Dom > Posvađani > Poznate japanske slike. Takashi Murakami: tradicionalist i klasik


Poznate japanske slike. Takashi Murakami: tradicionalist i klasik




Pozdrav dragi čitatelji - tragači za znanjem i istinom!

Japanski umjetnici odlikuju se jedinstvenim stilom, koji bruse generacije umjetnika. Danas ćemo razgovarati o najistaknutijim predstavnicima japanskog slikarstva i njihovih slika, od antičkih vremena do modernih vremena.

Pa, zaronimo u umjetnost Zemlje izlazećeg sunca.

Rođenje umjetnosti

Drevna umjetnost japanskog slikarstva prvenstveno je povezana s osobitostima pisanja i stoga se temelji na temeljima kaligrafije. Prvi uzorci uključuju ulomke brončanih zvona, posuđa i predmeta za kućanstvo pronađene tijekom iskapanja. Mnogi od njih su naslikani prirodne boje, a istraživanja daju razlog da se vjeruje da su proizvodi izrađeni prije 300. pr.

Nova runda u razvoju umjetnosti započela je dolaskom u Japan. Na emakimono - posebne svitke izrađene od papira - primijenjene su slike božanstava panteona budizma, zapleti iz života Učitelja i njegovih sljedbenika.

Prevladavanje vjerskih tema u slikarstvu može se pratiti u srednjovjekovnom Japanu, naime, od 10. do 15. stoljeća. Imena umjetnika tog doba, nažalost, nisu preživjela do danas.

U razdoblju od 15. do 18. stoljeća započinje novo doba koje karakterizira pojava umjetnika s razvijenim individualnim stilom. Oni su odredili vektor daljnji razvoj vizualne umjetnosti.

Svijetli predstavnici prošlosti

Napeti Shubun (početak 15. stoljeća)

Kako bi postao ugledni majstor, Xiubun je proučavao tehniku \u200b\u200bpisanja kineskih umjetnika Song i njihova djela. Poslije je postao jedan od utemeljitelja slikarstva u Japanu i tvorac sumi-ea.

Sumi-e - umjetnički stil, koji se temelji na crtežu tintom, što znači, jedna boja.

Shubun je puno učinio na tome novi stil ukorijenio se u umjetničkim krugovima.Učio je umjetnost drugim talentima, među kojima su bili i budući poznati slikari, na primjer Sesshu.

Shubunova najpopularnija slika zove se Čitanje u gaju bambusa.

"Čitanje u bambusovom gaju" napete Shubun

Hasegawa Tohaku (1539.-1610.)

Postao je osnivač škole nazvane po sebi - Hasegawa. Isprva je pokušavao slijediti kanone škole Kano, ali postupno se u njegovim djelima počeo pratiti njegov individualni "rukopis". Tohaku se vodio Sesshuovom grafikom.

Temelj rada činili su jednostavni, lakonski, ali realistični krajolici s nekompliciranim imenima:

  • "Borovi";
  • "Javor";
  • "Borovi i cvjetnice".


"Pines", Hasegawa Tohaku

Braća Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)

Braća su bila vrsni obrtnici 18. stoljeća. Najstariji, Ogata Korin, u potpunosti se posvetio slikarstvu i osnovao žanr rimp. Izbjegavao je stereotipne prikaze, preferirajući impresionistički žanr.

Ogata Korin slikao je prirodu općenito, a posebno cvijeće u obliku svjetline apstrakcija. Njegovi kistovi pripadaju slikama:

  • "Cvat šljive crveno-bijeli";
  • "Valovi Matsushime";
  • "Krizanteme".


"Valovi Matsushime" Ogate Korin

Mlađi brat, Ogata Kenzan, imao je mnogo pseudonima. Iako se bavio slikarstvom, bio je poznatiji kao divan keramičar.

Ogata Kenzan bio je vješt u mnogim lončarskim tehnikama. Odlikovao se nestandardnim pristupom, na primjer, stvorio je ploče u obliku kvadrata.

Vlastito slikarstvo nije se odlikovalo sjajem - to je ujedno bila i njegova značajka. Volio je primjenjivati \u200b\u200bkaligrafiju na proizvode poput svitka ili ulomaka iz poezije. Ponekad su radili zajedno s bratom.

Katsushika Hokusai (1760.-1849.)

Radio je u stilu ukiyo-e - vrsta drvoreza, drugim riječima, gravura. Za cijelo vrijeme kreativnosti promijenio je 30-ak imena. Najpoznatije djelo - "Veliki val u Kanagawi", zahvaljujući kojem je postao poznat izvan svoje domovine.


Veliki val kod Kanagawe, Hokusai Katsushika

Hokusai je počeo posebno marljivo raditi nakon 60 godina, što je donijelo dobre rezultate. Van Gogh, Monet, Renoir bili su upoznati s njegovim djelom i u određenoj je mjeri utjecao na djela europskih majstora.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Jedan od najveći umjetnici 19. stoljeće. Rođen, živio, radio u Edu, nastavio je djelo Hokusaija, nadahnut je njegovim djelima. Način na koji je prikazao prirodu gotovo je jednako nevjerojatan kao i broj samih djela.

Edo je nekadašnje ime Tokija.

Evo nekoliko podataka o njegovom radu koji su predstavljeni ciklusom slika:

  • 5,5 tisuća - broj svih gravura;
  • „100 pogleda na Edu;
  • "36 pogleda na Fuji";
  • "69 stanica Kisokaido";
  • "53 stanice Tokaida".


Slika Anda Hiroshigea

Zanimljivo je da je izvanredni Van Gogh naslikao nekoliko primjeraka svojih grafika.

