• Детски абонаменти за филхармонията
• Как работи: Детска филхармония
• Изложби „Арт съкровища на Русия
• Приказен куест за деца „Алиса
• Алиса в страната на чудесата забавление
• Приказна къща. Приказна къща Приказна къща
• Какво трябва да знаете за вокалите
• Новогодишни представления за деца на 3 години
• Интересни факти за детските писатели
• Извънкласна дейност, посветена на изкуството на микроминиатюрата

Руската композиторска школа, наследник на традициите на която е съветската и днешната руска школа, започва през 19 век с композитори, които съчетават европейското музикално изкуство с руски народни мелодии, свързвайки европейската форма и руския дух.

Можете да разкажете много за всеки от тези известни хора, всички те не са прости, а понякога дори трагични съдби, но в този преглед се опитахме да дадем само кратко описание на живота и работата на композиторите.

1. Михаил Иванович Глинка

(1804-1857)

Михаил Иванович Глинка, докато композира операта Руслан и Людмила. 1887, художник Иля Ефимович Репин

„За да създаваш красота, човек трябва да бъде чиста душа.

Михаил Иванович Глинка е основателят на руската класическа музика и първият руски класически композитор, постигнал световна слава. Неговите творби, основани на вековните традиции на руската народна музика, бяха нова дума в музикалното изкуство на нашата страна.

Роден в област Смоленск, той получава образованието си в Санкт Петербург. Формирането на мирогледа и основната идея на творчеството на Михаил Глинка беше улеснено от пряката комуникация с такива личности като А. С. Пушкин, В. А. Жуковски, А. С. Грибоедов, А. А. Делвиг. Творчески импулс към творчеството му е добавен от дългосрочно пътуване до Европа в началото на 30-те години и срещи с водещите композитори по това време - В. Белини, Г. Доницети, Ф. Менделсон и по-късно с Г. Берлиоз, Дж. Майербир.

Успехът дойде при М. И. Глинка през 1836 г., след постановката на операта „Иван Сусанин“ („Живот за царя“), която беше приета с ентусиазъм за първи път в световната музика, руското хорово изкуство и европейското симфонично и оперно изкуство практиката беше органично комбинирана и също се появи герой, като Сузанин, чийто образ обобщава най-добрите черти на националния характер.

В. Ф. Одоевски описва операта като „нов елемент в изкуството и започва нов период в нейната история - периодът на руската музика“.

Втората опера - епосът Руслан и Людмила (1842), по която се работи на фона на смъртта на Пушкин и в трудните условия на живот на композитора, поради дълбоко новаторската същност на произведението, беше приета нееднозначно от публиката и властите и донесе опит на М. И. Глинка. След това пътува много, като редува живее в Русия и в чужбина, без да спира да композира. Наследството му включва романси, симфонични и камерни произведения. През 90-те години на миналия век Патриотичната песен на Михаил Глинка беше официалният химн Руска федерация.

Цитат за М. И. Глинка:„Цялата руска симфонична школа, точно като целия дъб в жълъд, се съдържа в симфоничната фантазия на Камаринская. П. И. Чайковски

Интересен факт: Михаил Иванович Глинка не се отличаваше с добро здраве, въпреки това беше много лек и знаеше много добре географията, може би ако не беше композитор, щеше да стане пътешественик. Познаваше шест чужди езици, включително персийски.

2. Александър Порфиревич Бородин

(1833-1887)

Александър Порфиревич Бородин, един от водещите руски композитори от втората половина на 19 век, освен таланта си на композитор, е учен-химик, лекар, учител, критик и литературен талант.

Роден в Санкт Петербург, от детството всички около него отбелязват необичайната му активност, ентусиазъм и способности в различни посоки, предимно в музиката и химията.

А. П. Бородин е руски композитор-самородка, той не е имал професионални учители по музика, всичките му постижения в музиката благодарение на самостоятелна работа над овладяването на техниката на композиция.

Формирането на А. П. Бородин е повлияно от работата на М. И. Глинка (както впрочем и за всички руски композитори от 19-ти век), а импулсът за гъста окупация с композиция в началото на 60-те години беше даден от две събития - първо, запознанство и брак с талантливата пианистка Е. С. Протопопова и второ, среща с М.А. Балакирев и присъединяване към творческата общност на руските композитори, известна като "Могъщата шепа".

В края на 1870-те и през 1880-те години А. П. Бородин пътува и гастролира много в Европа и Америка, среща се с водещите композитори на своето време, славата му нараства, той става един от най-известните и популярни руски композитори в Европа в края на 19 век.

Централното място в творчеството на А. П. Бородин заема операта "Княз Игор" (1869-1890), която е пример за националната героична епопея в музиката и която самият той не е имал време да завърши (тя е завършена от приятелите му А. А. Глазунов и Н. А. Римски-Корсаков). В „Княз Игор“, на фона на величествени картини исторически събития, беше отразена основната идея на цялото творчество на композитора - смелост, спокойно величие, духовна благородство на най-добрия руски народ и могъщата сила на целия руски народ, проявена в защитата на родината.

Въпреки факта, че А. П. Бородин е оставил относително малък брой творби, творчеството му е много разнообразно и той се смята за един от бащите на руската симфонична музика, повлиял много поколения руски и чуждестранни композитори.

Цитат за А. П. Бородин:„Талантът на Бородин е еднакво мощен и поразителен както в симфонията, така и в операта и романтиката. Основните му качества са гигантска сила и широчина, колосален обхват, импулсивност и импулсност, съчетани с невероятна страст, нежност и красота. " В. В. Стасов

Интересен факт: Името на Бородин е дадено на химическата реакция на сребърни соли на карбоксилни киселини с халогени, в резултат на което се появяват халогенирани въглеводороди, които той изследва за първи път през 1861 г.

3. Модест Петрович Мусоргски

(1839-1881)

„Звуците на човешката реч, като външни прояви на мисъл и чувство, трябва, без преувеличение и насилие, да станат музика вярна, точна, но артистична, силно артистична.

Модест Петрович Мусоргски е един от най-блестящите руски композитори на 19 век, член на „Могъщата шепа“. Иновативната работа на Мусоргски изпреварва времето си.

Роден е в провинция Псков. Подобно на много талантливи хора, от детството той проявява склонност към музиката, учи в Св. семейна традиция, военните. Решаващото събитие, което определи, че Мусоргски е роден не за военна служба, а за музика, беше срещата му с М.А. Балакирев и присъединяването му към „Могъщата шепа“.

Мусоргски е велик в това, че в своите грандиозни творби - оперите „Борис Годунов“ и „Хованщина“, той улови драматични етапи в музиката руска история с радикална новост, която руската музика не е познавала преди него, показвайки в тях комбинация от масови народни сцени и разнообразно богатство от видове, уникалния характер на руските хора. Тези опери, в множество издания, както от автора, така и от други композитори, са сред най-популярните руски опери в света.

Друг изключителна работа Мусоргски е цикъл от пиано пиеси "Картини на изложба", колоритни и изобретателни миниатюри са проникнати с руската тема-рефрен и православната вяра.

В живота на Мусоргски имаше всичко - и величие, и трагедия, но той винаги се отличаваше с неподправена духовна чистота и безкористност.

Последните му години са трудни - разстройство в живота, липса на признание за творчество, самота, пристрастяване към алкохола, всичко това определя ранната му смърт на 42 години, той оставя относително малко творби, някои от които са завършени от други композитори.

Специфичната мелодия и новаторска хармония на Мусоргски предвиждат някои от чертите музикално развитие 20 век и изигра важна роля за формирането на стиловете на много световни композитори.

Цитат за М. П. Мусоргски:„Изконно руски звучи във всичко, което Мусоргски направи“ Н. Рьорих

Интересен факт: В края на живота си Мусоргски под натиска на „приятелите“ на Стасов и Римски-Корсаков се отказва от авторските права върху произведенията си и ги представя на Тертий Филипов.

4. Петър Илич Чайковски

(1840-1893)

„Аз съм художник, който може и трябва да носи чест на моята Родина. Усещам голяма артистична сила в себе си, все още не съм направил и една десета от това, което мога. И искам да го направя с цялата сила на душата си. "

Пьотр Илич Чайковски, може би най-великият руски композитор на 19 век, издигна руското музикално изкуство до безпрецедентни висоти. Той е един от най-важните композитори на световна класическа музика.

Родом от провинция Вятка, макар и бащински корени в Украйна, Чайковски проявява музикален талант от детството, но първото му образование и работа е в областта на юриспруденцията.

Чайковски е един от първите руски "професионални" композитори - изучава теория на музиката и композиция в новата консерватория в Санкт Петербург.

Чайковски е смятан за „западен“ композитор, за разлика от народните фигури на „Могъщата шепа“, с които е имал добри творчески и приятелски отношения, но творчеството му е не по-малко пропито с руския дух, той успява уникално да съчетае Западно симфонично наследство на Моцарт, Бетовен и Шуман с руските традиции, наследени от Михаил Глинка.

Композиторът води активен живот - бил е учител, диригент, критик, общественик, работил е в две столици, обикалял е Европа и Америка.

Чайковски беше доста емоционално нестабилен човек, ентусиазъм, униние, апатия, горещ нрав, насилствен гняв - всички тези настроения се променяха в него доста често, тъй като беше много общителен човек, той винаги се стремеше към самота.

Трудна задача е да се открои нещо най-добро от творчеството на Чайковски, той има няколко произведения с еднакъв размер в почти всички музикални жанрове - опера, балет, симфония, камерна музика. А съдържанието на музиката на Чайковски е универсално: с неподражаем мелодизъм тя обхваща образите на живота и смъртта, любовта, природата, детството, творбите на руската и световната литература се разкриват по нов начин, в нея се отразяват дълбоки процеси на духовен живот.

Цитат на композитора:„Животът има чар само когато се състои от редуване на радости и скръб, на борба между добро и зло, на светлина и сянка, с една дума - на многообразие в единството.“

„Големият талант изисква много труд“.

