У дома > Скарани > Известни японски картини. Такаши Мураками: традиционалист и класик


Известни японски картини. Такаши Мураками: традиционалист и класик




Здравейте скъпи читатели - търсачи на знания и истина!

Японските художници се отличават със своя уникален стил, усъвършенстван от поколения художници. Днес ще ви разкажем за най -изявените представители на японската живопис и техните картини, от древността до съвременността.

Е, нека се потопим в изкуството на Страната на изгряващото слънце.

Раждането на изкуството

Древното изкуство на рисуването в Япония се свързва преди всичко с особеностите на писането и затова е изградено върху основите на калиграфията. Първите образци включват фрагменти от бронзови камбани, съдове и предмети от бита, открити при разкопки. Много от тях бяха боядисани естествени бои, а изследванията показват, че продуктите са произведени по -рано от 300 г. пр.н.е.

Нов кръг в развитието на изкуството започва с пристигането в Япония. На емакимоно - специални свитъци, направени от хартия - са приложени изображения на божества от пантеона на будизма, сюжети от живота на Учителя и неговите последователи.

Преобладаването на религиозните теми в живописта може да се проследи в средновековна Япония, а именно от 10-ти до 15-ти век. Уви, имената на художниците от онази епоха не са оцелели до наши дни.

В периода от 15 до 18 век започва нова ера, характеризираща се с появата на художници с развит индивидуален стил. Те обозначиха вектора по-нататъчно развитиевизуални изкуства.

Ярки представители на миналото

Напрегнат Шубун (началото на 15 век)

За да стане изтъкнат майстор, Xiubun изучава техниката на писане на китайските художници на песни и тяхната работа. Впоследствие той става един от основателите на живописта в Япония и създател на суми-е.

Суми-е - художествен стил, който се основава на рисуване с мастило, което означава един цвят.

Шубун направи много нов стилсе вкоренява в артистичните среди.Преподава изкуство на други таланти, включително бъдещи известни художници, например Sesshu.

Най-популярната картина на Шубун се нарича "Четене в бамбуковата горичка".

Четене в Бамбуковата горичка от Tense Shubun

Хасегава Тохаку (1539-1610)

Той става основател на училище, наречено на негово име - Хасегава. Първоначално той се опитва да следва каноните на школата на Кано, но постепенно неговият индивидуален „почерк“ започва да се проследява в неговите произведения. Тохаку се ръководеше от графиките на Sesshu.

Основата на творбите е съставена от прости, лаконични, но реалистични пейзажи с неусложнени имена:

  • "Борове";
  • "Клен";
  • „Борове и цъфтящи растения“.


"Боровете", Хасегава Тохаку

Братя Огата Корин (1658-1716) и Огата Кензан (1663-1743)

Братята са били отлични занаятчии от 18 век. Най-големият, Огата Корин, се отдава изцяло на рисуването и основава жанра римп. Той избягва стереотипните образи, предпочитайки импресионистичния жанр.

Огата Корин рисува природата като цяло и цветята като яркостта на абстракциите в частност. Неговите четки принадлежат към картините:

  • „Сливов цвят червено и бяло”;
  • "Вълните на Мацушима";
  • "Хризантеми".


"Вълните на Мацушима" от Огата Корин

По -малкият брат, Огата Кензан, имаше много псевдоними. Въпреки че се занимаваше с рисуване, той беше по-известен като прекрасен керамист.

Огата Кензан владееше много техники за създаване на керамика. Той се отличаваше с нестандартен подход, например създава плочи под формата на квадрат.

Собствената му картина не се отличаваше с великолепие - това беше и неговата черта. Той обичаше да прилага калиграфия върху продукти като свитък или откъси от поезия. Понякога работеха заедно с брат си.

Кацушика Хокусай (1760-1849)

Работил е в стил укийо -е - нещо като дърворезба, с други думи, гравиране на живопис. За цялото време на творчество той смени около 30 имена. Най-известната творба - "Голямата вълна в Канагава", благодарение на която той стана известен извън родината си.


Голямата вълна край Канагава от Хокусай Кацушика

Хокусай започна да работи особено усилено след 60 години, което донесе добри резултати. Ван Гог, Моне, Реноар са били запознати с творчеството му и до известна степен е повлияло на произведенията на европейските майстори.

Андо Хирошиге (1791-1858)

Един от най -големите художници 19 век. Роден, живял, работил в Едо, продължил делото на Хокусай, вдъхновен от неговите творби. Начинът, по който той изобразява природата, е почти толкова поразителен, колкото и броят на самите произведения.

Едо е предишното име на Токио.

Ето някои фигури за творчеството му, които са представени от цикъл картини:

  • 5,5 хиляди - броят на всички гравюри;
  • „100 изгледа на Едо;
  • "36 изгледа на Фуджи";
  • "69 станции на Кисокайдо";
  • "53 станции на Токайдо".


Картина от Андо Хирошиге

Интересното е, че изключителният Ван Гог рисува няколко копия от своите щампи.