Modernost

Takashi Murakami

Slikar, kipar, modni dizajner, ime je stekao već krajem 20. stoljeća. U svom radu drži se modnih trendova s \u200b\u200belementima klasike, a inspiraciju crpi iz anime i manga crtića.


Slika Takashi Murakami

Djela Takashija Murakamija klasificirana su kao supkultura, ali su nevjerojatno popularna. Primjerice, 2008. godine jedno je njegovo djelo kupljeno na aukciji za više od 15 milijuna dolara. U moje vrijeme suvremeni stvaralac surađivao s modnim kućama Marc Jacobs i Louis Vuitton.

Tycho Asima

Pratitelj prethodne umjetnice, ona stvara moderne nadrealne slike. Prikazuju poglede na gradove, ulice megalopolisa i bića kao iz drugog svemira - duhovi, zli duhovi, vanzemaljske djevojke. U pozadini slika često možete vidjeti netaknutu, ponekad čak i zastrašujuću prirodu.

Njezine slike dosežu velike veličine i rijetko su ograničene na papirnate medije. Prenose se na kožu, plastične materijale.

2006. godine, u sklopu izložbe u britanskoj prijestolnici, žena je stvorila 20-ak lučnih građevina koje su danju i noću odražavale ljepotu sela i grada. Jedan od njih krasio je metro stanicu.

Hej Arakawa

Mladića ne možemo nazvati jednostavno umjetnikom u klasičnom smislu te riječi - on stvara instalacije koje su toliko popularne u umjetnosti 21. stoljeća. Teme njegovih izložbi uistinu su japanske i dotiču se prijateljskih odnosa, kao i rada cijelog tima.

Hej Arakawa često sudjeluje na raznim bijenalima, na primjer u Veneciji, izlaže se u muzeju suvremena umjetnost kod kuće, zasluženo prima razne nagrade.

Ikenaga Yasunari

Suvremeni slikar Ikenaga Yasunari uspio je kombinirati dvije naizgled nespojive stvari: život današnjih djevojaka u portretnom obliku i tradicionalne japanske tehnike iz antike. U svom radu slikar koristi posebne četke, prirodne pigmentirane boje, tintu i ugljen. Umjesto uobičajene posteljine - platnene tkanine.


Slika Ikenaga Yasunarija

Slična tehnika kontrasta prikazanog doba i izgled heroine ostavljaju dojam da su nam se vratile iz prošlosti.

Popularno u novije vrijeme u internetskoj zajednici, niz slika o složenosti života krokodila stvorio je i japanski crtač Keigo.

Zaključak

Dakle, japansko je slikarstvo započelo oko 3. stoljeća prije Krista i od tada se dosta promijenilo. Prve slike primijenjene su na keramiku, tada su u umjetnosti počeli prevladavati budistički motivi, ali imena autora nisu preživjela do danas.

U modernoj eri, majstori četkica stekli su sve više i više individualnosti, stvorili su se različitih smjerova, škole. Današnja likovna umjetnost nije ograničena na tradicionalno slikarstvo - koriste se instalacije, crtići, umjetničke skulpture, posebne strukture.

Najljepša hvala na pažnji, dragi čitatelji! Nadamo se da vam je naš članak bio koristan, a priče o životu i radu najsjajnijih predstavnika umjetnosti omogućile su vam da ih bolje upoznate.

Naravno, teško je u jednom članku reći o svim umjetnicima od antičkih vremena do danas. Stoga, neka ovo bude prvi korak ka poznavanju japanskog slikarstva.

I pridružite nam se - pretplatite se na blog - proučavajmo zajedno budizam i kulturu Istoka!

Ako mislite da su svi sjajni umjetnici prošlost, onda nemate pojma koliko griješite. U ovom ćete članku naučiti o najpoznatijim i nadareni umjetnici modernost. I, vjerujte mi, njihova će vam djela sjesti u pamćenje ne manje duboko od djela maestra iz prošlih razdoblja.

Wojciech Babski

Wojciech Babski - moderan poljski umjetnik... Diplomirao je na Šleskom politehničkom institutu, ali povezao se s. U posljednje vrijeme crta uglavnom žene. Usredotočuje se na izražavanje osjećaja, nastoji postići što veći učinak jednostavnim sredstvima.

Voli boju, ali često za postizanje koristi nijanse crne i sive najbolje iskustvo... Ne boj se eksperimentiranja s različitim novim tehnikama. U posljednje vrijeme sve veću popularnost stječe u inozemstvu, uglavnom u Velikoj Britaniji, gdje uspješno prodaje svoja djela koja se već mogu naći u mnogim privatnim kolekcijama. Osim umjetnosti, zanimaju ga kozmologija i filozofija. Sluša jazz. Trenutno živi i radi u Katovicama.

Warren Chang

Warren Chang suvremeni je američki umjetnik. Rođen 1957. godine i odrastao u Montereyu u Kaliforniji, diplomirao je cum laude na Umjetničkom fakultetu u Pasadeni 1981. godine, gdje je stekao diplomu likovnih umjetnosti u tom području. Sljedeća dva desetljeća radio je kao ilustrator za razne tvrtke u Kaliforniji i New Yorku prije nego što je 2009. započeo karijeru profesionalnog umjetnika.

Njegove realistične slike mogu se podijeliti u dvije glavne kategorije: biografske unutarnje slike i slike koje prikazuju radne ljude. Njegov interes za ovaj stil slikanja temelji se na radu umjetnika Jana Vermeera iz 16. stoljeća, a proteže se na predmete, autoportrete, portrete članova obitelji, prijatelja, učenika, studija, učionice i interijera kuće. Cilj mu je stvoriti raspoloženje i osjećaje na svojim realističnim slikama manipulirajući svjetlom i koristeći prigušene boje.