Цитат за композитора: „Готов съм денем и нощем да стоя на почетна стража на верандата на къщата, в която живее Петър Илич - до такава степен го уважавам” А. П. Чехов

Интересен факт: Университетът в Кеймбридж присъжда на Чайковски титлата доктор по музика задочно и без защита на дисертация, както и Парижката академия Изящни изкуства го избра за член-кореспондент.

5. Николай Андреевич Римски-Корсаков

(1844-1908)

Н. А. Римски-Корсаков и А. К. Глазунов с техните ученици М. М. Чернов и В. А. Сенилов. Снимка 1906

Николай Андреевич Римски-Корсаков е талантлив руски композитор, една от най-важните фигури в създаването на безценно руско музикално наследство. Неговият особен свят и почитането на вечната всеобхватна красота на Вселената, възхищението от чудото на живота, единството с природата нямат аналози в историята на музиката.

Роден в провинция Новгород, според семейната традиция, той става морски офицер, на военен кораб обикаля много страни в Европа и двете Америки. Музикалното си образование получава първо от майка си, след което взема частни уроци от пианиста Ф. Канил. И отново, благодарение на М.А.Балакирев, организаторът на „Могъщата шепа“, който представи Римски-Корсаков в музикалната общност и повлия върху работата му, светът не е загубил талантлив композитор.

Централното място в наследството на Римски-Корсаков се състои от опери - 15 произведения, демонстриращи разнообразието от жанрови, стилистични, драматични, композиционни решения на композитора, въпреки това притежаващи специален стил - с цялото богатство на оркестровия компонент, мелодичните вокални линии са основните.

Две основни насоки отличават творчеството на композитора: първото е руската история, второто е светът на приказките и епосите, за което той получи прякора „разказвач на истории“.

В допълнение към директен независим творческа дейност Н. А. Римски-Корсаков е известен като публицист, съставител на сборници с народни песни, към които проявява голям интерес, както и финализатор на творбите на своите приятели - Даргомижски, Мусоргски и Бородин. Римски-Корсаков е създателят на композиторската школа, като учител и ръководител на Санкт Петербургската консерватория, той завършва около двеста композитори, диригенти, музикознатели, сред които Прокофиев и Стравински.

Цитат за композитора:„Римски-Корсаков беше много руски човек и много руски композитор. Вярвам, че тази първоначално руска същност от нея, нейната дълбока фолклорно-руска основа трябва да бъдат оценени особено днес ". Мстислав Ростропович

Композитор Факт: Николай Андреевич започна първия си урок по контрапункт по следния начин:

- Сега ще говоря много, а вие ще слушате много внимателно. Тогава аз ще говоря по-малко, а вие ще слушате и мислите, и накрая, изобщо няма да говоря, а вие ще мислите със собствената си глава и ще работите самостоятелно, защото моята задача като учител е да ви стана ненужна. ..

Открихте грешка? Маркирайте го и натиснете наляво Ctrl + Enter.

Изпратете вашата добра работа в базата знания е проста. Използвайте формуляра по-долу

добра работа към сайта "\u003e

Студенти, аспиранти, млади учени, които използват базата от знания в своето обучение и работа, ще ви бъдат много благодарни.

Еволюция на музиката

През първата половина на 18 век еволюцията на музиката достига блестяща епоха. Формите, възникнали в началото на 17 век, достигат най-високото ниво на съвършенство. Четирима велики майстори, работещи в четири различни страни, определят с творчеството си цялото музикално изкуство от този период: Александро Скарлати в Италия, Жан Филип Рамо във Франция, Йохан Георг Хендел в Англия и Йохан Себастиан Бах в Германия.

В зависимост от вкусовете и тенденциите, можете да оцените техните произведения по различни начини. Но фактът, че и четиримата, всеки в своята област, са изпълнили мисията си с еднакво съвършенство, не подлежи на съмнение. Двама от тях са германци. Силата на тяхното творчество концентрира около себе си всичко съществено, постигнато досега от европейската музика.

През първата половина на 18 век италианската музика все още доминира и може би никога не е била по-блестяща. В Германия още през 17 век се разпространява обичаят да се назначават италианци на длъжности в придворните параклиси и да служат в театри, дори да се създаде цяла италианска опера. Разкошът и великолепието на представленията надминаваха всичко, което се виждаше дотогава. Италианците се появяват навсякъде и заемат първи места в Англия, Полша, Русия и не само в Германия. Франция сама твърдо се противопоставя на натиска на италианската опера и отхвърля както добрите, така и лошите страни от нея.

Отделен от Венеция, Неапол в началото на 18 век поема ръководството на музикалното движение в областта на операта. Благодарение на Франческо Провенцале и Александро Скарлати, Неапол, който дотогава не е играл съществена роля в развитието на музиката, дава името на училището с определена насока и чрез това се прославя.

Франческо Провенцале е композитор на редица опери: комични („Робът на жена си“), сериозни на древни теми (Кир, Креркс, Еритрея и др.). Франческо Провенцале е повлиян от венецианците, но в резултат на това се развива стил, който скоро става характерен за цялата неаполитанска оперна школа, а след това и за цялата италианска опера от 18 век.

Александро Скарлати е роден през 1659 г. в Сицилия, умира в Неапол през 17-ти 25-ти, ученик на Карисими, след постановка на първата си опера „Невинна грешка” в Рим през 1679 г., през 1680 г. той става капелмайстор в двора на шведската кралица Кристина , който е живял в Рим. През 1694 г. Скарлати става Kapellmeister на вицекрал на Неапол. От XVII 03 до XVI I 08 той управлява metrisa (музикалното училище) в една от римските църкви, след което отново се връща в Неапол. Броят на произведенията на Скарлати е колосален: една опера от 18 век, 700 кантати и т.н.

Стилът на неаполитанската школа се отличава с подчертаните си черти. На първо място, това е мелодичен стил, основан изцяло на нашата модална и тонална мажор - минорна система. Мелодията е основният елемент на неаполитанската музика, мелодията е богато израснала, страстна и знойна, израз на мощно непосредствено чувство. Това усещане, общо за всички, веднага се разбира от първите звуци. По този начин мелодията в неаполитанската школа е най-силният обобщаващ и обединяващ социален фактор. Песенността (вокалността) е основно качество на тази лирично-драматична музика. Оттук идват неговите форми, оттук - изразителните мелодични рецитали на неаполитански опери с богат инструментален акомпанимент, оттук - цялата особена конструкция на тези опери: поредица от арии, свързани с речитатив.

Жан Филип Рамо (1683-XVII 64) е един от най-ярките представители на операта от 18-ти век във Франция. За първи път Рамо показва своята музикална дейност като теоретичен органист и като композитор на клавесин и култова музика. Едва през 17 век той успява да привлече вниманието към себе си като театрален композитор с операта си „Иполит“.

Това е от началото до края оригиналното, типично френска работа: всичко е умерено, всичко е ясно, всичко е претеглено, усещането се смекчава от разума, вкуса и обичайната дисциплина на човек, сдържано от рамките на публичната вежливост, галантност и ирония. Музиката на Рамо е пълен контраст с чувствената голота на италианските текстове и на немското „потапяне в себе си“, в личния психически живот. Вярно е, че в творчеството на Рамо - рядък случай - се е слял велик композитор и велик теоретик. Темпераментът на композитора се охлажда от рационалността на изследователя и, напротив, спекулативните изводи се подкрепят от прозрението и усещането на композитора, тъй като теоретичните трудове на Рамо все още са по-скоро дело на практикуващ музикант, който идва от опит, отколкото на истински мислител .

Музиката на Рамо е графична, пластична и театрална. Театърът е един от най-важните органи на френския интелектуален живот до края на 19 век. Повечето, ако не и всички, френска музика от 17 и 18 век и след това, включително Берлиоз, е живописна и пластична и е музиката на театъра и балета. Цялата концертна и камерна музика във Франция, от апартаментите на Куперен до оркестровите произведения на Дебюси и в центъра на симфонията и ораторията на Берлиоз, е свързана с театралността. Ето още някои от оперите на Рамо: Галантните индианци (XVII 35), Кастор и Поллукс (XVII 37) Празненствата на Хебе (XVII 39) Дардан (XVII 39).

Реформата на Глюк беше много важна за историята на музикалната драма. Отправната точка тя имаше неаполитанска опера, но самата реформа се проведе на френска територия. В музиката си Глюк изразява новите идеали на своята епоха и създава творба, която все още устоява на времето. Древният мит оживява в искрена и искрена, кристално чиста музика и в несложно действие: без интриги, без интермедии, без вторични персонажи (един жалък купидон се явява като отстъпка на старите оперни вкусове). Хорът и балетът образуват органични връзки в действие, а не случайни вмъквания. Известното „не“ - суровият отговор на сенките на ада на молбите на Орфей - един от най-силните драматични ефекти, танци и пеене в Шанз Елизе - един от най-трогателните моменти в цялата театрална западноевропейска музика.

„Орфей“ е композиран за италианския текст, а основната роля все още е била предназначена за виолата. Но италианците, свикнали с пълнокръвната чувствена мелодия и богатството на колорита на културата, не разбираха простотата на драматично изразителната музика на Орфей. Глюк продължи своето и предложи на венецианската публика „Алцеста“, а след нея и друга опера „Париж и Елена“.