Модерност

Такаши Мураками

Художник, скулптор, моден дизайнер, той спечели име още в края на 20 век. В работата си тя се придържа към модните тенденции с елементи на класика и черпи вдъхновение от аниме и манга карикатури.


Картина от Такаши Мураками

Произведенията на Такаши Мураками се считат за субкултура, но в същото време са невероятно популярни. Например, през 2008 г. една от неговите произведения е купена на търг за повече от 15 милиона долара. По мое време съвременен творецработи съвместно с модните къщи "Marc Jacobs" и "Louis Vuitton".

Тихо Асима

Спътник на предишния художник, тя създава модерни сюрреалистични картини. Те изобразяват гледки към градове, улици на мегаполиси и създания сякаш от друга вселена - призраци, зли духове, извънземни момичета. На фона на картините често можете да видите девствената, понякога дори плашеща природа.

Картините й достигат големи размери и рядко се ограничават до хартиени носители. Пренасят се върху кожа, пластмасови материали.

През 2006 г., като част от изложба в британската столица, една жена създава около 20 сводести конструкции, които отразяват красотата на провинцията и града, денем и нощем. Един от тях красеше метростанцията.

Здравей Аракава

Младият мъж не може да се нарече просто художник в класическия смисъл на думата – той създава инсталации, които са толкова популярни в изкуството на 21 век. Темите на изложбите му са истински японски и засягат приятелските отношения, както и работата на целия екип.

Хей Аракава често участва в различни биеналета, например във Венеция, изложен е в музей съвременно изкуствоу дома, заслужено получава различни награди.

Икенага Ясунари

Съвременният художник Икенага Ясунари успя да съчетае две на пръв поглед несъвместими неща: живота на днешните момичета в портретна форма и традиционните техники на Япония от древността. В работата си художникът използва специални четки, естествени пигментирани бои, мастило, въглен. Вместо обичайния лен - ленена тъкан.


Картина от Икенага Ясунари

Подобна контрастна техника от изобразената епоха и външен видгероините създават впечатлението, че са се върнали при нас от миналото.

Популярни в последните временав интернет общността серия от картини за сложността на живота на крокодила също е създадена от японския карикатурист Кейго.

Заключение

И така, японската живопис започва около 3-ти век пр. н. е. и оттогава се е променила много. Първите изображения са приложени към керамика, след това будистки мотиви започват да преобладават в изкуствата, но имената на авторите не са оцелели до днес.

В ерата на новото време майсторите на четката придобиват все повече индивидуалност, създават различни посоки, училища. Днешното изобразително изкуство не се ограничава до традиционна живопис- използвани са инсталации, карикатури, художествени скулптури, специални конструкции.

Благодаря ви много за вниманието, скъпи читатели! Надяваме се, че нашата статия е била полезна, а историите за живота и творчеството на най -ярките представители на изкуството ви позволиха да ги опознаете по -добре.

Разбира се, трудно е да се разкаже в една статия за всички художници от древността до наши дни. Затова нека това бъде първата стъпка към познаването на японската живопис.

И се присъединете към нас - абонирайте се за блога - нека изучаваме будизма и културата на Изтока заедно!

Ако мислите, че всички велики художници са в миналото, тогава нямате представа колко грешите. В тази статия ще научите за най -известните и талантливи художницимодерност. И, повярвайте ми, техните произведения ще потънат в паметта ви не по -малко дълбоко от произведенията на маестрото от минали епохи.

Войчех Бабски

Войчех Бабски – съвременен полски художник... Завършва Силезийския политехнически институт, но се свързва с. Напоследък рисува предимно жени. Фокусира се върху изразяването на емоции, стреми се да постигне възможно най -голям ефект с прости средства.

Обича цветовете, но често използва нюанси на черно и сиво за постигане най-доброто изживяване... Не се страхувайте да експериментирате с различни нови техники. Напоследък набира все по-голяма популярност в чужбина, главно във Великобритания, където успешно продава своите произведения, които вече могат да бъдат намерени в много частни колекции. Освен с изкуство, той се интересува от космология и философия. Слуша джаз. В момента живее и работи в Катовице.

Уорън Чанг

Уорън Чанг е съвременен американски художник. Роден през 1957 г. и израснал в Монтерей, Калифорния, той завършва с отличие колежа по дизайн в Pasadena Art Center през 1981 г., където получава бакалавърска степен по изящни изкуства в тази област. През следващите две десетилетия той работи като илюстратор за различни компании в Калифорния и Ню Йорк, преди да започне кариера като професионален художник през 2009 г.

Неговите реалистични картини могат да бъдат разделени на две основни категории: биографични интериорни картини и картини, изобразяващи работещи хора. Неговият интерес към този стил на рисуване се корени в творчеството на художника от 16-ти век Ян Вермеер и се простира до предмети, автопортрети, портрети на членове на семейството, приятели, студенти, студио, класна стая и интериор на дома. Целта му е да създаде настроение и емоция в своите реалистични картини чрез манипулиране на светлината и използване на приглушени цветове.