Chang se proslavio nakon prelaska na tradicionalnu vizualnu umjetnost. Tijekom posljednjih 12 godina stekao je brojne nagrade i počasti, od kojih je najprestižnija Master Signature iz Američkog udruženja slikara ulja, najveće zajednice uljanih slikara u Sjedinjenim Državama. Samo je jedna osoba od 50 počašćena mogućnošću da primi ovu nagradu. Warren trenutno živi u Montereyu, radi u svom studiju i predaje (poznat kao nadareni pedagog) na Umjetničkoj akademiji u San Franciscu.

Aurelio bruni

Aurelio Bruni - talijanski umjetnik... Rođen u Blairu, 15. listopada 1955. Diplomirao scenografiju na Institutu za umjetnost u Spoletu. Kao umjetnik samouk je, jer je samostalno "podigao kuću znanja" na temeljima postavljenim u školi. Slikanjem u uljima počeo se baviti u 19. godini. Trenutno živi i radi u Umbriji.

Brunijevo rano slikarstvo ukorijenjeno je u nadrealizmu, ali s vremenom se počinje usredotočivati \u200b\u200bna blizinu lirskog romantizma i simbolizma, pojačavajući ovu kombinaciju profinjenom sofisticiranošću i čistoćom svojih likova. Animirani i neživi predmeti stječu jednako dostojanstvo i izgledaju gotovo hiperrealistično, ali, istodobno, ne skrivaju se iza zavjese, već vam omogućuju da vidite suštinu svoje duše. Svestranost i sofisticiranost, senzualnost i usamljenost, promišljenost i plodnost duh su Aurelia Brunija, hranjenog sjajem umjetnosti i skladom glazbe.

Alekasander Balos

Alkasandr Balos suvremeni je poljski umjetnik specijalizirao se za ulje na platnu. Rođen 1970. u Gliwicama u Poljskoj, ali od 1989. živi i radi u Sjedinjenim Državama, u mjestu Shasta u Kaliforniji.

Kao dijete učio je umjetnost pod vodstvom oca Jana, samoukog umjetnika i kipara, pa je od malih nogu umjetnička djelatnost dobila punu podršku oba roditelja. 1989. godine, u dobi od osamnaest godina, Balos je iz Poljske otišao u Sjedinjene Države, gdje je školski učitelj i honorarna umjetnica Katie Gaggliardi potaknula je Alkasandru da ide u umjetničku školu. Balos je tada dobio punu stipendiju sa Sveučilišta Milwaukee Wisconsin, gdje je studirao slikarstvo kod profesora filozofije Harryja Rosina.

Po završetku studija 1995. i stjecanju prvostupničke diplome, Balos se preselio u Chicago pohađati likovnu školu čija se metoda temelji na kreativnosti. Jacques-Louis David... Figurativni realizam i portretno slikarstvo činili su većinu Balosovih djela 90-ih i početkom 2000-ih. Danas se Balos koristi ljudskom figurom kako bi istaknuo osobitosti i pokazao nedostatke ljudskog bića, a pritom ne nudi nikakva rješenja.

Kompozicije radnji njegovih slika gledatelj namjerava samostalno interpretirati, tek tada će platna dobiti svoje pravo vremensko i subjektivno značenje. 2005. umjetnik se preselio u sjevernu Kaliforniju, a od tada se opseg njegovog rada značajno proširio i sada uključuje liberalnije slikarske tehnike, uključujući apstrakciju i razne multimedijske stilove koji pomažu u izražavanju ideja i ideala bivanja kroz slikarstvo.

Redovnici Alyssa

Monasi Alyssa - moderni američki umjetnik... Rođena je 1977. godine u Ridgewoodu u državi New Jersey. Za slikanje se počela zanimati još kao dijete. Studirao u New School u New Yorku i Državno sveučilište Montclair, a nakon što je 1999. godine diplomirao na koledžu u Bostonu, diplomirao je. Paralelno je studirala slikarstvo na akademiji Lorenzo de Medici u Firenci.

Potom je nastavila studirati na magistarskom studiju na New York Academy of Art, na Odsjeku za figurativnu umjetnost, diplomirala 2001. godine. Diplomirala je na Fullerton Collegeu 2006. godine. Neko je vrijeme predavala na sveučilištima i obrazovne ustanove širom zemlje, predavao je slikarstvo na New York Academy of Art, kao i na Montclair State University i Lyme Art Academy College.

“Korištenjem filtara poput stakla, vinila, vode i pare, izobličim ljudsko tijelo... Ovi filtri omogućuju stvaranje velikih područja apstraktnog dizajna, kroz koje se vide otoci boja - dijelovi ljudskog tijela.

Moje se slike mijenjaju moderan izgled već ustaljenim, tradicionalnim pozama i gestama kupaćih žena. Pažljivom gledatelju mogli bi puno toga reći o takvim naizgled samim po sebi razumljivim stvarima kao što su blagodati plivanja, plesanja i tako dalje. Moji su likovi pritisnuti staklom prozora tuš kabine, iskrivljujući vlastito tijelo, shvaćajući da time utječu na zloglasni muški pogled na golu ženu. Gusti slojevi boje miješaju se iz daljine oponašajući staklo, paru, vodu i meso. Međutim, izbliza postaju očigledna nevjerojatna fizička svojstva uljne boje. Eksperimentirajući sa slojevima boje i boje, pronalazim trenutak u kojem apstraktni potezi postaju nešto drugo.

