je napisao prvu odu posvećenu Charlesu II. Od 1675. na raznim engleskim glazbene zbirke Purcellova vokalna djela su redovito objavljivana. 
Od kraja 1670-ih. Purcell je dvorski glazbenik Stuartovih. 1680-ih godina - vrhunac Purcellovog rada. Jednako je dobro radio u svim žanrovima: fantazije za žičane instrumente, glazba za kazalište, ode – pjesme dobrodošlice, Purcellova zbirka pjesama “Britanski Orfej”. Mnoge melodije njegovih pjesama, bliske narodnim melodijama, stekle su popularnost i pjevane su još za Purcellovog života.
Godine 1683. i 1687 objavljene su trio zbirke – sonate za violinu i bas. Upotreba violinskih skladbi bila je inovacija koja je obogatila englesku instrumentalnu glazbu.
Vrhunac Purcellovog stvaralaštva je opera Didona i Eneja (1689.), prva nacionalna engleska opera (bazirana na Vergilijevoj Eneidi). Ovo je najveći fenomen u povijesti engleske glazbe. Njena radnja je prerađena u duhu engleske narodne poezije - operu odlikuje blisko jedinstvo glazbe i teksta. Bogati svijet Purcellovih slika i osjećaja ima različite izraze - od psihološki dubokih do grubo živahnih, od tragičnih do duhovitih. No, dominantno raspoloženje njegove glazbe je prodorna lirika.
Većina njegovih spisa ubrzo je zaboravljena, a Purcellovi spisi postali su poznati tek u posljednjoj trećini 19. stoljeća. Godine 1876 Organizirano je društvo Purcell. Zanimanje za njegov rad povećalo se u Velikoj Britaniji zahvaljujući aktivnostima B. Brittena.
B.E. Britten (1913. - 1976.)
Jedan od najvećih majstora engleske glazbe 20. stoljeća - Benjamin Britten - skladatelj, pijanist i dirigent. Počeo je skladati glazbu s 8 godina. Od 1929. studira na Royal College of Music u Londonu. Već u njegovim mladenačkim radovima javlja se njegov izvorni melodijski dar, fantazija i humor. V ranih godina Važno mjesto u Brittenovu stvaralaštvu zauzimaju solo vokalne i zborske skladbe. Brittenov individualni stil vezan je uz nacionalnu englesku tradiciju (proučavanje kreativnog naslijeđa Purcella i drugih engleskih skladatelja 16. i 17. stoljeća). Na broj najbolji eseji Britten, koji je dobio priznanje u Engleskoj i drugim zemljama, pripada operama "Peter Grimes", "San ljetne noći" i druge. U njima se Britten pojavljuje kao suptilni glazbeni dramatičar – inovator. "Ratni rekvijem" (1962.) - tragično i hrabro djelo posvećeno akutnim suvremena pitanja osuđujući militarizam i pozivajući na mir. Britten je bio na turneji po SSSR-u 1963., 1964., 1971. godine.
Glazbene skupine 20. stoljeća
"Kotrljajuće kamenje"
U proljeće 1962. gitarist Brian Jones osnovao je bend pod nazivom Rolling Stones. Rolling Stonesi su uključivali Micka Jaggera (vokal), 
Brian Jones i Keith Richards (gitare), Bill Wyman (bas) i Charlie Watts (bubnjevi).
Ovaj bend je na britansku scenu donio tvrdu i energičnu glazbu, agresivan stil izvedbe i nesputano ponašanje. Zanemarili su scenske kostime, nosili dugu kosu.
Za razliku od Beatlesa (koji su izazivali simpatije), Rolling Stonesi su postali utjelovljenje neprijatelja društva, što je omogućilo stjecanje trajne popularnosti među mladima.
Beatlesi
Godine 1956. u Liverpoolu je stvoren vokalno-instrumentalni kvartet. Bend su činili John Lennon, Paul McCartney, George Harrison (gitare), Ringo Starr (bubnjevi).
Tim je divlju popularnost stekao izvodeći pjesme u stilu "big - beat", a od sredine 60-ih pjesme Beatlesa postaju složenije. 
Bila im je čast nastupiti u palači pred kraljicom.
O autoru ovog članka
U svom radu koristio sam sljedeću literaturu:
- Glazbeni enciklopedijski rječnik. CH. izd. R.V. Keldysh. 1990
- Časopis "Studentski meridijan", 1991. Posebno izdanje
- Glazbena enciklopedija, gl. Ed. Yu.V.Keldysh. 1978
- Moderna enciklopedija "Avanta plus" i "Glazba naših dana", 2002. gl. izd. V.Volodin.
BONONCHINI - obitelj talijanskih glazbenika:
Giovanni Maria (1642. - 1648.) - skladatelj, violinist, teoretičar. Op. 9 zbirki sonata, plesnih komada. Posjeduje raspravu o kontrapunktu. Posljednjih godina napisao je komornu operu, niz madrigala i solo kantate.
Giovanni Batista (1670. - 1747.) - njegov sin, skladatelj i violončelist. Njegova ostavština broji 40 opera, preko 250 solo kantata, oko 90 simfonija, koncerata, trio sonata. Uspjeh nekih njegovih opera u Londonu nadmašio je uspjeh njegovog glavnog rivala, Handela.
Antonio Maria (1677. - 1726.) - kompozitor i violončelist. Autor djela za glazbeno kazalište i crkvu. Što se tiče teksture i harmonije, njegova je glazba bila profinjenija od one njegovog starijeg brata, ali nikada nije doživjela isti uspjeh.
Giovanni Maria Jr. (1678. - 1753.) - polubrat, violončelist, zatim violinist u Rimu, autor vokalnih djela.
VIVALDI ANTONIO (1678. - 1741.)
Najviša dostignuća pripadaju žanru instrumentalnog koncerta. Vokalna glazba zauzima značajno mjesto u baštini. Težeći uspjehu u op. žanra i mnogo je putovao režirajući svoje predstave. Radio u op. kazališta Vicenza, Venecija, Mantova, Rim, Prag, Beč, Ferrara, Amsterdam. Op. U REDU. 50 opera(preživjelo 20), uklj. Titus Manlije, Justin, Bijesni Roland, Vjerna nimfa, Griselda, Bayazet. U REDU. 40 solo kantata, oratorij Trijumfalna Judita).
Giuseppe Giordani (oko 1753. - 1798.)
DUNY EGIDIO (1708. - 1775.)
Studirao u Napulju kod Durantea. Autor 10 opernih serijala na tekstove Metastazije, oko 20 op. u žanru francuskog komična opera. U nju je uveo arijete i recitative u talijanskom stilu. Ovaj žanr se zove komedija s ariettama.opere:"Nero", "Demofont", "Umjetnik zaljubljen u svoj model" (strip op.).
DURANTE FRANCESCO (1684. - 1755.)
talijanski skladatelj. Studirao je u Napulju, a zatim postao prvi voditelj nekoliko napuljskih konzervatorija. Smatran je najboljim učiteljem kompozicije u Napulju. Među njegovim učenicima su Duny, Pergolesi, Picchini, Paisiello. Za razliku od ostalih. skladatelji nisu pisali opere. Najvrjedniji dio njegove ostavštine je sakralna glazba. Zanimljiva su i instrumentalna djela - 12 sonata za čembalo, 8 koncerata za kvartet, djela pedagoškog repertoara.
FRANCESCO CAVALLI (1602. - 1676.)
