Най-добрите художници на детски приказки. Снимки от детството

Всички деца обичат приказките: обичат да слушат как им разказват бабите и майките си, а тези, които могат да четат, ги четат сами. Те четат и разглеждат интересни, цветни картинки - илюстрации, които разказват за героите на книгата не по-малко от текста на самата приказка. Кой създава тези илюстрации? Е, разбира се, художници, художници - илюстратори.

Кои са илюстраторите? Това са художници, които рисуват илюстрации за книги, помагайки да разберем съдържанието на книгата, да си представим по-добре нейните герои, външния им вид, характери, действия, средата, в която живеят...

От рисунката на илюстратора на приказките можете да познаете, без дори да я четете, зли героиПриказките са мили, умни или глупави. В приказките винаги има много фантазия и хумор, така че художникът, който илюстрира приказка, трябва да е малко магьосник, да има чувство за хумор, да обича и да разбира народното творчество.

Нека се запознаем с някои илюстратори на детски книги.

Юрий Алексеевич Васнецов (1900 - 1973)

Започва да илюстрира детски книги през 1929 г. Книгата му "Ладушки" през 1964 г. е удостоена с най-високото отличие - Грамота на Иван Федоров, а на международното изложение в Лайпциг получава сребърен медал. Юрий Алексеевич беше прекрасен художник- разказвач, работата му се характеризираше с доброта, спокойствие, хумор. От детството той се влюби в ярка, весела играчка Димково и не се раздели с вдъхновените от нея образи, прехвърляйки ги на страниците на книгите.

В илюстрациите на Васнецов живо е находчивото светоусещане, яркост и непосредственост: котки в розови поли и зайци в филцови ботуши се разхождат, заек с кръгли очи танцува, светлините горят удобно в колибите, където мишките не се страхуват от котка , където има толкова елегантно слънце и облаци, които приличат на пухкави палачинки. Всички деца харесват картините му за народни песнички, стихчета и вицове („Ладушки”, „Дъга-дъга”). Той илюстрира народни приказки, приказки от Лев Толстой, Пьотър Ершов, Самуил Маршак, Виталий Бианки и други класици на руската литература.

Евгений Михайлович Рачев (1906-1997)

Сигурно е трудно да се намери човек, който да обича детските книги и да не е запознат с илюстрациите на Евгений Михайлович Рачев. Той с право може да бъде наречен един от най-известните художници на детски книги на миналия век.
Евгений Михайлович - художник на животни, автор на илюстрации за руски, украински, румънски, беларуски и други народни приказки, приказки на северните народи, басни на Иван Крилов и Сергей Михалков, приказки на Дмитрий Мамин-Сибиряк, произведения на Михаил Пришвин, Михаил Салтиков-Шчедрин, Лев Толстой, Виталия Бианки и др.

Неговият светъл, мил и забавни рисункизапомнени веднага и завинаги. Още първите приказки от детството - "Джинджифилов човек", "Кокошка Ряба", "Три мечки", "Хижата на Заюшкина", "Коза Дереза" - остават в паметта с илюстрациите на Евгений Рачев.

„За да се правят рисунки за приказки за животни, разбира се, човек трябва да познава добре природата. Трябва да знаете добре как изглеждат тези животни и птици, които ще нарисувате “, пише художникът за работата си.

Но животните, нарисувани от Евгений Михайлович, не са само лисици и вълци, зайци и мечки. Техните изображения отразяват човешките емоции, характери, настроение. „Защото в приказките животните са като различни хора: добър или зъл, умен или глупав, палав, забавен, забавен ”(Е. Рачев).

Евгений Иванович Чарушин (1901 - 1965)

Евгений Чарушин е известен художник и писател. Освен собствените си книги „Волчишко и други”, „Васка”, „За свраката”, той илюстрира творбите на Виталий Бианки, Самуил Маршак, Корней Чуковски, Михаил Пришвин и др.

Чарушин познаваше добре навиците и образите на животните. В своите илюстрации той ги рисува с изключителна прецизност и характер. Всяка илюстрация е индивидуална, всяка изобразява герой с индивидуален персонаж, съответстващ на конкретна ситуация. „Ако няма изображение, няма какво да се изобрази“, каза Евгений Чарушин. „Искам да разбера животното, да предам неговия навик, естеството на движението. Интересува ме козината му. Когато едно дете иска да усети моето малко животно, аз се радвам. Искам да предам настроението на животното, страха, радостта, съня и т.н. Всичко това трябва да се наблюдава и усеща.

Художникът има свой собствен метод на илюстриране – чисто изобразителен. Той рисува не контур, а необичайно умело, с петна и щрихи. Животното може да бъде изобразено просто като „рошаво“ петно, но на това място се усеща както бдителността на позата, така и спецификата на движението, и особеността на текстурата - еластичността на дългата и твърда коса, повдигната на края, заедно с пухкавата мекота на дебелия подкосъм.

Последната книга на Е.И. Чарушин стана „Деца в клетка“ от С.Я. Маршак. А през 1965 г. посмъртно е награден със златен медал на международната изложба на детски книги в Лайпциг.

Май Петрович Митурич (1925 - 2008)

Май Митурич е известен преди всичко като страхотен график и илюстратор на книги. Той не е просто художник, но и пътешественик. Повечето голям успехму донесе сътрудничество с Генадий Снегирев. Заедно те направиха пътувания до Севера, Далечния изток, след което за тях се появиха истории и рисунки. Най-успешните книги "За пингвините" и "Пинагор" бяха отличени с грамоти за най-добър дизайн.

Мей Петрович е отличен чертожник. Рисува с восъчни пастели и акварели. Митурич избира този тип илюстрация, при която нито цветът, нито обемът, нито сенките нарушават цялостната хармония на рисунката и белия лист. Внимателно избира 2-3 цвята жълто, синьо, черно и боядисва, без да смесва цветовете. Избягва прякото сходство на цвета с природата, цветът му е условен.

В разказите за природата меките тонове, прозрачните акварели засилват усещането за тишина, спокойствие, което човек изпитва сред природата.

Художникът е проектирал около 100 книги за деца. Сред тях са илюстрациите към творбите на Корни Чуковски, Самуил Маршак, Генадий Снегирев, Агния Барто, Сергей Михалков, Ръдиард Киплинг, Луис Карол, Сергей Аксаков, Одисея на Омир и японски народни приказки.

Лев Алексеевич Токмаков (1928 - 2010)

Творческата дейност на Лев Алексеевич Токмаков е разнообразна: той не само посвещава много време на работа с детски книги, но и работи със стативна графика - създава няколко десетки автолитографии и много рисунки, често се появява в печат като журналист, критик и детски писател. И все пак основното място в творчеството на художника заема книжна илюстрация- Повече от четиридесет години рисува детски книжки. На страниците на книгите се появяват много странни същества. Това не е ли играчка? Сребърен вълк, мечка с топки вместо уши? Художникът рисува със силует, цветно петно, съзнателно използва техниката „направена от човека”. Рисунките му са напълно лишени от ежедневни детайли и описателност. Малко синя боя - езеро, малко тъмно зелена - гора. Друга интересна техника на художника е, че героите му не се движат, те са замръзнали на място. Те са подобни на своите прототипи върху популярни щампи и въртящи се колела, откъдето идват животните Токмаков.

Истинско откритие в областта на изкуството на детската книга са илюстрациите, които създава за книгите: Джани Родари „Приказки по телефона“, Астрид Линдгрен „Пипи Дългото чорапче“, Ирина Токмакова „Ростик и Кеша“, Виталий Бианки „Като бърза мравка“ Дом“, към творбите на Валентин Берестов, Борис Заходер, Сергей Михалков и много други.

Владимир Григориевич Сутеев (1903 - 1993)

Владимир Сутеев е един от първите съветски аниматори, режисьор и сценарист на анимационни филми. От средата на 40-те години се насочва към детските книги като автор на рисунки и текстове. Анимацията остави своя отпечатък върху творчеството на художника: животните му станаха комични, забавни, забавни. Виждаме изобилие от действия. Основното за него е да покаже характера на героя, неговото настроение. Рисунките са изпълнени с интересни детайли, подчертаващи мекия хумор на приказките. Най-често художникът използва част от страницата за илюстрация, като органично съчетава рисунка и текст.

Благодарение на писалката си читателят получи прекрасни илюстрациикниги на Джани Родари "Приключенията на Чиполино", норвежкия писател Алф Прайзен "Весел Нова година", унгарската писателка Агнес Балинт" Джудже Гномич и стафиди ", американски писателЛилиан Муур "Малката миеща мечка и този, който седи в езерцето."

Владимир Григориевич Сутеев състави свои собствени приказки. "Пиша дясна ръка, и рисувам с лявата си ръка. Така че правилният е предимно безплатен, така че измислих занимание за него. През 1952 г. излиза първата книга, автор на самия Сутеев „Две приказки за молив и бои“. Оттогава пише сценарии за анимационни филми, илюстрира книги, действа като режисьор и сценарист.

Сред издадените книги с илюстрации на Владимир Сутеев, като: „Каква е тази птица?“, „Пиле и пате“, „Спасител“, „Мустаци“, „Чичо Стьопа“, „Весело лято“, „ Весела Нова година“, „Приключенията на Пиф“, „Айболит“, „Ябълка“, „Хлебарка“, „Невежа мечка“, „Упорита жаба“, „Коте, което забрави как да поиска храна“, „Някои проблеми“, „Да слизаш по-лесно“, „Къде е по-добре да се страхуваш?“, „Средата на наденица“, „Не е честно“, „Добре скрит котлет“, „Сянката разбира всичко“, „Таен език“, „Една сутрин”, „Маргаритки през януари”, „Като кученце Тявка се научи да кука и др.

Виктор Александрович Чижиков (р. 26 септември 1935 г.)

Художникът превърна рисунката си в някаква игра, в която има не реален, а условен свят, което му позволява да изгради своята приказна страна върху лист. Невъзможно е да не се поддадете на очарованието на неговите герои.

Виктор Александрович казва: „Няма да ме интересувате от цвят, аз съм далтонист, аз съм само човек.

Героите на неговите рисунки винаги носят усмивка - мили и иронични. Лесно разпознаваеми, пълни с добър хумор и топлина, рисунките на Чижиков стават известни на милиони читатели от всички възрасти, а през 1980 г. той изобретява и нарисува меччето Миша, талисманът на Олимпийските игри в Москва, който веднага става един от най-популярните анимационни герои в страната.

Неговите илюстрации украсяват книгите на почти всички класици на съветската детска литература - Агния Барто, Сергей Михалков, Борис Заходер, Самуил Маршак, Николай Носов, Едуард Успенски и много други местни и чуждестранни автори.

Татяна Алексеевна Маврина (1902-1996)

Родена в Нижни Новгород, през 1921 г. учи в Москва във висшите художествени и технически работилници и института. Единствения съветски художник, удостоен през 1976 г. с наградата G. H. Andersen за творчество в областта на детската илюстрация.

Талантлива и оригинална художничка е разработила свой собствен живописен език. Същността му се крие в откритото звучене на цвета, в способността да се гледа на света широко и декоративно, в смелостта на рисунката и композицията и във въвеждането на приказни и фантастични елементи. Още от детството си, виждайки изрисувани лъжици и кутии, ярко оцветени играчки, тя беше очарована от съвсем различна, непозната техника, съвсем различен начин на боядисване. Маврина дори включва текст в илюстрацията (първият и последният ред са написани на ръка, символите са подчертани, очертани с ярка линия). Рисува с гваш.

Специално място в творчеството й заемат илюстрирането на детски книги. Най-известният дизайн на приказките на А. С. Пушкин: „Приказката за мъртва принцесаи седем герои“, „Руслан и Людмила“, „Приказки“, както и сборници „Според щука команда”,„Руски приказки”,„За далечни земи”. Татяна Алексеевна Маврина също действа като илюстратор на собствените си книги: „Приказни животни“, „Мененки се пекат, не се дават на котка“, „Приказна азбука“.