Kad sam prvi put počeo slikati ljudsko tijelo, odmah sam bio fasciniran i čak opsjednut njime i vjerovao sam da svoje slike moram učiniti što realnijim. „Ispovijedao sam“ realizam sve dok se sam u sebi nije počeo razotkrivati \u200b\u200bi otkrivati \u200b\u200bproturječnosti. Sada istražujem mogućnosti i potencijal slikarskog stila, gdje se reprezentativno slikarstvo i apstrakcija susreću - ako oba stila mogu istovremeno koegzistirati, ja ću. "

Antonio Finelli

Talijanski umjetnik - “ Promatrač vremena”- Antonio Finelli rođen je 23. veljače 1985. Trenutno živi i radi u Italiji između Rima i Campobassa. Njegova su djela bila izložena u nekoliko galerija u Italiji i inozemstvu: Rim, Firenca, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, a mogu se naći i u privatnim i javnim kolekcijama.

Crteži olovkom " Promatrač vremena“Antonio Finelli šalje nas na vječno putovanje unutarnjim svijetom ljudske privremenosti i s njim povezanom pedantnom analizom ovoga svijeta, čiji je glavni element prolazak kroz vrijeme i tragovi koje on stvara na koži.

Finelli slika portrete ljudi bilo koje dobi, spola i nacionalnosti, čiji izrazi lica svjedoče o prolasku kroz vrijeme, a umjetnik se nada da će na tijelima svojih likova pronaći dokaze o nemilosrdnosti vremena. Antonio definira svoja djela jednim općim naslovom: „Autoportret“, jer na crtežima olovkom ne samo da prikazuje osobu, već omogućava gledatelju da promatra stvarne rezultate protoka vremena unutar osobe.

Flaminia carloni

Flaminia Carloni je 37-godišnja talijanska umjetnica, kći diplomata. Ima troje djece. Dvanaest godina živjela je u Rimu, tri godine u Engleskoj i Francuskoj. Diplomirao povijest umjetnosti na Umjetničkoj školi BD. Tada je dobila diplomu restauratorice umjetnina. Prije nego što je pronašla svoj poziv i posvetila se slikarstvu, radila je kao novinarka, koloristica, dizajnerica i glumica.

Flaminia je kao dijete razvila strast prema slikanju. Njezin glavni medij je ulje jer voli "coiffer la pate" i također se igra s materijalom. Sličnu tehniku \u200b\u200bnaučila je u djelima umjetnika Pascala Torua. Flaminia je nadahnuta velikim slikarima poput Balthusa, Hoppera i Françoisa Legranda, kao i raznim umjetničkim pokretima: ulična umjetnost, kineski realizam, nadrealizam i renesansni realizam. Njezin omiljeni umjetnik je Caravaggio. Njezin je san otkriti terapeutsku moć umjetnosti.

Denis Černov

Denis Černov - nadaren ukrajinski umjetnik, rođen je 1978. u Samboru, regija Lavov, Ukrajina. Nakon što je diplomirao u Harkovu umjetnička škola 1998. godine boravio je u Harkovu, gdje trenutno živi i radi. Studirao je i u Harkovu državna akademija Dizajn i umjetnost, Odsjek za grafiku, diplomirao je 2004. godine.

Redovito sudjeluje na umjetničkim izložbama u ovaj trenutak dogodilo ih se više od šezdeset, kako u Ukrajini, tako i u inozemstvu. Većina djela Denisa Chernova čuva se u privatnim kolekcijama u Ukrajini, Rusiji, Italiji, Engleskoj, Španjolskoj, Grčkoj, Francuskoj, SAD-u, Kanadi i Japanu. Neka su djela prodana Christie'su.

Denis radi u širokom spektru grafičkih i slikarske tehnike... Crteži olovkom jedna su od njegovih omiljenih metoda slikanja, popis tema za crteže olovkom također je vrlo raznolik, piše pejzaže, portrete, gole, žanrovske kompozicije, ilustracije knjiga, književne i povijesne rekonstrukcije i fantazija.

Volite li japansko slikarstvo? Koliko znate o poznatim japanskim umjetnicima? Razmotrimo s vama u ovom članku najviše poznati umjetnici Japan koji je svoja djela stvarao ukiyo-e (浮世 絵) stilu. Ovaj stil slikanja razvio se od razdoblja Edo. Hijeroglifi kojima je ovaj stil napisan 絵 絵 doslovno znače "slike (slike) svijeta koji se mijenja", možete pročitati više o ovom smjeru slikanja

Hisikawa Moronobu (菱 川 師 宣, 1618.-1694.). Smatra se utemeljiteljem žanra ukiyo-e, iako je zapravo samo prvi majstor čiji su život sačuvane biografske informacije. Moronobu je rođen u obitelji majstora za bojanje tkanina i vezova zlatnim i srebrnim nitima i već se dugo bavi obiteljskim zanatom, pa je prepoznatljiva osobina njegovog rada lijepo uređena odjeća ljepota koja daje prekrasan umjetnički učinak.

Nakon preseljenja u Edo, prvo je samostalno proučavao slikarske tehnike, a potom je umjetnik Kambun nastavio studij.

Većina Moronobuovih albuma došla je do nas, u kojima on prikazuje povijesne i književne radnje i knjige s uzorcima uzoraka za kimono. Majstor je također radio u žanru šunga, a među pojedinačnim djelima nekoliko ih je preživjelo s likom lijepih žena.

(鳥 居 清 長, 1752-1815). Prepoznat krajem 18. stoljeća, majstor Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) nosio je pseudonim Torii Kiyonaga, koji je uzeo kad je naslijedio školu Ukiyo-e Torii od Torii Kiyomitsu nakon njegove smrti.