Dobio je nadimak Bruni. Bio je pjevač i orguljaš u sv. Marka u Veneciji. Počeo je pisati opere koje su se prikazivale u opernim kućama u Italiji. Nakon Pariza, gdje je postavljena njegova opera "Herkules ljubavnik", s pjevanjem i plesom za ovu izvedbu koju je napisao mladi Lully, svi daljnje aktivnosti Cavalli je bio povezan s katedralom sv. Marka. Autor je 30-ak opera. Zahvaljujući njemu Venecija 17.st. postao središte operna umjetnost. Kao kasni op. Monteverdi, op. Cavalli su bogati kontrastima i psihološkim nijansama; patetični, pa i tragični vrhunci u njima se često zamjenjuju epizodama komičnog i svakodnevnog plana.
opere: "Ljubav Apolona i Dafne", "Dido", "Ormindo", "Jason", "Calisto", "Kserks", "Ljubavnik Herkul"
Duhovna glazba: Misa, 3 Večernje, 2 Magnificates, Requiem
Svjetovna glazba: arije kantata.
CALDAR ANTONIO (1670. - 1736.)
Svirao je violu, violončelo, klavier. Skladao je gotovo isključivo vokalnu glazbu - oratorije, kantate, operne serije. Služio je kao crkveni i kazališni dirigent. Kasnije je skladao niz djela za bečki karneval i dvorske svečanosti, kao i za Salzburg. Ukupno je napisao 3000 vokalnih skladbi. Metastasio je prvi uglazbio mnoga libreta.
CARISSIMI GIACOMO (1605. - 1674.)
Bio je pjevač, orguljaš, orkestra isusovačkog Colleggio Germanico i primao je svete redove. Najznačajniji dio ostavštine su oratoriji, održani u narativno-recitativnom stilu. Odvojeni ulomci po prirodi pisma bliski su arijama. Važnu ulogu imaju zborske scene. Među njegovim učenicima su A. Chesty, A. Scarlatti, M.-A. Charpentier.
Op.: 4 mise, oko 100 moteta, 14 oratorija Beltazar, Ievfaj, Jona, oko 100 svjetovnih kantata.
GIULIO CACCCINI (1545. - 1618.)
Imao je odredbu – Rimljanina. Skladatelj, pjevač, lutnjist. Patronizirao ga je vojvoda Cosimo I de Medici, koji ga je odveo u Firencu, gdje je pohađao sastanke Camerata i razvio novi stil pjevanja - stile recitativo. Objavio je zbirku "Nova glazba", gdje je najpotpunije odrazio inovativna stremljenja. Zbirka uključuje madrigale i strofične arije za glas i basso continuo. Najviše popularna pjesma zbirka - Amarilli. Godine 1614. objavljena je druga skladateljeva zbirka Nova glazba i novi način njihovog pisanja. Ime Caccinija, izvanrednog skladatelja i inovativnog pjevača, nije zaboravljeno tijekom cijelog 17. stoljeća. Mnogi skladatelji stvarali su zbirke vokalnih skladbi po njegovom uzoru. Caccinijeve dvije kćeri, Francesca i Settimia, postale su poznate kao pjevačice i skladale glazbu.
MARTINI (1741. - 1816.)
Nadimak Il Tedesco ("talijanski njemački", pravo ime Schwarzendorf Johann Paul Egidius). njemački skladatelj. Prije preseljenja u Pariz (1764.) bio je u službi vojvode od Lorraine. Predavao je na Pariškom konzervatoriju, vodio dvorski orkestar. Autor 13 opera, vokalnih minijatura (uključujući popularnu pjesmu "Plaisir d'amour".
MARCHELLO ALESSANDRO (1669. - 1747.)
Brat B.Marcello. Kao glazbenik amater, koncertirao je u svom venecijanskom domu. Skladao je solo kantate, arije, kanconete, violinske sonate i koncerte. Koncerti za obou i gudače (ukupno 6) pripadaju najnovijim primjerima venecijanskog baroknog žanra. Koncert za obou i gudače u d-molu (oko 1717.) poznat je u aranžmanu J.S. Bacha za klavir.
MARCHELLO BENEDETTO (1686. - 1739.)
Skladatelj, glazbeni pisac, odvjetnik, brat A. Marcella. Obnašao je visoke državne dužnosti u Veneciji. Široku popularnost donijela je zbirka psalama za 1 - 4 glasa s digitalnim basom (ukupno 50). Posjeduje i druge skladbe za crkvu, oratorij, operu, preko 400 solo kantata, dueta, kao i sonata i koncerata obilježenih Vivaldijevim utjecajem. U njegovoj se glazbi polifono majstorstvo kombinira sa osjetljivošću na novo galantni stil. Zanimljiva je Marcellova rasprava satira o opernoj seriji.
PAISIELLO GIOVANNI (1740. - 1816.)
Studirao u Napulju kod Durantea. Stekao je reputaciju jednog od vodećih majstora žanra buffa opere. Služio je kao voditelj orkestra na dvoru Katarine II u Sankt Peterburgu. Među tim razdobljem op. "Seviljski brijač". Po povratku u Napulj počeo je pisati opera-poluserija(poluozbiljno) - "Nina, ili Luda od ljubavi." Nakratko je služio u Parizu kao Napoleon I. osobni glazbenik. Kvaliteta Paisiellovih opera utjecala je na Mozarta – umjetnost muza. ocrtavanja karaktera, majstorstvo orkestralnog pisanja, melodijska domišljatost. opere: Don Quijote, Sluga-gospodarica, Kralj Teodor u Veneciji, Mlinarica, Prozerpina, Pitagorejci i još najmanje 75 opera.
PERGOLESI GIOVANNI BATISTA (1710. - 1736.)
Studirao je u Napulju, u isto vrijeme radio kao violinist u orkestru. Napisao scenska djela u tom žanru sveta drama. Umro je od tuberkuloze u dobi od 26 godina. Ušao u povijest kao utemeljitelj žanra opera buffa. Remek djelo ovog žanra bilo je op. "Sluškinja". Napisao je djela za crkvu: "Stabat mater" za sopran, kontralto i orkestar, 2 mise, Večernje, 2 "Salve Regina", 2 moteta.
PERI JACOPO (1561. - 1633.)
Skladatelj i pjevač, svećenik. Služio je kao skladatelj i pjevač na dvoru Medici. Bio je poznat i kao izvođač na chitarrone -(žičani trzalica, vrsta bas lutnje, dužine do 2 m, uglavnom se koristi za pratnju solo pjevanja). Prisustvovao sastancima Camerata. Skladao je u novom recitatorskom stilu, oponašajući drevnu praksu solo pjevanja uz pratnju. Pisao opere Dafna, Euridika. Skladao je i zbirku vokalnih djela koja sadrži nekoliko primjera recitatorskog stila.
PICCINI NICCOLO (1728. - 1800.)
Studirao u Napulju kod Durantea. Ne samo da je skladao opere, nego je i podučavao pjevanje, bio je glazbenik i orguljaš. Nastanivši se u Parizu, napisao je niz ozbiljnih i komičnih francuskih. opera. Ozbiljna konkurencija Glucka nije spriječila njegov uspjeh lirske tragedije"Roland", "Ifigenija u Taurisu", "Didona". Međunarodnu slavu donijela mu je opera "Chekkina, ili dobra kći" (1760.)
SARRI DOMENICO (1679. - 1744.)