Чанг стана известен, след като премина към традиционните визуални изкуства. През последните 12 години той е спечелил множество награди и отличия, най -престижният от които е Master Signature от Американската асоциация на петролните художници, най -голямата общност на художници с маслени бои в САЩ. Само един човек от 50 е удостоен с възможността да получи тази награда. Понастоящем Уорън живее в Монтерей и работи в студиото си и преподава (известен като талантлив педагог) в Художествената академия в Сан Франциско.

Аурелио Бруни

Аурелио Бруни - италиански художник... Роден в Блеър на 15 октомври 1955 г. Завършва специалност сценичен дизайн в Института по изкуствата в Сполето. Като художник той е самоук, тъй като самостоятелно "издига къща на знанието" върху основата, положена в училище. Започва да рисува с маслени бои на 19-годишна възраст. В момента живее и работи в Умбрия.

Ранната живопис на Бруни се корени в сюрреализма, но с течение на времето той започва да се фокусира върху близостта на лирическия романтизъм и символизъм, засилвайки тази комбинация с изисканата изтънченост и чистота на своите герои. Анимираните и неодушевените обекти придобиват еднакво достойнство и изглеждат почти хиперреалистични, но в същото време не се крият зад завеса, а ви позволяват да видите същността на душата си. Многостранност и изтънченост, чувственост и самота, замисленост и плодотворност са духът на Аурелио Бруни, захранван от блясъка на изкуството и хармонията на музиката.

Алекасандър Балос

Alkasandr Balos е съвременен полски художник, специализиран в маслена живопис. Роден през 1970 г. в Гливице, Полша, но от 1989 г. живее и работи в САЩ, в Шаста, Калифорния.

Като дете той учи изкуство под ръководството на баща си Ян, самоук художник и скулптор, така че от ранна възраст, художествена дейностполучи пълна подкрепа и от двамата родители. През 1989 г., на 18-годишна възраст, Балос напуска Полша за Съединените щати, където училищен учители художникът на непълно работно време Кейти Гаглиарди насърчи Алкасандра да отиде в училище по изкуства. След това Балос получава пълна стипендия от Университета на Милуоки, Уисконсин, където учи рисуване при професор по философия Хари Росин.

След като завършва обучението си през 1995 г. и получава бакалавърска степен, Балос се премества в Чикаго, за да посещава училище за изящни изкуства, чиито методи се основават на творчеството. Жак-Луи Давид... Фигуративен реализъм и портретна живописпредставляват по-голямата част от работата на Балос през 90-те и началото на 2000-те. Днес Балос използва човешката фигура, за да подчертае особеностите и да покаже недостатъците на човешкото съществуване, без да предлага никакви решения.

Сюжетните композиции на картините му са предназначени да бъдат самостоятелно интерпретирани от зрителя, само тогава платната ще придобият истинското си темпорално и субективно значение. През 2005 г. художникът се премества в Северна Калифорния, оттогава обхватът на работата му се разшири значително и вече включва по-свободни методи за рисуване, включително абстракция и различни мултимедийни стилове, които помагат за изразяване на идеи и идеали за битие чрез рисуване.

Алиса монаси

Алиса Монкс - модерна американски художник... Тя е родена през 1977 г. в Риджууд, Ню Джърси. Тя започва да се интересува от рисуване, когато е още дете. Учи в New School в Ню Йорк и държавен университетМонклер и след като завършва през 1999 г. Бостънския колеж, получава бакалавърска степен. Едновременно с това учи живопис в академията Лоренцо Медичивъв Флоренция.

След това продължава обучението си за магистърска програма в Нюйоркската академия по изкуствата, в катедра „Фигуративно изкуство“, завършва през 2001 г. Тя завършва колежа Фулъртън през 2006 г. Известно време тя изнася лекции в университети и образователни институциив национален мащаб, преподава рисуване в Нюйоркската академия по изкуствата, както и в Държавния университет Монклер и колежа на Lyme Art Academy.

„Използвайки филтри като стъкло, винил, вода и пара, аз изкривявам човешкото тяло... Тези филтри ви позволяват да създавате големи площи с абстрактен дизайн, като през тях надничат острови от цветове – части от човешкото тяло.

Картините ми се променят модерен външен видвърху вече утвърдените, традиционни пози и жестове на къпещите се жени. Те биха могли да разкажат много на внимателен зрител за такива на пръв поглед самоочевидни неща като ползите от плуването, танците и т.н. Моите герои са притиснати към стъклото на прозореца на душ кабината, изкривявайки собствените си тела, осъзнавайки, че по този начин влияят на прословутия мъжки поглед към гола жена. Дебелите слоеве боя са смесени, за да имитират стъкло, пара, вода и плът отдалеч. Въпреки това, отблизо, невероятните физически свойства на маслената боя стават очевидни. Експериментирайки със слоеве боя и цвят, откривам момент, в който абстрактните щрихи се превръщат в нещо друго.