Kiyonaga je rođen u obitelji prodavača knjiga Shirakoya Ishibei. Žanr bidzinga donio mu je najveću slavu, premda je započeo s yakusha-e. Predmeti za gravuru u žanru nadmetanja preuzeti su iz svakidašnjica: šetnje, svečane povorke, izlasci u prirodu. Među brojnim umjetnikovim radovima ističu se serija "Natjecanja modnih ljepotica iz vesele četvrti", koja prikazuje Minami, jednu od "veselih četvrti" na jugu Eda, "12 portreta južnih ljepotica", "10 vrsta čajanki" . Prepoznatljiva značajka majstor je bio detaljna studija pozadine i uporabe tehnika koje su došle sa Zapada za prikazivanje svjetlosti i prostora.

Početnu slavu Kiyonaga je stekao obnovom 1782. serije "Modeli mode: modeli novi kao proljetno lišće", koju je Koryusai započeo 1770-ih za izdavača Nishimurai Yohachi.

(喜 多 川 歌 麿, 1753-1806). Na ovog uglednog majstora ukiyo-e značajno su utjecali Torii Kiyonaga i izdavač Tsutaya Juzaburo. Kao rezultat dugotrajne suradnje s njima objavljeni su mnogi albumi, knjige s ilustracijama i serije grafika.

Unatoč činjenici da je Utamaro uzimao zavjere iz života običnih obrtnika i nastojao prikazati prirodu ("Knjiga o insektima"), slava mu je pripala kao umjetniku djela posvećenih gejšama iz četvrti Yoshiwara ("Godišnjak zelenih kuća Yoshiwara" ").

Utamaro je dostigao visoku razinu u izražavanju stanja uma na papiru. Po prvi put u japanskom drvorezu počeo je koristiti skladbe poprsja.

Utamarovo je djelo utjecalo na to francuski impresionisti i pridonijeli zanimanju Europljana za japanske grafike.

(葛 飾 北 斎, 1760.-1849.). Pravo ime Hokusaija je Tokitaro. Vjerojatno najpoznatiji majstor ukiyo-e širom svijeta. Tijekom svog rada koristio je preko trideset pseudonima. Povjesničari se često koriste pseudonimima kako bi periodizirali njegovo djelo.

Isprva je Hokusai radio kao rezbar, čiji je rad bio ograničen na umjetnikovu namjeru. Ta je činjenica težila Hokusaiu i on se počeo tražiti kao neovisan umjetnik.

1778. postao je šegrt u studiju Katsukawa Shunsh, specijalizirao se za grafike yakusha-e. Hokusai je bio i nadaren i vrlo marljiv učenik koji je uvijek pokazivao poštovanje prema učitelju, pa je stoga uživao posebnu naklonost Shunsha. Dakle, prva samostalan rad Hokusai su bili u žanru yakusha-e u obliku diptih i triptih, a popularnost učenika jednaka je popularnosti učitelja. U to je vrijeme mladi majstor već toliko razvio svoj talent da se osjećao skučeno u okviru jedne škole, a nakon smrti učitelja, Hokusai je napustio studio i proučavao upute drugih škola: Kano, Sotatsu (inače - Koetsu), Rimpa, Tosa.

U tom razdoblju umjetnik ima značajne financijske poteškoće. Ali istodobno, formira se kao gospodar koji odbija poznatu sliku koju je društvo tražilo i traži svoj stil.

1795. objavljene su ilustracije za pjesnički zbornik "Kaka Edo Murasaki". Tada je Hokusai naslikao slike surimona, koje su odmah počele uživati \u200b\u200bu popularnosti, a mnogi su ih umjetnici počeli oponašati.

Od tog razdoblja Tokitaro počinje svoja djela potpisivati \u200b\u200bimenom Hokusai, iako su neka njegova djela izlazila pod pseudonimima Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.

1800. godine majstor se počeo nazivati \u200b\u200bGakejin Hokusai, što znači "Slikati ludi Hokusai".

Značajne serije ilustracija uključuju 36 pogleda na planinu Fuji, od kojih je Victory Wind najistaknutiji. Vedri dan ”ili„ Crveni Fuji ”i„ Veliki val s Kanagawe ”,„ 100 pogleda na planinu Fuji ”, objavljeni u tri albuma„ Manga Hokusai ”(北 斎 漫画), koji se naziva„ enciklopedijom japanskog naroda ". Umjetnik je sve svoje stavove o kreativnosti i filozofiji stavio u "Mangu". Manga je najvažniji izvor za proučavanje života Japana u to vrijeme, jer uključuje mnoge kulturne aspekte. Ukupno je tijekom života umjetnika objavljeno dvanaest brojeva, a nakon njegove smrti - još tri:

* 1815. - II., III

* 1817. - VI, VII

* 1849. - XIII. (Nakon smrti umjetnika)

Hokusaijeva umjetnost utjecala je na europske trendove poput secesije i francuskog impresionizma.

(河 鍋 暁 斎, 1831.-1889.). Koristio je pseudonime Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Doujin, studirao u školi Kano.

Za razliku od Hokusaija, Kyosai je bio prilično drzak, zbog čega je prekinuo vezu s umjetnikom Tsuboyama Tozanom. Nakon škole postao sam neovisni gospodar, iako ju je ponekad posjećivao i po pet godina. U to je vrijeme slikao kyogu, takozvane "lude slike".

Među izvanrednim gravurama razlikuje se stotinu slika Kyosaija. Kao ilustrator, Kyosai stvara slike za kratke priče i romane u suradnji s drugim umjetnicima.