Studirao je u Napulju, gdje je služio kao dvorski voditelj. Rane opere, oratoriji, serenade održavaju se na isti barokni način kao i vokalna glazba A. Scarlattija. Ujedno je njegov rad pridonio formiranju jednostavnijeg i melodičnijeg napuljskog stila.
SCARLATTI ALESSANDRO (1660. - 1725.)
Voditelj kazališta, Kraljevske kapele i Konzervatorija u Napulju, gdje je predavao. Među studentima su D. Scarlatti, F. Durante, I. A. Hasse. Jedan od osnivača i najveći zastupnik Napuljska operna škola. Pod njim su nastali oblici kao što su aria da capo, talijanska uvertira i recitativ s instrumentalnom pratnjom. Op. preko 125 operna serija , uklj. “Hirovi ljubavi ili Rosaura”, “Korintski pastir”, “Veliki Tamerlan”, “Mitridat Evpator”, “Telemak” itd. Preko 700 kantata, 33 serenata, 8 madrigala.
SCARLATTI DOMENICO (1685. - 1757.)
Sin A. Scarlattija. Pisao je opere, sakralnu i svjetovnu glazbu, ali je stekao slavu kao virtuozni čembalist. Glavno mjesto u njegovom stvaralaštvu zauzele su jednostavne klavirske skladbe koje je nazvao "vježbe". Inovator na području tehnike klavira. Op. više od 550 klavirskih sonata, 12 opera, 70 kantata, 3 mise, Stabat Mater, Te Deum
STRADELLA ALESSANDRO (1644. - 1682.)
Talijanski skladatelj, skladao glazbu po narudžbi kraljice Christine. Među njegovim djelima rimskog razdoblja prevladavaju prolozi i intermezzos, uklj. na opere Cavalli i Honor. Njegov je život bio pun skandala i glasan ljubavne priče. 1677. pobjegao je u Genovu. Među nekoliko opera postavljenih u Genovi, ističe se komični Čuvar Trespola. Stradella su iz osvete ubili plaćenici obitelji Lomellini.
Jedan od najtalentiranijih i najsvestranijih skladatelja svoga vremena. Ukupno je skladao oko 30 scenskih djela, oko 200 kantata. Sačuvano je 27 instrumentalnih skladbi.
ČAST ANTONIO (1623. - 1669.)
Pravo ime ovog franjevačkog redovnika je Pietro. U mladosti je služio kao crkveni pjevač u Arezzu, zatim je postao novak u firentinskom samostanu Santa Croce. Katedralni orguljaš, zatim vodja orkestra u Voltaireu, gdje je bio pokrovitelj obitelji Medici.Čast u karijeri kao operni skladatelj započeo je 1649., kada je njegova opera Orontea uspješno predstavljena u Veneciji. Godine 1652. postao je dvorski glazbenik nadvojvode Ferdinanda Karla u Innsbrucku i smijenjen je. Od 1665. služio je na bečkom carskom dvoru. U kratkom vremenu provedenom u Beču stvorio je mnoge opere, uklj. grandiozan" Zlatna jabuka" , koji je uprizoren kako bi se poklopio s vjenčanjem Leopolda I. Neposredno prije smrti imenovan je dirigentom na toskanskom dvoru u Firenci.
Pojam "skladatelj" se prvi put pojavio u 16. stoljeću u Italiji, a od tada se koristi za označavanje osobe koja sklada glazbu.
Skladatelji 19. stoljeća
U 19. stoljeću bečku glazbenu školu predstavljali su takvi izvanredan skladatelj poput Franza Petera Schuberta. Nastavio je tradiciju romantizma i utjecao na čitavu generaciju skladatelja. Schubert je stvorio preko 600 njemačkih romansi, podižući žanr na novu razinu.
Franz Peter Schubert
Drugi Austrijanac Johann Strauss proslavio se svojim operetama i lagani mjuzikl plesne forme. Upravo je on najviše napravio valcer popularni ples u Beču, gdje se i danas održavaju balovi. Osim toga, njegova ostavština uključuje polke, kadrile, balete i operete.
Johann Strauss
Istaknuti predstavnik modernizma u glazbi kasnog 19. stoljeća bio je Nijemac Richard Wagner. Njegove opere do danas nisu izgubile na važnosti i popularnosti.
Giuseppe Verdi
Možete suprotstaviti Wagnera veličanstvenom likom talijanski skladatelj Giuseppe Verdi, koji je ostao vjeran opernoj tradiciji i dao talijanskoj operi novi dah.
Petar Iljič Čajkovski
Među ruskim skladateljima 19. stoljeća ističe se ime Petra Iljiča Čajkovskog. Karakterizira ga jedinstven stil koji spaja europske simfonijske tradicije s Glinkinim ruskim naslijeđem.
Skladatelji 20. stoljeća
Sergej Vasiljevič Rahmanjinov
Sergej Vasiljevič Rahmanjinov s pravom se smatra jednim od najsjajnijih skladatelja s kraja 19. - početka 20. stoljeća. Njegovo glazbeni stil temeljio se na tradicijama romantizma i postojao paralelno s avangardnim pokretima. Zbog njegove individualnosti i odsutnosti analoga njegov je rad bio visoko cijenjen od strane kritičara diljem svijeta.
Igor Fjodorovič Stravinski
Drugi najpoznatiji skladatelj 20. stoljeća je Igor Fedorovič Stravinski. Rus podrijetlom, emigrirao je u Francusku, a potom u SAD, gdje je svoj talent pokazao do kraja. Stravinsky je inovator, ne boji se eksperimentirati s ritmovima i stilovima. U njegovom radu može se pratiti utjecaj ruske tradicije, elemenata raznih avangardnih pokreta i jedinstvenog individualnog stila, zbog čega je nazvan "Picasso u glazbi".
Ovdje upišite svoj izrezani sadržaj.
V. KONNOV. Nizozemski skladatelji XV-XVI stoljeća. Odabrana poglavlja iz knjige.
UVOD
NIZOZEMSKI POLIFONISTI: TKO SU ONI?
Ovo pitanje postavlja se pred mnogim slušateljima koji posjećuju koncerte rane glazbe. Djelo Josquina Despresa, Orlanda Lassa, kao i drugih predstavnika ove skladateljske škole, udaljene od nas u dubini stoljeća, danas je prestalo biti vlasništvo povjesničara fotelja, privlači pažnju ne samo profesionalnih glazbenika, već i također ljubitelji glazbe. Postoji sasvim opravdan interes za stvaraoce ove visoke umjetnosti, te za glazbenu poetiku i stil njihovih djela. Taj interes je tim prirodniji jer popularnost i dostupnost nizozemske glazbe ni danas još uvijek ne dostiže razinu svjetski poznate slikarske škole tzv. "starih Nizozemaca". Svaki obrazovana osoba zna barem imena Jana van Eycka, Rogiera van der Weydena, Luke od Leidena, Hieronymusa Boscha, Pietera Brueghela starijeg; njihove kreacije zadržale su snagu umjetničkog utjecaja sve do danas. Imena i glazbena ostavština njihovih suvremenih skladatelja i dalje su poznata relativno malom broju.
Korisno je podsjetiti da se rad nizozemskih polifonista tek sada počinje oživljavati u novi aktivni život nakon više od dva stoljeća trajnog zaborava. Stari Nizozemci dijelili su tu sudbinu s Monteverdijem, Schutzom; zajedno s njima dosta dugo - oko jednog stoljeća - Bachovo djelo ostalo je u zaboravu. A sada, kada se glazba nizozemskih polifonista počela vraćati slušateljima, postavlja se pitanje: je li izgubila svoj umjetnički značaj?