Когато за първи път започнах да рисувам човешкото тяло, веднага бях очарован и дори обсебен от него и повярвах, че трябва да направя картините си възможно най-реалистични. „Изповядвах” реализъм, докато той не започна да се разплита и разкрива противоречия в себе си. Сега проучвам възможностите и потенциала на маниера на рисуване, където репрезентативната живопис и абстракцията се срещат – ако и двата стила могат да съществуват едновременно, аз ще го направя.”

Антонио Финели

италиански художник - “ Наблюдател на времето”- Антонио Финели е роден на 23 февруари 1985 г. В момента живее и работи в Италия между Рим и Кампобасо. Негови творби са излагани в няколко галерии в Италия и чужбина: Рим, Флоренция, Новара, Генуа, Палермо, Истанбул, Анкара, Ню Йорк, а могат да бъдат намерени и в частни и публични колекции.

рисунки с молив" Наблюдател на времето”Антонио Финели ни изпраща на вечно пътешествие през вътрешния свят на човешката временност и свързания с него щателен анализ на този свят, чийто основен елемент е преминаването през времето и следите, които прави върху кожата.

Финели рисува портрети на хора от всякаква възраст, пол и националност, чиито изражения на лицето свидетелстват за преминаването във времето, художникът също се надява да намери доказателства за безмилостността на времето върху телата на своите герои. Антонио определя своите произведения с едно общо заглавие: „Автопортрет“, защото в рисунките си с молив той не само изобразява човек, но позволява на зрителя да съзерцава реалните резултати от преминаването на времето вътре в човек.

Фламиния карлони

Фламиния Карлони е 37-годишна италианска художничка, дъщеря на дипломат. Тя има три деца. Тя живее в Рим дванадесет години, в Англия и Франция три години. Получава степен по история на изкуството от Художественото училище на БД. Тогава тя получава диплома за реставратор на произведения на изкуството. Преди да намери своето призвание и да се отдаде изцяло на рисуването, тя работи като журналист, колорист, дизайнер и актриса.

Фламиния развива страст към рисуването като дете. Основната й среда е олиото, защото обича “coiffer la pate” и също така си играе с материала. Тя научи подобна техника в творбите на художника Паскал Торуа. Flaminia е вдъхновена от велики художници като Балтус, Хопър и Франсоа Легран, както и от различни художествени движения: улично изкуство, китайски реализъм, сюрреализъм и ренесансов реализъм. Любимият й художник е Караваджо. Мечтата й е да открие терапевтичната сила на изкуството.

Денис Чернов

Денис Чернов - талантлив украински художник, е роден през 1978 г. в Самбор, Лвовска област, Украйна. След като завършва Харков художествена школапрез 1998 г. остава в Харков, където в момента живее и работи. Учи и в Харковския държавна академиядизайн и изкуства, катедра графика, завършва през 2004г.

Редовно участва в художествени изложби, при този моментсе проведоха повече от шестдесет от тях, както в Украйна, така и в чужбина. Повечето от творбите на Денис Чернов се съхраняват в частни колекции в Украйна, Русия, Италия, Англия, Испания, Гърция, Франция, САЩ, Канада и Япония. Някои от произведенията са продадени на Christie's.

Денис работи в широк спектър от графика и техники за рисуване... Рисунките с молив са един от любимите му методи за рисуване, списъкът с темите за неговите рисунки с молив също е много разнообразен, той пише пейзажи, портрети, голи фигури, жанрови композиции, илюстрации на книги, литературни и исторически възстановки и фентъзи.

Обичате ли японска живопис? Колко знаете за известни японски художници? Нека разгледаме с вас в тази статия най-много известни художнициЯпония, която създава своите произведения в стил ukiyo-e (浮世 絵). Този стил на рисуване се е развил още от периода Едо. Йероглифите, с които е написан този стил 浮世 絵, буквално означават "картини (изображения) на променящ се свят", можете да прочетете повече за тази посока на рисуване

Хисикава Моронобу(菱 川 師 宣, 1618-1694). Той се счита за основоположник на жанра ukiyo-e, въпреки че всъщност той е само първият майстор, чийто живот е запазена биографична информация. Моронобу е роден в семейството на майстор по боядисване на тъкани и бродиране със златни и сребърни нишки и дълго време се занимава със семейния занаят, следователно отличителна черта на работата му са красиво декорираните дрехи на красавици, които придават прекрасен художествен ефект.

След като се премества в Едо, първо изучава самостоятелно техники на рисуване, а след това художникът Камбун продължава обучението си.

Повечето от албумите на Моронобу са достигнали до нас, в които той изобразява исторически и литературни сюжетии книги с образци на десени за кимоно. Майсторът е работил и в жанра шунга, а сред отделните творби са оцелели няколко с образа на красиви жени.

(鳥 居 清 長, 1752-1815). Признат в края на 18 век, майсторът Секи (Секигучи) Шинсуке (Ишибей) носи псевдонима Торий Кийонага, който взема, когато наследява училището Укийо-е Тори от Торий Кийомицу след смъртта на последния.