Krajem 19. stoljeća Europljani su često posjećivali Japan. Umjetnik je bio upoznat s nekima od njih, a nekoliko njegovih djela sada se nalazi u Britanskom muzeju.

(歌 川 広 重, 1797.-1858.). Radio je pod pseudonimom Ando Hiroshige (安藤 広 重) i poznat je po suptilnom prikazivanju prirodnih motiva i prirodnih fenomena. Prvu sliku "Planina Fuji u snijegu", koja se danas čuva u muzeju Suntory u Tokiju, naslikao je u dobi od deset godina. Parcele rani radovi temeljili su se na stvarni događajiodvija na ulicama. Njegovi poznati ciklusi: "100 pogleda na Edo", "36 pogleda na planinu Fuji", "53 stanice na Tokaido", "69 stanica na Kimokaido", "100 poznatih pogleda na Edo". Na Moneta i ruskog umjetnika Bilibina snažno su utjecale 53 postaje ceste Tokaido, naslikane nakon putovanja duž Istočne primorske ceste, kao i 100 pogleda na Edo. Iz serije u žanru katyo-ga od 25 gravura, najpoznatiji je list "Vrapci nad kamelijom prekrivenom snijegom".

(歌 川 国 貞, također poznat kao Utagawa Toyokuni III (三代 歌 川 豊 国)). Jedna od najvažnijih izvanredni umjetnici ukiyo-e.

Plaćeno posebna pažnja glumci kabuki i samo kazalište - to je oko 60% svih djela. Također su poznata djela u žanru nadmetanja i portreti sumo hrvača. Poznato je da je stvorio od 20 do 25 tisuća parcela, koje su uključivale 35-40 tisuća listova. Rijetko se obraćao krajolicima i ratnicima. Utagawa Kuniyoshi (歌 川 国 芳, 1798. - 1861.). Rođen u obitelji farbara svile. Kuniyoshi je počeo učiti crtanje u dobi od deset godina dok je živio s umjetnikom Kuninaom u njihovoj obitelji. Potom je nastavio studije kod Katsukawe Shunyei, a s 13 godina ulazi u radionicu Tokuyoni. Prve godine mladi umjetnik stvari ne stoje dobro. No, nakon što je od izdavača Kagaya Kitibei dobio narudžbu za pet gravura za seriju 108 Suikoden Heroes, stvari su krenule mahom. Stvara ostatak likova u ovoj seriji, a zatim nastavlja s drugim raznim djelima, a nakon petnaest godina postaje ravan Utagawi Hiroshige i Utagawa Kunisadi.

Nakon zabrane iz 1842. na prikazima kazališnih scena, glumaca, gejša i kurtizana, Kuniyoshi je napisao svoju seriju "mačaka", napravio gravure iz obrazovne serije za domaćice i djecu, prikazuje nacionalne heroje u seriji "Tradicija, moral i pristojnost", i krajem 1840 - x - ranih 1850-ih, nakon slabljenja zabrana, umjetnik se vratio temi kabuki.

(渓 斎 英 泉, 1790.-1848.). Poznat po svojim radovima u žanru licitiranja. U njegovom najbolji radovi uključuje portrete poput okubi-e ("velike glave"), koji se smatraju primjerima vještine Bunseijeve ere (1818.-1830.), kada je žanr ukiyo-e propadao. Umjetnik je naslikao mnogo lirskog i erotskog surimona, kao i ciklus krajolika "Šezdeset devet stanica Kisokaido", koji nije mogao dovršiti, a dovršio ga je Hiroshige.

Novost u prikazu Bijinge bila je senzualnost koju drugi umjetnici ranije nisu imali. Iz njegovih djela možemo razumjeti modu toga doba. Također je objavio biografije o Četrdeset sedam Ronina i napisao je nekoliko drugih knjiga, uključujući Povijest otisaka Ukiyo-e (Ukiyo-e Ruiko), koja sadrži biografije umjetnika. A u Bilješkama bezimenog starca opisao se kao razvratni pijanac i bivši vlasnik javne kuće u Nedzu koja je izgorjela 1830-ih.

Suzuki Harunobu (鈴木 春 信, 1724-1770). Pravo umjetnikovo ime je Hodzumi Jirobei. Otkrivač je polikromnog tiska ukiyo-e. Studirao je u školi Kano i studirao slikarstvo. Tada su pod utjecajem Shigenage Nishimure i Torii Kiyomitsu drvorezi postali njegov hobi. Gravire u dvije ili tri boje izrađivale su se od početka 18. stoljeća, a Harunobu je počeo slikati u deset boja, koristeći tri ploče i kombinirajući tri boje - žutu, plavu i crvenu.

Stao na slici ulične scene i slike u žanru šunga. A od 1760-ih bio je jedan od prvih koji je počeo portretirati glumce kazališta kabuki. Njegov je rad utjecao na E. Maneta i E. Degasa.

(小 原 古邨, 1877. - 1945.). Njegovo pravo ime je Matao Ohara. Prikazivao je scene iz rusko-japanskog i kinesko-japanskog rata. Međutim, nakon pojave fotografije, njegov se rad slabo prodavao i počeo je zarađivati \u200b\u200bza život podučavajući u školi. likovne umjetnosti u Tokiju. 1926. Ernest Felloza, kustos odjela japanska umjetnost u bostonskom muzeju nagovorio Oharu da se vrati slikarstvu, a umjetnik je počeo prikazivati \u200b\u200bptice i cvijeće, a njegovo se djelo dobro prodalo u inozemstvu.