Владимир Михайлович Конашевич (1888-1963)

Историята го интересуваше цял живот. Той фантазираше лесно и с удоволствие, можеше да илюстрира една и съща приказка няколко пъти и всеки път по нов начин.

Владимир Конашевич рисува илюстрации за приказки различни народи: руски, английски, немски, китайски, африкански.

Първата книга с негови илюстрации "Азбука в картини" е публикувана през 1918 г. Тя го получи случайно. Художникът рисува за малката си дъщеря различно смешни картинки. След това започна да рисува картинки за всяка буква от азбуката. Някои от издателите видяха тези рисунки, харесаха ги и бяха отпечатани.

Гледайки неговите рисунки, усещате как самият художник се смее с децата.

Той борави много смело със страницата на книгата, без да разрушава нейната плоскост, той я прави безгранична, изобразява реални и най-фантастични сцени с невероятно умение. Текстът не съществува отделно от рисунката, той живее в композицията. В единия случай е маркиран с рамка от цветни гирлянди, а в другия е заобиколен от прозрачен малък модел, в третата - на цветен фон, тя е фино свързана от околни цветни петна. Неговите рисунки предизвикват не само въображение, хумор, но и формират естетическо чувство и художествен вкус. В илюстрациите на Конашевич няма дълбоко пространство, рисунката винаги е близо до зрителя.

Книгите по дизайн на Конашевич бяха ярки, празнични и донесоха голяма радост на децата.

Иван Яковлевич Билибин (1876-1942)

Художникът обърна много внимание на изкуството на дизайна на книги. Той е един от първите, които започват да рисуват илюстрации към руските народни приказки и епоси.

Той работи върху книги с малък обем, така наречените „книги-тетрадки“, и ги проектира по такъв начин, че всичко в тези книги: текст, рисунки, орнамент, корици - образуват едно цяло. И на илюстрациите в тях беше отделено толкова място, колкото и на текста.

Иван Яковлевич Билибин разработи система от графични техники, които направиха възможно комбинирането на илюстрации и дизайн в един стил, като ги подчини на равнината на страница на книга.

Характерните черти на стила Билибино са: красотата на шарената шарка, изящната декоративност на цветовите комбинации, финото визуално въплъщение на света, съчетанието на ярка приказност с чувство за народен хумор и др.

Прави илюстрации към руските народни приказки „Царовната жаба“, „Перо Финист-Ясна Сокол“, „Василиса Прекрасна“, „Мария Моревна“, „Сестра Альонушка и брат Иванушка“, „ бяла патица”, към приказките на А. С. Пушкин - „Приказката за цар Салтан”, „Приказката за златния петел”, „Приказката за рибара и рибата” и много други.

Илюстратори на детски книги. Кои са авторите на най-любимите снимки

Каква полза от книга, помисли си Алис.
- ако в него няма снимки или разговори?
"Приключенията на Алиса в страната на чудесата"

Изненадващо, детската илюстрация на Русия (СССР)
има точна година на раждане - 1925г. Тази година
в Ленинград е създаден отдел по детска литература
Държавно издателство (GIZ). Преди тази книга
с илюстрации специално за деца не са публикувани.

Кои са те - авторите на най-обичаните, красиви илюстрации, които се помнят от детството и харесват децата ни?
Научете, запомнете, споделете мнението си.
Статията е написана с помощта на историите на родителите на днешните деца и ревюта на книги в уебсайтовете на онлайн книжарниците.

Владимир Григориевич Сутеев(1903-1993, Москва) - детски писател, илюстратор и режисьор на анимация. Негов вид смешни картинкиприлича на сцена от анимационен филм. Рисунките на Сутеев превърнаха много приказки в шедьоври.
Така, например, не всички родители смятат произведенията на Корней Чуковски за необходима класика и повечето от тях не смятат творбите му за талантливи. Но приказките на Чуковски, илюстрирани от Владимир Сутеев, искам да държа в ръцете си и да чета на децата.

Борис Александрович Дехтерев(1908-1993, Калуга, Москва) - народен художник, съветски график (счита се, че Дехтеревската школа е определила развитието на книжната графика на страната), илюстратор. Работил е предимно в техниката на рисуване с молив и акварел. Добрите стари илюстрации на Дехтерев са цяла ера в историята на детската илюстрация, много илюстратори наричат Борис Александрович свой учител.

Дехтерев илюстрира детски приказки от Александър Сергеевич Пушкин, Василий Жуковски, Шарл Перо, Ханс Кристиан Андерсен. Както и произведения на други руски писатели и световни класици, като Михаил Лермонтов, Иван Тургенев, Уилям Шекспир.

Николай Александрович Устинов(1937, Москва), Дехтерев е негов учител и много съвременни илюстратори вече смятат Устинов за свой учител.

Николай Устинов - народен художник, илюстратор. Приказки с негови илюстрации са публикувани не само в Русия (СССР), но и в Япония, Германия, Корея и други страни. Илюстрирани са почти триста произведения известен художникза издателства: "Детска литература", "Хлапе", "Художник на РСФСР", издателства на Тула, Воронеж, Санкт Петербург и др. Работил е в сп. Мурзилка.
Илюстрациите на Устинов към руските народни приказки остават най-обичани за децата: Три мечки, Маша и мечката, Сестра лисичка, Принцеса жаба, Гъски лебеди и много други.

Юрий Алексеевич Васнецов(1900-1973, Вятка, Ленинград) - народен художник и илюстратор. Всички деца харесват снимките му за народни песнички, стихчета и вицове (Ладушки, Дъга-дъга). Илюстрира народни приказки, приказки на Лев Толстой, Пьотър Ершов, Самуил Маршак, Виталий Бианки и други класици на руската литература.

Когато купувате детски книги с илюстрации на Юрий Васнецов, уверете се, че рисунките са ясни и умерено ярки. Използване на името известен художник, в последните временачесто публикуват книги с размити сканирани рисунки или с повишена неестествена яркост и контраст, а това не е много добре за детските очи.

Леонид Викторович Владимирски(роден през 1920 г., Москва) - руски график и най-популярният илюстратор на книги за Пинокио на А. Н. Толстой и Изумрудения град на А. М. Волков, благодарение на които става широко известен в Русия и други страни бивш СССР. Рисувах с акварели. Именно илюстрациите на Владимирски мнозина признават за класически за творбите на Волков. Е, Пинокио във вида, в който е познат и обичан от няколко поколения деца, несъмнено е негова заслуга.

Виктор Александрович Чижиков(роден през 1935 г., Москва) - народен артист на Русия, автор на образа на мечешкото дете Мишка, талисманът на Летните олимпийски игри в Москва през 1980 г. Илюстраторът на сп. "Крокодил", "Забавни картинки", "Мурзилка", дълги години рисува за списание "Около света".
Чижиков илюстрира творбите на Сергей Михалков, Николай Носов (Витя Малеев в училище и у дома), Ирина Токмакова (Аля, Кляксич и буквата "А"), Александър Волков (Магьосникът изумрудения град), стихове на Андрей Усачев, Корней Чуковски и Агния Барто и други книги.

Честно казано, трябва да се отбележи, че илюстрациите на Чижиков са доста специфични и карикатурни. Затова не всички родители предпочитат да купуват книги с неговите илюстрации, ако има алтернатива. Например книгите "Магьосникът от изумрудения град" са предпочитани от мнозина с илюстрации. Леонид Владимирски.

Николай Ернестович Радлов(1889-1942, Санкт Петербург) - руски художник, изкуствовед, учител. Илюстратор на детски книги: Агния Барто, Самуил Маршак, Сергей Михалков, Александър Волков. Радлов рисува за деца с голямо удоволствие. Най-неговото известна книга- комикси за деца "Истории в картинки". Това е книга-албум със забавни истории за животни и птици. Изминаха години, но колекцията все още е много популярна. Истории в снимки бяха многократно препечатвани не само в Русия, но и в други страни. На международна конкуренциядетска книга в Америка през 1938 г., книгата печели втора награда.

Алексей Михайлович Лаптев(1905-1965, Москва) - график, книжен илюстратор, поет. Творбите на художника са в много регионални музеи, както и в частни колекции в Русия и чужбина. Илюстрирани „Приключенията на Незнайката и неговите приятели” от Николай Носов, „Басни” от Иван Крилов, сп. „Забавни картини”. Книгата с неговите стихотворения и картини "Пик, Пак, Пок" е много обичана от всяко поколение деца и родители (Бриф, алчна мечка, жребчета Черниш и Рижик, петдесет зайца и други)

Иван Яковлевич Билибин(1876-1942, Ленинград) - руски художник, книжен илюстратор и театрален дизайнер. Билибин илюстрира голям брой приказки, включително тези на Александър Сергеевич Пушкин. Разработи свой собствен стил - "Билибински" - графично представяне, като се вземат предвид традициите на староруския и фолклорно изкуство, внимателно изчертани и детайлно шарени контурен чертежоцветени с акварел. Стилът на Билибин стана популярен и започна да се имитира.

Приказки, епоси, образи древна Русияза мнозина той отдавна е неразривно свързан с илюстрациите на Билибин.

Владимир Михайлович Конашевич(1888-1963, Новочеркаск, Ленинград) - руски художник, график, илюстратор. Започнах да илюстрирам детски книги случайно. През 1918 г. дъщеря му е на три години. Конашевич й нарисува картинки за всяка буква от азбуката. Един от приятелите ми видя тези рисунки, харесаха му. Така беше отпечатана „Азбука в картини“ - първата книга на В. М. Конашевич. Оттогава художникът става илюстратор на детски книги.
От 30-те години на миналия век илюстрирането на детска литература се превръща в основен бизнес в живота му. Конашевич също илюстрира литература за възрастни, занимава се с рисуване, рисува картини в специфична техника, която харесва - мастило или акварел върху китайска хартия.

Основните произведения на Владимир Конашевич:
- илюстрация на приказки и песни на различни народи, някои от които са илюстрирани няколко пъти;
- приказки от G.Kh. Андерсен, братя Грим и Шарл Перо;
- "Старецът-годишният" от В. И. Дал;
- творби на Корней Чуковски и Самуил Маршак.
Последна работахудожникът илюстрира всички приказки на А. С. Пушкин.

Анатолий Михайлович Савченко(1924-2011, Новочеркаск, Москва) - карикатурист и илюстратор на детски книги. Анатолий Савченко беше художник-постановник на анимационните филми „Хлапе и Карлсън“ и „Карлсон се завърна“ и автор на илюстрации към книги на Астрид Линдгрен. Най-известните анимационни творби с негово пряко участие: Мойдодир, приключенията на Мурзилка, Петя и Червената шапчица, Вовка в далече, Лешникотрошачката, Муха-Цокотуха, Папагалът на Кеша и други.
Децата са запознати с илюстрациите на Савченко от книгите: „Прасенцето е обидено“ от Владимир Орлов, „Кузя Брауни“ от Татяна Александрова, „Приказки за най-малките“ от Генадий Циферов, „Малката Баба Яга“ от Прейслер Отфрид, както и книги с произведения, подобни на анимационни филми.

Олег Владимирович Василиев(роден през 1931 г., Москва). Негови творби са в колекциите на много художествени музеи в Русия и САЩ, вкл. в държавата Третяковска галерияв Москва. От 60-те години на миналия век, повече от тридесет години, той създава дизайн на детски книги в сътрудничество с Ерик Владимирович Булатов (роден през 1933 г., Свердловск, Москва).
Най-известни са илюстрациите на художниците към приказки от Шарл Перо и Ханс Андерсен, стихове на Валентин Берестов и приказки на Генадий Циферов.

Борис Аркадиевич Диодоров(роден 1934 г., Москва) - народен артист. Любима техника - цветен офорт. Автор на илюстрации към много руски произведения и чужди класики. Най-известните му илюстрации към приказките са:

- Ян Екхолм "Тута Карлсон Първият и единственият, Лудвиг Четиринадесети и други";
- Селма Лагерльоф "Удивителното пътуване на Нилс с диви гъски";
- Сергей Аксаков Аленото цвете»;
- Творбите на Ханс Кристиан Андерсен.