Кийонага е роден в семейството на книжаря Ширакоя Ишибей. Жанрът на наддаването му донесе най-голяма слава, въпреки че започна с якуша-е. Темите за наддаване бяха взети от Ежедневието: разходки, празнични шествия, излизания сред природата. Сред многото творби на художника, поредицата „Състезания на модни красавици от весели квартали“, изобразяваща Минами, един от „веселите квартали“ в южната част на Едо, „12 портрета на южните красавици“, „10 вида магазини за чай " Да изпъкнеш. Отличителна чертамайсторът е подробно проучване на фоновия изглед и използването на техники, дошли от Запад за изобразяване на светлина и пространство.

Кийонага придобива първоначалната си слава с възобновяването през 1782 г. на поредицата „Модни модели: Модели, нови като пролетна листа“, започната от Корюсай през 1770-те за издателя Нишимурай Йохачи.

(喜 多 川 歌 麿, 1753-1806). Този изтъкнат майстор на укийо-е е бил значително повлиян от Торий Кийонага и издателя Цутая Джузабуро. В резултат на дългосрочното сътрудничество с последните бяха издадени много албуми, книги с илюстрации и поредици отпечатъци.

Въпреки факта, че Утамаро взе сюжети от живота на обикновените занаятчии и се стреми да изобрази природата („Книга на насекомите“), славата му дойде като художник на творби, посветени на гейшите от квартал Йошивара („Годишник на зелените къщи на Йошивара“ ).

Утамаро достигна високо ниво на изразяване състояния на умавърху хартията. За първи път в японската дърворезба той започва да използва композиции за бюст.

Работата на Утамаро повлия Френски импресионистии допринесе за интереса на европейците към японските щампи.

(葛 飾 北 斎, 1760-1849). Истинското име на Хокусай е Токитаро. Вероятно най-известният майстор на укийо-е в света. През цялата си работа той използва над тридесет псевдонима. Историците често използват псевдоними за периодизиране на творчеството му.

Първоначално Хокусай работи като резбар, чиято работа е ограничена до намерението на художника. Този факт натежи на Хокусай и той започна да търси себе си като независим художник.

През 1778 г. става чирак в ателието на Кацукава Шунш, специализирайки се в щампи якуша-е. Хокусай беше едновременно талантлив и много усърден ученик, който винаги проявяваше уважение към учителя и затова се радваше на специалното благоволение на Шуншо. И така, първият самостоятелна работаХокусай бяха в жанра якуша-е под формата на диптих и триптих, а популярността на ученика се равняваше на тази на учителя. По това време младият майстор вече е развил таланта си толкова много, че се чувства стиснат в рамките на едно училище и след смъртта на учителя си Хокусай напуска студиото и изучава посоките на други училища: Кано, Сотацу (в противен случай - Коецу), Римпа, Тоса.

През този период художникът изпитва значителни финансови затруднения. Но в същото време той се формира като майстор, който отказва познатия образ, който обществото изискваше, и търси свой собствен стил.

През 1795 г. са публикувани илюстрации към поетическата антология Кака Едо Мурасаки. Тогава Хокусай рисува картини суримоно, които веднага стават популярни и много художници започват да ги имитират.

От този период Токитаро започва да подписва творбите си с името Хокусай, въпреки че някои от произведенията му са публикувани под псевдонимите Тацумаса, Токитаро, Како, Соробеку.

През 1800 г. майсторът започва да се нарича Гакеджин Хокусай, което означава „Рисуване на луд Хокусай“.

Забележителните серии от илюстрации включват 36 гледки към планината Фуджи, от които Victory Wind е най-известният. Ясен ден ”или „Червеният Фуджи” и „Голямата вълна край Канагава”, „100 изгледа на планината Фуджи”, издадени в три албума, „Манга Хокусай” (北 斎 漫画), която се нарича „енциклопедия на японския народ “. Художникът вложи всичките си възгледи за творчеството и философията в "Манга". Манга е най -важният източник за изучаване на живота на Япония по това време, тъй като включва много културни аспекти. Общо по време на живота на художника са публикувани дванадесет броя, а след смъртта му - още три:

* 1815 - II, III

* 1817 г. - VI, VII

* 1849 - XIII (след смъртта на художника)

Изкуството на Хокусай повлия на европейските тенденции като Арт Нуво и френския импресионизъм.

(河 鍋 暁 斎, 1831 -1889). Той използва псевдонимите Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Doujin, учи в училището Kano.

За разлика от Хокусай, Кьосай беше доста нахален, което го накара да се раздели с художника Цубояма Тозан. След училище станах независим майстор, въпреки че понякога я посещаваше за още пет години. По това време рисува киога, така наречените „луди картини“.

Сред изключителните гравюри се отличава „Стоте картини на Кьосай“. Като илюстратор, Kyosai създава изображения за романи и романи в сътрудничество с други художници.