I jesu li otkrića glazbe usporediva s dostignućima slikarstva, kiparstva i književnosti tog razdoblja? O tim pitanjima postoji posebna literatura i na ruskom i na ruskom jeziku. strani jezici, nudi ponekad najkontradiktornije prosudbe. I nije poanta samo da nas glazba tog doba nije u potpunosti doprla, da je sačuvano malo činjenica iz života njezinih tvoraca. Počevši od antičkih vremena pa sve do našeg vremena, djelovanje nizozemskih polifonista izazvalo je razne ocjene. Svijet umjetnosti osnivač Nizozemska škola J. Okegem danas se često ocjenjuje kao manifestacija kasne gotike, kao mistično-entuzijastičko prelamanje religioznog raspoloženja. Suvremenici su ga uspoređivali s Donatellom, jednim od najdosljednijih boraca za sekularni humanizam renesanse, jednim od Michelangelovih prethodnika. Međusobno isključive ocjene izazivale su kreativnost središnja figura Nizozemska skladateljska škola Josquina Despresa. Vodeći teoretičar i ideolog nizozemske polifone škole, Glarean, smatrao je Josquinovo djelo najvišim, klasični izraz ars perfecta – “savršena umjetnost”, koja svoj izraz nalazi u polifonoj masi i motetu – žanrovima koji su saželi cjelokupnu povijest razvoja europske kultne polifonije. Prema Glareanu, ništa se u ovoj umjetnosti ne može promijeniti, a da ne padne u degradaciju. S ove točke gledišta, u budućnosti su pristaše ars perfecta osudili tvorce opere, uključujući i velikog Monteverdija.
No, Josquinovi suvremenici već su u njegovu djelu vidjeli potpuno drugačije estetske kvalitete: prepoznat je kao tvorac nove umjetnosti koja se nije temeljila na gotičkom rastvaranju pojedinca u svemiru, Bogu, nego na renesansnom izrazu unutarnjeg svijet ljudi (nitko drugi osim sam Glarean je predbacivao Josquinu za nepoštovanje u odnosu na srednjovjekovne brige - temeljna osnova glazbeni jezik "savršene umjetnosti"). U 16. stoljeću Josquina su jednako cijenili likovi takvih nepomirljivo neprijateljskih ideologija kao što su papinstvo i luteranska reformacija.
Mišljenja suvremenih znanstvenika također su vrlo kontradiktorna. Opisujući nizozemsku polifonu školu, V. D. Konen piše: “Bilo je to doba kada je svjetovna misao snažno cvjetala u svim područjima mentalne aktivnosti, a ispostavilo se da su najviše manifestacije u glazbi duboko podređene religijskom sustavu osjećaja.” Naprotiv, autor poznatog udžbenika o povijesti strane glazbe K. K. Rosenshield bilježi u nizozemskoj glazbi tog vremena “posebnu svečanost svjetovnog, svjetovnog plana”; također ističe da je i na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće veliki ruski skladatelj S. I. Tanejev s pravom duboko naglašavao narodno podrijetlo djela nizozemskih skladatelja.
Ova nedosljednost presuda može se objasniti s dva razloga. Prije svega, složena, kontradiktorna priroda samog glazbenog stvaralaštva tog doba. Ovo obilježje stvaralaštva skladatelja nizozemske polifone škole otkrit će se u daljnjem izlaganju. No, postoje i specifične jezične poteškoće za suvremenog masovnog slušatelja. U likovnoj umjetnosti od renesanse do početka 20. stoljeća nije bilo tako velikih stilskih promjena koje bi dovele do tako značajne "intonacijske barijere" kao što je ona nastala između glazbe srednjeg vijeka, renesanse i 17. stoljeća, s jedne strane, i glazba 19. stoljeća i 20. stoljeća s druge strane.
Počevši od drugog polovica XVIII stoljeća u europska glazba afirmira se dur-mol - zvučni sustav koji do danas služi kao temelj europske glazbene svijesti (formiranje ostalih zvučnih sustava u profesionalnom skladateljevom stvaralaštvu 20. stoljeća još uvijek nije moglo u potpunosti poljuljati dominantnu poziciju dura- mol u javnoj glazbenoj svijesti). Formiranje dur-mola otvorilo je put kolosalnom napretku glazbene kulture povezanom s rađanjem opere, simfonije, klasike.
sonata, komorna, instrumentalna i vokalna glazba (klavirska minijatura, romansa). Međutim, u povijesti se često događa da značajni dobici u znanstvenom i kulturnom životu društva povlače i određene gubitke. Posebno su bili uočljivi u glazbi na prijelazu iz sredine 18. stoljeća. Konačno odobrenje dur-mola dovelo je do dugog zaborava cjelokupnog dosadašnjeg sloja glazbene kulture: djela Bacha i Schutza, Monteverdija i Purcella, a da ne spominjemo nizozemske, talijanske i francuske majstore XV-XVI stoljeća, dugi niz godina, desetljeća pa čak i stoljećima nestala s koncertnog repertoara.
Sve do početka 17. stoljeća europskom profesionalnom glazbom dominirali su gotovo isključivo melodijski načini sedmostepene dijatonike (tzv. srednjovjekovni načini), koji su bili temelj narodne pjesme tradicije najstarijeg sloja koji je nastao. otprilike u 14.-15.st. "Intonacijski rječnik" tog doba, koji nije poznavao moderni dur i mol s njihovom inherentnom harmonijskom funkcionalnošću, bio je jednako bitno drugačiji od modernog, koliko se književni zaokreti starog homerskog epa razlikuju od stila Shakespeareovih drama, kao naivno-uglato (na prvi pogled) slikarstvo antičkih srednjovjekovnih ikona - od realističkog slikarstva Rembrandta. Buđenje za novi život ovog golemog i, štoviše, heterogenog stilskog sloja rane glazbe započelo je u 19. stoljeću s njezine, da tako kažemo, “periferije” – od naslijeđa 18. stoljeća. Lakše se ulazilo u slušnu svijest suvremenika, jer se radilo o spoju stilskih obilježja antičkog pretklasičnog doba, generaliziranog od velikog Bacha, i novog, „klasicističkog“, koje je u nekim značajkama predviđao Bach, ali prvi put na nedostižnu umjetničku visinu podigli majstori bečke klasične škole - Haydn, Mozart i Beethoven. I nije slučajno da je upravo oživljavanje Bacha od strane romantičnih skladatelja 19. stoljeća označilo početak dugog procesa rehabilitacije umjetničkih vrijednosti pretklasične ere, procesa koji je danas dosegao svojevrsno oživljavanje samog mjuzikla.
Renesansa. Štoviše, pojedine izvođačke skupine uspješno počinju propagirati vrijednosti glazbene kulture srednjeg vijeka, seleći još dalje u dubinu stoljeća.