Диодоров е илюстрирал повече от 300 книги. Негови творби са публикувани в САЩ, Франция, Испания, Финландия, Япония, Южна Кореаи други страни. Работил е като главен художник на издателство "Детска литература".

Евгений Иванович Чарушин(1901-1965, Вятка, Ленинград) - график, скулптор, прозаик и детски писател-анималист. По принцип илюстрациите са изпълнени като свободна акварелна рисунка, с малко хумор. Децата го обичат, дори малките деца. Известен с илюстрациите на животни, които рисува за собствените си истории: „За Томка“, „Вълчишко и други“, „Никитка и приятелите му“ и много други. Илюстрира и други автори: Чуковски, Пришвин, Бианки. Най-известната книга с негови илюстрации е "Деца в клетка" от Самуил Яковлевич Маршак.

Евгений Михайлович Рачев(1906-1997, Томск) - художник на животни, график, илюстратор. Илюстрира предимно руски народни приказки, басни и приказки на класиците на руската литература. Той илюстрира главно произведения, в които главните герои са животни: руски приказки за животни, басни.

Иван Максимович Семьонов(1906-1982, Ростов на Дон, Москва) - народен художник, график, карикатурист. Семенов работеше във вестниците " TVNZ”, „Пионерская правда”, списанията „Промяна”, „Крокодил” и др. През далечната 1956 г. по негова инициатива е създадено първото хумористично списание за малки деца в СССР „Забавни картинки“.
Най-известните му илюстрации са към разказите на Николай Носов за Коля и Мишка (Мечтатели, Жива шапка и др.) и рисунките „Бобик на гости на Барбос“.

Имената на някои други известни съвременни руски илюстратори на детски книги:

- Вячеслав Михайлович Назарук(роден през 1941 г., Москва) – дизайнер на десетки анимационни филми: Малка миеща мечка, Приключенията на котарака Леополд, Мама за мамут, Бажовите приказки и илюстратор на едноименни книги.

- Надежда Бугославская(авторът на статията не намери биографична информация) - автор на добри красиви илюстрации за много детски книги: Стихове и песни на майката гъска, стихове на Борис Заходер, произведения на Сергей Михалков, произведения на Даниил Хармс, разкази на Михаил Зощенко , "Пипи Дългото чорапче" от Астрид Линдгрен и др.

- Игор Егунов (авторът на статията не намери биографична информация) - съвременен художник, автор на ярки, добре нарисувани илюстрации към книги: "Приключенията на барон Мюнхаузен" от Рудолф Распе, "Малкият гърбав кон" от Пьотър Ершов, приказки на братя Грим и Хофман, приказки за руски герои

- Евгений Антоненков(роден през 1956 г., Москва) - илюстратор, любима техника е акварел, писалка и хартия, смесена техника. Илюстрациите са модерни, необичайни, изпъкват сред останалите. Някои ги гледат с безразличие, други се влюбват в забавни картинки от пръв поглед.
Най-известните илюстрации: за приказките за Мечо Пух (Алан Александър Милн), "Руски детски приказки", стихотворения и приказки от Самуил Маршак, Корни Чуковски, Джани Родари, Юна Мориц. Глупав кон от Владимир Левин (английски стари народни балади), илюстриран от Антоненков, е една от най-популярните книги за изминалата 2011 г.
Евгений Антоненков си сътрудничи с издателства в Германия, Франция, Белгия, САЩ, Корея, Япония, редовен участник в престижни международни изложби, лауреат на конкурса " Бяла врана(Болоня, 2004), носител на диплома „Книга на годината“ (2008).

- Игор Юлиевич Олейников (роден през 1953 г., Москва) - аниматор, основно работи в рисувана анимация, илюстратор на книги. Изненадващо, такъв талантлив съвременен художник няма специално художествено образование.
В анимацията Игор Олейников е известен със своите филми: „Тайната на третата планета“, „Приказката за цар Салтан“, „Шерлок Холмс и аз“ и др. Работил с детски списания "Трамвай", "Улица Сезам" Лека нощ, деца! и други.
Игор Олейников си сътрудничи с издателства в Канада, САЩ, Белгия, Швейцария, Италия, Корея, Тайван и Япония, участва в престижни международни изложби.
Най-известните илюстрации на художника за книги: "Хобитът, или там и обратно" от Джон Толкин, "Приключенията на барон Мюнхаузен" от Ерих Распе, "Приключенията на Десперо Маус" от Кейт ДиКамило, "Питър Пан" от Джеймс Бари. Най-новите книгис илюстрации на Олейников: стихове на Даниил Хармс, Йосиф Бродски, Андрей Усачев.
А мНаистина не исках да ви запознавам с илюстратори, да си спомня детството ни с вас и да го препоръчам на млади родители.

(текст) Анна Агрова

Ще се интересувате още от:

Е. М. Рачев. Илюстрации към руски приказки

Смели котки. Художник Александър Завалий

Художник Варвара Болдина

Художественото наследство на майстора не се ограничава до книжна графика. А. Ф. Пахомов - автор на монументални картини, картини, станкова графика: рисунки, акварели, множество щампи, включително вълнуващи листове от поредицата "Ленинград в дните на блокадата". Въпреки това се случи така, че в литературата за художника имаше неточна представа за истински мащаби продължителността на дейността му. Понякога отразяването на творчеството му започва едва с творбите от средата на 30-те години, а понякога дори по-късно - с поредица от литографии от военните години. Такъв ограничен подход не само стеснява и ограничава идеята за оригиналното и жизнено наследство на А. Ф. Пахомов, създадено в продължение на половин век, но и обеднява съветското изкуство като цяло.

Необходимостта от изучаване на работата на А. Ф. Пахомов е отдавна назряла. Първата монография за него се появява в средата на 30-те години на миналия век. Естествено в него бяха разгледани само част от произведенията. Въпреки това и някои ограничения в разбирането на традициите, присъщи на това време, работата на първия биограф В. П. Аникиева запазва своята стойност от фактическа страна, а също и (с необходимите корекции) концептуално. В есетата за художника, публикувани през 50-те години на миналия век, обхватът на материала от 20-те и 30-те години на миналия век се оказва по-тесен, а обхващането на творчеството от следващите периоди е по-селективно. Днес описателната и оценъчната страна на произведенията за А. Ф. Пахомов, отдалечени от нас две десетилетия, изглежда са загубили своята достоверност в много отношения.

През 60-те години А. Ф. Пахомов написва оригиналната книга „За работата си“. Книгата ясно показа погрешността на редица общи идеи за работата му. Мислите на художника за времето и изкуството, изразени в това произведение, както и обширният материал от записите на разговори с Алексей Федорович Пахомов, направени от автора на тези редове, помогнаха за създаването на монографията, предложена на читателите.

А. Ф. Пахомов притежава изключително голям брой картини и рисунки. Без да претендира, че ги обхваща изчерпателно, авторът на монографията смята за своя задача да даде представа за основните аспекти творческа дейностмайстори, за нейното богатство и оригиналност, за учители и колеги, допринесли за формирането на изкуството на А. Ф. Пахомов. Гражданството, дълбоката жизненост, реализмът, характерни за творбите на художника, позволиха да се покаже развитието на неговото творчество в постоянна и тясна връзка с живота на съветския народ.

Като един от най-големите майстори на съветското изкуство, А. Ф. Пахомов пренася своята пламенна любов към родината, към нейния народ през целия си дълъг живот и кариера. Високият хуманизъм, правдивост, образното богатство правят творбите му толкова прочувствени, искрени, изпълнени с топлина и оптимизъм.

Във Вологодска област, близо до град Кадников, на брега на река Кубена, се намира село Варламов. Там на 19 септември (2 октомври) 1900 г. се ражда момче от селянка Ефимия Петровна Пахомова, която носи името Алексей. Баща му, Фьодор Дмитриевич, произхожда от "специфични" фермери, които не познават ужасите на крепостното право в миналото. Това обстоятелство играе важна роля в начина на живот и преобладаващите черти на характера, развива способността да се държи просто, спокойно, с достойнство. Тук се коренят и чертите на особения оптимизъм, широта на възгледите, духовна директност и отзивчивост. Алексей е възпитан в работна среда. Те живееха зле. Както в цялото село, нямаше достатъчно собствен хляб до пролетта, трябваше да го купуват. Изисквал се е допълнителен доход, който се извършвал от пълнолетни членове на семейството. Един от братята беше каменоделец. Много от селяните са били дърводелци. И все пак ранното време на живота беше запомнено от младия Алексей като най-радостното. След две години обучение в енорийско училище, а след това още две години в земско училище в съседно село, той е изпратен „на държавна сметка и на държавна храна“ във висше основно училище в град Кадников. Времето на занятията там остана в паметта на А. Ф. Пахомов като много трудно и гладно. „Оттогава безгрижното ми детство в бащината къща, - каза той, - завинаги започна да ми се струва най-щастливото и поетично време и това опоетизиране на детството по-късно се превърна в основен мотив в творчеството ми. Художествените способности на Алексей се проявиха рано, въпреки че там, където той живееше, нямаше условия за тяхното развитие. Но дори и при отсъствието на учители, момчето постигна определени резултати. Съседният земевладелец В. Зубов обърна внимание на таланта му и подари на Альоша моливи, хартия и репродукции от картини на руски художници. Ранните рисунки на Пахомов, оцелели и до днес, разкриват това, което по-късно, обогатено с професионално умение, ще стане характерно за творчеството му. Малкият художник беше очарован от образа на човек и преди всичко на дете. Рисува братя, сестри, квартални деца. Интересно е, че ритъмът на линиите на тези безхитростни портрети с молив отразява рисунките на зрелите му пори.

През 1915 г., когато завършва училището на град Кадников, по предложение на окръжния маршал на благородството Ю. Зубов, местните любители на изкуството обявяват подписка и изпращат Пахомов в Петроград в училището на А. Л. Щиглиц с събрани пари. С революцията промените дойдоха и в живота на Алексей Пахомов. Под влияние на нови учители, появили се в училището - Н. А. Тирса, М. В. Добужински, С. В. Чехонин, В. И. Шухаев - той се стреми да разбере по-добре задачите на изкуството. Кратко обучение под ръководството на велик майстор на рисуването Шухаев му даде много стойност. Тези уроци положиха основата за разбиране на структурата човешкото тяло. Той се стреми към задълбочено изучаване на анатомията. Пахомов беше убеден в необходимостта да не се копира средата, а да се представя смислено. Когато рисува, той свикна да не зависи от условията на светлина и сянка, а сякаш да „осветява“ природата със собственото си око, оставяйки светли близки части от обема и затъмнявайки тези, които са по-далечни. „Вярно е“, отбеляза художникът в същото време, „не станах верен шухаевец, тоест не започнах да рисувам със сангвиник, размазвайки го с еластична лента, така че човешкото тяло да изглежда грандиозно“. Пахомов призна, че уроците на най-изтъкнатите художници на книгата Добужински и Чехонин са били полезни. Той особено запомни съвета на последния: да се постигне способност да се изписват шрифтове върху корицата на книгата веднага с четка, без предварително намазване с молив, „като адрес върху плик“. Според художника, такова развитие на необходимото око впоследствие е помогнало в скици от природата, където той може, като се започне с някои детайли, да постави всичко, изобразено на листа.

През 1918 г., когато става невъзможно да се живее в студен и гладен Петроград без постоянен доход, Пахомов заминава за родината си, като става учител по рисуване в училище в Кадниково. Тези месеци бяха от голяма полза за завършването на образованието му. След уроци в класовете от първи и втори етап четеше ненаситно, стига осветлението да позволяваше и очите му не се уморяват. „През цялото време, когато бях във възбудено състояние, бях обзет от треска на знанието. Целият свят се отвори пред мен, което, оказва се, почти не съм познавал - спомня си този път Пахомов. - февруари и октомврийска революцияПриех с радост, както повечето хора около мен, но едва сега, четейки книги по социология, политическа икономия, исторически материализъм, история, започнах истински да разбирам същността на събитията, които се случиха.