В края на 19 век европейците често посещават Япония. Художникът е бил запознат с някои от тях и няколко от неговите творби сега се намират в Британския музей.

(歌 川 広 重, 1797-1858). Той е работил под псевдонима Андо Хирошиге (安藤 広 重) и е известен с финото си представяне на естествени мотиви и природни явления. Първата картина "Планината Фуджи в снега", която сега се съхранява в музея Suntory в Токио, той рисува на десетгодишна възраст. Парцели ранни произведениябазиран на реални събитияпровеждащи се по улиците. Неговите известни цикли: "100 гледки на Едо", "36 гледки към планината Фуджи", "53 станции на Токайдо", "69 станции на Кимокайдо", "100 известни гледки на Едо". Моне и руският художник Билибин са силно повлияни от 53 станции на пътя Токайдо, нарисувани след пътуване по Източния морски път, както и от 100 изгледа на Едо. От поредицата в жанра катьо-га от 25 гравюри най-известният е листът "Врабчета над камелия, покрита със сняг".

(歌 川 国 貞, известен също като Utagawa Toyokuni III (三代 歌 川 豊 国)). Един от най изключителни художнициукийо-е.

Платено Специално вниманиена актьорите кабуки и самия театър - това е около 60% от всички произведения. Известни са също произведения в жанра на наддаването и портрети на сумисти. Известно е, че той създава от 20 до 25 хиляди парцела, които включват 35-40 хиляди листа. Рядко се обръщаше към пейзажи и воини. Утагава Кунийоши (歌 川 国 芳, 1798 - 1861). Роден в семейството на бояджия на коприна. Кунийоши започва да учи рисуване на десетгодишна възраст, докато живее с художника Кунинао в семейството им. След това продължава обучението си при Кацукава Шуней, а на 13-годишна възраст влиза в работилницата на Токуйони. Първите години на млад художникнещата не вървят добре. Но след като получиха поръчка от издателя Кагая Китибей за пет отпечатъци за поредицата 108 Suikoden Heroes, нещата тръгнаха нагоре. Той създава останалите герои в тази серия, след което пристъпва към други различни произведения и петнадесет години по-късно става наравно с Утагава Хирошиге и Утагава Кунисада.

След забраната от 1842 г. на изображения на театрални сцени, актьори, гейши и куртизанки, Кунийоши пише своята поредица „котка“, прави гравюри от образователна поредица за домакини и деца, изобразява национални герои в поредицата „Традиция, морал и благоприличие“, и до края на 1840 - х - началото на 1850-те, след отслабването на забраните, художникът се връща към темата за кабуки.

(渓 斎 英 泉, 1790-1848). Известен със своите произведения в жанра наддаване. В неговия най -добрите произведениявключва портрети като okubi-e ("големи глави"), които се считат за примери за уменията от епохата на Bunsei (1818-1830), когато жанрът ukiyo-e е в упадък. Художникът е написал много лирично и еротично суримоно, както и цикъла от пейзажи „Шестдесет и девет станции на Кисокайдо“, които не е могъл да завърши и той е завършен от Хирошиге.

Новостта в изобразяването на Bijinga беше в чувственост, която други художници никога преди не са имали. От неговите произведения можем да разберем модата на онова време. Той също така публикува биографии на „Четиридесет и седемте ронини“ и написа няколко други книги, включително „История на отпечатъците на Ukiyo-e“ (Ukiyo-e Ruiko), която съдържа биографии на художници. А в „Записки на един безименен старейшина“ той описва себе си като развратен пияница и бивш собственик на публичен дом в Недзу, който изгоря през 1830-те.

Сузуки Харунобу (鈴木 春 信, 1724-1770). Истинското име на художника е Хозуми Джиробей. Той е откривателят на полихромния печат укийо-е. Учи в училището Кано и учи рисуване. Тогава, под влиянието на Шигенага Нишимура и Тори Кийомицу, дърворезбата се превръща в негово хоби. Гравюри в два или три цвята се правят от началото на 18 век и Харунобу започва да рисува в десет цвята, като използва три дъски и комбинира три цвята - жълт, син и червен.

Изпъкна в образа улични сцении картини в жанра шунга. И от 1760-те той е един от първите, които започват да изобразяват актьорите от театъра кабуки. Творчеството му повлия на Е. Мане и Е. Дега.

(小 原 古邨, 1877 - 1945). Истинското му име е Матао Охара. Той изобразява сцени от руско-японската и китайско-японската война. Въпреки това, след появата на фотографията, работата му се продава слабо и той започва да си изкарва прехраната като преподава в училище. изящни изкуствав Токио. През 1926 г. Ърнест Фелоза, уредник на отдела японско изкуствов Бостънския музей, убеждава Охара да се върне към рисуването и художникът започва да изобразява птици и цветя, а работата му се продава добре в чужбина.