(伊藤 若 冲, 1716. - 1800.). Među ostalim umjetnicima istakao se svojom ekscentričnošću i životnim stilom, koji se sastoji u prijateljstvu s mnogim kulturnim i umjetničkim vjerske vođe to vrijeme. Životinje, cvijeće i ptice prikazivao je na vrlo egzotičan način. Bio je vrlo poznat i primao je narudžbe za oslikavanje paravana i hramovnih slika.

(鳥 居 清 信, 1664.-1729.). Jedan od najvažnijih predstavnika rano razdoblje ukiyo-e. Unatoč velikom utjecaju svog učitelja Hisikawe Monorobua, postao je utemeljitelj žanra yakusha-e na sliku plakata i plakata i izmislio svoj vlastiti stil. Glumci su u posebnim pozama prikazani kao hrabri junaci i u njima su slikani
plemenita narančasta bojaa zlikovci su uvučeni plavi cvjetovi... Kako bi prikazao strast, umjetnik je izumio posebnu vrstu crtanja mimizugakija - to su zavojite linije s izmjeničnim tankim i debelim potezima i kombinacija s grotesknom slikom mišića udova.

Torii Kiyonobu osnivač je slikarske dinastije Torii. Njegovi su učenici bili Torii Kiyomasu, Torii Kiyosige I, Torii Kiyomitsu.

Tko je vaš omiljeni umjetnik ukiyo-e?

Japanski se jezik razlikuje od bilo kojeg europskog jezika po svojoj strukturi, što može prouzročiti određene poteškoće u učenju. Međutim, ne brinite! Posebno za vas razvili ste tečaj "" za koji se odmah možete prijaviti!

Jednobojno slikarstvo u Japanu jedan je od jedinstvenih fenomena orijentalne umjetnosti. Mnogo je radova i istraživanja posvećeno tome, ali često se doživljava kao vrlo uvjetna stvar, a ponekad čak i kao ukrasna. To nije tako. Duhovni svijet japanskog umjetnika vrlo je bogat i ne brine toliko o estetskoj komponenti koliko o duhovnoj. Umjetnost Istoka sinteza je vanjskog i unutarnjeg, eksplicitnog i implicitnog.

U ovom postu želio bih obratiti pažnju ne na povijest jednobojnog slikarstva, već na njegovu suštinu. O tome će se raspravljati.

paravan "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Ono što vidimo na jednobojnim slikama rezultat je umjetnikove interakcije s borovom trijadom: papirom, četkom, tintom. Stoga, da bismo ispravno razumjeli djelo, moramo razumjeti samog umjetnika i njegov stav.

"Pejzaž" Sesshu, 1398.

Papir nije lako za japanskog majstora zgodan materijal, koju podvrgava svom hiru, već je upravo suprotno "brat", stoga se i odnos prema njoj razvio u skladu s tim. Papir je dio okolna priroda, prema kojem su Japanci uvijek trepetali sa zebnjom i pokušavali se ne potčiniti, već da mirno koegzistiraju s njom. Papir je u prošlosti bio drvo koje je neko vrijeme stajalo na određenom području, "vidjelo" je nešto oko sebe i ono sve to pohranjuje. Tako japanski umjetnik doživljava materijal. Prije početka rada, obrtnici su ih često gledali prozirni list (oni su to razmišljali) i tek tada su počeli slikati. I danas suvremeni japanski umjetnici koji se bave tehnikom Nihon-ga (tradicionalno japansko slikarstvo) pažljivo biraju papir. Kupuju ga po narudžbi u tvornicama papira. Za svakog umjetnika određene debljine, propusnosti vlage i teksture (mnogi umjetnici čak zaključe ugovor s vlasnikom tvornice da ovaj papir ne prodaju drugim umjetnicima) - stoga se svaka slika doživljava kao nešto jedinstveno i živo.

"Čitanje u bambusovom gaju" Syubun, 1446.

Govoreći o značaju ovog materijala, vrijedi spomenuti takve poznate spomenike japanske književnosti kao što su "Bilješke uz uzglavlje" Seija Shonagon-a i "Genji Monogotari" Murasaki Shikibu-a: u "Bilješkama" i "Genji" možete pronaći zavjere kad dvorjani ili ljubavnici razmjenjuju poruke ... Papir na kojem su napisane ove poruke pripadao je odgovarajućoj sezoni, nijansi i način pisanja teksta odgovarao je njegovoj teksturi.

"Murasaki Shikibu u svetištu Ishiyama", Kyoshen

Četka - druga komponenta je nastavak ruke gospodara (opet, ovo je prirodni materijal). Stoga su se i četke izrađivale po narudžbi, ali najčešće sam umjetnik. Pokupio je dlake potrebne duljine, odabrao veličinu četke i najudobnije držanje. Majstor piše samo vlastitom četkom, a nikako drugom. (Od osobno iskustvo: Bio sam na majstorskoj klasi kineskog umjetnika Jianga Shiluna, publika je zamoljena da pokaže što su mogli raditi njegovi studenti koji su bili prisutni na majstorskoj klasi, a svaki od njih, uzimajući majstorski kist, rekao je da će ne razraditi ono što su očekivali, jer četka nije njihova, na nju nisu navikli i ne znaju je pravilno koristiti).

Skica tinte "Fuji", Katsushika Hokusai

Maskara je treći važan element. Maskara se dogodi različiti tipovi: može dati sjajni ili mat efekt nakon sušenja, može se miješati sa srebrnim ili oker nijansama pravi izbor maskara također nije nevažna.

Yamamoto Baytsu, kraj 18. - 19. stoljeće.

Glavni su predmeti jednobojnog slikarstva pejzaži. Zašto u njima nema boje?