Пред младежа се разкриха съкровищата на науката и литературата; съвсем естествено беше намерението му да продължи прекъснатото си обучение в Петроград. В позната сграда в Солт Лейн той започва да учи при Н. А. Тирса, който тогава е комисар на бившето училище на Стиглиц. „Ние, учениците на Николай Андреевич, бяхме много изненадани от неговия костюм“, каза Пахомов. - Комисарите от онези години носеха кожени каскети и якета с колан и револвер в кобур, а Тирса ходеше с бастун и с шапка. Но разговорите му за изкуството бяха слушани със затаен дъх. Ръководителят на работилницата остроумно опроверга остарелите възгледи за живописта, запозна учениците с постиженията на импресионистите, с опита на постимпресионизма, ненатрапчиво обърна внимание на търсенията, които се виждат в произведенията на Ван Гог и особено на Сезан. Тирса не предложи ясна програма за бъдещето на изкуството; той изискваше спонтанност от тези, които работеха в неговата работилница: пишете, както чувствате. През 1919 г. Пахомов е призован в Червената армия. Той отблизо познаваше непознатата преди това военна среда, наистина разбираше народен характерармия на страната на Съветите, което по-късно повлия на интерпретацията на тази тема в работата му. През пролетта на следващата година Пахомов, демобилизиран след заболяване, пристига в Петроград и се премества от работилницата на Н. А. Тирса при В. В. Лебедев, решавайки да добие представа за принципите на кубизма, които са отразени в редица произведения на Лебедев и неговите ученици. От произведенията на Пахомов, направени по това време, е оцеляло малко. Такъв например е "Натюрморт" (1921), който се отличава с тънко усещане за текстура. В него се вижда наученото от Лебедев желание да се постигне „направеност“ в творбите, да се търси не повърхностна завършеност, а конструктивна изобразителна организация на платното, като не се забравят пластичните качества на изобразеното.

Идеята за новото голямо произведение на Пахомов - картината "Косване на сено" - възниква в родното му село Варламов. Там се събра материал за него. Художникът изобразява не обикновена ежедневна сцена при коситбата, а помощта на млади селяни на съседите. Въпреки че тогава преходът към колективен, колективен труд беше въпрос на бъдещето, самото събитие, показващо ентусиазма на младостта и ентусиазма за работа, вече беше в известен смисъл сродно на новите тенденции. Етюди и скици на фигури на косачки, фрагменти от пейзажа: треви, храсти, стърнища свидетелстват за удивителната последователност и сериозност на художествената концепция, където смелите текстурни търсения се съчетават с решаването на пластични проблеми. Способността на Пахомов да улавя ритъма на движенията допринесе за динамизма на композицията. За тази картина художникът отиде няколко години и завърши много подготвителни работи. В редица от тях той развива сюжети, близки до или съпътстващи основната тема.

Рисунката „Убиване на ятаганите” (1924) показва двама млади селяни на работа. Те са скицирани от Пахомов от природата. След това той премина през този лист с четка, обобщавайки образа, без да наблюдава своите модели. Добрите пластични качества, съчетани с предаването на силно движение и общата живописност на използването на мастило, са видими в по-ранната творба от 1923 г. „Две косачки“. С дълбока правдивост и може да се каже, строгостта на рисунката, тук художникът се интересуваше от редуването на равнината и обема. Листът е умело използван мастило. Пейзажната околност е загатната. Текстурата на окосената и стояща трева е осезаема, което внася ритмично разнообразие в рисунката.

Сред немалкия брой разработки в колорита на сюжета „Сенокос” трябва да се отбележи акварелът „Косач в розова риза”. В него освен живописни измивания с четка е използвано и надраскване върху мокър слой боя, което придава особена острота на изображението и е въведено в картината в различна техника (при маслена живопис). Пъстър голям лист "Сенокос", боядисан с акварел. В него сцената сякаш е видяна от висока гледна точка. Това даде възможност да се покажат всички фигури на косачките, които вървят в редица, и да се постигне специална динамика в предаването на техните движения, което се улеснява от подреждането на фигурите по диагонал. След като оцени тази техника, художникът построи картината по същия начин и след това не я забрави в бъдеще. Пахомов постигна живописността на общата гама и предаде впечатлението за пронизана сутрешна мъгла слънчева светлина. Същата тема е решена по различен начин в маслената картина „На коситбата”, изобразяваща работещи косачки и кон, пасящ встрани близо до каруцата. Пейзажът тук е различен, отколкото в други скици, варианти и в самата картина. Вместо поле има бряг на бърза река, която се подчертава от струите на течението и лодка с гребец. Цветът на пейзажа е изразителен, изграден върху различни студени зелени тонове, като на преден план са въведени само по-топли нюанси. Открит е известен декоративен ефект в съчетаването на фигури с околната среда, което подсилва цялостното цветово звучене.

Една от картините на Пахомов върху спорта през 20-те години на миналия век е момчета, пързалящи се с кънки. Художникът изгради композицията върху образа на най-дългия момент на движение и следователно най-плодотворния, давайки представа за това какво е изминало и какво ще бъде. За разлика от тях, в далечината е показана друга фигура, която въвежда ритмично разнообразие и завършва композиционната идея. На тази снимка, наред с интереса към спорта, може да се види призива на Пахомов към най-важната тема за неговото творчество - живота на децата. Преди това тази тенденция беше отразена в графиката на художника. Започвайки от средата на 20-те години, дълбокото разбиране на Пахомов и създаване на образи на децата от Страната на Съветите е изключителен принос на Пахомов към изкуството. Изучавайки големи изобразителни и пластични проблеми, художникът ги решава и в творби по тази нова важна тема. На изложбата от 1927 г. е показано платното „Селянка”, което, макар и да има нещо общо с портретите, разгледани по-горе, също представлява самостоятелен интерес. Вниманието на художника беше насочено към изображението на главата и ръцете на момичето, нарисувани с голямо пластично усещане. Типът на младото лице е уловен по оригинален начин. Близо до това платно по непосредственост на усещането е „Момиче зад косата”, изложено за първи път през 1929 г. Той се различава от изображението на гръдния кош от 1927 г. с нова, по-детайлна композиция, включваща почти цялата фигура в пълен ръст, предадена в по-сложно движение. Художникът показа спокойна поза на момиче, което оправя косата си и се оглежда в малко огледало, лежащо на коляното й. Звуковите комбинации от златно лице и ръце, синя рокля и червена пейка, алеен пуловер и охро-зеленикави стени на хижата допринасят за емоционалността на образа. Пахомов изтънчено улови наивния израз бебешко лице, докосваща поза. Ярки, необичайни образи спряха публиката. И двете произведения бяха част от чуждестранни изложби на съветско изкуство.

През цялата си половинвековна творческа дейност А. Ф. Пахомов е в тясна връзка с живота на съветската страна и това насища творбите му с вдъхновена убеденост и силата на жизнената истина. Художествената му личност се развива рано. Запознаването с творчеството му показва, че още през 20-те години то се отличава с дълбочина и задълбоченост, обогатена от опита на изучаването на световната култура. В неговото формиране ролята на изкуството на Джото и Проторенесанса е очевидна, но влиянието на древноруската живопис е не по-малко дълбоко. А. Ф. Пахомов принадлежеше към броя на майсторите, които иновативно подходиха към богатото класическо наследство. Неговите творби се отличават с модерно усещане при решаване както на изобразителни, така и на графични задачи.

Усвояването на нови теми от Пахомов в платната „1905 г. на село“, „Ездачи“, „Спартаковка“, в цикъл от картини за деца е важно за развитието на съветското изкуство. Художникът изигра важна роля в създаването на образа на съвременник, неговата поредица от портрети е ясно доказателство за това. За първи път той въведе в изкуството такива ярки и житейски образимлади граждани на страната на Съветите. Тази страна на таланта му е изключително ценна. Неговите творби обогатяват и разширяват представите за историята на руската живопис. От 20-те години големи музеистрани придобиват платната на Пахомов. Неговите творби са получили международна известност на големи изложби в Европа, Америка, Азия.

А. Ф. Пахомов е вдъхновен от социалистическата реалност. Вниманието му беше привлечено от тестването на турбини, работата на тъкачни мелници и новите неща в живота. селско стопанство. Неговите творби разкриват теми, свързани с колективизацията, и въвеждането на техника в полето, и използването на комбайни, и работата на трактори през нощта, и живота на армията и флота. Подчертаваме особената стойност на тези постижения на Пахомов, защото всичко това е показано от художника още през 20-те и началото на 30-те години. Неговата картина „Пионери при сеяча“, поредицата за комуната „Сеячът“ и портретите от „Красиви мечове“ са сред най-задълбочените творби на нашите художници за промените в провинцията, за колективизацията.

Произведенията на А. Ф. Пахомов се отличават със своите монументални решения. В ранната съветска стенна живопис творбите на художника са сред най-ярките и интересни. В картоните на Червената клетва, в картините и скиците на хорото на децата на всички народи, в картините за жътварите, както и в най-добрите картини на Пахомов изобщо, има осезаема връзка с великите традиции на древния народ. наследство, което е част от съкровищницата на световното изкуство. Дълбоко оригинална е колористичната, фигуративната страна на стенописите, картините, портретите, както и стативната и книжната графика. Блестящите успехи на пленерната живопис демонстрира поредицата "На слънцето" - своеобразен химн на младостта на Страната на Съветите. Тук, в изобразяването на голото тяло, художникът действа като един от големите майстори, допринесли за развитието на този жанр в съветската живопис. Цветните търсения на Пахомов бяха съчетани с решаването на сериозни проблеми с пластмасата.

Трябва да се каже, че в лицето на А. Ф. Пахомов изкуството имаше един от най-големите чертожници на нашето време. Майсторски притежаван различни материали. Работи с мастило и акварел, писалка и четка една до друга с брилянтни рисунки с графитен молив. Неговите постижения надхвърлят домашно изкуствои се превърне в едно от изключителните творения на световната графика. Не е трудно да се намерят примери за това в поредица от рисунки, направени у дома през 20-те години на миналия век, и сред листове, направени през следващото десетилетие при пътувания из страната и в цикли за пионерски лагери.

Приносът на А. Ф. Пахомов към графиката е огромен. Неговите стативи и книжни произведения, посветени на децата, са сред изключителните успехи в тази област. Един от основателите на съветската илюстрирана литература, той въвежда в нея дълбок и индивидуализиран образ на детето. Неговите рисунки завладяха читателите с жизненост и изразителност. Без поучения, ярко и ясно, художникът предаваше мисли на децата, възбуждаше техните чувства. И важни теми от образованието и училищния живот! Никой от художниците не ги разреши толкова дълбоко и правдиво, колкото Пахомов. За първи път по такъв образен и реалистичен начин той илюстрира стихотворенията на В. В. Маяковски. Художествено откритие са неговите рисунки към творбите на Лев Толстой за деца. Разгледаният графичен материал ясно показа, че работата на Пахомов, илюстратор на съвременни и класическа литература, погрешно е да се ограничава само до зоната на детска книга. Отличните рисунки на художника за произведенията на Пушкин, Некрасов, Зошченко свидетелстват за големия успех на руската графика през 30-те години на миналия век. Творбите му допринасят за утвърждаването на метода на социалистическия реализъм.

Изкуството на А. Ф. Пахомов се отличава с гражданство, модерност и уместност. По време на най-трудните изпитания на блокадата на Ленинград художникът не прекъсва работата си. Заедно с майсторите на изкуството на града на Нева, той, както някога в младостта си в гражданската война, работи по задачи от фронта. Серията литографии на Пахомов „Ленинград в дните на обсадата“, едно от най-значимите произведения на изкуството от военните години, разкрива несравнимата доблест и смелост на съветския народ.

Авторът на стотици литографии, А. Ф. Пахомов, трябва да бъде посочен сред онези ентусиазирани художници, които са допринесли за развитието и разпространението на този вид печатна графика. Възможността за привличане на широк кръг зрители, масовият характер на адреса на тиражния печат привлече вниманието му.

Неговите творби се отличават с класическа яснота и сбитост на визуалните средства. Образът на човек е неговата основна цел. Изключително важна страна в творчеството на художника, която го свързва с класическите традиции, е стремежът към пластична изразителност, който ясно се вижда в неговите картини, рисунки, илюстрации, щампи, чак до най-новите му творби. Той правеше това постоянно и последователно.