(伊藤 若 冲, 1716 - 1800). Той се откроява сред другите художници със своята ексцентричност и начин на живот, който се състои в приятелство с много културни и религиозни водачитова време. Той изобразяваше животни, цветя и птици по много екзотичен начин. Той беше много известен и приемаше поръчки за боядисване на паравани и храмови рисунки.

(鳥 居 清 信, 1664-1729). Един от най-важните представители ранен периодукийо-е. Въпреки голямото влияние на своя учител Хисикава Моноробу, той става основател на жанра якуша-е в образа на плакати и плакати и изобретява собствен стил. Актьорите бяха изобразени в специални пози като смели герои и бяха нарисувани
благороден оранжев цвяти злодеите бяха привлечени сини цветя... За да изобрази страстта, художникът измисли специален тип рисунка mimizugaki - това са криволичещи линии с редуващи се тънки и дебели щрихи и съчетаващи се с гротескното изображение на мускулите на крайниците.

Торий Кийонобу е основателят на династията на художниците Тори. Негови ученици са Торий Кийомасу, Торий Кийосиге I, Торий Кийомицу.

Кой е любимият ти изпълнител на укио-е?

Японският език се различава от всеки европейски език по своята структура, което може да предизвика определени трудности при ученето. Въпреки това, не се притеснявайте! Специално за вас, вие сте разработили курс "", за който можете да се запишете точно сега!

Едноцветната живопис в Япония е едно от уникалните явления в Източното изкуство. На него са посветени много произведения и изследвания, но често се възприема като много условно нещо, а понякога дори декоративно. Това не е така. Духовният свят на японския художник е много богат и той се грижи не толкова за естетическата съставка, колкото за духовната. Изкуството на Изтока е синтез на външно и вътрешно, явно и имплицитно.

В тази публикация бих искал да обърна внимание не на историята на монохромната живопис, а на нейната същност. Това ще бъде обсъдено.

екран "Борове" Хасегава Тохаку, 1593 г

Това, което виждаме в монохромни картини, е резултат от взаимодействието на художника с боровата триада: хартия, четка, мастило. Следователно, за да се разбере правилно творбата, човек трябва да разбере самия художник и неговото отношение.

"Пейзаж" Сешу, 1398г

хартияне е лесно за японски майстор удобен материал, която той подчинява на каприза си, а по-скоро обратното е „брат“, следователно съответно се е развило и отношението към нея. Хартията е част заобикалящата природа, към която японците винаги са се отнасяли с трепет и са се опитвали да не се подчиняват, а мирно да съжителстват с нея. Хартията в миналото е дърво, което е стояло в определена област, за определено време, е „виждало“ нещо около себе си и съхранява всичко това. Ето как японски художник възприема материала. Преди да започнат работа, занаятчиите често гледаха прозрачен лист(съзерцавал го) и едва тогава започнали да рисуват. Дори и сега съвременните японски художници, които практикуват техниката на Nihon-ga (традиционна японска живопис), избират внимателно хартията. Купуват го по поръчка от фабриките за хартия. За всеки художник с определена дебелина, пропускливост на влага и текстура (много художници дори сключват споразумение със собственика на фабриката да не продава тази хартия на други художници) - следователно всяка картина се възприема като нещо уникално и жива.

„Четене в бамбуковата горичка“ Сюбун, 1446 г.

Говорейки за значението на този материал, заслужава да се споменат такива известни паметници на японската литература като "Бележки в таблата" от Сей ​​Шонагон и "Генджи Моноготари" от Мурасаки Шикибу: както в "Бележки", така и в "Генджи" можете да намерите сюжети когато придворни или любовници обменят съобщения ... Хартията, на която са написани тези съобщения, е от подходящия сезон, сянка и начинът на писане на текста съответства на неговата текстура.

„Мурасаки Шикибу в храма Ишияма“ от Киошен

Четка- вторият компонент е продължението на ръката на господаря (отново, това е естествен материал). Затова четките също се правеха по поръчка, но най-често от самия художник. Той вдигна космите с необходимата дължина, избра размера на четката и най-удобния захват. Майсторът пише само със собствената си четка и никаква друга. (От личен опит: Бях на майсторския клас на китайския художник Jiang Shilun, публиката беше помолена да покаже какво са успели да направят неговите ученици, които присъстваха на майсторския клас, и всеки от тях, като взе четката на майстора, каза, че ще не разработят това, което са очаквали, тъй като четката не е тяхна, те не са свикнали с нея и не знаят как да я използват правилно).

Скица с мастило "Fuji" от Кацушика Хокусай

Спирала за очие третият важен елемент. Маскара се случва различни видове: може да даде лъскав или матов ефект след изсъхване, може да се смесва със сребърни или охра нюанси, следователно правилен изборспиралата също не е без значение.

Ямамото Байцу, края на 18 - 19 век.

Основните теми на монохромната живопис са пейзажите. Защо в тях няма цвят?