През първата половина на 18 век с произведенията на Хендел (1685-XVII 59) и Бах немска музика издигна два гигантски, непостижими върха. В началото на кариерата си Хендел е повлиян от неаполитанизма. Тъй като беше доминиращ, такъв властен талант като таланта на Хендел не можеше да го подмине, без да го преодолее и по този начин да не обогати техниката си. Неговата ранни творби в италиански стил не са лишени от изразителна красота, но те все още не дават на целия Хендел. Това, което беше най-доброто и оригинално в него, не можеше да се прояви напълно в чужди за него форми. Подобно на Глюк (и по-късно Моцарт), той трябваше да създаде свое собствено изкуство. Англия, със своята вековна, добре организирана хорова култова музика, му е дала правилните средства за влияние. За него лично му беше трудно да понесе провала на оперите си и цялата си борба за оперния бизнес, но за музиката провалът на Хендел в тази област трябва да се счита за несъмнено добър резултат: неуспехите отвориха очите на Хендел и го настроиха верния път, може би против волята му. Хендел пише оратории - по същество музикални драми. Това е всичко значими творби Хендел по този начин: Месия (XVII 42) Ацис и Галатея, Естер - XVII 32, Дебора - XVII 33, Празник на Александър или музикалният триумф - XVII 36, Савел - XVII 38, Израел в Египет - XVII 39, Самсон - XVII 43, Валтасар - XVII 44, Юда Макавей - XVII 46, Йосиф - XVII 48, Сузана, Соломон, Теодора, Йефта - XVII 48-XVII 51

Йохан Себастиан Бах (1685 - XVII 50) е крайната точка на дълга верига на еволюция. Произведенията на Бах са могъщите сводове на сградата и куполът, увенчаващ огромния паметник. Влиянието на Бах става по-силно не по време на живота му, а от началото на IXX век. И ако човек не може да се съгласи с мнението на съвременните почитатели на неговото изкуство, че Бах е създателят на цялата европейска музика, тогава човек може напълно да го смята за бащата на съвременната музика. Бах нямаше шанс да посети Италия. Следователно писанията му запазват чисто немска стягащост. Затова по-голямата част от ценителите на музиката по негово време, вече свикнали с меките ритми, акценти и кетилени на неаполитанската школа, не разбираха гениалното му творчество и не му обръщаха дължимото внимание: композициите му изглеждаха помпозни. Извън тесен кръг от студенти и няколко немски органисти, влиянието на Бах върху неговата епоха е изключително ограничено. Творбите му рядко са гравирани. Повечето от тях са останали в ръкописи и са копирани от композитора със собствената му ръка.

Волфганг Амадеус Моцарт (XVII 56-XVII 91) е ученик на баща си Леополд Моцарт, изключителен цигулар и учител, който познава гениалността на сина си и посвещава живота си на неговата формация. В Мюнхен по време на XVII карнавал през 1975 г. той композира операта "Придворният градинар", през същата година - "Пастирският крал". През XVII 81 г. в Мюнхен се изпълнява неговата сериозна класическа италианска опера „Идоменео”. През XVII 82 г. се чества „Отвличането от Сералио“! През XVII 86 г. във Венен е поставена „Бракът на Фигаро“. през XVII 87 г. в Прага има „Дон Жуан“. XVII 88 композира три големи симфонии в со-минор, Es-dur и c-dur. През 17 век той пише операта „Това правят всички“. През XVII 91 г. са съставени последните опери „Тит“, „Вълшебната флейта“ и „Реквием“.

Подобни документи

Кратък преглед творби на немския композитор и органист Йохан Себастиан Бах. Изследване на основните характеристики на клавирния стил на И. Бах. Общи характеристики на жанра на старата сюита. Анализ на особеностите на стила на Бах във „Френска сюита“ No2 до до минор.

тест, добавен на 01.04.2014


Кратка биография и основни характеристики произведения на двама велики композитори - Йохан Себастиан Бах (1685-1750) и Георг Фридрих Хендел (1685-1759), както и анализ на връзката им. Особености на създаването на библейските епоси-оратории на Дженедел.

резюме, добавено на 24.07.2010


Ерата на Жан Филип Рамо - един от най-забележителните композитори на родината си. Рамо и "голям" френска опера... „Буфонска война“. Френска лирическа трагедия като жанр. Лирични трагедии на Рамо. Рамо и Де Ла Брюър. Рамо е звучащият Версай.

курсова работа, добавена на 12.12.2008 г.


Жанрът на ораторията в творбите на И.С. Бах. Основният музикален инструмент на барока. Преходна фаза между късния барок и ранния класицизъм. Музика от периода на класицизма. Изключителни композитори от 18 век Водещият жанр във вокалното и инструментално творчество на Бах.

резюме, добавено на 07.11.2011


Биография на Йохан Себастиан Бах - великият немски композитор, представител на епохата на барока, виртуозен органист, учител по музика. Творчество на органи и клавири, оркестрова и камерна музика, вокални произведения. Съдбата на музиката на Бах.

презентация добавена на 13.05.2015


Предпоставки за процъфтяването на музиката на френските клавесинисти. Клавишни музикални инструменти от 18 век. Рококо стил в музиката и други видове творчество. Музикални образи Френски клавесинисти, музика за клавесин от J.F. Рамо и Ф. Куперин.

курсова работа, добавена на 06/12/2012


Спадът в популярността на композитора през последните години живот и след смъртта му. Подновен обществен интерес към музиката на Йохан Себастиан Бах след публикуването на първата му биография. Осъзнаване на музикалната и педагогическа стойност на творбите на композитора.

презентация добавена на 04/10/2011


Творбата на Йохан Себастиан Бах, специално място сред произведенията за органи "Токата и фуга в d-moll". Основната драматична идея, представена в началото. Формата на произведението. Използване на темата, както в експозиционна форма, така и в различните й версии.

резюме, добавено на 13.05.2012


Руската народна песен е в основата на творчеството на руските композитори. Реформаторска дейност E.I. Фомин. Малко известни композитори от 18 век. Романси и опера: национална идентичност, връзки с народни песни. Характеристика на музиката от началото на 19 век.

резюме, добавено 21.03.2009


Биография на Йохан Себастиан Бах. Нейното художествено наследство включва композиции за солисти и хор, композиции за органи, клавир и оркестрова музика. Духовните кантати на Бах - пет цикъла за всяка неделя и за църковни празници... Работи за орган.

Въведение

Барок, рококо, класицизмът са основните тенденции в изкуството на 18 век, които се проявяват във всичко - в литературата, в живописта, в архитектурата и в музиката.

Еволюцията на музиката през 18 век достига блестяща епоха. Формите, възникнали в началото на 17 век, достигат най-високото ниво на съвършенство.

В началото на 18 век сантименталният класицизъм е най-популярният музикален стил. Това беше бавна, не бързаща музика, не особено трудна. Пуснах го на струнни инструменти... Обикновено тя придружаваше балове и пиршества, но те също обичаха да я слушат в спокойна домашна атмосфера. Тогава характеристиките и техниките на рококо, като трел и хармонии, започнаха да попадат в музика на лютнята. Той придоби по-сложен вид, музикалните фрази станаха по-сложни и интересни. Музиката стана по-откъсната от реалността, по-фантастична, по-малко правилна и по този начин по-близка до слушателя.

Към втората половина на 18 век чертите на рококо се интегрират толкова в музиката, че тя започва да придобива определена ориентация. И така, скоро две насоки бяха ясно разграничени в музиката: музика за танци и музика за пеене. Баловете бяха придружени от музика за танци, музика за пеене се изпълняваше в поверителна атмосфера.

Класицизмът се превърна в кулминацията на класическото изкуство.

Тази творба подчертава музикалното изкуство от 18-ти век като епохата на създаване на музикална класика в нейните основни явления и жанрове (опера, фуга, соната, симфония), характеризира работата на Бах, Хендел, Глюк, Хайдн, Моцарт и други композитори; разглежда творчеството на изключителни композитори. Работата се състои от въведение, три глави от основната част, заключение и списък с препратки.

1. Музикална култура XVIII век

В историята на музикалното изкуство 18 век придобива голямо значение и все още е от първостепенен интерес и до днес. Това е ерата на създаването на музикални класики, раждането на големи музикални концепции със светско фигуративно съдържание по същество. Музиката не само се издигна до нивото на други изкуства, процъфтявали след Ренесанса, до нивото на литературата в най-добрите си постижения, но като цяло надмина постигнатото от редица други изкуства (по-специално визуалните изкуства) и до края на века успя да създаде голям синтезиращ стил с такава висока и трайна стойност, като симфонизма на виенската класическа школа.

Бах, Хендел, Глюк, Хайдн и Моцарт са признати върхове по този път на музикалното изкуство от началото до края на века. Въпреки това, ролята на такива оригинални и търсещи художницикато Жан Филип Рамо във Франция, Доменико Скарлати в Италия, Филип Емануел Бах в Германия, да не говорим за много други майстори, които ги придружаваха в общото творческо движение.

Както знаете, Германия, Италия и Франция със своите творчески школи заеха водеща позиция в развитието на музикалното изкуство от онова време. Но участието на други държави в този процес също не подлежи на съмнение. Музикални и социални условия в Англия, в които са създадени ораториите на Хендел, въздействието на испанците музикална култура за Скарлати, водещата роля на чешките майстори при формирането на параклиса Манхайм, славянският и унгарският произход на редица теми на Хайдн са убедителни примери за това.

Като цяло творческите връзки между различни европейски държави, забележими по-рано, поне през XV, XVI, XVII век, стават все по-силни и по-силни през XVIII. Това се изразява не само във взаимното обогатяване на собственото музикално писане, музикалните жанрове, тяхната тематичност, принципи на развитие в музикални форми, но и в общото идеологическо и естетическо влияние, което се засили в нови исторически условия. Ако някой теоретично може да си представи Йохан Себастиан Бах или Глюк (както и Хендел или Моцарт), които се развиват в изолирана обстановка на своята страна, тогава много от основните качества на великото им изкуство биха изглеждали неоснователни, трудни за обяснение, почти парадоксални. Откъде идва високата трагедия в изкуството на Бах, която обаче остава мъдра и хармонична? Откъде идва това остро усещане за трагичното, което не е достигнало такава сила сред художниците от 17 век? Ако идва от осъзнаването на трудната съдба на родината им, тогава защо не е намерил въплъщение много по-рано? Тъй като историческите условия от 18-ти век, примерът на други страни събудиха в новото поколение нова острота на самосъзнанието, а заедно с това и нови чувства, нови оценки.