А. Ф. Пахомов е „дълбоко оригинален, велик руски художник, който е напълно потопен в отражението на живота на своя народ, но в същото време е погълнал постиженията на световното изкуство. Творчеството на А. Ф. Пахомов, художник и график, е значителен принос за развитието на съветската художествена култура. /СРЕЩУ. Матафонов/

____________________________________________________________________________________________________________

ВЛАДИМИР ВАСИЛИЕВИЧ ЛЕБЕДЕВ

14 (26).05.1891, Санкт Петербург - 21.11.1967, Ленинград

Народен артист на РСФСР. Член-кореспондент на Художествената академия на СССР

Работи в Санкт Петербург в работилницата на Ф. А. Рубо и посещава школата по рисунка, живопис и скулптура на М. Д. Бернщайн и Л. В. Шерууд (1910-1914), учи в Санкт Петербург в Художествената академия (1912-1914). Член на дружеството на четирите изкуства. Сътрудничи в списанията "Сатирикон", "Нов сатирикон". Един от организаторите Windows ROSTA" в Петроград.

През 1928 г. в Руския музей в Ленинград а персонална изложбаВладимир Василиевич Лебедев - един от брилянтните графици от 20-те години на миналия век. След това той беше сниман на фона на неговите творби. Безупречна бяла яка и вратовръзка, шапка, спусната над веждите, сериозно и леко арогантно изражение на лицето, коректен поглед и не позволяващ да се приближиш, а в същото време якето му е свалено и ръкавите на ризата му, навити над лактите, разкриват големи мускулести ръце с четки "умни" и "нервни". Всичко заедно оставя впечатление за хладнокръвие, готовност за работа и най-важното – отговаря на естеството на графиката, показана на изложбата, вътрешно напрегната, почти хазартна, понякога иронична и сякаш облечена в броня на леко охлаждаща графична техника. Художникът навлезе в следреволюционната епоха с плакати за прозорците на ROSTA. Както и в създадените по същото време (1920 г.) "Гладячи", те имитират стила на цветен колаж. В плакатите обаче тази техника, идваща от кубизма, придоби напълно ново значение, изразявайки се с лапидарността на знака и патоса на защитата на революцията (" На стража за октомври ", 1920) и волята за динамична работа ("Демонстрация", 1920). Един от плакатите ("Демонстрация", 1920).Трябва да се работи - наблизо е пушка", 1921 г.) изобразява работник с трион и в същото време самият той се възприема като един вид здраво съборен предмет. Оранжевите, жълтите и сините ивици, съставляващи фигурата, са изключително силно свързани с печатни букви, които, за разлика от кубистичните надписи имат специфично семантично значение.колко изразително е диагоналът, образуван от думата "работа", острието на триона и думата "трябва", и острата дъга на думите "пушка наблизо" и линиите на раменете на работника се пресичат! за детските книги. В Ленинград се формира цяла тенденция в илюстрирането на детски книги през 20-те години. Заедно с Лебедев, В. Ермолаева, Н. Тирса , Н. Лапшин, а литературната част се оглавява от С. Маршак, който тогава е близък до групата на ленинградските поети - Е. Шварц, Н. Заболоцки, Д. Хармс, А. Введенски. В онези години се утвърждава един много специален образ на книгата, различен от този, култивиран през онези години от московскитеилюстрация с ръководител В. Фаворски. Докато в групата на московските дървосекачи или библиофили цареше почти романтично възприемане на книгата и самата работа по нея съдържаше нещо „тежко аскетично“, ленинградските илюстратори създадоха нещо като „книга с играчки“, дадоха я директно в ръцете на детето, за което е предназначено. Движението на въображението „в дълбините на културата” тук беше заменено от весела ефектност, когато цветна книга можеше да се върти в ръце или поне да пълзи около нея, лежаща на пода, заобиколена от играчки слончета и кубчета. И накрая, дърворезбите на Фаворски от „светая светих“ на Фаворски – гравитацията на черно-бели елементи на изображението в дълбочината или от дълбочината на листа – тук отстъпиха място на откровено плоски пръсти, когато рисунката се появи сякаш „под ръце на дете" от парчета хартия, подрязани с ножици. Известната корица на „Слончето“ от Р. Киплинг (1926) е образувана сякаш от купчина петна, произволно разпръснати по повърхността на хартията. Изглежда, че художникът (а може би дори и самото дете!) премести тези парчета върху хартията, докато се получи цялостна композиция, в която всичко „върви от колелото“ и където междувременно нищо не може да бъде преместено дори с милиметър: в в центъра - слонче с извит дълъг нос, около него - пирамиди и палми, отгоре - голям надпис "Слон", а отдолу претърпял пълно поражение крокодил.

Но още по-безразсъдно изпълнен с книга"Цирк"(1925) и "Как самолетът направи самолета", в който рисунките на Лебедев бяха придружени от стихове на С. Маршак. На спредове, изобразяващи ръкостискащи се клоуни или дебел клоун върху магаре, работата по изрязването и залепването на зелени, червени или черни парчета буквално „кипи“. Тук всичко е „отделно” – черни обувки или червени носове на клоуни, зелени панталони или жълта китара на дебел мъж с караси – но с какъв несравним блясък всичко това е свързано и „залепено”, проникнато с духа на живо и весела инициатива.

Всички тези картини на Лебедев, адресирани до обикновените детски читатели, сред които шедьоври като литографии за книгата "Ловът" (1925), бяха, от една страна, продукт на изтънчена графична култура, способна да задоволи и най-взискателното око, а от друга – изкуство, разкрито в живата реалност. Предреволюционната графика не само на Лебедев, но и на много други художници все още не е познавала толкова открит контакт с живота (въпреки факта, че Лебедев рисува за списание Satyricon през 1910-те) - тези "витамини" или, по-скоро онези „дрожди на жизнеността“, по които самата руска действителност „скита“ през 20-те години на миналия век. Ежедневните рисунки на Лебедев разкриваха този контакт с изключителна яснота, не толкова нахлувайки в живота, колкото илюстрациите или плакатите, а го пренасяйки в своята фигуративна сфера. В основата на това е остър алчен интерес към всичко ново. социални типове , която постоянно възникваше наоколо. Рисунките от 1922-1927 г. биха могли да се комбинират с името "Пано на революцията", с което Лебедев озаглави само една серия от 1922 г., която изобразява низ от фигури на следреволюционна улица, а думата "панел" показва, че това най-вероятно беше пяна, набита от търкалянето по тези улици от потока на събитията. Художникът рисува моряци с момичета на петроградските кръстовища, търговци със сергии или денди, облечени по модата на онези години, и особено непмени - тези комични и в същото време гротескни представители на новата „улична фауна“, които рисува с ентусиазъм в същите тези години и В. Конашевич и редица други майстори. Двамата непмени в рисунката „Двойката“ от поредицата „Нов живот“ (1924) можеха да минат за същите клоуни, които Лебедев изобразява скоро на страниците на „Цирк“, ако не и по-острото отношение на самия художник към тях. Отношението на Лебедев към такива герои не може да се нарече нито „заклеймяващо“, нито още повече „бичуване“. Преди тези рисунки на Лебедев неслучайно П. Федотов беше запомнен с неговите не по-малко характерни скици на улични типове от 19 век. Имаше се предвид онази жива неразделност на ироничното и поетическото начало, която беляза и двамата художници и която и в двамата съставяше особената привлекателност на образите. Може да се припомнят и съвременниците на Лебедев, писателите М. Зошченко и Ю. Олеша. Те имат същата неразделност на ирония и усмивки, присмех и възхищение. Очевидно Лебедев някак си е бил впечатлен от евтиния шик на походката на истински моряк („Момичето и морякът“) и провокативното нахално момиче, с одобрения ботуш върху кутията на чистачката („Момичето и чистачката на обувки“ ), дори нещо, което ме привлече. Бях привлечен и от онази зоологическа или чисто растителна невинност, с която като репей под ограда всички тези нови герои се катерят нагоре, демонстрирайки чудеса на адаптивност, като например да разговарят дами с кожи в магазин прозорец (Хора от обществото, 1926) или куп непмени на вечерната улица ("Непмени", 1926). По-специално поетичното начало в най-известната поредица на Лебедев "Любовта на пънкарите" (1926-1927) е поразително. Каква завладяваща жизненост диша във фигурата на мъж с отворена къса шуба на гърдите и момиче с боне с лък и крака във формата на бутилка, пъхнати във високи ботуши, седнали на пейка. Ако в сериала "Нов живот", може би, може да се говори и за сатира, то тук това е почти незабележимо. На снимката "Обрив, Семьоновна, поръсете, Семьоновна!" - височината на разходката. В центъра на чаршафа има гореща и млада танцуваща двойка и зрителят сякаш чува как дланите на ръцете му пръскат или ботушите на момчето се щракват в ритъма, той усеща змиевидната гъвкавост на голия му гръб, лекотата на движението на партньора си. От поредицата "Панел на революцията" до рисунките "Любовта на пънкарите", самият стил на Лебедев претърпя забележима еволюция. Фигурите на моряка и момичето в рисунката от 1922 г. все още са изградени от самостоятелни петна - петна от мастило с различна текстура, подобни на тези в The Ironers, но по-обобщени и закачливи. В „Нов живот“ тук бяха добавени стикери, които превръщат рисунката вече не в имитация на колаж, а в истински колаж. Изображението напълно доминираше в самолета, особено след като според самия Лебедев добрата рисунка трябва преди всичко да „стои добре на хартията“. Въпреки това в листовете от 1926-1927 г. хартиената плоскост все повече се заменя от изобразеното пространство с неговия светлинен и предметен фон. Пред нас вече не са петна, а постепенни градации на светлина и сянка. В същото време движението на рисунката не се състои в „изрязване и залепване“, както беше в „Неп“ и „Цирк“, а в плъзгане на мека четка или в преливане на черен акварел. До средата на 20-те години на миналия век много други чертожници също напредват по пътя към все по-свободна или живописна, както обикновено се нарича, рисунка. Имаше и Н. Купреянов със своите селски "стада", и Л. Бруни, и Н. Тирса. Рисунката вече не се ограничаваше до „взетия“ ефект, заострената хватка „на върха на писалката“ на всички нови характерни типове, но сякаш самият той беше въвлечен в живия поток на реалността с всичките й изменения и емоционалност. В средата на 20-те години на миналия век този освежаващ поток обхвана сферата не само на „уличните“, но и „домашните“ теми и дори такива традиционни слоеве на рисунка като рисуването в ателие от гола човешка фигура. И каква нова рисунка беше в цялата си атмосфера, особено ако я съпоставим с аскетично строгата рисунка от предреволюционното десетилетие. Ако сравним например отличните рисунки от голия модел на Н. Тирса от 1915 г. и рисунките на Лебедев от 1926-1927 г., човек ще бъде поразен от непосредствеността на чаршафите на Лебедев, силата на техните чувства.

Тази непосредственост на скиците на Лебедев от модела накара други историци на изкуството да припомнят техниките на импресионизма. Самият Лебедев се интересуваше дълбоко от импресионистите. В една от неговите най-добрите рисункив поредицата "Акробат" (1926) четка, наситена с черен акварел, сякаш сама по себе си създава енергичното движение на модела. Увереното движение на четката е достатъчно, за да остави художник настрана лява ръка, или едно плъзгащо се докосване, за да натиснете напред посоката на лакътя. В поредицата „Танцьор“ (1927), където светлинните контрасти са отслабени, елементите на движеща се светлина също предизвикват асоциации с импресионизма. „От пространството, наситено със светлина, – пише В. Петров, – като видение се появяват очертанията на танцуваща фигура”, тя „едва се очертава от леки размазващи се петна от черен акварел”, когато „формата се превръща в живописна маса и незабележимо се слива със светловъздушната среда.”