Epoha 15.-16. stoljeća nije poznavala svjetovne javne oblike koncertnog života. Odlikovale su ga tri vrste oblika muziciranja, karakteristične za cjelokupnu srednjovjekovnu kulturu i koje su odgovarale društvenim zahtjevima triju slojeva feudalnog društva: svjetovnih feudalaca, svećenstva i trećeg staleža (obuhvatao je oba seljaci i zanatlije te bogati građani srednjovjekovnih gradova). Riječ je o svjetovnoj profesionalnoj glazbi, kultnoj glazbi i narodnoj umjetnosti. Narodna umjetnost (folklor, tj. pjesme i plesovi usmene tradicije) u to doba bila je glavni demokratski oblik svjetovnog muziciranja. Vrlo je važno da je Nizozemska bila poznata po svojoj bogatoj kulturi narodne pjesme. Narod Nizozemske bio je vrlo muzikalan. Postoje dokazi od Talijana Guicciardinija, koji je 1556. pisao o Nizozemskoj, da "narod, koji nije naučio pjevati zajedno, pjeva u najvišem stupnju lijepo i skladno ispravno." Postoje i dokazi da je u 15.-16. stoljeću glazba bila više voljena u Nizozemskoj nego slikarstvo i skulptura.
U folkloru pjesama najprije su se pojavile svijetle, realistično-svjetovne slike, čiji je glavni nositelj bila sočna melodija; na nju su se u budućnosti oslanjali nizozemski skladatelji.
Mnoge od tih pjesama zvučale su u polifonim masama nizozemskih skladatelja: ne samo nepromijenjene, kao citati, već i kao temeljni princip pojedinog melodijskog jezika.
Procvat folklora iznimno je važan za razumijevanje procesa obnove koji su se odvijali u glazbi Nizozemske. Postojanje folklora bilo je povezano ne samo s muziciranjem seljaštva, već i s novom građanskom kulturom nizozemskih gradova. O tome svjedoči prisutnost udruga pučkih svirača - ministranata, kao i tzv. "retoričkih komora" - svojevrsnih književnih
obrtničke radionice, u kojima je muziciranje bilo podvrgnuto najstrožim i najsofisticiranijim formalnim propisima. Kodeksi pravila za takva udruženja mogu se zamisliti iz poznatog "beckmesserizma" kojeg ismijava Wagner u operi Nürnberški Meistersingeri. Ipak, narodna umjetnost Nizozemske bila je doslovno u punom zamahu. Bilo je to plodno tlo na kojem su cvjetali najvrjedniji uzorci profesionalnog muziciranja.
Obraćajući se profesionalnim žanrovima, napominjemo da je složenost percepcije nizozemske polifonije za moderne slušatelje u tome što ona utjelovljuje novi sustav osjećaja u zastarjelim oblicima glazbe danas. Glazbeni život Nizozemske promatranog razdoblja sadržavao je značajne ostatke srednjeg vijeka, koji su sredinom 18. stoljeća gotovo potpuno nestali s povijesne scene.
Posebno se to odnosilo na svjetovnu profesionalnu glazbu, koja se uglavnom koristila u kapelama utjecajnih svjetovnih feudalaca, a prije svega burgundskih vojvoda.
Svjetovnoj aristokraciji, koju su predstavljali burgundski vojvode i njihov dvor, nije bilo stalo do oživljavanja antičke učenosti i istančanja morala, kao što je to bio slučaj u Italiji, nego do povratka prestiža nekadašnje viteške snage. Glavni zadatak njihovih kapela je ukrašavanje svečanih rituala kneževskih dvorova.<…>Uloga [glazbe] bila je ograničena uglavnom na zabavne funkcije. To je dovelo do lakoće, površnosti, smanjenja etičke i estetske razine.<…>Zato u povijesnim uvjetima promatranog razdoblja svjetovni profesionalni žanrovi u stvaralaštvu nizozemskih skladatelja nisu dosegli visine dostupne kultnoj glazbi.
Jasno je da su u tim uvjetima najveće skladateljske snage pohrlile u crkvu.<…>Kultni žanrovi imali su dvije velike prednosti. Prvi je mogućnost značajnog produbljivanja ideološkog i etičkog sadržaja. Ne treba zaboraviti da su u srednjem vijeku katedrale i samostani bili najveća središta obrazovanja. Samostani su imali velike knjižnice, u kojima su se čuvali i rukopisi glazbenih djela. Viši redovi klera, na ovaj ili onaj način, morali su se baviti razvojem problema teologije, koja je u to vrijeme bila neraskidivo povezana s filozofijom. Izvan razvoja teoloških problema, bilo je nezamislivo izgraditi novu humanističku filozofiju ili novu znanstvena slika mir.<…>Drugo, upravo je za glazbenike rad po narudžbi crkve u to vrijeme bio iznimno plodonosan, jer je u povijesnim uvjetima srednjeg vijeka jedino crkva pružala mogućnost širokog javnog izvođenja profesionalne glazbe.<…>
Takav heterogen glazbeni život iznio je žanrove koji su u cjelini daleko od moderne glazbene kulture, ali istinski odražavaju “raznolikost” kulture 15. – 16. stoljeća. Krajem prve četvrtine 15. stoljeća karakteristična su tri glavna žanra - "veliki", "mali" i "srednji" (identificirao ih je utjecajni glazbeni teoretičar I. Tinktoris 1475.): masa, pjesma(šansona) i motet.
Posebnost glazbe tog vremena bila je čisto vokalna priroda ovih žanrova. To, naravno, ne znači da ih nije bilo glazbeni instrumenti i instrumentalnu glazbu. Međutim, instrumentalna glazba, i u tematskom smislu, i po principima mišljenja, i po oblicima, i u slikovnosti, u potpunosti je ovisila o vokalnoj glazbi. Najzastupljenije je bilo ansamblsko instrumentalno muziciranje: temeljilo se na zborskim djelima. Drugi način prodora instrumentacije u vokalno-zborsku kulturu bila je mogućnost popunjavanja nedostajućeg glasa instrumentom ili, po svemu sudeći, široko prakticirano umnožavanje vokalnih glasova instrumentima, uglavnom puhačkim instrumentima. Tako je bilo u žanrovima profesionalne glazbe. U glazbi usmene tradicije, rudimenti specifično instrumentalne glazbe u obliku svakodnevnih plesova, improvizacija na omiljeno domaćinstvo gudački instrument– lutnja, kao i na orguljama ili dr klavijaturnih instrumenata. No, tek početkom 17. stoljeća ovi klici instrumentalne glazbe počinju se izjednačavati u pravu s vokalnom glazbom. Razdoblje glazbene kulture Nizozemske koje nas zanima ukazuje upravo na dominaciju vokalnih žanrova.
Svjetovno vokalno višeglasje bilo je predstavljeno polifonom šansonom (pjesmom). Ovaj naziv generalizira niz posebnih varijanti svjetovnih vokalnih tekstova, koji su se uglavnom temeljili na ljubavnim pričama. Antička polifona šansona u djelima nizozemskih skladatelja doživjela je značajne promjene, o čemu će biti riječi kasnije; sada je potrebno ukazati na porijeklo ovog žanra - polifone rondele, le, virele, balade. Ovi žanrovi sa složenim i raznolikim sustavima rimovanja teksta i ponavljanja (“refrena”) glazbenog materijala nastali su u glazbenom i pjesničkom stvaralaštvu francuskih trubadura i trouveursa u 13. stoljeću. Međutim, vrijeme rođenja višeglasne pjesme je 14. stoljeće. U djelu poznatog francuski pjesnik i skladatelja G. de Machoa (1300.–1377.), "verbalni" tekstovi već su utjelovljeni u mnogim glasovima: do pjevanja.
na gornji glas se dodaju jedan, dva ili tri glasa u izvedbi instrumenata. No, ovdje se ne može govoriti o solo pjesmi s pratnjom: svi glasovi takve polifonije, bez obzira pjevaju li se ili izvode na instrumentima, imaju istu - vokalnu - prirodu; možemo govoriti samo o individualiziranijem karakteru melodijskog obrasca gornjeg (pjevačkog) glasa. Naravno, ne može se govoriti o manje-više samostalnoj ulozi "instrumentalne pratnje": do rođenja moderne komorne vokalne lirike ostalo je još gotovo dva stoljeća. No i u granicama tih skromnih mogućnosti Machaut, a iza njega predstavnici rane kulture polifone pjesme, Dufay i Benchois, uspjeli su postići suptilne izražajne efekte, prevladavajući manire, pretencioznost aristokratske umjetnosti, oslanjajući se na demokratske pisanje pjesama.