Известно е, че в опустошена и разпръсната феодална Германия Просвещението е донякъде закъсняло и не е било толкова очевидно революционно там. Но в самото навечерие на Просвещението музикалното изкуство на германските майстори се издига до високите висоти на фигуративни обобщения и творчески концепции в Бах и Хендел, синтезирайки всичко най-добро от историческите традиции и предвиждайки пътища към далечното бъдеще. И в резултат на епохата на Просвещението се формира австро-германската творческа школа, представена от виенската класика, която на нов етап достига най-високата творчески принцип симфония. В тази атмосфера, която по един или друг начин се усеща във всички европейски страни, се наблюдава интензивно развитие на редица национални творчески школи, придобиване на сила, независимост, придобиване на художествен авторитет именно през 18 век благодарение на новите постижения в област на светското музикално изкуство.

Руската творческа школа с чисто светска тенденция се оформя точно през 18-ти век, въпреки че произходът ѝ е от много векове назад. Значението и творческото влияние на чешката музикална школа, която е широко представена от инструментални жанрове и се е изявила със създаването на опери, нараства.

18-ти век се оказва плодотворен за полската творческа школа, която има дългогодишни традиции и сега овладява нови основни жанрове на инструменталната и театралната музика.

По общите пътища на музикалното развитие от началото до края на 18 век много вече обединява или обединява страните от Западна Европа (което става най-очевидно през последната трета на века). Във Франция и Италия започват спорове около старите оперни жанрове, които са обект на сериозна и остра критика към социално-естетическия ред. В редица страни се появяват нови прогресивни оперни тенденции, свързани с появата на комични, комедийни оперни жанрове: опера бифа в Италия, комична опера във Франция, сингшпил в Германия и Австрия и комедийни музикални изпълнения в Испания. И това, което е особено важно, е, че всички страни от Западна Европа по един или друг начин участват в движението към новия стил на виенската школа, който бележи триумфа на хомофонично-хармоничния склад и соната-симфоничните форми. Без значение колко различни са традициите и творческите възможности на всяка страна, стилистичната промяна около средата на века и по-нататъшното развитие на соната-симфоничните принципи са подготвени от цяла система от творчески усилия на много майстори от Италия, Франция, Германия, да не говорим за национално-националния произход, идващ отвсякъде.

Изобразителното изкуство и архитектурата от този период се характеризират с много претенциозни форми, сложност, разкош и динамика, по-късно тази дума е приложена към музиката от онова време. Техниките на писане и изпълнение от бароковия период са станали неразделна и значителна част от класическия музикален канон. Музикалният орнамент е станал много усъвършенстван, музикалната нотация се е променила значително, методите на свирене на инструменти са се развили. Обхватът на жанровете се разшири, сложността на изпълнението се увеличи музикални произведения... Голям номер музикални термини а понятията от епохата на барока се използват и до днес.

Бароковите композитори са работили в различни музикални жанрове. Операта, която се появява през късния Ренесанс, се превръща в една от основните форми на музика. Човек може да си припомни произведенията на такива майстори от жанра като Алесандро Скарлати (1660-1725), Хендел, Клаудио Монтеверди и др. Жанрът на ораторията достига своя връх в творбите на И.С. Бах и Хендел. В епохата на барока се раждат такива брилянтни произведения като фугите на Йохан Себастиан Бах, хор „Алилуя“ от ораторията „Месия“ от Георг Фридрих Хендел, „Четирите сезона“ от Антонио Вивалди, „Вечерня“ от Клаудио Монтеверди.

Инструментални сонати и сюити са написани както за отделни инструменти, така и за камерни оркестри. Жанрът на концерта възниква и в двете му форми: за един инструмент с оркестър и като концертно гросо, в който малка група солови инструменти контрастира с пълен ансамбъл. Разкош и разкош на много кралски дворове са добавени и от творби под формата на френска увертюра, с контрастиращите им бързи и бавни части. Пиеси за клавиатури често са писани от композитори за собствено забавление или като учебен материал. Такива произведения са зрелите произведения на I.S. Бах, общопризнат като интелектуални шедьоври от епохата на барока: Добре закаленият клавир, Голдбъргските вариации и Изкуството на фугата.

Органът в свещената и камерна светска музика се превръща в основен музикален инструмент на барока. Клавесин, скубани и поклонени струни, както и дървени духови инструменти: различни флейти, кларинет, гобой, фагот.

Упадъкът на барока е съпроводен с дълъг период на съжителство на старите и нов техник... В много градове на Германия бароковата практика на представяне се запазва до 1790-те години, например в Лайпциг, където в края на живота си И.С. Бах. В Англия трайната популярност на Хендел осигурява успеха на по-малко известни композитори, които са писали във вече излизащ бароков стил: Чарлз Ависън, Уилям Бойс и Томас Огюстин Арн. В континентална Европа този стил вече се смяташе за старомоден; притежаването му се изисквало само за композиране на духовна музика и довършване на появяването тогава в много консерватории. Но тъй като много в бароковата музика стана основа музикално образование, влиянието на бароковия стил се запазва и след напускането на барока като изпълнителски и композиционен стил.

Музиката от периода на класицизма или музиката на класицизма се отнася до периода в развитието на европейската музика между около 1730 и 1820 година. Изключително постижение второ половината на XVIII в. е формирането на Виенската класическа школа, представители на която са Й. Хайдн, В. Моцарт и Л. ван Бетовен, наречени виенски класици и определящи посоката на по-нататъшното развитие на музикалната композиция.

През този период се формира основно съставът на съвременния симфоничен оркестър, жанровете на симфония, соната, трио, квартет и квинтет. В соната алегро се ражда нов метод за музикално мислене, а по-късно, в творчеството на Бетовен, нов метод за музикално мислене - симфонизъм. Значителна реформа в работата на В.А. Моцарт и К.Ф. Глюк преживява оперния жанр, преодолявайки закостенялата конвенция на аристократичната опера. В трудовете на К.Ф. Глюк и Л. ван Бетовен са отделени като самостоятелен жанр на балета.

Естетиката на класицизма се основава на вярата в рационалността и хармонията на световния ред, което се проявява в вниманието към баланса на части от произведението, внимателното довършване на детайлите и развитието на основните канони на музикалната форма. През този период форма на сонатавъз основа на развитието и противопоставянето на две контрастни теми е определена класическата композиция на соната и симфоничните части. През периода на класицизма се появява струнен квартет, състоящ се от две цигулки, виола и виолончело, съставът на оркестъра се разширява значително.

И така, с всичките му трудности, естетически противоречия и дори сътресения, с неговите контрасти и най-висше единство, 18 век е великият век на музикалното изкуство, времето на неговото красиво изкачване. С цялото стилистично и жанрово разнообразие в музикалната култура от 18 век могат да се разграничат основните тенденции в развитието:

Светската музика постепенно заменя духовната музика, предишната ясна граница между тези полюси на музикалната култура се заличава.

Инструменталната музика става все по-широко разпространена.

Образувано симфоничен оркестър и основни техники на оркестровото писане.

Следващите етапи в развитието на операта. Появата на нови жанрове, класически и романтични.

Разцветът на класицизма - соната, симфония, концерт. Форма на соната.

Нова хармония и нови образи в романтизма.

Появата на национални училища.

Културното наследство от 18 век все още изумява със своето необикновено разнообразие, богатство на жанрове и стилове, дълбочина на разбиране на човешките страсти, най-голям оптимизъм, вяра в човека и неговия ум.

бах бароков класицизъм композитор

2. Изключителни композитори от 18 век

Най-известните имена от този период са I.S. Бах, Г.Ф. Хендел. Можете да оцените техните произведения по различни начини: оценката зависи от вкусовете и тенденциите. Но всеки в своята област, те изпълниха мисията си с еднакво съвършенство. Силата на тяхното творчество концентрира около себе си всичко съществено, постигнато досега от европейската музика.

Йохан Себастиан Бах (1685 - 1750) - един от най-великите композитори в историята на музиката. През живота си Бах е написал над 1000 творби. Всички те са представени в творчеството му. значими жанрове това време, с изключение на операта; той обобщи всички постижения на музикалното изкуство от този период.

Музикалната култура на германския протестантизъм играе важна роля за формирането на личността и делото на Бах. Не случайно по-голямата част от наследството на композитора е свещена музика. Той не се обърна към най-популярния жанр на 18-ти век, операта.

Бах никога не е напускал Германия, освен това е живял предимно не в столицата, а в провинциалните градове. Той обаче беше запознат с всички значителни постижения в музиката по това време. Композиторът успя да съчетае в творчеството си традициите на протестантското пеене с традициите на европейските музикални школи. Творбите на Бах се отличават с философска дълбочина, съсредоточеност на мисълта, липса на суета. Най-важната характеристика на неговата музика е удивителното чувство за форма. Всичко тук е изключително проверено, балансирано и в същото време емоционално. Различни елементи от музикалния език работят за създаване на един образ, в резултат на което се постига хармонията на цялото.

Работата на Бах, универсален музикант, обобщава постиженията на музикалното изкуство от няколко века на прага на барока и класицизма. Ярък национален художник, Бах комбинира традициите на протестантското пеене с традициите на австрийската, италианската и френската музикални школи.

Водещият жанр във вокалното и инструментално творчество на Бах е духовната кантата. Бах създава 5 годишни цикъла на кантати, които се различават според принадлежността си към църковния календар, според текстовите източници (псалми, хорови строфи, „свободна“ поезия), според ролята на хорала и т.н.

От светските кантати най-известни са „Селянин“ и „Кафе“. Разработени в канта-драматургия, принципите са въплътени в масите „Страсти“. „Висока“ Меса в h-moll, „Страст по Йоан“, „Страст по св. Матей“ се превърна в кулминацията на вековната история на тези жанрове.

Музиката на органите е от основно значение за инструменталната работа на Бах. Синтезирайки опита от импровизация на органи, наследен от неговите предшественици (D. Buxtehude, I. Pachelbel, G. Boehm, I.A. fantasy, passacaglia, хорова прелюдия.