Двуекранен екран „Борове“, Хасегава Тохаку

Първо, японският художник не се интересува от самия обект, а от неговата същност, определен компонент, който е общ за всички живи същества и води до хармония между човека и природата. Следователно образът винаги е намек, адресиран е към нашите сетива, а не към зрението. Подценяването е стимул за диалог, което означава връзка. Линиите и петната са важни в образа – те формират художествения език. Това не е свободата на майстора, който е оставил мазна диря, където е искал, а на друго място, напротив, не я е нарисувал - всичко на картината има свое собствено значение и смисъл и не носи случаен характер .

Второ, цветът винаги носи някаква емоционална окраска и се възприема по различен начин от различни хора в различни състояния, следователно емоционалната неутралност позволява на зрителя най-адекватно да влезе в диалог, да го настрои към възприятие, съзерцание, мисъл.

На трето място, това е взаимодействието на ин и ян, всяка монохромна картина е хармонична по отношение на съотношението на мастилото и недокосната площ на хартията.

Защо по-голямата част от пространството на хартията не се използва?

"Пейзаж" Сюбун, средата на 15 век.

Първо, празното пространство потапя зрителя в изображението; второ, образът се създава така, сякаш за момент е изплувал на повърхността и е на път да изчезне – това се дължи на мирогледа и мирогледа; трето, в области, където няма мастило, текстурата и нюансът на хартията излизат на преден план (това не винаги се вижда на репродукции, но всъщност винаги е взаимодействието на два материала - хартия и мастило).

Сешу, 1446 г

Защо пейзаж?


„Съзерцание на водопада“ от Гейами, 1478 г.

Според японския мироглед природата е по-съвършена от човека, така че той трябва да се учи от нея, да се грижи за нея по всякакъв възможен начин, а не да я унищожава или подчинява. Следователно в много пейзажи можете да видите малки изображения на хора, но те винаги са незначителни, малки по отношение на самия пейзаж, или изображения на хижи, които са вписани в околното пространство и дори не винаги се забелязват - това са всички символи на светогледът.

"Сезони: есен и зима" Сешу. "Пейзаж" Сешу, 1481 г

В заключение искам да кажа, че монохромната японска живопис не е хаотично напръскано мастило, не е прищявка на вътрешното его на художника - тя е цяла система от образи и символи, тя е хранилище на философска мисъл и най-важното, начин на общуване и хармонизиране на себе си и света около нас.

Тук, мисля, са отговорите на основните въпроси, които възникват у зрителя, когато се сблъска с монохромната японска живопис. Надявам се да ви помогнат да го разберете най-правилно и да го възприемете при среща.

Хокусай, японски художник от 18 -ти век, създава шеметна сума произведение на изкуството... Хокусай работи до дълбока старост, като неизменно твърди, че „всичко, което е правил преди 70 -годишна възраст, не си заслужава и не заслужава внимание“.

Може би най-известният японски художник в света, той винаги се е откроявал от своите колеги съвременници с интереса си към ежедневието. Вместо да изобразява бляскави гейши и героични самураи, Хокусай рисува работници, рибари, градски жанрови сцени, които все още не са били обект на интерес за японското изкуство. Той също така възприе европейски подход към композицията.

Тук кратък списъкключови термини, които ще ви помогнат да се ориентирате малко в работата на Хокусай.

1 Ukiyo-e - щампи и картини, популярни в Япония от 1600-те до 1800-те години. Посока към изящни изкустваЯпония, която се развива от периода Едо. Този термин идва от думата "ukiyo", което означава "променящият се свят". Uikie е алюзия за хедонистичните радости на процъфтяващо търговско съсловие. В тази посока Хокусай е най-известният художник.


Хокусай използва най-малко тридесет псевдонима през целия си живот. Въпреки че използването на псевдоними е обичайна практика сред японски художнициот онова време, по брой на псевдонимите, той значително надминава други големи автори. Псевдонимите на Хокусай често се използват за периодизиране на етапите от неговото творчество.

2 Периодът Едо е времето между 1603 и 1868 г. в японската история, когато се забелязва икономически растеж и нов интерес към изкуството и културата.


3 Shunrō е първият псевдоним на Хокусай.

4 Шунга буквално означава „картина на пролетта“, а „пролет“ е японски жаргон за секс. По този начин това са гравюри от еротичен характер. Те са създадени от най-уважаваните художници, включително Хокусай.


5 Суримоно. Последното "суримоно" - както се наричаха тези щампи по поръчка - имаше огромен успех. За разлика от разпечатките на укийо-е, които бяха предназначени за широката публика, суримоно рядко се продаваше на широката публика.


6 Планината Фуджи е симетрична планина, която се оказва най-високата в Япония. През годините тя вдъхновява много художници и поети, включително Хокусай, който продуцира укийо-е поредицата Тридесет и шест гледки към планината Фуджи. Тази поредица включва най -известните отпечатъци на Хокусай.

7 Японизъм – трайното влияние, което Хокусай оказва върху следващите поколения западни художници... Японизмът е стил, вдъхновен от ярките цветове на укио-е щампи, липсата на перспектива и композиционните експерименти.