Misa i motet pripadaju drugoj skupini žanrova karakterističnih za djela nizozemskih skladatelja. Misa je žanr kultnog muziciranja (izvodi se tijekom crkvene službe), moteti su pisani i na svjetovne i na duhovne teme. Ipak, postoji mnogo sličnosti između ovih žanrova. Tijekom povijesnog razvoja nizozemske škole svjetovni moteti su zamijenjeni polifonim polifonim pjesmama; s druge strane, počevši od Machauxa, višedijelna polifona misa počela se tumačiti kao svojevrsni ciklus moteta na liturgijski tekst. Za razliku od šansone, u kojoj se u pravilu ista melodija ponavlja s različitim strofama teksta (kao u modernoj strofi ili dvostihu), motet je u cjelini slobodna, neregulirana kompozicija, koja se sastoji od niza dionica. kontrastno u materijalu. Izmjenjivanje, slijed ovih dionica, njihova izražajnost određuju se značenjem teksta koji je u osnovi moteta.
Unutarnja struktura svakog od dijelova moteta u ranoj i kasnoj fazi razvoja nizozemske polifone škole bila je različita, ali bitna zajedničko obilježje, što je tada razlikovalo motet od pjesme: pjesma se temeljila na izvornoj temi
skom materijalu, motet - na posud. Takav posuđeni materijal naziva se canthus firmus. Kontrastni gornji glasovi bili su "slojeviti" ("izgrađeni") na cantus firmus. U srednjem vijeku (XIII-XIV stoljeće) taj je kontrast pogoršan činjenicom da su se različiti tekstovi istodobno pjevali različitim glasovima. Stvar je došla na svoje smiješni slučajevi kada je glas koji je pjevao cantus firmus bio zasnovan na vjerskom napjevu, dok je u drugom glasu tekst bio ljubavni izljev, a u trećem satira na pijane redovnike! Sve je to zvučalo istovremeno zbog sličnog ritma tekstova.
U kasnijoj povijesti moteta, skladatelji su tražili organskije pjesničke i glazbene veze za glasove polifonog moteta. Kod Nizozemaca motet postaje jedan od konceptualno najrazvijenijih žanrova. Njegovo postojanje u doba koje nas zanima pratit će se na primjerima kreativnosti istaknuti predstavnici Nizozemska škola. Ovdje je potrebno samo prvo reći o podrijetlu tematske građe moteta - kantusa firmusa. U tom svojstvu, prema tradiciji posvećenoj stoljećima, uspostavljen je gregorijanski koral - jednoglasni zborni napjevi na liturgijski tekst, koje je, prema legendi, sistematizirao papa Grgur Veliki (u. 604.).
Gregorijanski koral je u biti bio prilično raznolik skup napjeva za zbor (otuda naziv pjevanja): Među njima se ističu dvije vrste. Psalmodija je odmjereno recitiranje, takva intonacija teksta Svetoga pisma, uglavnom na jednoj zvučnoj visini, u kojoj
za jedan slog teksta postoji jedna nota melodije; hvalospjevi-obljetnice - slobodni napjevi na slogove riječi "Aleluja", utjelovili su oduševljenje vjernika. Po svojoj funkciji u glazbenoj kulturi srednjeg vijeka, gregorijanski koral bio je sušta suprotnost narodna pjesma. Ako je narodna pjesma odražavala stvarno, živo ljudskim osjećajima, izravan osjećaj stvarnosti, tada je gregorijanski koral trebao istisnuti zemaljske misli iz svijesti čovjeka, usmjeriti njegove misli i osjećaje prema božanskim idejama.
Gregorijanski koral imao je snažan i osebujan učinak na župljane. Njegovo vlastitu povijest predstavljao dosljedan kompromis, uslijed kojeg je, umjesto "sučeljavanja" s narodnom pjesmom, sam gregorijanski napjev (ponajprije "Aleluja" i drugi napjevi) bio zasićen pučkim napjevom. Crkvene vlasti bile su prisiljene dopustiti da se u bogoslužju izvode napjevi utemeljeni na melodiji podrijetla narodnih pjesama, tzv. Niz takvih sekvenci - uključujući "Dies irae", koji je postao poznat u kasnijoj povijesti glazbene kulture - visoki su, trajni primjeri umjetnosti koji su u potpunosti sačuvali svoj umjetnički utjecaj do našeg vremena.
U početku su moteti pisani uglavnom na gregorijanskom canthus firmus. No, nastavljajući s težnjom prevladavanja apstraktnosti, mistične odvojenosti liturgijskog muziciranja, koja se pojavila u srednjem vijeku, skladatelji nizozemske polifone škole postupno su melodične glasove moteta počeli zasićivati svjetovnim narodnim pjesničkim materijalom, koristeći ga ili kao cantus firmus, ili kao osnovu za "slobodne" glasove skladbe.
Najprije treba reći nekoliko riječi o misi. Da bismo razumjeli ulogu ovog žanra u nizozemskoj glazbenoj kulturi, moramo uzeti u obzir njegovu prethodnu povijest. U početku (do 14. stoljeća) misa je općenito bila jednoglasna; napjevi koji su utjelovili njegov tekst uklapaju se u pravni okvir gregorijanskog korala. No, već su gregorijanski napjevi koji su zvučali u misi bili prilično raznoliki. Prvo su se prema skladištu dijelili na psalmodičke i himničke. Drugo, postojale su dvije vrste glazbenih "ciklusa" gregorijanske mise: "posebna misa" (Missa proprium), čiji se sastav mijenjao ovisno o blagdanu u povodu koje se održava služba, i "obična misa". ” (Missa ordinarium), sastavljen od pet stalnih dijelova: 1) Kyrie eleison - "Gospodine, smiluj se", 2) Gloria in excelsis Deo - "Slava Bogu na visini", 3) Credo - "Vjerujem" , 4) Sanctus et Benedictus - "Sveti" i "Blaženi", i, konačno, 5) Agnus Dei - "Jaganjac Božji".
U doba ranog srednjeg vijeka (do 9. stoljeća) “obična misa” se razlikovala od “posebne” ne samo po sastavu dijelova, već i po sudjelovanju cijele zajednice vjernika u njenom izvođenju. . Župljani (u velikoj većini - predstavnici demokratskih slojeva stanovništva) su u strogi, asketski stil gregorijanske monofonije unijeli životvornu toplinu intonacija narodne pjesme, a te je folklorne utjecaje crkva pomno urezala u mogućem opsegu. No, u kasnijoj povijesti mise pokazalo se održivim samo pet gore navedenih dijelova „obične mise“, koje su prvi izvodili svi župljani.<…>
KOD PODRIJETLA SAVREMENOG GLAZBENOG RAZMIŠLJANJA
Najveće postignuće nizozemske skladateljske škole, koja je osigurala svoje počasno mjesto u povijesti svjetske glazbene kulture, bilo je formiranje principa moderne glazbe. glazbeno razmišljanje. Njihovo formiranje otvorilo je velike izglede za rast glazbenog sadržaja, dalo je glazbenoj umjetnosti priliku da svojim sredstvima odgovori na najsloženije filozofske i socijalni problemi. Koje su točno značajke modernog glazbenog mišljenja koje su pripremili predstavnici nizozemske skladateljske škole? A što je, zapravo, to "glazbeno razmišljanje", upitat će nas čitatelj?