Виртуозен изпълнител и един от най-големите експерти по клавишни инструменти по това време, Бах създава обширна литература за клавира. Сред клавирните произведения най-важно място заема добре закаленият клавир - първото преживяване в историята на музиката на художественото приложение на изкуството, разработено в края на 17 и 18 век. закалена скала.

Най-великият полифонист, във фуги Бах създава ненадминати образци, един вид школа на контрапунктни умения, които намират продължение и завършек в „Изкуството на фугата“, по което Бах работи през последните 10 години от живота си. Бах е автор на един от първите концерти за клавир - Италианския концерт (без оркестър), който напълно потвърждава независимото значение на клавира като концертен инструмент.

Музиката на Бах за цигулка, виолончело, флейта, обой, инструментален ансамбъл, оркестър - сонати, сюити, партита, концерти - означава значително разширяване на експресивните и техническите възможности на инструментите, разкрива дълбоко познаване на инструментите и универсализма в тяхната интерпретация.

Сред произведенията на Бах за други инструменти основното място принадлежи на цигулкови сонати, партита и концерти. Като отличен цигулар от най-ранна възраст, композиторът Бах отлично възприема възможностите на инструмента, неговия „стил“, точно както владее „стила“ на орган и клавир. Новият склад на цигулковата музика по това време му служи като модел при създаването не само на цигулкови произведения, което вече е отбелязано на примера на концерти. В същото време, развитата полифония, развита под формата на орган и клавирна музика, Бах се опитва да пренесе в сонати за цигулка, поставяйки изключително високи изисквания към този инструмент. „По същество всички негови творби са създадени за идеален инструмент, заимствайки от клавиатурата възможностите на полифоничното свирене, а от струните - всички предимства при извличането на звук,“ - правилно заключава Алберт Швейцер 6 Бранденбургски концерта за различни инструментални ансамбли , превеждащи жанровите и композиционни принципи на концерта гросо, бяха важен етап по пътя към класическата симфония.

По време на живота на Бах са публикувани малка част от неговите творби. Творчеството на Бах е толкова дълбоко и многостранно, че съвременниците му не могат да го оценят. Истински мащаб Геният на Бах, оказал силно влияние върху последвалото развитие на европейската музикална култура, започва да се разпознава едва с неговата смърт. Мина цял век, за да получи Бах признание като велик композитор.

Развитието на операта и ораторията е свързано с името на Георг Фридрих Хендел (1685-1759). Още на дванадесетгодишна възраст Хендел пише църковни кантати и парчета от органи. През 1702 г. той заема поста органист в протестантска катедрала в родния си град Хале, но скоро осъзнава, че църковната музика не е неговото призвание. Операта беше много по-привлечена от композитора.

Като оперен композитор, Хендел се провежда в Италия. Постановката на Агрипина (1709) във Венеция му носи слава, а операта „Риналдо“ (1711), поставена в Лондон, прави Хендел най-големия оперен композитор в Европа. Участва в оперни предприятия (така наречените академии), поставя свои собствени опери, както и творби на други композитори; особено успешен за Хендел е работата му в Кралската музикална академия в Лондон. Хендел създава по няколко опери годишно. През 1730-те. композиторът търси нови пътища в музикалния театър - той засилва ролята на припева и балета в оперите (Ariodant, Alchina, и двете - 1735).

На оперно творчество Хендел е повлиян от музикалната драма на Р. Кайзер. Изпълнител на Просвещението, Хендел обобщава постиженията на музикалния барок и проправя пътя за него музикален класицизъм... Без да скъсва напълно с каноните на опера-серията, чрез контрастиране на драматичните слоеве, Хендел постига интензивно развитие на действието.

Работил е и в жанра на италианската опера-серия. Музиката с необикновена красота направи огромно впечатление на слушателите. Общо майсторът създава повече от четиридесет произведения от този жанр. Опера-серията в Англия обаче не беше приета от всички. Неслучайно „Операта на просяка“ (1728; музика на Йохан Кристоф Пепуш, либрето на Джон Гей) има огромен успех, който пародира италианските опери, които, както някои вярваха, възпрепятстваха развитието на националния театър.

Той доведе италианската оперна серия до ръба на реформата. Gluck ще започне да го прилага едва след повече от двадесет години, когато се създадат необходимите исторически условия за това. Самият Хендел ще продължи търсенията си в жанра на ораторията.

Творбите на Хендел се характеризират с монументален и героичен стил, оптимистично, утвърждаващо живота начало, което обединява героиката, епосите, лириката, трагедията и скотовъдството в едно хармонично цяло. Погълнал и преосмислил творчески влиянието на италианската, френската, английската музика, Хендел остава немски музикант в началото на творчеството и начина на мислене.

През 40-те години, след провала на операта „Дейдамия“ (1741), Хендел вече не се обръща към този вид музикално изкуство и посвещава цялото си време на ораторията - най-високото творческо постижение на Г.Ф. Хендел.

Новите творби на композитора бяха приети горещо от публиката. Хендел създава тридесет и две оратории. В ораторията, необвързан от строги жанрови ограничения, Хендел продължава търсенето си в областта на музикалната драма, в сюжет и композиция.

Този обрат няма да остане без последствия за бъдещия път на композитора. Създавайки истински героични оратории, той ще се обърне към теми и образи, свързани с идеята за жертва, жертва в съдбата на човек, неустоимата фатална гибел на герой или героиня. И всичко, което Хендел е постигнал през годините в оперното изкуство, всичко най-добро, което е намерил тук, няма да мине покрай ораторията. Сред най-популярните произведения на Хендел са ораториите Израел в Египет (1739), „Месията“ (1742), които след успешна премиера в Дъблин срещат остра критика от страна на духовенството. Успехът на по-късните оратории, вкл. „Юда Макавей“ (1747), допринесе за участието на Хендел в борбата срещу опита за възстановяване на династията Стюарт. Въз основа на материалите от библейските легенди и техните пречупвания в английската поезия, Хендел разкри картини на национални бедствия и страдания, величието на борбата на хората срещу потисничеството на поробителите. Хендел е създател на нов тип вокални и инструментални произведения, които съчетават мащаб (мощни хорове) и строга архитектура. Ораториите на Хендел изумяват със силата на припева, виртуозното използване на полифония, меките и гъвкави, изразителни мелодии на ариите. Хорът е предназначен да подчертае монументалността на събитието, огромното му значение за човечеството, а ариите - силата на чувствата на героя.

В жанра на ораторията, както в никоя друга, Хендел можеше свободно да се разпорежда с хоровите маси, като включваше хора в епично повествование или драматично действие. Той дори не е мислил да имитира италианските модели на ораторията, които по негово време гравитират към оперни форми много повече, отколкото към хоровата монументалност. Подобно на Бах, и Хендел винаги е проявявал дълбок творчески интерес към големите полифонични форми.

По време на кариерата си Хендел работи и в инструментални жанрове; най-голяма стойност да си концерти гроси. Мотивното развитие, особено в оркестровите произведения, хомофонично-хармоничният стил преобладава в полифоничното развитие на материала на Хендел, мелодията се отличава с дължината, интонацията и ритмичната енергия и яснотата на модела. Само в сравнение с оперите и ораториите на Хендел инструменталната му музика може да изглежда по-малко значима. Но само по себе си това е много показателно за него, тясно свързано с основните области на творчеството му и изпълнено с артистичен интерес. Въпреки че по трънливия път на композитора инструменталните произведения бяха по-скоро почивка, отколкото екстремно усилие, той успя да напише много от тях: над 50 концерта, над 40 сонати и около 200 парчета за клавир, клавир или орган , както и различни инструментални композиции. Така че, ако Хендел не създаде нищо друго освен оратории, творческото му наследство все пак ще трябва да бъде признато за грандиозно. Но той притежава повече от четиридесет опери, включително безброй страници красива музика. С всички значителни жанрови разлики, с различно съотношение на музика и текст, италианските опери на Хендел в строго музикален смисъл подготвиха много за гамата от образи в ораториите му. На свой ред, непрекъснатото развитие на неговото ораторско творчество, многостранните търсения в тази област са били от безценно значение както за историята на ораторията, така и за по-нататъшната история на операта. Неговите творби са оказали значително влияние върху художници от следващите поколения, особено представителите на виенската класическа школа. Работата на Хендел оказа значително влияние върху J. Haydn, V.A. Моцарт, Л. Бетовен, М.И. Глинка.

3. Руска музика от 18 век

Преди своя разцвет и формирането на първите национални композиторски школи в началото на 19-ти век, той е изминал дълъг път на развитие. До средата на 18 век светската музика не е била професионална, основните музикални жанрове са били в областта на фолклора и сакралната музика. Основните жанрове бяха арте и хорови концерти. Хорният концерт беше важна преходна стъпка от църковната музика към професионалната светска музика. Най-трудната форма на руското музикално изкуство от 18 век се счита за „духовен концерт за хор“. През 18 век настъпи решителна промяна в цялата структура на руската музика. Светската музика започва да доминира, въвеждат се съвременни форми на професионална музика - симфонични и камерни концерти и се развива домашна музика. Успешно се утвърди музика от европейски тип с музикална нотация.

Ражда се руският музикален театър, който разчита на традициите на хоровото пеене, използването на различни тропарии и надвишения. През последната трета на 18 век в Русия се появява истински музикален театър. Особено известни са крепостните театри на Шереметеви и Воронцови. От 1730-те години в Санкт Петербург съществува придворен италиански театър, за който са работили композитори като Балтасаре Галупи и Доменико Чимароса. През 1780 г. в Москва е основан първият музикален театър „Петровски“ в Русия. От 1783г музикални изпълнения поставен в Санкт Петербург в Театъра на камъните. Този пример беше последван от провинциални градове. През последната четвърт на 18 век се формира национална композиторска школа, която поглъща свободолюбиви образователни идеи, интерес към народната песен, за която основните жанрове са комичната опера, лирическият романс и вариациите на руски теми. Opera се нарежда на първо място сред различните жанрове на професионалната музика в края на 18 век. Именно операта в тази епоха стана най-развитата, най-професионалната и в същото време най-много масова поява музикално творчество. Не е изненадващо, че именно в оперния жанр творческите възможности на руснаците впоследствие се очертаха най-ярко. композитори XVIII век. Операта привлича както широка публика, така и най-добрите творчески сили. Opera предизвиква оживен отговор в обществено мнение, в поезия, литература и критика. С голяма спонтанност и пълнота той отразява напредналите, демократични тенденции на руското изкуство.