От само себе си се разбира, че този импресионизъм на Лебедев вече не е равен на класическия импресионизъм. Зад него винаги усещате „ученето на конструктивност“, наскоро завършено от майстора. И Лебедев, и самото ленинградско направление на рисуване останаха себе си, като не забравяха нито за миг нито конструираната равнина, нито изобразителната текстура. Всъщност, когато създава композиция от рисунки, художникът не възпроизвежда пространството с фигура, както направи Дега, а по-скоро тази една фигура, сякаш слива нейната форма с формата на рисунката. Едва забележимо отрязва горната част на главата и самия връх на стъпалото, поради което фигурата не лежи на пода, а по-скоро е "закачена" за долния и горния ръб на чаршафа. Художникът се стреми да доближи максимално „фигурния план“ и образната равнина. Следователно перленият щрих на мократа му четка принадлежи еднакво както на фигурата, така и на равнината. Тези изчезващи леки щрихи, които предават както самата фигура, така и топлината на затопления около тялото въздух, едновременно се възприемат като еднородна текстура на рисунката, асоциирана с щрихи на рисунки с китайски мастило и се появяват на око като най-деликатните "венчелистчета", фино загладени до повърхността на листа. Освен това в „Акробатите“ или „Танцьорите“ на Лебедев в края на краищата има същия хлад на уверен артистичен и леко отстранен подход към модела, който беше отбелязан от героите на сериалите „Нов живот“ и „Неп“. Във всички тези рисунки е силна обобщена класическа основа, която ги отличава толкова рязко от скиците на Дега с тяхната поезия на характерен или ежедневен живот. И така, в един от брилянтните чаршафи, където балерината е обърната с гръб към зрителя, с десния крак, поставен на пръст зад левия (1927), нейната фигура наподобява порцеланова фигуркас полусянка и светлина, плъзгаща се по повърхността. Според Н. Лунин художникът намира в балерината „съвършен и развит израз на човешкото тяло“. „Ето го – този тънък и пластичен организъм – той е развит, може би малко изкуствено, но е проверен и точен в движение, способен да „разказва за живота” повече от всеки друг, защото има най-малко безформен, ненаправен, несигурен шанс." Художникът наистина се интересуваше не от самия балет, а от най-изразителния начин на „разказване на живота“. В края на краищата, всеки от тези ЛИСТОВЕ е така да се каже, лирическо стихотворениепосветена на поетично ценното движение. Явно много му помогна балерината Н. Надеждина, която позира на майстора и в двата сериала, спирайки се в онези добре проучени от нея „пози”, в които най-впечатляващо се разкрива жизнената пластичност на тялото.

Вълнението на художника сякаш пробива художествената коректност на уверената изработка и след това неволно се предава на зрителя. В същата великолепна скица на балерина отзад зрителят наблюдава с ентусиазъм как виртуозна четка не само изобразява, но и създава фигура, моментално застинала на пръстите й. Краката й, изтеглени от две "венчелистчета на щрихи", лесно се издигат над опорната точка, по-високо - като изчезваща пенумбра - предпазливо разширяване на снежнобяла опаковка, дори по-високо - след няколко пропуски, придавайки на картината афористична краткост - необичайно чувствителна, или "много чуваща", танцьорка на гърба и не по-малко "чуваща" завъртане на малката й глава над широкия размах на раменете.

Когато Лебедев е сниман на изложбата през 1928 г., той сякаш има обещаващ път пред себе си. Няколко години упорита работа сякаш го издигнаха до самия връх. графично изкуство. В същото време и в детските книги от 20-те години на миналия век, и в „Танцьорите“ може би е достигната такава степен на пълно съвършенство, че от тези точки може би нямаше никакъв път за развитие. И наистина, рисунката на Лебедев и освен това изкуството на Лебедев достигнаха своя абсолютен връх тук. През следващите години художникът се занимава много активно с рисуване, много и дълги години илюстрира детски книги. И в същото време всичко, което е направил през 1930-1950-те години, вече не може да се сравнява с шедьоврите от 1922-1927 г. и, разбира се, майсторът не се опитва да повтори оставените си находки. Рисунките на Лебедев с женска фигура. Ако последвалата ера не можеше да се отдаде на упадъка в рисуването от гол модел, то беше само защото тя изобщо не се интересуваше от тези теми. Само за последните годинисякаш се планира повратна точка по отношение на тази най-поетична и най-творчески благородна сфера на рисунката и ако това е така, тогава В. Лебедев сред чертожниците от новото поколение може би е предопределен за нова нова слава.

Книгата за детето е път към опознаване на света. Изборът на книга за дете от родителите е решаваща част от неговото възпитание, тъй като детската книга поема важни познавателни, етични и естетически функции. Следователно художникът участва пряко във възпитанието на детето. Със своите илюстрации той развива естетическия вкус на детето, влияе върху формирането на неговия мироглед.

За да помогнете на родителите да изберат книга за детето си, а на илюстраторите да я създадат, ще помогнат следните 5 основни признака за добра илюстрация за малки деца.

1. Обектите, изобразени на илюстрацията, трябва да са изразителни и лесно разпознаваеми.Тук всички методи са добри. Например, преувеличаване на някои свойства на обекти, подчертаване на техните основни характеристики и опростяване на второстепенните.

Мечка, кафява мечка, кой е напред?

2. Героите трябва лесно да предават емоции. Израженията на лицето и позицията на тялото на героя трябва да бъдат добре изразени. Не използвайте сложни емоции: тъжни усмивкиили сълзи от щастие. Детето разбира само един вид сълзи - плачът на този, който се чувства зле. И този, който е щастлив, се усмихва.

Новогодишна книга с истории за зайци.

3. Цветът в детската илюстрация изпълнява важна информационна функция.Ярките, контрастни цветове създават емоционално настроение, а цветните акценти контролират вниманието на детето.

Котката в шапката. Теодор Гейзел

4. Характерите на героите се разкриват чрез техните фрази и действия.Детето възприема действия от картината, така че илюстрацията трябва да се стреми да „разкаже“ историята, без да придружава текста. Художник в детска книга не е просто илюстратор на сцена на разпространение на книга. Той става режисьор на цялата история, разказвач на историята.

SHH! ИМАМЕ ПЛАН. Крис Хотън

5. В една илюстрация всичко трябва да е логично и обмислено.В бързо развиващото се мислене на детето изграждането на ментални „причинно-следствени” връзки играе много важна роля. Ефектът трябва да направи всичко възможно да се свърже с причината чрез „защо?“ Важно е да запомните, че книгата е учебник за бебето, така че трябва да обърнете внимание на какво може да научи.

Видимо-Невидимо.

Английският илюстратор Мартин Солсбъри каза в едно от интервютата си: „... книгата с картинки служи като личен мобилен телефон художествена галерия, който можете да държите в ръцете си и да посещавате отново и отново.

Детето ще „препрочете” книгата стотици пъти. И по-късно, в зряла възраст, си спомнете какво сте чели като дете. Всичко, което той взема от книгата, на подсъзнателно ниво, ще повлияе на отношението му към света и другите. Затова моля родителите да внимават какво четат децата ви и да не пестят пари за хубави детски книжки.

Художественото наследство на майстора не се изчерпва само с книжната графика. А. Ф. Пахомов е автор на монументални стенописи, картини, станкова графика: рисунки, акварели, множество щампи, сред които са вълнуващите листове на Ленинград в дните на блокадната серия. Въпреки това се случи така, че в литературата за художника имаше неточна представа за истинския мащаб и времето на неговата дейност. Понякога отразяването на творчеството му започва едва с творбите от средата на 30-те години, а понякога дори по-късно - с поредица от литографии от военните години. Такъв ограничен подход не само стеснява и ограничава идеята за оригиналното и жизнено наследство на А. Ф. Пахомов, създадено в продължение на половин век, но и обеднява съветското изкуство като цяло.

А. Ф. Пахомов притежава изключително голям брой картини и рисунки. Без да се преструва, че ги обхваща изчерпателно, авторът на монографията смята за своя задача да даде представа за основните аспекти на творческата дейност на майстора, нейното богатство и оригиналност, учители и колеги, допринесли за развитието на изкуството на А. Ф. Пахомов. Гражданството, дълбоката жизненост, реализмът, характерни за творбите на художника, позволиха да се покаже развитието на неговото творчество в постоянна и тясна връзка с живота на съветския народ.

Във Вологодска област, близо до град Кадников, на брега на река Кубена, се намира село Варламов. Там на 19 септември (2 октомври) 1900 г. се ражда момче от селянка Ефимия Петровна Пахомова, която носи името Алексей. Баща му, Фьодор Дмитриевич, произхожда от "специфични" фермери, които не познават ужасите на крепостното право в миналото. Това обстоятелство играе важна роля в начина на живот и преобладаващите черти на характера, развива способността да се държи просто, спокойно, с достойнство. Тук се коренят и чертите на особения оптимизъм, широта на възгледите, духовна директност и отзивчивост. Алексей е възпитан в работна среда. Те живееха зле. Както в цялото село, нямаше достатъчно собствен хляб до пролетта, трябваше да го купуват. Изисквал се е допълнителен доход, който се извършвал от пълнолетни членове на семейството. Един от братята беше каменоделец. Много от селяните са били дърводелци. И все пак ранното време на живота беше запомнено от младия Алексей като най-радостното. След две години обучение в енорийско училище, а след това още две години в земско училище в съседно село, той е изпратен „на държавна сметка и на държавна храна“ във висше основно училище в град Кадников. Времето на занятията там остана в паметта на А. Ф. Пахомов като много трудно и гладно. „Оттогава безгрижното ми детство в бащиния дом – каза той – завинаги започна да ми се струва най-щастливото и поетично време и това опоетизиране на детството по-късно се превърна в основен мотив в творчеството ми. Художествените способности на Алексей се проявиха рано, въпреки че там, където той живееше, нямаше условия за тяхното развитие. Но дори и при отсъствието на учители, момчето постигна определени резултати. Съседният земевладелец В. Зубов обърна внимание на таланта му и подари на Альоша моливи, хартия и репродукции от картини на руски художници. Ранните рисунки на Пахомов, оцелели и до днес, разкриват това, което по-късно, обогатено с професионално умение, ще стане характерно за творчеството му. Малкият художник беше очарован от образа на човек и преди всичко на дете. Рисува братя, сестри, квартални деца. Интересно е, че ритъмът на линиите на тези безхитростни портрети с молив отразява рисунките на зрелите му пори.

През 1915 г., когато завършва училището на град Кадников, по предложение на окръжния маршал на благородството Ю. Зубов, местните любители на изкуството обявяват подписка и изпращат Пахомов в Петроград в училището на А. Л. Щиглиц с събрани пари. С революцията промените дойдоха и в живота на Алексей Пахомов. Под влияние на нови учители, появили се в училището - Н. А. Тирса, М. В. Добужински, С. В. Чехонин, В. И. Шухаев - той се стреми да разбере по-добре задачите на изкуството. Кратко обучение под ръководството на велик майстор на рисуването Шухаев му даде много стойност. Тези класове положиха основите за разбиране на структурата на човешкото тяло. Той се стреми към задълбочено изучаване на анатомията. Пахомов беше убеден в необходимостта да не се копира средата, а да се представя смислено. Когато рисува, той свикна да не зависи от условията на светлина и сянка, а сякаш да „осветява“ природата със собственото си око, оставяйки светли близки части от обема и затъмнявайки тези, които са по-далечни. „Вярно е“, отбеляза художникът в същото време, „не станах верен шухаевец, тоест не започнах да рисувам със сангвиник, размазвайки го с еластична лента, така че човешкото тяло да изглежда грандиозно“. Пахомов призна, че уроците на най-изтъкнатите художници на книгата Добужински и Чехонин са били полезни. Той особено запомни съвета на последния: да се постигне способност да се изписват шрифтове върху корицата на книгата веднага с четка, без предварително намазване с молив, „като адрес върху плик“. Според художника, такова развитие на необходимото око впоследствие е помогнало в скици от природата, където той може, като се започне с някои детайли, да постави всичко, изобразено на листа.