Razmišljajući o visoko razvijenoj klasici glazbenih žanrova povezano s umjetnički izraz značajnih i smislenih pojmova, čak i osoba neiskusna u glazbenoj teoriji može reći da su glavne glazbene misli i njihov razvoj tako široko poznatih djela kako su sonate i simfonije Mozarta, Beethovena, Čajkovskog, Šostakoviča povezane s glazbene teme, svojom jedinstvenom ekspresivnošću, te dramaturgijom, koncepcijom, općom idejom čine cjelokupni zbroj promjena, transformacija i sudara različitih tema djela.
No, ako se upoznamo s djelima nizozemskih skladatelja, očekujući da ćemo u njima čuti slične teme i isti plan tematskog razvoja kao u Beethovenovim djelima, razočarat ćemo se. Uz rijetke iznimke, tu nećemo naći široko, jasno definirano
privlačne melodije. Često se sva tematika svodi na male motive ili na kratke deklamativne obrate, nastale iz izražajnog izgovora teksta. Posebno arhaično zvuči svojevrsni tematizam specifičan za to vrijeme - cantus firmus, unatoč tome što je još od Dufayeva vremena upijao materijal postojećih narodnih pjesama. Cantus firmus je u pravilu bio smješten u jedan od "srednjih" glasova zbornog kompleksa u smislu tessiture i nije bio uključen u aktivnu zonu slušne percepcije koju čine "ekstremni" glasovi - visoki i bas. Moguće je da je želja skladatelja da se "sakriju od znatiželjnih očiju" svjetovne glazbeni materijal, što nije odgovaralo temi liturgijskih žanrova. No, sama građa firmus cantusa izlagana je u iznimno produženim, dužim ritmičkim trajanjem u usporedbi s drugim glasovima, što je onemogućavalo njegovo percipiranje kao cjelovite formacije.
Pa ipak, Nizozemci su napravili odlučujući iskorak u oblikovanju tematike i tematskog razvoja. Podsjetimo, u gregorijanskom koralu - službenom obliku kultne glazbe tog vremena - sve je bilo usmjereno na izražajan i jasan izgovor teksta Svetoga pisma. Gregorijanski koral bio je savršen i stoga zatvoren umjetnički sustav. Stoga su se skladatelji u svojim inovativnim stilskim traganjima mogli osloniti samo na narodne pjesme.
U narodnoj pjesmi ima više slojeva. Najstarije su pjesme povezane s poganskim idejama, karakteriziraju ih ostaci magične funkcije. Njihov glazbeni jezik sastoji se od ponavljanja napjeva od tri-šest zvukova, tzv. formule. Drugi važan sloj povezan je s formiranjem lirske slike. Putevi razvoja raznih narodno-pjesmički narodnih kultura u tom su se pogledu susreli. Opća predodžba o strukturnim značajkama lirske narodne pjesme također se može dobiti na temelju postojećeg ruskog materijala. Suština ostvarenja lirske pjesme je sljedeća:
njezina glazba više nije ograničena na ponavljanje – „vrtenje“ izvorne melodije (formule). Naprotiv, motiv koji otvara pjesmu djeluje kao svojevrsno “tematsko zrno” iz kojeg, rastući u varijantnom cvjetanju melodijskih izdanaka, nastaje integralni glazbeni organizam.
Ove "mikroteme" - formule motiva i njihov varijantni razvoj - "klijanje" nizozemski su skladatelji posudili iz najbogatije narodnopjesničke kulture Nizozemske kao osnovu melodijskog mišljenja, značajno ih obogativši u svom stvaralaštvu. No, njihov glavni uspjeh bio je razvoj na toj osnovi profesionalne polifonije.
Polifonija je nastala spontano u muziciranju narodnih pjesama, najčešće kao rezultat istovremenog izvođenja različitih inačica istog napjeva. U djelu nizozemskih skladatelja, jedna od glavnih vrsta polifonije, polifonija, dobila je sveobuhvatan razvoj.
U bilo kojoj polifoniji, u bilo kojem trenutku, razlikuje se slušna percepcija glavni glas, nositelja značenjski najistaknutijeg materijala - tematskog, ostali glasovi na ovaj ili onaj način igraju ulogu pozadine tematskog reljefa. Ako je nositelj teme jedini gornji glas, a preostali glasovi su izravnani u svom izražajnom značenju, sjedinjujući se u akordne komplekse, tada se ova vrsta polifonije naziva homofonija. Ako bilo koji od glasova polifonije u bilo kojem trenutku može preuzeti tematsku inicijativu, ako, nadalje, glasovi koji prate ovu temu ne izgube svoju individualnost, onda je riječ o polifoniji. Sveobuhvatan razvoj principa polifonog razvoja temelj je inovativnosti nizozemskih skladatelja.
Osvajanje tehnika polifonog mišljenja bio je događaj od iznimne važnosti, sasvim je usporediv s prijelazom iz ravne slike u slikarstvu u višeznačnu. Polifonija je jedno od najkarakterističnijih osvajanja epohe, čiji je filozofski i estetski moto bio potraga za jedinstvom u raznolikosti uvijek novih znanstvenih
i umjetnička događanja koja se otvaraju svijesti Europljana. Istina, glazba još nije imala priliku vlastitim sredstvima okarakterizirati promjenjivost fluidnog toka stvarnosti - to je u glazbenu umjetnost došlo mnogo kasnije, u doba klasicizma. Renesansa je razvila druge izražajna sredstva, omogućujući da se u glazbi odrazi složenost, heterogenost, unutarnja nedosljednost prirode (makrokozmos) i ljudske duše (mikrokozmos). "Istodobni kontrast" paralelno razvijajućih neovisnih melodijskih linija (pojam pripada sovjetskom muzikologu T. N. Livanovi) bio je jedno od temeljnih dostignuća nizozemskih polifonista. Od sada je glazba, nastavljajući ostati u savezu s riječju, već imala svoje samostalne zakone razvoja, oslobodila se podređenosti.
Neovisnost glazbenog mišljenja očitovala se u razvoju novog sustava notnog zapisa – menzualnog. Sve do XIII-XIV stoljeća. postojao je takozvani zborski zapis, koji je omogućio fiksiranje samo visine pojedinih zvukova melodije. Nije bilo metoda za određivanje trajanja glazbenih zvukova: nije bilo potrebe za njima, jer je ritam napjeva gregorijanskih napjeva u potpunosti ovisio o metru teksta.
Emancipacija elemenata slobodnog melodijskog razvoja, kao i potreba za preciznim usklađivanjem simultanog zvučanja melodijskih linija u polifonoj polifoniji, zahtijevala je točnu fiksaciju trajanja glazbenih zvukova, bez obzira na metričku strukturu verbalnog teksta. Situacija je bila komplicirana činjenicom da tadašnji skladatelji, koji su ujedno bili i voditelji izvedbe, nisu napisali partiture i odmah su snimili svoje kreacije u obliku zborskih jednoglasnih zabava.