Dvostruki zaslon "Pines", Hasegawa Tohaku

Prvo, japanskog umjetnika ne zanima sama tema, već njena suština, određena komponenta koja je zajednička svim živim bićima i dovodi do sklada između čovjeka i prirode. Stoga je slika uvijek nagovještaj, upućena je našim osjetilima, a ne vidu. Potcjenjivanje je poticaj za dijalog, što znači povezanost. Linije i mrlje važne su na slici - čine umjetnički jezik. To nije sloboda gospodara, koji je ostavio masni trag gdje je želio, ali ga na drugom mjestu, naprotiv, nije naslikao - sve na slici ima svoje značenje i značenje i ne nosi slučajni lik .

Drugo, boja uvijek nosi neku vrstu emocionalne obojenosti i različito je percipiraju različiti ljudi u različitim stanjima, stoga emocionalna neutralnost omogućava gledatelju da najadekvatnije stupi u dijalog, postavi ga za percepciju, promišljanje, razmišljanje.

Treće, ovo je interakcija jina i janga, svaka monokromna slika skladna je u odnosu na omjer tinte i netaknutog područja papira.

Zašto je većina prostora za papir neiskorištena?

"Pejzaž" Syubun, sredina 15. stoljeća.

Prvo, prazan prostor uranja gledatelja u sliku; drugo, slika nastaje kao da je na trenutak isplivala na površinu i uskoro će nestati - to je zbog svjetonazora i svjetonazora; treće, u područjima gdje nema tinte, tekstura i sjena papira dolaze do izražaja (to nije uvijek vidljivo na reprodukcijama, ali zapravo je to uvijek interakcija dvaju materijala - papira i tinte).

Sesshu, 1446

Zašto krajolik?


"Razmatranje slapova" Geiamija, 1478

Prema japanskom svjetonazoru, priroda je savršenija od čovjeka, pa on iz nje mora učiti, paziti na sve moguće načine, a ne je uništavati ili podjarmljivati. Stoga na mnogim krajolicima možete vidjeti male slike ljudi, ali one su uvijek beznačajne, male u odnosu na sam krajolik ili slike koliba koje su upisane u okolni prostor i nisu ni uvijek uočljive - sve su to simboli svjetonazor.

"Godišnja doba: jesen i zima" Sesshu. "Pejzaž" Sesshu, 1481

U zaključku želim reći da jednobojno japansko slikarstvo nije kaotično ispljunuto tintom, nije hirov umjetnikov unutarnji ego - to je čitav sustav slika i simbola, ono je spremište filozofske misli, i što je najvažnije, način komunikacije i usklađivanja sebe i svijeta oko nas.

Mislim da su ovdje odgovori na glavna pitanja koja se pojavljuju kod gledatelja kada se suoči s jednobojnim japanskim slikarstvom. Nadam se da će vam pomoći da to ispravno shvatite i shvatite kad se sretnete.

Hokusai, japanski umjetnik iz 18. stoljeća, stvorio je vrtoglavu količinu ilustracije... Hokusai je radio do duboke starosti, uvijek tvrdeći da "sve što je radio prije 70. godine nije se isplatilo i nije bilo vrijedno pažnje."

Možda najpoznatiji japanski umjetnik na svijetu, uvijek se isticao od svojih suvremenika zanimanjem za svakodnevni život. Umjesto da prikazuje glamurozne gejše i herojske samuraje, Hokusai je slikao radnike, ribare, urbane žanrovske scene koje još nisu bile predmetom zanimanja japanske umjetnosti. Također je zauzeo europski pristup kompoziciji.

Ovdje uži izbor ključni pojmovi koji će vam pomoći da se lagano snađete u Hokusaijevom radu.

1 Ukiyo-e - Grafike i slike popularne u Japanu od 1600-ih do 1800-ih. Smjer prema likovne umjetnosti Japan, koji se razvio od razdoblja Edo. Ovaj pojam dolazi od riječi "ukiyo", što znači "svijet koji se mijenja". Uikie je aluzija na hedonističke radosti procvjetale trgovačke klase. U tom je smjeru Hokusai najpoznatiji umjetnik.


Hokusai se tijekom svog života koristio ni manje ni više od trideset pseudonima. Iako je među pseudonimima bila uobičajena praksa japanski umjetnici toga doba, po broju pseudonima, znatno je nadmašio ostale veće autore. Hokusaijevi pseudonimi često se koriste za periodizaciju faza njegovog rada.

2 Edo razdoblje je vrijeme između 1603. i 1868. u japanskoj povijesti, kada su zabilježeni gospodarski rast i novi interes za umjetnost i kulturu.


3 Shunrō je prvi od Hokusaijevih pseudonima.

4 Shunga doslovno znači "slika proljeća", a "proljeće" je japanski žargon za seks. Dakle, radi se o gravurama erotske prirode. Stvorili su ih najcjenjeniji umjetnici, uključujući Hokusai.


5 Surimono. Posljednji "surimono" - kako su se nazivali ti otisci po mjeri - postigli su izuzetan uspjeh. Za razliku od otisaka ukiyo-e, koji su bili namijenjeni široj javnosti, surimono se rijetko prodavao široj javnosti.


6 Planina Fuji simetrična je planina za koju se ispostavlja da je najviša u Japanu. Tijekom godina nadahnula je mnoge umjetnike i pjesnike, uključujući Hokusaija, koji je producirao ukiyo-e seriju Trideset i šest pogleda na planinu Fuji. Ova serija uključuje najpoznatije Hokusaijeve grafike.

7 Japonizam - trajni utjecaj koji je Hokusai imao na sljedeće generacije zapadnjački umjetnici... Japonizam je stil nadahnut jarkim bojama otisaka ukiyo-e, nedostatkom perspektive i kompozicijskim eksperimentiranjem.