През 1918 г., когато става невъзможно да се живее в студен и гладен Петроград без постоянен доход, Пахомов заминава за родината си, като става учител по рисуване в училище в Кадниково. Тези месеци бяха от голяма полза за завършването на образованието му. След уроци в класовете от първи и втори етап четеше ненаситно, стига осветлението да позволяваше и очите му не се уморяват. „През цялото време, когато бях във възбудено състояние, бях обзет от треска на знанието. Целият свят се отвори пред мен, което, оказва се, почти не съм познавал - спомня си този път Пахомов. „Приех Февруарската и Октомврийската революция с радост, както повечето хора около мен, но едва сега, четейки книги по социология, политическа икономия, исторически материализъм, история, започнах наистина да разбирам същността на събитията.

Пред младежа се разкриха съкровищата на науката и литературата; съвсем естествено беше намерението му да продължи прекъснатото си обучение в Петроград. В позната сграда в Солт Лейн той започва да учи при Н. А. Тирса, който тогава е комисар на бившето училище на Стиглиц. „Ние, учениците на Николай Андреевич, бяхме много изненадани от неговия костюм“, каза Пахомов. - Комисарите от онези години носеха кожени каскети и якета с колан и револвер в кобур, а Тирса ходеше с бастун и с шапка. Но разговорите му за изкуството бяха слушани със затаен дъх. Ръководителят на работилницата остроумно опроверга остарелите възгледи за живописта, запозна учениците с постиженията на импресионистите, с опита на постимпресионизма, ненатрапчиво обърна внимание на търсенията, които се виждат в произведенията на Ван Гог и особено на Сезан. Тирса не предложи ясна програма за бъдещето на изкуството; той изискваше спонтанност от тези, които работеха в неговата работилница: пишете, както чувствате. През 1919 г. Пахомов е призован в Червената армия. Той отблизо разпозна непознатата по-рано военна среда, разбра наистина популярния характер на армията на Страната на Съветите, което по-късно повлия на интерпретацията на тази тема в работата му. През пролетта на следващата година Пахомов, демобилизиран след заболяване, пристига в Петроград и се премества от работилницата на Н. А. Тирса при В. В. Лебедев, решавайки да добие представа за принципите на кубизма, които са отразени в редица произведения на Лебедев и неговите ученици. От произведенията на Пахомов, направени по това време, е оцеляло малко. Такъв например е "Натюрморт" (1921), който се отличава с тънко усещане за текстура. В него се вижда наученото от Лебедев желание да се постигне „направеност“ в творбите, да се търси не повърхностна завършеност, а конструктивна изобразителна организация на платното, като не се забравят пластичните качества на изобразеното.

Сред немалкия брой разработки в колорита на сюжета „Сенокос” трябва да се отбележи акварелът „Косач в розова риза”. В него освен живописни измивания с четка е използвано и надраскване върху мокър слой боя, което придава особена острота на изображението и е въведено в картината в различна техника (при маслена живопис). Пъстър голям лист "Сенокос", боядисан с акварел. В него сцената сякаш е видяна от висока гледна точка. Това даде възможност да се покажат всички фигури на косачките, които вървят в редица, и да се постигне специална динамика в предаването на техните движения, което се улеснява от подреждането на фигурите по диагонал. След като оцени тази техника, художникът построи картината по същия начин и след това не я забрави в бъдеще. Пахомов постигна живописността на общата гама и предаде впечатлението за сутрешна мъгла, пронизана от слънчева светлина. Същата тема е решена по различен начин в маслената картина „На коситбата”, изобразяваща работещи косачки и кон, пасящ встрани близо до каруцата. Пейзажът тук е различен, отколкото в други скици, варианти и в самата картина. Вместо поле има бряг на бърза река, която се подчертава от струите на течението и лодка с гребец. Цветът на пейзажа е изразителен, изграден върху различни студени зелени тонове, като на преден план са въведени само по-топли нюанси. Открит е известен декоративен ефект в съчетаването на фигури с околната среда, което подсилва цялостното цветово звучене.

Една от картините на Пахомов върху спорта през 20-те години на миналия век е момчета, пързалящи се с кънки. Художникът изгради композицията върху образа на най-дългия момент на движение и следователно най-плодотворния, давайки представа за това какво е изминало и какво ще бъде. За разлика от тях, в далечината е показана друга фигура, която въвежда ритмично разнообразие и завършва композиционната идея. На тази снимка, наред с интереса към спорта, може да се види призива на Пахомов към най-важната тема за неговото творчество - живота на децата. Преди това тази тенденция беше отразена в графиката на художника. Започвайки от средата на 20-те години, дълбокото разбиране на Пахомов и създаване на образи на децата от Страната на Съветите е изключителен принос на Пахомов към изкуството. Изучавайки големи изобразителни и пластични проблеми, художникът ги решава и в творби по тази нова важна тема. На изложбата от 1927 г. е показано платното „Селянка”, което, макар и да има нещо общо с портретите, разгледани по-горе, също представлява самостоятелен интерес. Вниманието на художника беше насочено към изображението на главата и ръцете на момичето, нарисувани с голямо пластично усещане. Типът на младото лице е уловен по оригинален начин. Близо до това платно по непосредственост на усещането е „Момиче зад косата”, изложено за първи път през 1929 г. Той се различава от изображението на гръдния кош от 1927 г. с нова, по-детайлна композиция, включваща почти цялата фигура в пълен ръст, предадена в по-сложно движение. Художникът показа спокойна поза на момиче, което оправя косата си и се оглежда в малко огледало, лежащо на коляното й. Звуковите комбинации от златно лице и ръце, синя рокля и червена пейка, алеен пуловер и охро-зеленикави стени на хижата допринасят за емоционалността на образа. Пахомов улови изтънченото изражение на детското лице, трогателната поза. Ярки, необичайни образи спряха публиката. И двете произведения бяха част от чуждестранни изложби на съветско изкуство.

Усвояването на нови теми от Пахомов в платната „1905 г. на село“, „Ездачи“, „Спартаковка“, в цикъл от картини за деца е важно за развитието на съветското изкуство. Художникът изигра важна роля в създаването на образа на съвременник, неговата поредица от портрети е ясно доказателство за това. За първи път той въведе толкова ярки и жизнени образи на млади граждани на страната на Съветите в изкуството. Тази страна на таланта му е изключително ценна. Неговите творби обогатяват и разширяват представите за историята на руската живопис. От 20-те години на миналия век най-големите музеи в страната придобиват картините на Пахомов. Неговите творби са получили международна известност на големи изложби в Европа, Америка, Азия.

А. Ф. Пахомов е вдъхновен от социалистическата реалност. Вниманието му беше привлечено от изпитанията на турбините, работата на тъкачни фабрики и новото в живота на селското стопанство. Неговите творби разкриват теми, свързани с колективизацията, и въвеждането на техника в полето, и използването на комбайни, и работата на трактори през нощта, и живота на армията и флота. Подчертаваме особената стойност на тези постижения на Пахомов, защото всичко това е показано от художника още през 20-те и началото на 30-те години. Неговата картина „Пионери при сеяча“, поредицата за комуната „Сеячът“ и портретите от „Красиви мечове“ са сред най-задълбочените творби на нашите художници за промените в провинцията, за колективизацията.

Трябва да се каже, че в лицето на А. Ф. Пахомов изкуството имаше един от най-големите чертожници на нашето време. Майсторът майсторски владееше различни материали. Работи с мастило и акварел, писалка и четка една до друга с брилянтни рисунки с графитен молив. Неговите постижения надхвърлят границите на домашното изкуство и се превръщат в едно от изключителните творения на световната графика. Не е трудно да се намерят примери за това в поредица от рисунки, направени у дома през 20-те години на миналия век, и сред листове, направени през следващото десетилетие при пътувания из страната и в цикли за пионерски лагери.

Приносът на А. Ф. Пахомов към графиката е огромен. Неговите стативи и книжни произведения, посветени на децата, са сред изключителните успехи в тази област. Един от основателите на съветската илюстрирана литература, той въвежда в нея дълбок и индивидуализиран образ на детето. Неговите рисунки завладяха читателите с жизненост и изразителност. Без поучения, ярко и ясно, художникът предаваше мисли на децата, възбуждаше техните чувства. И важни теми от образованието и училищния живот! Никой от художниците не ги разреши толкова дълбоко и правдиво, колкото Пахомов. За първи път по такъв образен и реалистичен начин той илюстрира стихотворенията на В. В. Маяковски. Художествено откритие са неговите рисунки към творбите на Лев Толстой за деца. Разгледаният графичен материал ясно показа, че творчеството на Пахомов, илюстратор на съвременна и класическа литература, неоправдано е ограничено до областта на детските книги. Отличните рисунки на художника за произведенията на Пушкин, Некрасов, Зошченко свидетелстват за големия успех на руската графика през 30-те години на миналия век. Творбите му допринасят за утвърждаването на метода на социалистическия реализъм.

____________________________________________________________________________________________________________

ВЛАДИМИР ВАСИЛИЕВИЧ ЛЕБЕДЕВ

14 (26).05.1891, Санкт Петербург - 21.11.1967, Ленинград

Народен артист на РСФСР. Член-кореспондент на Художествената академия на СССР

Работи в Санкт Петербург в работилницата на Ф. А. Рубо и посещава школата по рисунка, живопис и скулптура на М. Д. Бернщайн и Л. В. Шерууд (1910-1914), учи в Санкт Петербург в Художествената академия (1912-1914). Член на дружеството на четирите изкуства. Сътрудничи в списанията "Сатирикон", "Нов сатирикон". Един от организаторите Windows ROSTA" в Петроград.

През 1928 г. в Руския музей в Ленинград е подредена персонална изложба на Владимир Василиевич Лебедев, един от брилянтните графици от 20-те години на миналия век. След това той беше сниман на фона на неговите творби. Безупречна бяла яка и вратовръзка, шапка, спусната над веждите, сериозно и леко арогантно изражение на лицето, коректен поглед и не позволяващ да се приближиш, а в същото време якето му е свалено и ръкавите на ризата му, навити над лактите, разкриват големи мускулести ръце с четки "умни" и "нервни". Всичко заедно оставя впечатление за хладнокръвие, готовност за работа и най-важното – отговаря на естеството на графиката, показана на изложбата, вътрешно напрегната, почти хазартна, понякога иронична и сякаш облечена в броня на леко охлаждаща графична техника. Художникът навлезе в следреволюционната епоха с плакати за прозорците на ROSTA. Както и в създадените по същото време (1920 г.) "Гладячи", те имитират стила на цветен колаж. В плакатите обаче тази техника, идваща от кубизма, придоби напълно ново значение, изразявайки се с лапидарността на знака и патоса на защитата на революцията (" На стража за октомври ", 1920) и волята за динамична работа ("Демонстрация", 1920). Един от плакатите ("Демонстрация", 1920).Трябва да се работи - наблизо е пушка", 1921 г.) изобразява работник с трион и в същото време самият той се възприема като един вид здраво съборен предмет. Оранжевите, жълтите и сините ивици, съставляващи фигурата, са изключително силно свързани с печатни букви, които, за разлика от кубистичните надписи имат специфично семантично значение.колко изразително е диагоналът, образуван от думата "работа", острието на триона и думата "трябва", и острата дъга на думите "пушка наблизо" и линиите на раменете на работника се пресичат! за детските книги. В Ленинград се формира цяла тенденция в илюстрирането на детски книги през 20-те години. Заедно с Лебедев, В. Ермолаева, Н. Тирса , Н. Лапшин, а литературната част се оглавява от С. Маршак, който тогава е близък до групата на ленинградските поети - Е. Шварц, Н. Заболоцки, Д. Хармс, А. Введенски. В онези години се утвърждава един много специален образ на книгата, различен от този, култивиран през онези години от московскитеилюстрация с ръководител В. Фаворски. Докато в групата на московските дървосекачи или библиофили цареше почти романтично възприемане на книгата и самата работа по нея съдържаше нещо „тежко аскетично“, ленинградските илюстратори създадоха нещо като „книга с играчки“, дадоха я директно в ръцете на детето, за което е предназначено. Движението на въображението „в дълбините на културата” тук беше заменено от весела ефектност, когато цветна книга можеше да се върти в ръце или поне да пълзи около нея, лежаща на пода, заобиколена от играчки слончета и кубчета. И накрая, дърворезбите на Фаворски от „светая светих“ на Фаворски – гравитацията на черно-бели елементи на изображението в дълбочината или от дълбочината на листа – тук отстъпиха място на откровено плоски пръсти, когато рисунката се появи сякаш „под ръце на дете" от парчета хартия, подрязани с ножици. Известната корица на „Слончето“ от Р. Киплинг (1926) е образувана сякаш от купчина петна, произволно разпръснати по повърхността на хартията. Изглежда, че художникът (а може би дори и самото дете!) премести тези парчета върху хартията, докато се получи цялостна композиция, в която всичко „върви от колелото“ и където междувременно нищо не може да бъде преместено дори с милиметър: в в центъра - слонче с извит дълъг нос, около него - пирамиди и палми, отгоре - голям надпис "Слон", а отдолу претърпял пълно поражение крокодил.