Заедно с оперното изкуство в Русия набира популярност различни жанрове камерна музика. В средата на 18 век камерните концерти в двора стават ежедневие. Камерното правене на музика се радваше на голям успех в аристократичните аматьорски среди. По това време ролята на придворния оркестър също нараства забележимо. В началото на 60-те години оркестърът е разделен на две независими групи музиканти - изпълнители на оперна и симфонична и бална музика. Тази диференциация беше недвусмислен знак за растежа на изпълнителните сили.

Максим Березовски и Дмитрий Бортнянски бяха брилянтни оперни и инструментални композитори. Евстигней Фомин стана известен в жанра на „песенна“ опера по руски мотиви („Кочияши на база“ към текста на Н. А. Лвов) и в жанра на опера-трагедия („Орфей“ по текста на Й. Б. Княжнин). Виртуозът на цигулката Иван Хандошкин е автор на очарователно мелодични сонати и вариации на руски народни теми. Осип Козловски придоби популярност с патриотични полонези („Гръм на победа, звучи!“) И „Руски песни“.

По този начин руската музика от 18-ти век отразява рязкото и бързо издигане, което се случва във всички сфери на обществения живот в Русия след Петрово.

Своеобразно преплитане на националното и европейското, донякъде наивно и зряло, старо и ново, духовно и светско - всичко това заедно представлява уникалния образ на руската музика от епохата на Просвещението.

Заключение

Завършвайки нашата работа, ние накратко отбелязваме следното. През 18 век това музикален език, на който тогава ще говори цяла Европа, формите достигат най-високото ниво на съвършенство. Големите майстори, работещи в различни страни, определят цялото музикално изкуство от този период с творчеството си.

В творчеството на композитора този период е представен от такъв художествени стиловекато класицизъм, барок, рококо. Заедно с вече съществуващите монументални жанрове на масата и ораторията, през този период се появява принципно нов жанр - операта, който скоро става водещ. Доминирането на светската музика беше окончателно затвърдено. Съдържанието му обхваща широк кръг теми и изображения; общественият музикален живот се развива; бяха открити постоянни музикални институции - оперни театри, филхармонии; струнните и духовите музикални инструменти се усъвършенстват; музикалният печат се развива.

Музиката от 18-ти век донесе два гигантски непостижими върха - Хендел и Бах. Изминаха повече от двеста години, а интересът към музиката им само нараства.

В края на този период започва формирането на симфонията и балета. Паралелно с процъфтяването на свободната стилна полифония, която заменя строгата полифония, в ежедневния танц, а по-късно и в професионалната музика се ражда хомофонично-хармонична композиция. В страни, където по това време продължава процесът на формиране на нации, се формират силно развити национални музикални култури. Така се раждат операта, ораторията и кантатата в Италия, подновява се инструменталната музика, във Франция - опера-балет, нови форми на клавирни миниатюри, в Англия - девствена клавирна школа.

През 18 век в руската музика настъпва решаващ поврат: светската музика започва да преобладава, въвеждат се съвременни форми на професионална музика - симфонични и камерни концерти, развива се домашна музика, успешно се установява музика от европейски тип с музикална нотация се появяват първите опери.

През 18 век повечето европейски държави възприемат образователното движение. Благодарение на реформите на ПетърАз Русия участва активно в този процес, като се присъединява към постиженията на европейската цивилизация. Обръщането му към Европа, породило феномена „руска европейскост“, се случи по типичен руски начин - рязко и решително. Взаимодействието с по-утвърдени училища по изкуства в Западна Европа позволи на руското изкуство да тръгне по пътя на „ускорено развитие“, след като овладя за исторически кратко европейско естетически теории, светски жанрове и форми.

Основното постижение на руското Просвещение е разцветът на личното творчество, което замества безименното творчество на художниците от Древна Русия. Прилага се формулата на Ломоносов: „Руската земя ще роди свои собствени Платони и бързи нютони“.

Идва времето за активно формиране на светски мироглед. Храмовото изкуство продължава да се развива, но постепенно изчезва на заден план в културния живот на Русия. Светската традиция се укрепва по всякакъв начин.

В музиката XVIII век, както в литературата, така и в живописта, се установява нов стил, близък до европейския класицизъм.

Новите форми на живот на висшето общество - тържества в паркове, езда по Нева, илюминация, бали и "маскаради", събрания и дипломатически приеми - допринесоха за широкото развитие инструментална музика... По заповед на Петрав във всеки полк се появяват военни духови оркестри. Официални тържества, балове и тържества бяха обслужвани от две съдебни оркестри и придворен хор. Примерът на съда е последван от петербургското и московското дворянство, които създават домашни оркестри. През. Са създадени крепостни оркестри и музикални театри благородни владения ... Аматьорското свирене на музика се разпространява, преподаването на музика става задължителна част от благородното образование. В края на века разнообразен музикален живот характеризира живота не само на Москва и Санкт Петербург, но и на други руски градове.

Сред музикалните новости, непознати за Европа, беше рогова лента създаден от руския императорски камерен музикант I.A. Мареш от името на С.К. Наришкина. Mares създаде хармоничен ансамбъл от 36 рога (3 октави). В него участваха крепостни музиканти, които играеха ролята на живи „клавиши“, тъй като всеки рог можеше да издава само един звук. Репертоарът включваше класическия европейска музика, включително сложни композиции от Хайдн и Моцарт.

През 30-те години на XVIII век в Русия е създадена италианска придворна опера, представления на която се дават по празници за „избраната“ публика. По това време Санкт Петербург привлича много от най-големите европейски музиканти, главно италианци, включително композиторите Ф. Арая, Б. Галупи, Г. Паисиело, Г. Сарти, Д. Чимароса. Франческо Араяпрез 1755 г. той пише музика за първата опера с руски текст. Това беше либрето на А.П. Сумароков по сюжет от „Метаморфозите“ на Овидий. Опера, създадена в италианския жанрсерия , беше повикан "Кефал и Прокрис".

В епохата на Петрин продължават да се развиват такива национални музикални жанрове като партизанския концерт и арго.

Кантовете от времето на Петър често са били наричани „живаци“, защото изобилстват от прославяне на военните победи и трансформации („Здравей, Русия на земята“). Музиката на „добре дошли“ кани се характеризира с фанфарни завои, тържествени ритми на полонезата. Изпълнението им често беше придружено от звука на тръбите и камбаните.

Епохата на Петър Велики завършва с развитието на хоровото партизанско пеене. Блестящият майстор на партизанския концерт В.П. Титов зае мястото на първия музикант в двора на цар Петър. Именно той беше инструктиран да напише тържествен концерт по случай победата в Полтава, спечелена от руските войски през 1709 г. („Rtsy до нас сега“ - за композицията беше одобрено името „Полтавско тържество“).

В средата на XVIII В продължение на векове желанието за хорови ефекти в частични концерти достига до хипертрофирани форми: композиции се появяват с десетки до 48 гласа. През втората половина на века тържественият концерт за затваряне на пара е заменен от нов артистичен феномен - духовен концерт.Така през целия 18 век руското хорово пеене е извървяло дълъг път на еволюция - от монументалния стил партес, предизвикващ асоциации с архитектурния стил на барока, до високите примери за класицизъм в творбите на М. С. Березовски и Д. С. Бортнянски, който е създал класическия тип руски духовен концерт.

Концерт на руски духовен хор

През XVIII век, жанровото съдържание на хоровите произведения значително се разширява. Имаше хорови аранжименти на народни песни, хорова оперна музика, танцова музика с хор (най-известният пример е полонезът на Козловски „Гръмът на победата се разнася“ по думите на Державин, който в краяXviii придобиха значението на националния химн на Руската империя).

Водещ хоров жанр е руският духовен концерт, който служи като своеобразен символ на древната руска традиция. Духовният концерт достига своя най-висок връх в ерата на Катрин (1762- 1796). Това беше добро време за руска култура... Опитът за съживяване на духа на реформите на Петър беше увенчан до голяма степен с успех. Политиката, икономиката, науката и културата отново получиха тласък за развитие. Възстановена е практиката на преподаване на най-талантливите представители на науката и изкуството в чужбина. Тесните културни контакти между Русия и просветена Европа не можеха да не повлияят на появата на първите преживявания на професионалното композиторско творчество.

През този период са създадени над 500 творби от концертния жанр. Почти всички известни ни руски композитори от втората половина се обръщат към него.XVIII век.

Роден в дълбините на партизанското многогласие, духовният концерт през цялото си развитие интегрира два принципа - църковната певческа традиция и новата светска музикално мислене... Концертът стана широко разпространен както като кулминационна част от църковната служба, така и като украса на съдебни церемонии. Той беше фокус на теми и образи, които засягаха дълбоки морални и философски проблеми.

Ако „партизански концерт може до известна степен да бъде сравнен сконцерт гросо , тогава структурата на класически хоров концерт има общи черти със сонатно-симфоничен цикъл. Обикновено се състоеше от три или четири части с различен характер с контрастни методи на представяне.В последната част, като правило, доминираха методите на полифонично развитие.

Изключителни чуждестранни композитори, живеещи в Санкт Петербург (Д. Сарти, Б. Галупи), допринасят много за формирането на руския класически хоров концерт. Постиженията на върха на руската хорова музика от епохата на Просвещението са свързани с имената на M.S. Березовски и Д.С. Бортнянски.

Максим Созонтович Березовски (1745-1777)

М. С. Березовски е изключителен майстор на руската хорова музика от 18 век, един от първите представители на националната композиторска школа. Оцелялата творба на композитора е малка по обем, но много значима по своята историческа и художествена същност. В музикалната култура от 60-70-те години на 18-ти век тя отваря нов етап - ерата на руския класицизъм.