Kako se razlikuju od moderne notne note! Njihovo dešifriranje podliježe brojnim danas zaboravljenim pravilima, a prije svega poznavanju omjera nota susjednih u nizu trajanja; ti su omjeri bili četiri vrste, a nazivali su se "skalama". Stoga je naziv nove notacije menzuralni (za razliku od zbora).
Mensuralni zapis činio je osnovu modernog notnog zapisa. Njegovo poboljšanje temeljilo se na uvođenju kraćih trajanja (osobito nota ispod "rubova" i sa "zastavicama"), što je omogućilo da se ritmički obrazac melodije učini vizualnijim.
Moderna izdanja zborskih partitura klasika renesansnog polifonije, u pravilu, proporcionalno nekoliko puta smanjuju sva trajanja, čime imamo lako uočljivu zvučnu sliku.
Prije nego što pređemo na daljnji opis predstavnika nizozemske polifone škole, potrebno je reći nekoliko riječi o njihovom neposrednom prethodniku - engleski kompozitor John Dunstable (1370. ili 1380.-1453.), koji je dugo radio na kontinentu, koji je također posjetio glazbeni centri Nizozemska.
U glazbenoj kulturi sjeverne Europe Dunstable je bio takoreći prvi znak “renesansnog proljeća”. U njegovom se djelu naziru prvi pogledi renesansnog “veselog slobodoumlja” - o tome svjedoči i njegova mnogoglasna obrada talijanske pjesme “O lijepa ruže” (“O rosa bella”) s nježnom, bizarnom harmonije prožete “sjevernom melankolijom”. Naravno, ti će se odsjaji vrlo brzo utopiti u zrakama nadolazećih svjetiljki nizozemske skladateljske škole... Ali u jednom području Dunstableovog rada - formiranju razvijene zborske polifonije - njegova se inovacija pokazala odlučujućom .
Dunstableovo djelo bilo je toliko važna poveznica između "glazbene gotike" i renesansne polifonije da je od 16. stoljeća ukorijenjena legenda o njemu kao "izumitelju" polifonije. Polifono načelo mišljenja zapravo vuče korijene iz narodnog muziciranja, a njegov prijenos na područje profesionalne glazbe započeo je u srednjem vijeku i trajao nekoliko stoljeća. Još u XIV stoljeću u Firenci, u domovini ars nova - talijanski “pre-
Objavljeno: Konov V. Nizozemski skladatelji XV-XVI stoljeća. L.: Glazba, 1984.
Suita za čembalo br.5 u d-molu
Osnovne informacije
Nastupa glazbenik glazbena djela kako na čembalu tako i na njegovim varijetetima zove se čembalist.
Podrijetlo
Najraniji spomen instrumenta tipa čembalo pojavljuje se u izvoru iz Padove (Italija) iz 1397. godine, a najranija poznata slika nalazi se na oltaru u Mindenu (1425.). Kao solo instrument, čembalo je ostalo u upotrebi do kraja 18. stoljeća. Nešto dulje služio je za izvođenje digitalnog basa, za pratnju recitativima u operama. Oko 1810. praktički je nestao. Oživljavanje kulture sviranja čembala počelo je na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće.
Čembalo iz 15. stoljeća nije sačuvano. Sudeći prema slikama, radilo se o kratkim instrumentima s teškim tijelom. Većina preživjelih čembala iz 16. stoljeća izrađena je u Italiji, gdje je Venecija bila glavno središte njihove proizvodnje.
Imali su registar 8` (rjeđe dva registra 8` i 4`), odlikovali su se svojom elegancijom. Tijelo im je najčešće bilo od čempresa. Napad na ta čembala bio je izrazitiji, a zvuk oštriji nego kod kasnijih flamanskih instrumenata.
Antwerpen je bio najvažnije proizvodno središte za čembalo u sjevernoj Europi, gdje su predstavnici obitelji Ruckers radili od 1579. godine. Njihova čembala imaju duže žice i teža tijela od talijanskih instrumenata. Od 1590-ih u Antwerpenu se proizvode čembalo s dva priručnika. Francuski, engleski, njemački čembala iz 17. stoljeća kombiniraju značajke flamanskih i nizozemskih modela.
Preživjela su neka francuska dvoručna čembala s tijelom od oraha. Od 1690-ih u Francuskoj se proizvode čembali iste vrste kao Rookersovi instrumenti. Među francuskim majstorima čembala istakla se dinastija Blanchet. Godine 1766. Taskin je naslijedio Blancheinu radionicu.
Najznačajniji engleski proizvođači čembala u 18. stoljeću bili su Schudy i obitelj Kirkman. Njihovi instrumenti imali su hrastovo tijelo obloženo šperpločom i odlikovali su se snažnim zvukom bogate boje. U Njemačkoj u 18. stoljeću glavno središte proizvodnje čembala bio je Hamburg; među instrumentima proizvedenim u ovom gradu sa 2` i 16` registrima, kao i sa 3 priručnika. Neobično dug model čembala dizajnirao je J. D. Dülcken, vodeći nizozemski obrtnik iz 18. stoljeća.
U drugoj polovici 18. stoljeća čembalo počinje potiskivati klavir. Oko 1809. Kirkmanova tvrtka proizvela je svoje posljednje čembalo. Inicijator oživljavanja instrumenta bio je A. Dolmech. Svoje prvo čembalo izgradio je 1896. u Londonu i ubrzo otvorio radionice u Bostonu, Parizu, Heislemereu.
Izdavanje čembala također su uspostavile pariške tvrtke Pleyel i Erard. Pleyel je počeo proizvoditi model čembala s metalnim okvirom koji nosi debele, zategnute žice; Wanda Landowska osposobila je čitavu generaciju čembalista za ovu vrstu instrumenta. Bostonski obrtnici Frank Hubbard i William Dyde prvi su kopirali starinska čembala.
Uređaj
Ima oblik duguljastog trokuta. Žice su mu raspoređene vodoravno, paralelno s tipkama.
Na kraju svake tipke nalazi se potisnik (ili skakač). Na gornjem kraju potiskivača nalazi se langeta u koju je učvršćen plektum (jezik) od pera (na mnogim modernim instrumentima izrađen je od plastike), neposredno iznad plektuma nalazi se prigušnica od filca ili mekane kože. Kada se pritisne tipka, potiskivač se diže, plektrum počupa žicu. Ako se ključ otpusti, mehanizam za otpuštanje će omogućiti da se plektrum vrati na svoje mjesto ispod žice bez ponovnog čupanja žice. Vibracija strune je prigušena prigušivačem.
Za registraciju, tj. promjene u jačini i tembru zvuka, koriste se ručni i nožni prekidači. Nije moguće glatko povećavati i smanjivati glasnoću na čembalu. U 15. stoljeću raspon čembala bio je 3 oktave (u donjoj oktavi nedostajale su neke kromatske note); u 16. stoljeću proširio se na 4 oktave (C - c"`), u 18. stoljeću na 5 oktava (F` - f"`).
Tipično njemačko ili nizozemsko čembalo iz 18. stoljeća ima 2 priručnika (klavijature), 2 seta žica od 8` i jedan set od 4`žica (zvuči za oktavu više), koji se mogu koristiti pojedinačno ili zajedno, kao i ručni mehanizam kopulacije . Mjenjači stopala i koljena pojavili su se kasnih 1750-ih. Većina instrumenata ima tzv. registar lutnje karakterističnog nosnog tona (da bi se dobio, žice su lagano prigušene izbočinama od kože ili filca uz pomoć posebnog mehanizma).