Всички тези картини на Лебедев, адресирани до обикновените детски читатели, сред които шедьоври като литографии за книгата "Ловът" (1925), бяха, от една страна, продукт на изтънчена графична култура, способна да задоволи и най-взискателното око, а от друга – изкуство, разкрито в живата реалност. Предреволюционната графика не само на Лебедев, но и на много други художници все още не е познавала толкова открит контакт с живота (въпреки факта, че Лебедев рисува за списание Satyricon през 1910-те) - тези "витамини" или, по-скоро онези „дрожди на жизнеността“, по които самата руска действителност „скита“ през 20-те години на миналия век. Ежедневните рисунки на Лебедев разкриваха този контакт с изключителна яснота, не толкова нахлувайки в живота, колкото илюстрациите или плакатите, а го пренасяйки в своята фигуративна сфера. В основата на това е остър алчен интерес към всички нови социални типове, които постоянно възникват наоколо. Рисунките от 1922-1927 г. биха могли да се комбинират с името "Пано на революцията", с което Лебедев озаглави само една серия от 1922 г., която изобразява низ от фигури на следреволюционна улица, а думата "панел" показва, че това най-вероятно беше пяна, набита от търкалянето по тези улици от потока на събитията. Художникът рисува моряци с момичета на петроградските кръстовища, търговци със сергии или денди, облечени по модата на онези години, и особено непмени - тези комични и в същото време гротескни представители на новата „улична фауна“, които рисува с ентусиазъм в същите тези години и В. Конашевич и редица други майстори. Двамата непмени в рисунката „Двойката“ от поредицата „Нов живот“ (1924) можеха да минат за същите клоуни, които Лебедев изобразява скоро на страниците на „Цирк“, ако не и по-острото отношение на самия художник към тях. Отношението на Лебедев към такива герои не може да се нарече нито „заклеймяващо“, нито още повече „бичуване“. Преди тези рисунки на Лебедев неслучайно П. Федотов беше запомнен с неговите не по-малко характерни скици на улични типове от 19 век. Имаше се предвид онази жива неразделност на ироничното и поетическото начало, която беляза и двамата художници и която и в двамата съставяше особената привлекателност на образите. Може да се припомнят и съвременниците на Лебедев, писателите М. Зошченко и Ю. Олеша. Те имат същата неразделност на ирония и усмивки, присмех и възхищение. Очевидно Лебедев някак си е бил впечатлен от евтиния шик на походката на истински моряк („Момичето и морякът“) и провокативното нахално момиче, с одобрения ботуш върху кутията на чистачката („Момичето и чистачката на обувки“ ), дори нещо, което ме привлече. Бях привлечен и от онази зоологическа или чисто растителна невинност, с която като репей под ограда всички тези нови герои се катерят нагоре, демонстрирайки чудеса на адаптивност, като например да разговарят дами с кожи в магазин прозорец (Хора от обществото, 1926) или куп непмени на вечерната улица ("Непмени", 1926). По-специално поетичното начало в най-известната поредица на Лебедев "Любовта на пънкарите" (1926-1927) е поразително. Каква завладяваща жизненост диша във фигурата на мъж с отворена къса шуба на гърдите и момиче с боне с лък и крака във формата на бутилка, пъхнати във високи ботуши, седнали на пейка. Ако в сериала "Нов живот", може би, може да се говори и за сатира, то тук това е почти незабележимо. На снимката "Обрив, Семьоновна, поръсете, Семьоновна!" - височината на разходката. В центъра на чаршафа има гореща и млада танцуваща двойка и зрителят сякаш чува как дланите на ръцете му пръскат или ботушите на момчето се щракват в ритъма, той усеща змиевидната гъвкавост на голия му гръб, лекотата на движението на партньора си. От поредицата "Панел на революцията" до рисунките "Любовта на пънкарите", самият стил на Лебедев претърпя забележима еволюция. Фигурите на моряка и момичето в рисунката от 1922 г. все още са изградени от самостоятелни петна - петна от мастило с различна текстура, подобни на тези в The Ironers, но по-обобщени и закачливи. В „Нов живот“ тук бяха добавени стикери, които превръщат рисунката вече не в имитация на колаж, а в истински колаж. Изображението напълно доминираше в самолета, особено след като според самия Лебедев добрата рисунка трябва преди всичко да „стои добре на хартията“. Въпреки това в листовете от 1926-1927 г. хартиената плоскост все повече се заменя от изобразеното пространство с неговия светлинен и предметен фон. Пред нас вече не са петна, а постепенни градации на светлина и сянка. В същото време движението на рисунката не се състои в „изрязване и залепване“, както беше в „Неп“ и „Цирк“, а в плъзгане на мека четка или в преливане на черен акварел. До средата на 20-те години на миналия век много други чертожници също напредват по пътя към все по-свободна или живописна, както обикновено се нарича, рисунка. Имаше и Н. Купреянов със своите селски "стада", и Л. Бруни, и Н. Тирса. Рисунката вече не се ограничаваше до ефекта на „взето“, насочено хващане „на върха на перото“ на все нови характерни типове, а сякаш самата тя беше въвлечена в живия поток на реалността с всичките й промени и емоционалност. В средата на 20-те години на миналия век този освежаващ поток обхвана сферата не само на „уличните“, но и „домашните“ теми и дори такива традиционни слоеве на рисунка като рисуването в ателие от гола човешка фигура. И каква нова рисунка беше в цялата си атмосфера, особено ако я съпоставим с аскетично строгата рисунка от предреволюционното десетилетие. Ако сравним, например, отличните рисунки от голия модел на Н. Тирсас от 1915 г. и рисунките на Лебедев от 1926-1927 г., човек ще бъде поразен от непосредствеността на листовете на Лебедев, силата на техните чувства.

Тази непосредственост на скиците на Лебедев от модела накара други историци на изкуството да припомнят техниките на импресионизма. Самият Лебедев се интересуваше дълбоко от импресионистите. В една от най-добрите му рисунки от поредицата "Акробат" (1926) четката, наситена с черен акварел, сякаш създава енергичното движение на самия модел. Достатъчен е уверен удар, за да може художникът да хвърли настрана лявата ръка, или едно плъзгащо се докосване, за да насочи посоката на лакътя напред. В поредицата „Танцьор“ (1927), където светлинните контрасти са отслабени, елементите на движеща се светлина също предизвикват асоциации с импресионизма. „От пространството, наситено със светлина, – пише В. Петров, – като видение се появяват очертанията на танцуваща фигура”, тя „едва се очертава от леки размазващи се петна от черен акварел”, когато „формата се превръща в живописна маса и незабележимо се слива със светловъздушната среда.”

От само себе си се разбира, че този импресионизъм на Лебедев вече не е равен на класическия импресионизъм. Зад него винаги усещате „ученето на конструктивност“, наскоро завършено от майстора. И Лебедев, и самото ленинградско направление на рисуване останаха себе си, като не забравяха нито за миг нито конструираната равнина, нито изобразителната текстура. Всъщност, когато създава композиция от рисунки, художникът не възпроизвежда пространството с фигура, както направи Дега, а по-скоро тази една фигура, сякаш слива нейната форма с формата на рисунката. Едва забележимо отрязва горната част на главата и самия връх на стъпалото, поради което фигурата не лежи на пода, а по-скоро е "закачена" за долния и горния ръб на чаршафа. Художникът се стреми да доближи максимално „фигурния план“ и образната равнина. Следователно перленият щрих на мократа му четка принадлежи еднакво както на фигурата, така и на равнината. Тези изчезващи леки щрихи, които предават както самата фигура, така и топлината на затопления около тялото въздух, едновременно се възприемат като еднородна текстура на рисунката, асоциирана с щрихи на рисунки с китайски мастило и се появяват на око като най-деликатните "венчелистчета", фино загладени до повърхността на листа. Освен това в „Акробатите“ или „Танцьорите“ на Лебедев в края на краищата има същия хлад на уверен артистичен и леко отстранен подход към модела, който беше отбелязан от героите на сериалите „Нов живот“ и „Неп“. Във всички тези рисунки е силна обобщена класическа основа, която ги отличава толкова рязко от скиците на Дега с тяхната поезия на характерен или ежедневен живот. И така, в един от брилянтните чаршафи, където балерината е обърната с гръб към зрителя, с десния крак, поставен на пръст зад левия (1927), нейната фигура наподобява порцеланова фигурка с полусянка и светлина, плъзгаща се по повърхността . Според Н. Лунин художникът намира в балерината „съвършен и развит израз на човешкото тяло“. „Ето го – този тънък и пластичен организъм – той е развит, може би малко изкуствено, но е проверен и точен в движение, способен да „разказва за живота” повече от всеки друг, защото има най-малко безформен, ненаправен, несигурен шанс." Художникът наистина се интересуваше не от самия балет, а от най-изразителния начин на „разказване на живота“. В края на краищата, всеки от тези ЛИСТОВИЯ е сякаш лирическо стихотворение, посветено на едно поетично ценно движение. Явно много му помогна балерината Н. Надеждина, която позира на майстора и в двата сериала, спирайки се в онези добре проучени от нея „пози”, в които най-впечатляващо се разкрива жизнената пластичност на тялото.

Когато Лебедев е сниман на изложбата през 1928 г., той сякаш има обещаващ път пред себе си. Няколко години упорита работа сякаш го издигнаха до самите висоти на графиката. В същото време и в детските книги от 20-те години на миналия век, и в „Танцьорите“ може би е достигната такава степен на пълно съвършенство, че от тези точки може би нямаше никакъв път за развитие. И наистина, рисунката на Лебедев и освен това изкуството на Лебедев достигнаха своя абсолютен връх тук. През следващите години художникът се занимава много активно с рисуване, много и дълги години илюстрира детски книги. И в същото време всичко, което е направил през 1930-1950-те години, вече не може да се сравнява с шедьоврите от 1922-1927 г. и, разбира се, майсторът не се опитва да повтори оставените си находки. Особено недостъпни не само за самия художник, но и за цялото изкуство от следващите години, останаха рисунките на Лебедев на женска фигура. Ако последвалата ера не можеше да се отдаде на упадъка в рисуването от гол модел, то беше само защото тя изобщо не се интересуваше от тези теми. Едва през последните години, изглежда, е повратна точка по отношение на тази най-поетична и най-творчески благородна сфера на рисуването и ако това е така, тогава В. Лебедев сред чертожниците на новото поколение, може би, е предназначен за друго нова слава.

Категории

Избор на редакторите

Най-добрите художници на детски приказки. Снимки от детството

Юрий Алексеевич Васнецов (1900 - 1973)

Евгений Михайлович Рачев (1906-1997)

Евгений Иванович Чарушин (1901 - 1965)

Май Петрович Митурич (1925 - 2008)

Лев Алексеевич Токмаков (1928 - 2010)

Владимир Григориевич Сутеев (1903 - 1993)

Виктор Александрович Чижиков (р. 26 септември 1935 г.)

Татяна Алексеевна Маврина (1902-1996)

Владимир Михайлович Конашевич (1888-1963)

Иван Яковлевич Билибин (1876-1942)

Търсене

Абонамент

Популярни записи

Последните бележки