Името на Березовски е кръстено сред основателите на класическия хоров концерт a cap p ella : неговите творби, заедно с творчеството на италианския композитор Галупи, представляват първия етап от развитието на този жанр.

Върхът на М.С. Березовски стана концерт "Не ме отхвърляй на стари години" . то общопризнат шедьовър на руската музика от 18-ти век, стоящ наравно с най-високите постижения на съвременното европейско изкуство. Малък по мащаб, концертът се възприема като епична монументална творба. Неговата музика, разкриваща разнообразния духовен свят на човека, поразява с дълбочината на емоциите и автентичността на живота.

И в текста, и в музиката на концерта ясно се чува лична интонация. Това е реч от първо лице. Молба за молба, викаща Всемогъщия (Аз част), се заменя със снимка на преследването на човек от зли врагове (II част - "Жени се и му подражавай") . След това следва нова тема - молитва на надежда ("Боже мой, не си тръгвай" -III част) и накрая финалът, пълен с протестиращ патос, насочен срещу злото и несправедливостта („Нека се срамуват и изчезнат, онези, които клеветят душата ми“). Самият факт, че всички теми на концерта се характеризират с определени, конкретни емоционални черти, говори за основната новост на стила, преодолявайки абстрактната неутралност на тематиката на партизанското пеене.

Четирите части на творбата са свързани не само от една драматична концепция и тонална логика, но и от интонационни нишки: мелодичната тема, която звучи в първите тактове на концерта, се превръща в интонационната основа на всички други образи. Особено важно е, че първоначалното интонационно зърно се трансформира в динамична и енергична тема на финалната фуга „Нека се срамуват и изчезнат ...“, което е върхът в развитието на целия цикъл.

Дмитрий Степанович Бортнянски (1751-1825)

Д. С. Бортнянски разработи основния тип руски класически хоров концерт, съчетаващ елементи на светски музикален инструментализъм и вокална църковна музика в музиката. По правило концертите му имат три части, редуващи се според принципа бързо - бавно - бързо. Често първото движение, най-значимото в цикъла, съдържа признаци на соната, изразени в сравнение на две контрастни теми, изложени в тонично-доминиращо съотношение. Връщането към основния ключ се случва в края на движението, но без тематични повторения.

Бортнянски притежава 35 концерта за смесен хор с 4 гласа, 10 концерта за 2 хорове, редица други църковни песнопения, както и светски хорове, включително патриотичната хорова песен „Певец в лагера на руските воини“ по текст. В. А. Жуковски (1812).

Една от дълбоките и зрели творби на майстора - Концерт номер 32 , отбелязана от П.И. Чайковски като „най-доброто от всички тридесет и пет“. Текстът му е взет от 38-ия псалом на Библията, където има следните редове: „Кажи ми, Господи, моя край и броя на дните ми, за да знам каква е моята възраст ... Слушай, Господи , молитвата ми и се вслушай в моето викане; не мълчи до сълзите ми ... ". В концерта има три части, но между тях няма контраст. Музиката се отличава с единството на траурно-елегичното настроение и целостта на тематизма. Първата част се открива с тема, представена на три гласа и напомняща на Псалм XVII век. Втората част е кратък епизод от строг хоров грим. Разширеният финал, написан под формата на фуга, е по-голям от първите две части. Музиката на финала е доминирана от тиха нежна звучност, предаваща умиращата молитва на умиращ човек.

Колекции от руски песни

За всички напреднали руски културиXviii век се характеризира с дълбок интерес към начина на живот, нравите и обичаите на хората. Започва системното събиране и изучаване на фолклора. Известният писател Михаил Дмитриевич Чулков съставя първата в Русия сборник с народни песни.

За първи път се прави музикална нотация на народни песни, появяват се печатни сборници с техните преработки: Василий Федорович Трутовски ("Колекция от руски прости песни с ноти"), Николай Александрович Лвов и Ивана Прач („Сборник с руски народни песни с техните гласове“).

Колекцията на Lvov-Prach включва 100 песни, много от които са класически примери за руски фолклор: „О, балдахине, балдахине мой“, „В полето имаше бреза“, „Независимо дали в градината или в градината. " В предговора към сборника („За руското народно пеене“) Н. Львов за първи път в Русия посочи уникалната оригиналност на руската народна хорова полифония.

Песни от тези колекции са използвани както от меломаните, така и от композиторите, които са ги взаимствали за своите произведения - опери, инструментални вариации, симфонични увертюри.

Към средата на XVIII век включва уникална колекция от руски епоси и исторически песни, наречени "Колекция на Кирша Данилов" . Няма надеждна информация за неговия компилатор. Предполага се, че Кирша Данилов (Кирил Данилович) е бил певец-импровизатор, глупак, който е живял в миньорския Урал. Той записва мелодиите на песните в един ред без текста, който е поставен отделно.

Руско национално композиторско училище

Развитието през втората половина е пряко свързано с професионалното развитие на националния фолклор.Xviii век, първият светски руски композиторско училище... Нейното раждане е кулминацията на руското Просвещение . Родината на училището е Санкт Петербург, където процъфтява талантът на най-видните му представители. Сред тях са основателите на руската опера V.A. Пашкевич и Е.И. Фомин, майстор на инструментална музика I.E. Хандошкин, изключителни създатели на класическия духовен концерт М.С. Березовски и Д.С. Бортнянски, създатели на камерата „Руска песен” О.А. Козловски и Ф.М. Дубянски и др.

Повечето руски композитори произхождат от фолклорната среда. От детството те поглъщат живия звук на руския фолклор. Следователно беше естествено и логично да се включват народни песни в руската оперна музика (опери на В. А. Пашкевич и Е. И. Фомин) и инструментални композиции (творчество И. Е. Хандошкин).

Според традицията от предишни векове вокалните жанрове, както светски, така и храмови, се развиват най-широко през епохата на Просвещението. Сред тях се открояват духовният хоров концерт, комичната опера и камерната песен. Както във фолклора, и в тези жанрове отношението към словото като приоритетна основа на музиката се запазва. Либретистът се счита за автор на операта, а поетът се смята за автор на песента; името на композитора често остава в сянка и с течение на времето е забравено.

Руска комична опера

Раждането на националната композиторска школаXviii век е тясно свързана с развитието на руската опера. Започва с музикална комедия, която се основава на комедийните произведения на руски писатели и поети: Й. Княжнин, И. Крилов, М. Попов, А. Аблесимов, М. Матински.

Комичната опера е ежедневна по своето съдържание, с неусложнен, но завладяващ сюжет от руския ежедневен живот. Неговите герои бяха остроумни селяни, крепостни селяни, алчни и алчни богати мъже, наивни и красиви момичета, зли и мили благородници.

Драматургията се основаваше на редуване на разговорни диалози с музикални номера въз основа наруснаци фолклорни песни... Поети, посочени в либретото кой "глас" ( популярна песен) човек е трябвало да изпее тази или онази ария. Най-обичаната руска опера е пример.Xviii век „Мелничарят е магьосник, измамник и сватовник“ (1779) А. Аблесимов с музика на М. Соколовски. Драматургът А. О. Аблесимов веднага пише текстовете си с оглед на определен песенен материал. Приносът на М. Соколовски беше в обработката на песни, което можеше да бъде направено от друг музикант (неслучайно авторството на музиката дълго време беше приписвано на Е. Фомин).

Разцветът на комичната опера е улеснен от таланта на изключителни руски актьори - Е.С. Яковлева (омъжена за Сандунова, на сцената - Уранова), крепостна актриса П.И. Ковалева-Жемчугова, И.А. Дмитревски.

Изключителна роля в развитието на руската операXviii век играе Василий Алексеевич Пашкевич(около 1742-1797) - един от най-големите руски композиториXviii век. Най-добрите от оперите му („Нещастието на каретата“, „Скъперникът“, „Санкт Петербург Гостини двор“) бяха много популярни, те се изпълняваха на сцените на много руски градове до средатаXIX век. Пашкевич беше майстор на писането на ансамбли, остри и добре насочени комедийни характеристики. Възпроизвеждайки успешно речевите интонации във вокални партии, той очаква принципите, характерни по-късно за творческия метод на Даргомижски и Мусоргски.

Мулти-талантлив художник, той се показа в оперното изкуство Евстигни Ипатиевич Фомин(1761-1800). Неговата опера "Треньори на разположение" . (1787) се откроява с майсторството на хоровата обработка на фолклорни мелодии от различни жанрове. За всяка песен той намери свой стил на обработка. В операта се задържат песните "Not at Father's Nightingale Sings" и "The Falcon Flies Highly", оживени танцови песни "Брезата бушуваше в полето", "Младите кочици, младите кочички", "От под дъб, отдолу бряст "се извършват. Няколко песни, избрани за „Кочияши“, три години по-късно, почти непроменени, бяха включени в „Сборник с руски народни песни“ от Н. Лвов - И. Прач.

В друго свое произведение - мелодрамата „Орфей“ (към текста на Й. Княжнин след античния мит, 1792 г.) - Фомин за първи път в руската опера въплъщава трагичната тема. Музиката на мелодрамата се превръща в едно от творенията на върха на руското изкуство на Просвещението.

В увертюрата, предшестваща мелодрамата, талантът на Фомин като симфонист се разкри напълно. В него композиторът с удивително чувство за стил успя да предаде трагичния патос древен мит... Всъщност Фомин направи първата крачка към създаването на руска симфония. Така в дълбините на театъра, както беше в Западна Европа, се роди бъдещата руска симфония.

Оперите на Фомин бяха оценени само в средатаXx век. По време на живота на композитора сценичната им съдба не беше щастлива. Операта "Треньори на база", написана за домашен театър, остана непозната за широката публика. Постановката на комичната опера "Американците" (до либретото на младия И. А. Крилов) беше забранена (директорът на императорските театри не харесваше факта, че в хода на развитието на сюжета индианците щяха да изгорят двама европейци).

Домакински вокални текстове

Раждането на нов слой фолклор имаше голямо реформативно значение в народното изкуство - градска песенВъзникна въз основа на народна селска песен, която се „приспособи“ към градския живот - нов стил на изпълнение: мелодията му беше придружена от акордов акомпанимент на някакъв инструмент.

В средата на XVIII век, в Русия се появява нов вид вокална музика - "Руска песен" ... Това беше името на произведения за глас с инструментален съпровод, написани в руски поетични текстове. Лирични по съдържание, "руски песни" бяха предшествениците на руския романс.

Основателят на „руската песен“ беше виден сановник в двора на ЕкатеринаII , образован меломан Григорий Николаевич Теплов , автор на първата руска печатна книга с песни „Между бизнес безделието ..." (1759). По стил и начин на представяне песните на Теплов представляват преходен жанр от арго към романс с акомпанимент. Формата на песните му обикновено е стихове.

Жанрът на "руската песен" беше тясно свързан с фолклорна традиция... Следователно не е изненадващо, че много от песните на автора са се превърнали в народни песни („Ето тройката, която се втурва от“ Иван Рупин към думите на Ф. Н. Глинка).

В края на XVIII век са номинирани талантливи майстори на камерния вокален жанр - Федор Дубянски и Осип Козловски ... Създадените от тях „руски песни“, които вече имат доста развита партия на пианото, по-сложна форма, могат да се считат за първите руски романси. В тях ясно се чуват ехото на градския живот („Сивият гълъб стене“ от Дубянски, „Седеше сладка вечер“, „Жестоката съдба“ от Козловски).

В "руските песни" стихове на известни поети бяха широко използвани: Сумароков, Державин, Дмитриев, Неледински-Мелецки. По своето фигуративно съдържание те се свързват с типичните настроения на изкуството. сантиментализъм... Като правило това са любовни текстове: мъките и насладите на любовта, раздялата, предателството и ревността, „насилствената страст“.

Анонимните „руски песни“, публикувани от Ф. Майер („Сборник с най-добрите руски песни“, 1781 г.) също бяха много популярни.

Камерна инструментална музика

През 70-80-те години на XVIII век в Русия започва формирането на професионален камерен инструментализъм. По това време руските музиканти владеят сложните форми на инструменталната музика, развиват жанровете на соловата соната, вариациите, камерния ансамбъл. Този процес беше тясно свързан с повсеместното създаване на домашна музика. Дълго време музиката на градския или имения живот остава онази „среда за размножаване“, в която узряват ранните кълнове на националния инструментален стил.

Първите руски инструментални ансамбли принадлежат на Дмитрий Бортнянски. Това е пиано квинтет и Камерна симфония, което всъщност е септет за пиано, арфа, две цигулки, виола да гамба, фагот и виолончело.

Особено любими бяха всички видове танцови пиеси - ме-нуети, полонези, екосези, селски танци - и вариации по темите на народните песни за различни инструменти. Създал много от тези варианти за цигулка Иван Евстафиевич Хандошкин (1747-1804), представител на петербургското училище - композитор, изключителен виртуоз по цигулка, диригент и учител.Хандошкин се слави с изкуството на импровизацията, владееше свободно и свиренето на виола, китара и балалайка.

В историята на руската музика името на Кандошкин се свързва със създаването на национална цигулкова школа. Повечето творческо наследство измислят вариации по теми на руски народни песни и сонати за цигулка, две цигулки, цигулка и виола или цигулка с бас. С тези произведения руската камерна инструментална музика за първи път напуска тесния кръг на домашната музика, придобивайки виртуозен мащаб. Също така е важно те да са постигнали доста органично единство на европейския инструментален език и руския фолклор. Изследователите вярват, че мелодиите на някои от песните, взети от композитора като теми за вариации, са записани за първи път от него.

Вариации на руски теми за пиано са написани от Трутовски (например по темата народна песен „В гората има много малки комари), Караулов, както и чуждестранни музиканти, работили в Русия.

Ролята на чуждестранните музиканти в развитието на руската музика беше двойна. Справедливите упреци от напредналата общественост предизвикаха сляпото възхищение на аристократичните кръгове пред всичко чуждо, свързано с подценяването на руското изкуство. В същото време дейността на чуждестранни композитори, изпълнители и учители допринася за общия възход на музикалната култура и образованието на местни кадри от професионални музиканти.

Съдбата на творческото му наследство е драматична: повечето творби на композитора са играни през цялото време 19 век, остава в ръкописи и се съхранява в параклиса на придворното пеене. В ранните десетилетияXx век е изгорен целият най-богат архив на параклиса с уникални автографи на много руски композитори.

Успехът и признанието, покровителството на най-висшите личности дойдоха рано в Березовски. След като стана известен в Русия в ранна възраст, скоро той стана първият руски композитор, приет в известната Болонска академия. Въпреки всичко обаче високи разликиСлед като се завърна у дома след 9 години престой в чужбина, Максим Березовски не успя да постигне забележима позиция. Записването му в Палатата на съда за скромната длъжност на обикновен служител очевидно не съответства нито на чуждестранния опит, който получи, нито на творческите му способности. Очевидно това предизвиква у композитора чувство на горчиво разочарование, въпреки че неговите хорови духовни произведения са неучени от всички любители на църковното пеене и са високо оценени от съвременниците му.параклис, военни и крепостни селяни оркестри, частни театри или са се обучавали у дома. В културна средаXviii В продължение на векове музиката заемаше най-ниското положение, тя беше изцяло зависима от покровителството, а самият музикант в аристократично общество заемаше позицията на полуслуга. Произведенията на руски автори често се считат за „втора класа“ музика в сравнение с произведенията на германци или италианци. Нито един руски майстор не е достигнал висока длъжност в двора.

Умният и хитър мелничар Тадей, преструвайки се на всемогъщ магьосник, напълно объркал невинните си съседи. Всичко обаче завършва с весела сватба на момичето Анюта и красивото селско момче Филимон.

На пощенската станция - уредба - се събират файтоните. Сред тях е младият кочия Тимофей, който имаше успех в лицето, ума и уменията си. С него е млада красива съпруга Фадеевна, любящ съпруг... Но Тимофей има завистлив и най-лош враг - крадец и мошеник Филка Пролаз. Този Филка мечтае да продаде късметлия Тимофей на новобранци и да завладее жена си, която отдавна харесва. А Тимотей би бил войник, ако не беше минаващ офицер. Той помага за освобождаването на Тимофей като единствения издръжник на селско семейство от служба. Самият Филка влиза във войниците.

Мелодрамата е театрална пиеса с музика, която се редува с рецитация, а понякога се изпълнява едновременно с произношението на текста.

Терминът "композитор" се появява за първи път през 16 век в Италия и оттогава той се използва за означаване на човек, който се занимава с композиране на музика.

Композитори от 19 век

През 19 век виенската музикална школа е представена от такъв изключителен композитор като Франц Петер Шуберт. Той продължи традициите на романтизма и повлия на цяло поколение композитори. Шуберт е създал над 600 немски романса, издигайки този жанр на следващото ниво.

Франц Петер Шуберт

Друг австриец, Йохан Щраус, се прочу с оперетите и светлината музикални форми танцов характер. Именно той направи валса най-популярният танц във Виена, където все още се провеждат балове. Освен това наследството му включва полки, кадрили, балети и оперети.

Йохан Щраус

Виден представител на модернизма в музиката от края на 19 век е германецът Рихард Вагнер. Оперите му не са загубили своята актуалност и популярност и до днес.

Джузепе Верди

Вагнер може да се противопостави на величествената фигура на италианския композитор Джузепе Верди, който остана верен на оперните традиции и даде нов дъх на италианската опера.

Петър Илич Чайковски

Сред руските композитори от 19-ти век се откроява името на Петър Илич Чайковски. Той се характеризира с уникален стил, който съчетава европейските симфонични традиции с руското наследство на Глинка.

Композитори от 20-ти век

Сергей Василиевич Рахманинов

Сергей Василиевич Рахманинов с право се смята за един от най-ярките композитори в края на 19 - началото на 20 век. Музикалният му стил се основава на традициите на романтизма и съществува паралелно с авангардни движения. Именно заради неговата индивидуалност и липса на аналози работата му е оценена високо от критиците по целия свят.

Игор Федорович Стравински

Второ известен композитор 20 век - Игор Федорович Стравински. Руснак по произход, той емигрира във Франция, а след това и в САЩ, където показва таланта си с пълна сила. Стравински е новатор, не се страхува да експериментира с ритми и стилове. В неговата творба се проследява влиянието на руските традиции, елементи на различни авангардни движения и уникален индивидуален стил, за което той е наричан „Пикасо в музиката“.

• Героят на романа "Дванадесет стола" Киса Воробянинов: биография и интересни факти
• Шишарка като символ
• Как почина Айседора Дънкан?
• Биография на Айседора Дънкан Успешна в кариерата си и нещастна в личния си живот
• Най-необичайните завещания в света
• Настройка на седем струнни китари 7 Тунинг на струнна китара
• Всичко за електрическите китари и тяхната структура и свойства
• Регулиране на отклонението на врата и настройка на фермата Къде да завъртите фермата на акустична китара
• Мъртвият човек оживя в ковчега на историята
• Руската художничка добавя своята дебела джинджифилова котка към известни картини Джинджифиловата котка се превърна в знаменитост

• Влиянието на картината върху емоционалното настроение на човек Картини, изразяващи чувства
• Ужасите на крематориума: истина и измислица Колко тежи прахът на човек?
• Хронология - Николай Василиевич Гогол
• Анотирана библиография
• Легенди за произхода на човечеството
• Мистика и Сталин: загадки за съдбата на Михаил Булгаков & nbsp
• Намерете колекционерство в спящи кучета: окончателно издание
• Първи април: идеи за шеги и практически шеги Как можете да изиграете шега на семейството си на 1 април
• Мумията на малко момиченце се отваря и затваря очи
• Деца за цирка - детска презентация